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lun 29 jul

EDWARD STEICHEN (Luxemburgo, 1879 - West Redding, Connecticut, 1973). "El mar", 1904. Fotografía en platino montada sobre papel negro original sobre papel crema (original). Presenta etiqueta al dorso de colección alemana (Hamburgo 1971). Firmada y fechada en el ángulo inferior derecho. Medidas: 13 x 17,5 cm; 29 x 37 cm (marco). Edward Steichen fue una figura clave de la fotografía del siglo XX, dirigiendo su desarrollo como destacado fotógrafo e influyente comisario. Steichen llegó a Estados Unidos en 1881. Pintó y trabajó en litografía, antes de dedicarse a la fotografía en 1896, y expuso por primera vez fotografías en el Salón de Filadelfia en 1899. Steichen se nacionalizó en 1900 y, tras exponer en el Salón de Chicago, recibió el apoyo de Clarence White, quien le presentó a Alfred Stieglitz. Steichen ejerció la pintura en París de forma intermitente entre 1900 y 1922; allí conoció a Rodin y estuvo en contacto con los movimientos artísticos modernos, por lo que pudo asesorar a Stieglitz en la selección de exposiciones. En 1901 fue elegido miembro de la Linked Ring Brotherhood de Londres, y en 1902 cofundó la Photo-Secession y diseñó la primera portada de Camera Work, en la que a menudo se publicaba su obra. En Nueva York, Steichen ayudó a Stieglitz a establecer las Pequeñas Galerías de la Photo-Secession, que llegaron a conocerse como "291", y en 1910 participó en la Exposición Internacional de Fotografía Pictórica de Búfalo. Durante la Primera Guerra Mundial, dirigió la fotografía aérea para las Fuerzas Expedicionarias del Ejército. Poco después abandonó la pintura, junto con los vestigios del pictorialismo, y adoptó un estilo modernista. Fue fotógrafo jefe de Condé Nast de 1923 a 1938, al tiempo que realizaba trabajos publicitarios por cuenta propia. Comisionado como capitán de corbeta en 1942, Steichen fue nombrado director del Instituto Fotográfico Naval de Estados Unidos en 1945; allí supervisó la fotografía de combate y organizó las exposiciones Road to Victory y Power in the Pacific. Fue director de fotografía del Museo de Arte Moderno de 1947 a 1962, y responsable de más de cincuenta exposiciones, entre ellas The Family of Man en 1955, la más popular de la historia de la fotografía. Steichen recibió innumerables premios y honores, como el título de Caballero de la Legión de Honor francesa, una beca honoraria de la Real Sociedad Fotográfica, la Medalla al Servicio Distinguido, el Premio del Club de Directores Artísticos de Nueva York, el Premio Camera Achievement de Estados Unidos a la "Contribución individual más destacada a la fotografía" (1949) y la Medalla Presidencial de la Libertad (1963). Se han celebrado importantes exposiciones de su obra en el Museo de Arte de Baltimore, el Museo de Arte Moderno, la Biblioteca Nacional de París, el ICP y la George Eastman House.

