Todos los lotes "Bronces" Búsqueda avanzada

Borrar todos los filtros
1343 Resultados

jue 06 jun

Tschabalala SELF Guardián 2 - 2017-2020 Acero inoxidable espejo, cadenas Firmado y fechado abajo a la izquierda (grabado) "Tschabalala Self 2020". 60 × 31 × 0,50 cm Acero inoxidable espejado, cadenas; firmado y fechado abajo a la izquierda (grabado) 23,62 × 12,20 × 0,20 pulg. Procedencia : Galería Pilar Corrias, Londres Adquirida directamente a ésta por el actual propietario Exposiciones: Londres, Galería Pilar Corrias, Tschabalala Self: Bodega Run, 7 - 27 de septiembre de 2017. Tschabalala SELF Nacida en Harlem en 1990 y graduada por el Bard College y la Yale School of Art, Tschabalala Self es una artista afroamericana de renombre internacional. Más allá de su condición de artista, es una figura muy influyente, que apareció en la famosa lista de 30 menores de 30 años de la revista Forbes en 2018. Ha expuesto en la Flag Foundation (Nueva York, 2024), el Consortium (Dijon, 2021), la Kunsthalle Düsseldorf (2021) y el Frye Art Museum (Seattle, 2019). Su icónica escultura Lady in Blue acaba de ser seleccionada para instalarse en Trafalgar Square en 2026. En la tradición de la obra de Romare Bearden, su uso de los materiales es poco convencional: los colecciona y los ensambla en lo que parecen patchworks. En el centro de su obra y su discurso está la representación de los cuerpos de las mujeres negras que "desafían los estrechos espacios en los que se ven obligadas a existir". Basándose en la historia de la lucha y la opresión de los afroamericanos en la sociedad, Self reivindica el cuerpo de la mujer negra y lo representa fuera de cualquier estereotipo, "creando narrativas alternativas en torno al cuerpo negro". A veces sexualmente explícitas, las composiciones pretenden expresar la fuerza del sujeto femenino, devolverle todo su poder. Esta obra, titulada Keeper 2, formó parte de una exposición emblemática de la artista Bodega Run, presentada en la galería Pilar Corrias de Londres en 2017. A través de varias instalaciones (luces de neón, esculturas, lienzos), el artista reconstruye el mundo de la Bodega y vuelve a mirar a los estereotipos asociados para reconstruir su identidad. Las bodegas surgieron con la llegada y el asentamiento de puertorriqueños y dominicanos en Nueva York, y tradicionalmente han sido propiedad y han sido gestionadas por diversas comunidades de color. Encontradas principalmente en los barrios negros y latinos y ocupando las principales intersecciones de estas zonas, la bodega se ha convertido en un emblema geográfico de la diáspora de Manhattan. "Keeper" parece flotar, y su efecto espejo lo hace casi transparente. Figura a la vez inquietante y protectora, forma parte del fresco de personajes reinterpretados por el artista. Esta escultura refleja el uso único y delicado que el artista hace de los materiales, así como un fuerte deseo de reescribir la historia de la comunidad afroamericana y deconstruir los estereotipos. Nacida en 1990 en Harlem y licenciada por el Bard College y la Yale School of Art, Tschabalala Self es una artista afroamericana de renombre internacional. Más allá de su condición de artista, es también una figura muy influyente, que apareció en la famosa lista de 30 menores de 30 de la revista Forbes en 2018. Sus exposiciones incluyen la Flag Foundation (Nueva York, 2024), Le Consortium (Dijon, 2021), Kunsthalle Düsseldorf (2021) y el Frye Art Museum (Seattle, 2019). Su icónica escultura Lady in Blue acaba de ser seleccionada para una instalación en la plaza de Trafalgar en 2026. Inspirada en la obra de Romare Bearden, su uso de los materiales es poco convencional: los colecciona y los ensambla en lo que parecen patchworks. En el centro de su trabajo y su discurso está la representación de los cuerpos de las mujeres negras que "desafían los estrechos espacios en los que se ven obligadas a existir". Basándose en la historia de la lucha y la opresión de los afroamericanos en la sociedad, Self reivindica el cuerpo de la mujer negra y lo representa fuera de cualquier estereotipo, "creando así narrativas alternativas en torno al cuerpo negro". A veces sexualmente explícitas, las composiciones pretenden expresar la fuerza del sujeto femenino, devolverle todo su poder. Esta obra, titulada Keeper 2, formó parte de la exposición Bodega Run de la artista, presentada en la galería Pilar Corrias de Londres en 2017. A través de varias instalaciones (luces de neón, esculturas, lienzos), la artista reconstruye el mundo de la Bodega y vuelve a mirar a los estereotipos asociados para reconstruir su identidad. Las bodegas surgieron con la llegada y el asentamiento de puertorriqueños y dominicanos en Nueva York y tradicionalmente han sido propiedad y han sido gestionadas por diversas comunidades de color. Encontradas principalmente en los barrios negros y latinos y ocupando las principales intersecciones de estas zonas, la bodega se ha convertido en un geogra

