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martes 02 jul a : 17:00 (CEST)

CASTILLO DE LAUDON - ¡SUBASTA DEL TESORO! - 13ª SUBASTA TIBERIO

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Neue-Welt-Gasse 21-23 1130 Wien, Austria
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568 Resultados

Lote 6 - Francesco Bassano el Joven Bassano del Grappa 1549 - 1592 Venecia Mercado en Venecia durante el Carnaval Óleo sobre lienzo original 140,5 x 185,5 cm, con marco 182,5 x 207,5 cm Firmado abajo a la derecha Francesco Bassano el Joven fue un pintor italiano perteneciente a la famosa familia de artistas Bassano. Nació en Bassano del Grappa y fue el hijo mayor de Jacopo Bassano, figura destacada del Renacimiento veneciano. Francesco se formó en el taller de su padre, donde desarrolló sus habilidades pictóricas y adoptó la inclinación de su padre por los colores vivos y las composiciones dinámicas. La familia Bassano era conocida por su innovador enfoque de las escenas de género y su magistral uso de la luz y la sombra, que Francesco continuó hábilmente. Las obras de Francesco se caracterizan por su vibrante energía y su meticulosa atención al detalle. Con frecuencia representó temas religiosos, escenas pastorales y animadas escenas de mercado, captando la esencia de la vida cotidiana con una aguda mirada de observación. Sus pinturas reflejan una mezcla perfecta de la influencia de su padre y su propio estilo, lo que le convierte en una figura significativa del Renacimiento tardío. Este cuadro capta la atmósfera bulliciosa y caótica de un mercado de Venecia durante el carnaval. La detallada composición refleja el animado ambiente del carnaval veneciano. En el primer plano, a la derecha, una vendedora de comestibles atiende a sus clientes, ofreciendo al espectador un punto de entrada a tierra. La variedad de productos que se ofrecen atrae inmediatamente la atención del espectador y establece el tono enérgico de la escena. En el centro, en primer plano, una mujer enmascarada, acompañada por un músico y un sirviente con un perro, camina a grandes zancadas hacia la izquierda. La mujer enmascarada, símbolo del carnaval, confiere a la escena un aire de misterio y fiesta. El músico y el sirviente, con sus respectivos instrumentos y mascotas, también contribuyen al carácter animado y variado de la escena. Desde la izquierda, se ve a un hombre barbudo que corre hacia la derecha, posiblemente persiguiendo algo o a alguien, lo que añade una sensación de urgencia y movimiento al cuadro. Esta figura, que gesticula con dinamismo, contrasta con la dama que camina tranquilamente. En el fondo, la plaza está repleta de gente que realiza diversas actividades. Las ventanas de las casas también están llenas de curiosos, lo que subraya el carácter comunitario del acontecimiento. En medio de la multitud aparece un buey, símbolo de la diversidad del mercado y de la mezcla de las distintas facetas de la vida. Los colores vivos de las ropas de los personajes, especialmente los rojos vibrantes, destacan sobre el cielo nublado azul oscuro y los tonos más oscuros de la arquitectura y el suelo. Este contraste crea un efecto visual dramático que acentúa el carácter festivo y algo desordenado de la escena. El espectador se siente atraído por la vida vibrante y los festejos.

Valorac. 8 000 - 16 000 EUR

Lote 7 - Leonello Spada Bolonia 1576 - 1622 Parma, atribuido Susana bañándose Óleo sobre lienzo, revestido 161 x 123 cm, con marco 177 x 140 cm Antigua etiqueta de exposición en el reverso Leonello Spada fue un pintor italiano de Bolonia que se estableció como destacado sucesor de Caravaggio. Spada se formó inicialmente con los hermanos Carracci, que ejercieron una gran influencia en el movimiento barroco. El encuentro de Spada con el estilo revolucionario de Caravaggio durante su estancia en Roma tuvo un impacto duradero en su dirección artística. Las obras de Spada se caracterizan a menudo por intensos contrastes de luces y sombras, composiciones dinámicas y un marcado sentido del realismo, rasgos característicos de la influencia de Caravaggio. El cuadro muestra el importante tema del baño de Susana y representa la historia bíblica de Susana del Libro de Daniel. En esta historia, Susana, una mujer virtuosa y hermosa, se está bañando en su jardín cuando se le acercan dos ancianos que se han escondido para observarla. Cuando rechaza sus insinuaciones, la acusan falsamente de adulterio, lo que la lleva a juicio. Sin embargo, el joven profeta Daniel interviene, demuestra su inocencia y condena a los ancianos. En la representación de Spada, Susana está en primer plano, con su figura desnuda parcialmente de espaldas al espectador, en un gesto de vergüenza y angustia. Sus gestos dramáticos y su rostro expresivo transmiten su conmoción y miedo al intentar cubrirse y escapar de los hombres al mismo tiempo. Los dos hombres mayores de la esquina superior izquierda de la composición la miran desde detrás de una valla, con sus siniestras intenciones claras en su lenguaje corporal y sus expresiones faciales. El escenario es un jardín vallado, que simboliza tanto la intimidad de Susanna como la invasión de esa intimidad por los ancianos intrusos. Un árbol al fondo añade profundidad a la composición y sirve de barrera natural, reforzando el carácter cerrado e íntimo de la escena. El contraste entre la inocencia y pureza de Susanna y la naturaleza depravada y depredadora de los ancianos queda claramente subrayado por el hábil uso que Spada hace de las luces y las sombras, que atraen la atención del espectador hacia las figuras centrales y su interacción. El dominio de Spada de las técnicas de Caravaggio es evidente en el naturalismo de las figuras y la intensidad dramática de la escena. La tensión emocional y los temas morales de la virtud y el vicio se transmiten con fuerza, haciendo de esta pintura una representación convincente de la historia bíblica y un testimonio de la habilidad artística de Spada.

