Todos los lotes " Cuadros antiguos (antes de 1870)" Búsqueda avanzada

Borrar todos los filtros
252 Resultados

jue 18 jul

Biagio Betti - Biagio Betti (1535-1605) - Jesús en el juicio ante el Sanedrín cm 66 x106 Óleo sobre lienzo Sin enmarcar. Biagio Betti fue alumno de Daniele Da Volterra, fraile laico de la orden teatina. De carácter ecléctico, estuvo en contacto con el mundo artístico romano, pero también más allá de los Alpes. Conoció los grabados de Durero, que le influyeron en sus composiciones. Estilísticamente representa un manierismo romano tardío de la última parte del siglo XVI. Estudio ASOR Opinión del profesor Claudio Strinati Biagio Betti (Cutigliano c. 1545 - Roma 1615) Jesús interrogado en el Sanedrín (óleo sobre lienzo 64 x 104 cm) El cuadro representa el momento crucial de la historia de la Pasión de Cristo, cuando el Redentor es conducido, tras su Captura en el Huerto de Getsemaní, al Sanedrín, es decir, al Tribunal judío administrado por los saduceos y los fariseos, para ser interrogado sobre sus presuntos pecados y posteriormente condenado, aunque la sentencia real fue pronunciada por Pilato. La escena está ejecutada, en nuestro cuadro, con notable maestría y refinamiento pictórico, con un estilo impecable, riguroso en la definición de la perspectiva y bastante conciso y resumido en las figuras, como si el autor de la obra fuera ante todo un miniaturista especializado como para prodigar toda su doctrina en la definición analítica de las imágenes, acentuando sus diferentes estados de ánimo, desde la tristeza doliente de Cristo hasta la arrogancia burocrática de los grandes sacerdotes que aparecen en gran número en el cuadro y que eran en realidad, según las fuentes antiguas, unos setenta y todos muy agresivos. Nuestro cuadro, por razones estrictamente estilísticas, parece datar de finales del siglo XVI y enmarcarse precisamente en ese ambiente de la cultura de la miniatura que contaba entonces con notables exponentes italianos y flamencos. Entre ellos destacaba un pintor que era también un eminente religioso, el padre teatino Biagio Betti, de quien Giovanni Baglione escribió una exhaustiva y erudita biografía, describiéndolo como una personalidad culta y autorizada, muy influyente en el debate sobre el arte religioso y hábil pintor, escultor y miniaturista él mismo. En esta biografía (publicada en su libro Le Vite de' pittori, scultori e architetti, Roma 1642, en la edición moderna de Barbara Agosti y Patrizia Tosini, Officina Libraria 2023, vol. 1, p. 632 y ss.) la intención teológica es evidente y principalmente doctrinal de las obras ejecutadas por el pintor teatino, pero con un formidable enfoque a la calidad intrínseca de las pinturas y a su originalidad iconográfica. De las obras citadas por Baglione se conservan pocas, pero suficientes para atribuir a Biagio Betti el cuadro que nos ocupa. De hecho, la iglesia de San Silvestro al Quirinale de Roma conserva una gran lienzo, firmado sin duda por este artista, que representa La disputa de Jesús con los Doctores (un tema similar, aunque diferente, al de la obra que nos ocupa). que, a diferencia de nuestro cuadro, es un verdadero retablo ejemplificado, desde el punto de vista iconográfico, en las estampas de Durero muy estudiadas y conocidas en la época de Betti. Y similar es el escenario de nuestro cuadro atribuible, por tanto, a la Betti sobre la base de una comparación directa con la citada Disputa, que denota un estilo "nórdico" similar aunque a escala monumental, mientras que nuestro cuadro es, como se ha señalado, absolutamente miniaturizado. Por otra parte, Baglione afirma claramente que el pintor Biagio Betti, "era asimismo iluminador y en el papel de pergamino y en todas las demás cosas exquisitamente coloreado". Este parece ser el caso de nuestro cuadro, ejemplo notable de una pintura-miniatura de gran significación intrínseca y fina calidad de redacción, perceptible aún hoy a pesar de algunos problemas de conservación que la obra debió de tener pero que no perjudican en lo más mínimo la apreciación y el consiguiente juicio crítico. Creo que es posible que este cuadro nuestro fuera ejecutado coincidiendo con las celebraciones jubilares del año 1600 cuando el Padre Biagio Betti estaba en la cima de su parábola y fama como miniaturista y pintor de autoridad. Una pintura, por lo tanto, notable tanto a nivel artístico e histórico como doctrinal, a la que atribuyo un conspicuo valor de E. 25.000,00 En fe, Claudio Strinati

