10th July - Contemporary Art and latest trends II

Lote 1 - JO DELAHAUT (Vottem, 1911 - Schaerbeek, 1992). "Carrés monochromes", 1986. Acrílico sobre lienzo. Firmado y fechado en la parte inferior. Titulado, firmado y fechado al dorso. Medidas: 91 x 72 cm. El pintor belga Jo Delahaut abordó en los años cuarenta la abstracción geométrica con una radicalidad desconocida entonces en su entorno artístico. La obra que aquí se muestra pertenece a su periodo de madurez, cuando el artista extrema el purismo formal y cromático, que puede compararse con las obras americanas del "hard edge" y el "minimalismo". Pero, al mismo tiempo, recoge el legado de Mondrian. Su abstracción geométrica fue un medio para despertar los mecanismos de la actividad intelectual, un metalenguaje dirigido a la mente. Alimentando la ancestral relación dialéctica entre forma y color, utilizó en su obra la geometría plana porque la consideraba "la más representativa del hombre". Insiste en esta idea cuando escribe: "aporta claridad a la representación; es legible, intuitivamente comprensible incluso para quienes ignoran la teoría". Jo Delahaut es una de las principales figuras de la abstracción geométrica en Bélgica. Formado en la Academia de Bellas Artes de Lieja, fue alumno de Auguste Mambour (1928-1934). Se doctoró en Historia del Arte por la Universidad de Lieja y comenzó a pintar lienzos expresionistas en 1940. Influido por el estilo del pintor Auguste Herbin, construyó formas geométricas estáticas en las que, inicialmente, el color de las superficies desempeñaba el papel principal. Fue miembro del Salon des Réalités Nouvelles de París en 1946 y del Jeune Peinture Belge de Bruselas en 1947, junto a Mig Quinet (1906-2001), Louis Van Lint (1909-1986), Gaston Bertrand (1910-1994), Marc Mendelson (1915-2013) y Anne Bonnet (1908-1960). Fue miembro fundador del grupo belga Art Abstrait en 1952, y en 1954 fue coautor del Manifeste Spatialiste con Pol Bury (1922), entre otros. Obras: paneles para el Centro Hospitalario Universitario de Lieja (serigrafía sobre paneles de acero esmaltado vitrificado, 1978-1985), colección del Musée en plein air du Sart Tilman (Universidad de Lieja). "Esplanade" (1987), en el Musée en plein air du Sart-Tilman, Universidad de Lieja (obra restaurada en 2011). Decoración de la estación Montgomery del metro de Bruselas. Sinfonía n°2, 1986 (Université libre de Bruxelles - Archives, patrimoine, réserve précieuse).

Valorac. 9 000 - 10 000 EUR

Lote 2 - NEDKO SOLAKOV (Cherven Briag, Bulgaria, 1957). "Nature people I", 2002. Tinta sobre fotografía. Pieza única. Medidas: 120 x 150 cm. Dibujos, pinturas, instalaciones, vídeos y performances constituyen la obra de Nedko Solakov (Cherven Briag, Bulgaria, 1957), que suele poblar sus exposiciones con textos manuscritos y pequeños garabatos que pueden descubrirse en cualquier rincón, o que recorren notablemente las paredes. Sus reflexiones personales sobre la vida, el arte, la política o la sociedad suelen estar impregnadas de humor, ironía y aliento poético. Solakov se ríe de todo, especialmente de lo que más le asusta, como para ahuyentar sus propios miedos y vergüenzas. Sus obras, entre otras, forman parte de colecciones públicas y privadas como: Le Centre Pompidou, París; Museum für Moderne Kunst, Fráncfort del Meno; Tate Modern, Londres; The Museum of Modern Art, Nueva York; Kunsthaus Zurich, Zúrich.

Valorac. 8 000 - 10 000 EUR

Lote 3 - CUNDO BERMÚDEZ (La Habana, Cuba, 1914- Florida, EE.UU., 2008). Sin título. Óleo sobre lienzo. Se adjunta certificado de autenticidad expedido por Don Conrado Basulto. Presenta suciedad y no conserva bastidor. Medidas: 49,5 x 60 cm. La pintura inspirada en vitrales fue común en la pintura cubana, ejemplo de ello es la presente obra que destaca por sus composiciones brillantemente sencillas, en las que se funden el cubismo sintético y los vitrales de la época colonial. Bermúdez magnificó las vidrieras convirtiéndolas en un teatro onírico donde lánguidos músicos y ornamentadas mujeres habitan caleidoscópicos tableros de ajedrez. La atmósfera de sensualidad vidriosa de los cuadros de Bermúdez es ambigua. El hastío se pliega al lujo inhalado, el placer se gelifica en el ámbar de una imagen de ensueño. Don Conrado Basulto, artista cubano, abandonó su país rumbo a Estados Unidos en 1994. A su entrada en América, fue detenido en Guantánamo, donde conoció a Cundo Bermúdez y fundó una galería. Secundino Bermúdez y Delgado, conocido como Cundo Bermúdez, fue un pintor cubano que en 1926 ingresó en el Instituto de La Habana y en 1930 en la Escuela Nacional de Bellas Artes San Alejandro de la misma ciudad, donde estudió pintura durante dos años. Junto a otros pintores y como protesta por la ausencia de galerías de arte, Bermúdez expuso sus obras en los árboles del Parque Albear y también participó en una exposición celebrada en el Castillo de la Fuerza en 1938. Allí alcanzó cierto reconocimiento. Posteriormente viajó a México para estudiar en la Academia de San Carlos, donde pudo observar de cerca el trabajo de los muralistas que causaron una gran impresión en el pintor. Años más tarde viaja a la República Dominicana donde vende su primer cuadro y también realiza su primera exposición individual. En 1943 se inaugura "Exposición de Pintura y Escultura Moderna Cubana", organizada por José Gómez Sicre en la Institución Hispano Cubana de Cultura de La Habana. El mexicano David Alfaro Siqueiros asiste y dice de Bermúdez lo siguiente: "Cundo Bermúdez representa la audacia en las artes plásticas. Sabe construir de manera sincronizada. Con tonos y primeros planos colocados en profundidad pictórica, en contraste, construye y organiza, a veces de manera casi milagrosa. Creo que este artista ha tenido gran importancia en la gama cromática de la pintura cubana moderna". Un año después se inauguró la Exposición de Pintura Cubana en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MOMA), que supuso un gran impulso para su obra, y expuso en San Francisco, Buenos Aires y México. En 1949 fundó, entre otras, la Asociación de Pintores y Escultores de Cuba (APEC). Expuso en varios países de América y Europa. Sus obras se expusieron en el Museo de Arte Moderno de París en 1951 y en Munich en 1952. Cuatro años más tarde, en 1956, expuso en la Bienal de Sao Paulo y ganó el primer premio de la "Exposición Internacional de Arte Caribeño" en el Museo de Arte de Houston, Texas. Cuando Fidel Castro llegó al poder en 1959, Cundo participó en los esfuerzos por liberar a los presos políticos. En Cuba, como otros artistas, es sometido a un aislamiento irracional. Los periodistas e intelectuales que visitan la isla preguntan por él. Se le niegan materiales con los que trabajar. No le invitan a las exposiciones nacionales. A finales de los años 60, consigue salir de Cuba hacia Estados Unidos. Se adjunta certificado de autenticidad expedido por Don Conrado Basulto. Tiene suciedad y no tiene bastidor.

Valorac. 16 000 - 18 000 EUR

Lote 4 - MANOLO VALDÉS (Valencia, 1942). "Eva III", 1993. Aguafuerte y collage sobre papel. Ejemplar 4/51. Firmado y justificado a lápiz en la parte inferior. Medidas: 165 x 65,5 cm., 183 x 84 cm. (marco). En este grabado intervenido por el artista, aparece la figura de Eva, inspirada en el cuadro del mismo título, realizado en 1507 por Durero, perteneciente a la Colección del Museo del Prado. Valdés rescata esta figura del Antiguo Testamento, trayendo su cuerpo a la contemporaneidad, reduciéndolo a un lenguaje estético de formas sintéticas y esquemáticas, que conservan la expresión devocional e iconográfica de la figura religiosa, que mantiene su nimbo de santidad y su postura modesta. Valdés prescinde de la manzana icónica e introduce en su lugar la imagen de una flor, que coloca sobre el sexo de la protagonista. Esta referencia alude también a la obra de Durero, que realizó numerosos dibujos inspirados en la flora y la fauna, pero la imagen de la flor añade además una lectura conceptual y metafórica a la pieza, que de forma velada transmite la idea del nacimiento. Manolo Valdés introdujo en España una forma de expresión artística que combina el compromiso político y social con el humor y la ironía. Comenzó su formación en 1957, cuando ingresó en la Escuela de Bellas Artes de San Carlos de Valencia. Sin embargo, dos años más tarde abandonó sus estudios para dedicarse plenamente a la pintura. En 1964 fundó el grupo artístico Equipo Crónica, junto a Juan Antonio Toledo y Rafael Solbes, en el que permaneció hasta la muerte de este último en 1981, a pesar de que Toledo había abandonado el grupo dos años después de su fundación. Desde entonces se instaló en Nueva York, donde reside actualmente y donde ha seguido experimentando con nuevas formas de expresión, entre ellas la escultura. Entre los numerosos galardones que ha recibido Manolo Valdés se encuentran el Lissone y el Biella de Milán (1965), la medalla de plata de la II Bienal Internacional de Grabado de Tokio (1979), el premio del Museo de Arte Bridgestone de Lisboa (1979), el Premio Nacional de Artes Plásticas (1983), la medalla del Festival Internacional de Artistas Plásticos de Bagdad (1986), la Condecoración de la Orden de Andrés Bello en Venezuela (1993), el premio del Consejo Nacional de Mónaco (1997), la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes (1998), el Premio de la Asociación Española de Críticos de Arte (2000) y el Premio al Mejor Grabador (2002), entre otros. Con Equipo Crónica, Valdés utilizó la figuración como vehículo de expresión de sus planteamientos, de sus críticas al arte, a la sociedad y a la política, pero priorizando por encima de cualquier otro contenido el puro acto de pintar. Desde el punto de vista temático, Valdés se inspira en el arte de los grandes maestros de la pintura: Goya, Velázquez, El Greco, Ribera o Zurbarán, y nunca oculta sus modelos, sino que los resalta, incluso en los títulos de sus obras. Formalmente, crea una obra de gran formato en la que las luces y los colores expresan valores táctiles, debido al tratamiento dado a los materiales. Su obra obliga al espectador a hurgar en la memoria y buscar imágenes significativas de la historia del arte. Valdés está representado en algunos de los museos más destacados del mundo, como el Reina Sofía de Madrid, el Metropolitan, el MoMA y el Guggenheim de Nueva York, el Centro Georges Pompidou y el Fons National d'Arts Plastiques de París, el Kusnthalle de Hamburgo, el Kunstmuseum de Berlín y el Museo de Bellas Artes de Bilbao, entre muchos otros.

Valorac. 10 000 - 12 000 EUR

Lote 5 - JOSEP GUINOVART (Barcelona, 1927 - 2007). "Pelaires", 1989. Técnica mixta sobre lienzo. Firmado y fechado en la esquina inferior izquierda. Medidas: 145 x 114 cm. En este cuadro de los años ochenta, Guinovart rompe visualmente con la bidimensionalidad de la superficie pictórica, haciendo colisionar formas, colores y texturas. Sin traspasar los límites de la abstracción, las sugerencias orgánicas ganan relieve entre los rojos y el claroscuro de negros y blancos incrustados en una materia generosa. Guinovart convoca el caos material y al mismo tiempo lo subyuga mediante una composición intuitivamente orquestada. El autor regala al espectador una imagen impregnada de lirismo. El impulso matérico y gestual queda subsumido a una gran coherencia plástica. Josep Guinovart se formó en la Escuela de Maestros Pintores, en la Escuela de Artes y Oficios y en las aulas del FAD. Expuso individualmente por primera vez en las galerías Syra de Barcelona en 1948. Pronto adquirió un sólido prestigio, colaboró con Dau al Set y participó en los salones Octubre, Jazz y Once. En los años cincuenta, gracias a una beca, vivió en París, donde conoció profundamente la obra de Cézanne y Matisse, que, junto con Miró y Gaudí, serían sus influencias más importantes. En 1955, junto con Aleu, Cuixart, Muxart, Mercadé, Tàpies y Tharrats, formó el grupo Taüll, que reunía a los artistas de vanguardia de la época. Hacia 1957 inició una tendencia informalista y abstracta, con una fuerte presencia matérica tanto por la incorporación de elementos y objetos diversos (maderas quemadas, cajas, objetos de desecho) como por la aplicación de técnicas como el collage y el assemblage. A partir de los años sesenta se aleja de la poética informalista y comienza a crear obras llenas de signos y gestos, que contienen una fuerte carga expresiva en las líneas y los colores. Durante los años setenta utilizó sistemáticamente materiales como arena, tierra, barro, paja o fibrocemento, y en la década siguiente se centró en la experimentación con la proyección tridimensional de sus obras, que se concretó en la creación de ambientes o entornos espaciales como el titulado Contorn-extorn (1978). Guinovart tiene una producción artística muy variada: pinturas murales, decorados y escenografías teatrales, como la realizada para Bodas de Sangre de Federico García Lorca, ilustraciones de libros, diseño de carteles, tapices y esculturas. Participó en las Bienales de São Paulo (1952 y 1957), Alejandría (1955) y Venecia (1958, 1962 y 1982), y entre sus premios destacan el Ciudad de Barcelona en 1981, el Nacional de Artes Plásticas en 1990 y el de Artes Plásticas de la Generalitat en 1990. En 1994 se inauguró en Agramunt, Lérida, el Espacio Guinovart, fundación privada que cuenta con una exposición permanente del artista. Está representado en los Museos de Arte Contemporáneo de Barcelona, Madrid y Ciudad de México, el Museo de Escultura al Aire Libre de Santa Cruz de Tenerife, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, el Museo de Bellas Artes de Bilbao, el Museo San Telmo de San Sebastián, el Museo Eusebio Sempere de Alicante, el Museo de Navarra de Tafalla, la Casa de las Américas de La Habana, el Museo Bocchum de Alemania, el Museo de Bellas Artes de Long Island, Nueva York, y el Museo Patio Herreriano de Valladolid.

Valorac. 7 000 - 8 000 EUR

Lote 6 - FERRÁN GARCÍA SEVILLA (Palma de Mallorca, 1949). "Bol 16", 2005. Acrílico sobre lienzo. Firmado al dorso. Procedencia: Galería Joan Prats de Barcelona. Adjunta una etiqueta de la galería Joan Prats. Medidas: 152 x 172 cm. En esta composición de carácter festivo, sin dejar de ser conceptual e intelectual (en la línea del grueso de sus experimentaciones pictóricas), García Sevilla dialoga con el legado del expresionismo abstracto e incluso con el puntillismo para eclosionar esta herencia en supernovas cromáticas. Vinculado inicialmente a la teoría y la crítica de arte, García Sevilla ha sido profesor de Bellas Artes en varias universidades. Debutó individualmente en 1972. Tras iniciar su carrera artística en el arte conceptual, desembocó en la pintura y la gráfica, enmarcadas en el llamado arte posmoderno. Suele disponer figuras bien definidas, a menudo antropomorfas, sobre fondos neutros o con motivos insistentemente repetidos. Utiliza gamas cromáticas ricas, vivas y contrastadas, con un lenguaje simplificado, a veces cercano al arte primitivo. Los enormes cuadros de García Sevilla, sus imágenes contundentes, su humor a menudo brutal, los textos que ocupan parte de la superficie de estos cuadros, su capacidad expresiva, se han hecho familiares tanto a los espectadores españoles como a los de otros países. Dotado de una imaginación casi tan prodigiosa como su voluntad, García Sevilla es una auténtica máquina de producir cuadros, de devorar y transformar imágenes. Todo ello encuentra su traducción en el plano verbal: desde su famosa entrevista con Kevin Power, recogida en el libro de éste "Conversaciones con..." (1985), nadie duda de que García Sevilla es uno de los pintores españoles que más cosas tiene que decir y que, bajo una apariencia de improvisación y, si es preciso, de delirio, más vueltas da al significado de su obra. En este aspecto, su caso recuerda al de Miró, al que siempre ha mostrado una gran admiración. Ha realizado exposiciones individuales en Europa y Estados Unidos, y participado en colectivas en Hamburgo, Viena, Munich, San Petersburgo, Lisboa y varias ciudades españolas, así como en la Documenta de Kassel (1987) y en las Bienales de Estambul (1989) y São Paulo (1996). Entre las exposiciones personales que ha realizado en los últimos años destacan las de la galería Elga Wimmer de Nueva York (1992), la Thomas Netusil Kunsthandel de Viena (2000) y la galería Fúcares de Madrid (2008). García Sevilla está representado en el Centre Pompidou de París - Museo Nacional de Arte Moderno, el Museo Nacional Reina Sofía, el MACBA de Barcelona, el Centro Atlántico de Arte Moderno de Las Palmas, el CaixaForum de Barcelona, la Fundación Suñol, el Museo Colecciones Ico, Es Baluard de Palma de Mallorca, el IVAM de Valencia, la Fundación Juan March, el Museo Patio Herreriano de Valladolid, el ARTIUM de Vitoria y el MuHKA de Amberes.

Valorac. 8 000 - 10 000 EUR

Lote 7 - ANTONI CLAVÉ I SANMARTÍ (Barcelona, 1913 - Saint Tropez, Francia, 2005). "Homenaje a Doménikos Theotokópoulos", 1964. Óleo sobre papel adherido. Procedencia: Sala Gaspar de Barcelona / Galería Tamenaga de Tokio. Con etiquetas de ambas galerías al dorso. Medidas: 110 x 75 cm; 125 x 90 cm (marco). La figura de El Greco ocupa un lugar decisivo en la obra de Antoni Clavé. No fue un mero homenaje lo que realizó en dibujos, grabados y en una serie de pinturas de los años sesenta de las que forma parte el excelente óleo que nos ocupa, sino un camino de autoexploración plástica y conceptual. "El caballero de la mano en el pecho" y "Retrato de un pintor" parecen ser los referentes de este cuadro. El personaje aparece aquí transfigurado en grado sumo y, sin embargo, la esencia de El Greco está muy presente. El autor conserva la gama de negros y ocres del pintor cretense, y la silueta continúa de frente. En la mano parece sostener un pincel como en el retrato de Jorge Manuel Theotocópuli, que en el cuadro de El Greco sujeta la paleta con la otra. La gola se ha transformado en una especie de guirnalda pálida que nubla toda la cabeza. El conjunto sugiere una presencia espectral, que puede traducirse como un homenaje a un artista que dejó una huella indeleble en las generaciones futuras. Antoni Clavé es una de las figuras más relevantes del arte contemporáneo español. Formado en la Escuela de Bellas Artes de San Jordi de Barcelona, Clavé se dedicó inicialmente a la gráfica publicitaria, la ilustración y las artes decorativas. En 1936 participa activamente en la Guerra Civil, en las filas republicanas, lo que le lleva a exiliarse en Francia al finalizar la contienda. Ese mismo año, 1939, expone los dibujos que realizó en los campos de batalla. Se instala en París, donde conoce a Vuillard, Bonnard y Picasso. Ya gozaba de un gran prestigio internacional cuando empezó a ser reconocido en España, tras su exposición en la Galería Gaspar de Barcelona en 1956. Al mismo tiempo, realizó ilustraciones para la obra "Gargantúa y Pantagruel", que le llevaron a familiarizarse con la iconografía medieval. Fue premiado en la Hallimark de Nueva York en 1948, en la Bienal de Venecia en 1954 y en la Bienal Internacional de Tokio en 1957. En 1984 el Estado español reconoció su valor artístico con la exposición de más de un centenar de sus obras en el pabellón español de la Bienal de Venecia. Ese mismo año recibió la Medalla de Oro de la Generalitat de Catalunya. La obra de Clavé se encuentra, entre otros muchos, en el Museo de Bellas Artes de Bilbao, la Tate Gallery, el Museo de Arte Moderno de París, el British Museum de Londres, el Museo de Arte Moderno de Tokio y el Museo Reina Sofía de Madrid.

Valorac. 18 000 - 20 000 EUR

Lote 8 - ESTEBAN VICENTE PÉREZ (Turégano, Segovia, 1903 - Nueva York, 2001). "Gris azul", Long Island, 1963. Óleo sobre lienzo adherido a cartón. Firmado y fechado en la esquina superior derecha. Firmado, fechado, localizado y titulado al dorso. Medidas: 26 x 33 cm; 42 x 50 cm (marco). Esteban Vicente ingresa, en 1921, en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando, en Madrid, con el propósito de formarse como escultor, pero pronto decide dedicarse a la pintura. En 1928 realiza su primera exposición, tras la cual marcha a París, donde permanece hasta 1930. Regresa a España y expone en Barcelona y Madrid, y tras el estallido de la Guerra Civil trabaja escondido en las montañas que rodean la capital. Sin embargo, ese mismo año de 1936 decide marcharse a Nueva York, lugar de origen de su esposa. Allí expone por primera vez en la Kleeman Gallery en 1937. Cuatro años más tarde obtiene la nacionalidad americana ya que, habiendo sido partidario del bando republicano, decide no regresar a España. En los años siguientes realizó numerosos encargos y exposiciones, y entre 1947 y 1947 fue profesor de pintura en la Universidad de Puerto Rico. A su regreso a Estados Unidos estableció relación con la naciente Escuela de Nueva York, participando con sus exposiciones en la Kootz Gallery (1950), en la Ninth Street Art Exhibition (1951) y en las Sidney Janis y Egan Galleries. Fue miembro fundador de la New York Studio School, donde enseñó durante treinta y seis años. A partir de los años ochenta su obra empezó a ser conocida en España, se le dedicaron retrospectivas (Banco Exterior, 1987, y Museo Reina Sofía, 1997) y se le concedieron menciones como la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes (1990) y la Gran Cruz de Alfonso X el Sabio (1999). En 1998 se inauguró en Segovia el Museo de Arte Contemporáneo Esteban Vicente, donde hoy se conserva gran parte de su obra. Las obras de Vicente se conservan en importantes museos de arte contemporáneo de todo el mundo, como el Metropolitan, el Guggenheim y el MOMA de Nueva York, el Museo Nacional Reina Sofía de Madrid, el Smithsonian de Washington D.C., el Withney Museum of American Art o el Indianapolis Museum of Art, entre otros.

Valorac. 5 000 - 6 000 EUR

Lote 9 - FERMÍN AGUAYO (Sotillo de la Ribera, Burgos, 1926 - París, 1977). "Composición", 1949. Acuarela sobre papel con filigrana. Firmada y fechada en la esquina inferior derecha. Medidas: 22 x 28 cm. Fermín Aguayo fue pionero de la abstracción formando parte del Grupo Pórtico de Zaragoza. Su obra comienza dentro del postcubismo para evolucionar muy pronto hacia la abstracción y más tarde, tras su marcha a París en septiembre de 1952, hacia la pintura figurativa. La obra en licitación fue realizada en este periodo, en 1953, un año antes de ser contratado por Jean-François Jaeger de la galería Jeanne Bucher como pintor profesional con un sueldo mensual, lo que le proporcionó una gran estabilidad en su obra pictórica, que evolucionó hacia un figurativismo esencial, intimista y poético.

Valorac. 1 000 - 1 200 EUR

Lote 10 - SUSANA CRUZ (Madrid, 1992). "El sueño", Serie Equilibrio, 2023. Óleo sobre lienzo. Firmado y fechado en la esquina inferior derecha. Firmado y fechado al dorso. Medidas: 180 x 150 cm. En el cuadro la niña muestra la inocencia ante la pintura, la felicidad de mancharse de óleo y disfrutar con el lienzo. Detrás, la mujer, ya adulta, observa la imagen, recordando por qué sigue día a día, acompañada de la escultura, que le ha hecho descubrir un mundo infinito de creaciones. El león vigila la escena serenamente, proporcionando una barrera protectora. Todos los personajes, con un cierto aire barroco, son en mi mente, las diferentes emociones que me hacen empezar a crear con calma y emoción. Se trata de un óleo pintado con espátula, excepto el fondo liso que ha sido trabajado con rodillo y espátula. Este contraste de texturas, junto con el contraste del tono negro, el tono tostado y el blanco, refleja fuerza y expresividad haciendo que los personajes adquieran el protagonismo y capten la atención del espectador. Susana Cruz se formó en la Universidad Politécnica de Madrid, donde estudió Ingeniería de Materiales y posteriormente un Master en Asesoría de Empresas. Su interés y conocimientos por la pintura los ha adquirido de forma autodidacta, según la artista: "La pintura me permite expresarme y sumergirme en mi mundo. He llegado a llorar pintando y la mayoría de las veces se me eriza la piel cuando escucho buena música de fondo mientras me dejo llevar por el óleo". El periodo en que vivió en Italia le sirvió para empezar a definir su estilo. Actualmente, su obra se inspira en la pintura barroca, y en la pasión por el uso dramático del claroscuro, llevada a un terreno más personal.

Valorac. 2 400 - 2 600 EUR

Lote 11 - PABLO PICASSO (Málaga, 1881 - Mougins, Francia, 1973). "Visage larvé". De la colección "Medallón de oro".1967. Oro 23 kts, 6/20. Edición limitada a 20 ejemplares. Editor Pierre Hugo. Firma del artista y números grabados en el reverso. En su estuche de madera original. Medidas: 5 cm. de diámetro (medallón); 13 x 13 x 3 cm. (caja). Cada uno de los quince medallones colgantes de la serie "Medallón de oro" lleva la firma del artista y los números de referencia y edición de François Hugo. Concebido en 1956 y producido a partir de 1967, en una edición numerada de 20 ejemplares, más 2 de artista y 2 de autor. La fascinación de Picasso por explorar nuevos soportes nos lleva a su representación de un motivo favorito: un pez descansando dentro de otro pez. El tema aparece en sus obras de cerámica, como "Grand Poisson (Gran Pez), 1956", pero es en el oro donde la delicadeza y la intrincación de los dos peces cobran vida. El trazo es bello y el capricho se expresa maravillosamente en este raro medio. En los años cincuenta y sesenta, Picasso encargó a François Victor-Hugo, uno de los orfebres más consumados de la Francia de la época, la ejecución de una serie de fuentes, platos y medallones de oro y plata a partir de modelos originales diseñados por él. Estas fuentes y medallones fueron seleccionados individualmente, diseñados, vistos, aprobados y apreciados por Picasso en vida con tal fervor que, al principio, nunca tuvo intención de venderlos con fines lucrativos. Por ello, al principio, su existencia estaba envuelta en el secreto. Picasso se negó a prestarlas a galerías y museos y las ocultó a los visitantes de su casa, optando en su lugar por conservarlas como un tesoro privado. Sin embargo, Picasso cedió a la insistencia de Hugo y, en 1967, le autorizó a hacer una pequeña "edición numerada" de cada uno de ellos para su venta. No se vendieron públicamente, sino que se enviaron a sus respectivos compradores, por lo que apenas atrajeron publicidad, lo que las hizo bastante raras. Trabajando juntos durante los diez años siguientes, Picasso y Hugo crearon diecinueve medallones de oro y en cada serie se hicieron veinte series completas más dos reservadas al artista, constando cada serie de diecinueve medallones de oro.

