29th July - Iconic Photographs & Graphic work

Los 1 - HELMUT NEWTON (Deutschland, 1920- Kalifornien, 2004). "Schuh, Monte Carlo, 1983. Gelatinesilber. Späterer Druck. Verso mit Bleistift signiert, betitelt, datiert und mit Copyright-Stempel versehen. Keine Auflagennummer. Provenienz: Sammlung McCord, New York. Maße: 36 x 24,6 cm (Bild); 40 x 31 cm (Rahmen). In diesem ikonischen Bild von Helmut Newton nimmt ein Knöchel, der in einem hochhackigen Schuh steckt, die gesamte fotografische Fläche ein. Als Ort, der mit Glamour und Luxus assoziiert wird, bietet Monte Carlo eine perfekte Kulisse für Newtons Erforschung von Mode und Erotik. Der Fetischismus von Stöckelschuhen und weiblichen Knöcheln wird von dem Künstler in verschiedenen Kontexten erforscht. In all diesen Bildern definiert er durch gewagte und sorgfältig ausgearbeitete Kompositionen die Parameter der Modefotografie und der Erotik, die Rolle der Frau und die Machtverhältnisse neu. Provokation, Anti-Voyeurismus und weibliches Empowerment sind oft Attribute ihrer Fotos. Newton wurde in Berlin geboren, besuchte das Heinrich-von-Treitschke-Realgymnasium und die American School in Berlin. Seit seinem 12. Lebensjahr, als er seine erste Kamera kaufte, interessierte er sich für Fotografie und arbeitete ab 1936 für die deutsche Fotografin Yva (Elsie Neuländer Simon). Die zunehmend repressiven Einschränkungen, die den Juden durch die Nürnberger Gesetze auferlegt wurden, führten dazu, dass sein Vater die Kontrolle über die Fabrik verlor; in der Kristallnacht wurde er kurzzeitig in einem Konzentrationslager interniert, was die Familie schließlich zwang, Deutschland zu verlassen. Newtons Eltern flohen nach Argentinien. Als er schließlich in Singapur ankam, konnte er dort bleiben, zunächst für kurze Zeit als Fotograf für die Straits Times und dann als Porträtfotograf. Newton wurde von den britischen Behörden in Singapur interniert und an Bord der Queen Mary nach Australien geschickt, wo er am 27. September 1940 in Sydney ankam. Er wurde 1942 aus der Internierung entlassen und arbeitete kurzzeitig als Obstpflücker in Nord-Victoria. Im April 1942 meldete er sich bei der australischen Armee und arbeitete als Lastwagenfahrer. Nach dem Krieg, 1945, wurde er britischer Staatsbürger und änderte 1946 seinen Namen in Newton. Im selben Jahr eröffnete Newton ein Studio in der Flinders Lane in Melbourne und arbeitete in der Nachkriegszeit in den Bereichen Mode-, Theater- und Industriefotografie. Seine erste gemeinsame Ausstellung fand im Mai 1953 mit Wolfgang Sievers statt. Die Ausstellung "New Visions in Photography" wurde im Federal Hotel in der Collins Street gezeigt und war wahrscheinlich der erste Einblick in die Fotografie der Neuen Sachlichkeit in Australien. Newton schloss sich mit Henry Talbot zusammen, einem deutschen Juden, der ebenfalls in Tatura interniert war, und seine Verbindung mit dem Studio blieb auch nach 1957 bestehen, als er Australien in Richtung London verließ. Das Studio wurde in "Helmut Newton und Henry Talbot" umbenannt. Newtons wachsender Ruf als Modefotograf wurde belohnt, als er den Auftrag erhielt, die Mode in einer australischen Sonderbeilage der Zeitschrift Vogue zu illustrieren, die im Januar 1956 erschien. Er erhielt einen 12-monatigen Vertrag mit der britischen Vogue und reiste im Februar 1957 nach London, wo er Talbot die Leitung des Unternehmens überließ. Newton verließ die Zeitschrift noch vor Ablauf seines Vertrags und ging nach Paris, wo er für französische und deutsche Zeitschriften arbeitete. Im März 1959 kehrte er nach Melbourne zurück, um für die Australian Vogue zu arbeiten. 1961 ließen sich Newton und seine Frau schließlich in Paris nieder. Seine Bilder erschienen in Zeitschriften wie der französischen Ausgabe der Vogue und Harper's Bazaar. Er entwickelte einen besonderen Stil, der von erotischen und stilisierten Szenen geprägt ist, oft mit fetischistischem Unterton. Im Jahr 1980 schuf er die Serie "Big Nudes". Es folgten die Mappe "Nude and Clothed" und 1992 "Domestic Nudes", die den Höhepunkt seines erotisch-urbanen Stils markierten. Newton arbeitete auch an fantastischeren Porträts und Studien. Er fertigte eine Reihe von Illustrationen für den Playboy an, darunter Illustrationen von Nastassja Kinski und Kristine DeBell.

Stima 12 000 - 14 000 EUR

Lotto 2 - STEVE MCCURRY (USA, 1950). "Afghan Girl". Peshawar, Pakistan, 1984. Chromogener Druck. Vermerk auf der Rückseite: "Fuji Farbkristall-Archivpapier". Am Rand mit Tinte signiert. Provenienz: Galerie Cesare Manzo, Pescara, Italien. Maße: 45,5 x 30,5 cm (Bild); 49,8 x 39,5 cm (Rahmen). Das "afghanische Mädchen" ist das bekannteste Foto in McCurrys Karriere und ein Symbol für die Geschichte der Dokumentarfotografie. Er nahm es 1984 im Flüchtlingslager Nasir Bagh in Pakistan während des sowjetisch-afghanischen Krieges auf. Das Mädchen, Sharbat Gula, war ein afghanischer Flüchtling, der vor der Gewalt in seinem Land geflohen war. Das Mädchen mit den stechend grünen Augen, das in ein rotes Tuch gehüllt war, das ihre Schultern und ihr Haar bedeckte, zog Betrachter in aller Welt in seinen Bann. Das Bild erschien auf der Titelseite der Juni-Ausgabe 1985 der Zeitschrift National Geographic und wurde schnell zu einem der bekanntesten und aussagekräftigsten Fotos des 20. Jahrhunderts. Das Bild wurde zu einem Symbol für das Leiden und die Unverwüstlichkeit von Flüchtlingen und den Konflikt in Afghanistan. Es wurde häufig verwendet, um die Notlage von Flüchtlingen auf der ganzen Welt zu veranschaulichen. Viele Jahre lang war die Identität des Mädchens auf dem Foto ein Rätsel. Im Jahr 2002 spürten McCurry und ein Team von National Geographic Sharbat Gula in einem abgelegenen Dorf in Afghanistan auf. Ihre Identität wurde durch das Erkennen ihrer Gesichtszüge, insbesondere ihrer Augen, bestätigt. Steve McCurry ist ein amerikanischer Fotojournalist, der weltweit als Autor des Fotos "The Afghan Girl" bekannt ist, das 1985 in der Zeitschrift National Geographic erschien. Seine Karriere als Fotograf begann mit dem Afghanistankrieg (1978-1992). Er hat auch über andere internationale Konflikte wie den Irak-Iran-Krieg oder den Golfkrieg berichtet. Nachdem er zwei Jahre lang in King of Prussia, Pennsylvania, gearbeitet hatte, ging er 1978 nach Indien, um auf eigene Faust zu arbeiten. Nach einem Jahr dort reiste er nach Nordpakistan. Seine Karriere als Fotograf begann mit seiner Berichterstattung über den sowjetischen Krieg. In Afghanistan verkleidete sich McCurry in der Tracht des Landes, um bei seiner Arbeit unbemerkt zu bleiben, und nahm Film aus dem Land mit, indem er ihn in seine Kleidung einnähte. Seine Bilder gehörten zu den ersten, die den Konflikt darstellten und fanden weite Verbreitung. Für diese Arbeit erhielt er die Robert Capa Gold Medal für den besten ausländischen Fotojournalismus und wurde in der New York Times, TIME und Paris Match veröffentlicht. McCurry berichtete weiterhin über internationale Konflikte, darunter der Iran-Irak-Krieg, Beirut, Kambodscha, die Philippinen, der Golfkrieg und Afghanistan. Er überlebte einen Flugzeugabsturz in Jugoslawien. Seine Arbeiten wurden in Zeitschriften auf der ganzen Welt veröffentlicht, und er schreibt regelmäßig für National Geographic. Seit 1986 ist er Mitglied der Agentur Magnum. In seiner Arbeit konzentriert sich McCurry auf den Schmerz, den der Krieg verursacht. Er versucht zu zeigen, was Krieg anrichtet, aber nicht nur auf dem Schlachtfeld, sondern auch bei den Menschen, die dort leben. Er vertritt die Ansicht, dass alle Menschen immer etwas gemeinsam haben, unabhängig von Religion, Sprache, ethnischer Zugehörigkeit usw.

Stima 10 000 - 13 000 EUR

Lotto 3 - JOAN MIRÓ I FERRÀ (Barcelona, 1893 - Palma de Mallorca, 1983). Serie Barcelona, 1972. Radierung, Aquatinta und Karborundum. Kopie "Bon a tiré", 1972. Mit Bleistift signiert und beschriftet. Bezeichnet: "Bat. Miró 6/IV/72 - 28/III/72 (6)". Ref. no. 598, S. 231, "Miró Graveur", Bd. II. Maße: 70 x 105 cm; 87 x 122 cm (Rahmen). Joan Miró wird in Barcelona ausgebildet und debütiert 1918 als Einzelkünstler in den Galerien von Dalmau. 1920 zieht er nach Paris und lernt Picasso, Raynal, Max Jacob, Tzara und die Dadaisten kennen. Dort entwickelt er unter dem Einfluss surrealistischer Dichter und Maler seinen Stil weiter; er versucht, die surrealistische Poesie, die auf Erinnerung, Fantasie und dem Irrationalen beruht, auf das Visuelle zu übertragen. Seine dritte Ausstellung in Paris im Jahr 1928 ist sein erster großer Erfolg: das Museum of Modern Art in New York erwirbt zwei seiner Werke. 1941 kehrte er nach Spanien zurück, und noch im selben Jahr widmete ihm das Museum eine Retrospektive, die seine endgültige internationale Anerkennung finden sollte. Im Laufe seines Lebens erhielt er zahlreiche Auszeichnungen, darunter die Großen Preise der Biennale von Venedig und der Guggenheim-Stiftung, den Carnegie-Preis für Malerei, die Goldmedaillen der Generalitat de Catalunya und der Schönen Künste, und wurde von den Universitäten Harvard und Barcelona zum Doctor Honoris Causa ernannt. Seine Werke sind derzeit in der Stiftung Joan Miró in Barcelona, im Museum Thyssen-Bornemisza, im MoMA in New York, im Museum Reina Sofía in Madrid, in der National Gallery in Washington, im MNAM in Paris und in der Albright-Knox Art Gallery in Buffalo zu sehen.

Stima 6 000 - 8 000 EUR

Lotto 4 - JEANLOUP SIEFF (Paris, 1933-2000). "Yves Saint Laurent, Paris, 1971. Gelatinesilber. Signiert und datiert in Tinte (am Rand). Rückseitig mit dem Stempel des Künstlers. Provenienz: Privatsammlung O'Hara New York. Maße: 30 x 31 cm (Bild); 40,7 x 31 cm (Rahmen). Das Foto von Yves Saint Laurent, aufgenommen von Jeanloup Sieff in Paris (1971), entstand in einer Zeit großer Kreativität in der Mode und der Fotografie. Yves Saint Laurent war bereits eine prominente Figur in der Modewelt, bekannt für seine revolutionären Entwürfe, und Sieff war bereits ein bekannter Porträtist großer Persönlichkeiten. Jeanloup Sieff war bekannt für seine Fähigkeit, die Eleganz und Sinnlichkeit seiner Motive einzufangen. Zu seinem unverwechselbaren Stil gehört der meisterhafte Einsatz von Schwarz und Weiß im Spiel mit Licht und Schatten. In dieser Fotografie nutzt Sieff diese Techniken, um die Figur und den Charakter von Saint Laurent hervorzuheben. Indem er den Designer nackt zeigt, vermittelt dieses Bild die Verletzlichkeit des Subjekts und seine Entblößung der Verstellung und bietet einen intimen Blick auf den Mann hinter der Modeikone. Jeanloup Sieff war ein französischer Fotograf, der für seine Porträts von Persönlichkeiten des Showbusiness und Politikern, aber auch für seine Reportagen, Landschafts- und Aktaufnahmen bekannt ist. Er wurde am 30. November 1933 in Paris als Sohn polnischstämmiger Eltern geboren. Nach der Schule studierte er zwei Wochen lang Literatur, zehn Tage lang Journalismus und einen Monat lang Fotografie an der Schule von Vaugirard in Frankreich und anschließend sieben Monate lang in Vevey in der Schweiz. Seine Liebe zur Fotografie führte dazu, dass er im Alter von fünfzehn Jahren als "Amateurfotograf" begann und seine fotografische Qualität schrittweise steigerte, bis er 1954 sein Debüt als Fotojournalist gab. Ein Jahr später wechselte er zur Zeitschrift Elle, für die er zunächst Reportagen und dann Modefotografie machte, bis er die Zeitschrift 1959 verließ. In diesem Jahr begann er für Réalités und Le Jardin des Modes zu arbeiten. Er verlässt auch die Agentur Magnum, um sich selbstständig zu machen. 1959 wurde er mit dem Niépce-Preis für herausragende fotografische Leistungen ausgezeichnet. 1961 ließ er sich in New York nieder, wo er mit Look, Esquire und vor allem Harper's Bazaar zusammenarbeitete. Er hatte kurze Aufenthalte in Europa, wo er für Twen, Vogue und Queen arbeitete. Im Jahr 1967 beschloss er, nach Paris zu ziehen, wo er für Vogue, Femme, Nova und andere Publikationen arbeitete. Er stellte auf nationaler und internationaler Ebene aus, und mehrere seiner Werke wurden von verschiedenen Museen in der ganzen Welt erworben. 1971 erhielt sie die Goldmedaille des Museums für moderne Kunst in Skopje, und im selben Jahr schenkte sie mehrere Sammlungen der Pariser Nationalbibliothek, die damals nicht über die Mittel verfügte, um Fotografien französischer Autoren zu kaufen. Das hervorstechendste Merkmal seiner Arbeit ist die Verwendung von Schwarz-Weiß, hauptsächlich Weitwinkelaufnahmen und seine dramatischen Stempel im Labor. Sein Stil zeigt den Einfluss des Surrealismus und der neuen Sachlichkeit. Sein Werk wurde mit internationalen Preisen von Japan bis zu den Vereinigten Staaten ausgezeichnet und wird in verschiedenen Teilen der Welt verbreitet. Zu den Auszeichnungen, die er erhalten hat, gehören der Niépce-Preis 1959 und der Grand Prix National de Photographie 1992. Er wurde zum Ritter der Ehrenlegion ernannt.

Stima 10 000 - 13 000 EUR

Lotto 5 - DAVID LACHAPELLE (Hartford, Connecticut, 1963). "Awakened Series Jonah" 2007. Digitale Fotografie, Kopie AP 3/3. Signiert auf der Rückseite. Maße: 152,4 x 114,3 cm; 154 x 116 cm (Rahmen). Mit seiner Serie "Awakened" hat LaChapelle eine neue Richtung für sein Werk vorgegeben. Inspiriert von der biblischen Erzählung nimmt er anonyme Personen in der Rolle biblischer Figuren (hier die Figur des Jona), die in Wasser eingetaucht sind und sich in einem Zustand der Levitation befinden. Die wunderbare Beleuchtung, ihre Mimik, die Schwerelosigkeit ihrer Kleidung - all das trägt dazu bei, den Betrachter in eine einladende mystische Dimension einzuführen. Diese Werke bestätigen LaChapelles tiefe Verbundenheit mit dem Transzendenten, mit der Präsenz des Göttlichen im Alltäglichen und mit der Idee des Erhabenen. LaChapelles Karriere begann im Jahr 1982, als Andy Warhol ihn dazu veranlasste, seine Fotografien "Interview" zu veröffentlichen. "Andy Warhol entspricht perfekt seiner Zeit", sagt der Fotograf, "er ist zweifellos ein großer Künstler des 20. Jahrhunderts. Jahrhunderts. Er war sehr großzügig und ich habe viel von ihm gelernt, aber wir gehören zwei verschiedenen Generationen an und haben unterschiedliche Vorstellungen. Die wertvollste Kunst ist heute diejenige, die es schafft, die Zeit, in der wir leben, zu verdeutlichen, und das ist es, was ich zu tun versuche." David LaChapelles verrückte, bizarre und fantastische Bilder sind auf den Seiten und Titelseiten der Zeitschriften Vogue, Rolling Stone, i-D, Vibe, Interview, The Face und GQ erschienen, um nur einige zu nennen. Sein Stil ist einzigartig und wiedererkennbar, er arbeitet mit offenen Aufnahmen, frischen und extrem farbigen Szenen, die seinen Pop-Art-Stil zeigen. Seine Aufnahmen zeichnen sich durch eine akribische und detaillierte Arbeit aus, die den physischen Aspekt des Charakters fast bis zur Karikatur einbezieht. "Ich versuche, Bilder zu machen, die ich noch nie gesehen habe", sagt LaChapelle. Er ist ein begabter Kreativer, der mit fiktiven und grotesken Szenen spielt, die meist künstlich sind, und verfügt über eine exzellente Inszenierung, die Bilder sind in der Regel zum Zeitpunkt der Aufnahme, mit wenig Nachbearbeitung. Wir können in seinem Werk auch die Kritik an der Gesellschaft sehen, in der wir voller Exzesse und Eitelkeiten leben. Seine bedingungslose Hingabe an die Originalität ist in der Welt der Mode, des Films und der Werbung legendär. LaChapelle hat an Werbekampagnen für eine Vielzahl von Kunden teilgenommen, darunter L'Oreal, Iceberg, MTV, Ecko, Diesel Jeans, Sirius, Ford, Sky Vodka, Cervecería Cuahtemoc Moctezuma und die Kampagne Got Milk? David hat zahlreiche Albumcover für Künstler wie Macy Gray, Moby, No Doubt, Whitney Houston, Elton John, Christina Aguilera, Madonna und Kylie Minogue fotografiert. Sein erfolgreiches erstes Buch, LaChapelle Land, wurde 1996 von Collaway Publishing veröffentlicht und enthielt in seiner extravaganten Verpackung eine explosive Sammlung von Porträts berühmter Persönlichkeiten und Models, darunter Lady Gaga, Madonna, Shakira, Leonardo DiCaprio, Pamela Anderson, Uma Thurman, Marilyn Manson, Mark Wahlberg, Drew Barrymore und Elton John. Der Nachfolger dieses Debüts war das Buch Hotel LaChapelle, das 1999 ebenfalls bei Collaway erschien und frische Bilder mit unvergesslichen Farben zeigt. LaChapelle schafft weiterhin Fotografien, die unseren visuellen Geschmack konfrontieren und einen frischen Blick auf die heutige Landschaft werfen.

