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Conjunto de curiosidades -LLADRO, España Pareja en galleta (longitud : 20 cm) -Rana en terracota formando un recogedor de flores -Escultura de terracota firmada G. LOUTREL 19 cm de largo

Valorac. 30 - 50 EUR

mar 04 jun

Henri Laurens - Henri Laurens Femme couchée (de face) 1921 Relieve en bronce. 14 x 39,6 cm. Sin marcar. Uno de 8 moldes. - Con una hermosa pátina oscura, parcialmente aclarada a un color bronce. Hofmann 103 Procedencia Galerie Louise Leiris, París (con documento adjunto); Galerie René Ziegler, Zúrich (1986); colección privada, Hesse Exposiciones Lugano 1986 (Galería Pieter Coray), Henri Laurens cubista, cat. nº 21, con ilustraciones en color. Bibliografía Cf. Marthe Laurens, Henri Laurens. Sculpteur 1885-1954, París 1955, nº IV, p. 95, con ilustraciones; Henri Laurens, expos. Cat. Haus am Waldsee, Berlín 1956, cat. nº 6; Henri Laurens. Sculptures, Graphics, Drawings, cat. Cat. Kunsthalle Bielefeld 1972, cat. nº 4; Henri Laurens (1885-1954). Esculturas, collages, dibujos, acuarelas, grabados, exp. Cat. Sprengel Museum, Hannover 1985, cat. nº 3 Cuando el escultor francés Henri Laurens conoció a Georges Braque en 1912, éste le introdujo en las ideas y técnicas del cubismo. Después de que Laurens probara inicialmente la nueva técnica de moldeado en construcciones escultóricas de madera, hierro y yeso, hacia 1920 se dedicó a la figura, que en parte moldeó en terracota y en parte hizo fundir en bronce. Para la "Femme couchée, de face", utilizó las posibilidades del relieve para representar un desnudo femenino reclinado casi a tamaño natural. Utilizando los medios de la descomposición cubista de las formas, consiguió mostrar el desnudo desde todos los ángulos: la cabeza con el pelo largo girada hacia la izquierda, la parte superior del cuerpo de frente y el vientre y las nalgas redondas apuntando hacia arriba en un solo plano pictórico. Al igual que en las naturalezas muertas, Laurens se preocupa por la interacción de las formas individuales, que se geometrizan y se funden en una sola unidad. Las formas curvas se alternan con elementos angulosos de bordes afilados. Cuando se le pregunta por su planteamiento, Laurens responde: "Cuando empiezo una escultura, sólo tengo una vaga idea de lo que quiero hacer. Por ejemplo, tengo la idea de una mujer [...]. Pero antes de que mi escultura sea una representación de algo, es [...] una secuencia de acontecimientos plásticos en mi imaginación [...]". (citado en "Die unbekannte Sammlung aus Bielefeld", expos. Cat. Bonn 2011, p. 130). El relieve de bronce procede de la galería de Louise Leiris en París, que había asumido la representación artística del escultor de manos de su cuñado Daniel Henry Kahnweiler. Este último había descubierto a Laurens y escribió retrospectivamente: "A menudo he subrayado lo importante que me parece la obra de Henri Laurens. Su contribución a la 'gran época' del cubismo difícilmente puede sobrestimarse". (citado de Werner Hofmann, Henri Laurens, Stuttgart 1970, p. 50).