Valorac. 15 000 - 18 000 EUR

Lote 12 - DAVID SHRIGLEY (Macclesfield, Inglaterra, 1968). "Cabeza sin abrir", 2004. Tinta sobre papel. Pieza única. Medidas: 42 x 34 cm; 48 x 40 cm (marco). Shrigley, que se considera un outsider en el mundo del arte, es conocido por crear composiciones planas que abordan los elementos intrascendentes, extraños e inquietantes de la vida cotidiana desde un punto de vista aparentemente ingenuo, pero lleno de ironía y sátira. Su lenguaje se basa en el uso de palabras tachadas, garabatos y líneas irregulares. La obra de Shrigley se ha expuesto en el Yerba Buena Center for the Arts de San Francisco, el Statens Museum of Art de Copenhague, la Kelvingrove Art Gallery and Museum de Glasgow y el Hammer Museum de Los Ángeles. En 2013, fue nominado al prestigioso Premio Turner por su exposición individual David Shrigley: Brain Activity en la Hayward Gallery de Londres. También trabaja en cine, escultura, fotografía e ilustración.

Valorac. 2 400 - 2 800 EUR

Lote 13 - No hay ninguna descripción

Valorac. 1 500 - 1 800 EUR

Lote 14 - MATÍAS SÁNCHEZ (Alemania, 1972). "Pintor", 2010. Óleo sobre lienzo. Firmado en la esquina inferior izquierda. Firmado, fechado, titulado y localizado al dorso. Medidas: 97 x 130 cm. En esta obra el autor utiliza un lenguaje abstracto, basado en una geometría irregular, orgánica tanto en su disposición como en sus colores. Se trata de un estilo abierto, cuya característica fundamental es la concepción de la superficie pictórica como un todo, como un campo abierto, sin límites y sin jerarquías. Así, como vemos aquí, las formas pictóricas son el resultado de una meditada composición y experimentación, con una imagen de carácter gestual, que no se limita a una composición abstracta, sino que va más allá, indicando al espectador que se trata de formas, ideas o sugerencias que traspasan los límites de lo puramente pictórico y nos hablan del propio oficio del pintor. Matías Sánchez nació en Alemania en 1972 y fue autodidacta. Siempre ha sentido un impulso por el arte que le llevó a desarrollar una carrera artística. Matías Sánchez realizó su primera exposición en Cavecanem en 2001 y un año más tarde su obra fue expuesta en Arco donde recibió una calurosa acogida por parte de la crítica. En 2003 repitió experiencia en la Feria de Arte Contemporáneo celebrada en Madrid, siendo su obra recogida y difundida en el diario El País. Este fue un punto de inflexión en su carrera, que le llevó a realizar numerosas exposiciones individuales y colectivas, tanto a nivel nacional como internacional. Entre las que destacan la exposición en la galería Begoña Mallone (Madrid), Javier Marín (Málaga), Valle Ortí (Valencia), Espacio Liquido (Gijón), "Christopher Cutts Gallery" (Toronto - Canadá) y Costantini Art Gallery (Milán - Italia). Su obra ha sido expuesta en diversos espacios de referencia del arte contemporáneo como el CAAM - Centro Atlántico de Arte Moderno (Las Palmas de Gran Canaria) o el CAC Málaga. Además de ARCO, MACO 2013 - México Arte Contemporáneo, Art Stage Singapore 2013, Art Monaco 2013, India Art Fair 2013, Contemporary Istanbul 2012, Art Toronto 2012, Art Moscovo 2012 y Beirut Art Fair 2012.

Valorac. 14 000 - 15 000 EUR

Lote 15 - MODEST CUIXART I TÀPIES, (Barcelona, 1925 - Palafrugell, Girona, 2007). Sin título, 1959. Óleo sobre tela. Medidas: 100 x 81 cm; 102,5 x 83,5 cm (marco). Esta obra se inscribe en la etapa desarrollada por Cuixart en los años cincuenta, marcada por un profundo y rico informalismo. En estos años el pintor trabajará con la fuerza de los materiales gruesos y del "grattage" (a partir de 1957), creando obras densas y barrocas en las que introducirá todo tipo de objetos. Su obra de este periodo será reconocida en 1959, con el Gran Premio de Pintura de la V Bienal de São Paulo. Estas obras, profundas y complejas, reflejan una visión más oscura y crítica de la sociedad de la época que la que veremos en su siguiente etapa, cercana al pop art. En esta obra también podemos ver motivos centrales de su lenguaje, como el círculo, la espiral y las formas concéntricas. También utiliza pinturas plásticas de secado rápido, una novedad en la época de la que fue pionero, para crear efectos de relieve en tonos ocres, una constante en su obra de esta época. Cuixart estudia inicialmente medicina, pero pronto abandona sus estudios para dedicarse a la pintura, e ingresa en la Academia Libre de Pintura de Barcelona. En 1948 participa en la fundación del grupo Dau al Set, junto con Brossa, Ponç, Tàpies y Tharrats, entre otros. Preocupado por el valor plástico del signo, su obra tiene desde el principio un fuerte parentesco con el surrealismo, así como una gran sensibilidad hacia el poder expresivo del color. Hacia 1955 se sumerge en el informalismo matérico, que le lleva a utilizar el "grattage" en obras de cierto sabor orientalista. En 1959 ganó el primer premio de la Bienal de São Paulo y expuso en la Documenta de Kassel, y al año siguiente participó en una muestra de arte español de vanguardia celebrada en la Tate Gallery de Londres y en el Museo Guggenheim de Nueva York. Cuixart introduce el collage en su obra en 1962, lo que le conducirá paulatinamente hacia el pop-art. Enriquecido por todas estas experiencias, vuelve de nuevo a la pintura plana, alcanzando un realismo crítico muy personal, que sintetiza el expresionismo con la figuración dramáticamente transformada, valorando siempre las cualidades cromáticas. En los años setenta expone en numerosas capitales nacionales e internacionales, como París, Madrid, São Paulo, Amsterdam, Tokio, Basilea, Barcelona y Milán, entre otras. En la década siguiente, Cuixart libera gradualmente su pintura de los aspectos agresivos para dotarla de un tono más lírico. Además, participa en una exposición colectiva en el Palacio de la UNESCO de París, recibe la Cruz de San Jorge de la Generalitat de Cataluña y la Cruz de Isabel la Católica. En 1988, realiza una exposición antológica en Japón, en las ciudades de Kobe y Tokio. Continúa trabajando con colores y formas exuberantes, y reincorpora a su obra una figuración más matérica. En 1998 se creó en Palafrugell la fundación que lleva su nombre, y al año siguiente le fue concedida la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes por el Ministerio de Cultura. Está representado en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, la Tate Gallery de Londres, el Museo Nacional de Arte de Cataluña, el Museo de Arte Contemporáneo de Madrid, Barcelona y Saint-Etienne (Francia), el Patio Herreriano de Valladolid, el Museo de Grabado Español Contemporáneo de Marbella, el Museo de Arte de la Universidad de São Paulo, el Museo de Arte Abstracto de Cuenca y el Museo del Ampurdán, entre muchos otros.

Valorac. 15 000 - 16 000 EUR

Lote 16 - ANTONI TÀPIES PUIG (Barcelona, 1923 - 2012). "El pan en la barca nºVI", 1963. Pintura, lápiz y frottage sobre papel. Firmado en la esquina inferior derecha. Obra expuesta en: Galería Börgeson. Malmö: 1971: cat. # 1. Obra catalogada en: VV.AA. "Tàpies. Obra completa. Volumen 2. 1961-1968". Barcelona: Ediciones Polígrafa, 1990 p. 159, fig. 1180. Medidas: 38 x 55 cm; 64 x 81 cm (marco).

Valorac. 10 000 - 12 000 EUR

Lote 17 - ROBERT LLIMÓS ORIOL (Barcelona, 1943). "Bombollín y globulín". 2005. Óleo sobre lienzo. Firmado y fechado en la esquina inferior, titulado al dorso. Medidas: 130 x 162 cm; 133,5 x 165,5 cm (marco). Llimós se dio a conocer en 1964, con una exposición conjunta con, entre otros, Arranz Bravo, Bartolozzi y Gerard Sala, con quienes trabajó en equipo hasta 1969. Su obra se encuentra en destacadas colecciones como el Museo Nacional de Arte de Cataluña, el Museo de Arte Moderno Espirito Santo de Brasil, la Colección de Arte Contemporáneo de Madrid, los Museos de Bellas Artes de Álava y Sevilla, la Fondazione Lucio Amelio de Nápoles, el Museo Internacional de la Resistencia Salvador Allende de Santiago de Chile, la Peter Stuyvesant Foundation de Ámsterdam, el Palau Solleric de Palma de Mallorca y el MACBA de Barcelona, entre otros. Su obra, de trazo expresivo e intenso, oscila entre la figuración y la abstracción simbólica, con una fuerte atracción por el mundo animal, a menudo tema de su trabajo, como puede apreciarse en el cuadro que ahora presentamos.

Valorac. 2 000 - 2 500 EUR

Lote 18 - ROBERT LLIMÓS ORIOL (Barcelona, 1943). "Homenatge a Paolo Uccello". 2005. Óleo sobre lienzo. Firmado y fechado en la esquina inferior, titulado al dorso. Medidas: 130 x 162 cm; 133,5 x 165,5 cm (marco). Llimós se dio a conocer en 1964, con una exposición conjunta con, entre otros, Arranz Bravo, Bartolozzi y Gerard Sala, con quienes trabajó en equipo hasta 1969. Su obra se encuentra en destacadas colecciones como el Museo Nacional de Arte de Cataluña, el Museo de Arte Moderno Espirito Santo de Brasil, la Colección de Arte Contemporáneo de Madrid, los Museos de Bellas Artes de Álava y Sevilla, la Fondazione Lucio Amelio de Nápoles, el Museo Internacional de la Resistencia Salvador Allende de Santiago de Chile, la Peter Stuyvesant Foundation de Ámsterdam, el Palau Solleric de Palma de Mallorca y el MACBA de Barcelona, entre otros. Su obra, de trazo expresivo e intenso, oscila entre la figuración y la abstracción simbólica, con una fuerte atracción por el mundo animal, a menudo tema de su trabajo, como puede apreciarse en el cuadro que ahora presentamos.

Valorac. 2 000 - 2 500 EUR

Lote 19 - JOSEP ROCA SASTRE (Terrassa, 1928 - Barcelona, 1997). "El retorn del fill pródig", 1952. Óleo, cera, pastel y gouache sobre cartón. Firmado, fechado y titulado al dorso. Con etiqueta Oriol Galeria d'Art al dorso. Medidas: 74,5 x 103,5 cm; 94 x 123 cm (marco). La que ahora se subasta es una obra temprana del pintor Josep Roca Sastre, correspondiente a una etapa anterior a la realización de sus escenas íntimas de interior. El lienzo se caracteriza por un aura de cierto misticismo y ensimismamiento mágico, con la presencia de lo que parece ser un guía espiritual con bastón y un personaje que le venera. Formado en Barcelona, a partir de los años sesenta Roca inició un estilo personal e independiente y creó un lenguaje propio. Su propuesta se centró en recuperar la mirada de lo cercano y lo cotidiano, lo conocido. Expuso durante cuarenta años en la Sala Parés de Barcelona, y también mostró su obra en otras ciudades españolas, así como en Estados Unidos. En 1966 recibió el premio Sant Jordi de la Diputación de Barcelona, y dos años más tarde la medalla de honor del Salon des Artistes Français de París. En 1980 ingresó en la Real Academia de Bellas Artes de Sant Jordi, y en 1993 recibió el Premio Quadern de la Fundació Amics de les Arts i de les Lletres de Sabadell. Roca Sastre desarrolló un estilo figurativo de temas intimistas, aplicando una mirada personal y subjetiva tanto a sus escenas de interior como a sus paisajes urbanos y naturales. Desde su muerte, se han celebrado retrospectivas de la obra de Josep Roca en La Pedrera y en las galerías Muncunill (Terrassa), Oriol (Barcelona) y Juan Oliver Maneu (Palma de Mallorca). Su obra se conserva en el Museo Nacional de Arte de Cataluña.

Valorac. 2 000 - 2 500 EUR

Lote 20 - JEAN-MARC BUSTAMANTE (Touluse, 1952). "Barcelona 6", 1997. Fotografía, ed. 3/6 Medidas: 40 x 60 cm; 67 x 85 cm (marco). De padre ecuatoriano y madre inglesa, este artista francés (Toulouse, 1952) ocupa uno de los lugares más destacados del arte europeo contemporáneo. Tras cursar estudios de economía en su ciudad natal entre 1969 y 1972, estudió fotografía con Denis Brihat entre 1973 y 1975. En 1977 realiza su primer Site, una fotografía que formará parte de la serie que encontrará su título definitivo en Tableaux y que se presentará por primera vez en grupo en la Kunsthalle Bern en 1994. Casi simultáneamente, en 1978, comenzó a trabajar como asistente del fotógrafo y cineasta William Klein, actividad que mantuvo hasta 1981, cuando decidió dedicarse por completo a su actividad artística. Entre 1983 y 1987, entró en una fase de colaboración con Bernard Bazile y, bajo el nombre de BAZILEBUSTAMANTE, atrajo la atención del mundo del arte con sus proyectos sobre códigos visuales y sistemas de signos, expuestos en varias galerías y en el Museo Saint-Pierre de Lyon en 1986. Desde 1987 continúa en solitario con su particular trabajo fotográfico, entre el que comienzan a surgir esculturas, instalaciones y serigrafías sobre metacrilatos en un proyecto aparentemente asistemático que, bajo su heterogeneidad, configura uno de los programas artísticos más sólidos, coherentes y unitarios de la actualidad. Con él ha representado a Francia en la Bienal de Venecia (2003) y ha participado en la Bienal de París (1980), la Bienal de São Paulo (1994) y las Documentas VIII, IX y X de Kassel (1987, 1992 y 1997). Su obra ha sido objeto de presentaciones monográficas en algunos de los principales museos internacionales, como el Kunsthalle Bern (1989 y 1994), Musée d'art moderne de la Ville de Paris (1990), Stedelijk van Abbemuseum, Eindhoven (1992), Galerie National du Jeu de Paume, París (1996), Tate Gallery, Londres (1998), Yokohama Museum of Art (2002), Kunsthaus Bregenz y Musée d'art moderne et contemporain, Saint-Etienne (2006), Musée d'art moderne et contemporain, Estrasburgo (con Ed Ruscha) (2007), Palais des Beaux-Arts, Bruselas (2008) y Villa Medici, Roma (2011). En la década de los 10 comenzaron las retrospectivas sobre su obra, iniciadas en Moscú en The Ekaterina Cultural Foundation (2010), a la que siguieron la organizada por el Henry Moore Institute, Leeds (2011) y la Sala Alcalá 31, Madrid (2012). En 2008, Jean-Marc Bustamante fue distinguido con la Medalla de Caballero de la Legión de Honor francesa, y entre 2012 y 2015 ha sido Director del Festival Internacional de Arte de Toulouse. Tras años de docencia como profesor de escultura, primero en la Rijksakademie de Ámsterdam (1990-1995) y en la École Superieur Nationale de Beaux-Arts de París (desde 1996) y después como profesor de pintura en la Kunstakademie de Múnich (desde 2010), acaba de ser nombrado Director de la École Nationale Supérieure des Beaux-Arts de París.

Valorac. 2 000 - 2 400 EUR

Lote 21 - THOMAS RUFF (Zell am Harmersbach, Alemania, 1958) "Interieur 6 E", 1983. Fotografía C-Print. Ed. 8/20. Medidas: 21 x 28 cm; 47 x 57 cm (marco). Thomas Ruff (Zell am Harmersbach, Alemania, 1958) comenzó su carrera con la fotografía de paisaje, tras lo cual pasó a fotografiar interiores y retratos inexpresivos de sus amigos, como parte de la generación que participó en los cambios políticos y sociales que se produjeron con la caída del Muro de Berlín. Entre 1977 y 1985 Ruff estudió fotografía en la Academia de Bellas Artes de Düsseldorf, junto a otros fotógrafos, hoy de reconocido prestigio, como Candida Höfer, Andreas Gursky y Thomas Struth, y que forman parte de la llamada escuela de Düsseldorf, cuyos padres son Hilla y Bernd Becher. Sus primeros retratos son de pequeño formato y en blanco y negro, pero pronto hace la transición al color. En 1986 comienza a experimentar con los grandes formatos. Con su serie Haus (1987-91) explora temas que van más allá del retrato. Otras series relevantes de este periodo son Zeitungsfotos (1990-91) o BlaueAugen (1991). Durante la Guerra del Golfo, Ruff utiliza un visor nocturno para producir imágenes sombrías de las calles de Düsseldorf en su serie Nacht (1992-96). En sus obras posteriores sigue explorando la manipulación digital de imágenes, en este contexto ejecuta sus series de desnudos, la serie Substrat (2002-03) y la serie Machine (2003). Ruff ha realizado exposiciones individuales desde 1981 en diversos centros y museos internacionales. Vive y trabaja en Düsseldorf.

Valorac. 1 800 - 2 200 EUR

Lote 22 - FRANCISCO VIDAL (Lisboa, 1978). "El tiempo corre". 2009 Óleo sobre lienzo (díptico). Firmado en la esquina inferior izquierda. Firmado y fechado al dorso. Medidas: 134 x 308 cm; 138 x 312 cm (marco). Basándose en un fotograma de la película de culto "Pulp Fiction" de Tarantino, Francisco Vidal sitúa a los gángsters interpretados por John Travolta y Samuel L. Jackson sobre un fondo rojo estridente, y sustituye una de las pistolas por un plátano. Una intensa mancha amarilla se extiende, sugiriendo una explosión. Es un cuadro formado por dos lienzos, que da como resultado una escena expandida, impregnada de frescura y desenfado. El pintor Francisco Vidal vive entre Luanda (Angola) y Lisboa (Porturgal). Licenciado en Artes Plásticas por la Escola Superior de Artes e Design das Caldas da Rainha, realizó un curso superior de Artes Visuales en la Escola de Artes Visuais Maumaus, en Lisboa. Vivió algún tiempo en Estados Unidos, donde obtuvo un máster en Bellas Artes en la School of Visual Arts de la Universidad de Columbia, en Nueva York. Comenzó a exponer regularmente en 2005. En 2014 presentó el proyecto pictórico "Utopia Luanda Machine" en la 56ª Bienal de Venecia, en el Pabellón de Angola, comisariado por António Ole, y en la Expo Milano, comisariada por Suzana Sousa. En 2016, el proyecto "ESCOLA DE PAPEL" se presentó en Luanda y, en 2017, en Santo Tomé y Príncipe. La práctica de Francisco Vidal pone de relieve ideas en torno al trabajo y la movilidad internacional. Reconocido por sus grandes instalaciones pictóricas, traza potentes líneas caligráficas sobre lienzos serigrafiados, en colores vivos y variadas combinaciones cromáticas. También practica una figuración enraizada en el lenguaje del cómic. Tiene obras en colecciones nacionales, como las de la Fundación EDP, la Fundación Calouste Gulbenkian, la Fundación Cachola, e internacionales.

Valorac. 8 000 - 10 000 EUR

Lote 23 - ESTUDIO DE CASO KARIMOKU (Japón) para Medicom Toy. "10º Aniversario de Medicom Toy, 1996-2006", 2006. 400% Be@rbrick. Madera natural. Edición limitada de 100 unidades. En caja original. En buen estado. Medidas: 28 cm (altura). La colaboración entre Karimoku Case Study y Medicom Toy se debe al 10º aniversario de la firma japonesa de juguetes. El material utilizado, la madera, demuestra el conocimiento y el amor genuino por este material que destila Karimoku, empresa considerada líder en la fabricación de muebles en Japón. La propia Karimoku afirma: "Con Karimoku Case Study queremos presentar una marca reflexiva que sirva de guardiana de lo natural y atemporal, utilizando materiales que poseen una riqueza inherente y ganan belleza con el tiempo y la edad". La revolución de los Art Toys alcanza en el Be@rbrick uno de sus máximos representantes. Su sencilla pero atractiva imagen en forma de oso articulado (similar a un trozo de ladrillo, de ahí su nombre) y su inagotable variedad de diseños realizados por diferentes y famosos artistas lo convierten en objeto de deseo de nuevos y consagrados coleccionistas. Diseñado y producido por la empresa japonesa MediCom Toy Incomporated y lanzado en 2001 como regalo a los visitantes de la World Character Convention 12 de Tokio, el Be@rbrick cuenta con nueve piezas distintas (conocidas como "herramientas" en la industria juguetera) que permiten ocho puntos de articulación diversos: cabeza giratoria, cintura giratoria, brazos articulados, muñecas giratorias y piernas articuladas. Los tamaños van desde los 7 cm de altura (conocido como 100% Be@rbrick, tamaño estándar), seguido de 400% Be@rbrick (28 cm de altura) o 1000% Be@rbrick (70 cm de altura). Otros tamaños son más pequeños que el estándar, como el 50% Be@rbrick (4 cm) o el 70% Be@rbrick (5 cm). Entre las colaboraciones más reconocidas están las realizadas con Kaws, la Fundación Andy Warhol, Jean-Michel Basquiat, Keith Haring, Disney, Looney Tunes, DC Comics e incluso el Museo del Louvre y Chanel. Muchas celebridades también coleccionan Be@rbrick, desde el productor musical Pharrell Williams hasta la ex directora creativa de Vogue, Grace Coddington. En buen estado.

Valorac. 7 000 - 8 000 EUR

Lote 24 - HAVE A GOOD TIME (Tokyio) para Medicom Toy. 400% & 100% Be@rbrick. Producido por Medicom Toy. En caja original. En buen estado. Medidas: 28 cm y 7 cm; 30 x 20 x 11 cm (caja). Medicom Toy se asocia con la marca de moda Have A Good Time, con sede en Tokio, para ofrecer a los fans su última colaboración. Desde su concepción inicial, Have A Good Time ha ganado popularidad gracias a una serie de colaboraciones internacionales con Adidas, Vans y BEAMS. La revolución de Art Toys alcanza en el Be@rbrick a uno de sus máximos representantes. Su sencilla pero atractiva imagen en forma de oso articulado (similar a un trozo de ladrillo, de ahí su nombre) y su inagotable variedad de diseños realizados por diferentes y famosos artistas lo convierten en objeto de deseo de nuevos y consagrados coleccionistas. Diseñado y producido por la empresa japonesa MediCom Toy Incomporated y lanzado en 2001 como regalo a los visitantes de la World Character Convention 12 de Tokio, el Be@rbrick cuenta con nueve piezas distintas (conocidas como "herramientas" en la industria juguetera) que permiten ocho puntos de articulación diversos: cabeza giratoria, cintura giratoria, brazos articulados, muñecas giratorias y piernas articuladas. Los tamaños van desde los 7 cm de altura (conocido como 100% Be@rbrick, tamaño estándar), seguido de 400% Be@rbrick (28 cm de altura) o 1000% Be@rbrick (70 cm de altura). Otros tamaños son más pequeños que el estándar, como el 50% Be@rbrick (4 cm) o el 70% Be@rbrick (5 cm). Entre las colaboraciones más reconocidas están las realizadas con Kaws, la Fundación Andy Warhol, Jean-Michel Basquiat, Keith Haring, Disney, Looney Tunes, DC Comics e incluso el Museo del Louvre y Chanel. Muchas celebridades también coleccionan Be@rbrick, desde el productor musical Pharrell Williams hasta la ex directora creativa de Vogue, Grace Coddington. En buen estado.

Valorac. 500 - 550 EUR

Lote 25 - FERRAN GARCIA SEVILLA (Palma de Mallorca, 1949). Sin título. Técnica mixta sobre cartón duro. Firmado al dorso. Medidas: 75 x 53 cm; 95 x 72 cm (marco). Ferrán García Sevilla fue una de las figuras más relevantes del arte conceptual de los setenta, reinventándose posteriormente para satisfacer una naturaleza inquieta y versátil. El sincretismo iconográfico de su universo simbólico queda reflejado en este cuadro. Vinculado inicialmente a la teoría y la crítica del arte, García Sevilla ha sido profesor de Bellas Artes en varias universidades. Debutó individualmente en 1972. Ha realizado exposiciones individuales en Europa y Estados Unidos, y participado en colectivas en Hamburgo, Viena, Munich, San Petersburgo, Lisboa y varias ciudades españolas, así como en la Documenta de Kassel (1987) y las Bienales de Estambul (1989) y São Paulo (1996). Entre las exposiciones personales que ha realizado en los últimos años destacan las de la Elga Wimmer Gallery de Nueva York (1992), la Thomas Netusil Kunsthandel de Viena (2000) y la galería Fúcares de Madrid (2008) García Sevilla está representado en el Centre Pompidou de París - Museo Nacional de Arte Moderno, el Museo Nacional Reina Sofía, el MACBA de Barcelona, el Centro Atlántico de Arte Moderno de Las Palmas, el CaixaForum de Barcelona, la Fundación Suñol, el Museo Colecciones Ico, el Es Baluard de Palma de Mallorca, el IVAM de Valencia, la Fundación Juan March, el Museo Patio Herreriano de Valladolid, el ARTIUM de Vitoria y el MuHKA de Amberes.