Valorac. 2 500 - 3 000 EUR

lun 29 jul

FRANCIS BACON (Dublín, 1909- Madrid, 1992). "Tres estudios para un autorretrato". Litografía sobre papel Arches, copia E.A. Firmada y justificada a mano. Obra adquirida en la Galería Coskun de Londres en 2008. Tamaño: 52 x 94 cm; 79 x 121 cm (marco). Francis Bacon es autor de algunas de las pinturas más impactantes e inéditas del arte contemporáneo. Su estilo, obsesivo, atormentado y desgarrador, es un claro documento de las penurias vividas en Europa tras la Segunda Guerra Mundial. Sus obras alcanzan actualmente sumas estratosféricas en las subastas internacionales, lo que le convierte en uno de los artistas más cotizados del mercado del arte actual. Reflejo de ello es el tríptico "Tres estudios de Lucian Freud (1969)", que en 2013 alcanzó un precio de venta récord de 142 millones de dólares en subasta pública, convirtiéndose en una de las tres obras más caras de la historia. Algunas de sus obras pueden verse en las pinacotecas más importantes del mundo, como la Tate Britain de Londres (que posee una de las colecciones más extensas del artista), el MET y el Moma de Nueva York, el Museo Thyssen-Bornemisza y el Museo Reina Sofía. "Tres estudios para un autorretrato" define con rotundidad lo que fue el arte de Bacon. Figuras descompuestas, aisladas, inquietantes y espirituales que, lejos de buscar un parecido concreto con la persona representada, ahondan en la espiritualidad del retratado. Aquí vemos la abstracción, fragmentación y distorsión del rostro del pintor, un aspecto clave en el desarrollo artístico de Bacon, consecuencia de los acontecimientos vitales que hicieron de su existencia una ferviente bomba de relojería a punto de estallar. A través de su obra expresa su condición vital, ligada también a su faceta autodestructiva, consiguiendo así expresar la soledad, la violencia y la degradación. Nacido en Dublín, aunque de padres ingleses, Francis Bacon comenzó a pintar de forma autodidacta. Cuando sólo tenía 17 años, en 1927, la galería Paul Rosemberg abrió sus puertas al pintor. Allí conoció la obra de Pablo Picasso, artista al que admiraría durante toda su carrera. Al igual que Picasso, otros pintores dejaron huella en la obra de Bacon: Velázquez (cuya versión del Papa Inocencio X pintó, produciendo al menos 40 "papas") y Nicolas Poussin, cuya "Masacre de los Inocentes", hoy en el Museo Condé, despertó en él una intensa emoción. En 1945 expuso en Londres, junto con los artistas ingleses Henry Moore y Graham Sutherland, su cuadro Tres estudios para figuras al pie de una crucifixión (c. 1944), un tríptico que, según el propio Bacon, marcó el punto de partida de su carrera. En 1945, Bacon había desarrollado un estilo propio e inconfundible. En 1949, el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MOMA) compró una impresionante obra de Bacon titulada Painting 1946. En 1956 fue invitado a representar a Gran Bretaña en la Bienal de Venecia junto a Ben Nicholson y Lucian Freud. Con su obra, Bacon decidió que el tema de sus cuadros sería tanto la vida en la muerte como la muerte en la vida. Buscaba expresar su condición vital, que también estaba ligada a su lado autodestructivo. Michel Leiris le sugirió que el masoquismo, el sadismo y manifestaciones similares eran en realidad formas de sentirse más humano. Los retratos y autorretratos constituyen una parte importante de los cuadros de Bacon, entre ellos George Dyer en un espejo, de 1968, obra en la que el pintor sugiere la vulnerabilidad y fragilidad del yo. Bacon hizo retratos sin poses tomados del natural, revelados a partir de fotografías. Retrató tanto a sus compañeros íntimos y amigos como a personajes famosos: Peter Lacy, George Dyer y John Edwards, Henrietta Moraes, Isabel Rawsthorne, Muriel Belcher, Lucian Freud, Peter Beard y Michel Leiris, así como Hitler, Pío XII y Mick Jagger. Algunas de sus obras pueden verse en las galerías de arte más importantes del mundo, como la Tate Britain de Londres (que posee una de las colecciones más extensas del artista), el MET y el Moma de Nueva York, el Museo Thyssen-Bornemisza y el Muse