Valorac. 30 000 - 50 000 EUR

jue 06 jun

Christo Javacheff (Gabrovo, Bulgary, 1935 - New York, 2020) - Christo Javacheff (Gabrovo, Bulgaria, 1935 - New York, 2020) 'The Mastaba of Abu Dhabi.' Mixed media, drawing, collage, pencil, photography and oil on cardboard under plexiglass frame by the artist. Signed in pencil and dated 1979. 80 x 59,5 cm. Christo Vladimirov Javacheff, better known by his first name Christo, was a plastic artist famous for his large-scale artistic projects and international repercussion. After his name, in biographies, headlines of cultural magazines and newspapers, a verb appears conjugated: 'to wrap'; this is the term that summarizes his extensive, fruitful, complex and, at times, polemic career. To put this verb into practice, it is essential to consider another name: Jeanne-Claude; the artistic and vital companion of the Bulgarian creator. The three of them, Christo, Jeanne-Claude and 'wrap', amazingly converged in an original artistic practice characterized by its monumentality, by a great personality and by leaving no one indifferent. With it, they managed to transcend 'the traditional limits of painting, sculpture and architecture', as we read on their official website 'Christo and Jeanne-Claude'. Among their main works, we highlight 'Wrapped Coast' (1968-1969), where they wrapped 2. 4 km of Australian coastline near Sydney; 'The Pont Neuf Wrapped' (1975-1985), where they covered the oldest bridge in Paris with fabric; 'The Umbrellas' (1984-1991), the installation of blue and yellow umbrellas in valleys in Ibaraki (Japan) and California, respectively; 'Wrapped Reichstag' (1971-1995), the cladding of the German parliament; and 'L'Arc de Triomphe, Wrapped' (1961-2021), for the moment, the only project of the couple completed by their team, after the death of both (Jeanne-Claude in 2009 and Christo in 2020). Our piece, completed in 1979, is part of 'The Mastaba, Project for United Arab Emirates', the project to erect the Mastaba of Abu Dhabi. It is a work of special interest and of the utmost topicality for several reasons. Firstly, this project, which the artist couple undertook in 1977 without completing it during their lifetime, is officially their last project and the only one that is still being carried out by their team, led by Christo's nephew, Vladimir Yavachev. Secondly, it was precisely in 1979, the year of our work, when they visited the United Arab Emirates for the first time and when they decided on the colors and the placement of the steel barrels. Finally, 'La Mastaba' will be the only permanent large-scale public artwork.As Christo and Jeanne-Claude state on their website, the Abu Dhabi Mastaba 'will be the largest contemporary sculpture (in volume) in the world, made with 410,000 multicolored barrels to form a colorful mosaic, echoing Islamic architecture'. For more information, complemented by evocative photographs that take us through the entire process, we highly recommend consulting the artists' official website https://christojeanneclaude.net/artworks/the-mastaba/

Valorac. 25 000 - 30 000 EUR

vie 07 jun

École française du XVIIIe siècle d'après Michel ANGUIER (1612-1686) - Anfitrite tranquila Bronce patinado marrón H. 43 cm sobre peana de madera ennegrecida y bronce dorado H. 7 cm Obras relacionadas: Para la versión grande: - Michel Anguier, Amphitrite tranquille, bronce, H: 53 cm, París, musée du Louvre, département des objets d'art, inv.OA.11897 ; Para la versión pequeña: -Michel Anguier, Anfitrite tranquille, bronce, H: 37 cm, Dresde, Grünes Gewölbe, inv.IX.62. Bibliografía relacionada: - Geneviève Bresc-Bautier, Guilhem Scherf, Bronzes français, de la renaissance au siècle des lumières, París, Musée du Louvre édition et Somogy, édition d'art, 2008, modelo que figura con el nº 55, pp. 206-207. Si bien Michel Anguier fue uno de los custodios del gran estilo de la escultura versallesca inspirada en François Girardon (1628-1715), también estuvo sin duda en el origen de la difusión y la moda de las estatuillas independientes de bronce, un tipo de obra que tuvo ocasión de admirar en Italia, como el famoso grupo del Studiolo dei Medici de Florencia. Este arte de la pequeña estatuaria de bronce para aficionados, reservado hasta entonces a las decoraciones eclesiásticas, se desarrolló en parte gracias al éxito crítico y comercial del célebre Cycle des dieux et des déesses, diseñado por Anguier poco después de su regreso de Roma. El 6 de mayo de 1690, en la Académie Royale de Peinture et de Sculpture, Guillet de Saint Georges dijo de este ciclo: "M. Anguier se ocupó en 1652 de los modelos de seis figuras de 18 pulgadas de altura cada una (48,8 cm para la figura sola), fundidas en bronce y que representan a un Júpiter atronador, una Juno celosa, un Neptuno agitado, una Anfitrite tranquila, un Plutón melancólico, un Marte que abandona los brazos y una Ceres afligida (...)". (Mémoires inédites, 1855 p. 438). Anfitrite sostiene en su brazo un cangrejo de río que, según Piganiol de la Force, "marca la autoridad que tenía sobre [el océano]". Su tranquilidad sonriente, casi divertida, mientras el cangrejo de río se mueve en su brazo, y su expresión serena, explican probablemente por qué este modelo fue tan popular hasta finales del siglo XVIII. Insólitamente, la versión en bronce se amplió y sirvió de modelo en 1680 para una estatua de mármol realizada por Nicolas Massé para los jardines de Versalles (inv. MR1753, en el Louvre). La actitud y el gesto de la compañera de Neptuno demuestran el perfecto conocimiento que Michel Anguier tenía de la Flora Farnesio, de la que poseía un molde. El rostro lleno y redondeado, con la frente corta, y la complejidad del peinado rodeado por tres cintas, recuerdan la formación de Anguier con Simon Guillain y evocan el Renacimiento francés.