Valorac. 1 800 - 2 000 EUR

Lote 26 - KAWS (Nueva Jersey, 1974) para Medicom Toy. "Snoopy Peanuts", 2010. Vinilo. Sello en la base. Edición limitada a 500 ejemplares. En su caja original. Medidas: 20 x 10 x 14 cm. Kaws se reapropia de iconos de la cultura pop como Mickey Mouse, el Hombre Michelín, los Pitufos, Snoopy o Bob Esponja. Sus personajes suelen estar representados en una pose tímida o indefensa, a menudo con las manos sobre los ojos o, como vemos aquí, con el uso repetido de "x" en manos y ojos. La obra del diseñador y artista estadounidense conocido popularmente como Kaws, incluye el uso repetido de un elenco de personajes y motivos figurativos, algunos de los cuales se remontan a los comienzos de su carrera en los años 90, pintados inicialmente en 2D y posteriormente realizados en 3D. Algunos de sus personajes son creaciones suyas, mientras que otros son versiones modificadas de iconos ya existentes.Las esculturas de Kaws varían en tamaño desde unos pocos centímetros hasta diez metros de altura, y están hechas de diversos materiales, como fibra de vidrio, aluminio, madera, bronce y una balsa inflable de pontones de acero. Su obra se expone en galerías y museos, está realizada en colecciones permanentes de instituciones públicas y es ávidamente coleccionada por particulares, entre ellos el productor musical Swizz Beatz y el rapero Pharrell Williams. Se han publicado varios libros que ilustran su obra. Vive y trabaja en Brooklyn, Nueva York, creando esculturas, pinturas acrílicas sobre lienzo y serigrafías, al tiempo que colabora comercialmente, sobre todo en juguetes de edición limitada, pero también en ropa, monopatines y otros productos.

Valorac. 2 400 - 2 600 EUR

Lote 27 - Ciro SALOMON ODUBER (Panamá, 1921 - Barcelona, 2002). "Don Quijote". Firmado en el ángulo inferior derecho. Medidas: 45 x 34 cm; 74 x 60 cm (marco). Sus estudios iniciales fueron con Roberto Lewis en la Escuela Nacional de Pintura, y continuó entre 1940 y 1945 con Humberto Ivaldy. Viajó a Buenos Aires para estudiar y en la Academia Superior de Bellas Artes "Ernesto de la Córdoba" obtuvo el título de profesor de pintura. Regresó al país y ejerció la docencia en la Escuela Nacional de Artes Plásticas y en escuelas secundarias de la capital. Participó activamente en las artes plásticas panameñas; expuso colectiva e individualmente, pintó murales en instituciones públicas y privadas. Vivió en Barcelona, España, donde trabajó como pintor, ilustrador y profesor. Sus obras se encuentran en museos y colecciones de Panamá, Washington, Sao Paulo, Nueva York y Bogotá.

Valorac. 1 000 - 1 200 EUR

Lote 28 - JOAN JOSEP THARRATS VIDAL (Girona, 1918 - Barcelona, 2001). Sin título, 1993 Técnica mixta y collage sobre papel. Firmado y fechado en el margen inferior. Medidas: 50 x 35 cm; 81,5 x 66,5 cm (marco). En esta pintura con collage sobre papel realizada por Tharrats en los años noventa, hacia el final de su vida, podemos contemplar la consolidación de un lenguaje de raíz informalista, que en esta ocasión escenifica la lucha simbólica entre campos energéticos materializados en forma de trazos caóticos de ecos caligráficos e impulsos gestuales. Tras iniciar su formación en Béziers (Francia), en 1935 Tharrats regresa a Barcelona e ingresa en la Escuela Massana. Inicia su actividad artística después de la Guerra Civil, en un estilo que evoluciona desde un cierto impresionismo inicial hacia una progresiva abstracción, a través de las influencias de Mondrian y Kandinsky. Cofundador de Dau al Set junto con Brossa, Ponç, Cuixart y Tàpies, Tharrats debutó individualmente en 1949, en las galerías El Jardín de Barcelona. A partir de 1954 expuso regularmente en la Sala Gaspar de Barcelona, así como en 1955 en Estocolmo y Nueva York, en 1959 en la Bienal de São Paulo, y en Venecia en las Bienales de 1960 y 1964. En 1955, tras la disolución de Dau al Set, participó en la constitución del grupo Taüll junto a Muxart, Guinovart y sus antiguos colegas Cuixart y Tàpies. Once años más tarde, en 1966, fue también fundador de la Asociación de Artistas Contemporáneos. Pionero del vanguardismo catalán de posguerra, Tharrats evolucionó desde la abstracción lineal de influencia surrealista de su periodo Dau al Set hacia un informalismo de formas libres, rico en texturas y colorido. Además de la pintura de caballete, desarrolló su propia versión de las técnicas de grabado ("maculaturas"), y también realizó carteles, ilustraciones de libros, murales, vidrieras, mosaicos, joyas y escenografías de ópera. En 1983 recibió la Cruz de Sant Jordi, y en 1994 el Premio Nacional de Artes Plásticas. Ese mismo año ingresó en la Real Academia de Bellas Artes de San Jordi. Su obra está presente en diversos museos y colecciones de todo el mundo, como el MoMA y el Guggenheim de Nueva York, la Tate Gallery de Londres, el MACBA o el Museo Reina Sofía de Madrid.

Valorac. 2 800 - 3 000 EUR

Lote 29 - RICARD COMMELERAN (Barcelona, 1970) Sin título. 2002 Óleo sobre lienzo. Firmado y fechado en el margen inferior. Medidas: 130 x 110 cm. Pintura conceptual moderna, en la que se alinean una serie de tazas de café o chocolate, recortadas sobre un fondo negro que se vuelve blanco. La composición explora temas como la sensualidad y el minimalismo. Se inspira simultáneamente en el Pop Art y en el conceptualismo. Con el tratamiento de la figura y el fondo, invita al espectador a centrarse no en los motivos concretos representados, sino en la experimentación pictórica que en ellos se refleja. Ricard Commeleran estudió pintura y escultura en La Llotja de Barcelona. Ha expuesto en la galería The Weave Chiang Mai (2022), galería Artara de Maó ("Flors del desert", 2010, "La pell de l''aigua II", 2008), galería de arte VidrART de Ciutadella de Menorca (Flors negres, 2007).

Valorac. 3 500 - 3 700 EUR

Lote 30 - ERVIN MURANSZKY (siglo XX). Sin título. Escultura en mármol. Firmada "E. Muranszky". Pedestal de hierro. Medidas: 75 x 50 x 50 cm (escultura); 102 x 32 x 32 x 32 cm (peana). Esta escultura de estética minimalista y técnica exquisita, combina dos tradiciones aparentemente irreconciliables: se afilia, por un lado, al arte de raíces constructivistas, como el Art Decó y el arte conceptual, y por otro, establece un guiño moderno con la tradición milenaria del opus sectile, de origen mesopotámico (y popular en el arte romano y bizantino). Se ha construido una esfera perfecta combinando pequeñas teselas de diferentes mármoles, lo que da lugar a texturas y jaspeados contrastados. La bola, que sugiere el orbe terrestre o un planeta desconocido, descansa en un único punto y perfecto equilibrio sobre un volumen cuadrado, trabajado con losas alternas de distintos tipos de mármol. La combinación de piedras naturales y formas puras que remiten a la perfección convoca simbólicamente las energías innatas de los materiales.

Valorac. 15 000 - 17 000 EUR

Lote 31 - ALAIN JOSSEAU (Nantes, 1968). "Ciclo JFK nº1", 2000. Óleo sobre lienzo. Presenta etiqueta informativa al dorso de la Galería Sollertis, Toulouse. Firmado al dorso. Firmado, fechado y titulado en el bastidor. Medidas: 89 x 129 cm. Alain Josseau se licenció en la Escuela de Bellas Artes de Nantes en 1992. Sus pinturas, dibujos, vídeos e instalaciones evocan desde entonces numerosos acontecimientos históricos importantes: el atentado contra el World Trade Center, el asesinato de Kennedy, la guerra de Irak, etc. Desde principios de los años 2000, Alain Josseau, inspirándose en el cine (Hitchcock, Antonioni, Lars von Trier o Ridley Scott) o en vídeos de acontecimientos reales y actuales, cuestiona las imágenes, sus realidades, su génesis, su difusión y su recepción. Desde este artista apasionado por el asesinato de John F. Kennedy, "punto nodal en la historia de la imagen", que reprodujo el alunizaje durante una performance, el tema ha ocupado gran parte de su producción artística. Sus obras se han expuesto en numerosos museos y colecciones públicas, entre ellos: Fond National d'Art Contemporain, París; Museo Marta Herford, Alemania; Les abattoirs, Toulouse; Cité des Science et de l'Industrie, La Villette; Frac Auvergne; Métro de Toulouse; Centre d'Art Contemporain, Meymac; Fondation EDF; Fondation Boghossian; Fondation Francès, Senlis; Photology, Milán.

Valorac. 1 000 - 1 200 EUR

Lote 32 - CHEN YIFEI (Ningbo, China 1946 - Shanghai, China 2005) "Puente de paz", 1985. Litografía sobre papel Arches. Ejemplar 312/1000. Se adjunta certificado de autenticidad expedido por la Federación Mundial de las Naciones Unidas en 1985. Con sellos secos del Estudio Emiliano Sorini de Nueva York y de la Federación Mundial de las Naciones Unidas. Enmarcado en cristal de museo. Firmado y numerado. Medidas: 28,5 x 21,7 cm. Chen Yifei es uno de los pintores al óleo más reconocidos en China y con mayor repercusión en Occidente. De personalidad polifacética, también es conocido por su labor como director de cine, empresario, diseñador y decorador. Comenzó sus estudios artísticos en Shanghai en 1965, donde destacó por centrar su atención en la pintura al óleo en un país marcado por la tradición de la pintura china en tinta. La calidad de su pincelada le convertirá en uno de los artistas más famosos de la Revolución Cultural (aunque no pudo evitar algunos pequeños percances); pintó retratos glorificando a Mao Zedong y grandes lienzos revolucionarios. Fue uno de los primeros artistas autorizados por el gobierno comunista a viajar a Estados Unidos, donde vivió entre 1980 y 1990. Allí hizo fortuna y refinó la calidad de su estilo. En 1990 regresó a Shanghai, ciudad en la que pasó el resto de su vida. Influido por su formación en el arte soviético y centrado en los temas revolucionarios que envolvían su entorno, su pincelada evolucionó hacia temas más románticos, escenas de género, una iconografía realista de aire melancólico y detalles modernos. Sus escenas más características suelen mostrar a mujeres chinas realizando acciones cotidianas, ataviadas con trajes tradicionales con multitud de detalles y colores densos que destacan sobre fondos oscuros y neutros. Certificado de autenticidad expedido por la Federación Mundial de las Naciones Unidas en 1985. Enmarcado en cristal de museo.

Valorac. 800 - 900 EUR

Lote 33 - MANOLO VALDÉS (Valencia, 1942). "Matisse como pretexto", 2001. Serigrafía sobre lienzo. Ejemplar H.C II/III. La autenticidad de este lote ha sido verificada por el estudio de Manolo Valdés. Firmado y fechado en la zona inferior central. Justificado en la esquina inferior derecha. Medidas: 148 x 122 cm. Esta obra es un claro ejemplo de la respuesta de Valdés al maestro Matisse, rescatando sus odaliscas y envolviéndolas en una estética pop. Como es habitual en su producción, Valdés recurre a la obra de un gran maestro como punto de partida para crear una nueva imagen que, en su total originalidad y contemporaneidad, nos insta a repensar el legado de la propia historia del arte. En una entrevista que el artista concedió al diario ABC en 2016, Valdés señalaba su vinculación artística con Matisse, y su interés por la interpretación de su obra. Además, este mismo año expuso en la galería Marlborough Fine Art de Londres, la muestra titulada "Recent Work. Pinturas y esculturas", era una selección de once obras que rendían homenaje a la labor artística de Henri Matisse. De hecho, cuando el pintor valenciano fue entrevistado en referencia a esta exposición, Valdés respondió "respondo a sus cuadros con otros cuadros". Manolo Valdés introdujo en España una forma de expresión artística que combina el compromiso político y social con el humor y la ironía. Comenzó su formación en 1957, cuando ingresó en la Escuela de Bellas Artes de San Carlos de Valencia. Sin embargo, dos años más tarde abandonó sus estudios para dedicarse plenamente a la pintura. En 1964 fundó el grupo artístico Equipo Crónica, junto a Juan Antonio Toledo y Rafael Solbes, en el que permaneció hasta la muerte de este último en 1981, a pesar de que Toledo había abandonado el grupo dos años después de su fundación. Desde entonces se instaló en Nueva York, donde reside actualmente y donde ha seguido experimentando con nuevas formas de expresión, entre ellas la escultura. Entre los numerosos galardones que ha recibido Manolo Valdés se encuentran el Lissone y el Biella de Milán, la medalla de plata de la II Bienal Internacional de Grabado de Tokio, el premio del Museo de Arte Bridgestone de Lisboa, el Premio Nacional de Artes Plásticas, la medalla del Festival Internacional de Artistas Plásticos de Bagdad, la Condecoración de la Orden de Andrés Bello en Venezuela, el premio del Consejo Nacional de Mónaco, la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes, el Premio de la Asociación Española de Críticos de Arte y el Premio al Mejor Artista Grabador, entre otros. Formalmente, Valdés crea una obra de gran formato en la que las luces y los colores expresan valores táctiles, debido al tratamiento dado a los materiales. Su obra obliga al espectador a hurgar en la memoria y buscar imágenes significativas de la historia del arte. Está representado en algunos de los museos más destacados del mundo, como el Reina Sofía de Madrid, el Metropolitan, el MoMA y el Guggenheim de Nueva York, el Centro Georges Pompidou y el Fons National d'Arts Plastiques de París, el Kusnthalle de Hamburgo, el Kunstmuseum de Berlín y el Museo de Bellas Artes de Bilbao, entre muchos otros. La autenticidad de este lote ha sido verificada por el estudio Manolo Valdés.

Valorac. 15 000 - 18 000 EUR

Lote 34 - EUDALD SERRA GÜELL (Barcelona, 1911-2002). Sin título. 1961 Escultura de gres. Ejemplar 1/5. Base de mármol. Firmado y numerado Medidas: 60 x 30 x 7 cm. En los años cincuenta y sesenta, Eudald Serra cultivó una escultura no figurativa de carácter orgánico, con superficies curvas y profusión de vacíos. La pieza de 1961 que aquí mostramos pertenece a ese periodo, especialmente fructífero para este autor. Esta escultura de gres está dotada de un gran poder de sugestión. Se inspira en las efigies prehistóricas y en la escultura étnica de culturas ancestrales, al tiempo que dialoga con artistas del movimiento moderno como Brancusi y Jean Arp. Escultor y pintor, Eudald Serra inició su formación como discípulo de Ángel Ferrant, compaginando sus estudios en las Escuelas de La Llotja y Bellas Artes de Barcelona. Durante su época de estudiante trabajó también en un taller de joyería y en una compañía naviera, lo que quizá sea la raíz de su pasión por los viajes, que le llevó a realizar su primer viaje por Europa en 1932. Debutó individualmente en 1934, en la sala Busquets de Barcelona, y colaboró con el grupo ADLAN. En 1935 realizó un viaje de estudios a Japón, quedando fascinado por la cultura local hasta el punto de establecerse en la ciudad de Kobe, donde vivió varios años. Durante este periodo se dedicó principalmente a la cerámica, realizando exposiciones en Tokio, Osaka y Kobe. En 1939 ganó el premio de la exposición de Hyogo y, tras una breve estancia en Estados Unidos, regresó a España en 1948. Entre finales de los cincuenta y principios de los sesenta viajó extensamente por el sudeste asiático y Oriente Medio, y durante los ochenta visitó Centroamérica, Australia, China y Marruecos. Entre sus galardones destacan el Gran Premio de la Bienal de Alejandría, el Premio de la Diputación de Madrid en la Bienal Hispanoamericana, el Premio Nacional de Escultura y el Premio del Salón de Jazz de Barcelona, entre otros. Formó parte del grupo Altamira, y fue profesor en la Escuela Massana y en la Escuela Superior de Bellas Artes de Barcelona. Actualmente está representado en el Centro Nacional de Arte Reina Sofía, el MACBA de Barcelona y el Museo de Alejandría, entre otros.

Valorac. 7 000 - 7 500 EUR

Lote 35 - OSAMU TEZUKA (Toyonaka, 1928-Tokio, 1989). "Además de la película del emperador de la selva Leo". Celuloide y dibujo en el reverso. Medidas: 46 x 35 cm; 51 x 41 cm (marco). Osamu Tezuka, considerado "el dios del manga", fue un mangaka (palabra japonesa para designar al creador de un cómic) y animador japonés. Gracias a su labor como ilustrador, Tezuka extendió y masificó la lectura y el consumo del manga como medio de entretenimiento popular, logrando que los mangas llegaran a tener una profunda influencia en la sociedad japonesa de posguerra. Influyó en la forma de hacer cómics de la gran mayoría de autores posteriores y sus obras han sido traducidas a numerosos idiomas, entre ellos el español. Su forma de hacer cómics se basaba en las técnicas cinematográficas de Walt Disney, introduciendo el manga de historia, o manga de larga duración, con una trama mucho más elaborada y compleja que los cómics creados hasta entonces por otros artistas. Entre sus obras más famosas se encuentran Jungle Taitei ("Kimba, el león blanco"), Tetsuwan Atom ("Astroboy") y Ribbon No Kishi ("La princesa caballero"), considerado el primer manga shojo de la historia. El éxito continuó en las décadas siguientes, con series como Hi no Tori ("Fénix", 1954), Black Jack (1973-84), Buddha (1972-83) y Adolf (1983), dando un giro profundo con la culminación de la serie MW (1976-1978), en la que abordó temas muy poco habituales en el manga de la época, como la homosexualidad, la corrupción política o las armas químicas.

Valorac. 300 - 400 EUR

Lote 36 - EDUARDO ARRANZ BRAVO (Barcelona, 1941). "Soire noire I", 1988. Goache sobre papel. Etiqueta de la Galería Arteunido en el reverso. Medidas: 15 x 22 cm; 27 x 33 cm. Formado entre Barcelona, París, Madrid e Italia, Arranz debuta individualmente en el Club Universitario de Barcelona, en 1961. En 1967 abandona el lirismo de su primera época y se acerca a la Nueva Figuración. En los años setenta forma pareja artística con Rafael Lozano Bartolozzi, con quien llevará a cabo proyectos artísticos que marcarán la historia del arte contemporáneo español durante más de una década. Ha expuesto por todo el mundo, y entre sus galardones destacan el Gran Premio y Medalla de Oro de la Bienal Internacional de Ibiza (1964), el Premio de la II Bienal del Deporte (1964), el Premio de Figura de la Bienal Estrada Saladich (1967) y el Premio de Dibujo Ynglada Guillot (1968). Su obra está presente en el MoMA de Nueva York, el Museo de São Paulo, el Museo de Arte Contemporáneo de Madrid y el Museo de Bellas Artes de Vitoria y Sevilla.

Valorac. 600 - 700 EUR

Lote 37 - JOAN GARDY ARTIGAS (Boulogne, París, 1938). Sin título. Técnica mixta sobre papel. Firmado en el margen inferior. Medidas: 74 x 92 cm; 102 x 124 cm (marco). Pintor y escultor, Joan Gardy Artigas trabajó como ayudante de Joan Miró durante su adolescencia, tras la cual se marchó a París para estudiar en la Escuela de Bellas Artes. En los años sesenta empezó a trabajar con Miró, una colaboración que duraría veinte años. En solitario, Gardy Artigas realizó esculturas monumentales en Francia, España, Estados Unidos, Reino Unido y Japón, así como piezas de pequeño formato, litografías y grabados. Está representado en la Fundación Artigas de Barcelona y, desde los años sesenta, en las galerías más importantes de España, Francia, Alemania, Japón y Suiza.

Valorac. 600 - 800 EUR

Lote 38 - ANTONI TÀPIES PUIG (Barcelona, 1923 - 2012). "U no es ningú". Litografía, ejemplar XII/LXXXII. Firmada y numerada a lápiz. Tàpies Galfetti III, p. 37, fig. 723. Medidas: 56 x 73 cm. Antoni Tàpies se inicia en el arte durante su larga convalecencia de una enfermedad pulmonar. Progresivamente se dedicará con mayor intensidad al dibujo y a la pintura, y finalmente abandona sus estudios de derecho para dedicarse por completo al arte. Cofundador de "Dau al Set" en 1948, comienza a exponer en los Salones de Octubre de Barcelona, así como en el Salón de los Once celebrado en Madrid en 1949. Tras su primera exposición individual en las Galerías Layetanas, viaja a París en 1950, becado por el Instituto Francés. En estos años comienza su participación en la Bienal de Venecia, expone de nuevo en las Layetanas y, tras una muestra en Chicago, en 1953 realiza una exposición individual en la galería neoyorquina de Martha Jackson. A partir de entonces, sus exposiciones, tanto colectivas como individuales, se sucedieron por todo el mundo, en importantes galerías y museos como el Guggenheim de Nueva York y el Museo de Arte Moderno de París. Desde los años setenta, se le han dedicado antologías en Tokio (1976), Nueva York (1977 y 2005), Roma (1980), Ámsterdam (1980), Madrid (1980), Venecia (1982), Milán (1985), Viena (1986) y Bruselas (1986). Autodidacta, Tàpies ha creado un estilo propio dentro del arte de vanguardia del siglo XX, combinando tradición e innovación en un estilo abstracto pero cargado de simbolismo, dando gran relevancia al sustrato material de la obra. Cabe destacar el marcado sentido espiritual que el artista otorga a su obra, donde el soporte material trasciende su estado para significar un profundo análisis de la condición humana. La obra de Tàpies ha sido muy valorada internacionalmente, exponiéndose en los museos más prestigiosos del mundo. A lo largo de su carrera ha recibido numerosos premios y distinciones, entre los que destacan el Praemium Imperiale de Japón, el Premio Nacional de Cultura, el Gran Premio de Pintura de Francia, el Wolf Foundation of the Arts (1981), la Medalla de Oro de la Generalitat de Catalunya (1983), el Premio Príncipe de Asturias de las Artes (1990), la Medalla Picasso de la Unesco (1993) y el Premio Velázquez de las Artes Plásticas (2003). Gran defensor de la cultura catalana, de la que está profundamente imbuido, Tàpies es un gran admirador del escritor místico Ramón Llull, así como del románico catalán y de la arquitectura de Gaudí. Al mismo tiempo, aprecia el arte y la filosofía orientales, que, como su propia obra, desdibujan la frontera entre la materia y el espíritu, entre el hombre y la naturaleza. Influido por el budismo, muestra en sus cuadros cómo el dolor, tanto físico como espiritual, es inherente a la vida. Antoni Tàpies está representado en importantes museos de todo el mundo, como la fundación que lleva su nombre en Barcelona, el Reina Sofía de Madrid, el Guggenheim de Berlín, Bilbao y Nueva York, el Fukoka Art Museum de Japón, el MoMA de Nueva York y la Tate Gallery de Londres.

Valorac. 1 000 - 1 100 EUR

Lote 39 - ANTONI TÀPIES PUIG (Barcelona, 1923 - 2012). "Composición", 1976. Litografía sobre papel Guarro, copia H.C. Firmada y justificada a mano. Edición poligráfica. Tàpies Galfetti II, p. 208, fig. 636. Medidas: 56 x 76 cm. Antoni Tàpies se inicia en el arte durante su larga convalecencia de una enfermedad pulmonar. Progresivamente se dedicará con mayor intensidad al dibujo y a la pintura, y finalmente abandona sus estudios de derecho para dedicarse por completo al arte. Cofundador de "Dau al Set" en 1948, comienza a exponer en los Salones de Octubre de Barcelona, así como en el Salón de los Once celebrado en Madrid en 1949. Tras su primera exposición individual en las Galerías Layetanas, viaja a París en 1950, becado por el Instituto Francés. En estos años comienza su participación en la Bienal de Venecia, expone de nuevo en las Layetanas y, tras una muestra en Chicago, en 1953 realiza una exposición individual en la galería neoyorquina de Martha Jackson. A partir de entonces, sus exposiciones, tanto colectivas como individuales, se sucedieron por todo el mundo, en importantes galerías y museos como el Guggenheim de Nueva York y el Museo de Arte Moderno de París. Desde los años setenta, se le han dedicado antologías en Tokio (1976), Nueva York (1977 y 2005), Roma (1980), Ámsterdam (1980), Madrid (1980), Venecia (1982), Milán (1985), Viena (1986) y Bruselas (1986). Autodidacta, Tàpies ha creado un estilo propio dentro del arte de vanguardia del siglo XX, combinando tradición e innovación en un estilo abstracto pero cargado de simbolismo, dando gran relevancia al sustrato material de la obra. Cabe destacar el marcado sentido espiritual que el artista da a su obra, donde el soporte material trasciende su estado para significar un profundo análisis de la condición humana. La obra de Tàpies ha sido muy valorada internacionalmente, exponiéndose en los museos más prestigiosos del mundo. A lo largo de su carrera ha recibido numerosos premios y distinciones, entre los que destacan el Praemium Imperiale de Japón, el Premio Nacional de Cultura, el Gran Premio de Pintura de Francia, el Wolf Foundation of the Arts (1981), la Medalla de Oro de la Generalitat de Catalunya (1983), el Premio Príncipe de Asturias de las Artes (1990), la Medalla Picasso de la Unesco (1993) y el Premio Velázquez de las Artes Plásticas (2003). Gran defensor de la cultura catalana, de la que está profundamente imbuido, Tàpies es un gran admirador del escritor místico Ramón Llull, así como del románico catalán y de la arquitectura de Gaudí. Al mismo tiempo, aprecia el arte y la filosofía orientales, que, como su propia obra, desdibujan la frontera entre la materia y el espíritu, entre el hombre y la naturaleza. Influido por el budismo, muestra en sus cuadros cómo el dolor, tanto físico como espiritual, es inherente a la vida. Antoni Tàpies está representado en importantes museos de todo el mundo, como la fundación que lleva su nombre en Barcelona, el Reina Sofía de Madrid, el Guggenheim de Berlín, Bilbao y Nueva York, el Fukoka Art Museum de Japón, el MoMA de Nueva York y la Tate Gallery de Londres.