Valorac. 20 000 - 25 000 EUR

lun 29 jul

ROBERT MOTHERWELL (Estados Unidos, 1915-Estados Unidos 1991). "Samurai", 1971 Litografía sobre papel Japón Suzuki. Firmada a mano por el artista. Etiqueta de Brooke Alexander en el reverso. Medidas: 200 x 160 cm; 216 x 124 cm (marco). "Samurai" es un paradigma de la obra de Motherwell: una agresiva forma negra de la que irradian explosiones y cuchilladas. Es una de las imágenes más potentes de Motherwell, que invoca elementos de sexualidad en la forma abstracta fálica y de violencia a través del título. Aunque es difícil descifrar las huellas de la figuración en la obra de Motherwell, se inspiraba en la literatura, la vida, la política y hacía referencia a ellas. Artista multidisciplinar, se formó en las universidades de Stanford y Harvard en Filosofía y en la de Columbia en Historia y Arte, bajo la dirección de Meyer Schapiro. Fue uno de los principales representantes del expresionismo abstracto estadounidense, a cuyo grupo de fundadores pertenece junto con Pollock, Arshile Gorky y Rothko. También destacó como crítico de arte. Escribió numerosos artículos en revistas de vanguardia y editó libros como "Documents of Modern Art" (1944-1961) o "Documents of 20th Century Art" (1971). Fue miembro del consejo editorial de la publicación "VVVV", vinculada a los surrealistas. El principal objetivo de Motherwell era mostrar al espectador el compromiso mental y físico del artista con el lienzo. Utilizaba la dureza del color negro como elemento básico; una de sus técnicas más conocidas consistía en diluir la pintura con aguarrás para crear un efecto de sombra. Su serie de pinturas conocida como "Elegías a la República Española" se considera su proyecto más significativo. Entre sus numerosas exposiciones destaca su participación en la muestra surrealista más importante de Estados Unidos organizada por André Breton, Marcel Duchamp y el galerista Sidney Janis en la mansión Whitelaw Reid (Manhattan-1942). También la exposición celebrada en la Galería "Art of this Century" (Nueva York) en 1943 dirigida por Peggy Guggenheim; en la que participó junto a Jackson Pollock y Baziotes. Al año siguiente, el Museo de Arte Moderno de Nueva York adquirió una de sus obras; posteriormente fue incluido en varias exposiciones del mismo Museo. En 1980, Robert Motherwell expone por primera vez en España, en la Fundación Juan March (Madrid). En 1986, recibe la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes, máximo galardón cultural español. En 1989, Medalla Nacional de las Artes de Estados Unidos, el Museo de Arte Moderno de Fort Worth (EE.UU.) alberga la mayor colección de obras de Motherwell. En el Empire State Plaza (Nueva York) también se pueden encontrar algunas de sus obras. El Walker Art Center (Minneapolis, EE UU) posee una colección casi exhaustiva de sus grabados. Además de estar representado en numerosos museos, colecciones públicas y privadas y en las más prestigiosas galerías de todo el mundo.

Valorac. 25 000 - 30 000 EUR

lun 29 jul

JOAN MIRÓ I FERRÀ (Barcelona, 1893 - Palma de Mallorca, 1983). "Miró, Museo de Arte Moderno de México". 1980. Litografía sobre pergamino Arches, ejemplar 2/100. Firmada, dedicada, fechada y numerada a lápiz. Editor: Museo de Arte Moderno de México. Impresor: Litografías Artística Damià Caus, Barcelona. Reproducido en Maeght Editeur "Miró Litógrafo VI", p. 148. Medidas: 76 x 56 cm; 97 x 77 x 4 cm (marco). Esta litografía de Miró, limitada a cien ejemplares, se utilizó para el cartel anunciador de la exposición de Joan Miró en el Bosque de Chapultepec en la primavera de 1980, en el Museo de Arte Moderno. Lunas, estrellas, figuras reducidas a unos pocos trazos en negro grueso encerrando en su interior colores primarios... sintetizan algunas de las constelaciones del alma de Joan Miró reunidas en esta imagen. Joan Miró se formó en Barcelona, y debutó individualmente en 1918, en las Galerías Dalmau. En 1920 se trasladó a París y conoció a Picasso, Raynal, Max Jacob, Tzara y los dadaístas. Allí, bajo la influencia de poetas y pintores surrealistas, madura su estilo; intenta transponer a lo visual la poesía surrealista, basada en la memoria, la fantasía y lo irracional. Su tercera exposición en París, en 1928, fue su primer gran triunfo: el Museo de Arte Moderno de Nueva York adquirió dos de sus obras. Regresó a España en 1941, y ese mismo año el museo le dedicó una retrospectiva que supondría su definitiva consagración internacional. A lo largo de su vida recibió numerosos galardones, como los Grandes Premios de la Bienal de Venecia y de la Fundación Guggenheim, el Premio Carnegie de Pintura, las Medallas de Oro de la Generalitat de Cataluña y de Bellas Artes, y fue nombrado Doctor Honoris Causa por las universidades de Harvard y Barcelona. Actualmente, su obra puede verse en la Fundación Joan Miró de Barcelona, así como en el Museo Thyssen-Bornemisza, el MoMA de Nueva York, el Museo Reina Sofía de Madrid, la National Gallery de Washington, el MNAM de París y la Albright-Knox Art Gallery de Buffalo.