Valorac. 6 000 - 8 000 EUR

vie 07 jun

Jean-Baptiste Carpeaux (1827-1875) Flora agazapada n°1 Hacia 1870 Bronce patinado marrón Firmado "Carpeaux. SC. " Estampado "PROPRIETE CARPEAUX". H. 51 cm Esta Flora agazapada es una adaptación de la figura del Triunfo de Flora creada en el marco de una serie de esculturas encargadas a Jean-Baptiste Carpeaux por Napoleón III en 1863 para adornar la fachada sur del Pavillon de Flore del Louvre. Carpeaux empezó a pensar en la edición del modelo en 1869. Nuestro bronce forma parte de la primera edición del modelo realizada por el taller del escultor a partir de 1869. La familia primero, y luego la firma Susse, continuaron publicando esta obra emblemática del escultor de Valenciennes. Obras relacionadas : - Jean-Baptiste Carpeaux, Le Printemps dit Flore accroupie, 1870, grabado en terracota, firmado "JBt Carpeaux" en la terraza, Al. 52 x An. 31 x Pr. 30 cm, Valenciennes, Museo de Bellas Artes, inv. 98.26.7. - Jean-Baptiste Carpeaux, Le Printemps dit Flore accroupie, 1873, mármol, firmado "JBt Carpeaux" e inscrito "Baudet. París", Al. 104,2 x An. 56,4 x Pr. 69,4 cm, Valenciennes, Musée des Beaux-Arts, inv. S.Y.123. - Jean-Baptiste Carpeaux, Flore accroupie, hacia 1869, yeso, firmado "J.B.Carpeaux", Al. 52 x An. 29 x 32 cm, París, Petit Palais, Musée des Beaux-Arts de la ville de Paris, inv. PPS1565. Bibliografía relacionada: Michel Poletti, Alain Richarme, Jean-Baptiste Car- peaux, escultor. Catalogue raisonné de l'œuvre édité, París, Les Expressions Contemporaines, 2003, modelo citado con el nº SE 10, p. 87.

Valorac. 25 000 - 30 000 EUR

vie 07 jun

Aimé-Jules Dalou (1838-1902) Hombre sentado o Edouard Pailleron (1834-1899) sentado o Edouard Lindeneher (1837-1910) sentado Modelo creado hacia 1870, fundido por Hébrard en 1907 Bronce patinado marrón oscuro Firmado "DALOU Lleva el sello del fundador "CIRE PERDUE / A.A. HEBRARD" y la letra "M". H. 20 cm de altura Procedencia: Galerie du Carrousel, París; Galerie Delestre, París Esta figura de hombre sentado con la mano en el bolsillo podría ser un retrato del dramaturgo Edouard Pailleron o del escultor Edouard Lindehener. En 1905, tras la muerte de Aimé-Jules Dalou, la colección del taller del escultor fue adquirida por la ciudad de París y asignada al Petit Palais. En 1907, se encargó a la fundición Hébrard una edición en bronce de varios modelos en yeso y terracota. Por lo que sabemos, nuestro grabado es el único del que se tiene constancia. En el caso de los ejemplares únicos, la fundición Hébrard los marcaba como "pièce unique", lo que no ocurre con nuestro bronce, que lleva la letra "M" como los ejemplares destinados a la fundición. Obras relacionadas : Aimé-Jules Dalou, Homme assis dit Edouard Pailleron assis, terracota, firmado "DALOU", 20 x 10 x 13 cm, París, Petit Palais, inv. PPS323. Exposición : Galerie Delestre, Jules Dalou 1838-1902, París, 1976, citado con el nº 7. Bibliografía relacionada: Amélie Simier, Jules Dalou, le sculpteur de la République, cat. exp. París, Petit Palais, 18 de abril-13 de julio de 2013, París, Musées de Paris, 2013, modelo catalogado con el n.º 275, p. 340.

Valorac. 8 000 - 12 000 EUR

vie 07 jun

Edgar Degas (1834-1917) Retrato, Cabeza apoyada en una mano, antes de 1885 Prueba de bronce Fundición a la cera perdida por A.A. Hébrard, entre 1921 y 1932 Inscripciones en el hombro derecho: Degas (sello) Inscripciones en el hombro izquierdo: 62/K - CIRE / PERDUE / A.A. HEBRARD Etiqueta interior casi ilegible "DOUANES / PARIS / EXPOSICIONES". 12,3 x 17,5 x 16,2 cm Procedencia : Glasgow, colección Cargill Francia, colección privada (heredada) Si bien el retrato es un género que Degas pintó intensamente, lo que le convierte en uno de los más grandes retratistas de la historia del arte moderno, los retratos esculpidos son raros. Hasta la fecha se conocen otros dos retratos esculpidos, gracias a la edición. En Portrait, tête appuyée sur une main, el tema no es tanto el modelo, sobre el que los estudios ofrecen varias hipótesis, sino el movimiento. Esta escultura da testimonio de la búsqueda personal del artista por captar una actitud, como con los cuerpos de bailarinas, mujeres en movimiento o caballos. De esta escultura emana una suavidad, tanto por el tema íntimo como por la composición oblicua y el modelado fluido, que alterna entre la precisión del rostro y los detalles más difuminados del cabello y el corpiño. Como los demás modelos de Degas, la edición en bronce de este modelo cuenta con 22 ejemplares (de la A a la T y de HER y HERD), más el MODELE de la Norton Simon de Pasadena y el ejemplar sin localizar marcado AP de Albino Palazzolo. Actualmente hay 14 ejemplares sin localizar (en colecciones privadas). Seis se encuentran en museos: ◆ Metropolitan Museum of Art, Nueva York, EE.UU. (A) Hannema - De Stuers Fundation, Heino, Países Bajos (F) ◆ Museo de Bellas Artes, Boston, Estados Unidos (H) ◆ Musée d'Orsay, París, Francia (P) ◆ Ny Carlsberg Glyptotek, Copenhague, Suecia (R) ◆ Museu de Arte, Sao Paulo, Brasil (S) Este ejemplar, numerado "K", procede de la colección Cargill de Glasgow, Escocia. Director de la compañía petrolera Burmah, fundada por su padre Davis S. Cargill, William Trail Cargill (1872-1939) reunió una de las mejores colecciones de arte francés impresionista y moderno de Escocia. Compró principalmente al marchante Alexander Reid, cuya galería estaba en Glasgow. Entre 1918 y 1927 adquirió obras de Daumier, Boudin, Manet, Monet y Degas, entre otros. En 1923 en Londres y en 1924 en Glasgow, Reid se asoció con las Leicester Galleries para presentar una exposición de esculturas en bronce de Degas, que incluía 37 bailarinas, 17 caballos, 14 estudios de mujeres, 3 retratos de busto y 1 bajorrelieve. Retrato, cabeza apoyada en una mano figura con el nº 71 en el catálogo. Probablemente fue adquirido en esta ocasión por D. W. T. Cargill al marchante Alexander Reid. En el interior de la escultura se conserva una antigua etiqueta de aduana. La escultura regresó posteriormente a Francia por herencia. Bibliografía relacionada: - Exhibition of the Works in Sculpture of Edgar Degas, February-March 1923, Londres, The Leicester Galleries, prefacio de Walter Sickert, nº 71. - Rewald, John, Degas, works in sculpture, a complete catalogue, Pantheon Books Inc, Nueva York, 1944, p.82, pl XXIX, repr. - Pingeot, Anne y Horvat, Frank, Degas, esculturas, RMN, 1991, p.187, n°71 y p.145, repr. (Prueba 62/P) - Fowle, Frances, Alexander Reid in context: Collecting and dealing in Scotland in the late 19th and early 20th Centuries, tesis, 1993, Universidad de Edimburgo. - Czestochowski, Joseph S., Pingeot, Anne, Degas, Esculturas, Catálogo razonado de los bronces, Museo Nacional de San Carlos, México DF, 10 de junio-15 de septiembre de 2002, Memorial Art Gallery, Universidad de Rochester, Nueva York, 10 de octubre de 2002-12 de enero de 2003, San Diego Museum of Art, 28 de junio-28 de septiembre de 2003, Fin Arts Museums of San Francisco, Legión de Honor, 18 de octubre de 2003-18 de enero de 2004, p.242-243, n°62, repr. - En Passant, Impressionism in sculpture, editado por Alexander Eiling y Eva Mongi-Vollmer, Fráncfort del Meno, Städel Museum, 19 de marzo - 28 de junio de 2020, Prestel, p.155, repr. Cat.69, (impresión del Museum de Fundatie de Zwolle y Heino/Wijhe 62/F).

