DROUOT
sábado 13 jul a : 10:30 (CEST)

Arte moderno y contemporáneo

FauveParis - +33155288090 - Email CVV

49 rue Saint Sabin 75011 Paris, Francia
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102 Resultados

Lote 3 - Norman Bluhm (1921-1999) - Guitare à la Chaise Cassée 1951 Óleo sobre lienzo firmado y fechado arriba a la izquierda 91,5 x 60 cm Procedencia: > Colección particular, París "Las décadas de 1950 y 1960 dieron origen a una nueva y poderosa generación de expresionistas abstractos. Entre ellos se encontraban artistas como Norman Bluhm, John Chamberlain, Al Leslie, Joan Mitchell y Mark Di Suvero, que abordaron el estilo con el profundo compromiso de llevarlo al siguiente nivel. Su enfoque se distingue por una comprensión sofisticada y comprensiva de sus raíces culturales europeas y un mayor énfasis en los aspectos básicos: composición, dibujo, color, calidad de la superficie y estructura. "(James Harithas) Norman Bluhm pertenece a la segunda generación de pintores expresionistas abstractos de Estados Unidos, pero su estilo sigue siendo único y distintivo. Primero estudió arquitectura en el Armor Institute of Technology. Su experiencia como piloto durante la Segunda Guerra Mundial también influyó notablemente en su arte, dándole una particular comprensión del espacio y un sentido de la velocidad perceptible en la dinámica de sus obras. Tras la guerra, Bluhm continuó sus estudios en la Academia de Bellas Artes de Florencia, antes de trasladarse a París en 1947, donde asistió a la Académie de la Grande Chaumière y a la École des Beaux-Arts. En 1956 se trasladó a Nueva York y expuso en prestigiosas galerías (Leo Castelli y Martha Jackson en Manhattan; Galerie Stadler en París). (MLD)

Valorac. 6 000 - 8 000 EUR

Lote 17 - Lucien Coutaud (1904-1977) - Composición surrealista 1968 Óleo sobre lienzo firmado y fechado abajo a la izquierda 58 x 70 cm Procedencia: > Colección privada, París Estado de conservación : Enmarcado "Lucien Coutaud es poco conocido. Sin embargo, fue uno de los pintores más singulares y prolíficos del siglo XX. Dominó todas las técnicas y destacó en todos los campos, como atestigua su obra, compuesta por casi dos mil pinturas y gouaches, otros tantos dibujos, veintinueve tapices (como parte de la primera generación de artistas implicados en el renacimiento del tapiz de Aubusson, Coutaud ocupa un lugar singular, por su producción deliberadamente limitada, su rechazo a la numeración, sus cartones de gran formato, realizados siempre al gouache, una elección de temas siempre acorde con su mundo pictórico, inspirado en la música, el juego, la magia), casi cien grabados al aguafuerte sobre cobre, veintinueve litografías, veinticinco escenografías y vestuarios para teatro y ópera (desde su primera colaboración con Charles Dullin en 1928 hasta 1972, Coutaud no dejó de trabajar con los más grandes directores y coreógrafos de su época, que recurrían a su sentido de lo mágico y lo monumental, su atracción por lo barroco y lo onírico), cuarenta y tres libros ilustrados, desde André Fraigneau, en 1925, hasta Pauline Réage y su Histoire d'O, en 1972, pasando por Voltaire, Alfred Jarry, Arthur Rimbaud, Maurice Blanchard, Paul Eluard, Robert Desnos, Gilbert Lely, Jean-Paul Sartre, Paul Claudel, Hemingway, Proust y Jules Laforgue. Lucien Coutaud inventó la Eroticomagie, una forma de pintura que es el lenguaje directo de la mente, activando tanto nuestra conciencia como nuestras emociones. Las imágenes se nos presentan cargadas de deseos y ansiedades, exigiendo una materialización deslumbrante del espacio; hacen añicos los desgastados marcos de la realidad... (...) Hay que decir que toda la producción creativa de Coutaud es, al igual que las obras surrealistas, una exploración continua del estado onírico, para descubrir sus verdaderos límites, demasiado borrosos en literatura y pintura, y demasiado restringidos en psicología. Lo real existe para Coutaud, como señalará Alain Bosquet. El mar es mar, la playa es arena, el pan es levadura, el toro sangra, las casas se parecen a las de Nîmes; pero el sueño no cesa de desarrollarse al mismo tiempo, de impregnarse, de fundirse con la realidad; el sueño con su cortejo de obsesiones adorables: las flores superpuestas forman seres entre la mujer y el ídolo; los espejos y las conchas cambian de función, algunos conservan un paisaje amado cualquiera que sea el objeto reflejado en ellos, y otros vacilan entre la metamorfosis y el enigma perpetuado. De este tipo de sueño podemos deducir una especie de regla, de la que Coutaud es maestro por derecho propio. Es posible, por ejemplo, negar la gravedad, la constitución de la materia, la gravitación universal, al observar una figura cuyo torso se desprende del resto de su cuerpo. A través de los sueños, se rehabilita la realidad. Tampoco debemos olvidar que Coutaud dibujó y pintó Dormeurs a lo largo de toda su obra: figuras cuyas cabezas sin ojos, en 1946, llegaron a parecerse a melocactus (un cactus con forma de melón), como para subrayar la omnipotencia de los sueños entendidos como realidad absoluta y protegidos del mundo exterior por poderosas espinas...". (Christophe Dauphin, extractos de Lucien Coutaud, le peintre de l'Eroticomagie, ed. Rafael de Surtis, 2009)

