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jeu. 27 juin

José Campeche (San Juan, Puerto Rico, 1751 - 1809) - José Campeche (San Juan, Porto Rico, 1751 - 1809) "Portrait possible de Mme Catalina de Urrutia". Huile sur toile.102 x 77 cm. Campeche a représenté María de Urrutia à différentes occasions et à différents âges. Notre hypothèse est que ce portrait serait celui où elle apparaîtrait à l'âge le plus avancé. Comme l'indique le site web de la Hispanic Society of New York, "María Catalina de Urrutia appartenait à une importante famille créole de propriétaires terriens de Cuba, où elle est née (en 1749) ; son père, Bernardo de Urrutia y Matos, était maire de La Havane. En 1766, María Catalina épouse le colonel Juan Andrés Dabán y Busterino (1724-1793), un officier militaire espagnol d'origine aragonaise qui deviendra gouverneur et capitaine général de Porto Rico de 1783 à 1789. Il avait été inspecteur militaire à Cuba au milieu des années 1760, et c'est apparemment là qu'ils se sont fiancés. À Porto Rico, il mène des campagnes de reconstruction à la suite d'ouragans, met en place un système postal, commence à paver les rues et les trottoirs avec du ballast volcanique bleu provenant des îles Canaries et fonde une fabrique de cigares qui exporte vers les Pays-Bas. Il est promu maréchal de camp et, de retour en Espagne, il est gouverneur de Badajoz à partir de 1792. La date à laquelle Don Juan et Doña María se sont installés en Espagne est incertaine. Campeche était l'un des artistes portoricains les plus reconnus. Il est le seul disciple de Luis Paret y Alcázar (1746-1799), qui arriva sur l'île après avoir été exilé par le roi Charles III, entre 1775 et 1778. Le Puerto Rico Art Museum conserve certaines de ses œuvres d'art dans sa collection. Sa fiche biographique y explique : "Il a principalement développé des thèmes religieux et des portraits dans sa peinture. Son œuvre est considérée comme rococo en raison de son intérêt pour les détails et l'ornementation. Les gris bleutés et les roses dominent sa palette, qu'il a assimilée à celle de Paret. En 2006, le musée d'art de Ponce a organisé une exposition qui s'est rendue au prestigieux musée d'art de Worcester, dans le Massachusetts, et qui comprenait des peintures de Campeche, Francisco Oller et Miguel Pou. Campeche fait preuve d'une grande maîtrise dans les portraits et les miniatures, caractéristiques qui font de lui l'un des peintres hispano-américains les plus exaltés et les plus remarquables de la fin du XVIIIe siècle".