Stima 28 000 - 30 000 EUR

Lotto 6 - ROBERT MAPPLETHORPE (New York, 1946- Boston, 1989). "Lisa Lyon", 1982. Gelatinesilber, 1982 gedruckt, montiert. Exemplar 1/10. Provenienz: Sean Kelly Gallery, New York, Phillips, "SPOTLIGHT: Photographs from a Private London Collection", 2023 und Privatsammlung, Spanien. Bibliographie: R. Mapplethorpe, Lady: Lisa Lyon, New York: St. Martin's, 1983, S. 94 (Variante). Signiert und datiert von Michael Ward Stout, Testamentsvollstrecker, mit Tinte, Urheberrechtsvermerk, Reproduktionsbeschränkung und Unterschriftsstempel auf der Rückseite des vertieften Passepartouts. Maße: 38,7 x 38,4 cm: 66 x 64 cm (Rahmen). Lisa Lyon wurde als erste weibliche Bodybuilding-Weltmeisterin berühmt. Im Jahr 1980 lernte sie Mapplethorpe kennen und es begann eine große Freundschaft, die zu einer fruchtbaren künstlerischen Beziehung führte. Lyons Körperbau ermöglichte es dem Fotografen, Themen seines Interesses wie Androgynität, die Anatomie klassischer Statuen oder auch die amerikanische Kultur abzubilden. Ab 1980 begann Mapplethorpe mit einer Reihe von Porträts, in denen er Lyon auf verschiedene Weise, unter anderem durch die Fotografie, festhielt. All diese Arbeiten wurden in dem Buch Lady verewigt: Lisa Lyon (1983). Amerikanische Fotografin, bekannt für ihren sensiblen und zugleich eindringlichen Umgang mit kontroversen Themen in der Schwarz-Weiß-Fotografie. Ihr Werk umfasst eine Vielzahl von Themen, darunter Porträts von Prominenten, männliche und weibliche Akte, Selbstporträts und Bilder von toten Blumen. Sein kontroversestes Werk ist das der BDSM-Subkultur in den späten 1960er und frühen 1970er Jahren in New York City. Die Homoerotik dieses Werks löste eine nationale Debatte über die öffentliche Finanzierung kontroverser Kunstwerke aus. Mapplethorpe arbeitete hauptsächlich in einem Studio und fast ausschließlich in Schwarzweiß, mit Ausnahme einiger seiner späteren Arbeiten und seiner letzten Ausstellung "New Colors". Sein Werk umfasst ein breites Spektrum an Themen, aber sein Hauptaugenmerk und der Großteil seiner Arbeiten sind erotische Bilder. Seine erotische Kunst umfasst ein breites Spektrum sexueller Themen, wie die Darstellung der BDSM-Subkultur im New York der 1970er Jahre, Darstellungen schwarzer männlicher Akte und klassische Akte von Bodybuilderinnen. Mapplethorpe war in vielen seiner erotischen Fotografien ein teilnehmender Beobachter, der an den sexuellen Handlungen, die er fotografierte, teilnahm und mit seinen Modellen sexuell verkehrte. Weitere Motive waren Blumen, vor allem Orchideen und Lilien, Kinder, Statuen, Prominente und andere Künstler wie Andy Warhol, Louise Bourgeois, Deborah Harry, Kathy Acker, Richard Gere, Peter Gabriel, Grace Jones, Amanda Lear, Laurie Anderson, Iggy Pop, Philip Glass, David Hockney, Cindy Sherman, Joan Armatrading und Patti Smith. Smith war ein Zimmergenosse von Mapplethorpe und ein häufiges Motiv seiner Fotografien, darunter ein ikonisches, düsteres Foto, das auf dem Cover von Smiths erstem Album, Horses, erscheint. Seine Arbeiten beziehen sich oft auf religiöse oder klassische Bilder, wie etwa ein Porträt von Patti Smith aus dem Jahr 1986, das an Albrecht Dürers Selbstporträt von 1500 erinnert. Zwischen 1980 und 1983 schuf Mapplethorpe mehr als 150 Fotografien der Bodybuilderin Lisa Lyon, die in dem Fotoalbum Lady, Lisa Lyon gipfelten, das von Viking Press veröffentlicht wurde und einen Text von Bruce Chatwin enthält. Bibliographie: R. Mapplethorpe, Lady: Lisa Lyon, New York: St. Martin's, 1983, S. 94 (Variante)

Stima 10 000 - 12 000 EUR

Lotto 7 - HANNAH COLLINS (Vereinigtes Königreich, 1956). "Küche. La Laboral Gijón". 2006 Digitaldruck auf Leinwand. Diptychon. Mit Joan Prats Galerie-Stempel auf der Rückseite. Provenienz: Galerie Joan Prats. Barcelona. Maße: 192 x 274 cm. Diese Fotografie war Teil der Einzelausstellung "A future Life", die 2006 in der Galerie Joan Prats in Barcelona stattfand. Das fotografische Werk von Hannah Collins ist eine Reflexion über den Lauf der Zeit und die Präsenz menschlicher Spuren in verschiedenen Umgebungen. Ihre Fotografien von Innenräumen offenbaren eine implizite, verborgene soziale Geschichte. Für die Künstlerin bieten flüchtige Einblicke in Städte kein vollständiges Verständnis ihrer Existenz. Fernab des dokumentarischen Charakters vermischen ihre Szenen diese Realität bewusst mit einer Fiktion, die ihnen eine neue Bedeutung verleiht. Die triste, institutionelle "Küche", die auf diesem Foto zu sehen ist, ist Teil der Recherche der Künstlerin über das Leben und die Erinnerung von Migranten. Es lohnt sich, eine Verbindung zu einer späteren Serie herzustellen, die sie im LABoral Centro de Arte y Creación Industrial in Gijón (2017) unter dem Titel "The Fragile Feast" (Das zerbrechliche Festmahl) präsentierte, die sich auf Küchenfotografie konzentrierte und einen Dialog zwischen kulinarischer Kunst und Fotokunst eröffnete. Die britische Künstlerin und Filmemacherin Hannah Collins hat an der Slade School of Fine Arts in London studiert und ihre Ausbildung später dank eines Fullbright-Stipendiums (1978-79) in den Vereinigten Staaten erweitert. Im Laufe ihrer Karriere hatte sie wichtige Einzelausstellungen in führenden Kunstgalerien und Kunstzentren in Europa und Amerika und nahm an Gruppenausstellungen im Victoria & Albert Museum in London (1987, 1989, 1989, 1989) teil. Albert Museum in London (1987, 1989, 1989, 1995, 2002), dem Centre National des Arts Plastiques in Paris (1989), dem Museum of Modern Art in Kyoto (1990), der Fundació Joan Miró in Barcelona (1992, 1998), dem Museo Español de Arte Moderno in Madrid (1994, 2008), die Saatchi Gallery in London (1994), die Helga de Alvear Gallery in Madrid (1999), die Tate Modern in London (2000), das Centre Georges Pompidou in Paris (2006) und das Kulturhaus in Wien (2011), um nur einige zu nennen. Die zwischen London und Barcelona lebende Künstlerin wurde 1993 für den Turner Prize nominiert, 1991 gewann sie den European Photography Award und 2004 den Olympus Award. Derzeit ist sie in der Tate Modern in London, dem Centre Georges Pompidou in Paris, dem MNCA Reina Sofía in Madrid, dem MACBA in Barcelona und anderen öffentlichen und privaten Sammlungen in Europa und Amerika vertreten.

Stima 14 000 - 15 000 EUR

Lotto 8 - JAUME PLENSA (Barcelona, 1955). "Zwillinge", 2018. Radierung in Aquatinta. Signiert. Maße: 100 x 71 cm; 113 x 83 cm (Rahmen). Jaume Plensa studierte an der Escuela de La Llotja und der Superior de Bellas Artes de Sant Jordi, beide in Barcelona. Er zeichnete sich in den Bereichen Bildhauerei, Zeichnung und Gravur aus. Sein Werk konzentriert sich auf die Beziehung zwischen dem Menschen und seiner Umwelt, wobei er häufig die Rolle der Kunst in der Gesellschaft und die Stellung des Künstlers hinterfragt. Er lebt heute in Paris und wurde kürzlich von der School of the Art Institute of Chicago mit der Ehrendoktorwürde ausgezeichnet. Plensa begann seine Karriere mit Schmiedeeisen, das er mit Polyester mischte. Zwischen 1983 und 1984 begann er, Eisen mit der Gusstechnik zu formen, und entwickelte ein skulpturales Konzept, das auf zoomorphen Elementen basiert. Sein Werk entwickelte sich schrittweise weiter und gilt heute als Vorläufer des spanischen Neo-Expressionismus. In den neunziger Jahren veränderte er sein Werk sowohl in materieller als auch in formaler Hinsicht und begann, verschiedene Materialien wie Metallschrott, Polyester und Harze zu verwenden. In diesen Jahren arbeitete er Serien von Wänden, Türen und architektonischen Konstruktionen aus und versuchte, dem Raum eine absolute Hauptrolle zu geben. Zwischen 1999 und 2003 wurde Plensa zu einer der Säulen der internationalen Szenografie, indem er mit "La Fura dels Baus" vier klassische Opern von Falla, Debussy, Berlioz und Mozart neu interpretierte und allein eine zeitgenössische Theaterproduktion, "La pareti della solitudine", von Ben Jelloun aufführte. Er hatte Einzel- und Gruppenausstellungen in der ganzen Welt, darunter eine Retrospektive im Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía im Jahr 2000. Im Juni 2008 weihte er in London am Hauptsitz der BBC sein Werk Breathing" ein, ein Denkmal für Journalisten, die bei der Ausübung ihres Berufs ums Leben kamen. Im Laufe seiner Karriere hat er zahlreiche Auszeichnungen erhalten, darunter 1993 die Medaille des Ritters der Künste und des Schrifttums, verliehen vom französischen Kulturministerium, oder 1997 den Nationalpreis für plastische Kunst der Generalitat von Katalonien. Er gilt als einer der führenden Vertreter der neuen spanischen Kunst des Expressionismus und seine Werke sind in den besten nationalen und internationalen Galerien und Kunstmessen sowie in den wichtigsten Museen Europas und der Vereinigten Staaten ausgestellt, wie dem MOMA in New York, dem Kemper in Kansas, dem Museo Patio Herreriano in Valladolid, dem Palazzo Forti in Verona, dem MACBA oder dem Museo Reina Sofía in Madrid.

Stima 2 500 - 3 000 EUR

Lotto 9 - LORETTA LUX (Dresden, Deutschland, 1969). "Hugo und Dylan 1", 2006. Fotografie, Auflage 10/20. Werk, auf das auf der Website des Künstlers verwiesen wird. Maße: 27 x 22 cm; 50 x 40 cm (Rahmen). Der durchschlagende Erfolg der Fotografin Loretta Lux liegt zum Teil in ihrem kühlen und unsentimentalen Umgang mit den Kindern, die sie vor die Linse bekommt. Ihre Schnappschüsse, die mehr mit Metaphern kindlicher Unschuld als mit der Psychologie des Einzelnen zu tun haben, sind von den bürgerlichen Porträts des frühen zwanzigsten Jahrhunderts beeinflusst und zeigen uns junge Modelle in häuslicher Umgebung und in exzentrischer Kleidung, die heute als altmodisch gilt. Ästhetisch wird die Mischung aus Fotografie, Malerei und digitaler Manipulation geschätzt, mit der Lux die Proportionen verzerrt und die Kinder in statische Szenarien versetzt. Loretta Lux verließ Ostdeutschland kurz vor dem Fall der Berliner Mauer und reiste nach München, wo sie an der Akademie der Bildenden Künste Malerei studierte. Im Jahr 1999 begann sie zu fotografieren. Sie wurde 2005 mit dem Infinity Award for Art, International Center of Photography, New York, NY, ausgezeichnet. Im Laufe ihrer Karriere hat sie in Israel, Italien, der Schweiz, Mexiko, den Niederlanden, den USA, Russland und Deutschland ausgestellt (Einzelausstellung). Derzeit sind seine Arbeiten in öffentlichen Sammlungen wie dem Solomon R. Guggenheim Museum in New York vertreten. Guggenheim Museum in New York, das National Museum of Art in Osaka, das Fotomuseum in München, das Musée de l'Elysée de Lausanne in der Schweiz, das Maison Europeenne de la Photographie in Paris, das Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia in Madrid, das Israel Museum, Jerusalem in Israel, das Gemeentemuseum Helmond in den Niederlanden, die Art Gallery of New South Wales in Sydney, die National Gallery of Victoria in Melbourne und die Art Gallery of Alberta in Edmonton, Alberta, Kanada. In den Vereinigten Staaten: das Art Institute of Chicago, das Brooklyn Museum of Art, das Denver Art Museum, das Los Angeles County Museum of Art, das Milwaukee Art Museum oder das San Francisco Museum of Modern Art. Derzeit lebt und arbeitet er in Irland.

Stima 6 500 - 7 000 EUR

Lotto 10 - HENRI CARTIER-BRESSON ( Chanteloup-en-Brie, Frankreich, 1908- Céreste, Frankreich, 2004). "Landwirt", 1950-1959. Gelatinesilber. Späterer Abzug. "To Madame Bardinet en hommage" und blinder Copyright-Stempel (im Rand). Mit Tinte signiert. Provenienz: Alona Kagan Galerie NY. Maße: 16 x 23, 5 cm. In diesem Werk von großer Ausdruckskraft sehen wir, wie ein Bauer seine Hand nach jemandem ausstreckt, der sich außerhalb der Ebene des Betrachters befindet. Die Szene scheint ein traditionelles Bild darzustellen, aber der Künstler geht noch weiter, nicht nur, weil er einen völlig flüchtigen Moment einfängt, wie es in der Produktion des Künstlers üblich ist, sondern auch wegen des Geheimnisses einer Figur, die Teil der Szene ist, deren Identität aber nicht enthüllt wird. Henri Cartier-Bresson war ein französischer Künstler und humanistischer Fotograf, der als Meister der Fotografie gilt und einer der ersten Nutzer des 35-mm-Films war. Er war der Pionier des Genres der Straßenfotografie und verstand die Fotografie als Einfangen des entscheidenden Augenblicks. Seine erste große Reportagereise führte ihn 1931 an die Elfenbeinküste, und die Fotografien seiner zahlreichen Reisen fanden schnell ein Forum in Zeitschriften und Ausstellungen. Auch in New York sammelte er Erfahrungen bei Paul Strand. Im Spätsommer 1937, vor der Schlacht von Belchite, reiste er mit Herbert Kline, dem ehemaligen Redakteur der Zeitschrift New Theater, und dem Kameramann Jacques Lemare nach Spanien, um eine Dokumentation über das American Medical Bureau während des Spanischen Bürgerkriegs zu drehen. Sie filmten in Villa Paz, dem Krankenhaus der Internationalen Brigaden in Saelices, nicht weit von Madrid, und an der Küste von Valencia, um die Genesung verwundeter Freiwilliger in den Villen von Benicàssim zu dokumentieren. Sie besuchten auch die Abraham-Lincoln-Brigade in Quinto, in der Nähe von Saragossa, und drehten den Film Mit der Abraham-Lincoln-Brigade in Spanien. Von 1937 bis 1939 war Cartier-Bresson Regieassistent bei drei Filmen von Jean Renoir, darunter Die Spielregeln. Im Jahr 1940 verbrachte er fast drei Jahre als Kriegsgefangener in Deutschland. Nachdem fälschlicherweise angenommen worden war, er sei im Krieg gefallen, widmete das Museum of Modern Art in New York Cartier-Bresson 1947 eine große "posthume" Retrospektive. Im selben Jahr gründete er zusammen mit Robert Capa, David Seymour und George Rodger die Agentur Magnum Photos in New York, um die Rechte an den Werken der Fotografen zu sichern. 1955 war Cartier-Bresson der erste Fotograf, der im Pariser Louvre ausstellen durfte. Seine Fotografien wurden gesammelt und u. a. in Images à la sauvette (1952, Bilder im Vorübergehen), D'une Chine à l'autre (1968, China gestern und heute) und Moscou (1955, Moskau) veröffentlicht. Cartier-Bresson hörte 1972 auf, professionell zu fotografieren, und widmete sich intensiv der Kunst des Zeichnens. Im Jahr 1974 wurde er zum Mitglied der American Academy of Arts and Sciences gewählt. Seine Werke befinden sich in den Sammlungen des Art Institute of Chicago, des Museum of Modern Art, des International Center of Photography, des Victoria and Albert Museum und des J. Paul Getty Museum.

