Null (Castel del Piano, 1657 - Siena, 1736) 
Presentación de la Virgen en el Tem…
Descripción

(Castel del Piano, 1657 - Siena, 1736) Presentación de la Virgen en el Templo Óleo sobre lienzo oval, 148X110 cm Procedencia: Colección privada Formado en el taller familiar, Nasini se trasladó a Roma y se convirtió en discípulo de Ciro Ferri que, ya famoso colaborador de Pietro da Cortona, fue uno de los artistas más importantes de su época. Gracias a él, Giuseppe Nicola adquirió sus primeros encargos de la familia Chigi, pintando trece pequeños retratos en cobre de los hijos de Agostino (Ariccia, Palazzo Chigi) en 1679 y 1680, así como copias de Jacobo Ferdinand Voet y Alessandro Mattia da Farnese. En 1681, el pintor pintó para la familia Médicis la Muerte de San Pedro de Alcántara para la iglesia de la villa Médicis de Ambrogina, cerca de Montelupo Fiorentino (hoy conservada en la iglesia de SS. Quirico y Lucía) y un Retrato de Cosme III, hoy perdido, para el ministro Médicis en Roma, Giovanni Battista Mancini, obras que le valieron la admisión en la Academia Toscana de Dibujo de Roma. Posteriormente, Nasini se trasladó a Venecia durante tres años, en los que visitó las principales ciudades del Véneto y Emilia, antes de llegar a Florencia para ser nombrado por el Gran Duque ayudante de cámara y superintendente de las obras de las galerías de los Médicis. Como vemos, el artista conquistó en pocos años una posición destacada en el ámbito de la pintura del Barroco tardío, e incluso durante las primeras décadas del siglo XVIII, las biografías coinciden en alabar los numerosos encargos que realizó y que le valieron también el título de caballero (Cf. G. Nasini, Della vita e delle opere del Cav. Giuseppe Nasini, pp. 52-56). Volviendo al lienzo que nos ocupa, Ciampolini sitúa su ejecución a principios de los años noventa, en relación con los cuatro grandes lienzos que representan lo "Novísimo" (es decir, lo que espera al hombre al final de su vida terrenal: Muerte, Juicio, Infierno, Paraíso) para la sala homónima del palacio Pitti, encargados por Cosme III, en los que las figuras encuentran una analogía perfecta, comparable también con las de los frescos de Hércules en la encrucijada y la Caída de los gigantes pintados en 1691 en los techos del palacio Medici Riccardi de Florencia. La obra va acompañada de una ficha crítica de Marco Ciampolini. Bibliografía de referencia: M. Ciampolini, Pittori Senesi del Seicento, Siena 2010, pp. 479, 498; 499, fig. en p. 498

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(Castel del Piano, 1657 - Siena, 1736) Presentación de la Virgen en el Templo Óleo sobre lienzo oval, 148X110 cm Procedencia: Colección privada Formado en el taller familiar, Nasini se trasladó a Roma y se convirtió en discípulo de Ciro Ferri que, ya famoso colaborador de Pietro da Cortona, fue uno de los artistas más importantes de su época. Gracias a él, Giuseppe Nicola adquirió sus primeros encargos de la familia Chigi, pintando trece pequeños retratos en cobre de los hijos de Agostino (Ariccia, Palazzo Chigi) en 1679 y 1680, así como copias de Jacobo Ferdinand Voet y Alessandro Mattia da Farnese. En 1681, el pintor pintó para la familia Médicis la Muerte de San Pedro de Alcántara para la iglesia de la villa Médicis de Ambrogina, cerca de Montelupo Fiorentino (hoy conservada en la iglesia de SS. Quirico y Lucía) y un Retrato de Cosme III, hoy perdido, para el ministro Médicis en Roma, Giovanni Battista Mancini, obras que le valieron la admisión en la Academia Toscana de Dibujo de Roma. Posteriormente, Nasini se trasladó a Venecia durante tres años, en los que visitó las principales ciudades del Véneto y Emilia, antes de llegar a Florencia para ser nombrado por el Gran Duque ayudante de cámara y superintendente de las obras de las galerías de los Médicis. Como vemos, el artista conquistó en pocos años una posición destacada en el ámbito de la pintura del Barroco tardío, e incluso durante las primeras décadas del siglo XVIII, las biografías coinciden en alabar los numerosos encargos que realizó y que le valieron también el título de