Null VERA WALTHER. DECORATIVE GOBLET. GERMANY, 1980'S.
Coloured artistic glass. …

Descripción

VERA WALTHER. DECORATIVE GOBLET. GERMANY, 1980'S. Coloured artistic glass. Signed on the base. Height 21 cm; 18 cm mouth.

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VERA WALTHER. DECORATIVE GOBLET. GERMANY, 1980'S. Coloured artistic glass. Signed on the base. Height 21 cm; 18 cm mouth.

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Valorac. 30 000 - 35 000 EUR

KEITH HARING (Pensilvania, 1958- Nueva York, 1990) para New York City Skateboards, Inc. Serigrafía sobre madera, 1986. Monopatín. Tienda Pop original. Ejemplar muy exclusivo. Presenta marcas de uso. Medidas: 76 x 26 cm. Se trata de una pieza original autorizada por Keith Haring en 1986, no de una reproducción posterior, como atestigua el logotipo de New York City Skateboards, Inc. La Pop Shop abrió sus puertas en 1986 en el 292 de Lafayette Street, en el barrio del Soho de Manhattan, Nueva York. Haring veía la Pop Shop como una extensión de su obra, una divertida boutique donde su arte podía estar al alcance de todos. La tienda vendía camisetas y artículos novedosos con imágenes de Keith y algunos de sus contemporáneos, como Kenny Scharf y Jean Michel Basquiat. Más tarde, en 1987, Haring abrió una Pop Shop en Tokio. Haring pintó las paredes interiores de ambas tiendas, creando una experiencia inmersiva en su estética. La Pop Shop de Tokio cerró en 1988 y la de Nueva York en septiembre de 2005. En 2006, la exposición Keith Haring: Arte y Comercio examinó el contexto y la historia de la Pop Shop, y en 2009, como parte de la exposición colectiva Pop Life, la Tate Modern reconstruyó aspectos de la Pop Shop de Nueva York para recrear la sensación de la original. El techo original de la Pop Shop fue donado a la New-York Historical Society y está instalado en su entrada. Considerado el mascarón de proa del arte callejero de la década de 1980, la imparable carrera profesional de Haring, que le llevó a convertirse en colega de Warhol y superestrella mediática, comenzó con sus obras en el metro de Nueva York. La enorme popularidad de la obra urbana de Haring entre los neoyorquinos llamó inmediatamente la atención del establishment artístico. En consecuencia, Andy Warhol lo adoptó en su círculo, y el entonces emergente galerista Tony Shafrazi le organizó una resonante exposición individual en 1982 que sería la plataforma de lanzamiento de su imparable éxito. Pronto expuso en la galería del influyente Leo Castelli y se consolidó como estrella profesional del arte. Keith Haring fue un artista estadounidense cuyo arte pop y graffiti surgieron de la cultura callejera de Nueva York en la década de 1980. La obra de Haring creció en popularidad gracias a sus dibujos espontáneos en el metro de Nueva York realizados con tiza sobre fondos de espacios publicitarios en blanco y negro. Tras lograr el reconocimiento público, creó obras a gran escala como murales. Su obra posterior abordó a menudo temas políticos y sociales, especialmente la homosexualidad y el sida, a través de su propia iconografía. En la actualidad, la obra de Haring se reparte entre importantes colecciones privadas y públicas, como el Museo de Arte Moderno y el Museo Whitney de Arte Americano de Nueva York; el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles; el Instituto de Arte de Chicago; el Museo Bass de Miami; el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de París; el Museo Ludwig de Colonia; y el Museo Stedelijk de Ámsterdam. También creó una gran variedad de obras públicas, como la enfermería del Children's Village de Dobbs Ferry (Nueva York) y el baño de hombres del segundo piso del Lesbian, Gay, Bisexual & Transgender Community Center de Manhattan, que más tarde se transformó en una oficina y se conoce como Keith Haring Room. En enero de 2019, se inauguró una exposición titulada "Keith Haring New York" en la Facultad de Derecho de Nueva York, en el edificio principal de su campus de Tribeca. Presenta marcas de uso.

