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23 de julio - Colección privada III

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132 Resultados

Lote 1 - Atelier KARL HAGENAUER (Austria, 1898 - 1956). "Caballo". Austria, ca. 1940's. Metal plateado. Base de madera pintada. Presenta desgaste en la figura; arañazos y daños en la base. Medidas: 24 x 30 x 6 cm (figura); 5,5 x 38 x 8 cm (base). El estilo de Karl Hagenauer es evidente en la realización de este caballo: un modelado esencial y sintético, pero sin evitar el naturalismo. Hijo del orfebre Carl Hagenauer, Karl estudió en la Escuela de Artes y Oficios de Viena, donde recibió clases de Josef Hoffmann y Oskar Strnad y se impregnó del espíritu de la Wiener Wekstätte. Tras obtener el diploma de arquitecto, entre 1917 y 1919 hizo el servicio militar, y a su regreso comenzó a trabajar como arquitecto y en el taller de su padre. Durante estos años creó numerosas piezas en plata, latón, cobre, esmalte, marfil, piedra y madera. En 1928, tras la muerte de su padre, asumió la dirección del taller y fue responsable de la expansión de la empresa, ampliando la producción para incluir la ebanistería y abriendo tiendas en Viena y Salzburgo. A partir de entonces expuso sus mejores piezas tanto en Austria como en el extranjero, recibió dos veces la medalla de oro en la Trienal de Milán y fue nombrado miembro del Werkbund austriaco y de la Werkstätte. Hoy sus piezas forman parte de colecciones de todo el mundo, como las del Victoria & Albert Museum de Londres, el MoMA y el Jewish Museum de Nueva York, la Casa Lis de Salamanca y muchas otras.

Valorac. 500 - 600 EUR

Lote 7 - PABLO GARGALLO CATALÁN (Maella, Zaragoza, 1881 - Reus, Tarragona, 1934). "Cabeza de Arlequín", 1928. Punta seca sobre papel verjurado, ejemplar 9/12. Firmado en la plancha: PG 28. Con marco de época pintado a mano. Presenta alguna falta de policromía. Algunas manchas en el papel. Medidas: 18 x 13 cm (plancha); 22 x 17 cm (papel); 43 x 37 cm (marco). Rara estampa del artista. De esta obra sólo se hizo una edición de 12 ejemplares numerados. El Museo Pablo Gargallo posee las planchas originales de los cuatro únicos grabados a punta seca de Gargallo (Autorretrato, Cabeza de arlequín, Desnudo femenino y Bailarina). Pablo Gargallo está considerado el precursor de la escultura en hierro, y aprendió la técnica de la forja de su padre, que tenía una herrería. En 1888 su familia emigró a Barcelona por motivos económicos y allí comenzó su formación artística, en el taller del escultor Eusebio Arnau y en la Escuela de La Lonja, con Venancio Vallmitjana como principal maestro. En pleno apogeo del Modernismo en Barcelona, Gargallo frecuentó las tertulias de "Els quatre Gats", entablando relación con artistas como Nonell y Picasso. Por ello, sus primeras obras están influidas por el Modernismo, como es el caso de la decoración de edificios barceloneses que realizó en colaboración con el arquitecto Domènech i Montaner, como el Hospital de la Santa Cruz y San Pablo o el Palau de la Música. En 1903 Gargallo obtuvo una beca que le permitió viajar a París para completar sus estudios. Su estancia en la capital francesa fue breve, pero desde entonces hasta 1923, año en que se instaló definitivamente en París, sus viajes serían frecuentes. En esta ciudad encontró las formulaciones estéticas del cubismo, asimiló sus sistemas expresivos y buscó el esquematismo y la esencialidad de figuras y objetos, tratando de encontrar la auténtica expresión tridimensional de los postulados cubistas. Durante estos años comenzó a utilizar materiales metálicos como la chapa, el cobre y el hierro. Hacia 1911-12 realiza sus primeras máscaras, piezas de gran simplificación realizadas con chapa cortada, vinculadas a la estética cubista. Con la chapa, Gargallo comenzó a sugerir volúmenes y a exaltar los vacíos mediante la penetración de la luz en los interiores. En 1920 fue nombrado profesor de escultura en la Escuela Técnica de Oficios Artísticos de la Mancomunidad de Cataluña, cargo del que fue destituido en 1923 por motivos políticos. Es entonces cuando Gargallo se instala definitivamente en París con su mujer y su hija. A partir de este momento su estilo adquiere una dimensión muy personal, derivada de su interpretación del cubismo, basada en la búsqueda de una síntesis formal de la figura en planos geométricos siempre fluidos, sustituyendo los materiales convencionales por planchas de hierro forjado, e introduciendo un nuevo lenguaje escultórico al introducir el vacío como volumen y dotar a sus figuras de un gran dramatismo expresivo. Pablo Gargallo está representado actualmente en el museo que lleva su nombre en Zaragoza, el MoMA de Nueva York, el MACBA de Barcelona, el Museo de Arte Moderno de París y el Reina Sofía de Madrid, entre otros muchos.