caballero (Cf. G. Nasini, Della vita e delle opere del Cav. Giuseppe Nasini, pp. 52-56). Volviendo al lienzo que nos ocupa, Ciampolini sitúa su ejecución a principios de los años noventa, en relación con los cuatro grandes lienzos que representan lo "Novísimo" (es decir, lo que espera al hombre al final de su vida terrenal: Muerte, Juicio, Infierno, Paraíso) para la sala homónima del palacio Pitti, encargados por Cosme III, en los que las figuras encuentran una analogía perfecta, comparable también con las de los frescos de Hércules en la encrucijada y la Caída de los gigantes pintados en 1691 en los techos del palacio Medici Riccardi de Florencia. La obra va acompañada de una ficha crítica de Marco Ciampolini. Bibliografía de referencia: M. Ciampolini, Pittori Senesi del Seicento, Siena 2010, pp. 479, 498; 499, fig. en p. 498

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Antorcha oficial de los Juegos Olímpicos de Invierno de Pekín 2022, fabricada con un compuesto de fibra de carbono recubierto de resina, que mide 33" de longitud y 4" en su punto más ancho. Fabricada por Sinopec Shanghai Petrochemical Company y diseñada por Li Jianye y su equipo, la antorcha se inspiró en la belleza natural y fluida de las plantas y las flores, un tema que encajaba con el enfoque ecológico de Pekín respecto a los materiales y el combustible de la antorcha: compuesto de fibra de carbono, un nuevo material hecho de productos derivados del petróleo, y gas hidrógeno, un combustible especial que no produce humo y es respetuoso con el medio ambiente. La construcción en espiral, similar a la flora, le da un aspecto de cinta flotante, y su bella réplica del movimiento le ha valido el nombre de "Voladora" [Fei Yang]. La antorcha tiene un diseño abierto con una asombrosa combinación de colores rojo y plateado, una metáfora del hielo y el fuego, que simboliza cómo la antorcha traerá "luz y calor a este mundo de hielo y nieve". Esta combinación de colores, e incluso el diseño de la antorcha, está relacionada con su predecesora de 2008 y su caldero ceremonial. La antorcha "Voladora" es excepcionalmente ligera y duradera, ya que ha sido creada con tecnología de punto 3D de alta tecnología para formar un cuerpo entre siete y nueve veces más duro que el acero. La parte superior del cuerpo lleva el emblema de Pekín 2022, la inferior presenta 1.268 nubes convexas grabadas con láser y motivos de copos de nieve en bajorrelieve, y la línea roja arremolinada centralizada de la antorcha representa la sinuosa Gran Muralla, las pistas de esquí olímpicas y "la búsqueda incesante de la humanidad de la luz, la paz y la excelencia". La parte superior derecha de la antorcha presenta una pequeña rozadura. Incluye el estuche de presentación original, que presenta un notable desgaste en las esquinas y el extremo superior, su certificado conmemorativo y su base de exposición de bella factura que incluye su caja de envío y el certificado de autenticidad, ambos numerados "1790". La llama de los Juegos Olímpicos de Invierno de Pekín 2022 se encendió en el emplazamiento de la Antigua Olimpia, en Grecia, el 18 de octubre de 2021, y pasó al Comité Organizador de Pekín 2022 al día siguiente, antes de partir hacia la China continental. Debido a la pandemia de COVID y a las medidas puestas en marcha para cumplir los requisitos de prevención y control, se decidió reducir la longitud y duración del recorrido tradicional de los relevos, así como el número de corredores de relevos, que rondaba los 1.200. Acortado a sólo tres días, el relevo de la antorcha olímpica se reanudó el 2 de febrero, cuando comenzó su recorrido por las tres zonas olímpicas, la ciudad de Zhangjiakou y los principales lugares de interés de Pekín, que se convirtió en la primera ciudad en albergar tanto los Juegos Olímpicos de Verano como los de Invierno. El relevo concluyó el día 4 en el Estadio Nacional de Pekín, al término de la ceremonia inaugural. Fusión de arte y alta tecnología, esta antorcha olímpica de impresionante belleza evoca el ambicioso plan de Pekín para una Olimpiada de Invierno segura y sostenible.