Stima 3 000 - 4 000 EUR

Lotto 11 - ALFRED EISENSTAEDT ( Dirschau, Westpreußen, 1898- Vereinigte Staaten, 1995). "V-J Day am Times Square, New York," 1945. Gelatinesilberdruck. Gedruckt bei time life photo im Jahr 1991. Signiert, datiert, rückseitig mit Bleistift betitelt und Time Warner Copyright-Beschränkung mit Bleistift (rückseitig). Provenienz: Alona Kagan Galerie NY. Maße: 48 x 33 cm; 62 x 51 cm (Rahmen). Eine Woche, nachdem Alfred Eisenstaedt diesen Moment festgehalten hatte, veröffentlichte die Zeitschrift Life in ihrer Rubrik Victory, die dem Ende des Zweiten Weltkriegs gewidmet war, diesen Schnappschuss zusammen mit vielen anderen, die die Freude über das Kriegsende widerspiegeln. Doch dieses Foto ragte aus der Masse heraus und wurde zu einer Ikone. Eine Krankenschwester und ein Marineinfanterist, ein Verteidiger der Nation und jemand, der sich der Bewahrung seines Lebenskusses verschrieben hat, symbolisieren die Hoffnung auf die Zukunft. Er begann seine Karriere vor dem Zweiten Weltkrieg in Deutschland, wurde aber nach seiner Übersiedlung in die Vereinigten Staaten als Fotograf für die Zeitschrift Life berühmt. Eisenstaedt war seit seiner Jugend von der Fotografie fasziniert und begann im Alter von 11 Jahren zu fotografieren, als er seine erste Kamera, eine Eastman Kodak-Klappkamera mit Rollfilm, erhielt. Später diente er während des Ersten Weltkriegs bei der deutschen Artillerie und wurde 1918 verwundet. Während er im Weimarer Deutschland der 1920er Jahre als Gürtel- und Knopfverkäufer arbeitete, begann Eisenstaedt 1928 als freier Fotograf für das Berliner Büro von Pacific and Atlantic Photos zu arbeiten. 1929 wurde Eisenstaedt hauptberuflicher Fotograf, als er vom Büro der Associated Press in Deutschland angestellt wurde, und innerhalb eines Jahres wurde er als "außergewöhnlicher Fotograf" bezeichnet. Er arbeitete auch für die Illustrierte Zeitung, die vom Ullstein Verlag, dem damals größten Verlagshaus der Welt, herausgegeben wurde. Vier Jahre später fotografierte er das berühmte erste Treffen zwischen Adolf Hitler und Benito Mussolini in Italien. Er fotografierte Adolf Hitler 1932 in St. Moritz und Joseph Goebbels 1933 vor dem Völkerbund in Genf. Obwohl er anfangs freundlich gesinnt war, verärgerte Goebbels Eisenstaedt, als er erfuhr, dass Eisenstaedt Jude war, als er das Foto machte. Aufgrund der politischen Situation siedelte er 1935 nach New York über, wo Eisenstaedt eingebürgert wurde und zusammen mit den Emigranten der Associated Press, Leon Daniel und Celia Kutschuk, die im selben Jahr gegründete Fotoagentur PIX Publishing übernahm. Im darauffolgenden Jahr, 1936, kaufte der Time-Gründer Henry Luce die Zeitschrift Life, und Eisenstaedt, der bereits für seine Fotografien in Europa bekannt war, wurde als einer der vier ursprünglichen Fotografen, zu denen auch Margaret Bourke-White und Robert Capa[8] gehörten, eingeladen, für die neue Zeitschrift zu arbeiten. Er blieb von 1936 bis 1972 bei der Zeitschrift und war bekannt für seinen Nachrichten- und Prominenten-Fotojournalismus.

Stima 8 000 - 10 000 EUR

Lotto 12 - LAURIE SIMMONS (Long Island, New York, 1949). "Kariertes Wohnzimmer". The instant decorator Series, 2004. Flexdruck. Auflage 3/5. Das Werk ist auf der Website des Künstlers abgebildet. Enthält Echtheitszertifikat, Ausstellungsetiketten und Unterschrift auf der Rückseite. Provenienz: Galerie Distrito Cuatro (Madrid). Maße: 76,2 x 96,5 cm; 84,1 x 104,1 cm (Rahmen). "Plaid living Room" (2004) gehört zu der Serie Instant Decorator, die Simmons 2001 mit der Absicht begann, seine Recherchen zu einem 1976 veröffentlichten Buch über Inneneinrichtung zu materialisieren. Diese Publikation enthielt verschiedene Vorlagen für häusliche Innenräume, die es dem Leser ermöglichten, Räume mit Stoffmustern und verschiedenen Gemälden zu dekorieren. Indem er diese "Do it by yourself"-Idee wieder aufgriff, konstruierte der Autor ein Bild, das die Ästhetik der Collage widerspiegelt, in der verschiedene unabhängige Elemente nebeneinander bestehen und ein Ensemble von großer visueller Ausdruckskraft bilden. Durch ein häusliches Interieur, in dem eine elegant gekleidete Frau auf dem Teppich liegt, stellt der Autor den Betrachter vor die Frage, wer diese Figur ist und was sie darstellt. Die Protagonistin ist von Luxus umgeben und blickt den Betrachter suggestiv an, aber sie ist allein, und ihre Pose und ihr Kleid laden dazu ein, sie als ein weiteres Möbelstück, als ein Konsumobjekt darzustellen. Diese Darstellung der Frau, die ihre Rolle im sozialen Umfeld reflektiert, war eines der ersten Themen, mit denen sich Laurie Simmons in ihren Werken beschäftigte. Wie andere Künstlerinnen wie Martha Rosler oder Barbara Kruger, die ähnliche Themen und Techniken wie die hier vorgestellten verwendeten, setzte sie den Raum des Hauses mit dem Weiblichen in Beziehung. Laurie Simmons wuchs in Long Island auf, in einer Ära des wirtschaftlichen Aufschwungs, die den Beginn des materiellen Wohlstands markierte, aber auch zu einem Zustand der Konformität führte, Merkmale, die sich in den von der Künstlerin erforschten Themen stark wiederholen. Ihre Karriere zeichnet sich durch ihre Vielseitigkeit aus, da sie als Künstlerin, Fotografin und Filmemacherin arbeitet. Nachdem sie Ende der 1960er Jahre ihren Abschluss an der Tyler School of Art gemacht und sich in New York City niedergelassen hatte, begann Simmons, ihre künstlerische Seite zu entwickeln. 1972 entdeckte Simmons auf dem Dachboden eines Spielzeugladens in Liberty, New York, ein altes Puppenhaus, woraufhin sie begann, Kompositionen mit Puppen zu machen, die sie anschließend fotografierte und intervenierte. Die meisten seiner Werke nehmen Stellung zu traditionellen Geschlechterrollen, stellen sie in Frage und kritisieren die Objektivierung der Person, insbesondere der Frau. Simmons gehört zu der bedeutenden Künstlergruppe The Pictures Generation, einer Gruppe von Künstlern, die in den 1970er Jahren berühmt wurde und zu der weltbekannte Künstler wie Cindy Sherman, Barbara Kruger und Louise Lawler gehören. Ein großer Teil von Simmons' Werk ist, wie das der genannten Künstler, in der Rolle der Frau und ihrer Einbindung in ihre Umwelt und Gesellschaft verwurzelt. In einem Interview vom März 2014 erklärte Simmons: "Als ich mit einer Gruppe anderer Frauen eine Kamera in die Hand nahm, will ich nicht sagen, dass es ein radikaler Akt war, aber wir taten es sicherlich aus einer Art Trotz oder als Reaktion auf eine von Männern dominierte Welt der Malerei." Heute befinden sich ihre Werke in bedeutenden privaten und öffentlichen Sammlungen, darunter das Queen Sofia Art Center, das Art Institute of Chicago, das MoMA in New York, die National Gallery of Art in Washington, D.C., und das Los Angeles County Museum of Art. Das Werk ist auf der Website des Künstlers abgebildet. Mit Echtheitszertifikat, Ausstellungsetiketten und Unterschrift auf der Rückseite. Provenienz: Galerie Distrito Cuatro (Madrid). Galerie Distrito Cuatro (Madrid).

Stima 4 000 - 5 000 EUR

Lotto 13 - MARK LAITA (Detroit, 1960). "Polizist/Hang", 2005/1999. Zwei digitale Fotografien. Diptychon, Aufl. 1/3. Signiert, betitelt und datiert auf der Rückseite. Auf der Rückseite gestempelt. Veröffentlichtes Werk. Größen: 145 x 116 cm; 162 x 130 cm (Rahmen), jeweils. Mark Laita ist ein wunderbarer amerikanischer Fotograf, der nach mehreren Jahren, die er der kommerziellen Fotografie gewidmet hat, in den letzten Jahren eine Reihe von Büchern mit seinen persönlichen Arbeiten vorgelegt hat. Davon habe ich eine Auswahl von zwei der interessantesten ausgewählt: "Created Equal" aus dem Jahr 2010 und "Serpentine" aus diesem Jahr. Er hat preisgekrönte kommerzielle Arbeiten für Kunden wie Adidas, Apple und Mercedes-Benz produziert. Laitas erstes Buch mit nicht-kommerziellen Arbeiten, Created Equal, ist das Ergebnis eines achtjährigen Projekts, das quer durch das Land führte und 8×10 Schwarz-Weiß-Porträts von Amerikanern aus einer Vielzahl von Kulturen, Berufen und mit unterschiedlichem Hintergrund zeigt. Ihre Arbeiten wurden in Galerien in den Vereinigten Staaten und Europa ausgestellt.

Stima 6 000 - 7 000 EUR

Lotto 14 - GEORGES ROUSSE (Paris, 1947). "Luxemburg: Fers à Bétons", 2004. Druck auf Aluminium, Kopie 1/5. Verso signiert und betitelt. Etikett mit Stempel auf der Rückseite. Maße: 160 x 125 cm; 165 x 132 cm (Rahmen). Das Werk von Georges Rousse zeichnet sich seit Anfang der achtziger Jahre durch die Beziehungen aus, die er zwischen Fotografie, Malerei, Skulptur und Architektur herstellt. Sein Interesse an verlassenen, zerstörten und verfallenen Orten sowie an dem, was diese Räume über die Kultur verraten, die sie hervorgebracht hat, veranlasste ihn 1986, sich eine Zeit lang in der ehemaligen psychiatrischen Klinik Van Gogh in der französischen Stadt Arles niederzulassen. Das Ergebnis dieses Aufenthalts war die Arles-Serie, die den Ausgangspunkt für die MACBA-Ausstellung bildete. Sein Werk ist ein sehr bedeutendes Beispiel für die Bedeutung, die die Fotografie in den achtziger Jahren erlangte, und ein weiterer Beweis für den Wert des fotografischen Apparats als Werkzeug für zeitgenössisches Schaffen. Sein einzigartiges Werk, das die üblichen Beschränkungen der künstlerischen Medien sprengt, hat der zeitgenössischen Kunstwelt schnell seinen Stempel aufgedrückt. Seit seiner ersten Ausstellung in der Galerie de France in Paris im Jahr 1981 hat Georges Rousse seine Installationen und Fotografien in der ganzen Welt ausgestellt: in Europa, in Asien (Japan, Korea, China, Nepal), in den Vereinigten Staaten, in Quebec und in Lateinamerika. Er hat an zahlreichen Biennalen (Paris, Venedig, Sydney) teilgenommen und zahlreiche renommierte Preise erhalten: 1983: Villa Medicis hors les murs, New York City 1985 -1987: Villa Medicis, Rom 1988: International Center of Photography Award, New York 1989: Preis für Zeichnung, Salon de Montrouge 1992: Romain-Roland-Stipendium, Kalkutta 1993: Grand Prix National de Photographie 2008: Nachfolger von Sol LeWitt als assoziiertes Mitglied der Königlichen Belgischen Akademie. Er wird von mehreren europäischen Galerien vertreten und seine Werke befinden sich in zahlreichen bedeutenden Sammlungen auf der ganzen Welt.

Stima 15 000 - 18 000 EUR

Lotto 15 - CARMELA GARCÍA (Lanzarote, 1964). "Frauen", 2000. Fotografieren. Provenienz: Bedeutende spanische Sammlung. Größe: 130 x 150 cm. Als zentrales Element ihrer Werke präsentiert uns Carmela Garcia in "Women" die Notwendigkeit, die Welt aus einer geschlechtsspezifischen Perspektive neu zu überdenken, was nicht nur die Möglichkeit einer anderen Zukunft impliziert, sondern in erster Linie ein Szenario der Rechtfertigung rund um die Betrachtung des Weiblichen bedeutet, bei dem, in den Worten der Künstlerin, "eine Art Dekonstruktion dessen, was die patriarchalische Gesellschaft darüber festgelegt hat, was Frauen sind und sein sollten, und eine Rekonstruktion eines feministischen Ideals der Welt, in der sie von Zwängen befreit sind", notwendig ist. In diesem Fall stellt die kraftvolle Symbolik des Bildes mit der ikonischen Barbiepuppe, die dem sengenden Feuer eines Küchenherds ausgesetzt ist, den Betrachter direkt vor die Frage nach der Rolle, in die Frauen traditionell in abwertender Weise gesteckt wurden, und vermittelt gleichzeitig die Botschaft, dass der Diktatur des Schönheitskanons, der sich immer weiter von der Realität der Frauen entfernt, ein Ende gesetzt werden muss. Geboren 1964 auf Lanzarote. Carmela Garcia begann ihr Studium der Fotografie in Madrid und Barcelona, bis sie 1998 begann, ihre Werke der Öffentlichkeit vorzustellen. Von Anfang an verband sie ihre sozialen Interessen mit der Fotografie, indem sie literarische, plastische und audiovisuelle Bezüge herstellte und einen künstlerischen Korpus über das stereotype Bild der Frau in der Gesellschaft und die Notwendigkeit, ihre Rolle in der Welt zu überdenken und neu zu formulieren, schuf. Nachdem sie so repräsentative Serien wie "Chicas, deseos y ficción" oder "Constelación" produziert hatte, wurde Garcia 2005 in der von Exit erstellten Liste der hundert besten spanischen Fotografen ausgewählt, was die Tendenz einer zunehmenden Bedeutung der in den letzten Jahren entstandenen Werke bestätigt. In den letzten Jahren hat sie an Videoarbeiten gearbeitet, um verschiedene stereotype Bilder von Frauen zu revidieren. Sie ist zur bekanntesten kanarischen Künstlerin des letzten Jahrzehnts geworden, dank eines zutiefst feministischen Diskurses, in dem sie eine idealisierte Welt darstellt, in der Männer abwesend sind und Frauen außerhalb des traditionellen männlichen Blicks bleiben. Ihre Arbeiten wurden im Centro de Arte Reina Sofía in Madrid (Espacio Uno), im Centro de Fotografía de Coímbra, im MUSAC in León, im Centro Atlántico de Arte Moderno CAAM auf Gran Canaria und im IVAM in Valencia ausgestellt, in der Gruppenausstellung El real viaje Real /The Real Royal Tryp im PS1, Contemporary Art Center at MOMA (New York), kuratiert von Harald Szeemann,3 im MOT Kanazawa in Japan, der Universität von Salamanca und dem Europäischen Haus der Fotografie in Paris, unter anderem.4567. Er hat in den Galerien Juana de Aizpuru in Sevilla und Madrid und 2003 in der Galerie Altamira in Gijón ausgestellt.8910 Zusammen mit der Galerie Juana de Aizpuru hat er an internationalen Messen wie Arco Madrid, Art Basel, Paris Photo, Frieze London usw. teilgenommen.

Stima 9 000 - 10 000 EUR

Lotto 16 - BLEDA Y ROSA, María Bleda (Castellón, 1968) José M. Rosa (Albacete, 1970). Grao de Castellón, 1994. Serie "Fußballplätze". 1992-1995. Gelatine-Silberbromid-Positiv auf festem Träger aus 100% Baumwolle. Ed. 5/15. Mit Etikett der Galerie Visor, Valencia. Maße: 45 x 55 cm; 84 x 93 cm (Rahmen) (jeweils). "Campos de fútbol" ist eine der repräsentativsten Serien der Fotografen Bleda und Rosa. Sie selbst erklären über dieses Projekt: "Mit dem Ziel, den Lauf der Zeit durch das fotografische Bild darzustellen, begannen wir Ende 1992, Fußballplätze zu fotografieren, angezogen von jenen Plätzen, die wir am Ausgang jeder Stadt oder am Stadtrand finden konnten. Es waren Orte, die denen unserer Kindheit ähnelten, die sich aber aufgrund von Faktoren wie Abwanderung vom Dorf in die Stadt, niedrige Geburtenraten oder Zersiedelung in einem fortgeschrittenen Prozess der Umwandlung oder Vernachlässigung befanden". María Bleda und José María Rosa sind zwei spanische Fotografen, die die Fotografie als Ressource für ihren künstlerischen Ausdruck nutzen. Ihr gemeinsames Werk kann als ein einziger Autor betrachtet werden und wurde mit dem Nationalen Fotopreis ausgezeichnet. Seit 1992 veranstalten sie regelmäßig Einzel- und Gemeinschaftsausstellungen in ganz Spanien, aber auch in Schottland, Portugal, den Vereinigten Staaten, China usw. Ihre Arbeiten befinden sich in den Sammlungen verschiedener Institutionen wie dem ARTIUM, dem Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, dem Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León, usw. Sie haben auch mehrere Preise und Anerkennungen erhalten, wie zum Beispiel: 1995 Imágenes Jóvenes - Arte Joven, Madrid.1996 Premio Arte Joven, Valencia.1997 Accésit Certamen de Artes Plásticas, Castellón.1999 Grand Prix Ville de Collioure.2001 Premio Altadis Artes Plásticas, Madrid.2002 Honorable Mention, IV Premio de pintura y fotografía ABC, Madrid.2005 Premio PHotoEspaña Fotógrafo Revelación, Madrid. Präsentiert das Label der Galerie Visor, Valencia.

Stima 2 500 - 3 000 EUR

Lotto 17 - PIERRE GONNORD (Frankreich, 1963). "Soho", aus der Serie "City", New York, 2001. Fotografie, Kopie 1/5. Signiert, datiert, nummeriert, betitelt und auf der Rückseite lokalisiert. Mit Etikett auf der Rückseite der Juana de Aizpuru Galerie. Maße: 150 x 150 cm. Pierre Gonnord, der als einer der talentiertesten Fotografen der letzten Zeit gilt, verleiht seinem Werk eine melancholische und herzzerreißende Aura, die "unter der Haut einzigartige und ungewöhnliche Geschichten über unsere Zeit erzählt", so der Kritiker Rafael Doctor. Seine Porträts, die an die großen Meister der Kunstgeschichte wie Rembradt, Veermer, Caravaggio, Goya, Zurbarán und Velázquez erinnern, konzentrieren sich auf die Ausgestoßenen der Gesellschaft und ihre Geschichten. In seinen Werken finden wir Landstreicher, Geisteskranke, Gefangene und Blinde, aber auch Mönche, Geishas und Mitglieder städtischer Banden, d. h. Menschen, die auch auf andere Weise am Rande ihrer Gesellschaft stehen. Pierre Gonnord, ein bekannter französischer Fotograf, der in Cholet geboren wurde, lebt seit 1988 in Madrid und arbeitet derzeit mit der renommierten Galerie Juana de Aizpuru zusammen. Der Autodidakt und Preisträger des Kulturpreises der Stadt Madrid 2007 begann 1998 mit einem persönlichen Projekt, das seine reife Sprache definiert und sich auf das menschliche Gesicht konzentriert. Die ersten Serien in diesem neuen Stil waren "Interiors" (Madrid, 1999) und "City" (New York, 2001), die aus seiner eigenen urbanen Erfahrung stammen. Später wird er neue Serien machen, bereits mit Figuren verschiedener Ethnien: "Regards" (2002-2003), "Far East" (Japan, 2003) und "Utopians" (2004-2005). In diesen letzten Serien nähert sich Gonnord Figuren, die von der Gesellschaft ausgegrenzt werden, und porträtiert sie in Nahaufnahmen. In seiner jüngsten Serie "Witnesses" hat er sich der Welt der Zigeuner und der Menschen genähert, die die Tragödien auf dem Balkan und in Nordafrika miterlebt haben. Im Laufe seiner Karriere hat Gonnord seine Arbeiten unter anderem in Spanien, Frankreich und den Vereinigten Staaten in Galerien, Museen und Kunstzentren ausgestellt, darunter das Centro Cultural Conde Duque in Madrid, das Maison Européenne de la Photographie in Paris, das Museo de Bellas Artes in Sevilla, die Universität von Salamanca, das Atelier des Forges in Arles, das FRAC von Auvergne-Ecuries in Chazerat und die Fotofestivals von Helsinki und Oslo. Heute ist er vor allem in der Galerie Juana de Aizpuru vertreten, aber auch in anderen wichtigen Sammlungen wie der des Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía sind seine Werke zu finden.