Valorac. 1 500 - 1 800 EUR

Lote 13 - EUSEBI ARNAU MASCORT (Barcelona, 1864 - 1933) para MASRIERA Y CARRERAS. Pisapapeles "Ninfa", ca. 1905. Bronce sobre base de mármol veteado. Firmado con anagrama por el autor. Sello de Masriera y Carreras en una cara. Medidas: 9 x 5 x 8 cm (escultura); 1,5 x 8 x 9 cm (base). El escultor Eusebi Arnau se formó en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona, y fue discípulo de José Gamot. A partir de 1887 continuó sus estudios en Roma, gracias a una beca de la Escuela de La Lonja. Posteriormente amplió su formación en la Academia Julian de París, exponiendo sus obras en el Salón de la capital francesa en 1895 y 1902. Más tarde abrió su propio taller en Barcelona, donde tuvo discípulos como Pablo Gargallo y Josep Dunyach. Arnau realizará numerosos encargos, como el retablo de la iglesia basílica de Santa Engracia de Zaragoza, donde trabajó con Josep Llimona. Por otro lado, sus esculturas aplicadas a la arquitectura le hicieron destacar como escultor modernista. Algunos ejemplos son las realizadas para las casas Lleó Morera y Amatller, el Hotel España, el Palacio de la Música Catalana y el Hospital de San Pablo, todos ellos en Barcelona. También fue colaborador habitual del arquitecto Enric Sagnier Villavecchia, con quien trabajó en el edificio de la Aduana del Puerto de Barcelona, la Casa Ruper Garriga, el Vía Crucis de Montserrat, el Templo Expiatorio del Sagrado Corazón, la parroquia del Sagrado Corazón de Poblenou, la agencia de la Caixa de Pensions de Reus y otros proyectos. También destacó como medallista, realizando, entre otras, la medalla de la Exposición Universal de Barcelona de 1888, la medalla de la Solidaridad Catalana, la medalla del Centenario de Colón y la medalla conmemorativa del derribo de las murallas de Barcelona. A lo largo de su vida, Arnau participó en numerosas exposiciones en España, Chicago, Ciudad de México y París. Recibió una medalla de bronce en la Exposición Universal de Barcelona de 1888, un diploma honorífico en la Exposición de Bellas Artes de la misma ciudad de 1891, y un premio en la Exposición de 1896; mención honorífica en escultura en la Exposición Nacional de Madrid de 1899, medalla de primera clase en artes decorativas en la Exposición Nacional de 1908, medalla de oro del Círculo Artístico de Barcelona en la Exposición Internacional de Arte de 1911, y medalla de tercera clase en la Exposición Nacional de 1912. Actualmente podemos encontrar monumentos públicos de Arnau en Barcelona, Madrid y Villafranca, y otras obras suyas en Barcelona, Comillas y Zaragoza. También está representado en el Museo Nacional de Arte de Cataluña.

Valorac. 150 - 180 EUR

Lote 25 - LORENZO FRECHILLA (Valladolid, 1927 - Madrid, 1990) Sin título. Acero, copia 171/500. Firmado y numerado. Fondo forrado de terciopelo con mucha suciedad. Medidas: 12 x 9 x 5 cm (escultura); 2 x 11 x 7,5 cm (base). Lorenzo Frechilla del Rey fue un escultor español. Estudió en la Escuela de Artes y Oficios de Valencia. En 1948 participó en la fundación del grupo vanguardista vallisoletano Pascual Letreros. Se trata de un grupo artístico literario influido por el universalismo constructivo del uruguayo Joaquín Torres García, que estuvo activo hasta la primera mitad de la década de 1950. El teórico y fundador del grupo fue el poeta uruguayo José Parrilla y en él participaron los pintores uruguayos Alma Castillo y Raúl Javiel Cabrera y los artistas vallisoletanos Publio Wifrido Otero, Gerardo Pintado, Primitivo Cano y el escultor cántabro Teodoro Calderón. Hasta 1954 expone con ellos. En 1951 se traslada a Madrid donde conoce a su esposa Teresa Eguibar, también escultora. Ambos se trasladan a París y a partir de 1961 se integran en el Grupo Internacional Este-Oeste con el que recorren Europa durante los años sesenta. En 1968 viaja a los países nórdicos. Expone en Noruega con el Grupo Este-Oeste y realiza una exposición individual en Helsingborg (Suecia) y dos en París. En 1969 asiste a los seminarios de arte informático del Centro de Cálculo de la Universidad de Madrid. Participa en la Exposición sobre Arte Cibernético junto a Eusebio Sempere, José Luis Alexanco, Manuel Barbadillo, Manolo Quejido, José María Yturralde y Teresa Eguibar. Murió en Madrid en 1990.