Valorac. 35 000 - 50 000 EUR

vie 07 jun

Émile-Antoine Bourdelle (1861-1929) Mano izquierda del Gran Guerrero de Montauban, 1898 Prueba en bronce, nº 1 Fundición a la cera perdida Susse Firmada y numerada en la base al dorso "© BY BOURDELLE N°1". Marca de fundición en la base al dorso: "SUSSE Fondeur Paris". Monograma en la base a la derecha 58 x 43 x 23,5 cm Procedencia: Nueva York, Colección Recanati La Mano izquierda del Gran Guerrero de Montauban procede del Monumento a los Combatientes y Defensores de Tarn-et-Garonne de 1870 y 1871, encargado a Bourdelle por la Société des Anciens Combattants de Montauban en 1895. Este primer gran encargo del escultor fue objeto de numerosos estudios, convirtiéndose fragmentos de la composición monumental en auténticas obras con "existencia independiente" (1990, Orsay), como La Main. Este ejemplar numerado (1), fundido por Susse, procede de la colección Recanati y figura con el número 199 en la segunda versión inglesa ampliada del catálogo de esculturas publicado por Ionel Jianou y Michel Dufet (p. 84). Se conocen otras cinco pruebas, dos de ellas en el museo Bourdelle y una en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, mientras que otras dos se encuentran en colecciones privadas. También se conserva en el museo Bourdelle una edición en yeso de Le Main gauche du Grand Guerrier de Montauban. Bibliografía relacionada: - Bourdelle, galerie Claude Bernard, París, 1967. - Jianou, Ionel y Dufet, Michel, Bourdelle, 2ª edición en inglés con catálogo completo y numerado de las esculturas, Arted, 1978, nº 199. - Le corps en morceaux, Museo de Orsay, 1990. - Susse Frères, 150 años de escultura 1837-1987, Pierre Cadet, Susse Frères, París, 1992. - Staub, Helena, Bourdelle et ses élèves: Giacometti, Richier, Gutfreund; Museo Bourdelle, París, 28 de octubre de 1998-7 de febrero de 1999, p. 67, nº 26, reimpresión (Bronce, colección Rhodia Dufet-Bourdelle). - De bruit et de fureur, Bourdelle sculpteur et photographe, catálogo de exposición, Montauban, musée Ingres, 24 de junio - 9 de octubre de 2016, París, musée Bourdelle, 27 de octubre de 2016 - 29 de enero de 2017, Éditions Le Passage, 2016, p.209, cat.103 (Yeso del musée Bourdelle)