Valorac. 2 500 - 3 500 EUR

Lote 18 - Gianni Bertini (1922-2010) - Venus à hydrogène Serigrafía y reflejos de óleo sobre lienzo firmado abajo en el centro, refrendado y titulado al dorso 36 x 30,5 cm Procedencia: > Beaussant Lefèvre Drouot 15 de diciembre de 2008 lote 176 Bibliografía: - Gianni Bertini, Cruido Ballo. Obra reproducida en la página 121 del libro Informe de estado: Enmarcado Gianni Bertini fue un precursor del arte informal italiano. Comenzó a crear obras abstractas en 1947, como parte del movimiento Arte Concreta de Milán. En 1951, presentó obras en Florencia bajo el nombre de "arte nuclear", que constituyeron la primera manifestación de arte informal en Italia. Al año siguiente, Bertini se traslada a París y celebra su primera exposición individual en la Galerie Arnaud. En 1957, se unió al grupo "Espaces Imaginaires" creado por Pierre Restany, influyente historiador y crítico de arte. Sus obras se exponen en toda Europa y en Estados Unidos, lo que da fe de su éxito internacional. Próximo al movimiento del Nouveau Réalisme, Bertini innovó utilizando técnicas de transferencia fotográfica sobre lienzo emulsionado. En los años sesenta, realizó collages que combinaban imágenes de guerra y fotografías pin-up, ofreciendo una aguda crítica de la sociedad. También utilizó procesos de reproducción mecánica, y en 1965 produjo el primer manifiesto Mec'art, un movimiento artístico que combinaba medios electrónicos y arte. Gianni Bertini murió en Caen en 2010. (MLD)

Valorac. 1 500 - 2 500 EUR

Lote 27 - Togroul Narimanbekov (1928-2013) (ТОГРУЛ НАРИМАНБЕКО) - Catedral de San Basilio (díptico) 1973 Óleo sobre lienzo firmado y fechado arriba a la izquierda en cirílico, montado sobre tabla, refrendado y titulado en cirílico al dorso 170 x 184 cm Procedencia: > Unión de Artistas de la URSS, etiqueta al dorso > Художественный салон по экспорту ХФ СССР (salón de arte para la exportación de la filosofía artística de la URSS) etiqueta al dorso > Galerie de France, etiqueta en el reverso Informe de estado : Enmarcado Togrul Narimanbekov, pintor y cantante azerbaiyano, nació en Bakú. Es el primer artista de su país incluido en la enciclopedia francesa del arte contemporáneo. Su carrera artística está impregnada de una diversidad cultural excepcional. Formado en la Escuela de Arte Azimzade de Bakú, Narimanbekov estudió Bellas Artes en la Academia de Bellas Artes de Vilna. En la década de 1960, introdujo en Azerbaiyán formas artísticas innovadoras, rompiendo con los cánones de las bellas artes impuestos por la ideología soviética. Su enfoque y su estilo, en total ruptura con los criterios estéticos del realismo socialista, sentaron las bases de la escuela de pintura de Absheron. Junto a Ashraf Murad, Javad Mirjavadov, Tofig Javadov, Rasim Babayev, Kamal Akhmedov y Gennady Brijatyuk, contribuyó a la aparición de un nuevo arte que floreció tras la caída de la Unión Soviética. La obra de Togrul Narimanbekov se caracteriza por una singular fusión de tradiciones artísticas azeríes y europeas, combinando elementos abstractos y figurativos. Los motivos ornamentales tradicionales se funden en composiciones arremolinadas de vivos colores que evocan las tradiciones del arte azerbaiyano. Sus pinturas empastadas están a menudo impregnadas de una dimensión surrealista, oscilando entre emociones alegres y melancólicas, bailando y cantando. Narimanbekov fue nombrado Artista del Pueblo de Azerbaiyán en 1967 y recibió el Premio Estatal de la URSS en 1980. Pasó el resto de su vida entre París y Bakú, muriendo en la Ciudad de la Luz en 2013. La obra que aquí se presenta tiene como protagonista a la Catedral de San Basilio el Bendito, una obra maestra del siglo XVI emblemática de la arquitectura tradicional rusa. Situado en la Plaza Roja de Moscú, este monumento es famoso por sus coloridas curvas, cuya forma y paleta recuerdan las composiciones arremolinadas y los colores vivos de Togrul. (MLD)