Stima 8 000 - 10 000 EUR

Lotto 18 - FRANK THIEL (Kleinmachnow, Deutschland, 1966). "Stadt Berlin", 2000. Photographie. Signiert und datiert auf der Rückseite. Größe: 175 x 238 cm. Die hier angebotene Fotografie steht in engem Zusammenhang mit der Biografie des Künstlers, denn obwohl Frank Thiel in Ostdeutschland geboren wurde, zog er 1985 nach West-Berlin, um Fotografie zu studieren. Seine berufliche Laufbahn begann also mit einer eingehenden Studie der Stadt und ihrer Transformation, seinem zweiten Wiederaufbau. Thiels charakteristischstes Werk ist das seiner ersten Periode, in der er den Fall der Berliner Mauer und die Planung einer neuen Stadt auf der Grundlage der Fundamente ihrer früheren doppelten Zentralität reflektierte, d. h. in der er den ständigen Wandel der deutschen Hauptstadt dokumentierte. Geboren in einer Stadt in der Nähe von Berlin, zog er 1985 nach West-Berlin, wo er von 1987 bis 1989 die Schule für Fotografie besuchte. In der deutschen Hauptstadt dokumentierte er deren soziale und politische Geschichte. Thiel bezeichnet Berlin als "die jüngste Stadt der Welt" und erklärt weiter, dass "die Stadt an einer Überdosis Geschichte leidet... aber sie leidet nicht an ihren Sedimenten wie andere europäische Städte, sondern an den Folgen ihrer Ausbrüche". Thiel ist derzeit in wichtigen europäischen Institutionen vertreten, darunter das Reina Sofia Museum, die National Gallery of Canada, das Fotomuseum Winterthur in der Schweiz, das Moderna Museet in Stockholm, das Hirshhorn Museum and Sculpture Garden in Washington und die Phillips Collection in Washington.

Stima 20 000 - 22 000 EUR

Lotto 19 - YASUMASA MORIMURA (Osaka, 1951). "Doublonage". Fotografie, Kopie 1/10. Signiert und betitelt auf der Rückseite. Größe: 102 x 81 cm. In "Doublonage" huldigt Morimura Paul Outerbridge, einem der Meister der Farbfotografie, der sich in den 1930er Jahren in New York einen Namen machte. Konkret stützt der japanische Künstler sein Werk auf "Ide necklace", Outerbridges ersten Werbeauftrag, der im Jahr nach seiner Entstehung in der Zeitschrift Vanity Fair veröffentlicht wurde, allerdings mit leichten Nuancen gegenüber dem Original: Morimura verzichtet auf die Beschriftung und Etikettierung des Objekts und beraubt es damit der Hinweise, die zu seiner Kontextualisierung beitragen. Die Fotografie von Outerbridge wird in wichtigen internationalen Museen aufbewahrt, wie dem Met und dem MoMA in New York. Morimura ist ein japanischer Appropriationskünstler. Er wurde in Osaka geboren und machte 1978 seinen Abschluss an der Kyoto City University of the Arts. Seit 1985 hat er seine Werke hauptsächlich in Einzelausstellungen auf internationaler Ebene gezeigt, obwohl er auch an mehreren Gruppenausstellungen teilgenommen hat. Morimura nimmt Bilder historischer Künstler (von Édouard Manet über Rembrandt bis zu Cindy Sherman) und fügt ihnen sein eigenes Gesicht und seinen eigenen Körper hinzu. Er verkleidet sich sogar als die Hauptpersonen, die in den von ihm angeeigneten Kunstwerken auftauchen - viele davon verstoßen gegen seine rassischen, ethnischen und geschlechtsspezifischen Grenzen als Asiate, denn die meisten der von ihm angeeigneten Kunstwerke haben westliche, insbesondere weibliche Motive. Er hat sich auch in einige der westlichen männlichen Sujets hineinversetzt, und in den meisten dieser Werke geht es hauptsächlich um Rasse und Ethnizität. Durch die Verwendung von Verkleidungen setzt er die Auswirkungen des männlichen Blicks, des Geschlechts, der Rasse, der ethnischen Zugehörigkeit und der kulturellen Normen außer Kraft und fordert die traditionellen Methoden der Porträtmalerei heraus, indem er die ursprünglichen westlichen Kunstwerke durch die Einbeziehung von Details der japanischen Kultur verändert. In einem seiner Werke, Porträt (Futago), tauscht er beispielsweise den Blumenschal des Originalwerks, Olympia von Manet, gegen einen mit Kranichen verzierten Kimono aus. Seine Werke wurden im Museum of Contemporary Art in Chicago (1992), in der Cartier Foundation for Contemporary Art in Jouy-en-Josas, Frankreich (1993), im Hara Museum of Art in Tokio (1994), im Guggenheim Museum. Museum (1994), das Yokohama Museum of Art in Yokohama, Japan (1996), das Museum of Contemporary Art in San Diego (2006) und die Art Gallery of New South Wales in Sydney (2007), und seine Werke befinden sich heute unter anderem im Besitz des Carnegie Museum of Art (Pittsburgh), des Honolulu Museum of Art, des J. Paul Getty Museum (Los Angeles), das J. Paul Getty Museum (Los Angeles), das Hara Museum of Art in Tokio (1994), das Hara Museum of Art in Tokio (1994) und das Hara Museum of Art in Tokio (1994). Zu den öffentlichen Sammlungen, die Werke von Morimura besitzen, gehören das J. Paul Getty Museum (Los Angeles), das Museum of Contemporary Art, Chicago, das Museum of Contemporary Art, Los Angeles, das San Francisco Museum of Modern Art und das Whitney Museum of American Art (New York).

Stima 13 000 - 14 000 EUR

Lotto 20 - MARIA ACHA-KUTSCHER ( Lima, Peru, 1968). Untitled. 2019. Serie "Womankind". Pigmenttinten auf Hahnemühle Photo Rag Baryta Papier, 315 gr. Mit Etikett von Taller Digigráfico de Madrid. Formate: 41,5 x 30 cm; 62 x 50 cm (Rahmen). Wie die Künstlerin selbst in einem Interview in "Elemmental" über diese Serie erklärte: "Womankind ist ein intertextuelles Werk, voll von Zitaten aus Kunstwerken, Fotografie, Film, Literatur und der Erinnerung an politische Kämpfe. In allen Fotocollagen dieses Projekts nehmen die Frauen einen zentralen Platz ein, nicht als Objekte der Betrachtung, sondern als Protagonistinnen ihrer eigenen Geschichte. Es ist daher von entscheidender Bedeutung, dass die Bilder plausibel sind, um ein umfangreiches Archiv fiktiver Dokumente zu schaffen". Durch die Kombination von Archivbildern und Collage beansprucht Acha-Kutscher einen autonomen Ort für Frauen, einen Ort, der ihnen gestohlen wurde. María Acha-Kutscher ist eine peruanische feministische bildende Künstlerin, die in Spanien lebt. Sie ist gemeinsam mit Tomás Ruiz-Rivas Leiterin des experimentellen Projekts Antimuseo. Sie studierte an der Fakultät für Schöne Künste der Pontificia Universidad Católica del Perú. Nach Abschluss ihres Studiums 1991 zog sie nach Mexiko-Stadt, wo sie als Art Director in Werbeagenturen arbeitete. Diese Erfahrung als Designerin war entscheidend für die Verwirklichung ihrer künstlerisch-militanten Arbeit. Im Jahr 2001 zog sie nach Madrid und wurde durch ihren Partner Tomás Ruiz-Rivas in die alternative zeitgenössische Kunstszene eingebunden. Ihr Werk rechtfertigt und macht den Feminismus sichtbar. Seit 2010 hat sich Acha-Kutscher auf drei langfristige Projekte konzentriert: Womankind, Indignadas und Herstorymuseum. Womankind besteht aus mehreren Serien digitaler Fotocollagen, die aus Archivbildern aus dem Internet, aus Zeitschriften, Büchern und von der Künstlerin selbst aufgenommenen Fotos erstellt wurden. Eine ihrer bekanntesten Serien ist Indignadas, die zu dem Projekt zur Wiederherstellung des historischen Gedächtnisses von Frauen Mujeres Trabajando para Mujeres" (Frauen, die für Frauen arbeiten) gehört. Ihr neuestes Projekt ist das Herstorymuseum, ein imaginäres Museum, das durch seine Sammlung und ein kuratorisches Programm eine rhizomatische und nicht-hierarchische Erzählung über die Schöpferinnen des 20. Seine Sammlungen bestehen aus Bildern, die auf einer piktogrammähnlichen Bildsprache beruhen, bei der nur zwei Farbpunkte verwendet werden. Die Ausstellungen finden in öffentlichen Räumen, Kunstzentren, Galerien und auch auf der Website statt. Die Ausstellungen stellen Beziehungen zwischen verschiedenen Künstlerinnen und Werken her und entwickeln so ein anderes Narrativ als die offizielle Kunstgeschichte.16 Das Herstorymuseum ist Mitglied der International Association of Women's Museums (IAWM). Acha-Kutscher hat ihre Arbeiten im Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS), Centro de Arte Dos de Mayo (CA2M), Centro Gallego de Arte Contemporáneo (CGAC), La Virreina Centre de la Imatge, The Fed Galleries @ KCAD (USA), M.A.C.L.A. (USA), Haifa Museum of Art (USA), Haifa Museum of Art (USA) und das Museum of Contemporary Art (USA).), Haifa Museum of Art (Israel), International Museum of Woman-IMOW, Galería - Centro Cultural de la Universidad de Lima (Peru), Centro Cultural Inca Garcilaso (Peru), Centro de la Imagen (Mexiko), Foto Museo Cuatro Caminos (Mexiko) Fototeca Nuevo León (Mexiko), u. a.. In Spanien unter anderem im CentroCentro, Museo de la Universidad de Alicante-MUA, Centro de Arte Contemporáneo Caja de Burgos, Museo de Arte Moderno y Contemporáneo de Santander und Cantabria-MAS. Er hat auch an Messen für zeitgenössische Kunst wie Zona Marco (Mexiko-Stadt) teilgenommen. Und in Madrid an den Messen ARCO, Estampa, Madrid Photo, ArteSantander, Munich Contemplo, in seinem Heimatland Peru an den Messen Art Lima und Lima Photo.

Stima 2 000 - 2 500 EUR

Lotto 21 - PER BARCLAY (Oslo, 1955). "Das Schlachthaus", 1996. Fotografie Typ C der geschaffenen Installation. Provenienz: Privatsammlung. Ehemals Galerie Oliva Arauna (Inver-Kalis SA). Maße: 205 x 165 cm. Mit der Installation "The Slaughterhouse" spielte Per Barclay mit dem Reflexionseffekt des Blutes der Rinder und brachte den Boden zum Glänzen. So wie er in anderen Installationen Symboliken für die beunruhigende Wirkung von verschüttetem Öl in unbewohnten Räumen eingesetzt hat, werden hier die Bezüge vervielfältigt: Anspielungen auf die Kunstgeschichte, aber auch auf die Idee von Opfer und Gewalt. Per Barclay ist Bildhauer, Fotograf und Kunsthistoriker. Seine Kunstinstallationen sind in Museen auf der ganzen Welt zu sehen. Per Barclay verbindet in seinem Werk Konzepte von Spannung und Dramatik, die er unter dem Einfluss des norwegischen Künstlers Edvard Munch verarbeitet. Nach seinem Studium der Kunstgeschichte in Bergen verließ er 1979 Norwegen, um in Italien neue künstlerische Referenzen zu finden. In Florenz studierte er Design und Fotografie, wechselte dann 1981 an die Akademie von Bologna und zwei Jahre später nach Rom. Nach einem Aufenthalt in Neapel zog er nach Turin, wo er in direkten Kontakt mit den Künstlern der Arte Povera kam. Von da an verwendet der Künstler Öl und Wasser als Bildelemente und Stahl und Glas als Strukturmaterialien für seine Werke. 1994 zog er nach Paris, wo er lebt und seine Projekte entwickelt. Seine Werke sind unter anderem im Nationalen Museum für Kunst, Architektur und Design, im Henie-Onstad Art Centre, im Museum für zeitgenössische Kunst "Kiasma" in Helsinki und in verschiedenen Museen in Spanien (Koldo Mitxelena Kulturunea, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía), Italien und Frankreich (Centre de Création Contemporaine) zu sehen. Er nahm 1990 an der Biennale von Venedig, 1994 im Kunstmuseum von Lillehammer während der Olympischen Winterspiele in Lillehammer, 2001 am Internationalen Festival von Bergen und 2009 am Nordnorwegischen Festival teil und war an dem internationalen Projekt Skulpturlandskap Nordland beteiligt.

Stima 26 000 - 27 000 EUR

Lotto 22 - GEORGES ROUSSE (Paris, 1947). Ohne Titel. Barcelona, 2003. Fotopapier, Kopie 12/30. Handsigniert, nummeriert, abgepaust und datiert. Ausgestellt in der Galerie Carles Taché, Barcelona, 2003. Größe: 52 x 41 cm; 75 x 63 cm (Rahmen). Seit den frühen 1980er Jahren ist das Werk von Georges Rousse durch die Beziehungen gekennzeichnet, die er zwischen Fotografie, Malerei, Skulptur und Architektur herstellt. Die fotografische Sprache ist jedoch das Rückgrat der anderen, sie steht im Dialog mit ihnen und spielt mit räumlichen Effekten. Dies war in der Ausstellung in der Galerie Carles Taché in Barcelona zu sehen, zu der auch dieses Werk gehörte. Seit er im Alter von 9 Jahren zu Weihnachten eine Kodak Brownie Flash geschenkt bekam, hat Georges Rousse die Kamera nicht mehr aus der Hand gelegt. Während seines Medizinstudiums in Nizza beschloss er, die Techniken der Fotografie und des Druckens von einem Profi zu erlernen, und gründete dann sein eigenes Studio für Architekturfotografie. Seine Leidenschaft führte ihn immer mehr dazu, sich ganz der künstlerischen Praxis dieses Mediums zu widmen und in die Fußstapfen der großen amerikanischen Meister Edward Steichen, Alfred Stieglitz und Ansel Adams zu treten. Mit der Entdeckung der Werke der Land Art und des Schwarzen Quadrats auf weißem Grund von Kasimir Malevitch beschließt Georges Rousse, in den Bereich der Fotografie einzugreifen und eine Beziehung zwischen Malerei und Raum herzustellen. Er eignet sich verlassene Orte an, die ihm schon immer gefallen haben, verwandelt sie in Bildräume und schafft dort ein einzigartiges und flüchtiges Werk, das nur die Fotografie wiedergeben kann. Um den Betrachter an seiner Erfahrung des Raums teilhaben zu lassen, präsentiert er seine Bilder seit Anfang der 1980er Jahre in großformatigen Abzügen. Dieses starke und einzigartige Werk, das die Grenzen zwischen den traditionellen Medien verschiebt, hat sich sofort in der zeitgenössischen Kunstszene durchgesetzt. Seit seiner ersten Ausstellung in der Galerie de France in Paris 1981 hat Georges Rousse seine Installationen und Fotografien in der ganzen Welt ausgestellt, in Europa, Asien (Japan, Korea, China, Nepal), den Vereinigten Staaten, Quebec und Lateinamerika. Er hat an zahlreichen Biennalen (Paris, Venedig, Sydney) teilgenommen und zahlreiche renommierte Preise erhalten: 1983: Villa Medicis hors les murs, New York City 1985 -1987: Villa Medicis, Rom 1988: International Center of Photography Award, New York 1989: Salon de Montrouge Drawing Award 1992: Romain-Roland-Stipendium, Kalkutta 1993: Grand Prix National de Photographie 2008: Nachfolger von Sol LeWitt als assoziiertes Mitglied der Königlichen Belgischen Akademie. Er wird von mehreren europäischen Galerien vertreten und seine Werke befinden sich in zahlreichen bedeutenden Sammlungen in der ganzen Welt.

Stima 3 000 - 3 500 EUR

Lotto 23 - STÉPHANE COUTURIER (Neuilly-sur-Seine, Hauts-de-Seine, 1957) "Seoul Yoido Dong, 1998. Fotografieren. Größe: 127 x 107 cm; 133 x 112 cm (Rahmen). Stéphane Couturier widmete der südkoreanischen Hauptstadt, aber auch anderen Städten, eine Reihe von Fotografien, in denen sein Interesse an der Abstraktion urbaner Details deutlich wird. Er behandelt das Thema des Wandels der Metropolen aus einer einzigartigen Perspektive und gilt als führender französischer Vertreter der "Stadtarchäologie", ebenso wie Thomas Struth im deutschen Kontext. Seit Mitte der 1990er Jahre stellt er urbane Themen in Pariser Galerien aus. Er ist auf Architekturfotografie spezialisiert und lebt und arbeitet in Paris. Im Jahr 2003 wurde er mit dem Niépce-Preis ausgezeichnet. Das Werk von Stéphane Couturier, das mit seiner Serie über die Renault-Fabrik in Boulogne-Billancourt bekannt wurde, besteht im Wesentlichen aus großformatigen Fotografien, die mit einer Kamera oder einem Mittelformat aufgenommen wurden und in denen sich das Auge des Betrachters verliert und von den Details gefesselt wird. Die Stärke seiner Bilder beruht auf diesem visuellen Spiel, das ausschließlich auf Film basiert, bis zu seiner jüngsten Serie Melting Point, die im Toyota-Werk in Valenciennes aufgenommen wurde. Hier experimentierte er mit der Verschmelzung von 2 zuvor gescannten Bildern; das Ergebnis ist eine Fülle von farbenprächtigen Details, die auf magische Weise eine große Kohärenz erreichen. Stéphane Couturier hat sich nach und nach der künstlerischen Fotografie zugewandt: Seine Fotografien von Baustellen zeigen eine organische Stadt in Veränderung und Farbe, manchmal in riesigen Diptychen oder Triptychen. In Landscape konzentriert er sich auf die neuen Städte Kaliforniens, aber immer unter einem wolkenverhangenen Himmel, der die verschiedenen Aufnahmen überlagert. Seine Arbeiten wurden in der Bibliothèque nationale de France in Paris (2004), im Seoul Museum of Art (2005), im Moscow Museum of Architecture (2006), im International Center of Photography in New York (2006), im Hôtel des Arts in Toulon (2014) ausgestellt, das Maison Européenne de la Photographie in Paris (2015), das Musée Nicéphore Niepce in Châlon sur Saône (2016), das Musée de la Photographie in Charleroi, Belgien (2017) und das Musée Fernand Léger in Biot (2018). Seine Arbeiten wurden auch in mehreren Büchern veröffentlicht. Er wird von der Galerie Particulière 1 in Paris, der Benrubi Gallery in New York, der Galerie Kornfeld in Berlin und der Galerie Christophe Guye in Zürich vertreten. Im Mai 2018 unterzeichnete Stéphane Couturier zusammen mit führenden Persönlichkeiten aus der Welt der Kultur eine Petition zum Boykott der gemeinsamen Kultursaison "Frankreich-Israel", die laut der Petition als "Schaufenster" für den Staat Israel zum Nachteil des palästinensischen Volkes dient. Stéphane Couturier hat an zahlreichen Ausstellungen teilgenommen, von denen einige hier aufgeführt sind: 2021 Stéphane Couturier, Christophe Guye Galerie, Zürich, Schweiz 2016 Alger, Climat de France, Musée Nicéphore-Niépce, Chalon-sur-Saône, Frankreich Anaklasis, La Galerie Particulière, Paris, Frankreich; Paris Photo, Galerie Particulière Booth, Grand Palais, Paris, Frankreich.