Valorac. 1 000 - 1 100 EUR

Lote 40 - PABLO RUIZ PICASSO (Málaga, 1881 - Mougins, Francia, 1973). "Étude pour l'Homme au Mouton, 1967. Litografía sobre papel Arches. Firmada con sello verde. Edición de 200 ejemplares en una sola hoja. Edición de lujo aparte de las publicadas para la serie "La Flauta Doble". Catálogo Raissonné "Libros ilustrados modernos", referencia 8860. Medidas: 96,7 x 41 cm. Picasso inició sus estudios artísticos en Barcelona, en la Escuela Provincial de Bellas Artes (1895). Sólo dos años más tarde, en 1897, Picasso realizó su primera exposición individual en el café "Els Quatre Gats". París se convertiría en la gran meta de Pablo y en 1900 se trasladó a la capital francesa durante un breve periodo de tiempo. A su regreso a Barcelona, comienza a trabajar en una serie de obras en las que se aprecian las influencias de todos los artistas que ha conocido o cuya obra ha visto. Es una esponja que lo absorbe todo pero no retiene nada; busca un estilo personal. Entre 1901 y 1907 desarrolla las Etapas Azul y Rosa, caracterizadas por el uso de estos colores y por su temática con figuras sórdidas, aisladas, con gestos de pena y sufrimiento. La pintura de estos primeros años del siglo XX experimentaba continuos cambios y Picasso no podía permanecer al margen. Se interesó por Cézanne y, basándose en su ejemplo, desarrolló junto a su amigo Braque una nueva fórmula pictórica: El Cubismo. Pero Picasso no se quedó ahí y en 1912 practicó el collage en la pintura; a partir de ese momento, todo vale, la imaginación se convirtió en la maestra del arte. Picasso es el gran revolucionario y cuando todos los pintores se interesan por el cubismo, él se ocupa del clasicismo de Ingres. El movimiento surrealista de 1925 no le coge desprevenido y, aunque no participa abiertamente, le sirve como elemento de ruptura con lo anterior, introduciendo en su obra figuras distorsionadas con gran fuerza y no exentas de rabia y furia. Al igual que Goya, Picasso también se vio muy influido por su situación personal y social en el momento de su obra. Sus relaciones con las mujeres, a menudo tumultuosas, afectarán seriamente a su obra. Sin embargo, lo que más impactó a Picasso fue el estallido de la Guerra Civil española y el bombardeo de Guernica, que le llevaron a crear la obra más famosa del arte contemporáneo. París fue su refugio durante mucho tiempo, pero los últimos años de su vida los pasó en el sur de Francia, trabajando en un estilo muy personal, con colores vivos y formas extrañas. Picasso está representado en los museos más importantes del mundo, como el Metropolitan, el MOMA y el Guggenheim de Nueva York, el Hermitage de San Petersburgo, la National Gallery de Londres o el Reina Sofía de Madrid.

Valorac. 1 000 - 1 100 EUR

Lote 41 - ANTONI TÀPIES PUIG (Barcelona, 1923 - 2012). "Suite Berlín", 1974. Litografía sobre papel Arches, ejemplar 144/150. Firmada y numerada a lápiz. Tàpies Galfetti II, p. 105, fig. 476. Medidas: 56 x 76 cm. Antoni Tàpies se inicia en el arte durante su larga convalecencia de una enfermedad pulmonar. Progresivamente se dedicará con mayor intensidad al dibujo y a la pintura, y finalmente abandona sus estudios de derecho para dedicarse por completo al arte. Cofundador de "Dau al Set" en 1948, comienza a exponer en los Salones de Octubre de Barcelona, así como en el Salón de los Once celebrado en Madrid en 1949. Tras su primera exposición individual en las Galerías Layetanas, viaja a París en 1950, becado por el Instituto Francés. En estos años comienza su participación en la Bienal de Venecia, expone de nuevo en las Layetanas y, tras una muestra en Chicago, en 1953 realiza una exposición individual en la galería de Martha Jackson en Nueva York. A partir de entonces, sus exposiciones, tanto colectivas como individuales, se sucedieron por todo el mundo, en importantes galerías y museos como el Guggenheim de Nueva York y el Museo de Arte Moderno de París. Ha recibido premios como el Príncipe de Asturias, el Praemium Imperiale de la Asociación Japonesa de Arte, el Premio Nacional de Cultura, el Gran Premio de Pintura de Francia, etc., y se le han dedicado antologías en Tokio (1976), Nueva York (1977 y 2005), Roma (1980), Amsterdam (1980), Madrid (1980), Venecia (1982), Milán (1985), Viena (1986) y Bruselas (1986). Está representado en importantes museos de todo el mundo, como la fundación que lleva su nombre en Barcelona, el Reina Sofía de Madrid, el Guggenheim de Berlín, Bilbao y Nueva York, el Fukoka Art Museum de Japón, el MoMA de Nueva York y la Tate Gallery de Londres.

Valorac. 1 200 - 1 500 EUR

Lote 42 - ANTONI TÀPIES PUIG (Barcelona, 1923 - 2012). "70", 1979. Aguafuerte, aguatinta, carborundo y grabado en relieve gofrado sobre papel Guarro, ejemplar 10/75. Firmado y numerado a lápiz. Tàpies Galfetti III, pág. 31, fig. 714 Medidas: 19 x 20,5 cm (plancha); 56 x 73 cm (papel). Antoni Tàpies se inicia en el arte durante su larga convalecencia de una enfermedad pulmonar. Progresivamente se dedica con mayor intensidad al dibujo y a la pintura, y finalmente abandona sus estudios de derecho para dedicarse por completo al arte. Cofundador de "Dau al Set" en 1948, comienza a exponer en los Salones de Octubre de Barcelona, así como en el Salón de los Once celebrado en Madrid en 1949. Tras su primera exposición individual en las Galerías Layetanas, viaja a París en 1950, becado por el Instituto Francés. En estos años comienza su participación en la Bienal de Venecia, expone de nuevo en las Layetanas y, tras una muestra en Chicago, en 1953 realiza una exposición individual en la galería de Martha Jackson en Nueva York. A partir de entonces, sus exposiciones, tanto colectivas como individuales, se sucedieron por todo el mundo, en importantes galerías y museos como el Guggenheim de Nueva York y el Museo de Arte Moderno de París. Ha recibido premios como el Príncipe de Asturias, el Praemium Imperiale de la Asociación Japonesa de Arte, el Premio Nacional de Cultura, el Gran Premio de Pintura de Francia, etc., y se le han dedicado antologías en Tokio (1976), Nueva York (1977 y 2005), Roma (1980), Amsterdam (1980), Madrid (1980), Venecia (1982), Milán (1985), Viena (1986) y Bruselas (1986). Está representado en importantes museos de todo el mundo, como la fundación que lleva su nombre en Barcelona, el Reina Sofía de Madrid, el Guggenheim de Berlín, Bilbao y Nueva York, el Fukoka Art Museum de Japón, el MoMA de Nueva York y la Tate Gallery de Londres.

Valorac. 1 200 - 1 500 EUR

Lote 43 - ALBERTO KORDA (La Habana, 1928- 2001). "Che Guevara", c.1960. Fotografía, negativo original. Firmada y dedicada en la parte superior izquierda. Medidas: 30 x 21 cm. Korda, cuyo verdadero nombre era Alberto Díaz Gutiérrez, tuvo su primer contacto con la fotografía cuando cogió la Kodak de 35 mm de su padre y empezó a hacer fotos a su novia. Korda comenzó su carrera como fotógrafo, fotografiando inicialmente banquetes, bautizos y bodas. La calidad del trabajo de Korda como principiante era muy pobre y sus fotos se deterioraban rápidamente. En 1953, Korda abrió su primer estudio con un fotógrafo llamado Luis Pierce. Al principio, Korda y Pierce hicieron trabajos muy variados, desde moda hasta publicidad. Sin embargo, al abrir su primer estudio, Korda tuvo la oportunidad de aprender de sus errores y detener el proceso utilizando los productos químicos adecuados. La mayoría de los trabajos los fotografiaba su socio de estudio para mantener su negocio en marcha. Fue el dinero generado por estos trabajos lo que permitió a Korda desarrollar su estilo único de mirar una imagen desde otro ángulo, diferente al de los fotógrafos de estudio tradicionales. Fue este estilo el que definió y popularizó las fotografías realizadas en los Estudios Korda. En los primeros años, Korda se interesó más por la moda y se convirtió en el principal fotógrafo de moda de Cuba. A Korda no le gustaba la iluminación artificial, diciendo que era "una parodia de la realidad", y sólo utilizaba luz natural en su estudio. Era el maestro de la fotografía en blanco y negro, con su trabajo buscaba la composición y el encuadre perfectos. Korda tenía una ambición creativa única que a menudo superaba en estilo a la perspectiva cultural poco imaginativa de la fotografía tradicional cubana. Esta creatividad única convirtió al Estudio Korda en algo más que un próspero negocio: se convirtió en un estudio de arte.

Valorac. 4 000 - 4 500 EUR

Lote 44 - ZAO WOU-KI (Pekín, 1921 - Nyon, Suiza, 2013). "Zoo-4", 1986. Aguafuerte, copia H.C. 4/15. Firmado y justificado a mano. Medidas: 40,5 x 56 cm (grabado); 48 x 63 cm (papel); 70 x 86 cm (marco). Incluso en los grabados, Zao Wou-Ki trabaja con grandes masas de color satinado que implosionan configurando big bangs germinales, paisajes sublimes y primordiales como en esta ocasión. Zao Wou Ki nació en el seno de una familia franco-china y creció en un ambiente muy culto, interesado por las artes y las ciencias. Estudió caligrafía en su infancia, aspecto que influiría en su obra de madurez, y más tarde se formó en pintura en la Facultad de Bellas Artes de Hangzhou entre 1935-1941. Unos años más tarde, en 1948, se instala en París, en el barrio de Montparnasse, donde seguirá los cursos artísticos de Émile Othon Friesz y entrará en contacto con la vanguardia artística contemporánea. Comienza a experimentar con la litografía, técnica que acaba dominando, fruto de su contacto con Desjobert. En mayo de 1949 celebra una exposición individual en la Galería Creuze, con una presentación escrita por Bernard Dorival, conservador del Museo Nacional de Arte Moderno. En enero de 1951, Pierre Loeb visita el estudio de Wou-Ki con Henri Michaux y organiza una exposición en la Galería Pierre para el mes de junio, sentando así las bases de una estrecha relación de colaboración que duraría seis años. Así, expone regularmente en la Galería Pierre, y conoce a I. M. Pei y a su esposa Eileen, abriendo su círculo de exposiciones a Suiza, Londres, Basilea y Lausana, así como en Nueva York, Washington y Chicago. Es Michaux quien escribe la presentación del catálogo de su primera exposición en Nueva York, en la Galería Cadly-Birch.

Valorac. 4 000 - 5 000 EUR

Lote 45 - LUIS FEITO (Madrid, 1929-2021). "Composición. Litografía. Ejemplar 42/99. Firmado y justificado a lápiz. Medidas: 76 x 57 cm; 93 x 73 cm (marco). Luís Feito, nacido y formado en Madrid, fue uno de los miembros fundadores del grupo El Paso. En 1954 realizó su primera exposición individual, con obras no figurativas, en la galería Buchholz de Madrid. A partir de ese momento Feito expuso regularmente en las ciudades más importantes del mundo, como París, Milán, Nueva York, Helsinki, Tokio y Roma. Nombrado profesor de la Escuela de Bellas Artes de San Fernando en 1954, dos años más tarde abandonó la docencia y se marchó a París con una beca para estudiar los movimientos de vanguardia del momento. Durante este periodo se vio influido por el automatismo y la pintura matérica. En 1962 se convierte en miembro fundador del grupo El Paso, con el que había perdido el contacto durante sus años en París. Sus primeras obras se inscriben dentro de la pintura figurativa, para pasar después a una fase en la que experimenta con el cubismo, y finalmente entrar de lleno en la abstracción. Al principio sólo utilizaba colores negros, ocres y blancos, pero cuando descubrió el potencial de la luz, empezó a utilizar colores más vivos y planos más suaves. Evolucionó hasta utilizar el rojo como contrapunto en sus composiciones (desde 1962) y, en general, colores más intensos. En su etapa abstracta, que abarca la década de 1970, Feito muestra una clara tendencia a la simplificación, predominando en sus composiciones el círculo como forma geométrica. Posiblemente, la influencia del arte japonés se aprecia en su preferencia por las grandes bandas de negro. La mayoría de sus obras carecen de título, por lo que suelen reconocerse por el número que se les asigna. Entre sus galardones destaca su nombramiento como Oficial de la Orden de las Artes y las Letras de Francia en 1985. En 1998 recibió la Medalla de Oro de Bellas Artes de Madrid, y fue nombrado Académico de Número de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. En 2000 recibió el Premio de la Asociación Española de Críticos de Arte en el Salón Estampa, en 2002 el Gran Premio AECA al mejor artista internacional en ARCO, en 2003 el premio al artista más relevante en la Feria de Arte de Osaka (Japón), en 2004 el Premio a la Cultura de las Artes Plásticas de la Comunidad de Madrid, en 2005 el Premio Francisco Tomás Prieto de la Fábrica Nacional de Moneda y Timbre, y en 2008 el Premio Fundación Jorge Alió y el Gran Premio de Arte Español Contemporáneo CESMAI. Luis Feito está representado en los museos más importantes del mundo.

Valorac. 500 - 600 EUR

Lote 46 - JOAN MIRÓ I FERRÀ (Barcelona, 1893 - Palma de Mallorca, 1983). "Barça". Litografía, copia 50/50 . Firmada y numerada a lápiz, Medidas: 100 x 70 cm; 116 x 87 cm (marco). Joan Miró se forma en Barcelona, y debuta individualmente en 1918, en las Galerías Dalmau. En 1920 se traslada a París y conoce a Picasso, Raynal, Max Jacob, Tzara y los dadaístas. Allí, bajo la influencia de poetas y pintores surrealistas, madura su estilo; intenta transponer a lo visual la poesía surrealista, basada en la memoria, la fantasía y lo irracional. Su tercera exposición en París, en 1928, fue su primer gran triunfo: el Museo de Arte Moderno de Nueva York adquirió dos de sus obras. Regresó a España en 1941, y ese mismo año el museo le dedicó una retrospectiva que supondría su definitiva consagración internacional. A lo largo de su vida recibió numerosos galardones, como los Grandes Premios de la Bienal de Venecia y de la Fundación Guggenheim, el Premio Carnegie de Pintura, las Medallas de Oro de la Generalitat de Cataluña y de Bellas Artes, y fue nombrado Doctor Honoris Causa por las universidades de Harvard y Barcelona. Actualmente, su obra puede verse en la Fundación Joan Miró de Barcelona, así como en el Museo Thyssen-Bornemisza, el MoMA de Nueva York, el Museo Reina Sofía de Madrid, la National Gallery de Washington, el MNAM de París y la Albright-Knox Art Gallery de Buffalo.

Valorac. 2 000 - 2 400 EUR

Lote 47 - MAX NEUMANN (Saarbrücken, Alemania, 1949) Sin título, 1990 Óleo sobre papel adherido a lienzo. Firmado y fechado en la esquina inferior derecha. Con etiqueta de la galería Maeght de Barcelona. Medidas: 220 x 180 cm. La obra que mostramos nos sumerge en una atmósfera oscura, que sugiere una violencia latente. Max Neumann desarrolló un estilo personal de gran contundencia. Es un artista instalado ya en su propio universo, que se desliza entre la abstracción y una figuración enigmática. El pintor alemán Max Neumann ha participado en numerosas exposiciones individuales en galerías alemanas y extranjeras, así como en exposiciones en el Museo del Sarre, en Saarbrücken, y en el Museo Folkwang, en Essen, dos de los más renombrados museos alemanes de arte contemporáneo, lo que demuestra que Max Neumann es un artista reconocido cuya obra está representada en importantes colecciones institucionales, públicas y privadas de todo el mundo. Actualmente reside en Berlín. Se formó entre 1969 y 1977 en las escuelas de arte de Saarbrucken, Karlsruhe y Berlín. Exposiciones individuales seleccionadas: 2015 -Gallery Bruce Silverstein, Nueva York 2014 Galerie Thomas Levy, Hamburgo Galerie Xenon, Burdeos Galerie Vidal-Saint Phalle, París 2013- Galerie Stefan Röpke, Colonia? Mimmo Scognamiglio artecontemporanea, Milán. Galerie Clairefontaine, Luxemburgo 2012 -Galerie Vidal-Saint Phalle, París Bruce Silverstein Gallery, Nueva York 2011-Levy, Hamburgo 2010- Fondation Antonio Pérez, Centro de Arte Contemporáneo, Cuenca. Museo de Obra Gráfica, San Clemente, Cuenca Galerie Vidal-Saint Phalle, París. Galería de Bellas Artes AUP, Universidad Americana de París. Galerie Arnes y Röpke, Madrid. Galerie Stefan Röpke, Colonia. Kunstverein Niebüll, Richard-Haizmann-Museum, Niebüll 2009 -Villa Wessel, Iserlohn. Centre Cultural Contemporani Pelaires, Palma de Mallorca Ronchini Arte Contemporanea, Terni. Freie Akademie der Künste de Hamburgo 2008-Galerie Stefan Röpke, Colonia.

Valorac. 7 000 - 8 000 EUR

Lote 48 - MANUEL MARÍN (Cieza, Murcia, 1942 - Málaga, 2007). "Escultura móvil de techo. Acero policromado. Se adjunta certificado de autenticidad expedido por Dña. Mónika Rabassa, viuda del artista. Firmada en la base. Medidas: 167 x 225 x 0,5 cm. Escultura móvil realizada en metal, en la que el artista ha policromado en diferentes tonos de una gama cromática primaria. El artista ha utilizado diferentes tonos de una gama cromática primaria. Esto acerca el diseño a una estética neoplasticista en la que el uso de esta gama de colores y la experimentación en su representación eran muy comunes en esta corriente estética. Cabe destacar la obra de Manuel Marín, que demuestra su clara vinculación con las corrientes vanguardistas, la aplicación y desarrollo de las mismas en su propia producción a través de un lenguaje único y personal. Manuel Marín se inició en el mundo del toreo a los diez años, y realizó su primera corrida a los dieciséis. Sin embargo, a los veinte años viajó a Londres y comenzó a trabajar en una galería de arte, adentrándose definitivamente en el mundo de la escultura. Allí conoció al artista británico Henry Moore, que le contrató como ayudante en la realización de sus esculturas de bronce. En 1964 se trasladó a Nueva York, donde trabajó como restaurador de arte hasta que abrió su propia galería, The American Indian Art Gallery, que contó entre sus clientes a Warhol, Basquiat, De Kooning, Keith Haring y otros. Atraído por las esculturas móviles, empezó a crear sus propias obras en 1969, y al año siguiente celebró su primera exposición en la Alan Brown Gallery de Scardele, Nueva York. Desde entonces ha expuesto en diversos lugares de Nueva York, así como en Canadá, Italia, México, China, Puerto Rico, Japón y España. Actualmente cuenta con monumentos públicos en diversos puntos de Estados Unidos y España, y está representado en colecciones españolas y extranjeras, habiendo logrado el reconocimiento de crítica y público a su producción artística.

Valorac. 9 000 - 10 000 EUR

Lote 49 - CECILIA CASTELLI (Varese, Italia, 1991). "Lista de reproducción", 2023. Impresión Fine Art Giclée. Edición limitada de 5 copias. Firmada y numerada. Se adjunta certificado de autenticidad. La obra se entregará 15 días después del pago. Medidas: 59,5 x 42 cm. Cecilia Castelli estudió diseño de producto en la NABA de Milán antes de descubrir el diseño gráfico y, sobre todo, la ilustración, que se ha convertido en su trabajo a tiempo completo. Ya ha realizado trabajos para clientes como Adobe Facebook, IKEA, Polaroid, y ha colaborado con varias revistas como Cosmopolitan, Vogue Italia, TIME Magazine o The Daily Telegraph. Sus ilustraciones están llenas de pasión y un toque de ironía, y representan la comedia humana femenina con formas mínimas y colores vivos. Ya sean mujeres en plena maternidad o niñas con sueños de mayores, las protagonistas de las historias de Cecilia siguen siendo, a cualquier edad, "niñas buenas" de corazón, optimistas y llenas de esperanza. Crea imágenes intrigantes tanto para fines editoriales como comerciales con el objetivo de contar una historia de forma sencilla. Su trabajo se ha definido como brillante, optimista y lleno de humanidad.

Valorac. 600 - 700 EUR

Lote 50 - CECILIA CASTELLI (Varese, Italia, 1991). "El beso", 2024. Impresión Fine Art Giclée. Edición limitada de 5 copias. Firmada y numerada. Se adjunta certificado de autenticidad. La obra se entregará 15 días después del pago. Medidas: 59,5 x 42 cm. Cecilia Castelli estudió diseño de producto en la NABA de Milán antes de descubrir el diseño gráfico y, sobre todo, la ilustración, que se ha convertido en su trabajo a tiempo completo. Ya ha realizado trabajos para clientes como Adobe Facebook, IKEA, Polaroid, y ha colaborado con varias revistas como Cosmopolitan, Vogue Italia, TIME Magazine o The Daily Telegraph. Sus ilustraciones están llenas de pasión y un toque de ironía, y representan la comedia humana femenina con formas mínimas y colores vivos. Ya sean mujeres en plena maternidad o niñas con sueños de mayores, las protagonistas de las historias de Cecilia siguen siendo, a cualquier edad, "niñas buenas" de corazón, optimistas y llenas de esperanza. Crea imágenes intrigantes tanto para fines editoriales como comerciales con el objetivo de contar una historia de forma sencilla. Su trabajo se ha definido como brillante, optimista y lleno de humanidad.

Valorac. 600 - 700 EUR

Lote 51 - LLUÍS CLARAMUNT (Barcelona, 1951 - Zarautz, Gipuzkoa, 2000). "A cuatro patas", 1986. Óleo sobre lienzo. Con etiqueta de la Galería Dau al Set al dorso. Firmado y fechado en la esquina superior derecha. Medidas: 145x 180 cm. Pintor, dibujante, fotógrafo y grabador de formación autodidacta, Lluís Claramunt pasó su vida entre Barcelona, Madrid, Sevilla, Bilbao y Marrakech, y desarrolló una obra influenciada por Isidre Nonell y marcada por un expresionismo en sus inicios, que irá desapareciendo hasta transformarse en una caligrafía mínima. Desde los años setenta realizó exposiciones individuales en destacadas galerías como Dau al Set en Barcelona, Quatre Gats en Palma de Mallorca, Juana de Aizpuru en Sevilla o Buades en Madrid, y también participó en Arco (1984, 1988). También realizó exposiciones individuales en Nueva York, Ámsterdam, Graz (Austria) y Lisboa. Asimismo, en 2012 su obra se mostró en la exposición individual "El viatge vertical", celebrada en el MACBA de Barcelona. Actualmente está representado en dicho museo, la Fundació Vila Casas, la Colección La Caixa, el Museo de Bellas Artes de Álava, la Asociación Colección de Arte Contemporáneo de Madrid, el Consejo Superior de Deportes y el Ministerio de Cultura de la misma ciudad y la Colección Caja Madrid. Recientemente Claramunt ha expuesto en la prestigiosa galería Marc Domenech de Barcelona, que dedicó su exposición "Luis Claramunt. Años 80" íntegramente a la obra del artista. La exposición, celebrada en mayo de 2016, contó con más de setenta obras que mostraron la predilección del artista por los espacios urbanos, representados a través de una paleta totalmente expresionista en la que predomina una paleta dinámica y vibrante.

Valorac. 3 500 - 4 000 EUR

Lote 52 - RANMA ½ celuloide. Celuloide y dibujo. Medidas: 23 x 27 cm; 24,5 x 27 cm. Ranma es una serie de manga japonesa escrita e ilustrada por Rumiko Takahashi. Se publicó por entregas en Weekly Sh?nen Sunday de agosto de 1987 a marzo de 1996, y los capítulos se recopilaron en 38 volúmenes tank?bon de Shogakukan. La historia gira en torno a un adolescente llamado Ranma Saotome que se ha entrenado en artes marciales desde su más tierna infancia. Como resultado de un accidente durante un viaje de entrenamiento, sufre la maldición de convertirse en una chica cuando se expone al agua fría, mientras que el agua caliente lo convierte de nuevo en un chico. A lo largo de la serie, Ranma busca la forma de librarse de su maldición, mientras sus amigos, enemigos y muchas prometidas interfieren constantemente y se lo impiden.

Valorac. 150 - 200 EUR

Lote 53 - DR SLUMP Celuloide Celuloide y dibujo adherido. Medidas: 23 x 27 cm (celuloide); 24,5 x 27 cm (dibujo). Dr. Slump es un manga y anime japonés de Akira Toriyama. El manga apareció por primera vez en las páginas de la revista Shonen Jump de Shueisha en diciembre de 1979. La aceptación del manga fue tan masiva que en 1981 se estrenó el primer episodio de la serie de animación.

Valorac. 150 - 200 EUR

Lote 54 - ¡¡BASTARDO!! celuloides Conjunto de dos celuloides y dibujos adjuntos. Medidas: 23 x 27 cm; 24,5 x 27 cm. ¡Bastardo! Heavy Metal, Dark Fantasy, es una serie de manga japonesa escrita e ilustrada por Kazushi Hagiwara. Comenzó a serializarse en la Weekly Sh?nen Jump de Shueisha en 1988 y ha continuado de forma irregular en Ultra Jump desde 2000, con su último capítulo publicado en 2010. Hagiwara es un entusiasta fan de la música heavy metal y de Dragones y Mazmorras, y utiliza ideas de ambos géneros en la historia de Bastard!!!. Muchos personajes y lugares de la historia, por ejemplo, llevan el nombre de miembros de las bandas favoritas de Hagiwara. El manga fue adaptado a una serie original de animación en vídeo (OVA) de seis episodios por AIC, estrenada entre 1992 y 1993.

Valorac. 300 - 400 EUR

Lote 55 - KINNIKUMAN Celuloides Conjunto de cinco celuloides y un dibujo. Medidas: 24 x 26,5 cm (celuloides, x5); 24,5 x 27 cm (dibujo). Kinnikuman, traducido literalmente como "Hombre musculoso", es una serie de manga japonesa creada por el dúo Yoshinori Nakai y Takashi Shimada, conocidos como Yudetamago. La serie sigue a Suguru Kinniku, un superhéroe que debe ganar un torneo de lucha libre para conservar el título de príncipe del Planeta Kinniku. Nakai y Takashi planearon la serie cuando iban al instituto como una parodia de Ultraman.

