Null Expositor publicitario esmaltado Distribuidor de colores Viynleix y Central…
Descripción

Expositor publicitario esmaltado Distribuidor de colores Viynleix y Centraline/Peinturesa Vinyleix et Centraline Distributeur, Francia, c. 1930, muy buen estado, mínimas señales de envejecimiento, motivo en ambas caras, marcado Emaillerie Alsaciene Strasbourg abajo a la derecha, 57,5 x 39 cm, peso 2,6 kg. 4335-002

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Expositor publicitario esmaltado Distribuidor de colores Viynleix y Centraline/Peinturesa Vinyleix et Centraline Distributeur, Francia, c. 1930, muy buen estado, mínimas señales de envejecimiento, motivo en ambas caras, marcado Emaillerie Alsaciene Strasbourg abajo a la derecha, 57,5 x 39 cm, peso 2,6 kg. 4335-002

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Modelo de EUGÉNE CORNU (1827- 1875); Francia, c. 1890. Centro de mesa. Ónice argelino, ágata y bronce. Uno de los ángeles no tiene soporte estable. Medidas: 32,5 x 29 x 29 cm. Centro de mesa realizado en ágata, ónice argelino y bronce dorado. El pie redondo de ágata y definido por una cadena de bronce en la zona inferior y superior, da paso a la base de ónice de Argelia, zona que sustenta el fuste de la copa donde se disponen dos angelitos de bulto redondo realizados en bronce. La pieza tiene apliques de bronce en el astil a modo de hojas y finalmente termina en la copa de ágata tallada con gallones. La pieza sigue los modelos de Louis-François-Eugène Cornu, diseñador y fabricante de bronce. En 1858, tras trabajar como delineante y dirigir obras para la Maison Tahan, se convirtió en creador y director de la Compagnie des Marbres et Onyx d'Algérie de A. Pallu & Co y luego de su sucesor G. Viot. Esta empresa estaba especializada en la fabricación de artículos de lujo que combinaban bronce, ónice-mármol argelino y esmalte champlevé. Las creaciones de Cornu se expusieron en las Exposiciones Universales de Londres de 1862, 1871 y 1872, y en París en 1867, donde recibió una medalla de oro por un gran par de jarrones de ónice, bronce y esmalte. La Compagnie des Marbres et Onyx d'Algérie también produjo objetos basados en diseños de Albert Carrier-Belleuse, Charles Cordier y Louis-Alfred Barrias. En 1878, sus almacenes estaban situados en el número 24 del Boulevard des Italiens de París. Uno de los ángeles no tiene sujeción estable.

Pareja de jarrones Satsuma. Japón, siglo XIX. Cerámica vidriada y bases de madera de ébano. Con ligero desgaste debido al paso del tiempo. Medidas: 78 x 32 x 32 cm, 164 x 39 x 39 x 39 cm (con peana). Jarrón japonés tipo Satsuma, ricamente decorado con relieves, gruesos esmaltes y dorados. Tienen panza ovoide y cuello estrecho que se ensancha hacia la boca y termina plano. Están decorados con molduras convexas en relieve bajo el cuello. Por lo demás, la decoración es totalmente esmaltada, en una amplia gama de colores en la que predomina el dorado, como es habitual en los Satsuma. Los motivos principales, vegetales, se enmarcan en la panza, sobre un fondo dorado, muy típico de la porcelana japonesa, que también vemos en el pie y el cuello. Estas escenas están caracterizadas por diversos personajes extraídos de la mitología y la religión japonesas: dioses, guerreros y monjes. La vajilla Satsuma se fabricaba desde principios del siglo XVIII en la isla de Kyushu, y era un tipo con una fuerte influencia coreana, ya que, de hecho, llegó a manos de alfareros coreanos. En la segunda mitad del siglo XVIII se hizo tan popular en Japón que el centro de producción se trasladó a Awata, cerca de Kioto. Así pues, existe una producción local en el siglo XVIII, aunque las piezas para la exportación del siglo XIX, ya producidas en Awata, tendrán una mayor importancia. La pasta no es porcelana, sino una terracota clara muy ligera y porosa. El vidriado es feldespático, mezclado con ceniza de madera. El rasgo más característico de la cerámica Satsuma es su riqueza decorativa, a veces incluso exagerada. Generalmente, los motivos están pincelados en vidriado dorado, como vemos aquí, una novedad respecto a estilos anteriores. Además, la ornamentación se completa con esmaltes polícromos muy variados: verde, rojo, blanco, turquesa, rosa y, sobre todo, azul "gosu", el más buscado de todos, con un tono muy oscuro y típico de la mejor Satsuma del siglo XIX. Además, se trata de esmaltes muy gruesos, que incluso tienen relieve, como vemos en estas piezas. En cuanto a los motivos decorativos, eran muy variados, desde los florales que dominan la producción doméstica hasta los figurativos, los más comunes en las piezas destinadas a la exportación.

Cristo románico del taller de Limoges, siglos XII-XIII. Cobre dorado. Presenta roturas y pérdidas en el dorado. Medidas: 7 x 12 cm. Escultura devocional realizada en cobre, que representa el cuerpo de Cristo en la cruz, aunque no se conserva. La pieza presenta una figura de Cristo triunfante, al ser despertado y coronado como rey del cielo. El taller de Limoges apareció en el último cuarto del siglo XII y continuó su actividad hasta el siglo XIV. Volvió a florecer en el siglo XV con la nueva técnica del esmalte pintado. Se convirtió en el taller de esmalte más importante, por delante de los de Renania y Mosa, que desaparecieron en el siglo XII y se dedicaban a la producción de placas individuales por encargo, que luego se montaban sobre un objeto o se unían para formar frontales de altar. En Limoges, en cambio, comenzó la producción de objetos, ya no sólo placas, decorados con esmaltes, sobre todo para uso religioso, pero también profano. Eran piezas más baratas, a base de cobre, y muy atractivas por la decoración esmaltada, lo que hizo que tuvieran un éxito enorme e inmediato en toda Europa. Limoges también se menciona en documentos, lo que indica que era un importante centro conocido en toda Europa Occidental. Una de las características distintivas de Limoges es su escaso arrastre de fondo, que no va más allá de dos o tres milímetros. Para representar los detalles, se utiliza un tabicado tan fino que sólo puede distinguirse del excavado observándolo de cerca con una lupa. En Limoges, los esmaltes se aplicaban a gusto del cliente, rellenando sólo el fondo, sólo las figuras o ambas cosas. En cuanto a la gama cromática, utilizaba la de los talleres de Mosa, muy variada, pero añadía nuevos colores, como el verde oliva, un azul grisáceo claro o el blanco para los tonos carne.