Valorac. 4 000 - 8 000 EUR

Lote 8 - Girolamo Forabosco Venecia 1605 - 1679 Padua, atribuido Retrato de una noble Óleo sobre lienzo, revestido 128 x 101,5 cm, con bastidor 154 x 128 cm Girolamo Forabosco fue un pintor barroco italiano conocido por sus retratos y composiciones religiosas. Nacido en Venecia, Forabosco recibió la influencia de las ricas tradiciones artísticas de la ciudad, así como de las obras de famosos pintores venecianos como Tiziano y Tintoretto. Forabosco se hizo famoso por su habilidad para captar los rasgos y la expresiva personalidad de sus retratados. Las obras de Forabosco se caracterizan por su atención al detalle, el rico uso del color y el dramático juego de luces y sombras, rasgos clave del estilo barroco. Este retrato muestra a una noble dama que irradia la elegancia y el refinamiento típicos de la aristocracia veneciana. Su cabello rizado está adornado con un pomposo adorno que confiere a su aspecto un toque de grandeza. Unos grandes pendientes enmarcan su rostro, mientras que un moño y una llamativa flor roja en el pelo acentúan su presencia aristocrática. El vestido de la dama es de un delicado color rosa, contrastado por el encaje blanco del escote y las mangas y los ribetes negros. Esto demuestra la meticulosa atención de Forabosco a los detalles de la tela y la moda. El vestido está adornado con cadenas doradas que le dan un toque de opulencia. Con la mano izquierda, sujeta los voluminosos pliegues del vestido, sugiriendo gracia y dinamismo en su pose. Con la mano derecha, se apoya con elegancia en una mesa sobre la que hay un jarrón de aspecto antiguo con un colorido bodegón floral. El fondo del cuadro está oscurecido, creando un fuerte contraste que acentúa la figura iluminada de la modelo. Este fondo oscuro, típico del retrato barroco, sirve para llamar la atención del espectador sobre la digna presencia de la dama y los intrincados detalles de su indumentaria. Una columna estriada detrás de las flores añade un elemento clásico a la composición, indicando tanto el linaje aristocrático como la sofisticación cultural de la modelo. En conjunto, el retrato de Forabosco transmite una sensación del estatus y la personalidad de la retratada a través de la cuidada composición y la riqueza de los detalles.

Valorac. 8 000 - 12 000 EUR

Lote 9 - Nicolas de Largillière París 1656 - 1746 París, atribuido Retrato del Teniente General de los Ejércitos DE COURCY con la Orden de San Luis ex Coll. DE COURCY Óleo sobre lienzo, reentelado 146,5 x 114 cm, con marco 173,5 x 142 cm Titulado en la parte inferior central del marco Nicolas de Largillière fue un importante pintor francés conocido por sus retratos, en los que plasmó la elegancia y la grandeza de la aristocracia y la burguesía francesas. Nació en París y pasó parte de su juventud en Amberes, donde se formó con el pintor flamenco barroco Antoine Goubau. Esta influencia temprana es claramente visible en las composiciones detalladas y coloristas de Largillière. En 1675, Largillière se trasladó a Londres, donde trabajó brevemente con Sir Peter Lely, otro importante retratista de la época. Sin embargo, pronto regresó a París, donde fue admitido en la Académie Royale de Peinture et de Sculpture en 1686. A lo largo de su carrera, se convirtió en el principal retratista de su época en Francia, célebre por su habilidad para impregnar sus obras de colores vivos y luminosos. Entre sus clientes se encontraban miembros de la corte real, la nobleza y ciudadanos prominentes, lo que cimentó su reputación como artista destacado del Barroco francés. En este importante retrato, el teniente general de los Armées de Courcy aparece representado con la grandeza y la autoridad propias de su rango militar. El general está de pie delante de un fondo oscuro, técnica clásica de la Largillière que acentúa la presencia del retratado y resalta su indumentaria. A la izquierda, una columna y un telón dan a la composición un toque de arquitectura clásica y de teatralidad. El teniente general luce una alta peluca gris rizada, símbolo de estatus y sofisticación en la Francia del siglo XVIII. Su toga roja está ricamente bordada en oro, lo que pone de relieve tanto su riqueza como su posición. Sobre esta espléndida vestimenta lleva una coraza, símbolo de su función militar. En la coraza lleva la medalla de la Orden de San Luis, condecoración concedida por un servicio militar ejemplar. Su postura irradia seguridad y mando: tiene la mano izquierda firmemente apoyada en la cadera, lo que le confiere una postura de autoridad. En la mano derecha sostiene un pequeño bastón que apoya en la base de la columna, acentuando aún más su aspecto digno. Los finos detalles de su indumentaria y la cuidada composición reflejan la habilidad de Largillière para representar no sólo el aspecto físico, sino también el carácter y el estatus de sus súbditos.