Valorac. 5 000 - 6 000 EUR

lun 29 jul

JAUME PLENSA (Barcelona, 1955). "Maravillosa la conversación que no tenemos". Litografía sobre plancha de zinc y aguafuerte polimérico sobre papel japonés Arakaji. E.A. ejemplar. Firmada y justificada. Medidas: 77 x 50 cm. Jaume Plensa estudió en la Escuela de La Llotja y en el Superior de Bellas Artes de Sant Jordi, ambos en Barcelona. Destacó en escultura, dibujo y grabado. Su obra se centra en la relación entre el hombre y su entorno, cuestionando a menudo el papel del arte en la sociedad y la posición del artista. Actualmente vive en París, y recientemente ha sido investido Doctor Honoris Causa por la Escuela del Instituto de Arte de Chicago. Plensa comenzó su carrera trabajando con hierro forjado mezclado con poliéster. Entre 1983 y 1984 comenzó a moldear el hierro con la técnica de la fundición, y desarrolló un concepto escultórico basado en elementos zoomorfos. Su obra evolucionó gradualmente, y hoy se le considera precursor del neoexpresionismo español. En la década de los noventa introdujo modificaciones en su obra, tanto materiales como formales, y comenzó a utilizar distintos materiales como chatarra, poliéster y resinas. Durante estos años elaboró series de muros, puertas y construcciones arquitectónicas, buscando dar al espacio un protagonismo absoluto. Entre 1999 y 2003 Plensa se convirtió en uno de los pilares de la escenografía mundial, reinterpretando con "La Fura dels Baus" cuatro óperas clásicas de Falla, Debussy, Berlioz y Mozart, y en solitario una producción teatral contemporánea, "La pareti della solitudine", de Ben Jelloun. Ha realizado exposiciones individuales y colectivas en todo el mundo, incluida una retrospectiva en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en 2000. En junio de 2008 inauguró en Londres, en la sede de la BBC, su obra "Breathing", un monumento dedicado a los periodistas asesinados en el ejercicio de su profesión. A lo largo de su carrera ha recibido numerosas distinciones, como la Medalla de los Caballeros de las Artes y las Letras en 1993, concedida por el Ministerio de Cultura francés o el Premio Nacional de Artes Plásticas en 1997, de la Generalitat de Cataluña. Considerado uno de los máximos representantes del nuevo arte español de tendencia expresionista, su obra está presente en las mejores galerías y ferias de arte nacionales e internacionales, así como en los principales museos de Europa y Estados Unidos, como el MOMA de Nueva York, el Kemper de Kansas, el Museo Patio Herreriano de Valladolid, el Palazzo Forti de Verona, el MACBA o el Museo Reina Sofía de Madrid.

Valorac. 1 500 - 1 800 EUR

lun 29 jul

JAUME PLENSA (Barcelona, 1955). "Arcano", 2015. Litografía y aguafuerte sobre papel Somerset, Firmada y fechada a mano. Medidas: 70 x 50 cm.(grabado); 86 x 65 cm.(papel). Jaume Plensa estudió en la Escuela de La Llotja y en la Superior de Bellas Artes de Sant Jordi, ambas en Barcelona. Destacó en escultura, dibujo y grabado. Su obra se centra en la relación entre el hombre y su entorno, cuestionando a menudo el papel del arte en la sociedad y la posición del artista. Actualmente vive en París, y recientemente ha sido investido Doctor Honoris Causa por la Escuela del Instituto de Arte de Chicago. Plensa comenzó su carrera trabajando con hierro forjado mezclado con poliéster. Entre 1983 y 1984 comenzó a moldear el hierro con la técnica de la fundición, y desarrolló un concepto escultórico basado en elementos zoomorfos. Su obra evolucionó gradualmente, y hoy se le considera precursor del neoexpresionismo español. En la década de los noventa introdujo modificaciones en su obra, tanto materiales como formales, y comenzó a utilizar distintos materiales como chatarra, poliéster y resinas. Durante estos años elaboró series de muros, puertas y construcciones arquitectónicas, buscando dar al espacio un protagonismo absoluto. Entre 1999 y 2003 Plensa se convirtió en uno de los pilares de la escenografía mundial, reinterpretando con "La Fura dels Baus" cuatro óperas clásicas de Falla, Debussy, Berlioz y Mozart, y en solitario una producción teatral contemporánea, "La pareti della solitudine", de Ben Jelloun. Ha realizado exposiciones individuales y colectivas en todo el mundo, incluida una retrospectiva en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en 2000. En junio de 2008 inauguró en Londres, en la sede de la BBC, su obra "Breathing", un monumento dedicado a los periodistas asesinados en el ejercicio de su profesión. A lo largo de su carrera ha recibido numerosas distinciones, como la Medalla de los Caballeros de las Artes y las Letras en 1993, concedida por el Ministerio de Cultura francés o el Premio Nacional de Artes Plásticas en 1997, de la Generalitat de Cataluña. Considerado uno de los máximos representantes del nuevo arte español de tendencia expresionista, su obra está presente en las mejores galerías y ferias de arte nacionales e internacionales, así como en los principales museos de Europa y Estados Unidos, como el MOMA de Nueva York, el Kemper de Kansas, el Museo Patio Herreriano de Valladolid, el Palazzo Forti de Verona, el MACBA o el Museo Reina Sofía de Madrid.