Valorac. 300 - 400 EUR

Lote 56 - OLIVER Y BENJI Celuloide. Celuloide. Medidas: 23 x 26,5 cm. Captain Tsubasa en Japón, Oliver y Benji en España es una serie de manga japonesa escrita e ilustrada por Y?ichi Takahashi. La serie gira principalmente en torno al deporte del fútbol asociación, centrándose en Tsubasa Oozora y su relación con sus amigos, las rivalidades con sus oponentes, el entrenamiento, la competición y la acción y el resultado de cada partido de fútbol. A lo largo de las múltiples series de Captain Tsubasa, la trama muestra el crecimiento de Tsubasa y sus amigos a medida que se enfrentan a nuevos rivales. La serie de manga Captain Tsubasa se publicó originalmente en la revista de manga Weekly Sh?nen Jump de Shueisha entre 1981 y 1988, y los capítulos se recopilaron en 37 volúmenes tank?bon. Le siguieron varias secuelas. Tsuchida Production adaptó el manga original a una serie de anime para televisión, que se emitió en TV Tokyo de 1983 a 1986.

Valorac. 200 - 300 EUR

Lote 57 - TERÁN (Chile, 1974). "Picasso paseando al perro de Jeff Koons", serie Fantasías de Picasso, 2022. Óleo sobre lienzo. Firmado en la esquina inferior izquierda. Firmado, fechado y titulado al dorso. Medidas: 80 x 60 cm. En esta obra Terán nos presenta a Picasso, vestido con su icónica camisa de rayas. En una de sus manos sostiene una correa que sujeta un globo con forma de perro en referencia al artista Jeff Koons. El uso de personajes del cómic o de la cultura urbana como protagonistas nos acerca al pop. Sin embargo, Terán ofrece una nueva perspectiva al aportar una visión radicalmente nueva jugando con elementos de la alta y la baja cultura. Artista chileno afincado en España, licenciado en Bellas Artes, Manuel Terán ha desarrollado su labor creativa en el campo de las artes plásticas y las nuevas tecnologías aplicadas al arte. Desde que se diera a conocer en 1995 en el Salón de Otoño del Círculo de Bellas Artes de Santiago de Chile, ha realizado exposiciones individuales y participado en muestras colectivas y ferias en Latinoamérica y Europa. Ha recibido premios como el de la Real Academia de San Carlos de Valencia (2004).

Valorac. 1 200 - 1 400 EUR

Lote 58 - TERÁN (Chile, 1974). "Homenaje a Banksy", Serie Homenaje a los Genios, 2022. Óleo sobre lienzo. Firmado en la esquina inferior derecha. Firmado, fechado y titulado al dorso. Medidas: 60 x 60 cm. En el catálogo de la exposición "Homenaje a los Genios", se señala que "Terán intenta postular el retorno de la pintura como estrategia simbólica. Sus homenajes, que adoptan la forma de pastiches, no lo son. Los artistas que elige para homenajear son admirados por él (Francis Bacon, Banksy, Marc Chagall, Jean Dubuffet, Lucio Fontana, Francisco de Goya, Lucian Freud, Keith Haring, David Hockney, Robert Indiana, Jaspers Johns, Yves Klein, Kusama-Velázquez, Roy Lichtenstein, René Magritte, Roberto Matta, Joan Miró, Pablo Picasso, Jackson Pollock, Joaquín Sorolla y Andy Warhol). La lista no puede ser más heterogénea. No sigue ningún orden. Rinde homenaje a los artistas que admira, aunque su obra no tenga nada que ver con la de ellos. La heterogeneidad de sus preferencias es evidente y da la razón a E. Gombrich, para quien no hay más arte que los artistas. Este nominalismo extremo le lleva a saltarse las categorías estéticas, así como las cronologías". Artista chileno afincado en España, licenciado en Bellas Artes, Manuel Terán ha desarrollado su labor creativa en el campo de las artes plásticas y las nuevas tecnologías aplicadas al arte. Desde que se diera a conocer en 1995 en el Salón de Otoño del Círculo de Bellas Artes de Santiago de Chile, ha realizado exposiciones individuales y participado en muestras colectivas y ferias en Latinoamérica y Europa. Ha recibido premios como el de la Real Academia de Bellas Artes de Chile.

Valorac. 800 - 1 000 EUR

Lote 59 - TERÁN (Chile, 1974). "Homenaje a Warhol", Serie Homenaje a los Genios, 2022. Óleo sobre lienzo. Firmado en la esquina inferior derecha. Firmado, fechado y titulado al dorso. Medidas: 60 x 60 cm. En el catálogo de la exposición "Homenaje a los Genios", se señala que "Terán intenta postular el retorno de la pintura como estrategia simbólica. Sus homenajes, que adoptan la forma de pastiches, no lo son. Los artistas que elige para homenajear son admirados por él (Francis Bacon, Banksy, Marc Chagall, Jean Dubuffet, Lucio Fontana, Francisco de Goya, Lucian Freud, Keith Haring, David Hockney, Robert Indiana, Jaspers Johns, Yves Klein, Kusama-Velázquez, Roy Lichtenstein, René Magritte, Roberto Matta, Joan Miró, Pablo Picasso, Jackson Pollock, Joaquín Sorolla y Andy Warhol). La lista no puede ser más heterogénea. No sigue ningún orden. Rinde homenaje a los artistas que admira, aunque su obra no tenga nada que ver con la de ellos. La heterogeneidad de sus preferencias es evidente y da la razón a E. Gombrich, para quien no hay más arte que los artistas. Este nominalismo extremo le lleva a saltarse las categorías estéticas, así como las cronologías". Artista chileno afincado en España, licenciado en Bellas Artes, Manuel Terán ha desarrollado su labor creativa en el campo de las artes plásticas y las nuevas tecnologías aplicadas al arte. Desde que se diera a conocer en 1995 en el Salón de Otoño del Círculo de Bellas Artes de Santiago de Chile, ha realizado exposiciones individuales y participado en muestras colectivas y ferias en Latinoamérica y Europa. Ha recibido premios como el de la Real Academia de San Carlos de Valencia (2004).

Valorac. 800 - 1 000 EUR

Lote 60 - TERÁN (Chile, 1974). "Homenaje a Pollock", serie Homenaje al genio, 2022. Óleo sobre lienzo. Firmado en la esquina inferior derecha. Medidas: 60 x 60 cm. En el catálogo de la exposición "Homenaje a los Genios", se señala que "Terán intenta postular el retorno de la pintura como estrategia simbólica. Sus homenajes, que adoptan la forma de pastiches, no lo son. Los artistas que elige para homenajear son admirados por él (Francis Bacon, Banksy, Marc Chagall, Jean Dubuffet, Lucio Fontana, Francisco de Goya, Lucian Freud, Keith Haring, David Hockney, Robert Indiana, Jaspers Johns, Yves Klein, Kusama-Velázquez, Roy Lichtenstein, René Magritte, Roberto Matta, Joan Miró, Pablo Picasso, Jackson Pollock, Joaquín Sorolla y Andy Warhol). La lista no puede ser más heterogénea. No sigue ningún orden. Rinde homenaje a los artistas que admira, aunque su obra no tenga nada que ver con la de ellos. La heterogeneidad de sus preferencias es evidente y da la razón a E. Gombrich, para quien no hay más arte que los artistas. Este nominalismo extremo le lleva a saltarse las categorías estéticas, así como las cronologías". Artista chileno afincado en España, licenciado en Bellas Artes, Manuel Terán ha desarrollado su labor creativa en el campo de las artes plásticas y las nuevas tecnologías aplicadas al arte. Desde que se diera a conocer en 1995 en el Salón de Otoño del Círculo de Bellas Artes de Santiago de Chile, ha realizado exposiciones individuales y participado en muestras colectivas y ferias en Latinoamérica y Europa. Ha recibido premios como el de la Real Academia de San Carlos de Valencia (2004).

Valorac. 800 - 1 000 EUR

Lote 61 - CHRIS OFILI (Manchester, 1968). Sin título, 1997. Acuarela y lápiz sobre papel. Firmado y fechado al dorso del dibujo. Medidas: 24 x 15,5 cm; 40 x 30 cm (marco). Chris Ofili crea pinturas y obras sobre papel intrincadas y caleidoscópicas en las que fusiona abstracción y figuración. Ofili saltó a la fama en la década de 1990 por sus complejas y juguetonas pinturas, adornadas con una distintiva mezcla de resina, purpurina y collage. Sus obras, vibrantes, simbólicas y a menudo misteriosas, se basan en los exuberantes paisajes y las tradiciones locales de la isla de Trinidad, donde vive desde 2005. Utiliza diversas fuentes estéticas y culturales, como las pinturas rupestres de Zimbabue, las películas de género blaxploitation, las Metamorfosis de Ovidio y la pintura modernista. La obra de Ofili investiga la intersección del deseo, la identidad y la representación. Nacido en 1968 en Manchester (Inglaterra), Ofili se licenció en Bellas Artes en la Chelsea School of Art de Londres en 1991 y obtuvo un máster en Bellas Artes en el Royal College of Art de Londres en 1993. En 2005, el artista se incorporó a David Zwirner, donde ha realizado cuatro exposiciones individuales en la galería neoyorquina. El Instituto de Arte Contemporáneo de Miami, con motivo de la inauguración de su nuevo edificio, encargó la obra de Ofili para una instalación de larga duración, que estuvo expuesta de 2017 a 2019. En 2017, la National Gallery de Londres presentó "Chris Ofili: Weaving Magic", que supuso la primera vez que el artista trabajaba en el medio del tapiz. Ese mismo año, Ofili creó una obra de arte site-specific, que incorporaba un mural, para Marisol, el restaurante recientemente rediseñado del Museo de Arte Contemporáneo de Chicago. En 2015, un grupo de pinturas de Ofili se incluyó en "All The World's Futures", la 56ª Exposición Internacional de Arte de la Bienal de Venecia, comisariada por Okwui Enwezor. La obra del artista ha sido objeto de exposiciones individuales en todo el mundo, entre ellas "Chris Ofili: Night and Day", la primera gran exposición individual de la obra del artista en un museo de Estados Unidos. La muestra fue organizada por el New Museum de Nueva York, donde se presentó por primera vez en 2014, y viajó al Aspen Art Museum de Colorado en 2015. Otras exposiciones monográficas han tenido lugar en el Arts Club of Chicago (2010); Tate Britain, Londres (2010 y 2005); kestnergesellschaft, Hannover (2006); The Studio Museum in Harlem, Nueva York (2005); y el Pabellón Británico, 50ª Bienal de Venecia, Venecia (2003). En 2017, Ofili recibió de manos de la Reina el título de Comendador de la Excelentísima Orden del Imperio Británico (CBE), y en 1998 recibió el prestigioso Premio Turner. Las obras del artista están representadas en importantes colecciones internacionales, como el British Museum de Londres; el Carnegie Museum of Art de Pittsburgh (Pensilvania); el Museum of Contemporary Art de Los Ángeles; el Museum of Modern Art de Nueva York; la National Gallery of Canada de Ottawa; la Tate Gallery de Londres; el Victoria and Albert Museum de Londres; y el Walker Art Center de Minneapolis (Minnesota).

Valorac. 9 000 - 10 000 EUR

Lote 62 - ÁNGEL MATEO CHARRIS (Cartagena, Murcia, 1962). "El año del ratón" 1999.Acrílico sobre lienzo.Firmado en la esquina inferior izquierda.Medidas: 97 x 146 cm.Catalogado como artista neometafísico, sus obras muestran retratos de la vida americana contemporánea. En las obras de Charris hay una importante influencia del cómic y del Pop Art, dando lugar a obras de carácter totalmente figurativo, caracterizadas por la síntesis de sus formas y el uso de colores intensos y variados.Tras licenciarse en la Facultad de Bellas Artes de San Carlos de Valencia, realizó su primer viaje a Nueva York, donde conoció la pintura de Edward Hopper y los artistas de la Escuela del Río Hudson. A lo largo de su trayectoria como pintor, ha realizado numerosas exposiciones tanto a nivel nacional como internacional, entre las que destacan las realizadas en el Centro de Arte Contemporáneo de Málaga (2010), ARTIUM (Vitoria, 2010), Colección Ivam (Valencia, 2011) y Biblioteca Nacional de Madrid (Madrid, 2014), entre otras en las ciudades de Pekín y Nueva York. Actualmente su obra se encuentra en la Fundación Argentaria, Fundación Coca-Cola, Colección Bancaixa, Colecció Testimoni La Caixa, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, IVAM, y Artium de Vitoria, entre otros.

Valorac. 1 800 - 2 000 EUR

Lote 63 - SAM FRANCIS (San Mateo, California, 1923 - Santa Mónica, California 1994). Sin título, 1984 (SFF.1099 aka SFP84-46). Acrílico sobre lienzo. Firmado en el reverso en cursiva por el artista: "Sam Francis" con las inscripciones "SFP84-45" en rotulador azul y 1984 en lápiz gris. Procedencia: -Galería Nantenshi, Tokio (1985). -Colección privada, Japón. Se adjunta certificado de autenticidad expedido por la Sam Francis Foundation. Incluido en el catálogo razonado con el nº. SFF. 1099. Medidas: 5,08 x 7,62 cm; 33 x 40 cm (marco). En este lienzo, San Francis nos presenta una composición dedicada al estudio del ritmo y a la descomposición lineal de formas abstractas. Estilos como el neoplasticismo y el constructivismo han sido asimilados de forma personal; sin embargo, el californiano va más allá y rompe con esa idea de líneas puras, dejando espacios al azar y a la expresividad de la propia materia pictórica, como se aprecia en las gotas de pintura derramadas. San Francis estudió botánica, medicina y psicología en la Universidad de Berkeley (California) entre 1941 y 1943, y sirvió en las Fuerzas Aéreas de Estados Unidos durante la Segunda Guerra Mundial, de 1943 a 1945, antes de resultar herido en un accidente aéreo. Pasó varios años en el hospital, y fue durante este tiempo cuando empezó a pintar, a instancias de su amigo David Parks, profesor de la Escuela de Bellas Artes de San Francisco. Una vez fuera del hospital, regresó a Berkeley, esta vez para estudiar arte. Sus estudios de pintura e historia del arte le llevaron de 1948 a 1950. Los primeros trabajos de Francis están directamente influidos por los expresionistas abstractos como Rothko, Gorky y Still. Durante la década de 1950 vivió en París, donde celebró su primera exposición individual en 1952 en la Galerie Nida Dausset. Durante los años cincuenta y sesenta realizó importantes exposiciones individuales y participó en colectivas en la Ribe Droite (París, 1955), Martha Jackson (Nueva York, 1956), Gimpel Fils (Londres, 1957), la exposición "New American Painting", que recorrió ocho ciudades europeas (1958), la Documenta de Kassel (1959 y 1964) y las Kunsthalle de Berna y Düsseldorf. En 1963 se instaló en Santa Mónica, California, y seis años más tarde fue investido Doctor Honoris Causa por la Universidad de Berkeley. Fue durante este periodo, entre 1960 y 1963, cuando creó varias series de obras, entre ellas la serie de las "Bolas azules". Formadas predominantemente por formas y gotas azules biomórficas, estas obras hacían referencia al dolor derivado de la tuberculosis renal que padeció en 1961. Siguió pintando, principalmente en Los Ángeles, pero también en Tokio, donde vivió sobre todo en 1973-4. En 1965, Francis comenzó una serie de pinturas con grandes superficies de lienzo abierto, colores mínimos y líneas fuertes. Su obra evolucionó aún más tras iniciar un intenso análisis junguiano con el Dr. James Kirsch en 1971. Fue entonces cuando empezó a prestar especial atención a sus sueños y a las imágenes inconscientes que sugerían. Las obras de Francis de principios de los 70 se han denominado imágenes de aire fresco. Creadas añadiendo charcos, goteos y salpicaduras de color a bandas húmedas de pintura aplicadas con rodillo, estas obras reafirmaron el interés del artista por el color. En 1973-4, muchas de las pinturas de Francis presentaban una cuadrícula formal o matriz compuesta por trazos de color cruzados. Muchas de estas obras matriciales eran de gran escala, de hasta seis metros de longitud. A partir de 1980, la cuadrícula formal desapareció gradualmente de la obra de Francis. Fue muy activo como grabador, creando numerosos aguafuertes, litografías y monotipos, muchos de los cuales fueron ejecutados en Santa Mónica en la propia Litho Shop de Francis. En 1984 Francis fundó The Lapis Press con el objetivo de producir textos inusuales y oportunos en formatos visualmente atractivos.

Valorac. 10 000 - 12 000 EUR

Lote 64 - SALVADOR DALÍ I DOMÈNECH (Figueres, Girona, 1904 - 1989). Sin título. 1963. Dibujo a tinta sobre papel (página de libro). Firmado, fechado y dedicado a mano. El libro es una recopilación de entrevistas realizadas por el periodista Manuel Del Arco. "Dalí al desnudo". Ed. José Yanes. Barcelona, 1952. Procedencia: Colección Rafael Gorgot Ribas. Posteriormente Swann Auction Galleries, lote. 535. Tamaño: 24 x 34 cm (dibujo). En este original dibujo a doble página, Dalí retoma el tema que tanto le fascinó a lo largo de su vida. La fascinación de Salvador Dalí por El Quijote se materializó en los numerosos dibujos, bocetos, grabados y esculturas que el genio surrealista dedicó al personaje cervantino. En 1945, atraído por la ferviente personalidad del Ingenioso Hidalgo e influido por los consejos de su padre, que le había asegurado que "el Quijote era una obra en la que las facultades podían sobresalir fácilmente", realizó 38 dibujos y acuarelas para ilustrar la primera parte del texto cervantino. Este ejemplar original, hoy conservado en el Teatro-Museo Dalí, narraba las hazañas que Miguel de Cervantes escribió en 1605 y que dieron origen a la novela moderna que sigue encabezando la lista de las mejores obras literarias de la historia.

Valorac. 10 000 - 12 000 EUR

Lote 65 - AIIROH (Narbona, Francia, 1987). "Dólar de la calle, 2023. Litografía mixta sobre panel de resina acrílica. Ejemplar 1/1. Certificado al dorso. Medidas: 75 x 75 cm. Aiiroh se define como un artista callejero, pero también como un artista pop "en el sentido original de "popular", que da vida a la cultura de la calle", en palabras del propio artista. Su obra se inspira en la de artistas como Raymond Hains (cuya famosa exposición "France in Shreds", de 1961, le obsesionó como joven artista callejero), Villeglé, Dufrêne, Rotella o Robert Indiana. En su lenguaje, Aiiroh incorpora elementos de la cultura popular, como marcas internacionales de renombre mundial, que nos recuerdan la dependencia de la sociedad de los productos de consumo. Visualmente, sus obras son muy estéticas por el contraste entre el fondo negro y la multitud de colores que forman los emblemas. Su obra ya no es política, sino optimista: ofrece mensajes joviales que incluyen personajes icónicos de dibujos animados y retratos de famosos. Ha expuesto en una veintena de galerías tanto en Francia como en el extranjero (Suiza, Italia, Reino Unido, Grecia, Israel, Estados Unidos, Singapur, Hong Kong, Japón).

Valorac. 1 200 - 1 400 EUR

Lote 66 - VICTOR MIRA (Zaragoza, 1949 - Múnich, 2003). "Bachcantata". 1992 Acrílico sobre cartón. Firmado en la esquina inferior izquierda. Adjunto certificado de autenticidad expedido por Esther Romero Fajardo. Medidas: 54 x 53 cm; 74 x 74 cm (marco) Pintor, escultor, grabador y escritor, su formación fue básicamente autodidacta. A los dieciocho años realizó su primera exposición individual en la galería N'Art de Zaragoza, que fue también la primera muestra de escultura al aire libre celebrada en esa ciudad. Poco después se traslada a Madrid, donde expone en 1973 en la galería Pol Verdié. Durante sus años en la capital asistió a los Encuentros de Pamplona, donde conoció a John Cage. Dos años más tarde, en 1974, Ana María Canales publica su libro "Víctor Mira, eres mi pintor preferido". En 1975 viaja a Heidelberg, donde reside cinco meses, y ese mismo año publica "El libro de las dos hojas". En 1976 comienza a trabajar en Alemania en sus series "Spanische Haltung" y "Manos". Tras pasar un tiempo entre Madrid y Alemania, en 1977 se instala en Barcelona. Allí inicia su ciclo de pinturas "Interiores catalanes con tomate", y en 1979 publica su primer libro de poemas, "El bienestar de los demonios". Ese mismo año realiza su primera exposición individual en Munich, en la galería Tanit, y al año siguiente expone en Estados Unidos, en la galería George Staempfli de Nueva York. A partir de entonces su carrera internacional despega, con exposiciones en Alemania, Estados Unidos, Holanda, Suiza, Suecia, Noruega, Colombia, Francia, Bélgica y Austria, mientras continúa exponiendo regularmente en España. En 1983 viajó por primera vez a Estados Unidos, invitado por el Meadows Museum de Dallas, y ese mismo año trabajó en los talleres de grabado de la Southern Methodist University de Dallas y pasó cinco meses en Nueva York. También en 1983, en Barcelona, realiza su primera serie de esculturas de hierro, "Cultura del arco" y "Mediodías". En 1997 fue invitado a participar en la Bienal de Arte de Nueva York por Amy Chaiklin, y seis años más tarde, poco antes de su muerte, recibió el premio al mejor artista español vivo en la Feria ARCO. La exposición retrospectiva más reciente dedicada a este artista se celebró en Düsseldorf (Alemania), en la galería Beck & Eggeling. Hay obras de Mira en museos y colecciones privadas de todo el mundo, como el Museo de Arte Moderno de Nueva York, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, el MACBA de Barcelona, los Museos de Bellas Artes de Vitoria y Zaragoza, la Fundación Beulas de Huesca y el Museo Colecciones ICO de Madrid, entre otros.

Valorac. 1 400 - 1 500 EUR

Lote 67 - JOSEP PUIGMARTI VALLS (Monistrol de Calders, 1932-2020). "Figuración plateada oxidada", 1996. Óleo y collage sobre lienzo. Firmado en la parte inferior central. Titulado, firmado y fechado al dorso. El marco tiene algunos desperfectos. Medidas: 60 x 73 cm; 74 x 88 cm (marco). Josep Puigmartí fue un pintor y escultor español autodidacta que desarrolló su estilo al margen de las convenciones y tendencias artísticas de cada época. Durante las décadas de los 60, 70 y 80, introdujo en sus pinturas surrealistas toda una iconografía de estilo erótico que le valió la consideración de artista transgresor que practicaba un estilo provocador, por parte de la crítica de la época. En 2007 el ayuntamiento de la ciudad fronteriza de Bourg-Madame (Francia) le declaró hijo predilecto, entregándole las llaves de la ciudad y dedicándole un museo permanente llamado Espace d'art Puigmartí. Como resultado de sus numerosos viajes por todo el mundo, expuso en España, Andorra, Francia, Mónaco, Suecia, Dinamarca, Japón, Abu Dhabi, Colombia, Estados Unidos y en el Museo de Arte Contemporáneo China Millennium Monument de Pekín.

Valorac. 1 500 - 1 800 EUR

Lote 68 - RON ENGLISH (Chicago, 1959) para Made by Monsters Toys. "Ratón Máscara Murphy". Edición limitada, ejemplar 63/300. Vinilo. Con sellos del editor y numerado. Con caja original. Producido por Made by Monsters Toys. En buen estado. Medidas: 22 cm (altura); 26 x 28,5 x 14,5 cm (caja). Ron English x Made by Monsters JPS lanzó este "Bondage Shaved Mouse Mask Murphy" encadenado a uno de los diseños emblemáticos de English, el "Bondage Smiley Grin". Los Art Toys de Ron English son una mezcla entre arte pop y propaganda que sigue el concepto de "Culture Jamming", que puede traducirse como sabotaje o distracción cultural, en el que incorpora iconografía derivada de los cómics de superhéroes, la historia del arte, la publicidad o la política. English juega así con la iconografía de multinacionales, la cultura popular o la historia del arte, como Joe Camel, McDonalds, Vincent vanGogh o Mickey Mouse, versionándolas y satirizándolas para simbolizar lo contrario de los valores que representan. El nombre de English ha aparecido en las revistas más importantes del mundo (The New York Times, The Wall Street Journal, USA Today, The Miami Herald, The Washington Post, The Los Angeles Times, LA Weekly, Art News, Time Magazine, Rolling Stone, Creem, Juxtapoz Magazine, Hi Fructosa, Mad Magazine, entre otras). Sus apariciones en cine y televisión incluyen Exit Through the Gift Shop, Supersize Me, Los Simpson, Work of Art, Street Art Throwdown, CNN, BBC, Sky TV y muchas otras. Además de sus prácticas artísticas y murales, English ha producido portadas de discos para músicos como Dandy Warhols y Slash, arte para el documental Super Size Me y varios Art Toys. En buen estado.

Valorac. 800 - 900 EUR

Lote 69 - "KAWS", BRIAN DONNELLY (Nueva Jersey, 1974) para Medicom Toy China. "Compañero cinco años después", 2004. PVC pintado en negro. Firmado en la planta de los pies. Producido por Medicom Toy China. Con caja original. En buen estado. Medidas: 38 cm (altura); 43 x 22 x 15 mm (caja). Dentro de la amplia gama de diseños de Kaws, destacan los "Compañeros", figuras inspiradas en el personaje de Mickey Mouse, un icono que el artista conoce bien ya que comenzó su carrera en los estudios Disney trabajando como animador. Sus Compañeros también llevan guantes blancos y los zapatos del ratón, pero en lugar de ojos tienen dos cruces. Su iconografía basada en la cultura popular no sólo se ha centrado en la figura de Mickey, sino que hay Compañeros basados en Star Wars, Bob Esponja o personajes de Barrio Sésamo. El artista y diseñador estadounidense Kaws destaca por su distintivo trabajo que abarca varias décadas. Su repertorio de personajes y motivos figurativos, algunos creados por él mismo y otros reinterpretados a partir de iconos ya existentes, ha dejado una huella única en el mundo del arte contemporáneo. Las esculturas de Kaws exhiben una impresionante diversidad, desde dimensiones diminutas hasta elevadas torres de diez metros de altura. Realizadas con materiales como fibra de vidrio, aluminio, madera, bronce e incluso una ingeniosa balsa inflable de acero, sus creaciones son una fusión de innovación técnica y expresión artística. La obra de Kaws se ha ganado un lugar en galerías y museos, así como en colecciones permanentes de instituciones públicas. También ha captado la atención de coleccionistas apasionados, entre ellos el productor musical Swizz Beatz y el célebre rapero Pharrell Williams. Se han publicado numerosos libros para ilustrar y analizar su poderosa obra. Afincado en Brooklyn, Nueva York, Kaws no sólo crea esculturas, sino que también explora otras formas de arte, como pinturas acrílicas sobre lienzo y serigrafías. Su influencia se extiende al ámbito comercial, donde ha colaborado predominantemente en la producción de juguetes de edición limitada, así como en el diseño de ropa, monopatines y otros productos. El estilo distintivo de Kaws se caracteriza por un énfasis vibrante en el color y la línea, así como por gráficos icónicos, como la inclusión repetida de la "x" en las manos y los ojos. Su obra también destaca por la inteligente reapropiación de iconos de la cultura pop, como Mickey Mouse, el Hombre Michelín, los Pitufos, Snoopy y Bob Esponja. En buen estado.