Valorac. 6 000 - 12 000 EUR

Lote 10 - Hyacinthe Rigaud Perpiñán 1659 - 1743 París Retrato del cardenal André-Hercule de Fleury Óleo sobre lienzo, reentelado 81,5 x 63,5 cm, con marco 95 x 79,5 cm Hyacinthe Rigaud fue un importante pintor francés del Barroco. Demostró un talento excepcional desde muy joven y recibió formación formal de su padre, un modesto retratista. La habilidad de Rigaud pronto atrajo la atención de mecenas influyentes, lo que le convirtió en uno de los retratistas más solicitados de Francia. El estilo de Rigaud se caracterizaba por una meticulosa atención al detalle, ricos colores y magníficas composiciones, que reflejaban la opulencia y el esplendor de la corte francesa. Sus retratos a menudo representaban a aristócratas, clérigos y otras figuras prominentes, cuya estatura y personalidad captaba con notable precisión. Una obra notable es el retrato del cardenal André-Hercule de Fleury (Lodève 1653 - 1743 París). Fue un cardenal y primer ministro francés que dirigió el gobierno del rey Luis XV de 1726 a 1743. Sobre un fondo oscuro, el cardenal Fleury está representado con un hábito blanco decorado con intrincados detalles y complementado con una capa y un tocado de color rojo vivo. Mira al espectador con una cálida sonrisa que irradia confianza y sabiduría e irradia una suave autoridad. Los voluminosos ropajes que viste el cardenal acentúan su aura majestuosa y le envuelven en un aire de señorial esplendor. El hábil uso de luces y sombras confiere al retrato profundidad y dimensión, así como una sensación de dinamismo y vitalidad. Este cuadro, repetición de gran calidad de una obra anterior de Rigaud de 1730, conservada en la Wallace Collection (P130), de su puño y letra, es un ejemplo de la maestría del artista en el retrato y de su capacidad para captar la esencia de sus retratados con una delicadeza sin igual. A través de su arte, Rigaud inmortaliza al cardenal Fleury e invita al espectador a contemplar el legado perdurable de esta influyente figura de la historia de Francia.

Valorac. 4 000 - 8 000 EUR

Lote 11 - Pintor italiano Siglo XVI / XVII Virgen en una ventana Óleo sobre lienzo, revestido 95 x 78 cm, con marco 116 x 97 cm Dos etiquetas en el reverso Este cuadro de un pintor italiano de hacia 1600 ofrece una cautivadora visión de la vida doméstica durante el Barroco. La escena representa un tierno momento entre una madre y su hijo lactante. La mujer acuna al niño junto a su pecho con una mirada llena de afecto maternal. Junto a la madre y el niño, una ventana baña la habitación con una suave luz. Un anciano se asoma por la ventana, absorto en un libro, y sus dedos pasan suavemente la página. Esta yuxtaposición de cuidados domésticos y esfuerzo académico crea una rica narrativa que sugiere la coexistencia armoniosa del amor familiar y la curiosidad intelectual. En primer plano, un bodegón de frutas y deliciosos manjares añade profundidad y textura a la composición. Esta yuxtaposición de domesticidad e indulgencia enriquece aún más la composición y evoca temas de opulencia y los placeres de la vida cotidiana. En el fondo, elementos arquitectónicos como columnas y una cortina drapeada aluden a influencias clásicas y confieren a la escena una sensación de atemporalidad y elegancia. Estos ornamentos antiguos sirven de telón de fondo al cuadro íntimo que se desarrolla en primer plano, reforzando la impresión general de armonía y equilibrio de la composición. Con una pincelada hábil y una gran atención al detalle, el pintor italiano capta la esencia de la vida doméstica en la época barroca e invita al espectador a sumergirse en un mundo de tranquila belleza y discreta sofisticación.

Valorac. 4 000 - 6 000 EUR

Lote 12 - Maestro del sur de Europa Siglo XVII San Daniel Óleo sobre cobre 33 x 23,5 cm, con marco 45,5 x 36 cm Etiquetado "Portugau" en el reverso San Daniel es una figura prominente de la Biblia, conocida por su fe inquebrantable y su supervivencia en el foso de los leones. La historia del Libro de Daniel narra la resistencia de Daniel al decreto del rey Darío que prohibía rezar a cualquier dios u hombre que no fuera el rey. Por su desobediencia, Daniel fue arrojado al foso de los leones. Milagrosamente, permaneció ileso durante toda la noche, protegido por un ángel enviado por Dios. Este acontecimiento subraya la piedad de Daniel y el poder de Dios, y lo convierte en un símbolo de la fe y la liberación divina. Un cuadro de un maestro del sur de Europa del siglo XVII, posiblemente de Portugal, representa este episodio milagroso de manera representativa, utilizando varios motivos iconográficos. El cuadro muestra al joven Daniel de pie, confiado, entre dos leones que yacen sumisos a sus pies. El fondo es un paisaje pintoresco, accidentado y montañoso, pintado bajo un cielo que se difumina en tonos rosas, amarillos y azules, dando a la escena una sensación de sereno crepúsculo. Dos pequeñas figuras -una de ellas un ángel- descienden desde la parte superior derecha, y su presencia indica la intervención divina. Daniel, vestido con una larga túnica bordada, un manto rosa y un turbante a juego, mira a estos seres celestiales con una mirada de serena confianza. Un halo rodea su cabeza y acentúa su santidad. En su mano derecha sostiene una banderola con la inscripción "Sanctus Daniel Profecta", que se traduce como "San Daniel Profeta". Sin embargo, la relación entre San Daniel y Portugal se remonta a la integración cultural y religiosa de las figuras bíblicas en el arte portugués. Portugal, con su arraigada tradición católica, a menudo adoptaba santos de historias bíblicas y los honraba por su fe ejemplar y los milagros asociados a ellos. La representación de San Daniel en el arte portugués podría reflejar la admiración del país por su historia y subrayar los temas de la protección divina y la fidelidad que resonaban profundamente en el contexto religioso portugués. Esta pintura no sólo demuestra la habilidad artística de su creador, sino que también sirve como testimonio de la influencia duradera de las historias bíblicas a través de diferentes culturas y épocas. También ilustra cómo la historia de San Daniel sigue inspirando y cautivando a los creyentes.