Stima 7 000 - 8 000 EUR

Lotto 24 - MARK LAITA (Detroit, 1960). "County Fair Livestock Show Contestant, Sara Von Berger, Salina, Kansas, 8. August 2003 / Cajun Man with Alligator, Charles Olivier, Loreauville, Louisiana, 2003". Ed.2/6. S/W-Fotografien auf Fotopapier, aufgezogen auf Aluminium. Signiert, datiert und betitelt auf der Rückseite. Maße jeweils 102 x 81 cm. 116,5 x 179 cm (Rahmen). Mark Laita ist ein wunderbarer amerikanischer Fotograf, der nach mehreren Jahren, in denen er sich der kommerziellen Fotografie widmete, in den letzten Jahren eine Reihe von Büchern mit seinen persönlichen Arbeiten vorgelegt hat. Davon habe ich eine Auswahl von zwei der interessantesten getroffen: "Created Equal" aus dem Jahr 2010 und "Serpentine" aus diesem Jahr. Er hat preisgekrönte kommerzielle Arbeiten für Kunden wie Adidas, Apple und Mercedes-Benz produziert. Laitas erstes Buch mit nicht-kommerziellen Arbeiten, Created Equal, ist das Ergebnis eines achtjährigen Projekts, das quer durch das Land führte und 8×10 Schwarz-Weiß-Porträts von Amerikanern aus einem breiten Spektrum von Kulturen, Berufen und Hintergründen zeigt. Ihre Arbeiten wurden in Galerien in den Vereinigten Staaten und Europa ausgestellt.

Stima 3 000 - 3 500 EUR

Lotto 25 - MARK LAITA (Detroit, 1960). "Junger Mann mit Boom Box, Billy Monroe", Venice, Kalifornien, 26. April 1999. "Sonnenbadende, Joey Caveseno", Coney Island, New York, 3. August 2002. S/W-Fotografien auf Fotopapier, aufgezogen auf Aluminium. Exemplar Nr. 20. Maße: 50 x 40 cm (jedes); 65,5 x 96 cm (Rahmen). Mark Laita ist ein amerikanischer Fotograf, der nach mehreren Jahren, die er der kommerziellen Fotografie gewidmet hat, in den letzten Jahren eine Reihe von Büchern mit seinen persönlichen Arbeiten vorgelegt hat. Daraus habe ich eine Auswahl von zwei der interessantesten getroffen: "Created Equal" aus dem Jahr 2010 und "Serpentine" aus diesem Jahr. Er hat preisgekrönte kommerzielle Arbeiten für Kunden wie Adidas, Apple und Mercedes-Benz produziert. Laitas erstes Buch mit nicht-kommerziellen Arbeiten, Created Equal, ist das Ergebnis eines achtjährigen Projekts, das quer durch das Land führte und 8×10 Schwarz-Weiß-Porträts von Amerikanern aus einer Vielzahl von Kulturen, Berufen und mit unterschiedlichem Hintergrund zeigt. Ihre Arbeiten wurden in Galerien in den Vereinigten Staaten und Europa ausgestellt.

Stima 2 000 - 2 500 EUR

Lotto 26 - PHILIPPE HALSMAN (Riga, 1906 - New York, 1979). "Flämisches Paar", 1950. Silbergelatine-Fotografie. Auf der Rückseite mit dem Stempel des Künstlers "Copyright by Philippe Halsman" versehen. Maße: 18 x 13 cm; 40 x 30 cm (Rahmen). Halsman studierte Elektrotechnik in Dresden. Nachdem er des Mordes an seinem Vater beschuldigt wurde, verbrachte er zwei Jahre im Gefängnis. Nach seiner Entlassung beschloss Halsman, nach Frankreich zu ziehen, wo er für Modemagazine wie die Vogue zu arbeiten begann und sich bald einen Ruf als einer der besten Porträtfotografen Frankreichs erwarb. Er war berühmt für seine scharfen und nicht weichgezeichneten, eng geschnittenen Bilder. Als Frankreich von Deutschland überfallen wurde, floh Halsman nach Marseille. Mit Hilfe seines Familienfreundes Albert Einstein, den er 1947 fotografierte, gelang es ihm schließlich, ein amerikanisches Visum zu erhalten. Halsman hatte seinen ersten Erfolg in den Vereinigten Staaten, als die Kosmetikfirma Elizabeth Arden sein Bild des Models Constance Ford vor der amerikanischen Flagge in einer Werbekampagne für den Lippenstift "Victory Red" verwendete. Ein Jahr später, 1942, fand er Arbeit bei der Zeitschrift Life, wo er Hutdesigns fotografierte. 1941 lernte Halsman den surrealistischen Künstler Salvador Dalí kennen, mit dem er in den späten 1940er Jahren zusammenarbeitete. Das 1948 entstandene Werk Dalí Atomicus beschäftigt sich mit der Idee des Schwebens und zeigt drei fliegende Katzen, einen geworfenen Eimer Wasser und Dalí in der Luft. Der Titel des Fotos ist eine Anspielung auf Dalís Werk Leda Atomicus, das rechts auf dem Foto hinter den beiden Katzen zu sehen ist. Halsman und Dalí veröffentlichten 1954 ein Kompendium ihrer Zusammenarbeit in dem Buch Dali's Moustache, das 36 verschiedene Ansichten des charakteristischen Schnurrbarts des Künstlers zeigt. Eine weitere berühmte Zusammenarbeit zwischen den beiden war In Voluptas Mors, ein surrealistisches Porträt von Dalí neben einem großen Schädel, in Wirklichkeit ein Tableau vivant aus sieben Akten. 1947 machte Halsman eines seiner berühmtesten Fotos von einem trauernden Albert Einstein, der während des Fotoshootings sein Bedauern über seine Rolle bei der Entwicklung der Atombombe durch die Vereinigten Staaten zum Ausdruck brachte. Das Foto wurde später 1966 auf einer US-Briefmarke und 1999 auf der Titelseite des Time Magazine verwendet, das Einstein zur "Person des Jahrhunderts" kürte. 1951 beauftragte NBC Halsman, mehrere beliebte Komiker der damaligen Zeit zu fotografieren, darunter Milton Berle, Sid Caesar, Groucho Marx und Bob Hope. Der Fotograf entwickelte eine Philosophie der Sprungfotografie, die er Jumpology nannte. 1959 veröffentlichte er Philippe Halsman's Jump Book, das eine augenzwinkernde Diskussion der Jumpology und 178 Fotos berühmter Springer enthielt.

Stima 600 - 700 EUR

Lotto 27 - WILLIAM KLEIN (New York, 1926- Paris, 2022) . "Simone + Nina, Piazza di Spagna, Rom", 1960. Gelatinesilberdruck. Signiert, betitelt und datiert mit Bleistift (auf der Rückseite). Provenienz: Privatsammlung Solomon New York. Maße: 45 x 37 cm (Bild); 51 x 40,8 cm (Rahmen). Das Foto "Simone + Nina, Piazza di Spagna, Rom" von William Klein aus dem Jahr 1960 zeigt seinen innovativen Stil und sein Engagement für die Straßenfotografie, seinen Wunsch, die Modefotografie aus dem Studio herauszuführen. In diesem Fall spielt er mit der rhythmischen und kontrastreichen Linie des Zebrastreifens. Die Komposition ist ausgeklügelt, gibt aber vor, beiläufig zu sein, was zu einer großen visuellen Leistung führt: die Vespa (ikonisches Element der italienischen Straßen), die Unruhe dieses neuralgischen Platzes in Rom, die eleganten Silhouetten von Nina und Simmone... bilden eine Art Filmstill. Das ist der spontane Eindruck und der erzählerische Reichtum, den es vermittelt. William Klein war ein amerikanischer Fotograf und Filmregisseur. Obwohl er in New York geboren und am City College of New York ausgebildet wurde, war Klein hauptsächlich in Frankreich tätig. Er führte bei einer Reihe von Spielfilmen Regie (u. a. 1966 bei dem Film "Qui êtes-vous, Polly Maggoo" und der antiamerikanischen Satire "Mr. Freedom"). Im Bereich der Fotografie wurde Klein 1956 mit dem Nadar Award ausgezeichnet. Im Jahr 1947 reiste er während seines Militärdienstes zum ersten Mal nach Paris und lebte und arbeitete seitdem in dieser Stadt, in die er sich verliebte. Im Jahr 1948 schrieb er sich an der Sorbonne ein, wo er unter anderem bei Fernand Léger studierte. Seine bekanntesten Arbeiten drehen sich um Mode- und Straßenfotografie, für die er als einer der Schöpfer und Meister gilt. Auszeichnungen: 1988 wurde er mit dem Kulturpreis des Deutschen Fotografenbundes ausgezeichnet. Im Jahr 1990 erhielt er den International Award der Hasselblad Foundation. Im Jahr 2005 erhielt er den PhotoEspaña-Preis. Fotografie-Bücher: 1956. Das Leben ist gut & Gut für dich in New York: Trance witness revels, Éditions su Seul, Paris. 1959. Rom: die Stadt und ihre Menschen, Feltrinelli, Mailand. 1964. Tokio, Zokeisha Publications, Tokio. 1964. Moskau, Zokeisha-Verlag, Tokio. 1989. Close up, Thames and Hudson, London, New York und Paris. KLEIN, W. (1990). Torino '90, Federico Motta, Mailand. 1994. In and Out of Fashion, Random House, New York und London.

Stima 8 000 - 10 000 EUR

Lotto 28 - KENNETH DUDLEY SMITH (Vereinigte Staaten, 1886 - 1965) "Fort San Juan". Photographie. Stempel des Künstlers auf der Rückseite. Maße: 26 x 34 cm. Diese Fotografie zeigt das Fort von San Juan in Kuba, ein historischer Ort, da es während des Krieges von Kuba entscheidend war. Die Anwesenheit von Menschen neben dem Bauwerk weist auf seine Bedeutung als historisches Denkmal und touristisches Interesse hin. Diese Präsenz lädt den Betrachter dazu ein, über den Wert der Gebäude nachzudenken.

Stima 300 - 400 EUR

Lotto 29 - HENRI CARTIER-BRESSON (Chanteloup-en-Brie, Frankreich, 1908- Céreste, Frankreich, 2004). "Hyères, Frankreich, 1932. Gelatinesilber. Späterer Abdruck. Mit Tinte signiert und mit dem Copyright-Stempel des Fotografen (im Rand). Provenienz: Privatsammlung Bennett, New York. Das Centre Pompidou besitzt eine Kopie dieser Fotografie. Maße: 25 x 36 cm (Bild); 31 x 41 cm (Papier). Im Alter von 24 Jahren aufgenommen, als Henri Cartier Bresson gerade seine kleine Leica-Kamera gekauft hatte, wurde dieser Schnappschuss zu einem seiner bekanntesten Bilder und zu einem der teuersten, die der Künstler versteigerte. Er zeigt die Geschwindigkeit und Mobilität, die diese Kamera ermöglichte, um die Bewegung und den flüchtigen Moment mit unendlichen ästhetischen Möglichkeiten einzufrieren. Henri Cartier-Bresson war ein französischer Künstler und humanistischer Fotograf, der als Meister der Fotografie gilt und einer der ersten Nutzer des 35-mm-Films war. Er war der Pionier des Genres der Straßenfotografie und verstand Fotografie als das Festhalten des entscheidenden Augenblicks. Seine erste große Reportagereise führte ihn 1931 an die Elfenbeinküste, und die Fotografien seiner zahlreichen Reisen fanden schnell ein Forum in Zeitschriften und Ausstellungen. Auch in New York sammelte er Erfahrungen bei Paul Strand. Im Spätsommer 1937, vor der Schlacht von Belchite, reiste er mit Herbert Kline, dem ehemaligen Redakteur der Zeitschrift New Theater, und dem Kameramann Jacques Lemare nach Spanien, um eine Dokumentation über das American Medical Bureau während des Spanischen Bürgerkriegs zu drehen. Sie filmten in Villa Paz, dem Krankenhaus der Internationalen Brigaden in Saelices, nicht weit von Madrid, und an der Küste von Valencia, um die Genesung verwundeter Freiwilliger in den Villen von Benicàssim zu dokumentieren. Sie besuchten auch die Abraham-Lincoln-Brigade in Quinto, in der Nähe von Saragossa, und drehten den Film Mit der Abraham-Lincoln-Brigade in Spanien. Von 1937 bis 1939 war Cartier-Bresson Regieassistent bei drei Filmen von Jean Renoir, darunter Die Spielregeln. Im Jahr 1940 verbrachte er fast drei Jahre als Kriegsgefangener in Deutschland. Nachdem fälschlicherweise angenommen worden war, er sei im Krieg gefallen, widmete das Museum of Modern Art in New York Cartier-Bresson 1947 eine große "posthume" Retrospektive. Im selben Jahr gründete er zusammen mit Robert Capa, David Seymour und George Rodger die Agentur Magnum Photos in New York, um die Rechte an den Werken der Fotografen zu sichern. 1955 war Cartier-Bresson der erste Fotograf, der im Pariser Louvre ausstellen durfte. Seine Fotografien wurden gesammelt und u. a. in Images à la sauvette (1952, Bilder im Vorübergehen), D'une Chine à l'autre (1968, China gestern und heute) und Moscou (1955, Moskau) veröffentlicht. Cartier-Bresson hörte 1972 auf, professionell zu fotografieren und widmete sich intensiv der Zeichenkunst. Im Jahr 1974 wurde er zum Mitglied der American Academy of Arts and Sciences gewählt.

Stima 13 000 - 14 000 EUR

Lotto 30 - DAVID HAMILTON (London, 1933-Paris, 2016). "Junge Frau schlafend", 1974. Fotografie auf Gelatinesilber. Signiert und datiert. Maße: 17 x 23,5 cm. Auf dieser Fotografie konzentriert sich der Autor auf das Modell aus einer hohen Perspektive. Er vermeidet es, das Gesicht darzustellen, nicht nur, weil die junge Frau mit dem Gesicht nach unten liegt, sondern auch, weil er den Kopf des Modells aus dem Rahmen lässt. Durch die Position und die explizite Erotik bietet uns der Autor eine Revision von Coulberts "Der Ursprung der Welt". David Hamilton war ein britischer Fotograf und Filmregisseur, der für seine Fotografien von jungen Frauen und Mädchen bekannt war, die er hauptsächlich nackt ablichtete. Sein Stil wurde als "Hamilton Blur" bezeichnet, Hamiltons Bilder wurden Teil einer Debatte über "Kunst oder Pornografie". Ihre künstlerischen Fähigkeiten begannen sich während eines Jobs in einem Architekturbüro zu entwickeln. Im Alter von 20 Jahren ging er nach Paris, wo er als Grafikdesigner für Peter Knapp von der Zeitschrift Elle arbeitete. Nachdem er Anerkennung gefunden hatte, wurde er von der Zeitschrift Queen in London als Art Director eingestellt. Hamilton entdeckte jedoch bald seine Liebe zu Paris, und nach seiner Rückkehr wurde er Art Director bei Printemps, dem größten Kaufhaus der Stadt. Noch während seiner Tätigkeit bei Printemps begann Hamilton mit der Werbefotografie, und der verträumte, körnige Stil seiner Bilder wurde von der Kritik gelobt. Seine Fotografien wurden auch von anderen Zeitschriften wie Réalités, Twen und Photo nachgefragt. Zu seinen weiteren Erfolgen zählen Dutzende von Fotobüchern, fünf Spielfilme, unzählige Ausstellungen in Zeitschriften sowie Ausstellungen in Museen und Galerien. Im Dezember 1977 zeigte die Images Gallery, ein Studio im Besitz von Bob Persky in der East 57th Street 11 in Manhattan, seine Fotografien zeitgleich mit der Veröffentlichung von Bilitis. Der Kunstkritiker Gene Thornton schrieb damals in der New York Times, dass sie "die Art von Ideal enthüllen, die regelmäßig in den großen Gemälden der Vergangenheit zum Ausdruck kommt". In seinem Buch Contemporary Photographers schrieb der Kurator Christian Caujolle, dass Hamilton nur mit zwei festen Mitteln arbeitete: "eine klare Bildabsicht und eine latente Erotik, die scheinbar romantisch ist, aber zu Problemen führen kann". Neben jungen Frauen fotografierte Hamilton auch Blumen, Männer, Landschaften, Nutztiere, Tauben und Früchtestillleben. Einige seiner Fotografien ähneln Ölgemälden. Die meisten seiner Werke erwecken den Eindruck von Zeitlosigkeit, da sie keine Autos, modernen Gebäude und Werbung zeigen. Denise Couttès erklärte 1976 Hamiltons Erfolg mit den Worten: "(Seine Fotografien) sind Ausdruck von Eskapismus. Die Menschen können der Gewalt und Grausamkeit der modernen Welt nur durch Träume und Nostalgie entkommen". Sein Weichzeichner-Stil kam ab 2003 in der Vogue, Elle und anderen Modemagazinen wieder in Mode. Die Fotobücher debütierten auf der Leinwand in Bilitis. Später heiratete er Gertrude, die The Age of Innocence mitgestaltete, aber sie ließen sich einvernehmlich scheiden.Hamilton lebte zwischen Saint-Tropez und Paris. Seit 2005 erfährt er eine Renaissance seiner Popularität. Im Jahr 2006 wurden David Hamilton, eine Sammlung von Fotografien mit Bildunterschriften, und Erotic Tales, die fiktive Kurzgeschichten Hamiltons enthalten, veröffentlicht. Zum Zeitpunkt seines Todes arbeitete Hamilton an einem weiteren Buch, Monograph of Montenegro.