Valorac. 30 000 - 35 000 EUR

jue 06 jun

Jean-Marie APPRIOU Sin título - 2012 Cerámica esmaltada 34 × 33 × 17 cm Cerámica esmaltada 13,39 × 12,99 × 6,69 pulg. Procedencia : Adquirido directamente al artista por el propietario actual La autenticidad de esta obra ha sido confirmada por el artista. Jean-Marie APPRIOU Jean-Marie Appriou desarrolla una reflexión sobre la escultura explorando materiales como el aluminio, el vidrio, el bronce y la terracota mediante procedimientos poco convencionales. De épocas arcaicas a civilizaciones futuristas, de dinosaurios a niños astronautas, Jean-Marie Appriou ofrece visiones al borde de la psicodelia, mezclando cultura pop y mitologías, de la antigüedad griega o egipcia a la ciencia ficción. Su escultura combina lo alegórico y lo sensual; al artista le gusta dejar visible la huella de sus dedos sobre el material. Teje una narrativa paradójica que reúne el pasado y el futuro, lo ideal y lo sensible, en una serie de éxtasis alucinatorios. Jean-Marie Appriou desarrolla una reflexión sobre la escultura, explorando materiales como el aluminio, el vidrio, el bronce y la terracota en procesos poco convencionales. De las épocas arcaicas a las dinosaurios a niños astronautas, Jean-Marie Appriou ofrece visiones al borde de la psicodelia, mezclando cultura pop y mitologías, desde la antigüedad griega o egipcia hasta la ciencia ficción. Su escultura combina lo alegórico y lo sensual; al artista le gusta dejar visible la huella de sus dedos sobre el material. Teje una narrativa paradójica que reúne el pasado y el futuro, lo ideal y lo sensible, en una serie de éxtasis alucinatorios.

Valorac. 12 000 - 18 000 EUR

jue 06 jun

Jean-Marie APPRIOU Sin título - 2012 Cerámica esmaltada 54 × 48 × 18 cm Cerámica esmaltada 21,26 × 18,90 × 7,09 pulg. Procedencia : Adquirido directamente al artista por el propietario actual La autenticidad de esta obra ha sido confirmada por el artista. Jean-Marie APPRIOU Jean-Marie Appriou desarrolla una reflexión sobre la escultura explorando materiales como el aluminio, el vidrio, el bronce y la terracota mediante procedimientos poco convencionales. De épocas arcaicas a civilizaciones futuristas, de dinosaurios a niños astronautas, Jean-Marie Appriou ofrece visiones al borde de la psicodelia, mezclando cultura pop y mitologías, de la antigüedad griega o egipcia a la ciencia ficción. Su escultura combina lo alegórico y lo sensual; al artista le gusta dejar visible la huella de sus dedos sobre el material. Teje una narrativa paradójica que reúne el pasado y el futuro, lo ideal y lo sensible, en una serie de éxtasis alucinatorios. Jean-Marie Appriou desarrolla una reflexión sobre la escultura, explorando materiales como el aluminio, el vidrio, el bronce y la terracota en procesos no convencionales. De las épocas arcaicas a las dinosaurios a niños astronautas, Jean-Marie Appriou ofrece visiones al borde de la psicodelia, mezclando cultura pop y mitologías, desde la antigüedad griega o egipcia hasta la ciencia ficción. Su escultura combina lo alegórico y lo sensual; al artista le gusta dejar visible la huella de sus dedos sobre el material. Teje una narrativa paradójica que reúne el pasado y el futuro, lo ideal y lo sensible, en una serie de éxtasis alucinatorios.

Valorac. 8 000 - 12 000 EUR

vie 07 jun

Jean-Baptiste Carpeaux (1827-1875) Flora agazapada n°1 Hacia 1870 Bronce patinado marrón Firmado "Carpeaux. SC. " Estampado "PROPRIETE CARPEAUX". H. 51 cm Esta Flora agazapada es una adaptación de la figura del Triunfo de Flora creada en el marco de una serie de esculturas encargadas a Jean-Baptiste Carpeaux por Napoleón III en 1863 para adornar la fachada sur del Pavillon de Flore del Louvre. Carpeaux empezó a pensar en la edición del modelo en 1869. Nuestro bronce forma parte de la primera edición del modelo realizada por el taller del escultor a partir de 1869. La familia primero, y luego la firma Susse, continuaron publicando esta obra emblemática del escultor de Valenciennes. Obras relacionadas : - Jean-Baptiste Carpeaux, Le Printemps dit Flore accroupie, 1870, grabado en terracota, firmado "JBt Carpeaux" en la terraza, Al. 52 x An. 31 x Pr. 30 cm, Valenciennes, Museo de Bellas Artes, inv. 98.26.7. - Jean-Baptiste Carpeaux, Le Printemps dit Flore accroupie, 1873, mármol, firmado "JBt Carpeaux" e inscrito "Baudet. París", Al. 104,2 x An. 56,4 x Pr. 69,4 cm, Valenciennes, Musée des Beaux-Arts, inv. S.Y.123. - Jean-Baptiste Carpeaux, Flore accroupie, hacia 1869, yeso, firmado "J.B.Carpeaux", Al. 52 x An. 29 x 32 cm, París, Petit Palais, Musée des Beaux-Arts de la ville de Paris, inv. PPS1565. Bibliografía relacionada: Michel Poletti, Alain Richarme, Jean-Baptiste Car- peaux, escultor. Catalogue raisonné de l'œuvre édité, París, Les Expressions Contemporaines, 2003, modelo citado con el nº SE 10, p. 87.