Valorac. 4 300 EUR

jue 18 jul

Simone de Wobreck - Simone de Wobreck (Haarlem 1557) - Subida al Calvario H cm 53 x 40, en marco 63 x 48 Óleo sobre tabla Peritaje del profesor Claudio Strinati: "La Subida al Calvario lleva en el reverso (parcialmente cubierto por un parquet presumiblemente aplicado hace poco para reforzar la estabilidad de la madera) la siguiente inscripción: Martin de Vos Amberes 1532-1603. Por tanto, la referencia, que creo que también fue escrita en tiempos recientes, es al famoso pintor flamenco que también estuvo presente en Italia y dejó en nuestro país obras distinguidas, así como un floreciente taller. Y es precisamente este punto el que hay que tratar en relación con nuestra pintura. En efecto, la obra que aquí examinamos es absolutamente flamenca y puede fecharse con absoluta certeza en la segunda mitad del siglo XVI, pero no denota en absoluto el estilo inconfundible de Martin de Vos. Al contrario, nuestra obra se inscribe en un ámbito de la pintura flamenca en Italia que no deriva directamente de de Vos, sino que coincide con una escuela colateral pero distinta de sus compatriotas. Característico de nuestra pintura, aquí examinada, es el enjambre de personajes en torno al Redentor caído, reflejo de un doble sentimiento: ético y estético. Por una parte, si se observa de cerca, el pintor representa vigorosamente, con acentos duros, casi populares, el dolor y la tristeza de la muchedumbre, que se concentra y se diluye con un efecto escénico muy evocador y atrayente; por otra parte, se puede leer en la obra como un sentimiento general de burla y de escarnio, coherente con la historia representada. Este tipo de representación es típico de la cultura flamenca, que está incluso lejanamente conectada, en muchos autores activos también en Italia, con la cultura de Hieronymus Bosch, que se remonta, sin embargo, a la primera mitad del siglo XVI. Pero todo esto no pertenece a la cultura de de Vos, que se orienta más bien hacia un clasicismo austero y noble. Aquí, en nuestra obra, se ve exactamente lo contrario del clasicismo. Por el contrario, se ve una actitud por parte del pintor que ejecutó el cuadro de tipo absolutamente manierista que se corresponde con lo que hemos observado aquí. Los rasgos estilísticos de nuestro cuadro, por tanto, están estrechamente relacionados con otro maestro flamenco que trabajaba en el sur de Italia en la segunda mitad del siglo XVI, Simone De Wobreck. Se trata de un nombre quizá menos conocido hoy que el de De Vos, pero Simone De Wobreck fue un maestro excepcional, activo sobre todo en Sicilia, donde creó un importante grupo de discípulos y seguidores. Si se compara nuestro cuadro con una auténtica obra maestra de De Wobreck, como el majestuoso retablo de la Circuncisión de la iglesia de San Domenico de Castelvetrano, queda claro, en mi opinión, que se trata de la misma mano. Analítico y agudo, vivo y prolífico, nuestro cuadro fue creado por un artista de la misma mentalidad y cultura figurativa que vemos expresadas en el retablo de Castelvetrano. Además, Simone De Wobreck trató repetidamente el tema de la Subida al Calvario, como bien documentan al menos dos retablos que las fuentes le refieren, uno en San Francesco in Caccamo y otro en la iglesia de Santa Maria Maddalena de Ciminna. Nuestro cuadro, en suma, debe considerarse una obra notable del manierismo flamenco en Italia, fechable probablemente entre la novena y la décima década del siglo XVI, en los últimos años de la vida de De Wobreck que, nacido en Haarlem en fecha indeterminada pero que hay que situar en la cuarta década, desapareció, por razones documentales, hacia 1596/97".