Valorac. 2 000 - 4 000 EUR

Lote 13 - Cristo con los eruditos Flamenco, siglo XVII Óleo sobre tabla de roble artesonada 56 x 90 cm, con marco 75 x 105 cm Este cuadro, realizado por un pintor flamenco en el siglo XVII, representa vívidamente la escena bíblica de Jesús entre los eruditos. La composición introduce al espectador en la escena a través de una figura clerical que dialoga con un noble situado en el extremo derecho. Esta interacción acentuada constituye el contrapunto de Cristo, que se sitúa en el centro, en el extremo izquierdo. Entre estos dos puntos focales se desarrolla una dinámica reunión de personajes sentados y oyentes a caballo, que parecen escuchar atentamente a Jesús. La escena se desarrolla en un paisaje idílico, con árboles oscuros de ricos tonos verdes y marrones, que crean una atmósfera tranquila y contemplativa. La parte izquierda del cuadro, detrás de Cristo, se abre a un cielo nublado. Cristo gesticula hacia el grupo que le rodea, subrayando su papel de maestro y figura central. Lo que más llama la atención de este cuadro son los vivos colores rojos, que destacan sobre la paleta de colores, por lo demás apagada. El manto de Cristo y el vestido del noble, así como las plumas de su sombrero, están pintados en brillantes tonos rojos, que llaman la atención del espectador. El uso de este color subraya la importancia de las figuras y confiere a la composición un contraste dinámico. La atención al detalle y la habilidad del artista para contar una historia a través del color y la composición reflejan el énfasis del estilo barroco flamenco en el realismo dramático y el compromiso emocional. Este cuadro no sólo capta un momento de profunda enseñanza, sino que también invita al espectador a sumergirse en la rica interacción entre las figuras y el sereno paisaje.

Valorac. 200 - 400 EUR

Lote 38 - Bernard Picart París 1673 - 1733 Amsterdam La milagrosa migración de los peces de San Pedro 1713 Interpretación según Rafael Urbino 1483 - 1520 Roma Pluma lavada en grisalla Lámina 32,3 x 43 cm, con marco 48 x 57 cm Inscripción, firma y fecha abajo a la derecha: "dessigné par B. Picart d'après Raphaele d'Urbine 1713". Bernard Picart, importante grabador y pintor francés del siglo XVIII, fue conocido por su versatilidad y sus imaginativas reinterpretaciones de temas clásicos. Picart se formó con su padre y más tarde estudió con Sébastien Leclerc. Se instaló en Ámsterdam, donde se convirtió en una figura destacada del mundo del grabado y la ilustración, conocido por su atención al detalle y sus composiciones innovadoras. Una de las obras notables de Picart es un cuadro que representa la Milagrosa pesca de los peces, inspirado en la famosa representación de Rafael del mismo acontecimiento bíblico en los cartones para tapices (Royal Collection Trust, RCIN 912944). La historia del Evangelio de Lucas narra el momento en que Jesús, después de dar instrucciones a la multitud desde la barca de Simón Pedro, le dice a éste que eche las redes en aguas profundas. A pesar de no haber pescado nada en toda la noche, Pedro obedece y pesca milagrosamente un número abrumador de peces, símbolo de la abundancia de la gracia divina y de la llamada de los apóstoles. En la interpretación libre de Picart, la escena se escenifica mediante una composición rica y dinámica. En primer plano se ve la orilla, donde un grupo de hombres, a la izquierda, gesticulan animadamente, posiblemente discutiendo sobre el acontecimiento milagroso que se desarrolla ante ellos. En el centro, las mujeres, que parecen haber ido a buscar agua, están sentadas con los niños; una mujer parece dormida y es despertada suavemente por otra. Esta inclusión de la vida cotidiana añade humanidad y realismo a la escena. A la derecha, el tocón de un árbol y la vegetación que lo rodea confieren a la composición un aspecto natural. La firma de Picart está hábilmente integrada en este elemento y marca su autoría. El fondo central muestra el río con dos barcas; Cristo está sentado en la barca de la izquierda y hace un gesto hacia una figura arrodillada, Simón Pedro, que se encuentra frente a él. Detrás de Cristo hay un remero, que subraya la presencia divina y la reacción humana. En la otra barca se ve a dos hombres recogiendo la red llena de peces, mientras otro remero está sentado, simbolizando el esfuerzo y el asombro ante la pesca milagrosa. Al fondo se ve una ciudad amurallada con varias figuras en distintas posiciones, lo que añade profundidad y contexto a la narración. El cielo está adornado con nubes y pájaros volando, lo que añade naturalismo a la escena. El cuadro de Picart capta la esencia del milagro bíblico al tiempo que aporta su visión artística única, mezclando lo sagrado con lo cotidiano y demostrando su talento para las composiciones vívidas y cautivadoras.