Valorac. 1 500 - 2 000 EUR

lun 29 jul

Juegos Olímpicos/ Verano, 1934-1988-1992/ Cartel original: "El bádminton, un verdadero deporte". En esta fabulosa litografía firmada por el gran Maurice Lauro (1878-1934) a finales de los años veinte, la lucha por el reconocimiento del bádminton es intensa. Y los entusiastas del bádminton de la época intentaban, de forma inteligente y artística, llenar el doble vacío que había abandonado y abierto el lawn tennis. Después de todo, el tenis sobre hierba desapareció del programa olímpico tras los Juegos de París, y esta creación autoproclamada "deportiva" era un intento de hacerse con el poder: el bádminton bien podía hacerse con él, ¿no? El problema fue que los Mosqueteros llenaron el vacío en 1927 al ganar y defender la Copa Davis. La oportunidad de sucesión se hizo menos evidente, y las dos disciplinas permanecieron en la sombra olímpica hasta la década de 1980. El tenis lo demostró en 1984, y el bádminton en 1988 en Seúl, en casa. Ninguno de los dos dejaría pasar la oportunidad. Con esta obra icónica, Lauro pone la piedra angular de esta larga aventura hacia el reconocimiento, que ya había dado sus frutos en 1934, año de la muerte del artista, ¡con la aparición de una Federación Internacional de Bádminton! Esta construcción gráfica es tan precisa que podemos suponer razonablemente que el artista debía de ser un practicante y que este grito salido del corazón: "El bádminton es un deporte de verdad", era efectivamente suyo, y ciertamente no fruto de la casualidad o de un encargo, no habría podido llegar tan lejos y "jugar" con tanta precisión. En resumen, si el bádminton ha podido sobrevivir, desarrollarse y extenderse por el mundo, con unos 400 millones de aficionados al volante, es por su belleza y su dimensión deportiva, de las que Lauro es aquí el deslumbrante intérprete. Como saben, esta operación comando culminó en 1988 en Seúl, donde la disciplina es reina, como en toda Asia. Sólo en demostración, cruzó la puerta olímpica en Barcelona en 1992. Desde entonces, no se ha convertido en indispensable, sino en esencial para el programa olímpico. Y mientras Asia sigue siendo el motor, Europa, con España y Dinamarca, no da su lengua al dragón, como le dirá el discreto pero talentoso representante de Francia en los Juegos de 1996, Etienne Thobois. Tanto más cuanto que los franceses son ahora también ases del vuelo, habiéndose vuelto al menos tan competitivos como sus primos hermanos en el tenis. Sonría, Sr. Lauro, y de verdad... Litografía, lienzo, 64x44. Excepcionalmente fresca. Maurice Lauro (1878-1934) Cartel "Badminton Tamaño: 64 x 44 cm Restauración. En esta litografía, el artista ha sabido captar el alma viva de un deporte que a veces roza la danza. Empezó como caricaturista de prensa, dándose a conocer antes de la Gran Guerra en "Le Rire", así como en "Le Journal", "Le Pêle-Mêle" y "l'Almanach Vermot" (1906-1919), su colaboración más larga. Después llegaron los locos años veinte, y su paso a la moda y el diseño de carteles fue todo un éxito. Así surgieron sus carteles para Trouville, La Baule y Niza (Palais de la Méditerranée), así como sus trabajos para la cerveza Champigneules y las bicicletas Automoto. Murió en 1934, el año en que se fundó la Federación Internacional de Bádminton. Un especialista ha especulado que esta imagen de 1925 estaba destinada a la ciudad de Dieppe, uno de los primeros bastiones de este deporte desde 1908. El bádminton es deporte olímpico desde 1992.

Valorac. 3 800 - 4 200 EUR
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