Valorac. 3 000 - 5 000 EUR

Lote 44 - Huguette Caland (1931-2019) - Composición circa 2002-2003 Técnica mixta sobre lienzo recortado, firmado, titulado y anotado al dorso 11 x 17 cm Procedencia: > Donación del artista a Samy Kinge, Galerie Iolas Paris Informe de estado : Enmarcado Huguette Caland es una pintora, escultora y diseñadora de moda libanesa. En 1943, a la edad de 12 años, vio a su padre, Béchara el-Khoury, convertirse en Presidente del Líbano. Como hija única, estaba destinada a convertirse en una devota esposa según las tradiciones libanesas, pero sentía un profundo deseo de libertad. Se casó con un francés, Paul Caland, sobrino de uno de los rivales políticos de su padre, y tuvo otras aventuras amorosas. A los 30 años, Huguette Caland decidió estudiar arte en la Universidad Americana de Beirut. Entabló amistad con Helen Khal, que fundó la galería One en Beirut y expuso la obra de Caland, así como la de otras figuras destacadas del modernismo libanés, como Etel Adnan, Simone Fattal y Shafic Abboud. En 1970, ante la falta de comprensión de sus pinturas en Líbano, Huguette Caland lo dejó todo y se trasladó a París. Allí comenzó su famosa serie Bribes de corps y conoció a importantes figuras artísticas como André Masson, Pierre Schaeffer y Adalberto Mecarelli. En 1979, colaboró con el famoso modisto Pierre Cardin para crear caftanes únicos. Durante su estancia en París, conoció al escultor rumano George Apostu, con quien se casó y colaboró artísticamente. A la muerte del escultor, Caland se trasladó a Los Ángeles, donde su estudio de Venice se convirtió en lugar de encuentro de artistas de renombre como Billy Al Bengston, Ed Moses, Ken Price y Nancy Rubins. (MLD)

Valorac. 7 000 - 10 000 EUR

Lote 69 - Oksana Mas (née en 1969) - D4 (proyecto "Mars - Thousands Kisses Deep") 2020 Acrílico sobre lienzo firmado y fechado abajo a la derecha, refrendado y titulado al dorso 40 x 40 cm > Acompañado de un certificado de autenticidad de la artista fechado el 1 de julio de 2020 Informe de estado : Enmarcado Oksana Mas es una reconocida artista ucraniana, formada en la Escuela de Arte de Ilyichevsk y en la Escuela de Arte Grekov de Odessa. Su obra está marcada por una diversidad de medios, entre ellos la pintura, las instalaciones plásticas y el videoarte. Mas se inscribe en la tradición pictórica ucraniana inconformista, al tiempo que desarrolla un estilo muy personal. Su inconfundible realismo se manifiesta a través de una técnica individual patentada, que consiste en superponer y mezclar capas de pintura, lápiz, barniz y laca sobre el lienzo. Este método confiere a sus obras tonos oníricos, casi abstractos. Con más de 300 exposiciones en su haber en todo el mundo, Oksana Mas participa en prestigiosos eventos artísticos como Frieze de Londres, el Armory Show de Nueva York, FIAC de París, Art Basel de Miami, Arco Madrid, subastas de Sotheby's, etc. En 2011, Oksana Mas fue elegida para representar a Ucrania en la 54ª Bienal de Venecia. Para este evento, creó una instalación monumental en forma de mosaico compuesta por más de tres millones de huevos de madera. En 2012, el eminente crítico de arte italiano Achille Bonito Oliva dedicó un libro a su obra, titulado Oksana Mas by Achille Bonito Oliva. (MLD)

