DROUOT
jueves 04 jul a : 15:00 (CEST)

ARTE DE POSGUERRA Y CONTEMPORÁNEO

Aguttes - +33147455555 - Email CVV

164 bis, avenue Charles-de-Gaulle 92200 Neuilly-sur-Seine, Francia
Información Condiciones de venta
Live
Inscribirse en la subasta
116 Resultados

Lote 5 - OLIVIER DEBRÉ (1920-1999) - Blanche de Loire au trait bleu sombre, Touraine, 1984 Óleo sobre lienzo, firmado, fechado y titulado al dorso 100 x 100 cm - 39 23/64 x 39 23/64 pulg. Óleo sobre lienzo, firmado, fechado y titulado en el reverso Se entregará al comprador un certificado de autenticidad del Comité Olivier Debré. PROCEDENCIA Galerie Convergence, Nantes, 1999 Colección privada, Nantes Olivier Debré es uno de los máximos exponentes de la abstracción lírica en Francia. Nieto del pintor Edouard Debat-Ponsan, recibió una verdadera conmoción artística en 1937, cuando vio el Guernica de Picasso. Esta influencia fue decisiva para el artista, que abandonó el arte figurativo para dedicarse a la expresión abstracta del signo, vehículo de emociones y pensamiento. Tras licenciarse en la Escuela de Bellas Artes de París en 1938, parecía destinado a la arquitectura. Sin embargo, fue en la pintura donde expresaría su genio plástico. Su cultura artística le llevó a explorar el campo del Impresionismo, mientras su estilo evolucionaba hacia el desarrollo de superficies coloreadas de mayor tamaño, lo que le convirtió en el primer representante de la abstracción gestual. La poesía de su obra reside en una inmersión arrullada por los colores de sus peregrinaciones. Hábil mezcla de espacio y luz, el estilo de Olivier Debré es la expresión de un sentimiento, de una emoción, que asocia a un momento concreto. De este modo, el horizonte de sus obras se extiende más allá de la gama cromática que plasma en cada uno de sus cuadros. Aquí, las dos obras presentadas revelan los matices prácticamente monocromáticos elegidos por el artista para explorar el espacio del lienzo. A través de los fríos matices de la paleta de Olivier Debré, el espectador se sumerge en la contemplación del inmenso detalle que tiene ante sí. El estilo del pintor es una síntesis de su dominio del color, apuntalado por la oscilación de las capas de pintura depositadas sobre el lienzo, multiplicada por diez por el formato de sus obras. Como un "Rothko europeo", Olivier Debré no puede dejar indiferente al ojo perspicaz, suscitando la emoción a través del gesto. Representante de la abstracción lírica, Olivier Debré es un importante pintor francés. Nieto del pintor Edouard Debat-Ponsan, en 1937 recibe una verdadera conmoción artística ante el Guernica de Picasso. Esta influencia será decisiva para el artista, que abandonará la figuración para consagrarse a la expresión abstracta del signo, vector de emociones y pensamiento. Diplomado por la Escuela de Bellas Artes de París en 1938, parecía prometérsele una carrera de arquitecto. Sin embargo, es en la pintura donde expresará su genio plástico. Su cultura artística le hace explorar el campo del impresionismo mientras su estilo evoluciona en la elaboración de grandes superficies coloreadas, lo que le convierte en el primer representante de la abstracción gestual. La poesía de su obra reside en una inmersión mecida por los colores de sus peregrinaciones. Mezcla inteligente de espacio y luz, el estilo de Olivier Debré es la expresión de un sentimiento, de una emoción, que asocia a un momento concreto. Así, el horizonte de sus obras va más allá de la gama cromática que plasma en cada uno de sus cuadros. Aquí, las dos obras presentadas revelan los tonos prácticamente monocromáticos elegidos por el artista para explorar el espacio del lienzo. A través de los tonos fríos de la paleta de Olivier Debré, el espectador se sumerge en la contemplación del inmenso detalle que tiene ante sí. Su estilo es una síntesis de su dominio de los colores, apoyado por la oscilación de los espesores sobre el lienzo, que decuplica el formato de sus obras. Como un "Rothko europeo", Olivier Debré no deja indiferente a un ojo atento, suscitando la emoción a través del gesto.