Estim. 60 000 - 75 000 EUR

jeu. 27 juin

Italian school. 18th century - École italienne. XVIIIe siècle "Notre-Dame de la Sainte-Espérance Huile sur cuivre. 35 x 25 cm. Dimensions avec le cadre103 x 71 cm. Accompagné d'un imposant cadre d'époque à cornes d'abondance, en bois sculpté, doré et incrusté de miroirs. Portrait exquis et raffiné de Notre-Dame de la Sainte-Espérance. Les informations historiques sur l'origine de cette image remontent à 1750, lorsqu'un pieux chrétien fit peindre un tableau de Marie à l'Enfant, qu'il offrit au Père Tommaso del Costato di Gesù (plus tard Monseigneur Struzzieri, évêque de Todi et premier évêque de la congrégation des Passionistes), qui l'emportait toujours avec lui dans ses SS. Missions. Cette image portait dès le début le titre de "Mater Sanctae Spei". L'ensemble de la composition, y compris le cadre sculpté et doré de la corne d'abondance, rappelle les œuvres du baroque flamand dans lesquelles la Vierge Marie apparaît toujours entourée d'une guirlande de fleurs. Ici, en parallèle, la guirlande est représentée par la sculpture du cadre avec des feuilles d'acanthe et des fleurs et un petit dais à la manière du Bernin. Nous contemplons la perfection simple, sereine et détaillée de la peinture intérieure, encadrée par ce "cadre à guirlande", comme un hommage, une vénération et une prière à cette Madone. L'image a été perfectionnée par de minuscules coups de pinceau. D'après la gravure de Hyeronimus Wierix, graveur flamand du XVIe siècle, "Mater Sanctae Spei", le tableau représente la Vierge Marie avec l'Enfant Jésus dans ses bras. Elle le tient de son bras droit et de son bras gauche elle le désigne comme la source des grâces divines (iconographie appelée Hodegetria : "celle qui montre le chemin", la Vierge Marie Hodegetria désigne l'Enfant comme la voie du salut. Et cet Enfant, tenant une croix de la main gauche, la main droite levée, est dans l'attitude d'un roi qui donne la permission de s'approcher de lui. L'image originale de "Notre-Dame de la Sainte-Espérance" est une toile peinte par Agustin Marqui en 1750, à l'occasion d'une mission passionniste prêchée par le père Tomas Stuzzieri, qu'il offrit à saint Paul de la Croix en suggérant que "chaque ecclésiastique l'ait dans sa cellule". Vincent Maria Strambi et le deuxième supérieur général des Passionistes (de 1755 à 1790), le père Jean-Baptiste de Saint-Vincent Ferrer. En fait, elle a guéri le Père Jean-Baptiste, qui était mourant, d'une maladie incurable, et c'est lui-même qui a décrété que l'image devait être saluée trois fois par jour. La dévotion à la Sainte Vierge, sous cette invocation, s'est développée dans la Congrégation des Passionistes dès ses origines. Son principal promoteur fut le grand missionnaire, le père Thomas Struzzieri, qui fut ensuite nommé évêque. Dans les saintes missions, il portait toujours sur lui une image de l'invocation. Plus tard, cette image fut reproduite en série et commença à être placée dans les chambres du clergé passioniste afin qu'il puisse diriger son regard vers elle et l'invoquer dans ses besoins spirituels. La Vierge Marie, Mère de la Sainte Espérance, est ainsi devenue un modèle singulier et un appui solide pour notre propre espérance. L'espérance que la Vierge Marie présente et à laquelle elle appelle est la Croix que l'Enfant Jésus tient dans sa main, comme signe de son amour sans mesure, qui s'est manifesté à nous jusqu'à la mort et à la mort sur une croix.

Estim. 15 000 - 18 000 EUR

jeu. 27 juin

Attributed to José Campeche (San Juan, Puerto Rico, 1751 - 1809) - Attribué à José Campeche (San Juan, Porto Rico, 1751 - 1809) Le Christ ressuscité avec les Pères de l'Église Huile sur toile. 98,5 x 77 cm. Magnifique lien d'une extrême qualité des XVIIe et XVIIIe siècles qui montre le triomphe de Jésus montant aux cieux dans un cadre strictement théologique : celui des quatre saints pères de l'Église qui contemplent l'univers dans lequel ils ont tant écrit et qui ont élaboré ce que l'on appelle la "Patrística", c'est-à-dire la pensée chrétienne des premiers siècles. À l'extérieur du Christ, on trouve San Ambrosio de Milán et San Gregorio de Milán ; à l'extérieur, San Agustín de Hipona et, derrière lui, San Jerónimo de Estridón. En una filacteria baja se lee "IN NOMINE EIUSGENTES SPERABUNT"('En Su nombre, las naciones esperarán'), una clara alusión al motivo central del lienzo : volver a la vida después de la muerte. Campeche était l'un des artistes portoricains les plus reconnus. Il fut le seul disciple de Luis Paret y Alcázar (1746-1799), qui arriva sur l'île après avoir été exilé par le roi Charles III, entre 1775 et 1778. Le Puerto Rico Art Museum conserve certaines de ses œuvres d'art dans sa collection. Sa fiche biographique explique : Il a principalement développé des thèmes religieux et des portraits dans sa peinture. Son œuvre est considérée comme rococo en raison de son intérêt pour les détails et l'ornementation. Les gris bleutés et les roses dominent sa palette, qu'il a assimilée à celle de Paret. En 2006, le musée d'art de Ponce a organisé une exposition qui s'est rendue au prestigieux musée d'art de Worcester, dans le Massachusetts, et qui comprenait des peintures de Campeche, Francisco Oller et Miguel Pou. Campeche fait preuve d'une grande maîtrise dans les portraits et les miniatures, caractéristiques qui font de lui l'un des peintres hispano-américains les plus exaltés et les plus remarquables de la fin du XVIIIe siècle". Frecuente en el estilo que desarrolla nuestro pintor pueden percibirse las figuras alargadas, los angeles querubines y niños con rostros redondos. C'est le cas de l'ange qui porte la tiare papale dans notre œuvre et qui, comparé au Saint Jean de Campeche vendu récemment dans la Suite Subastas, est tout à fait représentatif de la même œuvre. Le San José con el Niño et le San Juan Bautista du Musée de l'Amérique sont également comparables à notre peinture et présentent tous deux de grandes similitudes en termes d'esthétique et de palette de couleurs.