Valorac. 200 - 400 EUR

Lote 44 - Nicolas Bernard Lépicié París 1735 - 1784 París Retrato de una noble Óleo sobre lienzo, reentelado 61,5 x 50 cm, con bastidor 76 x 65 cm Nicolas Bernard Lépicié, importante pintor francés del siglo XVIII, nació en el seno de una familia de artistas. Siguió los pasos de su padre François Bernard Lépicié, célebre grabador, y desde muy joven dio muestras de un notable talento. Aprendió de los principales artistas de su época, donde pudo perfeccionar sus habilidades y desarrollar su inconfundible estilo. La obra de Lépicié abarca diversos géneros, como el retrato, la pintura histórica y las escenas de género. Sus obras se caracterizan por la delicadeza de su pincelada, el sutil uso de las luces y las sombras y la meticulosa atención a los detalles. Reflejan la elegancia y el refinamiento del rococó francés. Este notable retrato de una joven dama de la nobleza demuestra la maestría artística del género. Su cabello negro recogido cae en suaves ondas hasta las orejas, enmarcando un rostro de ojos castaños claros que irradian calidez e inteligencia. Lleva un suntuoso vestido azul, cuyos voluminosos pliegues e intrincados detalles realzan su grácil silueta. Un detallado escote con volantes adorna su escote y añade un toque de sofisticación a su atuendo. El abrigo de la dama, bordado con delicadas flores a lo largo de las costuras, acentúa la riqueza de su atuendo e insinúa su estatus acomodado y su gusto exquisito. Sobre un fondo gris abstracto, la figura destaca con una presencia cautivadora, su mirada tranquila pero enigmática, invita al espectador a reflexionar sobre los misterios de su mente. A través de su arte, el artista inmortaliza la belleza y la elegancia de la aristocracia francesa e invita al espectador a sumergirse en el esplendor del periodo rococó.

Valorac. 4 000 - 8 000 EUR

Lote 46 - Martin van Meytens Estocolmo 1695 - 1770 Viena, atribuido El emperador José II de niño Hacia 1750 Óleo sobre tabla 107 x 70 cm, con marco 115 x 76 cm Martin van Meytens, nacido en Estocolmo en 1695, fue un renombrado pintor sueco-austriaco célebre por sus refinados retratos. Tras estudiar en París, Londres e Italia, Meytens se estableció en Viena, donde se convirtió en pintor de la corte de la emperatriz María Teresa. Su estilo evolucionó del barroco al rococó, marcado por una meticulosa atención al detalle y la habilidad para captar la elegancia y personalidad de sus retratados. La obra de Meytens contribuyó significativamente a la documentación visual de la corte de los Habsburgo, lo que le convirtió en una figura fundamental del arte europeo del siglo XVIII. Este notable cuadro representa al emperador José II de niño, reflejando la importancia de su nacimiento y primeros años. En este retrato, el joven José II se muestra seguro de sí mismo con una chaqueta roja e irradia una compostura regia. En su mano izquierda sostiene un bastón, símbolo de su futura autoridad, mientras que la derecha descansa sobre su cadera, sugiriendo confianza en sí mismo y nobleza. La lujosa indumentaria que viste, ejecutada con meticulosa precisión, subraya su estatus real. José II, nacido en 1741, era el tan esperado heredero al trono de los Habsburgo, por lo que su nacimiento fue un acontecimiento trascendental. Hijo mayor de María Teresa y Francisco I, emperador del Sacro Imperio Romano Germánico, estaba destinado a desempeñar un papel decisivo en la política europea. Su nacimiento se celebró en todo el territorio de los Habsburgo y se encargaron numerosos retratos de su infancia para resaltar su importancia y promover la continuidad de la dinastía. La difusión de imágenes de José II de niño tenía varios objetivos. Apuntalaban la legitimidad y estabilidad de la sucesión de los Habsburgo, transmitían la imagen de una dinastía fuerte y estable y preparaban al público para su posterior ascenso al poder. El retrato contribuyó a esta narrativa con su atención al detalle y su regia representación, retratando a José II no sólo como un niño, sino como un futuro emperador que encarnaba los valores y responsabilidades de su linaje. José II subió al trono en 1765 y su reinado estuvo marcado por importantes reformas destinadas a modernizar el imperio, promover los ideales de la Ilustración y aumentar la eficacia de la administración. Su importancia en la historia europea queda patente en sus esfuerzos por centralizar el Estado y en sus intentos de introducir cambios de gran calado en la educación, el derecho y la sociedad. Este cuadro es un testimonio de la habilidad del pintor para captar tanto la semejanza del personaje como su significado simbólico, asegurando que el legado de los Habsburgo fuera celebrado visualmente y preservado para la posteridad.