Valorac. 25 000 - 35 000 EUR

Lote 6 - BEN VAUTIER (1935 - 2024) - Para el grupo Zero, 1990 Acrílico sobre lienzo firmado abajo a la derecha, refrendado y fechado al dorso, y colgando un sonajero de plástico 42 x 16 cm - 16 17/32 x 6 19/64 in. 22 x 16 cm (lienzo) - 8 21/32 x 6 19/64 in. Acrílico sobre lienzo, firmado abajo a la derecha, refrendado y fechado al dorso, y colgando un sonajero de plástico Esta obra figura en el catálogo razonado de Ben Vautier con el número de archivo 3952. PROCEDENCIA Galería Catherine Issert, Saint-Paul-de-Vence Colección privada, Francia Ben, seudónimo de Benjamin Vautier, es un artista francés de origen suizo, nacido en Nápoles en 1935. Vivió y trabajó en Niza, donde llegó a los catorce años. Durante 1959 y 1960, los principales miembros de lo que se dio en llamar la Escuela de Niza se reunían en su tienda o en la acera. Cerca de Yves Klein y los Nouveaux Réalistes, pertenecía a la vanguardia artística, más concretamente al posmodernismo y al grupo Fluxus. A finales de los años 60, se había labrado una sólida reputación entre el público, en particular a través de sus "escritos", que adoptaron diversas formas, como en Pour le groupe Zero (1990). Ben, seudónimo de Benjamin Vautier, es un artista francés nacido en Nápoles en 1935. Vive y trabaja en Niza, donde nació a los catorce años. Durante los años 1959 - 1960, los principales miembros de lo que se dio en llamar la Escuela de Niza se reúnen en su tienda, o en la acera. Próximo a Yves Klein y a los Nouveaux Réalistes, pertenece a la vanguardia artística, más concretamente al posmodernismo y al grupo Fluxus. Adquiere una sólida reputación entre el público a finales de los años sesenta, en particular a través de sus "escritos", que adoptan diversas formas, como Pour le groupe zero (1990).