Estim. 25 000 - 40 000 EUR

jeu. 27 juin

European school. Possibly France. 19th century. - École européenne. Probablement en France. Le 19e siècle. "La personnification des quatre continents. Quatre huiles sur toile. 38 x 49 cm chacune. Ces quatre tableaux montrent les allégories des quatre continents anciennement connus (Europe, Asie, Afrique et Amérique) représentés par des personnifications féminines qui sont, en réalité, des nymphes ("sources fertiles" des quatre grands fleuves de ces mêmes 4 continents (le Danube, le Gange, le Nil et le Rio de la Plata). Les quatre nymphes apparaissent nues, luxuriantes, fertiles et pleines de vie : L'Europe, brune, allongée sur un canapé doré de style Empire français, en lingerie, contemple et joue avec une miniature ; l'Asie, blonde, enturbannée, sur des coussins, fume l'opium ou une pipe indienne, et "séduit" son bien-aimé qui passe par la fenêtre comme un Maraja de l'Inde ; L'Afrique, à la peau noire et entièrement couverte de bijoux, s'entoure de l'abondance représentée par une belle et luxuriante nature morte de fruits, et joue avec la sensualité d'un foulard au vent ; et l'Amérique, au milieu de la jungle amazonienne, laisse son arc et ses flèches et se déshabille pour prendre un bain dans la rivière. Ces quatre petites toiles sont d'une facture magnifique, présentant des lignes très néoclassiques, très riches en détails et en couleurs, adaptées de manière créative au thème des femmes ou des nymphes (au lieu des personnifications classiques connues) débordantes de vie, de sensualité, de fraîcheur, de liberté,..., autant de qualités des 4 continents précédemment connus. Quatre continents qui "séduisent et invitent", qui murmurent "venez nous découvrir". Quatre petites images qui deviennent la meilleure publicité pour ce "visitez-nous et essayez-nous".

Estim. 40 000 - 50 000 EUR

sam. 29 juin

Nadar ; Petit, Pierre ; Reutlinger Studio ; Vaillant ; Benque, Wilhelm ; Berger (studio) ; Waléry (studio) - [PONCELET, Émile] Album de photographies et autographes de célébrités du monde de l'opéra, du théâtre et des lettres vantant les vertus des "Pastilles Poncelet". [Paris ou Verviers ? 1903] In-8° carré : 23 photographies tirées sur papier albuminé et 24 billets et cartons aut. signés, montés sur [26] ff. de carton crème, avec légendes mss et annot. techniques au crayon d'une main de l'ép. (qqs photos en partie décollées, décharge de 2 photos sur le doc. en regard). Demi-basane maroquinée noire à coins de l'ép., plats de percaline chagrinée noire sertie d'un filet gras et maigre doré, dos muet lisse fileté doré, montage sur onglets (qqs frottements avec pet. manques superficiels de percaline, ff. de garde lég. craquelés au niveau des charnières). Étonnant recueil de portraits et témoignages souvent teintés d'humour de la main d'une vingtaine de chanteuses et chanteurs lyriques, actrices, poètes, chansonniers, etc., français pour la plupart, prêtant leur image et leur signature avec qqs lignes pour promouvoir des pastilles pour la toux. Qqs noms : l'académicien François Coppée, Caroline Otero dite La Belle Otero ("Grâce aux pastilles "Poncelet" je compte bien chanter 200 fois consécutivement et sans fatigue mes jolis rôles dans la revue des "Folies Bergère""), la non moins belle Cléo de Mérode ("[...] double plaisir à les prendre : satisfaire ma gourmandise tout en me guérissant !"), la soprano suisse Lucienne Bréval (portrait en Brünnhilde), le baryton Jean Lassalle, la basse Lucien Fugère ("Je ne tousse plus, ô Poncelet ! Depuis la prise de la Pastille !!"), Suzanne Desprès de la Comédie-Française ("Je vous prie de m'envoyer 12 boîtes [...]"), Marcelle Bordo du Théâtre des Nouveautés ("Les Pastilles Poncelet guérissent la toux et sont l'atout le meilleur dans le jeu des artistes grippées"), l'auteur et conférencier Maurice Lefèvre ("aux conférenciers enrhumés... mes confrères ! [...], Paris-la-Grippe, 12 février 1903"), les chansonniers Dominique Bonnaud (seul autographe sans portrait) et Xavier Privas, etc. Les photographes sont identifiés : Nadar, Benque, Reutlinger, Pierre Petit, Vaillant, Berger, Waléry, etc. Des indications au crayon, parfois sur des petits papiers volants, témoignent de l'utilisation de ces photos et signatures à des fins publicitaires par la société franco-belge des Produits Poncelet, créée par un pharmacien de Verviers, Émile Poncelet, qui avait établi son siège administratif à Paris. Enrichi d'un carton aut. s. de Sarah Bernhardt (volant): "Je les trouve exquises et bienfaisantes les pastilles Poncelet !" (1903). Réf. Moniteur Belge. Annexes, t. XLI, 1899, p. 797.