Valorac. 20 000 - 30 000 EUR

vie 07 jun

Paul Landowski (1875-1961) Los hijos de Caín: el pastor Hacia 1910 Bronce patinado marrón Firmado "P. Landowski Lleva el sello del fundador "CIRE PERDUE A.A. HEBRARD" y el número "(2)". H. 48,5 cm, terraza A. 21 x P. 31,5 cm Este joven pastor es una de las figuras del grupo Les Fils de Caïn (Los hijos de Caín), última obra enviada desde Roma por el escultor Paul Landowski en el marco del proyecto monumental del Templo del Hombre. El grupo representa a tres hombres de edades diferentes, que encarnan a la humanidad en marcha. Nuestro bronce presenta al joven pastor Jabel, encarnación de la fuerza física, mientras que los otros dos, Jubal, el primer poeta, y Tubalcaín, el herrero, representan la fuerza del pensamiento y el poder del trabajo. Para este grupo bíblico, Paul Landowski tomó como modelos a hombres que había conocido en la campiña romana. Por este bronce, realizado a partir del molde de escayola fabricado en Roma, y presentado en el Salón de 1906, el escultor recibió una medalla de Primera Clase y los elogios de la Academia y de la crítica. Adquirido por el Estado ese mismo año, el grupo de bronce se instaló en la Cour Napoléon, y después se trasladó al Jardin des Tuileries. Obras relacionadas: - Paul Landowskin Los hijos de Caín: El pastor, hacia 1903, escayola, Al. 73,5 x An. 30 x Pr. 42 cm, París, Petit Palais, PPS3657(1) ; - Paul Landowski, Les Fils de Caïn, 1903, bronce, París, Jardin des Tuileries, - Paul Landowski, Les Fils de Caïn, 1903, bronce, fundición A.A. Hébrard, dimensiones: 77 x 88 x 47 cm, Boulogne-Billancourt, Musée-jardin Paul Landowski, inv. 1982.1.42. Bibliografía relacionada : - Michèle Lefrançois, Le Temple de l'Homme de Paul Landowski : un projet d'art total, en Histoire de l'art, n°3, 1988, pp. 77-88. - Dominique Boudou, Michèle Lefrançois, Paul Landowski, le temple de l'homme, cat. exp., París, Petit Palais, 7 de diciembre de 1999-5 de marzo de 2000, París, Paris-Musées, 1999, modelos que figuran en los n°35 y 36, p. 112 y p. 114, pp. 112-119. - Paul Landowski : la pierre d'éternité, cat. exp. Péronne, Historial de la Grande Guerre, 2 de marzo-25 de abril de 2004, París, Somogy éd. D'art, 2004, p. 53 - Michèle Lefrançois, Paul Landowski : l'œuvre sculpté, Grâne, ed. Créphis, 2009, pp. 110-113

Valorac. 25 000 - 30 000 EUR

vie 07 jun

Henri Bouchard (1875-1960) Joven vestida y gacela Modelo creado en 1912 Bronce patinado verde Firmado "H. Bouchard Lleva el sello del fundador "CIRE PERDUE BISCEGLIA". H. 62 x A. 62 x P. 18 cm Aunque conocemos sobre todo su obra realista, influida por Jean-François Millet, Constantin Meunier y Aimé-Jules Dalou, los temas animales también desempeñan un papel importante en la obra de Henri Bouchard. Solo o acompañado, como aquí con una joven con túnica, Bouchard abordó principalmente el tema animal entre 1909 y 1912. Creaba sus esculturas de memoria, tras haber observado y estudiado a los animales en el Jardin des Plantes, en el campo y en los concursos agrícolas y ecuestres. Henri Bouchard utilizó esta composición para otros conjuntos como Fillette et faon (Roubaix, La Piscine, Musée d'art et d'industrie André Diligent, inv. 2014-54-3) y una versión de Jeune fille nue et gazelle realizada en 1909. Obras relacionadas: - Henri Bouchard, Jeune fille vêtue et gazelle, 1912, bronce, fundición a la cera perdida de Bisceglia, firmado "Bouchardx", Al. 62 x An. 62 x Pr. 18 cm, Roubaix, La Piscine, musée d'art et d'industrie André Diligent, inv. 2014-54-4. - Henri Bouchard, Femme à la gazelle, 1912, bronce, firmado "H. Bouchard", fundición de Siot, Al. 62 x An. 62 x Pr. 17 cm, Roubaix, La Piscine, Musée d'art et d'industrie André Diligent, inv. 2007-51-2. - Henri Bouchard, Jeune fille et gazelle (nue), 1909 bronce, fundición a la cera perdida de Bisceglia, firmado "H Bouchard", Roubaix, La Piscine, Musée d'art et d'industrie André Diligent, inv. 2014-54-5. Bibliografía relacionada: Antoinette Le Normand-Romain, Bouchard, l'atelier du sculpteur: à la découverte du musée Bouchard, París, Association des amis d'Henri Bouchard, 1995, p. 76.

Valorac. 15 000 - 20 000 EUR

vie 07 jun

Jean Osouf (1898-1996) Coralie, media figura, 1935-1945 Prueba de bronce Fundición a la cera perdida 32 x 12 x 9 cm Procedencia : Suecia, colección privada Coralie posó para Jean Osouf entre 1935 y 1945 aproximadamente. Durante este periodo de diez años, Osouf creó un gran número de esculturas en las que variaba las actitudes y expresiones de su modelo: figuras de una Náyade, una Bañista, una Jovencita, un Busto de Coralie conocido como Petite reine, un Busto de Coralie coronado, una Máscara de Coralie conocida como Épiphanie, etc. El Musée des Beaux-Arts d'Alger conserva una Baigneuse, el Musée d'Art et d'Histoire de Belfort dos Buste de Coralie, y el Musée d'Art moderne de la Ville de Paris un Buste de Coralie couronnée. Cortada por encima de las rodillas, esta figura de Coralie es similar a la figura completa de Coralie fechada en 1935, cuyo bronce se conserva en el Musée des Beaux-Arts de Reims. El Museo de Bellas Artes de Reims conserva también una Baigneuse, estudio de Coralie, en la que el recorte a la altura de los muslos crea un torso aún más corto. Cada una de las tres obras presenta también sutiles variaciones, como el peinado. Bibliografía relacionada: : - Robert Couturier, Jean Osouf, Club Français de la Médaille, n°59/60, 2º trimestre de 1978, p.26-27. - Jean Perrin, Jean Osouf, escultor, Société d'Histoire et d'Art de la Brie et du pays de Meaux, Meaux 1981. - Jean Osouf, París, Galería Martel-Greiner, 2000. - Anne Pingeot, Bonnard escultor. Catalogue raisonné, Musée d'Orsay, Éd. Nicolas Chaudun, 2006 (p. 56 a 62)