Valorac. 180 - 200 EUR

Lote 66 - MARINO AMAYA (Astorga, León, 1927-Andalucía, 2014). Sin título. Bronce patinado. Firmado al buril en la parte inferior del dorso. Medidas: 12 x 5 x 5 x 5 cm (figura); 3 x 5,5 x 5,5 x 5,5 cm (base). Nacido en Astorga, Marino Amaya fue en sus primeros años pastor, carpintero y tejedor, aunque con sólo quince años obtuvo su primer encargo como escultor, una estatua de Santiago Apóstol tallada en piedra. Comenzó su formación artística en la Escuela de Artes y Oficios de Salamanca, donde obtuvo una beca para viajar a Madrid en 1945, con el fin de ampliar su formación. Cuatro años más tarde, en 1949, inició un largo viaje de estudios que le llevó a Francia, Italia, Austria, Holanda, Dinamarca, Noruega, Suecia, Alemania, Grecia y, fuera de Europa, Egipto y Palestina. En 1950 Amaya regresa a España y participa en la Exposición Nacional de Bellas Artes de Madrid, siendo galardonado con una medalla de plata. Este éxito le valió en 1951 un importante encargo del obispado de León, un grandioso monumento dedicado a la Inmaculada Concepción. Al año siguiente celebró su primera exposición, que tuvo lugar en la Asociación de Escritores y Artistas de Madrid, y en 1954 se presentó por primera vez en León, en una muestra organizada por la Diputación Provincial. Todavía en esta década realizó exposiciones en el Ateneo de Santander (1956) y en el Museo Romántico de Madrid (1957). En los años sesenta trabajó intensamente, realizando también exposiciones en diversas capitales españolas, en centros como el Círculo de Bellas Artes de Madrid (1962). También en estos años da el salto internacional, presentándose en 1961 en Río de Janeiro. Continuará con su carrera expositiva en la década de los setenta, y en 1974 es nombrado hijo predilecto de Astorga, localidad en la que también se le dedicará una calle. En 1981 realiza una destacada exposición en la Galería Zoma de Nueva York, donde quince de sus obras son adquiridas por la Fundación Rockefeller. Ese mismo año se traslada a Marbella, ciudad en la que vivirá y trabajará a partir de entonces, junto con su estudio de Madrid. En 1985 el Papa Juan Pablo II le concedió una entrevista para ver su obra "El derecho a la vida", que fue bendecida por el Santo Padre y hoy forma parte de la colección vaticana. Esta escultura iniciará la creación de una serie de obras que Amaya dedica a la vida de los niños. También están muy presentes en su obra las figuras de animales, especialmente perros y gatos. Es un escultor muy comprometido con la escultura pública, y hoy podemos encontrar obras de su mano en lugares públicos de toda España, así como en el Museo Mateo Hernández de Béjar y en otras colecciones públicas y privadas.

Valorac. 250 - 300 EUR

Lote 88 - Atelier KARL HAGENAUER (Austria, 1898 - 1956). "Bailarina". Austria, ca. 1940-50's. Metal plateado. Sin firma. Base de metal negro. Presenta desgaste y alguna falta en la policromía de la base. Medidas: 42 x 24 x 5 cm (figura); 2 x 40 x 9 cm (base). En la realización de esta esbelta bailarina se pone de manifiesto el estilo de Karl Hagenauer: un modelado esencial y sintético típicamente Art Déco, pero sin evitar el naturalismo. Hijo del orfebre Carl Hagenauer, Karl estudió en la Escuela de Artes y Oficios de Viena, donde recibió clases de Josef Hoffmann y Oskar Strnad y se impregnó del espíritu de la Wiener Wekstätte. Tras obtener el diploma de arquitecto, entre 1917 y 1919 hizo el servicio militar, y a su regreso comenzó a trabajar como arquitecto y en el taller de su padre. Durante estos años creó numerosas piezas en plata, latón, cobre, esmalte, marfil, piedra y madera. En 1928, tras la muerte de su padre, asumió la dirección del taller y fue responsable de la expansión de la empresa, ampliando la producción para incluir la ebanistería y abriendo tiendas en Viena y Salzburgo. A partir de entonces expuso sus mejores piezas tanto en Austria como en el extranjero, recibió dos veces la medalla de oro en la Trienal de Milán y fue nombrado miembro de la Werkkbund austriaca y de la Werkstätte. Hoy sus piezas forman parte de colecciones de todo el mundo, como las del Victoria & Albert Museum de Londres, el MoMA y el Jewish Museum de Nueva York, la Casa Lis de Salamanca y muchas otras.

Valorac. 500 - 600 EUR