Estim. 300 - 400 EUR

sam. 29 juin

Maurice DENIS (Granville, 1870 - Paris, 1943) Etude de nu pour une ménade du panneau "l'Orchestique grecque" du théâtre des Champs-Elysées, 1912. Fusain et pastel sur papier signé en bas à gauche. En bas à droite, mention manuscrite en marge : "Inv. n°882". Hauteur : 46 cm. Largeur : 65 cm. (Piqûres, tâches, papier gondolé). Provenance : - Vente aux enchères du 13 mars 1972, n°11. Hôtel Drouot, Me Morelle. - Collection particulière, Lamballe. Certificat d'authenticité de Claire Denis avec avis d'inclusion au catalogue raisonné des dessins de Maurice Denis en date du 8 janvier 2002. "Quelque chose de son coeur y habite" Maurice Denis reçoit commande du décor des plafonds du Théâtre des Champs-Elysées en 1910. Il aura pour thème l'histoire de la musique décliné en quatre grands panneaux. Il s'agit là de sa première commande publique pour une oeuvre décorative et elle bouleversera sa façon de penser son art. Durant plus de deux ans, il y travaille d'arrache-pied depuis la conception, à l'exécution des peintures en 1912 et enfin au marouflage des 372 mètres de toile en 1913, année de l'inauguration du bâtiment. Son ami Henri Colin dira de ce décor "Quelque chose de son coeur y habite". Et en effet, cette oeuvre est essentielle dans sa carrière : "Je me juge très durement depuis le Théâtre" note-t-il dans son journal en 1913. Et de poursuivre : "Mettre de la vraisemblance après, mais pas de la volonté ou vérité de sensation dans toutes les parties. Ainsi, moins de petites choses, moins de conscience fragmentaire, une conception de l'ensemble exécutée avec facilité et entrain". Ainsi notre ménade constitue un vibrant témoignage de ce chemin de Damas de Maurice Denis. Le nu féminin né de notre esquisse est situé à l'extrême gauche du panneau "L'Orchestique grecque". Il en garde l'exacte attitude et expression. La première est quelque peu lascive et la seconde reflète l'ivresse née des "rythmes dyonisiaques" effrénés et peut-être aussi de la coupe versée à ses côtés. Cheveux longs coiffés d'une couronne de pampres de vigne, elle fait pendant à un autre nu situé au-dessus de la signature de l'artiste qui, par sa position triviale, fit grand scandale. Il est intéressant de noter que notre oeuvre est datée 1912 alors que Denis réalise ses esquisses l'année précédente. De grandes dimensions, il a vraisemblablement particulièrement soigné son exécution. La maquette de la coupole en est conservée au musée d’Orsay et la plupart des esquisses au musée départemental du Prieuré (Saint-Germain-en-Laye). Le musée Toulouse-Lautrec en compte quatre dans ses collections.

Estim. 2 000 - 3 000 EUR
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