Valorac. 1 500 - 2 500 EUR

Lote 73 - Zemba Luzamba (né en 1973) - Dice pro Acrílico sobre lienzo firmado y fechado abajo a la derecha, refrendado, titulado y fechado al dorso 60 x 49,5 cm "Hay un poco de política en mi obra, pero juego con ella, así que no es demasiado seria. Si se fijan en mis cuadros, verán que he jugado con la elegancia y el estilo de vida, con algunas referencias a la política y al comentario social. En el Congo, algunos hombres, conocidos como Sapeurs, tienden a fingir que son más ricos de lo que son siguiendo una cultura de elegancia en la forma de vestir. Se trata de una gestión superficial de la imagen personal, pero también de una expresión de aspiración. En la sociedad congoleña hay ciertas cosas de las que nunca se habla, grandes problemas ocultos bajo una fachada. Así que he seguido esta tendencia, y el sentido de lo que sólo puede verse en la superficie ha influido en algunos de los trabajos que he realizado recientemente. Mis imágenes también incluyen acontecimientos políticos en Sudáfrica. No hablo demasiado alto, sino suavemente, a mi manera. Sin embargo, no todas mis obras pretenden mostrar movimientos políticos; algunas simplemente intentan resaltar la política de la vida en que vivimos". Zemba Luzamba, pintor originario de la República Democrática del Congo, vive y practica su arte en Sudáfrica. Su obra está profundamente marcada por su experiencia como emigrante africano. Sus pinturas narrativas, en las que las personas representadas a menudo no son reales, resultan intrigantes por la falta de especificidad que confieren a los temas y la poca profundidad del espacio pictórico. Sus composiciones narran historias de la vida ordinaria, con personajes casi siempre vestidos con ropas occidentales. (MLD)

Valorac. 1 500 - 2 500 EUR

Lote 88 - JonOne (né en 1963) - Sin título (periodo hospitalario efímero) 1990 Acrílico sobre lienzo firmado y fechado en el reverso 80 x 80 cm Informe de estado: Enmarcado John Perello comenzó a etiquetar los metros de su Nueva York natal bajo el nombre de Jon156. Rápidamente se rebautizó como JonOne. Con dos amigos grafiteros, Rac7 y Kyle, fundó el colectivo 156 All Starz. Afincado en París y muy vinculado al arte urbano, traslada al lienzo la libertad, los colores, la vitalidad y las técnicas del graffiti, explorando las prácticas del action painting estadounidense y la abstracción lírica europea. Este cuadro forma parte del proyecto Hôpital éphémère, iniciado en París en 1990 bajo el impulso de Caroline Andrieux y Christophe Pasquet. El entonces abandonado hospital Bretonneau, en el distrito 18, se transformó en un centro de arte, con estudios de artistas, salas de exposiciones, talleres, estudios de grabación, salas de conciertos, salas de danza, teatros y mucho más. El proyecto duró 7 años y permitió a 200 artistas expresarse y mostrar su arte. Entre ellos JonOne, que pintó allí sus primeros lienzos. "No tuve educación artística. Cuando marcaba trenes en Nueva York, no podía imaginar que un día me expresaría sobre un lienzo. Lo que realmente me atrajo del tagging fue ver a otras personas pintando graffiti por toda la ciudad. La escuela a la que fui era muy estricta. Y muy aburrido. Recuerdo que entonces la gente de la calle tenía mucha libertad. Yo no quería lo que me ofrecía Estados Unidos: un trabajo, un buen traje y una bonita casa. Conocí a A-One (Anthony Clark 1964-2001). Solía salir con Jean-Michel Basquiat (Brooklyn, Nueva York, 22 de diciembre de 1960 - 12 de agosto de 1988). A-One era el enlace entre la calle y el mundo del arte. Viajaba a Europa y volvía con mucho dinero, simplemente por su arte. Escuchaba sus historias de viajes y me brillaban los ojos de envidia. En aquella época, en Nueva York, yo era como mucha gente de hoy: merodeaba por las afueras de mi edificio de apartamentos. En aquella época, tampoco salía de mi barrio. Gracias a A-One, empecé a tomarme en serio mi trabajo, a verlo no como vandalismo, sino simplemente como arte".

Valorac. 8 000 - 12 000 EUR