Valorac. 4 000 - 6 000 EUR

vie 07 jun

Jean Carton (1912-1988) Simone à la toilette, 1979 Prueba de bronce patinado negro, nº 8/10 Fundición a la cera perdida por Émile Godard Sello de la fundición en el borde de la base, en la parte trasera Firmado en la terraza: "J. Carton 56 x 24 x 24 cm Bibliografía relacionada : - 23 hommages à Jean Carton (1912-1988)", Connaissance des Hommes, n°129, marzo-abril 1989, p.17-21, repr. - Carton, Sculpture, Sanguines, Estampes, París, Galerie Art France, octubre-noviembre de 1980, repr. - Carton, Quimper, Musée des Beaux-Arts, 15 de octubre-13 de diciembre de 1982, nº 51. - Jacques Trémolet, "Jean Carton est mort", Permanences, n°257, diciembre de 1988, p. 4-7, repr. - Roger Passeron (Préf.), Jean Carton, Sculptures-Dessins-Gravures, Chambéry, musée d'art et d'histoire ; Mont-de-Marsan, musée Despiau-Wlérick, julio-diciembre de 1989, repr. - Homenaje a Jean Carton- Escuela de Moret, Bienal de Fontainebleau, Teatro de Fontainebleau, 13 de junio-3 de julio de 1994, repr. Exposiciones : - Carton, Sculpture, Sanguines, Estampes, París, Galerie ArtFrance, octubre-noviembre de 1980. Modelo expuesto: fonte Godard- h.57cm. - Homenaje a Jean Carton - Escuela de Moret, Bienal de Fontainebleau, Teatro de Fontainebleau, 13 de junio - 3 de julio de 1994. Modelo expuesto: 3/8 Coubertin fundido - h. 68cm (n°7). - Jean Carton, Sculptures-Dessins-Gravures, Chambéry, musée d'art et d'histoire ; Mont-de-Marsan, musée Despiau-Wlérick, julio-diciembre de 1989. Modelos expuestos: 1/8 Godard fundido- 29,5 cm (n°32) y 3/8 Coubertin fundido- h. 68cm (n°35). Alumno de Charles Malfray y Robert Wlérick en la École des Arts Appliqués de París, Carton se incorporó por consejo de éstos al taller del escultor Marcel Gimond en la École des Beaux-Arts de París. El final de la Segunda Guerra Mundial marcó el comienzo de la intensa producción y reconocimiento de Carton. Expuso en Francia y en el extranjero, en Líbano, Estados Unidos y Japón. Jean Carton ganó varios premios: en 1946, el Premio Blumenthal concedido por Germaine Richier, Robert Couturier y Marcel Gimond; en 1949, el premio de la beca Villa Abd-el-Tif en Argel; en 1958, la Medalla de Plata en la Exposición Universal de Bruselas. En 1964 fue elegido miembro de la Academia de Bellas Artes de París. La mayor preocupación de Jean Carton era trabajar del natural. Sólo confiaba en su ojo, porque, decía, "trabajar sin modelo te lleva inevitablemente a formas que ya han sido realizadas por otros". A partir de entonces, sintió la impetuosa necesidad de "dar vida a las formas" (Passeron, 1989) y centró su obra en torno a la figura humana, principalmente femenina. Para captar esta vida oculta y revelarla, elige posturas sencillas, esculpiendo gestos corrientes: una mujer que se estira (La Petite Marèze, 1969), que se coge el pecho (La Jeunesse, 1948), un hombre que camina (Patrice en mouvement, 1970). La femme penchée se tenant le pied, también conocida como Simone à la toilette, fue creada en 1979. Entre 1965 y 1980, Jean Carton creó la mayoría de sus principales esculturas: La Pensée (El pensamiento) en 1965, L'Adolescent (El adolescente) en 1971, L'Athlète vaincu (El atleta vencido) en 1975 y L'Offrande (La ofrenda) en 1979. Durante estos años, desplazó su atención de la identidad del modelo a los movimientos interiores o exteriores que animan al ser en general. Carton produjo Simone à la toilette en tres tamaños: 29,5 cm (fuentes Émile Godard), 57 cm (fuentes Émile Godard) y 68 cm (fuentes Coubertin).

Valorac. 4 000 - 6 000 EUR

vie 07 jun

Charles Auffret (1929-2001) Bacante, 1969 Prueba de bronce patinado negro, nº 3/8 Fundición a la cera perdida Jean-Marc Bodin Sello de la fundición (en el borde de la terraza derecha) Firmado (en el borde de la terraza): "CH. AUFFRET 38 x 17 x 13 cm Bibliografía relacionada : - Charles Auffret (1929-2001): sculpteur et dessinateur, cat. exp. Mont-de-Marsan, Musée Despiau-Wlérick (10 de agosto-16 de septiembre de 2012), Mont-de-Marsan, L'Atelier des Brisants; París, galerie Malaquais, 2012, repr. - Charles Auffret (1929-2001), Sculptures-dessins, Voron, Musée Mainssieux, 2002, repr. Tras sumergirse en la escultura borgoñona durante sus estudios en la Escuela de Bellas Artes de Dijon, Charles Auffret prosiguió su formación en la Escuela Nacional de Bellas Artes de París. En 1958 instala su taller en el barrio de Buttes-Chaumont y descubre la obra de Charles Despiau, Robert Wlérick y Charles Malfray. En 1964, recibe el Premio Godard del Groupe des Neuf, fundado en 1963 bajo los auspicios de Juliette Darle. Jean Carton, Raymond Martin, Marcel Damboise, Paul Cornet, Raymond Corbin, Léon Indenbaum, Léopold Kretz, Gunnar Nilsson y Jean Osouf, herederos de Wlérick, Despiau, Malfray y Gimond, se reúnen en torno a una concepción común de la escultura, reafirmando su filiación directa con la escultura llamada "independiente". Ganó varios premios, entre ellos el Premio Internacional de Escultura de la Fundación Ricard en 1965, la Medalla de Oro del Salón de Artistas Franceses en 1975 y el Premio Baudry de Escultura en 1986. Ha recibido varios encargos privados, como L'Éveil en 1966, y públicos, como L'Esprit des Lois para el Senado francés en 1985. Se organizaron exposiciones monográficas en 1972 en la Orangerie du Luxembourg y en 1974 en el Atelier de Ville-d'Avray. Tras su muerte, varias retrospectivas rindieron homenaje a su obra: en el Museo Mainssieux de Voiron, en la Villa Médicis de Roma y en el Museo Despiau-Wlérick de Mont-de-Marsan. La Bacante forma parte del ciclo de mujeres drapeadas que Auffret creó en diversas poses, como Figure drapée (hacia 1960) y Figure drapée, ou La Médiation (1965). Reflejan la maestría de Auffret en el modelado. El escultor transcribe con delicadeza y firmeza el frágil equilibrio de esta bacante sentada. La pierna levantada y el busto esbelto confieren al modelo un ímpetu que el escultor logra transmitir con gran vitalidad.