Valorac. 6 900 EUR

jue 18 jul

() - Virgen con el Niño, ángeles y San José, siglo XVI 104X78 cm en marco 124X99 Óleo sobre tabla El cuadro en cuestión, que representa a la Sagrada Familia y a los dos ángeles, refleja una iconografía muy difundida en el siglo XVI, tanto en las escuelas de pintura italianas como extranjeras. El cuadro puede situarse en la segunda mitad del siglo XVI y probablemente hacia 1570/80. Debe considerarse de interés histórico por ser representativo del ámbito estilístico flamenco que viajó por España y Portugal y se difundió hasta culminar en algunos discípulos de la escuela napolitana. En particular, el cuadro parece estar estrechamente relacionado, en composición y estilo, con la actividad de los talleres de pintura españoles y más concretamente con los de Palma de Mallorca. Las influencias flamencas en dichos talleres aparecen ya en la segunda mitad del siglo XV y se mantienen activas hasta finales del siglo XVI, periodo del que es representativa nuestra obra. De hecho, es un conspicuo testimonio histórico de ese momento de convergencia de la letio hispanoflamenca con la europea en general y en particular con la escuela napolitana, que ya había mostrado sus pródromos en la segunda mitad del siglo XV con Colantonio. De particular interés es la iconografía del niño que parece saltar de la composición pictórica manifestando alegría y afecto hacia su madre. Esta iconografía es frecuente, sobre todo en la escuela catalana. Estudio ASOR.

Valorac. 3 400 EUR

jue 18 jul

Elena Recco - Elena Recco (Nápoles 1654-Madrid 1715) - Bodegón de pescado, siglo XVII cm 40 x cm 48, en bastidor cm 52 x cm 60 óleo sobre lienzo Presente Peritaje del Prof. Strinati. "El Bodegón de pescado (óleo sobre lienzo, 37 x 47 cm, enmarcado 50 x 62 cm) es una obra que se inscribe perfectamente en la producción de Elena Recco, destacada pintora especializada en este género, hija del gran maestro napolitano Giuseppe Recco y activa durante mucho tiempo junto a su padre (así como su poco conocido hermano Nicola Maria) entre Nápoles y la Corte Real española a la que se trasladó, siguiendo a su padre, hacia finales del siglo XVII y donde permaneció durante mucho tiempo, honrada con encargos muy importantes y primordiales. Partiendo de la edad conocida y documentada historiográficamente de Recco (Nápoles 1654, Madrid 1715), el cuadro aquí examinado, desde el punto de vista estilístico y material, parece datable ciertamente en la primera década del siglo XVIII, en la fase más madura de la producción del insigne artista. Llego a esta consideración comparando nuestra obra sobre todo con una serie de pinturas de la antigua colección Orsini de Gravina di Puglia (hoy totalmente dispersa entre varias propiedades), donde se encontraban de hecho Muertes de peces de Elena Recco verdaderamente notables, aunque los inventarios a veces las consignen erróneamente bajo el nombre del gran padre Giuseppe. A este respecto, señalo como caso escolar de gran interés histórico y artístico un Bodegón de peces, extremadamente próximo al nuestro, publicado por Lucio Galante, en La Natura Morta in Italia, tomo secondo, Electa Milano 1989, p. 971, n.º 1183, bajo el nombre de Giuseppe Recco pero que en realidad es una obra maestra absoluta de su hija Elena. Recco se especializó sobremanera en el género de la pintura de pescado, y nuestro cuadro parece muy significativo por el método típico y distintivo del artista de mezclar imágenes de pescado como si hubieran sido arrojadas en desorden sobre el mostrador de la pescadería, a la espera de ser distribuidas a diversos clientes y mecenas. La materia pictórica en nuestro caso es espesa y corpulenta, y esto también es un elemento peculiar que caracteriza la producción de esta gran pintora que merece un lugar por derecho propio, y de absoluto relieve, en la grande y elevada historia de la Naturaleza Muerta en Nápoles entre los siglos XVII y XVIII.Concluyo señalando el estado de conservación del cuadro aquí examinado como muy bueno y confirmando así su calidad intrínseca bastante elevada.Estimo por tanto el cuadro en relación con las condiciones actuales del mercado internacional en una cotización de E. 18.000,00 (dieciocho mil). En fe, Claudio Strinati".