Valorac. 4 000 - 6 000 EUR

Lote 7 - [FERNANDO BOTERO] - Medalla conmemorativa de la exposición "Fernando Botero aux Champs-Élysées" de 1992, acuñada por la Monnaie de París. Medalla de oro de 18 quilates (750), que lleva en una cara el sello Corne d'abondance de la Monnaie de Paris y el sello fleurette del Atelier de Gravure des Monnaies et Médailles, numerada I/III y con el sello Corne d'abondance en el borde. Peso : 1,7 kg9,5 x 3 cm - 3 47/64 x 11 1/64 in. Medalla de oro de 18 quilates (750), que lleva en una cara el sello Corne d'abondance de la Monnaie de Paris y el sello del Atelier de Gravure des Monnaies et Médailles, numerada I/III y que lleva en el borde el sello Corne d'abondance Con un certificado de autenticidad de la Monnaie de París numerado I/III, una nota explicativa y su estuche original. Es imposible disociar el arte contemporáneo de la figura de Fernando Botero, tan notable ha sido su influencia en nuestra cultura. su influencia en nuestra cultura. Sus obras han traspasado con creces los límites de los museos y ahora son omnipresentes, en las calles y en los grandes interiores, así como en la cultura popular y en las redes sociales. La muerte del artista en 2023 puso fin a una carrera excepcionalmente prolífica y variada, cuyo vanguardismo, a veces incomprendido, sigue estando lejos del consenso público. A veces parodiado, a veces adulado, su obra no deja indiferente a nadie y sigue dando que hablar. Fernando Botero nació en Medellín (Colombia) en 1932. Criado por su madre y su tío en la tradición de la cultura colombiana. Se formó en la escuela taurina antes de abandonar rápidamente el capote rojo y el tercio de piqueros por el lápiz. Inspirado por el arte precolombino y español, Botero decidió emprender una carrera como artista. Ávido de aventuras, el artista se marchó a la capital, Bogotá. Allí celebró su primera exposición y vendió sus primeros cuadros, con cuyo dinero voló a Europa en 1952. Allí siguió un viaje iniciático: Botero estudió a los maestros españoles en el Prado y descubrió a los maestros antiguos en el Louvre antes de aprender el arte del fresco en Florencia. Expuso en Nueva York, trabajó con Vogue París para ilustrar las colecciones de alta costura, se trasladó a Pietrasanta (Italia) y finalmente se instaló en París en 1973. Además de sus obras pictóricas, comenzó a trabajar en la escultura. En 1992 se celebró una gran exposición de su obra escultórica en los Campos Elíseos. Del 22 de octubre de 1992 al 30 de enero de 1993 se expusieron más de 30 esculturas en la avenida, y un centenar de pinturas en el Grand Palais. Entre estas obras se encontraban varias celebridades, entre ellas un torso gigante de más de 4 metros de altura, ciclópeo a imagen de su extraordinaria producción. Inspiradas en el arte precolombino, la Venus prehistórica y el Renacimiento italiano, estas figuras calipigianas son portadoras de un inmenso bagaje cultural, herederas de una tradición iconográfica tan antigua como la propia humanidad. Este conjunto excepcional estaba destinado a marcar el regreso del artista a la palestra tras varios años de ausencia. Para celebrarlo, el artista, en colaboración con la Monnaie de París, hizo acuñar 703 ejemplares de esta medalla: 500 en bronce, 200 en plata maciza y, por último, 3 en oro. Esta medalla de oro macizo de 18 quilates está numerada I/III en el borde, donde también lleva la cornucopia, sello de la Monnaie de París que garantiza su origen y autenticidad. Este objeto extremadamente raro está firmado en la cara que lleva el autorretrato del artista, mientras que la otra cara representa una de las obras más famosas de Botero, orgullosamente expuesta delante del Arco del Triunfo. Con un relieve excepcional para este tipo de producción, se necesitaron cinco golpes consecutivos bajo una prensa de 2.500 toneladas en La Monnaie de París para obtener un resultado tan contrastado. Testimonio de la consagración artística de Botero, esta medalla marca un acontecimiento sin precedentes en la carrera de una de las personalidades más célebres del siglo. Inspirado por las representaciones míticas, acabó convirtiéndose él mismo en un símbolo, y su estética visionaria sigue trastocando las ideas preconcebidas. Es imposible disociar el arte contemporáneo de la figura de Fernando Botero, tal ha sido su influencia en nuestra cultura. Su influencia en nuestra cultura ha sido tan notable, que hoy en día, sus obras son omnipresentes, tanto en las calles y grandes como en la cultura popular y en las redes sociales. La muerte del artista en 2023 puso fin a una carrera excepcionalmente prolífica y variada, cuya

Valorac. 60 000 - 80 000 EUR

Lote 9 - JACQUES VILLEGLÉ (1926 - 2022) - Rue Bobillot / Place d'Italie, 19 de mayo de 1987 Carteles rasgados montados sobre lienzo, firmados abajo a la derecha, titulados y fechados al dorso 170 x 250 cm - 65 47/64 x 98 1/64 pulg. Carteles rajados montados sobre lienzo, firmados abajo a la derecha, titulados y fechados en el reverso Se entregará al comprador un certificado de autenticidad firmado por el artista con fecha 25 de mayo de 2019. PROCEDENCIA Galería Sabine Wachters, Knokke, Bélgica. Jacques Villeglé está considerado hoy en día como el cartelista emblemático francés, su nombre está indisolublemente ligado a esta técnica. De hecho, practicó la laceración durante toda su vida, desde la primera vez que arrancó carteles en 1949. Entre sus obras más conocidas figuran Rues Desprez y Vercingétorix, de 1966. La obra que presentamos, Rue Bobillot / Place d'Italie, es una continuación de su enfoque. Esta pequeña laceración es particularmente representativa de la filosofía de los cartelistas franceses. Toman los carteles tal y como vienen, sin cambiar el resultado, y las obras llevan el título del lugar donde fueron realizadas. Villeglé ha llegado a ser conocido como el emblemático artista francés destructor de carteles. Su nombre es inseparable de esta técnica, que empezó a utilizar en 1949. Una de sus obras más conocidas es Rues Desprez et Vercingétorix, de 1966. La pequeña obra que presentamos, Rue Bobillot/Place d'Italie, ejemplifica su enfoque. Es particularmente representativa de los de los cartelistas franceses. Toman los carteles tal como son sin modificar el resultado y como prueba las obras llevan el nombre de su lugar de producción.