Valorac. 25 000 - 30 000 EUR

sáb 08 jun

Jean-Baptiste CARPEAUX (1827-1875) Esperanza. Escultura en mármol blanco firmada y fechada JBte Carpeaux 1873 en el lado derecho. (Pátina, manchas en el mármol, pequeñas carencias en la parte posterior de la escultura en el cabello). Altura: 55,8 cm. Largo: 33 cm. Profundidad: 28 cm. El modelo que presentamos corresponde a la tercera y última versión, con la Esperanza peinada con largos rizos y tocada con una corona de lirios. Una venta en el Hôtel Drouot, el 23 de mayo de 1874, de un grupo de terracotas, mármoles y bronces de Carpeaux menciona un busto de mármol que ilustra L'Espérance (lote 49), pero con dimensiones ligeramente diferentes. Las ventas de Carpeaux de 1872 a 1874 enumeran seis ejemplos de mármol, entre ellos una escultura de 1869, que apareció en la venta de Carpeaux de 1873; otra, también de 1873, procedente de la colección Fabius, se vendió en París el 26 de octubre de 2011 (Sotheby's, lote 227). El molde de escayola original se conserva actualmente en la Gliptoteca de Copenhague, y el modelo de escayola para el mármol forma parte de la colección de la Gliptoteca de Copenhague. forma parte de las colecciones del Museo del Segundo Imperio de Compiègne. L'Espérance se realizó en terracota y se esculpió en mármol, principalmente en vida del artista; no parece que haya habido una edición en bronce. Bibliografía: - A.Richarme, M.Poletti, Jean-Baptiste Carpeaux Sculpteur - Catalogue raisonné de l'œuvre editado, Les éditions de l'amateur, París, 2003 (pág. 128 y ss.).

Valorac. 10 000 - 15 000 EUR

Escuela española; siglo XIX. "La Sagrada Familia". Madera, tela y cristal Medidas: 39 cm (Virgen); 22 cm (San José), 20 cm (Niño); 53 x 39 x 23 cm (urna). Grupo escultórico en el que se representa a la Sagrada Familia inscrita en un frondoso follaje. La Virgen descansa sentada mientras mira a su hijo, que está colocado sobre un promontorio en el paisaje, de modo que su figura no sólo está en el centro sino también ligeramente elevada. La composición se completa con la imagen de San José al fondo, como es habitual. Todas las esculturas, modeladas en terracota, presentan una viva policromía que armoniza con la calidad de los ropajes de cada una de ellas, que, al ser de tela, confieren veracidad a la escena, así como dinamismo y movimiento. La representación y modelo de la Sagrada Familia ha servido como imagen que refuerza el retrato familiar y la representación moral de la familia cristiana. Las diferentes variantes que nos han llegado de la historia del arte se han debido a las necesidades políticas y religiosas de la época. En la época del Renacimiento italiano para el arte, pero altomedieval para la sociedad, la iconografía de la Sagrada Familia se basaba predominantemente en la Virgen, el Niño y Santa Ana, sobre todo en Toscana, ya que la madre de la Virgen era la patrona de la ciudad de Florencia. Aunque la figura de San José no suele estar representada en la iconografía de este tema, o si lo está es de forma más contenida y casi secundaria, fue durante el siglo XVII cuando su figura como padre terrenal del Niño cobró mayor protagonismo en escenas en las que su papel paternal y protector era más palpable e incluso, en ocasiones, protagonista. Ello se debe a la concepción que de él ha tenido la Iglesia a lo largo de la historia, cuyo interés por la figura de San José se fue replanteando a medida que se reelaboraban nuevas creencias, a lo que se sumó el desarrollo de la sociedad burguesa.

Precio de salida  325 EUR
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