Stima 800 - 1 000 EUR

Lotto 31 - PIERRE ET GILLES (Frankreich, zusammenarbeitend seit 1976). "Le petit Rimbaud", 2005. Fotografieren. Signiert. Einzigartiges Werk. Maße: 126 x 100 cm. Das französische Künstlerduo Pierre et Gilles fertigt provokante Fotografien an, in denen sie ihre eigenen Szenarien und Kostüme von Hand konstruieren und die Abzüge oft mit Farbe retuschieren. Schwulenkultur und Pornografie sind die Genres, die sie mit einem befreiten und sardonischen Geist erkunden. In dieser ovalen Fotografie wird der verfluchte Dichter Arthur Rimbaud wiedergeboren, als junger Mann, dessen engelsgleiches Gesicht mit himmlischem Blick im Gegensatz zu seinem vulgären Exhibitionismus steht. Der Konflikt zwischen der erhabenen Poesie und dem skandalösen Verhalten, das Rimbaud im Leben an den Tag legte, wird in einer Camp-Tonart neu gelesen. Pierre und Gilles sind zwei französische Künstler, ein sentimentales und künstlerisches Paar. Sie machen einzigartige und stark stilisierte Fotografien. Ihr Werk umfasst Bilder aus der Kunstgeschichte, der Populärkultur, der Religion und der schwulen Kultur, einschließlich der Pornografie (insbesondere James Bidgood). Zur Arbeitsweise der beiden Künstler gehört der Aufbau komplexer Szenografien, da sie kaum mit digitaler Nachbearbeitung der Aufnahmen arbeiten. Zu ihrer Arbeitsweise gehören aufwendige Beleuchtungs- und Kulissenarbeiten, bei denen die Modelle von Blumenmandoras umgeben sind, die sich oft auf religiöse Werke der Vergangenheit beziehen oder in idyllischen und imaginären Szenarien zu sehen sind. Später bearbeiten sie die Fotografien mit Acrylfarbe, um die Bilder zu retuschieren und ihnen ein originelles Finish zu verleihen. Zu seinen Lieblingsthemen gehören religiöse und mythologische Themen sowie homoerotische Szenen (einige Beispiele beziehen sich auf das Meer und die Seeleute, da er ein Buch zu diesem Thema mit dem Titel "Sailors and Sea" (Seeleute und Meer) entwickelt hat). Zweifellos lassen sich seine Werke der Kitsch-Bewegung zuordnen, die bewusst von der Welt der Popkultur beeinflusst wird. Zu den von Pierre et Gilles fotografierten Berühmtheiten gehören: Amanda Lear (das Cover ihres Albums Diamonds for Breakfast von 1980, einer seiner ersten Aufträge), Lio, Khaled, Étienne Daho, Marie France, Mikado, Marc Almond, Leslie Winer, Marilyn Manson, Madonna, Kylie Minogue, Erasure, Deee-Lite, The Creatures, Nina Hagen und Coco Rosie (das Cover ihres Albums The Adventures of Ghosthorse and Stillborn von 2007); Model Naomi Campbell, die Schauspielerinnen Tilda Swinton und Catherine Deneuve, die Schauspieler Jérémie Renier und Layke Anderson sowie die Designer Jean-Paul Gaultier und Paloma Picasso. Seine Arbeiten sind Teil der Sammlungen des Centre Pompidou in Paris.

Stima 110 000 - 120 000 EUR

Lotto 32 - ANDY WARHOL (Pittsburgh, USA, 1928 - New York, USA, 1987). "Lana Turner", 1985. Polaroid-Fotografie. Einzigartiges Exemplar. Beigefügtes Provenienzzertifikat, aus dem hervorgeht, dass das Werk aus dem "Estate of Andy Warhol" und der "Andy Warhol Foundation for the Visual Arts" stammt. Maße: 10,8 x 8,6 cm. Lana Turner war eine amerikanische Schauspielerin. Während ihrer fast 50-jährigen Karriere erlangte sie Ruhm als Pin-up-Model und Filmschauspielerin, aber auch durch ihr öffentlichkeitswirksames Privatleben. Mitte der 1940er Jahre war sie eine der bestbezahlten Schauspielerinnen in den Vereinigten Staaten und einer der größten Stars von Metro-Goldwyn-Mayer (MGM). Turner gilt als populärkulturelle Ikone des Hollywood-Glamours und als Leinwandlegende des klassischen Hollywood-Kinos. Andrew Warhola, gemeinhin als Andy Warhol bekannt, war ein amerikanischer bildender Künstler, Filmemacher und Musikproduzent, der eine entscheidende Rolle bei der Entstehung und Entwicklung der Pop-Art spielte. Warhol, der zu seiner Zeit als Guru der Moderne galt, ist einer der einflussreichsten Künstler des 20. Jahrhunderts. Der Sohn slowakischer Einwanderer begann sein Kunststudium am Carnegie Institute of Technology zwischen 1945 und 1949. Im letzten Jahr, als er sich bereits in New York niedergelassen hatte, begann er seine Karriere als Werbekarikaturist für verschiedene Zeitschriften wie Vogue, Harper's Bazaar, Seventeen und The New Yorker. Gleichzeitig malte er Leinwände, deren Thema auf einem Element oder Bild aus dem alltäglichen Umfeld, der Werbung oder Comics basierte. Bald stellte er in verschiedenen Galerien aus. Nach und nach entfernte er alle expressionistischen Züge aus seinen Werken, bis er das Werk auf eine serielle Wiederholung eines populären Elements aus der Massenkultur, der Konsumwelt oder den Medien reduzierte. Diese Entwicklung erreichte 1962 ihren höchsten Grad an Entpersönlichung, als er begann, ein mechanisches Siebdruckverfahren als Arbeitsmethode zu verwenden, mit dem er systematisch Mythen der zeitgenössischen Gesellschaft reproduzierte. Die repräsentativsten Beispiele dafür sind die Serien, die Marilyn Monroe, Elvis Presley, Elizabeth Taylor oder Mao Tse-tung gewidmet sind, sowie seine berühmte Bearbeitung von Campbell's Suppendosen, alles Werke, die während des fruchtbaren Jahrzehnts der 1960er Jahre entstanden. Diese Aneignung, die eine Konstante in den Werken der Vertreter der Pop Art ist, erstreckt sich auf Kunstwerke mit universellem Charakter. Mit den Mitteln der Massenreproduktion gelang es ihm, die von ihm verwendeten Medienfetische ihrer üblichen Bezüge zu entkleiden und sie in stereotype Ikonen mit rein dekorativem Zweck zu verwandeln. 1963 gründete er die Factory, eine Werkstatt, in der sich zahlreiche Figuren der New Yorker Untergrundkultur um ihn scharten. Die Frivolität und Extravaganz, die seinen Lebensstil kennzeichnen, bilden schließlich eine kohärente Linie zwischen seinem Werk und seinem Lebensweg. Derzeit ist er in den wichtigsten Museen für zeitgenössische Kunst der Welt vertreten, wie dem MoMA, dem Metropolitan und dem Guggenheim in New York, dem Fukoka Museum in Japan, dem Kunstmuseum in Basel, dem Nationalen Kunstmuseum des 21. Jahrhunderts in Rom, dem MUMOK in Wien, dem SMAK in Gent und der Tate Gallery in London sowie in den Museen, die seinen Namen tragen, in Pittsburgh und Medzilaborce (Slowakei).

Stima 8 000 - 10 000 EUR

Lotto 33 - MASSIMO VITALI (Como, Italien, 1944). "Vecchiano". Serie "Landschaft mit Figuren", ca. 2000. Fotografieren. Auflage limitiert auf 10 Exemplare? Maße: 78 x 88 cm; 76 x 96 cm (Rahmen). Vitali begann mit Panoramaaufnahmen von sonnenverwöhnten Stränden in seinem Heimatland Italien und verewigte deren Menschenmassen, Architektur und natürliche Schönheit. Seitdem hat er seinen Aktionsradius erweitert und Sonnenanbeter in der Türkei, Spanien und anderen Ländern fotografiert. Die Strände bieten Vitali einen weiten Raum, in dem er mit Komposition und Perspektive experimentieren kann. Er nutzt einen hohen Aussichtspunkt, um einen Panoramablick zu erhalten und Details und Muster einzufangen, die sich ergeben, wenn man eine große Anzahl von Menschen aus der Ferne beobachtet. Gleichzeitig handelt es sich um eine soziologische Studie, die sich mit der Freizeitgestaltung von Menschenmengen befasst. Massimo Vitali ist ein italienischer Fotograf und lebt in Lucca. Er studierte Fotografie am London College of Printing. In den siebziger Jahren arbeitete er zunächst als Fotojournalist bei der Agentur Report und dann als Kameramann. 1995 begann er mit der Kunstfotografie, oft auf einem vier oder fünf Meter hohen Podium und mit großformatigen Filmkameras, um hochauflösende Details in Großaufnahmen von Orten wie Stränden, Clubs und öffentlichen Plätzen einzufangen. Seine Arbeiten wurden im Centro de Arte Reina Sofia in Madrid, im Guggenheim Museum in New York, im Museum of Contemporary Art in Denver, Colorado, im Fonds national d'art contemporain in Paris, im Centre Pompidou in Paris, im Musée National d'Art Moderne (Frankreich) in Paris, in der Cartier Foundation in Paris und im Museo Luigi Pecci in Prato, Italien, ausgestellt.

Stima 7 000 - 8 000 EUR

Lotto 34 - CANDIDA HÖFER (Deutschland, 1944). "Deutsche Oper am Rhein Düsseldorf", 2012. Fotografie, C-Print, Exemplar 97/100. Signiert und nummeriert auf der Rückseite. Maße: 30 x 45,5 cm; 48 x 63 cm (Rahmen). "Deutsch Oper am Rhein Düsseldorf" ist Teil des Projekts "In Portugal", das der Künstler zwischen 2005 und 2006 realisiert hat. Die Serie besteht aus einer Auswahl von Fotografien, die an öffentlichen Orten im ganzen Land aufgenommen wurden. Wie für Candida Höfer typisch, hat die Künstlerin leere Innenräume von Bibliotheken, Museen, Palästen und Theatern fotografiert und sich dabei auf kulturelle Räume ohne menschliche Präsenz konzentriert. Die selbst auferlegten thematischen Beschränkungen, die sich in ihrem Projekt zeigen, sind sowohl kultureller als auch formaler Natur. Die barocken, modernen und zeitgenössischen Innenräume, die Höfer mit ihrer Linse einfängt, bieten ein "formales Porträt des Sozialen selbst", wie es in Europa seit der Aufklärung definiert wurde. Candida Höfer begann ihre Karriere 1968 als Porträtfotografin für verschiedene Zeitungen und ab 1970 als Assistentin von Werner Bokelberg. Später, zwischen 1973 und 1982, besuchte sie die Kunstakademie Düsseldorf und studierte zunächst Film bei Ole John, später Fotografie bei Bernd Becher. Zusammen mit Thomas Ruff war Höfe die erste Schülerin Bechers, die Farbfotografie einsetzte und ihre Arbeiten in Form von Dias zeigte. Sie begann 1979, noch während ihrer Studienzeit, ihre berühmten Innenaufnahmen von öffentlichen Gebäuden zu machen. Berühmtheit erlangte er schließlich durch seine Fotoserie über das Leben von Gastarbeitern in Deutschland. Höfers Werk steht in der Tradition der deutschen Fotografen, die direkt an die konzeptuelle Ästhetik und die Lehren von Bernd und Hilla Becher von der Kunstakademie in Düsseldorf anknüpfen, die das ursprüngliche Projekt der Neuen Sachlichkeit umgestaltet haben, um eine eigene Sichtweise auf die Welt zu entwickeln. In Anlehnung an die von ihren Lehrern initiierte Arbeitsmethode zeigen ihre Fotografien ein fast ethnografisches Interesse an der Vielfalt der Repräsentationsformen der zeitgenössischen Kultur und beziehen sich in ganz besonderer Weise auf die Szenarien, in denen sich die Gesellschaft bewegt und das Wissen entwickelt. Höfer fotografiert Innenräume von Gebäuden, vorzugsweise von öffentlichen Gebäuden wie Museen, Kirchen, Theatern oder Opernhäusern, Archiven und Bibliotheken, die sie fotografiert, wenn sie nicht mehr in Betrieb sind und leer stehen. Ihre auf große Formate spezialisierten Fotografien sind aus einem klassischen frontalen Blickwinkel aufgenommen, oder sie suchen eine scharfe Diagonale, die die Komposition gliedert. Die Künstlerin neigt dazu, ihre Szenen von einem hohen Standpunkt aus zu fotografieren, so dass die Wand im Hintergrund im Verhältnis zum endgültigen Bild zentriert ist. Ihre erste Einzelausstellung hatte sie 1975 in der Galerie Konrad Fischer in Düsseldorf. Seitdem wurden Höfers Werke in führenden Museen auf der ganzen Welt ausgestellt, so in der Kunsthalle in Basel, Hamburg und Bern, im Louvre in Paris, im Portikus in Frankfurt am Main, im MoMA in New York, im Power Plant in Toronto, im Kunsthaus in Bregenz, im Museum Ludwig in Köln oder in unserem Land im Museum für zeitgenössische Kunst in Vigo. Ebenso nahm er 2002 an der Documenta 11 teil und vertrat 2003 zusammen mit Martin Kippenberger Deutschland auf der Biennale von Venedig. Andererseits verband sie zwischen 1997 und 2000 ihre künstlerische Praxis mit einer Lehrtätigkeit, die sie an der Hochschule für Gestaltung in Karlsruhe ausübte. Derzeit ist sie u. a. im Guggenheim Museum in New York, im Hamburger Banhof in Berlin, in der Kunsthalle in Nürnberg, im Museum für moderne und zeitgenössische Kunst in Trient, im Museum für zeitgenössische Fotografie am Columbia College in Chicago, in der Fundación Telefónica in Madrid und im Philadelphia Museum of Art sowie in weiteren öffentlichen und privaten Sammlungen vertreten.

Stima 3 000 - 3 400 EUR

Lotto 35 - FRANCESCA WOODMAN (Denver, Colorado, 1958-New York, 1981). "Space2", Providence, Rhode Island, 1976. Gelatinesilberdruck. Später gedruckt von Igor Bakht, Stempel auf der Rückseite. Signiert von George und Betty Woodman, mit Bleistift vermerkt n. 17 "For Igor Kind Ryards". PE/FW-Kreditstempel auf der Rückseite. Provenienz: Privatsammlung Foster Glasgow. Maße: 13,5 x 13,5 cm (Bild); 26,2 x 21,5 cm (Papier). Francesca Woodman machte diese Serie in Providence, wo sie studierte, nachdem sie einige Zeit in Rom verbracht hatte (mit einem Stipendium). In der Serie "Space2" fotografiert Woodman sich selbst in Interaktion mit architektonischen Räumen, die oft verfallen oder verlassen sind. Sie nutzt diese Räume nicht nur als Kulisse, sondern als aktive Elemente der Komposition. Wände, Türen und Fenster werden zu einem integralen Bestandteil der Bilder und interagieren mit ihrem Körper auf symbolische und visuelle Weise. Woodman nutzt Räume, die ein Gefühl der Verlassenheit hervorrufen und im Kontrast zu ihrer physischen Präsenz stehen, was den Bildern eine zusätzliche Ebene der Spannung und Verletzlichkeit verleiht. Francesca Woodman war eine amerikanische Fotografin, die für ihre intimen Schwarz-Weiß-Selbstporträts bekannt ist. Sie machte ihren Abschluss an der Rhode Island School of Design, der University of Fine Arts in Providence. Ihre Fotografien zeichnen sich in erster Linie durch die Verwendung eines einzigen Modells aus, das in der Regel nackt ist. In der Regel war es sie selbst, aber in verschiedenen Fotografien porträtierte sie auch mehrere ihrer Freunde. Der von der Kamera erfasste Körper war aufgrund langer Belichtungszeiten meist in Bewegung oder das Bild war unscharf. Er wandte auch andere Techniken an, wie die Maskierung seiner selbst oder den Versuch, mit den Gegenständen oder der Umgebung zu verschmelzen. Sie wurde in eine Künstlerfamilie hineingeboren. Zusammen mit ihrem Bruder Charles Woodman wurde sie schon früh von ihren Eltern, George Woodman und Betty Woodman, die beide bildende Künstler waren, in die Kunstwelt eingeführt. Heute verwalten sie ein Archiv mit mehr als 800 Bildern ihrer Tochter, von denen 120 ausgestellt oder veröffentlicht wurden. Sie gehört zur Generation der Avantgarde-Frauen der 1970er Jahre, die ihren Beitrag und ihre Vision von der Welt einforderten, zu der auch aktivistische Künstlerinnen wie Cindy Sherman, Martha Rosler oder Ana Mendieta gehören.