Valorac. 60 000 - 80 000 EUR

Lote 13 - ABOUDIA (né en 1983) - Môgô, 2017 Acrílico, lápiz, pastel al óleo y collage sobre lienzo 118 x 150 cm - 46 29/64 x 59 1/16 in. Acrílico, lápiz, pastel al óleo y collage sobre lienzo Se entregará al comprador un certificado de autenticidad firmado por el artista. PROCEDENCIA Colección privada, Francia Aboudia, cuyo nombre completo es Abdoulaye Diarrassouba, es un pintor contemporáneo de Costa de Marfil. Nacido en Abiyán en 1983, es conocido sobre todo por sus obras vibrantes y llenas de energía que mezclan el graffiti y la pintura tradicional, reflejando las complejidades sociales y políticas de su país natal, así como las realidades urbanas de los niños de la calle. Sus obras suelen estar pobladas de figuras infantiles, animales, símbolos y textos, creando escenas vibrantes y caóticas que captan la efervescencia de las calles de Abiyán. El artista se inspira en su entorno inmediato, especialmente en los niños de la calle, y sus obras dan testimonio del tumulto político y las dificultades sociales de Costa de Marfil. Su inconfundible estilo naïf se inspira en la iconografía de los graffiti "Nouchi". Los graffiti "Nouchi" de Abiyán (término que designa un dialecto coloquial que es la lengua preferida de los marfileños en Abiyán), las máscaras tradicionales de madera y el vudú. Utiliza la figura del Môgô, que en marfileño significa "el tipo" o "el tío", es decir, el hombre de todos los días. Aboudia fue descubierto en 2011 por un artista alemán, Stefan Meisel, que vio su obra en las redes sociales, compró dos cuadros y le ofreció representarlo. Tras dos exposiciones en Londres en importantes galerías internacionales, su obra se ha hecho un hueco en importantes colecciones privadas y en grandes ferias de arte. Aboudia, cuyo nombre completo es Abdoulaye Diarrassouba, es un pintor contemporáneo de Costa de Marfil. Nacido en 1983 en Abiyán, es conocido sobre todo por sus obras vibrantes y llenas de energía, que mezclan el grafiti y la pintura tradicional, reflejando las complejidades sociales y políticas de su país natal, así como la crisis económica mundial. de su país natal, así como las realidades urbanas de los niños de la calle. Sus obras suelen estar pobladas de figuras infantiles, animales, símbolos y texto. y textos, creando escenas vibrantes y caóticas que captan la efervescencia de las calles de Abiyán. El artista se inspira en su entorno inmediato, especialmente en los niños de la calle, y sus obras dan testimonio del tumulto político y las dificultades sociales de Costa de Marfil. Su inconfundible estilo naïf se inspira en la iconografía de los graffiti "Nouchi" (término que designa un dialecto coloquial que es la lengua preferida de los marfileños en Abiyán), las máscaras tradicionales de madera y el vudú. Emplea la figura del Môgô, que en marfileño significa "el tipo" o "el tío", es decir, el hombre de todos los días. Aboudia fue descubierto en 2011 por un artista alemán, Stefan Meisel, que vio su obra en las redes sociales, compró dos cuadros y le ofreció representarlo. Tras dos exposiciones en Londres en importantes galerías internacionales, su obra se ha hecho un hueco en importantes colecciones privadas y en grandes ferias de arte.

Valorac. 50 000 - 70 000 EUR