Valorac. 6 000 - 7 000 EUR

Lote 70 - ROBERT INDIANA (Indiana, EE.UU., 1928 - Maine, EE.UU., 2018). "Amor rojo azul verde". Polipiedra pintada, ejemplar 356/500. Adjunta certificado de autenticidad y caja original. Medidas: 15 x 15 cm. La serie LOVE es una colección de esculturas creadas por el artista estadounidense Robert Indiana. La primera escultura LOVE se creó en 1970, pero su origen se remonta a seis años antes, cuando el Museo de Arte Moderno de Nueva York encargó a Indiana la creación de una tarjeta navideña. Para estas estampas navideñas, Indiana realizó el famoso diseño que conocemos hasta hoy: las letras L, O, V y E en tipo serif y apiladas unas sobre otras. La escultura LOVE original, que ahora se encuentra en el Museo de Arte de Indianápolis, fue un éxito instantáneo cuando se inauguró en 1970. A lo largo de varias décadas, Indiana crearía más de 50 ediciones de la escultura para lugares de todo el mundo, desde Nueva York y Filadelfia hasta Singapur y Taipei. Robert Indiana fue un diseñador de vestuario, pintor, escultor y diseñador de sellos estadounidense asociado al movimiento Pop Art. Indiana también ha trabajado diseñando decorados y vestuario para obras teatrales. Sus obras emplean símbolos y palabras de la vida cotidiana pintados con los vivos colores del arte pop, y representan la cultura y la vida estadounidenses de forma irónica, conteniendo a menudo críticas políticas a la sociedad estadounidense. Se adjunta certificado de autenticidad y caja original.

Valorac. 900 - 1 000 EUR

Lote 71 - ROBERT INDIANA (New Castle, Indiana, EE.UU., 1938 - Vinalhaven, Maine, EE.UU., 2018). Serie LOVE . Tapiz de lana india 100% hecho a mano. Ejemplares numerados. Con certificado firmado en plancha y numerado a mano en el reverso. Medidas: 60 x 60 cm (los pequeños), 78 x 78 cm (grandes). Todas las alfombras "LOVE" de edición ilimitada están hechas a mano en la ciudad de Varasani. Durante el proceso de producción practican el respeto al medio ambiente y a sus trabajadores, y no utilizan mano de obra infantil. La fabricación de estas alfombras requiere un enorme trabajo artesanal, ya que cada alfombra es confeccionada de principio a fin por un solo artesano. Robert Indiana es una de las figuras preeminentes de la escena artística estadounidense desde la década de 1960, siendo el líder en el desarrollo de la técnica del assemblage, y de los movimientos Hard Edge, y American Pop Art. Indiana estudió en el Instituto de Arte de Chicago, en la Escuela de Pintura y Escultura de Skowhegan y también en la Escuela de Arte de Edimburgo. Además de pintor, Robert Indiana ha sido escenógrafo y figurinista teatral, en producciones como The Mother of Us All, de la Ópera de Santa Fe, y actuó en la película Eat, dirigida por Andy Warhol. Se autoproclamó "el pintor americano de signos" y a lo largo de su dilatada carrera exploró, y al mismo tiempo construyó, la identidad americana a través de diversa iconografía. Su particular lenguaje visual, que podría definirse como "lirismo", marcado por eslóganes como HUG, EAT y el famoso "LOVE". Se ha convertido en el emblema que sigue uniendo a muchas generaciones artísticas y ahora forma parte del inconsciente colectivo en todo el mundo. La icónica serie LOVE, reconocida por LO y VE apilados uno sobre otro y dispuestos en un cuadrado, y a la que pertenece nuestra pieza, se utilizó por primera vez en un conjunto de poemas escritos en 1958. Posteriormente, en el verano de 1965, el MoMA encargó a Indiana el diseño de tarjetas navideñas, aprobando finalmente este diseño rojo, azul y verde. Su verdadera traducción semántica está profundamente vinculada al cristianismo y a la infancia del artista, educado según la Iglesia de Cristo, Científico. En un epistolario con el coleccionista Larry Aldrich, Indiana cuenta que había una frase "Dios es amor" escrita por la fundadora de esta iglesia, Mary Baker Eddy, que era un lema no oficial del cristianismo cientifista. De ahí nació la idea del amor superior que Indiana quiso transmitir en última instancia a través de toda su obra desde la década de 1960 hasta su muerte. En 2008 Indiana creó una imagen muy similar para la campaña presidencial de Barack Obama, en la que se utilizó este símbolo para diversos artículos de propaganda. Robert Indiana realizó cientos de exposiciones individuales y colectivas en todo el mundo. Particularmente en España expuso en tres ocasiones, en 1992 en la Galería 57, en 2009 en la Galería Barcelona, y finalmente en 2012 en el Museo de Pasión de Valladolid. Con certificado firmado en plancha y numerado a mano al dorso.

Valorac. 2 000 - 2 200 EUR

Lote 72 - SALVADOR DALÍ I DOMÈNECH (Figueras, Girona, 1904 - 1989). "Los diez mandamientos", 1975. Colección de 10 medallas de plata y estuche de metacrilato con firma impresa. Firmadas por el artista. Medidas: 5 cm de diámetro cada medalla. Colección compuesta por diez monedas que simbolizan los 10 mandamientos. Ejemplificando algunas de las monedas, la correspondiente al décimo mandamiento (No codiciarás los bienes ajenos) muestra un palacio de proporciones monumentales, en el que la construcción y la decoración son testimonio de una gran riqueza, y a un caballero entrando en los magníficos salones del palacio. A la derecha, una choza precaria y perezosa protege a un pobre; en correspondencia con el noveno mandamiento (No codiciarás la mujer de tu prójimo), en la moneda se alcanza el significado simbólico deseado mediante la inversión de una imagen que, vista de derecha a izquierda, representa la piedad debida a un esclavo con las manos atadas a la espalda. Vista al revés, de izquierda a derecha, la imagen cambia de significado. Lo que era piedad se transforma en deseo de concupiscencia erótica, ya que de este modo lo que antes era la cabeza de la figura se convierte en la parte trasera. Pintor y escultor, Salvador Dalí fue uno de los máximos exponentes del movimiento surrealista. Su obra influyó enormemente en el curso del surrealismo durante los años veinte y treinta, siendo aclamado como el creador del método paranoico-crítico, una combinación esencial de lo real con lo imaginario. La mayor parte de su producción se encuentra reunida en el Teatro-Museo Dalí de Figueras, seguida de la colección del Salvador Dalí Museum de San Petersburgo (Florida), el Reina Sofía de Madrid, la Salvador Dalí Gallery de Pacific Palisades (California), el Espace Dalí de Montmartre (París) o el Dalí Universe de Londres.

Valorac. 1 000 - 1 200 EUR

Lote 73 - SALVADOR DALÍ I DOMÈNECH (Figueras, Girona, 1904 - 1989). "Madonne au serpent", 1966. Yeso dorado. La edición está formada, por un lado, por tres piezas en escayola que fueron regaladas a tres restaurantes catalanes de Barcelona, Tarragona y Figueres; por otro, por algunos otros ejemplares en el mismo material que se realizaron para amigos y familiares de Joan Duran, creador del marco que rodea la escultura (siendo este último grupo al que pertenece la obra en licitación). También forma parte de la edición un último ejemplar en bronce dorado. Firmado y fechado en el ángulo inferior izquierdo. Marco realizado por Joan Durán. Catalogado en: "Le dur et le mou", Eccart, R&N Descharnes, p. 204, fig. 496. Medidas: 49,5 x 33 x 6,5 cm (escayola); 62,7 x 46,5 x 12,5 cm (marco). Elementos típicamente dalinianos decoran el marco de este relieve de la Inmaculada Concepción: un conjunto de caracoles, en alusión al encuentro del maestro surrealista con Sigmund Freud, están flanqueados por dos huevos que simbolizan la fertilidad, un motivo repetido muchas veces en el repertorio de Dalí, que incluso decora el techo del Museo Salvador Dalí de Figueras, Durante sus primeros años, Dalí descubrió la pintura contemporánea durante una visita familiar a Cadaqués, donde conoció a la familia de Ramon Pichot, un artista que viajaba regularmente a París. Siguiendo los consejos de Pichot, Dalí comienza a estudiar pintura con Juan Núñez. En 1922, Dalí se aloja en la famosa Residencia de Estudiantes de Madrid para comenzar sus estudios de Bellas Artes en la Academia de San Fernando. Sin embargo, antes de sus exámenes finales en 1926, fue expulsado por alegar que allí no había nadie apto para examinarlo. Ese mismo año, Dalí viaja por primera vez a París. Allí conoce a Picasso, y establece algunas características formales que se convertirán en distintivas de toda su obra a partir de entonces. Durante este periodo, Dalí expone regularmente tanto en Barcelona como en París y se une al grupo surrealista del barrio parisino de Montparnasse. El pintor desembarca en América en 1934, gracias al marchante Julian Levy. A raíz de su primera exposición individual en Nueva York, se consolidó definitivamente su proyección internacional, y desde entonces expone y da conferencias por todo el mundo. La mayor parte de su producción está reunida en el Teatro-Museo Dalí de Figueras, seguida de la colección del Salvador Dalí Museum de San Petersburgo (Florida), el Reina Sofía de Madrid, la Salvador Dalí Gallery de Pacific Palisades (California), el Espace Dalí de Montmartre (París) o el Dalí Universe de Londres.

Valorac. 10 000 - 12 000 EUR

Lote 74 - ANTONI CLAVÉ I SANMARTÍ (Barcelona, 1913 - Saint Tropez, Francia, 2005). "En Jaumet Pirouli", 1962. Bronce, copia P.A. Firmado y justificado en el margen inferior. Con sello de la Fundición Parellada. Medidas: 17 x 8 cm; 32 x 8 cm (con peana). El título lúdico de este relieve en bronce de Clavé impregna el bronce de un cierto tono irónico, en el que el artista ha representado rostros que emergen de la materia, expresivos e inspirados en las efigies primitivas. Antoni Clavé es una de las figuras más relevantes del arte contemporáneo español. Formado en la Escuela de Bellas Artes de San Jordi de Barcelona, Clavé se dedicó inicialmente a la gráfica publicitaria, la ilustración y las artes decorativas. En 1936 participa activamente en la Guerra Civil, en las filas republicanas, lo que le lleva a exiliarse en Francia al finalizar la contienda. Ese mismo año, 1939, expone los dibujos que realizó en los campos de batalla. Se instala en París, donde conoce a Vuillard, Bonnard y Picasso. Ya gozaba de gran prestigio internacional cuando empezó a ser reconocido en España, tras su exposición en la Galería Gaspar de Barcelona en 1956. Al mismo tiempo, realizó ilustraciones para la obra "Gargantúa y Pantagruel", que le llevaron a familiarizarse con la iconografía medieval. Fue premiado en la Hallimark de Nueva York en 1948, en la Bienal de Venecia en 1954 y en la Bienal Internacional de Tokio en 1957. En 1984 el Estado español reconoció su valor artístico con la exposición de más de cien de sus obras en el pabellón español de la Bienal de Venecia. Ese mismo año recibió la Medalla de Oro de la Generalitat de Catalunya. La obra de Clavé se encuentra, entre otros muchos, en el Museo de Bellas Artes de Bilbao, la Tate Gallery, el Museo de Arte Moderno de París, el British Museum de Londres, el Museo de Arte Moderno de Tokio y el Museo Reina Sofía de Madrid.

Valorac. 1 500 - 1 800 EUR

Lote 75 - JOAN HERNÁNDEZ PIJUAN (Barcelona, 1931 - 2005). "Naturaleza muerta", 1969. Óleo sobre lienzo. Con etiqueta de la Sala Gaspar al dorso. Medidas: 46 x 55,5 cm; 48 x 57 cm (marco). En esta obra Hernández Pijuan toma el género clásico del bodegón y le da un tratamiento aparentemente figurativo. Sin embargo, esencializa el tema y lo espiritualiza, dándole una cadencia metafísica. Los dos huevos parecen flotar en el vacío, a pesar de la estantería sobre la que se asientan, de color ligeramente más oscuro que el fondo. Pijuan se hace eco aquí de la carga simbólica de los bodegones barrocos. Los huevos podrían representar el ciclo de la vida y la muerte. Por su fragilidad, son una metáfora de la fragilidad de la vida. También simbolizan la perfección, pero también la dualidad de la naturaleza humana. El cuadro también podría verse como un comentario sobre la naturaleza del arte y su poder. Esta obra puede relacionarse con "Espai marró amb ou" (1970) de la Colección del Museo Reina Sofía. Joan Hernández Pijuan inició su formación en Barcelona, asistiendo a las Escuelas de La Lonja y Bellas Artes de Sant Jordi, para completarla posteriormente en la Escuela de Bellas Artes de París. Nombrado profesor de la Facultad de Bellas Artes de Barcelona en 1981, Hernández Pijuan ocupa un lugar singular entre los artistas españoles de las últimas décadas. La fuerza de su individualidad creativa le sitúa al margen de las sucesivas tendencias y modas dominantes, pero no impide reconocer en su obra una profunda identificación con las preocupaciones estéticas de su tiempo. Hernández Pijuan comenzó su carrera practicando un expresionismo trágico de gran carga social, y en estos tiempos formó, junto con el resto de los miembros del Grupo Sílex, la llamada Escuela de Barcelona. En los años setenta simplificó su expresión hasta adoptar una figuración geométrica, estilo que abandonó en la década siguiente para centrarse en el informalismo. De hecho, el interés y la fascinación por la trayectoria de este pintor continúan más que nunca, y son objeto de nuevas exposiciones y muestras públicas de su obra. A lo largo de su vida expuso individualmente en varias ciudades españolas, así como en Zúrich, Milán, Johannesburgo, Colonia, Ginebra, Nueva York, París y Osaka, entre otras ciudades del mundo, y en 2003 se le dedicó una importante exposición retrospectiva en el MACBA de Barcelona, que posteriormente se mostró en el Musée d'Art et Histoire de Neuchatel (Francia), la Konsthalle de Malmö (Suecia) y la Galleria Comunale d'Arte Moderna de Bolonia (Italia). Incluso después de su muerte, su obra ha seguido mostrándose internacionalmente, como demuestran las exposiciones dedicadas a su obra celebradas en la Flowers Gallery de Londres (2006), los Institutos Cervantes de Nueva York, Chicago y Lisboa (2007), el Museo de Arte Abstracto Español de Cuenca (2008), la Galería Andrés Thalmann de Zúrich (2009), la Baukunst de Colonia (2010), la Altana Kulturstiftung de Bad Homburg (Alemania, 2011) y el Museo de Arte Moderno de Moscú (2012), entre otras muchas. Hernández Pijuan fue decano de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Barcelona, y en 2000 fue nombrado académico de la Real Academia de San Fernando de Madrid. En 1981 recibió el Premio Nacional de Artes Plásticas, en 1985 la Cruz de Sant Jordi y, en 2004, el Premio Ciudad de Barcelona. También obtuvo el Premio de la Dirección General de Bellas Artes en la Exposición Nacional de Alicante de 1957, el Primer Premio de Pintura "Peintres Residents" de París (1958), el Premio "Malibor" en la Bienal de Grabado de Liubliana (1965), la Bienal Internacional de Grabado de Cracovia (1966) y el premio de la editorial "Vijesnik u Srijedu" de Zagreb (1970). Hernández Pijuán está representado en el MACBA, el Museo de Arte Abstracto Español de Cuenca, el Reina Sofía de Madrid, el Museo Patio Herreriano de Valladolid y el Museo Vasco de Arte Contemporáneo, así como en centros extranjeros como el Museo Guggenheim de Nueva York, el Liaunig (Austria), los de Arte Contemporáneo de Helsinki y Luxemburgo, el Kulturstiftung de Bad Homburg (Austria), la Galería Yamaguchi de Osaka (Japón), el Palacio de Bellas Artes de Bruselas, la Galería Nacional de Montreal, el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires y el Museo Sztuki de Lodz (Polonia).

Valorac. 6 000 - 7 000 EUR

Lote 76 - EDUARDO ARRANZ BRAVO (Barcelona, 1941-2023). "Susa II", 2006. Óleo sobre lienzo. Firmado y fechado en la esquina inferior derecha. Firmado, fechado, localizado y titulado al dorso. Medidas: 61 x 46 cm; 63,5 x 47,5 cm (marco). En esta ocasión, Arranz Bravo subordina a la abstracción la representación de una figura humanoide cuyo cuerpo de color metálico y formas entre mecánicas y orgánicas sugiere cierta ambivalencia metafísica. Arranz Bravo fue un artista total, teórico y ejecutor, clave en el desarrollo de la vanguardia catalana y española de la segunda mitad del siglo XX. Su obra y su personalidad forman parte de la historia de lucha y ruptura de los artistas españoles durante las últimas décadas del franquismo. Arranz Bravo fue punta de lanza en esa apertura, en ese rechazo al maniqueísmo tradicionalista que llevó a la renovación completa del arte español y lo situó de nuevo en la vanguardia europea. Eduardo Arranz Bravo se formó en la Escuela de Bellas Artes de Sant Jordi, en Barcelona, entre 1959 y 1962. Debutó individualmente en 1961, en el Club Universitario de Barcelona, pero la exposición que le dio a conocer a la crítica barcelonesa fue la organizada por el Ateneo de Barcelona en 1961. Entre 1968 y 1970 formó parte del grupo formado por Gerard Sala, Robert Llimós y Rafael Lozano Bartolozzi. Con este último continuó colaborando hasta 1982, alternando exposiciones conjuntas con individuales. El contacto con estos artistas influyó en su estilo inicialmente abstracto, que se acercó a la nueva figuración y al arte pop. Expuso en toda España, así como en París, Amsterdam, Venecia, São Paulo y Río de Janeiro. En 1983 realizó una exposición antológica de su obra en la Sala Gaspar de Barcelona, y entre 1986 y 1988 se encargó de la dirección artística de las películas de Jaime Camino "El balcón abierto" y "Luces y sombras". Participó en el VIII Salón de Mayo de Barcelona y en las exposiciones "Muestra de Arte Nuevo" (Barcelona, 1971), "Picasso 90" (Museo del Louvre, 1971), "Experiencias conceptuales" (Barcelona, 1971-72), entre otras. En 1989 presentó una exposición con la obra de sus tres últimos años en el Museo de Arte Moderno de São Paulo, y una exposición antológica en el Palau Robert de Barcelona. Entre sus premios figuran la II Bienal Internacional del Deporte, el premio de figura de la Bienal Estrada Saladich, y el premio de dibujo Ynglada-Guillot. Su obra se encuentra en el Museo Reina Sofía de Madrid, los Museos de Bellas Artes de Vitoria y Sevilla, el Museo de São Paulo y el Museo de Arte Moderno de Nueva York.

Valorac. 1 400 - 1 600 EUR

Lote 77 - XAVIER MEDINA CAMPENY (Barcelona, 1943). "Venus de Brooklyn". Modelo basado en la escultura monumental de 1971. Escultura en bronce. Firmada y justificada, copia A.P. Medidas: 88 x 25,5 x 25,5 cm. Desde los años 70, años en los que el cuerpo humano estaba asumiendo el protagonismo más absoluto, la obra de Xavier Medina Campeny nos habla del dualismo entre lo geométrico y lo orgánico (lo conceptual y lo natural) y de la revisión del arte clásico y de las vanguardias. Xavier Medina Campeny, nieto del escultor Josep Campeny y bisnieto de Damià Campeny, es un escultor autodidacta, que hizo evolucionar su talante artístico hacia un estilo muy personal. Empezó a estudiar arquitectura en Barcelona, pero abandonó los estudios para iniciarse en el mundo de la escultura. Fue durante este periodo cuando se dedicó a este arte, con una formación autodidacta. Su larga trayectoria artística como escultor le ha llevado a trabajar con diversas técnicas y materiales. En cuanto a su primera exposición, la realizó en 1964. Después de diez años se trasladó a Nueva York, donde creó la mayor parte de su producción artística. Al cabo de unos años regresó a España para quedarse. Su estilo está estrechamente relacionado con las vanguardias, más concretamente con el dadaísmo. Su dominio del dibujo también le ha ayudado a relacionar elementos orgánicos con formas geométricas. Durante los años 1975 a 1989, desarrolló un lenguaje plástico del cuerpo humano, siendo una mezcla de lo anatómico con la geometría, que él mismo denominó "fragmentaciones". A la hora de realizar estos cuerpos, Medina desmenuza, divide y geometriza las partes del cuerpo humano para después volver a unirlas, con el fin de resaltar algunas partes que deja vacías. La obra Conversación (1979) reflexiona y nos habla del contraste entre lo ausente y lo presente. Por otro lado, la obra El espejo en Océano Atlántico, equilibra la forma con el fondo y trabaja el cuerpo sin fragmentarlo. La obra de Medina puede relacionarse con propuestas surrealistas. Por ejemplo, en el grupo Mimetismo animal, se aprecian en los animales actitudes humanas con expresiones irónicas. Desde 2003 se ha producido un cambio en el estilo del artista con respecto al cuerpo humano, en el que simplifica las formas y las transforma en cilindros alargados que para él son "piezas" con un significado simbólico. Las obras de Medina y Campeny han sido expuestas tanto en Europa como en América, donde cuenta con varias obras en museos e importantes instituciones, como: Museo Nacional de Arte Reina Sofía de Madrid, MACBA de Barcelona, Fundación Pagani de Legnano (Italia), Everson Museum de Siracusa (EEUU), Jimmy Carter Library & Museum de Atlanta, Georgia (EEUU), Bears Foundation de Nueva York (EEUU), North Carolina Museum of Art (EEUU), entre otros.

Valorac. 1 500 - 1 600 EUR

Lote 78 - ROBERT LLIMÓS ORIOL (Barcelona, 1943). "Domador". Óleo sobre lienzo. Firmado, fechado y titulado al dorso. Medidas: 183 x 200 cm. Llimós se dio a conocer en 1964, con una exposición conjunta con, entre otros, Arranz Bravo, Bartolozzi y Gerard Sala, con quienes trabajó en equipo hasta 1969. Su obra se encuentra en destacadas colecciones como el Museo Nacional de Arte de Cataluña, el Museo de Arte Moderno Espirito Santo de Brasil, la Colección de Arte Contemporáneo de Madrid, los Museos de Bellas Artes de Álava y Sevilla, la Fondazione Lucio Amelio de Nápoles, el Museo Internacional de la Resistencia Salvador Allende de Santiago de Chile, la Peter Stuyvesant Foundation de Ámsterdam, el Palau Solleric de Palma de Mallorca y el MACBA de Barcelona, entre otros. Su obra, de trazo expresivo e intenso, oscila entre la figuración y la abstracción simbólica, con una fuerte atracción por el mundo animal, a menudo tema de su trabajo, como puede apreciarse en el cuadro que ahora presentamos.

Valorac. 2 000 - 2 500 EUR

Lote 79 - ROBERT LLIMÓS ORIOL (Barcelona, 1943). "Malabarista", 1990. Óleo sobre lienzo. Fechado, titulado y firmado al dorso. Medidas: 138 x 200 cm; 202 x 204 cm (marco). Llimós se dio a conocer en 1964, con una exposición conjunta con, entre otros, Arranz Bravo, Bartolozzi y Gerard Sala, con quienes trabajó en equipo hasta 1969. Su obra se encuentra en destacadas colecciones como el Museo Nacional de Arte de Cataluña, el Museo de Arte Moderno Espirito Santo de Brasil, la Colección de Arte Contemporáneo de Madrid, los Museos de Bellas Artes de Álava y Sevilla, la Fondazione Lucio Amelio de Nápoles, el Museo Internacional de la Resistencia Salvador Allende de Santiago de Chile, la Peter Stuyvesant Foundation de Ámsterdam, el Palau Solleric de Palma de Mallorca y el MACBA de Barcelona, entre otros. Su obra, de trazo expresivo e intenso, oscila entre la figuración y la abstracción simbólica, con una fuerte atracción por el mundo animal, a menudo tema de su trabajo, como puede apreciarse en el cuadro que ahora presentamos.

Valorac. 2 000 - 2 500 EUR

Lote 80 - Celuloide de KIMBA EL EMPERADOR DE LA SELVA. "Elefante". Acetato y dibujo en el reverso. Medidas: 27 x 40 cm; 40,5 x 51 cm (marco). Kimba, el emperador de la jungla es una serie manga japonesa escrita e ilustrada por Osamu Tezuka que se publicó por entregas en la revista Manga Shonen de noviembre de 1950 a abril de 1954. Mushi Production creó un anime basado en el manga que se emitió en Fuji Television de 1965 a 1967. Fue la primera serie de televisión animada en color creada en Japón. Comenzó a emitirse en Norteamérica en 1966. La serie posterior fue producida por Tezuka Productions.

Valorac. 200 - 300 EUR

Lote 81 - BLACK JACK celuloide. "Sr. Armando. Acetato y dibujo en el reverso. Medidas: 22,5 x 34 cm; 40,5 x 51 cm (marco). Kuroo Hazama, también conocido como "Black Jack", es una leyenda en el mundo de la medicina. Famoso por ser uno de los mejores, además de carecer de licencia, Hazama y su ayudante Pinoko salvan innumerables vidas que otros médicos no pueden... por un precio; un precio desorbitado, de hecho, que hace que muchos vean al genio como avaricioso y desalmado. Sin embargo, a pesar de estas afirmaciones, nadie puede negar su habilidad y los extremos a los que llega para tratar a sus pacientes. Este oscuro drama médico narra la historia del ominoso y misterioso mundo de la medicina clandestina, donde Black Jack arriesga su vida para curar algunas de las enfermedades más extrañas imaginables, aunque para ello tenga que saltarse todas las leyes.