Stima 12 000 - 15 000 EUR

Lotto 36 - FRANCESCA WOODMAN (Denver, Colorado, 1958-New York, 1981) "Selbstporträt", N3017.1. New York, 1979-80. Gelatinesilberdruck. Später gedruckt von Igor Bakht, Stempel auf der Rückseite. Signiert von George und Betty Woodman, mit Bleistift vermerkt "I B" "N3017.1". Verso PE/FW-Kreditstempel. Provenienz: Privatsammlung Foster Glasgow. Maße: 13,7 x 13,7 cm (Bild); 26 x 21 cm (Papier). Diese Fotografie, auf der Francesca Woodman verkürzt und geviertelt dargestellt ist, gehört zum letzten Abschnitt des kurzen Lebens der Künstlerin. Zu dieser Zeit lebte sie in New York. Woodman hatte den Sommer 1979 in Stanwood, Washington, verbracht, um ihren Partner Benjamin Moore zu besuchen. Dort schuf sie eine Fotoserie über häusliche Motive. Nach ihrer Rückkehr nach New York versuchte sie, ihre Arbeit bekannt zu machen, und es gelang ihr, Ausstellungen in der Daniel Wolf Gallery zu bekommen. In der Werbe- und Modeindustrie entdeckte sie die Arbeit von Deborah Turbeville, die sich dadurch auszeichnete, dass sie Modelle in gotisch-melodramatischen Kulissen, z. B. in verlassenen oder dunklen Gebäuden oder Gängen, platzierte. Woodman eignete sich diesen Stil an, den sie dann in ihren zukünftigen Fotografien widerspiegelte. Im Sommer 1980 experimentierte er mit seinem eigenen Körper, um sich mit Themen von höherer Natur zu beschäftigen, wie er in einem Brief an seine in Rom lebende Freundin Suzanne Santoro schreibt. Zu dieser Zeit wurde sein künstlerisches Schaffen akribischer, und er arbeitete die Komposition methodischer aus, indem er von zuvor erstellten Skizzen ausging, um die Erzählung seiner Bilder auszuarbeiten. Obwohl sie sich sehr um ihre künstlerische Arbeit bemühte, war sie nie von ihr überzeugt. Was sie wirklich in den Selbstmord trieb, war die mittelmäßige öffentliche Resonanz auf ihre Fotografie und eine zerbrochene Romanze. Ihr Vater vermutete, dass der Grund für den Selbstmord ein gescheiterter Antrag auf Förderung durch das National Endowment for the Arts war. Sie war ihrer Zeit zu weit voraus. All dies führte dazu, dass Francesca Woodman in eine Depression verfiel, und schließlich beschloss sie am 19. Januar 1981, nur wenige Tage nach der Veröffentlichung ihres Buches, sich im Alter von nur 22 Jahren das Leben zu nehmen, indem sie aus dem Fenster eines Lofts in der Lower East Side von Manhattan, New York, sprang. Francesca Woodman war eine amerikanische Fotografin, die für ihre intimen Schwarz-Weiß-Selbstporträts bekannt war. Sie machte ihren Abschluss an der Rhode Island School of Design, der University of Fine Arts in Providence. Ihre Fotografien zeichnen sich in erster Linie durch die Verwendung eines einzigen Modells aus, das in der Regel nackt ist. In der Regel war es sie selbst, aber in verschiedenen Fotografien porträtierte sie auch mehrere ihrer Freunde. Der von der Kamera erfasste Körper war in der Regel in Bewegung, was auf lange Belichtungszeiten zurückzuführen ist, oder das Bild war unscharf. Er wandte auch andere Techniken an, wie die Maskierung seiner selbst oder den Versuch, mit den Gegenständen oder der Umgebung zu verschmelzen. Sie wurde in eine Künstlerfamilie hineingeboren. Zusammen mit ihrem Bruder Charles Woodman wurde sie schon früh von ihren Eltern, George Woodman und Betty Woodman, die beide bildende Künstler waren, in die Kunstwelt eingeführt. Heute verwalten sie ein Archiv mit mehr als 800 Bildern ihrer Tochter, von denen 120 ausgestellt oder veröffentlicht wurden. Sie gehört zur Generation der Avantgarde-Frauen der 1970er Jahre, die ihren Beitrag und ihre Vision von der Welt einforderten, zu der auch aktivistische Künstlerinnen wie Cindy Sherman, Martha Rosler oder Ana Mendieta gehören.

Stima 7 000 - 7 500 EUR

Lotto 37 - RENÉ BURRI (Zürich, 1933 - 2014). "Che Guevara". Havanna, Kuba, 1963. Gelatinesilber. Späterer Druck. Signiert, betitelt und datiert in Tinte (am Rand). Provenienz: Privatsammlung Cortez, New York. Maße: 22,5 x 32,5 cm (Bild); 30,5 x 40 cm (Rahmen). René Burri wusste nicht, dass er eine der Figuren fotografierte, die zu einer der ikonischsten Märtyrer des 20. Jahrhunderts werden sollten. Das Bild zeigt Che Guevara beim Rauchen einer Havanna-Zigarre, in einer Haltung, die eine starke Persönlichkeit erkennen lässt. Der Schweizer Fotograf würde über diesen Moment sagen: "Das stolze Gesicht von Che ist in Wirklichkeit ein Gesicht des Zorns. Ich war in seinem Büro in Kuba, geschickt von 'Magnum', und er stritt mit einem amerikanischen Journalisten, der mit mir gereist war. Er sah aus wie ein eingesperrter Tiger und hat mich nicht einmal bemerkt, so dass ich so viele Fotos machen konnte, wie ich wollte". Das Bild, das zu einem der bekanntesten von Che werden sollte, wurde im Büro des damaligen kubanischen Industrieministers aufgenommen. René Burri war ein Schweizer Fotograf und Filmemacher. Er studierte an der "Kunstgewerbeschule Zürich" (1950-1953), wo er lernte, mit Licht zu komponieren und Licht und Schatten in Beziehung zu setzen. Der "Burri-Touch" entstand aus diesem Unterricht, der seinen Blick prägte: die raffinierte Eleganz einer Komposition, das subtile, offene und bedeutungsvolle Spiel der festen Linien eines Bildes. Er schreibt sich der "humanistischen Fotografie" zu, die in den fünfziger Jahren in Paris vorherrschte, und fotografiert dort besondere und zarte Momente im Stil von Izis und Doisneau. Nach dem Vorbild von Cartier-Bresson beginnt Burri jedoch, nach dokumentarischen Fotografien zu suchen, die dichter sind als die Wiedergabe einfacher Anekdoten. Als Kameraassistent von Ernest Hininger beginnt er auch, kleine Dokumentarfilme zu drehen. 1955 trat er der Agentur Magnum bei und begann, die Welt zu bereisen, um Porträts, Landschaften, politische und soziale Reportagen, Architektur- und Industriefotografie usw. zu fotografieren. 1982 eröffnete er zusammen mit Bruno Barbey die Galerie Magnum in Paris. Seit 1988 ist er künstlerischer Leiter der Zeitschrift Schweizer Illustrierten. Zu seinen bekanntesten Fotografien gehören ein Foto der Stadt São Paulo (Brasilien) und ein Foto von Che Guevara.

Stima 8 000 - 10 000 EUR

Lotto 38 - JEANLOUP SIEFF (Paris, 1933-2000). "Derrière Anglais", Paris, 1969. Gelatinesilber. Signiert und datiert in Tinte. Mit Stempel des Künstlers auf der Rückseite. Maße: 30,4 x 21 cm (Bild); 41 x 31 cm (Papier). In "Derrière Anglais, Paris" betont Jeanloup Sieff die Details der Frauenkörper, ihre Sinnlichkeit, die Eleganz ihrer Linien und ihre Vielfalt. Der Fotograf konzentrierte sich in seiner Produktion auf Porträts von Persönlichkeiten des Showbusiness und Politikern, aber auch auf Reportage-, Landschafts- und Aktfotografie. Als Autodidakt gab Jeanloup Sieff 1954 sein Debüt als Fotojournalist. Ein Jahr später wechselte er zur Zeitschrift Elle, wo er zunächst als Reportage- und dann als Modefotograf arbeitete. Ab 1959 arbeitet er für Réalités und Le Jardin des Modes. Er verlässt auch die Agentur Magnum, um sich selbständig zu machen. 1959 wurde er mit dem Niépce-Preis für herausragende fotografische Leistungen ausgezeichnet. 1961 ließ er sich in New York nieder, wo er mit Look, Esquire und vor allem Harper's Bazaar zusammenarbeitete. Er blieb kurz in Europa, wo er für Twen, Vogue und Queen arbeitete. Im Jahr 1967 beschloss er, nach Paris zu ziehen, wo er für Vogue, Femme, Nova und andere Publikationen arbeitete. Er stellte auf nationaler und internationaler Ebene aus, und mehrere seiner Werke wurden von verschiedenen Museen in der ganzen Welt erworben. Im Jahr 1971 erhielt sie die Goldmedaille des Museums für moderne Kunst in Skopje, und im selben Jahr schenkte sie der Nationalbibliothek in Paris mehrere Sammlungen. Sein Werk wurde mit internationalen Preisen von Japan bis zu den Vereinigten Staaten ausgezeichnet und wird in verschiedenen Teilen der Welt verbreitet. Zu den Auszeichnungen, die er erhalten hat, gehören der Niépce-Preis 1959 und der Grand Prix National de Photographie 1992. Seine Werke sind derzeit zu finden in: Bibliothèque nationale de Paris (Schenkung), Musée Réatu (Arles), Musée Sterxhof (Belgien), Musée de Toulon, Musée d'Art Moderne (Paris), Tulsa Art & Humanities Council (Tulsa, USA), Fonds national d' Art contemporain (Puteaux), FNAC Collection, MEP (Paris), Fondation Cartier d' Art Contemporain (Paris).

Stima 6 500 - 7 000 EUR

Lotto 39 - MARC RIBOUD (Saint-Genis-Laval, 1923-Paris, 2016). "Junges Mädchen hält eine Blume", Washington, 1967. Gelatinesilber. Späterer Druck. Am Rand mit Tinte signiert und gewidmet "to Patrick". Provenienz: Sammlung Zwigoff, New York. Maße: 25 x 36 cm (Bild); 31 x 40,5 cm (Papier). Diese Fotografie einer jungen Frau, die eine Blume vor Soldaten hält, entstand im Rahmen einer Demonstration in Washington gegen den Vietnamkrieg und ist eines der berühmtesten Bilder von Marc Riboud. Der Wert der Szene liegt neben der emotionalen Kraft, die sie vermittelt, in der Fähigkeit, die Botschaft der Hoffnung inmitten des Ausbruchs von Gewalt zu universalisieren. Denn es war ohnehin immer die menschliche Seite der Konflikte, die Riboud in seinen Fotografien als Kriegsberichterstatter in den Vordergrund stellte. So fotografierte er zwar den Krieg in Vietnam und die chinesische Kulturrevolution, spiegelte aber auch Aspekte des täglichen Lebens in Städten wie Fez, Angkor, Shaanxi oder Benares wider. Marc Riboud war ein französischer Fotograf, der auf Fotojournalismus spezialisiert war und zur Agentur Magnum gehörte. Bei Ausbruch des Zweiten Weltkriegs kämpfte er in der Résistance und begann 1945 ein Ingenieurstudium an der École Centrale de Lyon. Die Fotografie erlernte er ab seinem fünfzehnten Lebensjahr autodidaktisch mit einer von seinem Vater zur Verfügung gestellten Vest Pocket Kodak-Kamera. Nachdem er als Ingenieur gearbeitet hatte, trat er 1952 der Agentur Magnum bei, nachdem er Henri Cartier-Bresson und Robert Capa kennengelernt hatte, wo er bis 1979 die wichtigsten Reportagen seiner Karriere machte. Sein erstes Foto, das 1953 in Life veröffentlicht wurde, war "Painter at the Eiffel Tower". Er gehörte zu den ersten Fotografen, die 1957 nach China einreisen durften, und war fast der einzige Westler, der aus Nordvietnam über den Vietnamkrieg berichtete. Er hat zahlreiche Bücher veröffentlicht und seine Arbeiten in vielen Städten ausgestellt. Im Jahr 2003 erhielt er den Cornell Capa Award der Infinity Awards. Es gab mehrere Retrospektivausstellungen seines Werks, wie 1997 in New York und 2005 in Paris. Ausstellungen (Auswahl seit 2010): 2010 Au jardin de Krishna Riboud, Musée national des Arts Asiatiques-Guimet, Paris. 2011 I comme Image, Maison européenne de la photo, Paris. 2012 Während der Tage des Kulturerbes", Saint-Genis-Laval. 2014-2015 Marc Riboud - Anfang des Jahrhunderts, Regionalrat Rhône-Alpes. 2014 De grace un geste - Richard Anacreonte Museum für moderne Kunst, Granville.

Stima 6 000 - 8 000 EUR

Lotto 40 - FRANCESCA WOODMAN (Denver, Colorado, 1958-New York, 1981) Ohne Titel, aus der Serie "Angels", Rom, 1977-1978. Gelatinesilberdruck. Später gedruckt von Igor Bakht, Stempel auf der Rückseite. Signiert von George und Betty Woodman, kommentiert n. 297 "For Igor Kind Ryards" in Bleistift. PE/FW-Kreditstempel auf der Rückseite. Provenienz: Privatsammlung Foster Glasgow. Maße: 15,5 x 15,5 cm (Bild); 26 x 21 cm (Papier). Diese Fotografie gehört zur römischen Periode von Woodman. Die Unschärfe des Körpers, die gespenstischen Präsenzen, die Nacht und die Gespenster bilden ein suggestives Bild, in dem die Künstlerin selbst die Hauptfigur ist. Woodman erforscht den verborgenen Teil ihres eigenen Wesens und versucht sichtbar zu machen, was eigentlich unsichtbar ist. In dieser Serie verwendet die Fotografin Langzeitbelichtungstechniken, um Bewegungen einzufangen. Das Ergebnis sind unscharfe Figuren, die zu verblassen oder mit ihrer Umgebung zu verschmelzen scheinen. Dieser Effekt erzeugt ein Gefühl von Dynamik und ruft die Vorstellung von ätherischen Wesen oder Geistern hervor. Diese Serie (Angels) entstand in Rom. Zwischen 1975 und 1979, während ihres Studiums am Providence College of Fine Arts, wo Francesca Woodman sich durch ihre künstlerischen Fähigkeiten auszeichnete, erhielt sie ein Stipendium des Honors Program, das es ihr ermöglichte, ein Jahr lang in den Einrichtungen der Schule im Palazzo Cenci in Rom zu leben. Sie lernte eine Gruppe von Künstlern kennen, die mit der Galerie und Buchhandlung Maldoror in Verbindung standen, und schloss sich ihnen an. Die Inhaber Giuseppe Casetti und Paolo Missigoi fühlten sich zu allen Künstlern hingezogen, die mit der Avantgarde in Verbindung standen, insbesondere zum Futurismus, Surrealismus und Symbolismus. Den Besitzern gelang es, Woodman in eine Ausstellung von fünf jungen Künstlern in der Galerie Ugo Ferranti aufzunehmen, an der sie als einzige Amerikanerin teilnahm. Dies wurde ihre erste Einzelausstellung. In Rom entstanden einige ihrer bis heute bekanntesten Werke wie "On Being an Angel", "Glove Series", "Self-deceit". Ihre Fotografien formulieren das Bild der Frau neu, Francesca Woodman war eine amerikanische Fotografin, die für ihre intimen Schwarz-Weiß-Selbstporträts bekannt ist. Sie machte ihren Abschluss an der Rhode Island School of Design und der University of Fine Arts in Providence. Ihre Fotografien zeichnen sich in erster Linie durch die Verwendung eines einzigen Modells aus, das in der Regel nackt ist. In der Regel war es sie selbst, aber in verschiedenen Fotografien porträtierte sie auch mehrere ihrer Freunde. Der von der Kamera erfasste Körper war in der Regel in Bewegung, was auf lange Belichtungszeiten zurückzuführen ist, oder das Bild war unscharf. Er wandte auch andere Techniken an, wie die Maskierung seiner selbst oder den Versuch, mit den Gegenständen oder der Umgebung zu verschmelzen. Sie wurde in eine Künstlerfamilie hineingeboren. Schon früh wurde sie zusammen mit ihrem Bruder Charles Woodman von ihren Eltern, George Woodman und Betty Woodman, die beide bildende Künstler waren, in die Kunstwelt eingeführt. Heute verwalten sie ein Archiv mit mehr als 800 Bildern ihrer Tochter, von denen 120 ausgestellt oder veröffentlicht wurden. Sie gehört zur Generation der Avantgarde-Frauen der 1970er Jahre, die ihren Beitrag und ihre Vision von der Welt einforderten, zu der auch aktivistische Künstlerinnen wie Cindy Sherman, Martha Rosler oder Ana Mendieta gehören.

Stima 7 000 - 7 500 EUR

Lotto 41 - WILLIAM KLEIN (New York, 1926- Paris, 2022) . "Simone + Sophia Loren, Rom", 1960. Gelatinesilberdruck. Signiert, betitelt und datiert mit Bleistift (auf der Rückseite). Provenienz: Privatsammlung Solomon, New York. Maße: 46 x 34,5 cm (Bild); 51 x 41 cm (Rahmen). Ein Ladenbesitzer hält mit beiden Händen ein großes ausgeschnittenes Plakat mit einem lebensgroßen Bild von Sophia Loren. Simone blickt seitlich auf die Grande Dame des italienischen Kinos, und hinter ihr schweben eine Wanduhr und ein Verkehrsschild. Dies ist eine Szene auf dem Bürgersteig, in der die chaotische Spontaneität des menschlichen Lebens und das berechnende Auge von William Klein, einem der "filmischsten" Fotografen seiner Zeit, zusammentreffen. William Klein war ein amerikanischer Fotograf und Filmregisseur. Obwohl er in New York geboren wurde und seine Ausbildung am City College of New York absolvierte, entwickelte sich Kleins Tätigkeit hauptsächlich in Frankreich. Er führte bei einer Reihe von Spielfilmen Regie (u. a. 1966 bei dem Film "Qui êtes-vous, Polly Maggoo" und der antiamerikanischen Satire "Mr. Freedom"). Im Bereich der Fotografie wurde Klein 1956 mit dem Nadar Award ausgezeichnet. Im Jahr 1947 reiste er während seines Militärdienstes zum ersten Mal nach Paris und lebte und arbeitete seitdem in dieser Stadt, in die er sich verliebte. Im Jahr 1948 schrieb er sich an der Sorbonne ein, wo er unter anderem bei Fernand Léger studierte. Seine bekanntesten Arbeiten drehen sich um Mode- und Straßenfotografie, für die er als einer der Schöpfer und Meister gilt. Auszeichnungen: 1988 wurde er mit dem Kulturpreis des Deutschen Fotografenbundes ausgezeichnet. Im Jahr 1990 erhielt er den International Award der Hasselblad Foundation. Im Jahr 2005 erhielt er den PhotoEspaña-Preis. Fotografie-Bücher: 1956. Das Leben ist gut & Gut für dich in New York: Trance witness revels, Éditions su Seul, Paris. 1959. Rom: die Stadt und ihre Menschen, Feltrinelli, Mailand. 1964. Tokio, Zokeisha Publications, Tokio. 1964. Moskau, Zokeisha-Verlag, Tokio. 1989. Close up, Thames and Hudson, London, New York und Paris. KLEIN, W. (1990). Torino '90, Federico Motta, Mailand. 1994. In and Out of Fashion, Random House, New York und London.