Valorac. 3 000 - 4 000 EUR

vie 07 jun

Charles Auffret (1929-2001) La Prière, hacia 1965 Prueba de bronce, EA III/IV Fundición a la cera perdida Bodin Firmado en el lateral de la base "CH. AUFFRET 43 x 10 x 10 cm La Oración, cuya postura silenciosa transmite un sentimiento de humildad y contemplación, fue la primera idea de Charles Auffret para la Virgen de sicomoro encargada para la iglesia de Rochefort-en-Yvelines. Finalmente, la Virgen de Rochefort-en-Yvelines, que aún se conserva, no representa a una mujer en oración, sino a una mujer que se impone las manos en el corazón. Bibliografía relacionada: Figure drapée en Charles Auffret, cat.exp., Roma, Villa Médicis (9 de mayo-15 de julio de 2007), Éditions Somogy, París, repr. p.38. Tras sumergirse en la escultura borgoñona mientras estudiaba en la École des Beaux-Arts de Dijon, Charles Auffret ingresó en la École Nationale des Beaux-Arts de París en 1947. Allí estudió. Recibe clases de arte monumental en el taller de Alfred Jeanniot y asiste a las de Marcel Gimond. En 1958 instala su estudio en el barrio de Buttes-Chaumont y descubre la obra de Charles Despiau, Robert Wlérick y Charles Malfray. En 1964 recibe el Prix du Groupe des Neuf. Siguiendo los pasos de la banda de Schnegg medio siglo antes, en 1963 se formó el Groupe des Neuf. Jean Carton, Raymond Martin, Marcel Damboise, Paul Cornet, Raymond Corbin, Léon Indenbaum, Léopold Kretz, Gunnar Nilsson y Jean Osouf, herederos de Wlérick, Despiau, Malfray y Gimond, se reúnen en torno a una concepción común de la escultura, reafirmando su filiación directa con la escultura llamada "independiente". Al año siguiente, como ganador del Premio Internacional de Escultura de la Fundación Paul Ricard, Charles Auffret fue invitado a instalarse en la isla de Bendor con su esposa, la escultora Arlette Ginioux. Allí erigió una escultura monumental conocida como L'Éveil, una obra de gran envergadura. Participó en numerosas exposiciones en Francia y en el extranjero, y enseñó dibujo en la academia Malebranche y en las Bellas Artes de Reims antes de ser nombrado profesor de la École nationale supérieure des Arts Décoratifs. Tras su muerte, varias retrospectivas rindieron homenaje a su obra: el museo Mainssieux de Voiron, la Villa Médicis de Roma y el museo Despiau-Wlérick de Mont-de-Marsan.

Valorac. 3 000 - 4 000 EUR

vie 07 jun

Charles AUFFRET (1929-2001) Femme à la toilette, segunda versión, hacia 1990 Prueba de bronce, n°1/8. Fundición a la cera perdida Bodin. Sello de la fundición (en el borde de la terraza). Firmado y numerado (en la terraza): CH. AUFFRET. 55 x 36 x 22 cm PROCEDENCIA: taller del artista La Femme à la toilette marca el inicio de la carrera de Charles Auffret y le da a conocer al público. Lleva ya todas las marcas de su estilo: una escultura "impresionista" con una visión muy tierna de la mujer. Con esta obra, Charles Auffret recibió el Premio Godard en 1964. El jurado, compuesto por escultores independientes conocidos como el Groupe des Neuf, le recompensó con un bronce fundido de su escultura. Al final de su vida, Charles Auffret amplió su Femme à la toilette y la reelaboró para realizar una segunda versión, de 56 cm de altura. En comparación con la obra de 1964, esta segunda versión muestra un intento de simplificación (se han cerrado las aberturas bajo el hombro y en el pie elevado). Tras sumergirse en la escultura borgoñona mientras estudiaba en la Escuela de Bellas Artes de Dijon, Charles Auffret ingresó en la Escuela Nacional de Bellas Artes de París en 1947. Allí estudió. Recibe clases de arte monumental en el taller de Alfred Jeanniot y asiste a las de Marcel Gimond. En 1958 instala su estudio en el barrio de Buttes-Chaumont y descubre la obra de Charles Despiau, Robert Wlérick y Charles Malfray. En 1964 recibe el Prix du Groupe des Neuf. Siguiendo los pasos de la banda de Schnegg medio siglo antes, en 1963 se formó el Groupe des Neuf. Jean Carton, Raymond Martin, Marcel Damboise, Paul Cornet, Raymond Corbin, Léon Indenbaum, Léopold Kretz, Gunnar Nilsson y Jean Osouf, herederos de Wlérick, Despiau, Malfray y Gimond, se reúnen en torno a una concepción común de la escultura, reafirmando su filiación directa con la escultura llamada "independiente". Al año siguiente, como ganador del Premio Internacional de Escultura de la Fundación Paul Ricard, Charles Auffret fue invitado a instalarse en la isla de Bendor con su esposa, la escultora Arlette Ginioux. Allí erigió una escultura monumental conocida como L'Éveil, una obra de gran envergadura. Participó en numerosas exposiciones en Francia y en el extranjero, y enseñó dibujo en la academia Malebranche y en las Bellas Artes de Reims antes de ser nombrado profesor de la École nationale supérieure des Arts Décoratifs. Tras su muerte, varias retrospectivas rindieron homenaje a su obra: el museo Mainssieux de Voiron, la Villa Médicis de Roma y el museo Despiau-Wlérick de Mont-de-Marsan.