Valorac. 200 - 300 EUR

Lote 82 - TERÁN (Chile, 1974). "Homenaje a los genios: Kusama y Velázquez", 2022. Óleo sobre lienzo. Firmado en la esquina inferior derecha. Firmado, fechado y titulado al dorso. Medidas: 30 x 30 cm; 35,5 x 35,5 cm (marco). En el catálogo de la exposición "Homenaje a los Genios", se señala que "Terán intenta postular el retorno de la pintura como estrategia simbólica. Sus homenajes, que adoptan la forma de pastiches, no lo son. Los artistas que elige para homenajear son admirados por él (Francis Bacon, Banksy, Marc Chagall, Jean Dubuffet, Lucio Fontana, Francisco de Goya, Lucian Freud, Keith Haring, David Hockney, Robert Indiana, Jaspers Johns, Yves Klein, Kusama-Velázquez, Roy Lichtenstein, René Magritte, Roberto Matta, Joan Miró, Pablo Picasso, Jackson Pollock, Joaquín Sorolla y Andy Warhol). La lista no puede ser más heterogénea. No sigue ningún orden. Rinde homenaje a los artistas que admira, aunque su obra no tenga nada que ver con la de ellos. La heterogeneidad de sus preferencias es evidente y da la razón a E. Gombrich, para quien no hay más arte que los artistas. Este nominalismo extremo le lleva a saltarse las categorías estéticas, así como las cronologías". Artista chileno afincado en España, licenciado en Bellas Artes, Manuel Terán ha desarrollado su labor creativa en el campo de las artes plásticas y las nuevas tecnologías aplicadas al arte. Desde que se diera a conocer en 1995 en el Salón de Otoño del Círculo de Bellas Artes de Santiago de Chile, ha realizado exposiciones individuales y participado en muestras colectivas y ferias en Latinoamérica y Europa. Ha recibido premios como el de la Real Academia de San Carlos de Valencia (2004).

Valorac. 400 - 500 EUR

Lote 83 - TERÁN (Chile, 1974). "Homenaje a los genios Kusama y Velázquez", 2022. Óleo sobre lienzo. Firmado en la esquina inferior derecha. Firmado, fechado y titulado al dorso. Medidas: 30 x 30 cm; 35,5 x 35,5 cm (marco). En el catálogo de la exposición "Homenaje a los Genios", se señala que "Terán intenta postular el retorno de la pintura como estrategia simbólica. Sus homenajes, que adoptan la forma de pastiches, no lo son. Los artistas que elige para homenajear son admirados por él (Francis Bacon, Banksy, Marc Chagall, Jean Dubuffet, Lucio Fontana, Francisco de Goya, Lucian Freud, Keith Haring, David Hockney, Robert Indiana, Jaspers Johns, Yves Klein, Kusama-Velázquez, Roy Lichtenstein, René Magritte, Roberto Matta, Joan Miró, Pablo Picasso, Jackson Pollock, Joaquín Sorolla y Andy Warhol). La lista no puede ser más heterogénea. No sigue ningún orden. Rinde homenaje a los artistas que admira, aunque su obra no tenga nada que ver con la de ellos. La heterogeneidad de sus preferencias es evidente y da la razón a E. Gombrich, para quien no hay más arte que los artistas. Este nominalismo extremo le lleva a saltarse las categorías estéticas, así como las cronologías". Artista chileno afincado en España, licenciado en Bellas Artes, Manuel Terán ha desarrollado su labor creativa en el campo de las artes plásticas y las nuevas tecnologías aplicadas al arte. Desde que se diera a conocer en 1995 en el Salón de Otoño del Círculo de Bellas Artes de Santiago de Chile, ha realizado exposiciones individuales y participado en muestras colectivas y ferias en Latinoamérica y Europa. Ha recibido premios como el de la Real Academia de San Carlos de Valencia (2004).

Valorac. 400 - 500 EUR

Lote 84 - XURXO ORO CLARO ( Loeda, Ourense, 12 de octubre de 1955 ). "Alfiletero". Vidrio y acero. Presenta mancha adhesiva en el acero. Medidas: 242 x 17 x 2 cm. Escultura monumental de vidrio con refuerzos de acero que representa un objeto mundano. Aumentando sus dimensiones y cambiando los materiales habituales, el artista juega con lo cotidiano y lo descontextualiza, convirtiendo la regularidad en arte. Obliga al espectador a mirar lo que normalmente pasa desapercibido. Xurxo Oro Claro realizó su primera exposición individual en la galería El Rincón del Arte de Ourense en 1982. Un año después se traslada a Londres, donde entra en contacto con la obra de los expresionistas abstractos americanos. Durante su estancia expone en la Mall Gallery y en la Harrow Art Society. En 1985 comenzó a explorar el campo de la escultura, trabajando con piedra, hierro, madera, acero inoxidable y elementos industriales. Fue a partir de los noventa cuando revitalizó su carrera expositiva, exponiendo tanto en grupo como en solitario a escala internacional. Mancha adhesiva sobre el acero.

Valorac. 900 - 1 000 EUR

Lote 85 - SALVADOR DALÍ I DOMÈNECH (Figueras, Girona, 1904 - 1989). "Tritón alado", hacia 1972. Escultura de bronce sobre base de mármol, ejemplar 242/300. Firmado y justificado en la parte inferior. Medidas: 22 x 11 x 11 cm. Dalí representó al dios marino, hijo de Poseidón, planeando sobre las aguas, prescindiendo de la compañía con la que estamos acostumbrados a verle en la iconografía clásica (acompañado de caballos y nereidas, rodeado de delfines y tocando la caracola con la que anunciaba las tormentas). Tritón poseía el don de la profecía, por lo que solían ser los guías de los grandes héroes mitológicos. Dalí se centra en cambio en la vulnerabilidad del personaje, haciendo hincapié en la sensación de inestabilidad que producen las olas en la carne del héroe. Durante sus primeros años, Dalí descubrió la pintura contemporánea durante una visita familiar a Cadaqués, donde conoció a la familia de Ramon Pichot, un artista que viajaba regularmente a París. Siguiendo los consejos de Pichot, Dalí comienza a estudiar pintura con Juan Núñez. En 1922, Dalí se aloja en la famosa Residencia de Estudiantes de Madrid para comenzar sus estudios de Bellas Artes en la Academia de San Fernando. Sin embargo, antes de sus exámenes finales en 1926, fue expulsado por alegar que allí no había nadie apto para examinarlo. Ese mismo año, Dalí viaja por primera vez a París. Allí conoce a Picasso, y establece algunas características formales que se convertirán en distintivas de toda su obra a partir de entonces. Su lenguaje absorbió las influencias de muchos estilos artísticos, desde el academicismo clásico hasta las vanguardias más rompedoras. En esa época, el pintor se dejó un llamativo bigote imitando el de Velázquez, que se convertiría en su marca personal durante el resto de su vida. En 1929, Dalí colaboró con Luis Buñuel en la realización de "Un perro andaluz", en la que se mostraban escenas del imaginario surrealista. En agosto de ese mismo año conoce a su musa y futura esposa Gala. Durante este periodo, Dalí realiza exposiciones periódicas tanto en Barcelona como en París, y se une al grupo surrealista del barrio parisino de Montparnasse. Su obra influyó enormemente en la dirección del surrealismo durante los dos años siguientes, y fue aclamado como el creador del método paranoico-crítico, del que se decía que ayudaba a acceder al subconsciente liberando energías artísticas creativas. El pintor aterrizó en América en 1934, gracias al marchante Julian Levy. A raíz de su primera exposición individual en Nueva York, se consolidó definitivamente su proyección internacional, y desde entonces expone y da conferencias por todo el mundo. La mayor parte de su producción está reunida en el Teatro-Museo Dalí de Figueras, seguida de la colección del Salvador Dalí Museum de San Petersburgo (Florida), el Reina Sofía de Madrid, la Salvador Dalí Gallery de Pacific Palisades (California), el Espace Dalí de Montmartre (París) o el Dalí Universe de Londres.

Valorac. 1 600 - 2 000 EUR

Lote 86 - SALVADOR DALÍ I DOMÈNECH (Figueres, Girona, 1904 - 1989). "Alma de Don Quijote. Escultura en bronce, ejemplar 242/300. Base de mármol. Firmada y justificada. Medidas: 33 x 16 x 15 cm. Realizada con la técnica de la cera perdida, la pieza que aquí se presenta muestra a Don Quijote de la Mancha desde una perspectiva nueva, onírica y fantasmagórica. Aunque la figura no tiene lanza ni corcel, su brazo y su postura en movimiento indican que el Caballero Andante está a punto de realizar alguna de las hazañas que, en 1605, escribió Miguel de Cervantes, dando lugar a la novela moderna por todos conocida y que, aún hoy, encabeza la lista de las mejores obras literarias de la historia. Al igual que la obra escrita, Dalí configura una pieza surrealista en la que el artista juega con la materia y el movimiento, dando como resultado una obra de formas fluidas y vaporosas que continúan el estilo surrealista del pintor catalán. Durante sus primeros años, Dalí descubrió la pintura contemporánea durante una visita familiar a Cadaqués, donde conoció a la familia de Ramon Pichot, un artista que viajaba regularmente a París. Siguiendo los consejos de Pichot, Dalí comienza a estudiar pintura con Juan Núñez. En 1922, Dalí se aloja en la famosa Residencia de Estudiantes de Madrid para comenzar sus estudios de Bellas Artes en la Academia de San Fernando. Sin embargo, antes de sus exámenes finales en 1926, fue expulsado por alegar que allí no había nadie apto para examinarlo. Ese mismo año, Dalí viaja por primera vez a París. Allí conoce a Picasso, y establece algunas características formales que se convertirán en distintivas de toda su obra a partir de entonces. Su lenguaje absorbió las influencias de muchos estilos artísticos, desde el academicismo clásico hasta las vanguardias más rompedoras. En esa época, el pintor se dejó un llamativo bigote imitando el de Velázquez, que se convertiría en su marca personal durante el resto de su vida. En 1929, Dalí colabora con Luis Buñuel en la realización de "Un perro andaluz", que muestra escenas del imaginario surrealista. En agosto de ese mismo año conoce a su musa y futura esposa Gala. Durante este periodo, Dalí expone regularmente en Barcelona y París, y se une al grupo surrealista del barrio parisino de Montparnasse. Su obra influyó enormemente en la dirección del surrealismo durante los dos años siguientes, y fue aclamado como el creador del método paranoico-crítico, del que se decía que ayudaba a acceder al subconsciente liberando energías artísticas creativas. El pintor aterrizó en América en 1934, gracias al marchante Julian Levy. A raíz de su primera exposición individual en Nueva York, su proyección internacional se consolidó definitivamente, y a partir de entonces mostraría su obra e impartiría conferencias por todo el mundo. La mayor parte de su producción está reunida en el Teatro-Museo Dalí de Figueras, seguida de la colección del Salvador Dalí Museum de San Petersburgo (Florida), el Reina Sofía de Madrid, la Salvador Dalí Gallery de Pacific Palisades (California), el Espace Dalí de Montmartre (París) o el Dalí Universe de Londres.

Valorac. 2 000 - 2 500 EUR

Lote 87 - "dEmo"; ELADIO DE MORA (Mora, Toledo, 1960). "Oso azul". Fibra de vidrio, resina y poliéster. Firmado con anagrama. Medidas: 75 x 23 x 28 cm.

Valorac. 5 000 - 6 000 EUR

Lote 88 - MARCELLO CASTELLANI (Colombia, 1989). "Peonia". 2023. Acrílico sobre lienzo. Se adjunta certificado de autenticidad. Medidas: 175 x 140 cm. Marcello Castellani, nacido en Cali, Colombia, actualmente radicado en Berlín. A lo largo de su trayectoria artística, iniciada en 2014, ha buscado captar las emociones profundas que se transmiten a través de las expresiones humanas, siendo el retrato un tema recurrente en su obra. La fuente de su inspiración radica en la fusión de dos fuerzas opuestas: el caos y la belleza. Esta combinación es una ventana a la continua exploración de la dualidad universal, que invita al espectador a sumergirse en las profundidades de la experiencia humana. Castellani emplea estos elementos de forma simbólica para destacar la coexistencia inherente de luz y oscuridad en nuestro ser interior, subrayando que ambos son componentes esenciales que se complementan. Con un amplio abanico de habilidades que van desde técnicas clásicas como la pintura y el dibujo hasta otras más vanguardistas y experimentales, como la fotografía, los experimentos con inteligencia artificial y el mapping, Castellani tiende puentes entre la tradición artística y las posibilidades contemporáneas. Su destreza artística le ha valido el reconocimiento de célebres centros de arte, como Nueva York, Berlín, Tokio, Barcelona, Praga y Bruselas, donde ha expuesto sus singulares y estimulantes obras. Exposiciones seleccionadas: 2014 - Behance Portfolio Review, Cámara de Comercio de Bogotá, Colombia; 2014 - We Art Festival, Transforma BCN - Barcelona; 2014 - MalEntendidos - leun'un Arte Habitación, Monterrey Nuevo León, México; 2013 - Issue # 7 - La Puerta Grande - Bogotá; 2013 - Exposición 4 ángulos - C.C Palatino - Bogotá; 2013 - Imagen palabra, Cuarto salón de ilustración - Universidad Los Libertadores - Bogotá; 2013 - ModusOperandi - Fusionario - Bogotá. Trabajo en publicaciones: 2014 - Peppersoul - Bogotá; 2014 - Revista Diners; 2014 - Revista Indigo edición # 15. Los retratos de Castellani relacionan el legado de Giacometti (el drama existencial concentrado en un rostro) y el derrocamiento del ideal de identidad unitaria inferido a partir de la revolución digital. Castellani expresa la permeabilidad entre el yo interior y el exterior, así como el juego de paradojas entre la expresión individual y el lastre de la máscara publicitaria, entre la imagen pública y la esencia voluble y porosa de la condición humana.

Valorac. 8 500 - 9 500 EUR

Lote 89 - PABLO RUIZ PICASSO (Málaga, 1881 - Mougins, Francia, 1973). "Bouteille de vieux marc, verre et "le journal", 1966. De la serie Papiers Collés. Litografía sobre papel vélin de Rives. Publicado por Au Pont des Arts, París. Firmada en la plancha. Medidas: 64 x 48 cm, 70 x 55 cm (marco). Esta litografía pertenece a la serie "Papiers Collés" de Picasso, publicada por Pont des Arts. Esta serie se publicó en 1966 para conmemorar la generosa donación de los collages de Picasso al Museo de Arte Moderno de París. Pablo Ruiz Picasso es el gran genio de la pintura contemporánea. Creador del cubismo junto a Braque, su capacidad de invención y creación le sitúan en la cima de la pintura mundial. Nació en Málaga, donde su padre era profesor de dibujo y director del Museo Municipal. La familia Ruiz Picasso se trasladó pronto a La Coruña, y de allí a Barcelona, donde el joven Pablo inició sus estudios artísticos en la Escuela Provincial de Bellas Artes (1895). Aunque el estilo de la escuela es totalmente académico, el pintor pronto entra en contacto con grupos modernistas que cambian su forma de expresión. Sólo dos años más tarde, en 1897, Picasso realiza su primera exposición individual, en el café "Els Quatre Gats". París se convertiría en la gran meta de Pablo y en 1900 se trasladó a la capital francesa durante un breve periodo de tiempo. A su regreso a Barcelona, comienza a trabajar en una serie de obras en las que se aprecian las influencias de todos los artistas que ha conocido o cuya obra ha visto. Es una esponja que lo absorbe todo pero no retiene nada; busca un estilo personal. Entre 1901 y 1907 desarrolla las Etapas Azul y Rosa, caracterizadas por el uso de estos colores y por su temática con figuras sórdidas, aisladas, con gestos de pena y sufrimiento. La pintura de estos primeros años del siglo XX experimentaba continuos cambios y Picasso no podía permanecer al margen. Se interesó por Cézanne y, basándose en su ejemplo, desarrolló junto a su amigo Braque una nueva fórmula pictórica: El Cubismo. Pero Picasso no se quedó ahí y en 1912 practicó el collage en la pintura; a partir de ese momento, todo vale, la imaginación se convirtió en la maestra del arte. Picasso es el gran revolucionario y cuando todos los pintores se interesan por el cubismo, él se ocupa del clasicismo de Ingres. El movimiento surrealista de 1925 no le coge desprevenido y, aunque no participa abiertamente, le sirve como elemento de ruptura con lo anterior, introduciendo en su obra figuras distorsionadas con gran fuerza y no exentas de rabia y furia. Al igual que Goya, Picasso también se vio muy influido por su situación personal y social en el momento de su obra. Sus relaciones con las mujeres, a menudo tumultuosas, afectarán seriamente a su obra. Sin embargo, lo que más impactó a Picasso fue el estallido de la Guerra Civil española y el bombardeo de Guernica, que le llevaron a crear la obra más famosa del arte contemporáneo. París fue su refugio durante mucho tiempo, pero los últimos años de su vida los pasó en el sur de Francia, trabajando en un estilo muy personal, con colores vivos y formas extrañas. Picasso está representado en los museos más importantes del mundo, como el Metropolitan, el MOMA y el Guggenheim de Nueva York, el Hermitage de San Petersburgo, la National Gallery de Londres o el Reina Sofía de Madrid.

Valorac. 1 600 - 1 800 EUR

Lote 90 - PABLO RUIZ PICASSO (Málaga, 1881 - Mougins, Francia, 1973). "Mujer sentada". Fototipo sobre papel. Edición de 1200 ejemplares. Ed. Cahiers d'Art. París, 1948. Fechado y localizado en la placa. Medidas: 40 x 28 cm; 54,5 x 42,5 cm (marco). Picasso se instaló en septiembre de 1939 en la localidad de Royan, ciudad francesa situada en el departamento de la Charente-Maritime y en la región de Nueva Aquitania. Dos años después de haber realizado el sorprendente Guernica, y coincidiendo con el conflicto de la Segunda Guerra Mundial, Picasso eligió la zona libre y aprovechó la presencia de su pareja, Marie-Thérese, y de su hija Maya, para refugiarse allí. Alquiló un estudio en el tercer piso de la villa "Les Voiliers" y emprendió la realización de un carnet de dessins entre el 30 de mayo y el 22 de agosto de 1940. Más tarde, Picasso añadiría algunos estudios de París realizados en 1942. El conjunto fue publicado en formato facsímil en 1948 por la editorial Cahiers d'Art, en encuadernación de lino. Picasso inició sus estudios artísticos en Barcelona, en la Escuela Provincial de Bellas Artes (1895). Sólo dos años más tarde, en 1897, Picasso realizó su primera exposición individual en el café "Els Quatre Gats". París se convertiría en la gran meta de Pablo y en 1900 se trasladó a la capital francesa durante un breve periodo de tiempo. A su regreso a Barcelona, comienza a trabajar en una serie de obras en las que se aprecian las influencias de todos los artistas que ha conocido o cuya obra ha visto. Es una esponja que lo absorbe todo pero no retiene nada; busca un estilo personal. Entre 1901 y 1907 desarrolla las Etapas Azul y Rosa, caracterizadas por el uso de estos colores y por su temática con figuras sórdidas, aisladas, con gestos de pena y sufrimiento. La pintura de estos primeros años del siglo XX experimentaba continuos cambios y Picasso no podía permanecer al margen. Se interesó por Cézanne y, basándose en su ejemplo, desarrolló junto a su amigo Braque una nueva fórmula pictórica: El Cubismo. Pero Picasso no se quedó ahí y en 1912 practicó el collage en la pintura; a partir de ese momento, todo vale, la imaginación se convirtió en la maestra del arte. Picasso es el gran revolucionario y cuando todos los pintores se interesan por el cubismo, él se ocupa del clasicismo de Ingres. El movimiento surrealista de 1925 no le coge desprevenido y, aunque no participa abiertamente, le sirve como elemento de ruptura con lo anterior, introduciendo en su obra figuras distorsionadas con gran fuerza y no exentas de rabia y furia. Al igual que Goya, Picasso también se vio muy influido por su situación personal y social en el momento de su obra. Sus relaciones con las mujeres, a menudo tumultuosas, afectarán seriamente a su obra. Sin embargo, lo que más impactó a Picasso fue el estallido de la Guerra Civil española y el bombardeo de Guernica, que le llevaron a crear la obra más famosa del arte contemporáneo. París fue su refugio durante mucho tiempo, pero los últimos años de su vida los pasó en el sur de Francia, trabajando en un estilo muy personal, con colores vivos y formas extrañas. Picasso está representado en los museos más importantes del mundo, como el Metropolitan, el MOMA y el Guggenheim de Nueva York, el Hermitage de San Petersburgo, la National Gallery de Londres o el Reina Sofía de Madrid.

Valorac. 700 - 750 EUR

Lote 91 - PABLO RUIZ PICASSO (Málaga, 1881 - Mougins, Francia, 1973). "Desnudo femenino". Fototipo sobre papel. Edición de 1200 ejemplares. Ed. Cahiers d'Art. París, 1948. Fechado y localizado en la placa. Medidas: 40 x 28 cm; 54,5 x 42,5 cm (marco). Picasso se instaló en septiembre de 1939 en la localidad de Royan, ciudad francesa situada en el departamento de la Charente-Maritime y en la región de Nueva Aquitania. Dos años después de haber realizado el sorprendente Guernica, y coincidiendo con el conflicto de la Segunda Guerra Mundial, Picasso eligió la zona libre y aprovechó la presencia de su pareja, Marie-Thérese, y de su hija Maya, para refugiarse allí. Alquiló un estudio en el tercer piso de la villa "Les Voiliers" y emprendió la realización de un carnet de dessins entre el 30 de mayo y el 22 de agosto de 1940. Más tarde, Picasso añadiría algunos estudios de París realizados en 1942. El conjunto fue publicado en formato facsímil en 1948 por la editorial Cahiers d'Art, en encuadernación de lino. Picasso inició sus estudios artísticos en Barcelona, en la Escuela Provincial de Bellas Artes (1895). Sólo dos años más tarde, en 1897, Picasso realizó su primera exposición individual en el café "Els Quatre Gats". París se convertiría en la gran meta de Pablo y en 1900 se trasladó a la capital francesa durante un breve periodo de tiempo. A su regreso a Barcelona, comienza a trabajar en una serie de obras en las que se aprecian las influencias de todos los artistas que ha conocido o cuya obra ha visto. Es una esponja que lo absorbe todo pero no retiene nada; busca un estilo personal. Entre 1901 y 1907 desarrolla las Etapas Azul y Rosa, caracterizadas por el uso de estos colores y por su temática con figuras sórdidas, aisladas, con gestos de pena y sufrimiento. La pintura de estos primeros años del siglo XX experimentaba continuos cambios y Picasso no podía permanecer al margen. Se interesó por Cézanne y, basándose en su ejemplo, desarrolló junto a su amigo Braque una nueva fórmula pictórica: El Cubismo. Pero Picasso no se quedó ahí y en 1912 practicó el collage en la pintura; a partir de ese momento, todo vale, la imaginación se convirtió en la maestra del arte. Picasso es el gran revolucionario y cuando todos los pintores se interesan por el cubismo, él se ocupa del clasicismo de Ingres. El movimiento surrealista de 1925 no le coge desprevenido y, aunque no participa abiertamente, le sirve como elemento de ruptura con lo anterior, introduciendo en su obra figuras distorsionadas con gran fuerza y no exentas de rabia y furia. Al igual que Goya, Picasso también se vio muy influido por su situación personal y social en el momento de su obra. Sus relaciones con las mujeres, a menudo tumultuosas, afectarán seriamente a su obra. Sin embargo, lo que más impactó a Picasso fue el estallido de la Guerra Civil española y el bombardeo de Guernica, que le llevaron a crear la obra más famosa del arte contemporáneo. París fue su refugio durante mucho tiempo, pero los últimos años de su vida los pasó en el sur de Francia, trabajando en un estilo muy personal, con colores vivos y formas extrañas. Picasso está representado en los museos más importantes del mundo, como el Metropolitan, el MOMA y el Guggenheim de Nueva York, el Hermitage de San Petersburgo, la National Gallery de Londres o el Reina Sofía de Madrid.

Valorac. 700 - 750 EUR

Lote 92 - PABLO RUIZ PICASSO (Málaga, 1881 - Mougins, Francia, 1973). "Modelo en el estudio del pintor". Fototipo sobre papel. Edición de 1200 ejemplares. Fechado y localizado. Ed. Cahiers d'Art. París, 1948. Medidas: 40 x 28 cm; 54,5 x 42,5 cm (marco). Picasso se instaló en septiembre de 1939 en la localidad de Royan, ciudad francesa situada en el departamento de la Charente-Maritime y en la región de Nueva Aquitania. Dos años después de haber realizado el sorprendente Guernica, y coincidiendo con el conflicto de la Segunda Guerra Mundial, Picasso eligió la zona libre y aprovechó la presencia de su pareja, Marie-Thérese, y de su hija Maya, para refugiarse allí. Alquiló un estudio en el tercer piso de la villa "Les Voiliers" y emprendió la realización de un carnet de dessins entre el 30 de mayo y el 22 de agosto de 1940. Más tarde, Picasso añadiría algunos estudios de París realizados en 1942. El conjunto fue publicado en formato facsímil en 1948 por la editorial Cahiers d'Art, en encuadernación de lino. Picasso inició sus estudios artísticos en Barcelona, en la Escuela Provincial de Bellas Artes (1895). Sólo dos años más tarde, en 1897, Picasso realizó su primera exposición individual en el café "Els Quatre Gats". París se convertiría en la gran meta de Pablo y en 1900 se trasladó a la capital francesa durante un breve periodo de tiempo. A su regreso a Barcelona, comienza a trabajar en una serie de obras en las que se aprecian las influencias de todos los artistas que ha conocido o cuya obra ha visto. Es una esponja que lo absorbe todo pero no retiene nada; busca un estilo personal. Entre 1901 y 1907 desarrolla las Etapas Azul y Rosa, caracterizadas por el uso de estos colores y por su temática con figuras sórdidas, aisladas, con gestos de pena y sufrimiento. La pintura de estos primeros años del siglo XX experimentaba continuos cambios y Picasso no podía permanecer al margen. Se interesó por Cézanne y, basándose en su ejemplo, desarrolló junto a su amigo Braque una nueva fórmula pictórica: El Cubismo. Pero Picasso no se quedó ahí y en 1912 practicó el collage en la pintura; a partir de ese momento, todo vale, la imaginación se convirtió en la maestra del arte. Picasso es el gran revolucionario y cuando todos los pintores se interesan por el cubismo, él se ocupa del clasicismo de Ingres. El movimiento surrealista de 1925 no le coge desprevenido y, aunque no participa abiertamente, le sirve como elemento de ruptura con lo anterior, introduciendo en su obra figuras distorsionadas con gran fuerza y no exentas de rabia y furia. Al igual que Goya, Picasso también se vio muy influido por su situación personal y social en el momento de su obra. Sus relaciones con las mujeres, a menudo tumultuosas, afectarán seriamente a su obra. Sin embargo, lo que más impactó a Picasso fue el estallido de la Guerra Civil española y el bombardeo de Guernica, que le llevaron a crear la obra más famosa del arte contemporáneo. París fue su refugio durante mucho tiempo, pero los últimos años de su vida los pasó en el sur de Francia, trabajando en un estilo muy personal, con colores vivos y formas extrañas. Picasso está representado en los museos más importantes del mundo, como el Metropolitan, el MOMA y el Guggenheim de Nueva York, el Hermitage de San Petersburgo, la National Gallery de Londres o el Reina Sofía de Madrid.