Valorac. 3 900 EUR

jue 18 jul

Antonio Cifrondi - Antonio Cifrondi (Clusone 1656-Brescia 1730) - Mujer con gallina, 1700-1730 84x105 cm Óleo sobre lienzo Obra sin marco. "En un fondo azulado, desnudo y aplanado, única referencia a una espacialidad exterior, emerge de la penumbra la figura de una anciana encorvada, con la frente surcada de arrugas y fuertes brazos -desgastados por el duro trabajo de la tierra- que delinean su papel de campesina. Con una composición sobria y naturalista, la mujer puede considerarse la verdadera protagonista del cuadro, aunque, al leer su floja mirada -probada por el cansancio y la edad-, se invite al observador a centrarse en el pájaro blanco, delicadamente posado en una percha llena de heno. La imagen de la mujer está modelada mediante amplias pinceladas matéricas impregnadas de colores escasos y cálidos, claramente perceptibles en los tonos rosados de su tez, que comparten las sombras terrosas que contribuyen a la plasticidad de la figura. Las características formales de la obra están influidas por la pintura lombarda, hasta el punto de acercarse a esos temas profanos tan en boga en las últimas décadas del siglo XVII. Sin embargo, el rasgo estilístico revelado por la sobriedad cromática permite asignar la obra al bergamasco Antonio Cifrondi y situarla en los treinta primeros años del siglo XVIII". De hecho, tras haber estado en Francia, se instaló definitivamente en Brescia, consciente del conocimiento que había tenido de Le Brun y de la visión directa de la naturaleza y de la vida cotidiana que inspiraron la pintura transalpina del siglo XVII. Se dedicó, pues, a la composición de cuadros donde las clases más humildes son las protagonistas: figuras de pobres, de pitocchi, de campesinos, etc. El cuadro que nos ocupa es una expresión de este periodo, ejecutado con una técnica rápida, de pincelada amplia, decidida y segura. ASORstudio

Valorac. 2 000 EUR

jue 18 jul

Francesco Conti - Francesco Conti (Florencia 1681-1760) - Anunciación 88x55 cm en bastidor 101,5x69 cm Óleo sobre lienzo Peritaje del profesor Claudio Strinati. Anunciación (óleo sobre lienzo, cm. 101 x 69 con bastidor) Se trata de una obra que, por su estilo (el dibujo ondulado y animado de las figuras y de los drapeados) y su iconografía (el Arcángel Gabriel y la Virgen están de pie y tienen la misma estatura y presencia en el espacio), debe fecharse a principios del siglo XVIII, reflejando en parte la cultura pictórica de la escuela romana de Carlo Maratta, probablemente aún viva en el momento de la creación de nuestro cuadro aquí examinado; en parte, el legado de la escuela barroca florentina, menos conocida hoy en día pero extremadamente floreciente y rica en personalidad, especialmente tras el paso por la ciudad de Pietro da Cortona y Ciro Ferri, que dejaron obras maestras distinguidas cuyo eco también se percibe en nuestro cuadro. Por razones estilísticas, creo que el autor de este bello cuadro debe identificarse con el florentino Francesco Conti, que estuvo en estrecho contacto con la escuela Marattesca de Roma cuando era muy joven (donde fue alumno del eminente Giovanni Maria Morandi), pero que luego siguió su propio camino que le llevó, tras regresar a Florencia a tiempo, a conseguir brillantes resultados en el ámbito de la pintura barroca toscana marcados por esas características de ingenio, elegancia formal y suave dinamismo que me parece que están todas presentes en nuestra obra. La comparación con una de las primeras obras maestras de Conti, el retablo de la Trinidad de la iglesia florentina de San Jacopo sopr' Arno, que puede fecharse antes del final de la primera década del siglo XVIII, me lleva a reconocer la misma mano en nuestra pintura. Entre otras cosas, es curioso cómo se diría que el modelo del Padre Eterno, con una singular calvicie y una barba rala y nerviosa, es exactamente el mismo tanto en el retablo mencionado como en nuestro cuadro, donde se le representa canónicamente enviando sobre el tierra al Espíritu Santo en forma de paloma. Concluyo que nuestro cuadro es un testimonio interesante y muy bello de la comienzos de un artista ciertamente menos célebre hoy que algunos de sus eminentes compatriotas y contemporáneos, pero de considerable interés y como tal citado con mérito tanto en los escritos de como en los de algunos maestros de la historiografía del siglo XX. como Matteo Marangoni, que en uno de sus importantes ensayos Settecentisti (pero no demasiado) florentinos, en su volumen Arte barocca, Firenze Vallecchi 1973 (2ª ed.) puso la relevancia de Conti con argumentos que siguen siendo válidos hoy en día. La nuestra es, pues, una obra de notable significación histórica y fina calidad artística avalada por su excelente estado de conservación. Por consiguiente, considero que el valor del cuadro aquí examinado es, según las condiciones actuales del mercado en la fecha de esta tasación, igual a 25.000 euros. De fe, Claudio Strinati