Cäsar Metz (1823 Maguncia - 1895 Múnich): Zypressen im Klosterhof Santa Maria degli Angeli in Rom, 1853, Tiza Técnica: Tiza blanca realzada sobre papel (azul) Inscripción: abajo a la izquierda firmado: "C. Metz". abajo a la izquierda fechado: "Rom 1853". Fecha: 1853 Descripción: Cuando se piensa en los cipreses italianos en el arte alemán del siglo XIX, lo primero que viene a la mente son los famosos ejemplares de la Villa d'Este en Tívoli. Ernst Fries, August Lucas, Johann Wilhelm Schirmer y Oswald Achenbach se ocuparon de la característica formación arbórea de este parque y encontraron un objeto de estudio ejemplar en la densificación del follaje y la extensión simultánea de los troncos individuales, que resulta igualmente desafiante por su complejidad de filigrana y su voluminosa disposición en masa. En este dibujo, sin embargo, César Metz no muestra los cipreses de Tívoli, sino los del patio del claustro de la iglesia de Santa María de los Ángeles de Roma. Fue construido sobre los restos de las Termas de Diocleciano y diseñado por Miguel Ángel. Se dice incluso que el ciprés central del patio ajardinado de la Cartuja fue plantado por el propio maestro, lo que hacía que el lugar fuera interesante per se en el siglo XIX, inspirado en el Renacimiento.1 Sorprende aún más la escasa representación de estos cipreses, hoy destruidos, en comparación con los de Tívoli. El ejemplo más destacado procede del artista danés Martinus Rørbye (1803-1848), que plasmó los cipreses en un elaborado boceto al óleo en 1841 (cf. fig. 6).2 Sin embargo, el dibujo de Metz, inusualmente de gran formato, tiene un énfasis completamente distinto al de su colega doce años antes. Los árboles no aparecen incrustados en el contexto narrativo de los muros del monasterio, donde son el motivo dominante pero no autónomo. Más bien, al prescindir por completo de un entorno incrustado, Metz consigue un fuerte grado de abstracción en su aislamiento, centrándose por completo en el juego de líneas y volúmenes de los árboles. La fuente indicada en primer plano contribuye poco a aclarar la escena, ya que sólo puede reconocerse como tal si ya se conoce su función. Además, esta estructura lineal es demasiado abstracta por sí sola. Esta separación confiere a los árboles un carácter monumental que ya no necesita un marco. El ciprés, como árbol característicamente alto y de forma cerrada, se prestaba especialmente bien a este aspecto de la presentación del cuadro. Al mismo tiempo, con su verticalidad radical y su crecimiento irregular y quebrado, representaba un claro alejamiento del ideal de árbol paisajista favorecido por la pintura desde Poussin. Ni ofrece protección ni enmarca. El ciprés es un cuerpo extraño en el ideal del paisaje, de formato horizontal y escalonado en profundidad de forma equilibrada. Por ello, no es de extrañar que Carl Blechen reconozca en sus largas ramas y en sus hojas deshilachadas y nubladas criaturas fantasmales más que árboles reales. Aunque Caesar Metz no tiende en esta obra en una dirección tan cargada de misticismo, las características individuales de los cipreses determinan también la manera de representarlos. La presencia única de los árboles personajes exige una presentación centrada. |1 Burckhardt 1941, p. 314. 2 Óleo sobre papel, firmado y fechado: "M. R. Roma 1841.", 55 x 37 cm, Copenhague, Ny Carlsberg Glyptotek, nº inv. 3106. | Marca de agua: "Fabriano" Palabras clave: Siglo XIX, Romanticismo, Naturaleza, Italia, Roma (Lacio), Tamaño: Papel (azul): 56,0 cm x 47,8 cm (22 x 18,8 in), Marco: 78,0 cm x 64,0 cm (30,7 x 25,2 in)