Valorac. 2 000 - 4 000 EUR

Lote 56 - Giovanni Battista Tiepolo Venecia 1696 - 1770 Madrid, atribuido Bozzetto de la Asunción de la Virgen Fresco en el Oratorio de la Pureza, Udine Dibujo a pluma y tinta sobre papel 25 x 15,5 cm, con marco 36,7 x 29,5 cm Giovanni Battista Tiepolo fue uno de los pintores italianos más importantes del siglo XVIII. Conocido por su vibrante paleta de colores, sus composiciones dinámicas y su magistral uso de la luz, Tiepolo se convirtió en una figura destacada del periodo rococó. Estudió con Gregorio Lazzarini y desarrolló rápidamente un estilo distintivo que combinaba una narrativa dramática con un toque ligero y ligero. Sus obras incluyen magníficos frescos, retablos y numerosos dibujos que influyeron notablemente en el mundo del arte de su época. Esta exquisita obra es un dibujo a tinta acuarelada que representa un bozzetto de la Asunción de María. En este boceto preparatorio, María está representada en el centro; su figura es elevada graciosamente por un grupo de ángeles voladores. Un ángel más grande que la conduce hacia arriba subraya la asistencia divina en su Asunción. Las líneas fluidas características de Tiepolo y las delicadas pinceladas de color transmiten una sensación de movimiento y ligereza etérea, capturando el momento trascendental con delicadeza. Debajo de María está sentado un hombre, posiblemente Cristo, que indica la meta celestial con un gesto hacia arriba. A su lado, dos putti sostienen un bastón, subrayando la narración sagrada y la jerarquía celestial de la escena. A la derecha, un personaje reza al cielo, tal vez en representación de la persona que encargó el cuadro. Esta inclusión no sólo personaliza la obra de arte, sino que también refleja el aspecto devocional del encargo. Este bozzetto demuestra la capacidad del artista para transmitir temas teológicos complejos con claridad y gracia. La composición, caracterizada por una dinámica interacción de figuras y gestos expresivos, ilustra la maestría del artista a la hora de traducir acontecimientos espirituales a una forma visual.

Valorac. 1 000 - 2 000 EUR

Lote 76 - Anne-Louis Girodet de Roussy-Trioson Montargis 1767 - 1824 París Hoja de estudio para el importante cuadro Revolución del Caire, 21 de octubre de 1798 (1810) Carboncillo y tiza sobre papel, montado 43 x 50 cm, con cartón 57 x 63,8 cm Firmado y fechado en 1809 abajo a la izquierda Castillo de Versalles, MV 1497 Anne-Louis Girodet de Roussy-Trioson fue una importante pintora neoclásica conocida por su meticulosa atención al detalle y su capacidad para transmitir una emoción dramática. Se formó con el célebre artista Jacques-Louis David y pronto obtuvo reconocimiento por su estilo distintivo, que combinaba ideales clásicos con un toque romántico. Las obras de Girodet incluían a menudo temas históricos y mitológicos, y era célebre por su habilidad técnica y sus composiciones innovadoras. Una de las obras más importantes de Girodet es "Révolte du Caire, 21 de octubre de 1798", una pintura épica que conmemora la represión francesa de un levantamiento en El Cairo durante la campaña egipcia de Napoleón (Castillo de Versalles, MV 1497). Más de diez años después de esta sublevación, Napoleón encargó a Girodet la representación de este episodio. Bonaparte quería organizar el país y, entre otras cosas, crear un consejo de habitantes para distribuir mejor el impuesto territorial. Sin embargo, unos meses más tarde los habitantes de El Cairo se sublevaron. Los franceses se armaron y marcharon contra los rebeldes. Aquí se muestra el momento, en medio de la tumultuosa batalla, en que los franceses, que habían entrado en la mezquita de Al-Azhar, se enfrentaron a los rebeldes. Varios cientos de soldados franceses y varios miles de egipcios perdieron la vida en esta batalla. Un estudio preparatorio para esta obra monumental, realizado en carboncillo y tiza sobre papel y firmado y fechado en 1809 (un año antes de la finalización de la obra mayor en 1810), se centra en dos de las figuras centrales de esta composición mayor y capta un momento de intenso dramatismo y acción. Muestra al esclavo sirviente moro, una figura masculina de piel oscura y desnuda, en una pose dinámica y diagonal, con la mano derecha levantada y blandiendo un sable curvo en gesto defensivo. El hombre se muestra poderoso y decidido, con su musculoso cuerpo al descubierto mientras otra figura le agarra de la capa. Sus ojos muy abiertos y su expresión concentrada transmiten una sensación de urgencia y alerta mientras mira a su izquierda, donde una figura desconocida representa una amenaza. Con el brazo izquierdo, el hombre sujeta la figura inconsciente del herido Mamluk-Bey, un miembro de élite de la clase militar egipcia, vestido con lujosas ropas de piel, turbante y daga. La postura y la indumentaria del hombre inconsciente contrastan con la postura atenta y defensiva de su salvador y subrayan la tensión y el caos del momento, acentuados por la puesta en escena piramidal del grupo de figuras. En el cuadro original, este grupo central de personajes se sitúa en el extremo derecho, con un húsar francés que se precipita hacia ellos con una espada, acentuando aún más la impresión general de conflicto y urgencia de la escena. El estudio preparatorio de Girodet no sólo demuestra su habilidad para captar la anatomía humana y la emoción, sino que también proporciona una visión cautivadora de su meticuloso proceso de planificación y composición de sus obras más grandes. Se sabe que a Girodet le fascinaban los estudios de vestuario y que realizó numerosos estudios para este encargo, para el que no disponía de material documental, más que para cualquier otro encargo de su carrera. Este bozzetto es un testimonio del talento de Girodet para transmitir la intensidad narrativa y el dinamismo físico a través de su magistral uso del carboncillo y la tiza. Las superficies cuidadosamente sombreadas de los ropajes son comparables a las del húsar cargando en otro estudio del mismo cuadro (MET 2011.86). Sin embargo, lo que destaca en este estudio son los acentos blancos que Girodet utiliza para dar textura y profundidad a la representación. Los contemporáneos afirman que pintó el cuadro de noche a la luz de las lámparas. Los dramáticos efectos de claroscuro se expresan en brillos que resaltan los músculos de la figura en lucha y añaden un toque de realismo y extravagancia a las telas de la ropa del desmayado.