Valorac. 5 500 - 6 500 EUR

JOSEP GUINOVART (Barcelona, 1927 - 2007). Sin título, ca. 1980's. Técnica mixta (pintura y collage) sobre papel. Medidas: 226 x 116 cm; 236 x 126 cm (marco). El cuadro en cuestión data probablemente de los años ochenta, un periodo particularmente experimental en la producción de Guinovart. El uso del collage y de la abstracción poética es característico de este periodo, así como la preferencia por los tonos siena, marrones y pardos. Incluye sutiles trazos sintéticos que parecen rendir homenaje a las criaturas postcubistas de Picasso y, al mismo tiempo, la composición (que deja vacía la parte superior) remite indirectamente al perro enterrado de Goya. Josep Guinovart se formó en la Escuela de Maestros Pintores, en la Escuela de Artes y Oficios y en las clases del FAD. Expuso individualmente por primera vez en las galerías Syra de Barcelona en 1948. Inmediatamente adquiere un sólido prestigio, colabora con Dau al Set y participa en los salones Octubre, Jazz y Once. En los años cincuenta, gracias a una beca, vivió en París, donde conoció profundamente la obra de Cézanne y Matisse, que, junto con Miró y Gaudí, serían sus influencias más importantes. En 1955, junto con Aleu, Cuixart, Muxart, Mercadé, Tàpies y Tharrats, formó el grupo Taüll, que reunía a los artistas de vanguardia de la época. Hacia 1957 inició una tendencia informalista y abstracta, con una fuerte presencia matérica tanto por la incorporación de elementos y objetos diversos (maderas quemadas, cajas, objetos de desecho) como por la aplicación de técnicas como el collage y el assemblage. A partir de los años sesenta se aleja de la poética informalista y comienza a crear obras llenas de signos y gestos, que contienen una fuerte carga expresiva en las líneas y los colores. Durante los años setenta utilizó sistemáticamente materiales como arena, tierra, barro, paja o fibrocemento, y en la década siguiente se centró en la experimentación con la proyección tridimensional de sus obras, que se concretó en la creación de ambientes o entornos espaciales como el titulado Contorn-extorn (1978). Guinovart tiene una producción artística muy variada: pinturas murales, decorados y escenografías teatrales, como la realizada para Bodas de Sangre de Federico García Lorca, ilustraciones de libros, diseño de carteles, tapices y esculturas. Participó en las Bienales de São Paulo (1952 y 1957), Alejandría (1955) y Venecia (1958, 1962 y 1982), y entre sus premios destacan el Ciudad de Barcelona en 1981, el Nacional de Artes Plásticas en 1990 y el de Artes Plásticas de la Generalitat en 1990. En 1994 se inauguró en Agramunt, Lérida, el Espacio Guinovart, fundación privada que cuenta con una exposición permanente del artista. Está representado en los Museos de Arte Contemporáneo de Barcelona, Madrid y Ciudad de México, el Museo de Escultura al Aire Libre de Santa Cruz de Tenerife, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, el Museo de Bellas Artes de Bilbao, el Museo San Telmo de San Sebastián, el Museo Eusebio Sempere de Alicante, el Museo de Navarra de Tafalla, la Casa de las Américas de La Habana, el Museo Bocchum de Alemania, el Museo de Bellas Artes de Long Island, Nueva York, y el Museo Patio Herreriano de Valladolid.

Valorac. 6 000 - 6 500 EUR

SONIA DELAUNAY (Odessa, 1885 - París, 1979). "Projet de tissu", ca.1920's. Aguada sobre papel. Procedencia: Subasta Doyle, Nueva York. Medidas: 42,5 x 31 cm; 57 x 46 cm (marco). El "Proyecto Tissu" de Sonia Delaunay fue un enfoque innovador del diseño textil que integraba los principios del arte órfico en las prendas. El Proyecto Tissue representa una fusión vanguardista de arte y diseño. Sonia, junto con Robert Delaunay, engendró el Orfismo, un movimiento artístico que exploraba el uso del color y la abstracción geométrico-cinética. A partir de esta investigación, Sonia exploró las posibilidades plásticas aplicadas a la moda y el diseño, logrando patrones dinámicos y vibrantes. Otra idea clave fue la de la simultaneidad: la consideración de que los colores interactúan entre sí cuando se colocan uno al lado del otro, creando una sensación de movimiento y profundidad. Sonia aplicó esta teoría a la pintura y al diseño textil. Nacida como Sonia Ilínichna Stern, Sonia Delaunay es más conocida por su apellido de casada, que adoptó tras contraer matrimonio con Robert Delaunay. Pintora y diseñadora francesa de origen ucraniano, fue, junto con su marido, una de las principales representantes del arte abstracto, así como la creadora del simultaneísmo. Creció en San Petersburgo, en contacto con la colección de cuadros de la Escuela de Barbizon de su tío y con la vida cultural de la ciudad. En 1903 se trasladó a Alemania para ampliar su formación, donde descubrió la pintura contemporánea y estudió dibujo con Schmidt-Reuter. Dos años más tarde se trasladó a París y se matriculó en la Academie de la Palette, donde también se inició en el grabado con Grossman. Durante estos años se acercó a la vanguardia europea a través del expresionismo alemán, con una obra que también revela ecos del postimpresionismo. En 1908 celebró su primera exposición, en la que mostró obras de su recién iniciado periodo fauvista. Dos años más tarde se casa con Delaunay, con quien comparte inquietudes estéticas. Su arte experimenta entonces un cambio de dirección, hacia la abstracción. La artista se orientará entonces hacia las artes decorativas, siempre con un lenguaje colorista puramente abstracto que atraerá la atención de sus coetáneos y también de la crítica. Aunque en 1912 volvió a la pintura, su fama como diseñadora ya se había consolidado en toda Europa. A partir de entonces, participa con frecuencia en importantes exposiciones europeas, como el Salón de Otoño de Berlín o el Salón de los Independientes de París. Durante la Primera Guerra Mundial vivió en España y Portugal, donde desarrolló una intensa actividad creativa, incluida la colaboración con el ballet de Diaghilev. En 1921 la pareja regresó a París, donde Sonia Delaunay continuó trabajando en importantes proyectos, además de exponer su obra tanto en Europa como en Estados Unidos. Ya plenamente reconocida a partir de los años cincuenta, comenzaron a publicarse recopilaciones de su obra y, de hecho, en 1958 se le dedicó su primera exposición retrospectiva en Bielefeld (Alemania). Además, en 1975 fue nombrada oficial de la Legión de Honor francesa. En la actualidad, Delaunay está representada en importantes colecciones de todo el mundo, como las del MoMA de Nueva York, el Hermitage de San Petersburgo, el Reina Sofía de Madrid, el Albertina de Viena y Haifa de Israel.

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