Valorac. 700 - 750 EUR

Lote 93 - PABLO RUIZ PICASSO (Málaga, 1881 - Mougins, Francia, 1973). Sin título. Fototipo sobre papel. Edición de 1200 ejemplares. Ed. Cahiers d'Art. París, 1948. Fechado y localizado en la placa. Medidas: 40 x 28 cm; 54,5 x 42,5 cm (marco). Picasso se instaló en septiembre de 1939 en la localidad de Royan, ciudad francesa situada en el departamento de la Charente-Maritime y en la región de Nueva Aquitania. Dos años después de haber realizado el sorprendente Guernica, y coincidiendo con el conflicto de la Segunda Guerra Mundial, Picasso eligió la zona libre y aprovechó la presencia de su pareja, Marie-Thérese, y de su hija Maya, para refugiarse allí. Alquiló un estudio en el tercer piso de la villa "Les Voiliers" y emprendió la realización de un carnet de dessins entre el 30 de mayo y el 22 de agosto de 1940. Más tarde, Picasso añadiría algunos estudios de París realizados en 1942. El conjunto fue publicado en formato facsímil en 1948 por la editorial Cahiers d'Art, en encuadernación de lino. Picasso inició sus estudios artísticos en Barcelona, en la Escuela Provincial de Bellas Artes (1895). Sólo dos años más tarde, en 1897, Picasso realizó su primera exposición individual en el café "Els Quatre Gats". París se convertiría en la gran meta de Pablo y en 1900 se trasladó a la capital francesa durante un breve periodo de tiempo. A su regreso a Barcelona, comienza a trabajar en una serie de obras en las que se aprecian las influencias de todos los artistas que ha conocido o cuya obra ha visto. Es una esponja que lo absorbe todo pero no retiene nada; busca un estilo personal. Entre 1901 y 1907 desarrolla las Etapas Azul y Rosa, caracterizadas por el uso de estos colores y por su temática con figuras sórdidas, aisladas, con gestos de pena y sufrimiento. La pintura de estos primeros años del siglo XX experimentaba continuos cambios y Picasso no podía permanecer al margen. Se interesó por Cézanne y, basándose en su ejemplo, desarrolló junto a su amigo Braque una nueva fórmula pictórica: El Cubismo. Pero Picasso no se quedó ahí y en 1912 practicó el collage en la pintura; a partir de ese momento, todo vale, la imaginación se convirtió en la maestra del arte. Picasso es el gran revolucionario y cuando todos los pintores se interesan por el cubismo, él se ocupa del clasicismo de Ingres. El movimiento surrealista de 1925 no le coge desprevenido y, aunque no participa abiertamente, le sirve como elemento de ruptura con lo anterior, introduciendo en su obra figuras distorsionadas con gran fuerza y no exentas de rabia y furia. Al igual que Goya, Picasso también se vio muy influido por su situación personal y social en el momento de su obra. Sus relaciones con las mujeres, a menudo tumultuosas, afectarán seriamente a su obra. Sin embargo, lo que más impactó a Picasso fue el estallido de la Guerra Civil española y el bombardeo de Guernica, que le llevaron a crear la obra más famosa del arte contemporáneo. París fue su refugio durante mucho tiempo, pero los últimos años de su vida los pasó en el sur de Francia, trabajando en un estilo muy personal, con colores vivos y formas extrañas. Picasso está representado en los museos más importantes del mundo, como el Metropolitan, el MOMA y el Guggenheim de Nueva York, el Hermitage de San Petersburgo, la National Gallery de Londres o el Reina Sofía de Madrid.

Valorac. 700 - 750 EUR

Lote 94 - PABLO RUIZ PICASSO (Málaga, 1881 - Mougins, Francia, 1973). "Perfil femenino". Fototipo sobre papel. Edición de 1200 ejemplares. Ed. Cahiers d'Art. París, 1948. Fechado y localizado en la placa. Medidas: 40 x 28 cm; 54,5 x 42,5 cm (marco). Picasso se instaló en septiembre de 1939 en la localidad de Royan, ciudad francesa situada en el departamento de la Charente-Maritime y en la región de Nueva Aquitania. Dos años después de haber realizado el sorprendente Guernica, y coincidiendo con el conflicto de la Segunda Guerra Mundial, Picasso eligió la zona libre y aprovechó la presencia de su pareja, Marie-Thérese, y de su hija Maya, para refugiarse allí. Alquiló un estudio en el tercer piso de la villa "Les Voiliers" y emprendió la realización de un carnet de dessins entre el 30 de mayo y el 22 de agosto de 1940. Más tarde, Picasso añadiría algunos estudios de París realizados en 1942. El conjunto fue publicado en formato facsímil en 1948 por la editorial Cahiers d'Art, en encuadernación de lino. Picasso inició sus estudios artísticos en Barcelona, en la Escuela Provincial de Bellas Artes (1895). Sólo dos años más tarde, en 1897, Picasso realizó su primera exposición individual en el café "Els Quatre Gats". París se convertiría en la gran meta de Pablo y en 1900 se trasladó a la capital francesa durante un breve periodo de tiempo. A su regreso a Barcelona, comienza a trabajar en una serie de obras en las que se aprecian las influencias de todos los artistas que ha conocido o cuya obra ha visto. Es una esponja que lo absorbe todo pero no retiene nada; busca un estilo personal. Entre 1901 y 1907 desarrolla las Etapas Azul y Rosa, caracterizadas por el uso de estos colores y por su temática con figuras sórdidas, aisladas, con gestos de pena y sufrimiento. La pintura de estos primeros años del siglo XX experimentaba continuos cambios y Picasso no podía permanecer al margen. Se interesó por Cézanne y, basándose en su ejemplo, desarrolló junto a su amigo Braque una nueva fórmula pictórica: El Cubismo. Pero Picasso no se quedó ahí y en 1912 practicó el collage en la pintura; a partir de ese momento, todo vale, la imaginación se convirtió en la maestra del arte. Picasso es el gran revolucionario y cuando todos los pintores se interesan por el cubismo, él se ocupa del clasicismo de Ingres. El movimiento surrealista de 1925 no le coge desprevenido y, aunque no participa abiertamente, le sirve como elemento de ruptura con lo anterior, introduciendo en su obra figuras distorsionadas con gran fuerza y no exentas de rabia y furia. Al igual que Goya, Picasso también se vio muy influido por su situación personal y social en el momento de su obra. Sus relaciones con las mujeres, a menudo tumultuosas, afectarán seriamente a su obra. Sin embargo, lo que más impactó a Picasso fue el estallido de la Guerra Civil española y el bombardeo de Guernica, que le llevaron a crear la obra más famosa del arte contemporáneo. París fue su refugio durante mucho tiempo, pero los últimos años de su vida los pasó en el sur de Francia, trabajando en un estilo muy personal, con colores vivos y formas extrañas. Picasso está representado en los museos más importantes del mundo, como el Metropolitan, el MOMA y el Guggenheim de Nueva York, el Hermitage de San Petersburgo, la National Gallery de Londres o el Reina Sofía de Madrid.

Valorac. 700 - 750 EUR

Lote 95 - PABLO RUIZ PICASSO (Málaga, 1881 - Mougins, Francia, 1973). "Figura cubista". Fototipo sobre papel. Edición de 1200 ejemplares. Fechado y localizado en la plancha. Ed. Cahiers d'Art. París, 1948. Medidas: 40 x 28 cm; 54,5 x 42,5 cm (marco). Picasso se instaló en septiembre de 1939 en la localidad de Royan, ciudad francesa situada en el departamento de Charente-Maritime y en la región de Nueva Aquitania. Dos años después de haber realizado el sorprendente Guernica, y coincidiendo con el conflicto de la Segunda Guerra Mundial, Picasso eligió la zona franca y aprovechó la presencia de su compañera, Marie-Thérese, y de su hija Maya, para refugiarse allí. Alquiló un estudio en el tercer piso de la villa "Les Voiliers" y emprendió la realización de un carnet de dessins entre el 30 de mayo y el 22 de agosto de 1940. Más tarde, Picasso añadiría algunos estudios de París realizados en 1942. El conjunto fue publicado en formato facsímil en 1948 por la editorial Cahiers d'Art, en encuadernación de lino. Picasso inició sus estudios artísticos en Barcelona, en la Escuela Provincial de Bellas Artes (1895). Sólo dos años más tarde, en 1897, Picasso realizó su primera exposición individual en el café "Els Quatre Gats". París se convertiría en la gran meta de Pablo y en 1900 se trasladó a la capital francesa durante un breve periodo de tiempo. A su regreso a Barcelona, comienza a trabajar en una serie de obras en las que se aprecian las influencias de todos los artistas que ha conocido o cuya obra ha visto. Es una esponja que lo absorbe todo pero no retiene nada; busca un estilo personal. Entre 1901 y 1907 desarrolla las Etapas Azul y Rosa, caracterizadas por el uso de estos colores y por su temática con figuras sórdidas, aisladas, con gestos de pena y sufrimiento. La pintura de estos primeros años del siglo XX experimentaba continuos cambios y Picasso no podía permanecer al margen. Se interesó por Cézanne y, basándose en su ejemplo, desarrolló junto a su amigo Braque una nueva fórmula pictórica: El Cubismo. Pero Picasso no se quedó ahí y en 1912 practicó el collage en la pintura; a partir de ese momento, todo vale, la imaginación se convirtió en la maestra del arte. Picasso es el gran revolucionario y cuando todos los pintores se interesan por el cubismo, él se ocupa del clasicismo de Ingres. El movimiento surrealista de 1925 no le coge desprevenido y, aunque no participa abiertamente, le sirve como elemento de ruptura con lo anterior, introduciendo en su obra figuras distorsionadas con gran fuerza y no exentas de rabia y furia. Al igual que Goya, Picasso también se vio muy influido por su situación personal y social en el momento de su obra. Sus relaciones con las mujeres, a menudo tumultuosas, afectarán seriamente a su obra. Sin embargo, lo que más impactó a Picasso fue el estallido de la Guerra Civil española y el bombardeo de Guernica, que le llevaron a crear la obra más famosa del arte contemporáneo. París fue su refugio durante mucho tiempo, pero los últimos años de su vida los pasó en el sur de Francia, trabajando en un estilo muy personal, con colores vivos y formas extrañas. Picasso está representado en los museos más importantes del mundo, como el Metropolitan, el MOMA y el Guggenheim de Nueva York, el Hermitage de San Petersburgo, la National Gallery de Londres o el Reina Sofía de Madrid.

Valorac. 700 - 750 EUR

Lote 96 - PABLO RUIZ PICASSO (Málaga, 1881 - Mougins, Francia, 1973). "Figuras femeninas cubistas". Fototipo sobre papel. Edición de 1200 ejemplares. Ed. Cahiers d'Art. París, 1948. Fechado y localizado en la placa. Medidas: 40 x 28 cm; 54,5 x 42,5 cm (marco). Picasso se instaló en septiembre de 1939 en la localidad de Royan, ciudad francesa situada en el departamento de la Charente-Maritime y en la región de Nueva Aquitania. Dos años después de haber realizado el sorprendente Guernica, y coincidiendo con el conflicto de la Segunda Guerra Mundial, Picasso eligió la zona libre y aprovechó la presencia de su pareja, Marie-Thérese, y de su hija Maya, para refugiarse allí. Alquiló un estudio en el tercer piso de la villa "Les Voiliers" y emprendió la realización de un carnet de dessins entre el 30 de mayo y el 22 de agosto de 1940. Más tarde, Picasso añadiría algunos estudios de París realizados en 1942. El conjunto fue publicado en formato facsímil en 1948 por la editorial Cahiers d'Art, en encuadernación de lino. Picasso inició sus estudios artísticos en Barcelona, en la Escuela Provincial de Bellas Artes (1895). Sólo dos años más tarde, en 1897, Picasso realizó su primera exposición individual en el café "Els Quatre Gats". París se convertiría en la gran meta de Pablo y en 1900 se trasladó a la capital francesa durante un breve periodo de tiempo. A su regreso a Barcelona, comienza a trabajar en una serie de obras en las que se aprecian las influencias de todos los artistas que ha conocido o cuya obra ha visto. Es una esponja que lo absorbe todo pero no retiene nada; busca un estilo personal. Entre 1901 y 1907 desarrolla las Etapas Azul y Rosa, caracterizadas por el uso de estos colores y por su temática con figuras sórdidas, aisladas, con gestos de pena y sufrimiento. La pintura de estos primeros años del siglo XX experimentaba continuos cambios y Picasso no podía permanecer al margen. Se interesó por Cézanne y, basándose en su ejemplo, desarrolló junto a su amigo Braque una nueva fórmula pictórica: El Cubismo. Pero Picasso no se quedó ahí y en 1912 practicó el collage en la pintura; a partir de ese momento, todo vale, la imaginación se convirtió en la maestra del arte. Picasso es el gran revolucionario y cuando todos los pintores se interesan por el cubismo, él se ocupa del clasicismo de Ingres. El movimiento surrealista de 1925 no le coge desprevenido y, aunque no participa abiertamente, le sirve como elemento de ruptura con lo anterior, introduciendo en su obra figuras distorsionadas con gran fuerza y no exentas de rabia y furia. Al igual que Goya, Picasso también se vio muy influido por su situación personal y social en el momento de su obra. Sus relaciones con las mujeres, a menudo tumultuosas, afectarán seriamente a su obra. Sin embargo, lo que más impactó a Picasso fue el estallido de la Guerra Civil española y el bombardeo de Guernica, que le llevaron a crear la obra más famosa del arte contemporáneo. París fue su refugio durante mucho tiempo, pero los últimos años de su vida los pasó en el sur de Francia, trabajando en un estilo muy personal, con colores vivos y formas extrañas. Picasso está representado en los museos más importantes del mundo, como el Metropolitan, el MOMA y el Guggenheim de Nueva York, el Hermitage de San Petersburgo, la National Gallery de Londres o el Reina Sofía de Madrid.

Valorac. 700 - 750 EUR

Lote 97 - PABLO RUIZ PICASSO (Málaga, 1881 - Mougins, Francia, 1973). "Figura femenina". Fototipo sobre papel. Edición de 1200 ejemplares. Ed. Cahiers d'Art. París, 1948. Fechado en la placa. Medidas: 40 x 28 cm; 54,5 x 42,5 cm (marco). Picasso se instaló en septiembre de 1939 en la localidad de Royan, ciudad francesa situada en el departamento de la Charente-Maritime y en la región de Nueva Aquitania. Dos años después de haber realizado el sorprendente Guernica, y coincidiendo con el conflicto de la Segunda Guerra Mundial, Picasso eligió la zona libre y aprovechó la presencia de su pareja, Marie-Thérese, y de su hija Maya, para refugiarse allí. Alquiló un estudio en el tercer piso de la villa "Les Voiliers" y emprendió la realización de un carnet de dessins entre el 30 de mayo y el 22 de agosto de 1940. Más tarde, Picasso añadiría algunos estudios de París realizados en 1942. El conjunto fue publicado en formato facsímil en 1948 por la editorial Cahiers d'Art, en encuadernación de lino. Picasso inició sus estudios artísticos en Barcelona, en la Escuela Provincial de Bellas Artes (1895). Sólo dos años más tarde, en 1897, Picasso realizó su primera exposición individual en el café "Els Quatre Gats". París se convertiría en la gran meta de Pablo y en 1900 se trasladó a la capital francesa durante un breve periodo de tiempo. A su regreso a Barcelona, comienza a trabajar en una serie de obras en las que se aprecian las influencias de todos los artistas que ha conocido o cuya obra ha visto. Es una esponja que lo absorbe todo pero no retiene nada; busca un estilo personal. Entre 1901 y 1907 desarrolla las Etapas Azul y Rosa, caracterizadas por el uso de estos colores y por su temática con figuras sórdidas, aisladas, con gestos de pena y sufrimiento. La pintura de estos primeros años del siglo XX experimentaba continuos cambios y Picasso no podía permanecer al margen. Se interesó por Cézanne y, basándose en su ejemplo, desarrolló junto a su amigo Braque una nueva fórmula pictórica: El Cubismo. Pero Picasso no se quedó ahí y en 1912 practicó el collage en la pintura; a partir de ese momento, todo vale, la imaginación se convirtió en la maestra del arte. Picasso es el gran revolucionario y cuando todos los pintores se interesan por el cubismo, él se ocupa del clasicismo de Ingres. El movimiento surrealista de 1925 no le coge desprevenido y, aunque no participa abiertamente, le sirve como elemento de ruptura con lo anterior, introduciendo en su obra figuras distorsionadas con gran fuerza y no exentas de rabia y furia. Al igual que Goya, Picasso también se vio muy influido por su situación personal y social en el momento de su obra. Sus relaciones con las mujeres, a menudo tumultuosas, afectarán seriamente a su obra. Sin embargo, lo que más impactó a Picasso fue el estallido de la Guerra Civil española y el bombardeo de Guernica, que le llevaron a crear la obra más famosa del arte contemporáneo. París fue su refugio durante mucho tiempo, pero los últimos años de su vida los pasó en el sur de Francia, trabajando en un estilo muy personal, con colores vivos y formas extrañas. Picasso está representado en los museos más importantes del mundo, como el Metropolitan, el MOMA y el Guggenheim de Nueva York, el Hermitage de San Petersburgo, la National Gallery de Londres o el Reina Sofía de Madrid.

Valorac. 700 - 750 EUR

Lote 98 - PABLO RUIZ PICASSO (Málaga, 1881 - Mougins, Francia, 1973). "Mujer sentada". Fototipo sobre papel. Edición de 1200 ejemplares. Ed. Cahiers d'Art. París, 1948. Fechado, localizado e inscrito en la plancha. Medidas: 40 x 28 cm; 54,5 x 42,5 cm (marco). Picasso se instaló en septiembre de 1939 en la localidad de Royan, ciudad francesa situada en el departamento de Charente-Maritime y en la región de Nueva Aquitania. Dos años después de haber realizado el sorprendente Guernica, y coincidiendo con el conflicto de la Segunda Guerra Mundial, Picasso eligió la zona libre y aprovechó la presencia de su pareja, Marie-Thérese, y de su hija Maya, para refugiarse allí. Alquiló un estudio en el tercer piso de la villa "Les Voiliers" y emprendió la realización de un carnet de dessins entre el 30 de mayo y el 22 de agosto de 1940. Más tarde, Picasso añadiría algunos estudios de París realizados en 1942. El conjunto fue publicado en formato facsímil en 1948 por la editorial Cahiers d'Art, en encuadernación de lino. Picasso inició sus estudios artísticos en Barcelona, en la Escuela Provincial de Bellas Artes (1895). Sólo dos años más tarde, en 1897, Picasso realizó su primera exposición individual en el café "Els Quatre Gats". París se convertiría en la gran meta de Pablo y en 1900 se trasladó a la capital francesa durante un breve periodo de tiempo. A su regreso a Barcelona, comienza a trabajar en una serie de obras en las que se aprecian las influencias de todos los artistas que ha conocido o cuya obra ha visto. Es una esponja que lo absorbe todo pero no retiene nada; busca un estilo personal. Entre 1901 y 1907 desarrolla las Etapas Azul y Rosa, caracterizadas por el uso de estos colores y por su temática con figuras sórdidas, aisladas, con gestos de pena y sufrimiento. La pintura de estos primeros años del siglo XX experimentaba continuos cambios y Picasso no podía permanecer al margen. Se interesó por Cézanne y, basándose en su ejemplo, desarrolló junto a su amigo Braque una nueva fórmula pictórica: El Cubismo. Pero Picasso no se quedó ahí y en 1912 practicó el collage en la pintura; a partir de ese momento, todo vale, la imaginación se convirtió en la maestra del arte. Picasso es el gran revolucionario y cuando todos los pintores se interesan por el cubismo, él se ocupa del clasicismo de Ingres. El movimiento surrealista de 1925 no le coge desprevenido y, aunque no participa abiertamente, le sirve como elemento de ruptura con lo anterior, introduciendo en su obra figuras distorsionadas con gran fuerza y no exentas de rabia y furia. Al igual que Goya, Picasso también se vio muy influido por su situación personal y social en el momento de su obra. Sus relaciones con las mujeres, a menudo tumultuosas, afectarán seriamente a su obra. Sin embargo, lo que más impactó a Picasso fue el estallido de la Guerra Civil española y el bombardeo de Guernica, que le llevaron a crear la obra más famosa del arte contemporáneo. París fue su refugio durante mucho tiempo, pero los últimos años de su vida los pasó en el sur de Francia, trabajando en un estilo muy personal, con colores vivos y formas extrañas. Picasso está representado en los museos más importantes del mundo, como el Metropolitan, el MOMA y el Guggenheim de Nueva York, el Hermitage de San Petersburgo, la National Gallery de Londres o el Reina Sofía de Madrid.

Valorac. 700 - 750 EUR

Lote 99 - ANTONI CLAVÉ I SANMARTÍ (Barcelona, 1913 - Saint Tropez, Francia, 2005). "Pareja", Saint Tropez 1977. Técnica mixta y collage sobre papel. Firmado. Medidas: 29 x 20 cm; 37 x 28 cm (marco). Antoni Clavé es una de las figuras más relevantes del arte contemporáneo español. Formado en la Escuela de Bellas Artes de San Jordi de Barcelona, Clavé se dedica en una primera época al grafismo publicitario, la ilustración y las artes decorativas. En 1936 participa activamente en la Guerra Civil, en las filas republicanas, lo que le lleva a exiliarse en Francia al finalizar la contienda. Ese mismo año, 1939, expone los dibujos que realizó en los campos de batalla. Se instala en París, donde conoce a Vuillard, Bonnard y Picasso. Ya gozaba de gran prestigio internacional cuando empezó a ser reconocido en España, tras su exposición en la Galería Gaspar de Barcelona en 1956. Al mismo tiempo, realizó ilustraciones para la obra "Gargantúa y Pantagruel", que le llevaron a familiarizarse con la iconografía medieval. En esta misma década de los cincuenta es cuando comienza su intensa labor en el mundo del ballet y del teatro, alcanzando gran fama en el mundo de la escenografía internacional. En 1952 realizó los decorados de la película "Hans Christian Andersen", de Charles Vidor, y fue nominado a un premio Oscar. En 1954 abandonó la escenografía para dedicarse a la pintura. Fue premiado en el Hallimark de Nueva York en 1948, en la Bienal de Venecia en 1954 y en la Bienal Internacional de Tokio en 1957. En 1984 el Estado español reconoció su valor artístico con la exposición de más de cien de sus obras en el pabellón español de la Bienal de Venecia. Ese mismo año recibió la Medalla de Oro de la Generalitat de Catalunya. La obra de Clavé se encuentra, entre otros muchos, en el Museo de Bellas Artes de Bilbao, la Tate Gallery, el Museo de Arte Moderno de París, el British Museum de Londres, el Museo de Arte Moderno de Tokio y el Museo Reina Sofía de Madrid.

Valorac. 1 000 - 1 200 EUR

Lote 100 - SALVADOR DALÍ I DOMÈNECH (Figueres, Girona, 1904 - 1989). Sin título, 1969. Tinta sobre página del libro "Conversaciones con Dalí". Firmado y fechado. Acompañado del libro del que se ha extraído el dibujo en puja. Medidas: 20 x 13 cm; 50 x 41 (marco). Durante sus primeros años, Dalí descubre la pintura contemporánea durante una visita familiar a Cadaqués, donde conoce a la familia de Ramon Pichot, un artista que viajaba regularmente a París. Siguiendo los consejos de Pichot, Dalí comienza a estudiar pintura con Juan Núñez. En 1922, Dalí se aloja en la famosa Residencia de Estudiantes de Madrid para comenzar sus estudios de Bellas Artes en la Academia de San Fernando. Sin embargo, antes de sus exámenes finales en 1926, fue expulsado por alegar que allí no había nadie apto para examinarlo. Ese mismo año, Dalí viaja por primera vez a París. Allí conoce a Picasso, y establece algunas características formales que se convertirán en distintivas de toda su obra a partir de entonces. Su lenguaje absorbió las influencias de muchos estilos artísticos, desde el academicismo clásico hasta las vanguardias más rompedoras. En esa época, el pintor se dejó un llamativo bigote imitando el de Velázquez, que se convertiría en su marca personal durante el resto de su vida. En 1929, Dalí colaboró con Luis Buñuel en la realización de "Un perro andaluz", en la que se mostraban escenas del imaginario surrealista. En agosto de ese mismo año conoce a su musa y futura esposa Gala. Durante este periodo, Dalí realiza exposiciones periódicas tanto en Barcelona como en París, y se une al grupo surrealista del barrio parisino de Montparnasse. Su obra influyó enormemente en la dirección del surrealismo durante los dos años siguientes, y fue aclamado como el creador del método paranoico-crítico, del que se decía que ayudaba a acceder al subconsciente liberando energías artísticas creativas. El pintor aterrizó en América en 1934, gracias al marchante Julian Levy. A raíz de su primera exposición individual en Nueva York, se consolidó definitivamente su proyección internacional, y a partir de entonces mostraría su obra e impartiría conferencias por todo el mundo. La mayor parte de su producción está reunida en el Teatro-Museo Dalí de Figueras, seguida de la colección del Salvador Dalí Museum de San Petersburgo (Florida), el Reina Sofía de Madrid, la Salvador Dalí Gallery de Pacific Palisades (California), el Espace Dalí de Montmartre (París) o el Dalí Universe de Londres.

Valorac. 2 000 - 2 400 EUR

10 de julio - Arte contemporáneo y últimas tendencias II

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Lote 13 - No hay ninguna descripción

Lote 87 - "dEmo"; ELADIO DE MORA (Mora, Toledo, 1960). "Oso azul". Fibra de vidrio, resina y poliéster. Firmado con anagrama. Medidas: 75 x 23 x 28 cm.