Valorac. 6 000 - 8 000 EUR

Lote 77 - Giovanni Paolo Pannini Piacenza 1691 - 1765 Roma, atribuido José vendido por sus hermanos Óleo sobre lienzo, reentelado 72,5 x 98 cm, con bastidor 97 x 112,5 Inscripción en el reverso Giovanni Paolo Pannini fue un famoso pintor y arquitecto italiano del Barroco. Se formó inicialmente en su ciudad natal antes de trasladarse a Roma, donde cosechó un gran éxito y se convirtió en una de las principales figuras de la escena artística romana. Las obras de Pannini se caracterizaban por su minuciosidad y su hábil uso de la perspectiva, lo que le valió un amplio reconocimiento y el mecenazgo de destacadas personalidades de su época. Este cuadro representa una escena de la historia bíblica de José vendido por sus hermanos. Con unas antiguas ruinas como telón de fondo, el cuadro capta el dramático momento con impresionante realismo y profundidad emocional. En primer plano, el joven José está de pie frente a un pozo, su figura se caracteriza por la vulnerabilidad y la inocencia, en marcado contraste con las caras intrigantes de sus hermanos, que se sientan a la izquierda. Las ruinas circundantes, a modo de fantasía arquitectónica de un capriccio, incluido un arco monumental con fragmentos de un templo y altísimas columnas jónicas, transmiten la sensación de fugacidad del esfuerzo humano. En la parte derecha del cuadro hay un grupo de personas a caballo y con camellos, presumiblemente intentando comprar a José. Su presencia confiere a la escena un aspecto de urgencia y fatalidad inminente, ya que el destino del muchacho pende de un hilo. A lo lejos, un paisaje montañoso se extiende, evocando conmovedoramente la inmensidad del mundo más allá de los límites del momento. La magistral composición y su meticulosa atención al detalle dan vida a la historia bíblica e invitan al espectador a reflexionar sobre temas como la traición, la redención y la complejidad de la naturaleza humana. Mediante una hábil pincelada y un profundo conocimiento de la luz y el espacio, el artista crea una obra maestra atemporal que sigue cautivando al público siglos después de su creación.

Valorac. 4 000 - 8 000 EUR

Lote 78 - Pintor desconocido Siglo XVIII/XIX Plaza de San Marcos, Venecia Óleo sobre lienzo, revestido 60 x 80 cm, con bastidor 74 x 93,5 cm Estado: lienzo algo abollado Este cuadro muestra una pintoresca representación de la Plaza de San Marcos de Venecia, una de las plazas públicas más conocidas y famosas del mundo. La escena presenta varios hitos arquitectónicos y culturales importantes en un ambiente idílico y romántico. En el centro de la escena se encuentra la Torre dell'Orologio (Torre del Reloj), parte esencial del horizonte veneciano. Esta estructura renacentista fue construida a finales del siglo XV y alberga un notable reloj astronómico. La torre está adornada con numerosos detalles que reflejan su importancia histórica y la meticulosa artesanía de la época. Justo al lado de la Torre dell'Orologio se encuentra la majestuosa Basílica di San Marco. La basílica es conocida por su opulento diseño, sus impresionantes mosaicos y su arquitectura bizantina. El artista capta la grandeza de la basílica y añade un toque de profundidad histórica y riqueza cultural al cuadro. En primer plano, pequeñas casetas de mercado se reparten por la plaza, indicando una bulliciosa actividad comercial que complementa el esplendor de la arquitectura circundante. Estas casetas añaden a la escena un nivel de vida cotidiana que contrasta con las estructuras permanentes y monumentales. La plaza también está poblada por varias figuras, cada una dedicada a actividades diferentes que animan la escena. Entre ellas hay dos perros que deambulan tranquilamente por la plaza. Estas figuras añaden encanto al cuadro. La paleta de colores del cuadro está dominada por tonos tierra y beige-marrón, que transmiten una sensación de calidez y nostalgia. Destaca el cielo, con sus románticas nubes amarillas sobre un fondo azul claro. Esta elección de colores crea una atmósfera idílica que confiere a la escena un carácter sereno e intemporal. Este cuadro de la Plaza de San Marcos capta perfectamente la esencia de la vida y la arquitectura venecianas. A través de la cuidadosa representación de los monumentos, las animadas figuras y el armonioso uso del color, el artista transmite tanto el esplendor como la vitalidad cotidiana de Venecia.

Valorac. 2 000 - 4 000 EUR

Lote 79 - Artista clasicista Vista de Estocolmo Hacia 1800/50 Óleo sobre lienzo 157 x 158 cm, con marco 182 x 183 cm Titulado "Estocolmo" abajo a la izquierda Este cuadro muestra una vista de Estocolmo con el Palacio Real en la isla de la Ciudad Vieja (Gamla Stan) y capta el encanto de la capital sueca en una época de grandes cambios y desarrollo. Destaca la belleza arquitectónica de la ciudad medieval, rodeada por las aguas del lago Mälaren y el mar Báltico. La escena muestra el llamativo monumento y obra maestra arquitectónica del Palacio Real (Kungliga slottet), que es uno de los edificios barrocos más importantes de Escandinavia, así como los edificios históricos de las estrechas calles adoquinadas de Gamla Stan. También podrá contemplar el ajetreo del puerto, con barcos y botes surcando las vías fluviales, reflejo de la vibrante cultura comercial y marítima de la ciudad. Este periodo se caracterizó por una mezcla de antiguas estructuras medievales y edificios más recientes del siglo XIX, que muestran la evolución de Estocolmo desde un bastión histórico hasta un centro urbano en proceso de modernización. El artista clasicista capta el juego de luces y sombras con un cielo romántico para subrayar la atmósfera tranquila pero dinámica de la ciudad. Los personajes en primer plano animan aún más la escena. En conjunto, el cuadro sirve de documento histórico y ofrece una narración visual del paisaje urbano de Estocolmo y su transformación a lo largo de los siglos.