Valorac. 3 400 EUR

jue 18 jul

Angelo Inganni - Angelo Inganni (Brescia 1807-Gussago 1880) - Vista de la Piazza dei Mercanti o El pasaje de la Piazza dei Mercanti a la Pescheria Vecchia H cm 46,5x36 - en bastidor H cm 57x45 Óleo sobre lienzo Firmado y fechado abajo a la derecha Peritaje del profesor Claudio Strinati: "La finísima pintura está firmada por Angelo Inganni y es una obra típica de su época tardía, es decir, ejecutada durante la octava década del siglo XIX, cuando el maestro, tras varios interesantes acontecimientos entre Milán y Viena, se dedicó con gran empeño y fervor a la representación de la vida cotidiana en la ciudad, con un acertado sentido de la perspectiva y una magnífica aptitud para la pintura narrativa llena de figurines siempre fuertemente caracterizados, salpicando sus cuadros de anécdotas y episodios de todo tipo que retratan lo mejor posible el tumulto de una vida viva y bulliciosa. Desde su juventud, a decir verdad, Inganni había seguido este tipo de planteamiento, pero con el tiempo su estilo se hizo más minucioso y delicado, y nuestro cuadro, aquí examinado, refleja plenamente este cambio estilístico extremo. La influencia, que había sido decisiva en su primera etapa, de los grandes "pintores de ciudad" de la generación que le precedió, como el piamontés Giovanni Migliara o el veneciano Giuseppe Canella, aún puede sentirse muy vivamente en esta obra. De estos artistas Inganni tomó, precisamente, ese gusto por la narrativa urbana que caracterizó tantos momentos memorables de la pintura europea de la primera mitad del siglo XIX. Pero, en comparación con sus predecesores, Inganni tiene más derecho que nunca a ser considerado (como demuestra suficientemente nuestro cuadro) el pintor por excelencia del popolo minuto y de la pequeña burguesía. En nuestro cuadro, los unos se codean con los otros con naturalidad y sencilla espontaneidad, pero al mismo tiempo el ojo del artista se involucra amablemente en las alegrías y sufrimientos de la vida cotidiana. Todo ello se enmarca en una estructura de perspectiva muy precisa en la que la mirada barre hacia horizontes lejanos que se ciernen sobre la maraña cerrada de callejuelas y plazoletas. La zona de Milán representada en el cuadro que aquí se examina es aquella en la que el pintor ejerció su oficio durante décadas, los alrededores de la iglesia de San Marcos, que sigue existiendo aunque haya sido profundamente transformada por el urbanismo moderno. Un bello testimonio de un pintor verdaderamente insigne con una obra, además, perfectamente conservada".

Valorac. 8 500 EUR
Seguridad
Pagos Online seguros garantizados por Ingenico y transacciones encriptadas.
Garantías
Cada lote ha sido autenticado y valorado por una casa de subasta.
Asistencia
Consulte nuestra sección de ayuda o póngase en contacto con nosotros
Historica casa de subasta , Drouot es la casa de subastas mas grande de Francia. Abierta a todo el mundo, la institución es el lugar ideal para los amantes del arte y la decoración. La plataforma de subastas en línea drouot.com le permite pujar a distancia, desde cualquier lugar, y acceder al mayor catálogo de arte y objetos decorativos de la Europa continental.
El Grupo Drouot
CASAS DE SUBASTAS ASOCIADAS A DROUOT
Para comprar
Como comprar en drouot.com
Como comprar en el hotel de ventas de Drouot
Glosario de las subastas
Links utiles
Para vender
Haga que se valore su objeto
Ventas en el Hôtel Drouot
Suscríbase a
SERVICIOS PARA PROFESIONALES
Casas de subastas
Contactos
HÔTEL DROUOT
9, rue Drouot 75009 Paris, France
+33 (0)1 48 00 20 00
[email protected]

DROUOT.com
[email protected]
Área de prensa
Visitas y privatizaciones
CGU y advertencias legales - Política de confidencialidad - Copyright © Drouot.es