Valorac. 4 000 - 6 000 EUR

vie 07 jun

Charles Auffret (1929-2001) Busto de niña, hacia 1970 Prueba de bronce, n°1/8 Fundición Bodin a la cera perdida Firmado "CH. AUFFRET 18 x 12 x 13 cm Tras sumergirse en la escultura borgoñona mientras estudiaba en la École des Beaux-Arts de Dijon, Charles Auffret ingresó en la École Nationale des Beaux-Arts de París en 1947. Allí estudió. Recibe clases de arte monumental en el taller de Alfred Jeanniot y asiste a las de Marcel Gimond. En 1958 instala su estudio en el barrio de Buttes-Chaumont y descubre la obra de Charles Despiau, Robert Wlérick y Charles Malfray. En 1964 recibe el Prix du Groupe des Neuf. Siguiendo los pasos de la banda de Schnegg medio siglo antes, en 1963 se formó el Groupe des Neuf. Jean Carton, Raymond Martin, Marcel Damboise, Paul Cornet, Raymond Corbin, Léon Indenbaum, Léopold Kretz, Gunnar Nilsson y Jean Osouf, herederos de Wlérick, Despiau, Malfray y Gimond, se reúnen en torno a una concepción común de la escultura, reafirmando su filiación directa con la escultura llamada "independiente". Al año siguiente, como ganador del Premio Internacional de Escultura de la Fundación Paul Ricard, Charles Auffret fue invitado a instalarse en la isla de Bendor con su esposa, la escultora Arlette Ginioux. Allí erigió una escultura monumental conocida como L'Éveil, una obra de gran envergadura. Participó en numerosas exposiciones en Francia y en el extranjero, y enseñó dibujo en la academia Malebranche y en las Bellas Artes de Reims antes de ser nombrado profesor de la École nationale supérieure des Arts Décoratifs. Tras su muerte, varias retrospectivas rindieron homenaje a su obra: el museo Mainssieux de Voiron, la Villa Médicis de Roma y el museo Despiau-Wlérick de Mont-de-Marsan.

Valorac. 2 000 - 3 000 EUR

vie 07 jun

Charles Auffret (1929-2001) Busto de Jean-Baptiste 1972 Prueba de bronce numerada, n°3/8 Fundición Rosini a la cera perdida Firmado "CH. AUFFRET 34 x 15,5 x 12,5 cm Tras sumergirse en la escultura borgoñona mientras estudiaba en la École des Beaux-Arts de Dijon, Charles Auffret ingresó en la École Nationale des Beaux-Arts de París en 1947. Allí estudió. Recibe clases de arte monumental en el taller de Alfred Jeanniot y asiste a las de Marcel Gimond. En 1958 instala su estudio en el barrio de Buttes-Chaumont y descubre la obra de Charles Despiau, Robert Wlérick y Charles Malfray. En 1964 recibe el Prix du Groupe des Neuf. Siguiendo los pasos de la banda de Schnegg medio siglo antes, en 1963 se formó el Groupe des Neuf. Jean Carton, Raymond Martin, Marcel Damboise, Paul Cornet, Raymond Corbin, Léon Indenbaum, Léopold Kretz, Gunnar Nilsson y Jean Osouf, herederos de Wlérick, Despiau, Malfray y Gimond, se reúnen en torno a una concepción común de la escultura, reafirmando su filiación directa con la escultura llamada "independiente". Al año siguiente, como ganador del Premio Internacional de Escultura de la Fundación Paul Ricard, Charles Auffret fue invitado a instalarse en la isla de Bendor con su esposa, la escultora Arlette Ginioux. Allí erigió una escultura monumental conocida como L'Éveil, una obra de gran envergadura. Participó en numerosas exposiciones en Francia y en el extranjero, y enseñó dibujo en la academia Malebranche y en las Bellas Artes de Reims antes de ser nombrado profesor de la École nationale supérieure des Arts Décoratifs. Tras su muerte, varias retrospectivas rindieron homenaje a su obra: el museo Mainssieux de Voiron, la Villa Médicis de Roma y el museo Despiau-Wlérick de Mont-de-Marsan.

Valorac. 3 000 - 4 000 EUR
Seguridad
Pagos Online seguros garantizados por Ingenico y transacciones encriptadas.
Garantías
Cada lote ha sido autenticado y valorado por una casa de subasta.
Asistencia
Consulte nuestra sección de ayuda o póngase en contacto con nosotros
Historica casa de subasta , Drouot es la casa de subastas mas grande de Francia. Abierta a todo el mundo, la institución es el lugar ideal para los amantes del arte y la decoración. La plataforma de subastas en línea drouot.com le permite pujar a distancia, desde cualquier lugar, y acceder al mayor catálogo de arte y objetos decorativos de la Europa continental.
El Grupo Drouot
CASAS DE SUBASTAS ASOCIADAS A DROUOT
Para comprar
Como comprar en drouot.com
Como comprar en el hotel de ventas de Drouot
Glosario de las subastas
Links utiles
Para vender
Haga que se valore su objeto
Ventas en el Hôtel Drouot
Suscríbase a
SERVICIOS PARA PROFESIONALES
Casas de subastas
Contactos
HÔTEL DROUOT
9, rue Drouot 75009 Paris, France
+33 (0)1 48 00 20 00
[email protected]

DROUOT.com
[email protected]
Área de prensa
Visitas y privatizaciones
CGU y advertencias legales - Política de confidencialidad - Copyright © Drouot.es