Valorac. 4 000 - 8 000 EUR

Lote 80 - Artista clasicista Vista de San Petersburgo Hacia 1800/50 Óleo sobre lienzo 157 x 158 cm, con marco 182 x 183 cm Titulado "San Petersburgo" abajo a la izquierda Este cuadro del siglo XIX representa una vista de San Petersburgo y capta el esplendor y la magnificencia arquitectónica de la capital imperial de Rusia. La escena muestra monumentos destacados como la catedral de San Isaac, el Jinete de Hierro y el puente Blagoveshchensky. La catedral de San Isaac, al fondo, domina el horizonte con su enorme cúpula. Es una de las catedrales más grandes del mundo y simboliza la ambición arquitectónica y la importancia religiosa de la ciudad. El artista inmortalizó la intrincada fachada de la catedral, sus columnas neoclásicas y la plaza circundante con su bullicio. En el centro se encuentra el Jinete de Honor de la Plaza del Senado, una icónica estatua del zar Pedro el Grande, que se alza majestuosa sobre un zócalo de granito. Encargado por Catalina la Grande, el monumento simboliza el poder y la visión del Imperio Ruso. La postura dinámica de la estatua, con Pedro sobre un caballo encabritado, refleja el espíritu de progreso e ilustración que trajo a Rusia. El Puente Blagoveshchensky o Puente de la Anunciación, en primer plano, el primer puente permanente sobre el Neva, pretende ilustrar la proeza técnica de la ciudad. Terminado en 1850, el puente de hierro fundido conecta la isla Vasilievsky con el continente y simboliza el progreso técnico de la época. El cuadro refleja la vibrante vida del San Petersburgo del siglo XIX, con carruajes, peatones y barcos en el Neva, demostrando el estatus de la ciudad como importante centro cultural y económico. El hábil uso de las luces y las sombras sobre un cielo romántico subraya la opulencia y el dinamismo de la escena, y ofrece una visión de la vida cotidiana y la arquitectura monumental de una de las grandes ciudades europeas.

Valorac. 4 000 - 8 000 EUR

Lote 82 - Muere Christoph Albert Hannover 1755 - 1822 Viena Paisaje pastoral Óleo sobre lienzo, revestido 130,5 x 168 cm, con bastidor 142 x 179 cm Firma borrada y pegada en el reverso Etiqueta en el reverso: "A petición del cónsul Weiss, el cuadro de A. C. Dies, muy deteriorado, fue recortado de 300 x 250 cm a 163 x 167 cm en 1803. La firma se encontraba antes en el borde inferior derecho del cuadro grande y ahora se ha trasplantado al reverso del bastidor". 20. VI. 1962" Albert Christoph Dies fue un pintor y grabador alemán conocido por sus paisajes pastorales y composiciones clásicas. Nacido en Hannover (Alemania), Dies estudió con el conocido artista Jakob Philipp Hackert. Sus viajes por Italia, especialmente Roma, influyeron en los comienzos de su carrera, en la que exploró las tradiciones de la pintura de paisaje. Finalmente se instaló en Viena, donde ingresó en la Academia de Bellas Artes. Adquirió gran renombre por sus pinturas de paisajes, que a menudo representaban escenas serenas e idílicas. Se inspiraba en la belleza de la naturaleza que encontraba en sus viajes. Además de pintor, Dies también fue un hábil grabador, lo que demuestra su versatilidad y profundidad artística. Esta pintura de Albert Christoph Dies muestra un idílico paisaje pastoral que demuestra su atención al detalle. En el primer plano, a la izquierda, se alza un árbol majestuoso, cuyas ramas se extienden y dan sombra a la familia de pastores que está debajo. Este árbol introduce al espectador en el paisaje y, al mismo tiempo, transmite una sensación de grandeza y profundidad. La familia de pastores representada con su rebaño parece relajada y personifica la armoniosa relación entre el hombre y la naturaleza, característica de las escenas pastorales. El pastor y sus perros cuidan del rebaño mientras la madre se ocupa de sus hijos. En el centro, los tejados y la torre de la iglesia de un pintoresco pueblo sobresalen del paisaje, añadiendo un elemento humano al entorno natural. La torre de la iglesia, en particular, sirve de punto focal, dirigiendo la mirada del espectador al corazón del pueblo y transmitiendo un sentimiento de comunidad. Detrás del pueblo, el cielo se refleja en un lago cuyas tranquilas aguas parecen extenderse hasta el horizonte. El fondo está dominado por majestuosas montañas cuyos picos se elevan hacia el cielo y confieren a la escena un aire de grandeza. El juego de luces y sombras sobre las montañas crea un contraste dinámico que realza el conjunto de la composición. El uso del color y la luz en este cuadro es especialmente notable. Los tonos terrosos y cálidos evocan una sensación de paz y atemporalidad, mientras que la cuidadosa representación de los elementos naturales, desde la textura de la corteza de los árboles hasta los picos nevados de las montañas, demuestra su habilidad técnica y su capacidad de observación.

Valorac. 4 000 - 8 000 EUR
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