Stima 8 000 - 10 000 EUR

Lotto 42 - SEBASTIAO SALGADO (Aimorés, Brasilien, 1944). Aus der Serie "Brasilien", 1980-1983. Gelatinesilberdruck. Namenszug des Fotografen am Rand. Mit Bleistift signiert, datiert und mit Anmerkungen versehen; Stempel des Künstlers (verso). Provenienz: Privatsammlung Coolidge, New York. Maße: 34,5 x 52 cm (Bild); 51 x 61 cm (Papier). Sebastião Salgados Fotografien, die er zwischen 1980 und 1983 in Brasilien aufgenommen hat, vor allem diejenigen, die sich auf die Füße von Landarbeitern konzentrieren, sind kraftvolle Zeugnisse der menschlichen Verbindung zum Land, zur Arbeit und zu den täglichen Kämpfen. Mit seinem Objektiv ist es Salgado gelungen, die Würde und Menschlichkeit seiner Motive einzufangen und Bilder zu schaffen, die beim Betrachter einen tiefen Eindruck hinterlassen und eine anhaltende Wirkung haben. Sebastião Salgado ist ein brasilianischer sozio-dokumentarischer Fotograf und Fotojournalist. Für seine fotografischen Projekte hat er über 100 Länder bereist. Die meisten davon sind in zahlreichen Publikationen und Büchern erschienen. Wanderausstellungen mit seinen Arbeiten wurden in der ganzen Welt gezeigt. Der Galerist Hal Gould hält Salgado für den größten Fotografen des frühen 21. Jahrhunderts. Jahrhunderts. Er hat zahlreiche internationale Auszeichnungen erhalten, darunter 1998 den Prince of Asturias Award for the Arts3 und den W. Eugene Smith Award for Humanitarian Photography. Eugene Smith Award für humanitäre Fotografie4 im Jahr 1982. Er kam relativ spät zur Fotografie, nachdem er zuvor als Wirtschaftswissenschaftler ausgebildet und gearbeitet hatte. In seiner Laufbahn als Fotograf arbeitete er zunächst für die Pariser Agentur Gamma und wechselte dann 1979 zu Magnum Photos. Im Jahr 1994 verließ er Magnum und gründete seine eigene Agentur Amazonas Images in Paris, die seine Arbeiten vertritt. Salgado steht in der Tradition der sozio-dokumentarischen Fotografie: Seine Arbeit legt den Schwerpunkt auf die Dokumentation der Arbeit von Menschen in weniger entwickelten Ländern oder in Armut. Im Jahr 2001 wurde er für seine Arbeit zum Sonderbeauftragten der Unicef ernannt. Er arbeitet an seinen eigenen Langzeitprojekten, von denen einige in Büchern wie "Otras Américas" oder "Éxodos" veröffentlicht wurden. Zu seinen bekanntesten Fotografien gehören jene, die in den Goldminen von Serra Pelada in Brasilien entstanden sind. Er fotografiert in der Regel in Schwarz-Weiß mit Leica. Im Jahr 1989 erhielt er den Hasselblad Foundation International Award. Im Juni 2007 fand nach der Verleihung des Prinz-von-Asturien-Preises für Kunst eine große anthologische Ausstellung seiner Werke auf dem internationalen Festival PHotoEspaña in Madrid statt, wo er den Publikumspreis gewann. Während Sebastião Salgados Ruhm in der Welt der Fotografie wuchs, da er zur Agentur Magnum gehörte, arbeitete seine Frau Lélia Wanick als Herausgeberin seiner Werke, um sie in Büchern und Ausstellungen zu veröffentlichen. In den 1990er Jahren beschlossen die beiden, nach Minas Gerais, Brasilien, zurückzukehren, um von Sebastiãos Familie ein völlig verwüstetes, erodiertes und trockenes Feld zu erhalten. 1998 gründeten sie das Terra Institute und begannen mit Lélia als Präsidentin des Projekts, das Land wieder aufzuforsten. Mit mehr als 4 Millionen Samen einheimischer Arten, die sie gezüchtet haben, haben sie die Bulcao-Farm vollständig mit ihrer ursprünglichen Flora wiederaufgeforstet und damit ein emblematisches und hoffnungsvolles Projekt für die ganze Welt ins Leben gerufen. Veröffentlichte Bücher: GOLD (2020), Genesis (2013), Exodus (2000), Die Goldmine von Serra Pelada (1999), Terra (1997), Trabalhadores (1996), The Hand of Man (1993), Sahel: l'Homme en Détresse, Prisma Presse und Centre National de la Photographie, für Médecins sans frontières, Frankreich (1986), Other Americas (1986), Les Hmongs, Médecins sans frontières, Chêne/Hachette, Paris (1982).

Stima 8 000 - 10 000 EUR

Lotto 43 - MARC RIBOUD (Saint-Genis-Laval, 1923-Paris, 2016). "Le peintre de la Tour Eiffel", Paris, 1953. Gelatinesilber. Späterer Druck. Signiert und datiert in Tinte am Rand. Provenienz: Sammlung O'Hara, New York. Maße: 37,5 x 24 cm (Bild); 40,8 x 30 cm (Papier). "Painter at the Eiffel Tower" war das erste Foto, das Marc Riboud im Life Magazine (1953) veröffentlichte. Darin wird ein Element deutlich, das Ribouds künstlerisches Schaffen durchzieht: seine Fähigkeit, jeder Tätigkeit, und sei sie noch so unangenehm oder langweilig, einen Zauber zu entlocken. Aus diesem Grund bleibt er trotz seiner Tätigkeit als Kriegsberichterstatter vor allem als humanistischer Fotograf in Erinnerung, denn er verteidigte stets die menschlichen Werte im Angesicht des Unglücks. Marc Riboud war ein französischer Fotograf, der auf Fotojournalismus spezialisiert war und zur Agentur Magnum gehörte. Bei Ausbruch des Zweiten Weltkriegs kämpfte er in der Résistance und begann 1945 ein Ingenieurstudium an der École Centrale de Lyon. Die Fotografie erlernte er ab seinem fünfzehnten Lebensjahr autodidaktisch mit einer von seinem Vater zur Verfügung gestellten Vest Pocket Kodak-Kamera. Nachdem er als Ingenieur gearbeitet hatte, trat er 1952 der Agentur Magnum bei, nachdem er Henri Cartier-Bresson und Robert Capa kennengelernt hatte, wo er bis 1979 die wichtigsten Reportagen seiner Karriere machte. Er war einer der ersten Fotografen, die 1957 nach China einreisen durften, und fast der einzige Westler, der aus Nordvietnam über den Vietnamkrieg berichtete. Er hat zahlreiche Bücher veröffentlicht und seine Arbeiten in zahlreichen Städten ausgestellt. Im Jahr 2003 erhielt er den Cornell Capa Award der Infinity Awards. Es gab mehrere Retrospektivausstellungen seines Werkes, wie 1997 in New York und 2005 in Paris. Ausstellungen (Auswahl seit 2010): 2010 Au jardin de Krishna Riboud, Musée national des Arts Asiatiques-Guimet, Paris. 2011 I comme Image, Maison européenne de la photo, Paris. 2012 Während der Tage des Kulturerbes", Saint-Genis-Laval. 2014-2015 Marc Riboud - Anfang des Jahrhunderts, Regionalrat Rhône-Alpes. 2014 De grace un geste - Richard Anacreonte Museum für moderne Kunst, Granville.

Stima 6 000 - 8 000 EUR

Lotto 44 - ANDRÉ KERTÉSZ (Budapest, 1894 - New York, 1985). "Satirische Tänzerin". Paris, 1926. Gelatinesilber, späterer Druck. Signiert, betitelt und datiert mit Bleistift (verso). Provenienz: Aus der Privatsammlung von Schroeder New Jersey. Maße: 20,6 x 25,5 cm (Bild); 21 x 26 cm (Papier). André Kertész wusste die Fähigkeit der Kamera, Tanz und Menschen in Bewegung einzufangen, sehr zu schätzen. Diejenige, die auf dieser Fotografie in einer ganz und gar nicht archetypischen Pose auf dem Sofa liegt, ist die Tänzerin und Kabarettistin Magda Förstner, die Kertész eigens für die Aufnahme ins Atelier eingeladen hatte. Die Aufnahme entstand im Atelier des Bildhauers István Beöthy, wie die Skulpturenbüste neben dem Sessel andeutet, die als Inspiration für das Modell dient. Kertész selbst schildert die Situation so: "Ich sagte zu ihr: 'Mach etwas im Sinne der Atelierecke', und sie begann sich auf der Couch zu bewegen. Sie machte einfach eine Bewegung. Ich habe nur zwei Fotos gemacht... Es ist wunderbar, Menschen in Bewegung zu fotografieren. Man muss nicht Hunderte von Filmrollen drehen, wie es heute üblich ist. Es geht darum, den richtigen Moment zu erwischen. Den Moment, in dem sich etwas in etwas anderes verwandelt." Der Fotograf André Kertész war für seine innovativen Kompositionsansätze und Kameraperspektiven bekannt, obwohl sein einzigartiger Stil seine Anerkennung in der Anfangsphase seiner Karriere zunächst behinderte. Als Autodidakt veröffentlichte er seine frühen Arbeiten vor allem in Zeitschriften, die in dieser Zeit eine wichtige Plattform darstellten. Nachdem er im Ersten Weltkrieg gekämpft hatte, zog er nach Paris, wo er für VU, die erste illustrierte Zeitschrift Frankreichs, arbeitete. Er engagierte sich in der Dada-Bewegung und arbeitete mit jungen Künstlern zusammen, die von der Kritik gelobt wurden und kommerziellen Erfolg hatten. 1936 emigrierte er in die Vereinigten Staaten, wo er in der PM Gallery in New York eine Einzelausstellung hatte und kurzzeitig für die Agentur Keystone arbeitete. Ein Angebot, für die Vogue zu arbeiten, lehnte er ab, da er sich dort nicht wohlfühlte. Stattdessen entschied er sich, für die Zeitschrift Life zu arbeiten. Seine New Yorker Zeit zeichnet sich dadurch aus, dass er vom Fenster seiner Wohnung aus fotografiert und Momente des täglichen Lebens verewigt, immer in der Überzeugung, dass "alles ein Thema ist. Jedes Motiv hat einen Rhythmus. Ihn zu spüren, ist die raison d'être. Die Fotografie ist ein festes Moment einer solchen Daseinsberechtigung, die in sich selbst lebt." 1963 kehrte er nach Paris zurück und machte mehr als 2.000 Schwarz-Weiß-Fotografien und fast 500 Dias, die das Wesen der Stadt Montmartre, die Ufer der Seine, ihre Gärten und Parks einfangen.

Stima 4 500 - 5 000 EUR

Lotto 45 - HENRI CARTIER-BRESSON (Chanteloup-en-Brie, Frankreich, 1908- Céreste, Frankreich, 2004). "Matisse", Vence, Frankreich, 1944. Gelatinesilber, späterer Druck. Im Rand mit Tinte signiert und mit geprägtem Copyright-Stempel des Fotografen (im Rand). Provenienz: Privatsammlung Reuben, Chicago. Maße: 25,3 x 37 cm (Bild); 31 x 40,8 cm (Papier). Henri Cartier-Bresson verewigte den französischen Maler Henri Matisse in der Villa "Le Rêve", seinem Haus in den Alpes-Maritimes, als der Verleger Pierre Braun ihn bat, Schriftsteller und Künstler für ein Buchprojekt zu fotografieren, das nie zustande kam. Der fauvistische Maler war zu diesem Zeitpunkt 70 Jahre alt und musste sich nach einer Operation, die Jahre zuvor stattgefunden hatte, auf einem Stuhl oder Bett niederlassen, wie auf dem angebotenen Schnappschuss zu sehen ist. In Le Rêve zeichnete und malte Matisse die weißen Tauben, die in seinem Zimmer umherflogen, sowie seine regelmäßigen Modelle, Micaela Avogadro und Lydia Delectorskaya. Der Fauvist hielt sich auch in seiner Wohnung in Nizza auf, wo Cartier-Bresson ihn ebenfalls fotografierte. Bresson selbst sagte über diese Besuche in der Villa: "Als ich Matisse besuchte, saß ich in einer Ecke, ich bewegte mich nicht, wir sprachen nicht. Es war, als ob wir nicht existierten." Henri Cartier-Bresson war ein französischer Künstler und humanistischer Fotograf, der als Meister der Fotografie gilt und einer der ersten Nutzer des 35-mm-Films war. Er war der Pionier des Genres der Straßenfotografie und vertrat die Auffassung, dass die Fotografie den entscheidenden Moment einfängt. Seine erste große Reportagereise führte ihn 1931 an die Elfenbeinküste, und die Fotografien seiner zahlreichen Reisen fanden schnell ein Forum in Zeitschriften und Ausstellungen. Auch in New York sammelte er Erfahrungen bei Paul Strand. Im Spätsommer 1937, vor der Schlacht von Belchite, reiste er mit Herbert Kline, dem ehemaligen Redakteur der Zeitschrift New Theater, und dem Kameramann Jacques Lemare nach Spanien, um eine Dokumentation über das American Medical Bureau während des Spanischen Bürgerkriegs zu drehen. Sie filmten in Villa Paz, dem Krankenhaus der Internationalen Brigaden in Saelices, nicht weit von Madrid, und an der Küste von Valencia, um die Genesung verwundeter Freiwilliger in den Villen von Benicàssim zu dokumentieren. Sie besuchten auch die Abraham-Lincoln-Brigade in Quinto, in der Nähe von Saragossa, und drehten den Film Mit der Abraham-Lincoln-Brigade in Spanien. Von 1937 bis 1939 war Cartier-Bresson Regieassistent bei drei Filmen von Jean Renoir, darunter Die Spielregeln. Im Jahr 1940 verbrachte er fast drei Jahre als Kriegsgefangener in Deutschland. Nachdem fälschlicherweise angenommen worden war, er sei im Krieg gefallen, widmete das Museum of Modern Art in New York Cartier-Bresson 1947 eine große "posthume" Retrospektive. Im selben Jahr gründete er zusammen mit Robert Capa, David Seymour und George Rodger die Agentur Magnum Photos in New York, um die Rechte an den Werken der Fotografen zu sichern. Cartier-Bresson war der erste Fotograf, der 1955 im Louvre in Paris ausstellen durfte. Seine Fotografien wurden gesammelt und u. a. in Images à la sauvette (1952, Bilder im Vorübergehen), D'une Chine à l'autre (1968, China gestern und heute) und Moscou (1955, Moskau) veröffentlicht. Cartier-Bresson hörte 1972 auf, professionell zu fotografieren und widmete sich intensiv der Zeichenkunst. Im Jahr 1974 wurde er zum Mitglied der American Academy of Arts and Sciences gewählt.

Stima 8 000 - 8 500 EUR

Lotto 46 - LEWIS MORLEY (Hongkong, 1925-Sidney, 2013). "Christine Keeler", 1963. Gelatinesilber. Signiert, betitelt und datiert in Tinte (am Rand). Provenienz: Privatsammlung Bennett, New York. Maße: 31,5 x 25 cm (Bild); 36 x 28,9 cm (Papier). Nachdem die Kabarettistin und Tänzerin Christine Keeler eine Affäre mit einem Minister der Regierung von Harold Macmillan hatte, die die Konservative Partei in der so genannten Profumo-Affäre in Verruf brachte, wurde sie zu einem Fotoshooting in Lewis Morleys Studio gerufen. Der Anlass war, dass eine Filmproduktionsfirma einen Film über den Skandal drehen wollte und dafür Werbefotos benötigte. Obwohl Keeler zunächst zugestimmt hatte, sich nackt fotografieren zu lassen, zögerte sie bei ihrer Ankunft im Studio, dies zu tun. Aus diesem Grund begann Lewis Morley das Foto-Shooting, indem er das Modell mit ihrer Kleidung aufnahm, aber die Vertreter der Filmgesellschaft bestanden darauf, dass sie nackt posierte. Der Fotograf, der Keelers Unbehagen spürte, ließ die anderen Anwesenden gehen und schlug ihr, während Keeler sich entkleidete, vor, auf dem umgedrehten Studiostuhl zu posieren. Lewis Morley begann seine Karriere mit Aufträgen für Zeitschriften wie Tatler und war ein erfolgreicher Theaterfotograf für über 100 West End-Produktionen. Zu seinen Werbefotos für das Magazin Beyond The Fringe (1961) gehörte eine Studie der Schauspieler Peter Cook, Dudley Moore, Alan Bennett und Jonathan Miller, die für das Cover der meistverkauften LP der Show verwendet wurde. 1971 zog er nach Sydney, wo er für Zeitschriften wie Belle und mit Innenarchitekten und Stylisten wie Babette Hayes und Charmaine Solomon arbeitete. 1989 arbeitete er mit dem Fotokurator Terence Pepper zusammen, um seine erste Museumsretrospektive in der National Portrait Gallery in London zu veranstalten, und spendete anschließend alle für die Ausstellung gedruckten Bilder als Teil eines größeren Archivs seiner Arbeit. Seine erste Autobiografie, Black and White Lies, wurde 1992 veröffentlicht. Im Jahr 2003 wurde ein Film über sein Leben veröffentlicht, und in der National Portrait Gallery in Canberra fand eine Ausstellung mit dem Titel Myself and Eye statt. Im Jahr 2006 präsentierte die Art Gallery of New South Wales eine umfassende Ausstellung, die 50 Jahre seines Werks vorstellte. Unter dem Titel Lewis Morley: 50 Years of Photography zeigte die Ausstellung 150 seiner Werke aus den Bereichen Mode, Theater und Reportage, von denen viele noch nie zuvor zu sehen waren. Nach seinem Tod wurde sein Archiv dem National Media Museum in Bradford, England, vermacht.

Stima 8 000 - 8 500 EUR

Lotto 47 - HELEN LEVITT (New York, 1913-2009). "NYC. Maskierte Kinder an der Haltestelle", New York, 1940. Gelatinesilber, späterer Abzug. Signiert, datiert und mit Bleistift bezeichnet "N.Y.C." (auf der Rückseite). Provenienz: Aus der Privatsammlung von Schroeder New Jersey. Maße: 19,4 x 27,7 cm (Bild); 28 x 34,8 cm (Papier). Helen Levitt gilt als eine der bedeutendsten Fotografinnen des 20. Jahrhunderts und als eine der Vorreiterinnen des heutigen unabhängigen Kinos. Sie gehört der so genannten New Yorker Schule an, die eine direkte und aseptische Straßenfotografie vertrat. Sie war eine Schülerin von Walker Evans und Cartier-Bresson, Ben Shanhn und dem Kreis der Photo League of New York, von denen sie die Suche nach dem Augenblick lernte. Ihre Art, Gesten, Körper in Bewegung, die Sprache der Straße einzufangen, haben ihr Werk fast zu einer anthropologischen Studie gemacht. 1939 wurden Helen Levitts Fotos bereits in Zeitschriften wie Fortune, US Camera, Minicam und PM veröffentlicht. Ihr bekanntestes Werk ist in Schwarz-Weiß und im dokumentarischen Genre gehalten, wobei sie die Straßen und die Bewohner der Stadt, insbesondere die Kinder, ins Visier nimmt. Ein Beweis dafür ist die Ausstellung "Helen Lewitt: Photographs of Children", die ihr 1943 vom MoMA in New York gewidmet wurde. Während ihrer Reise nach Mexiko im Jahr 1941 porträtierte sie auch Straßenkinder. In den 1970er Jahren fotografierte Lewitt die Straßen von New York mit Farbdias und setzte sie als weitere Quelle in ihre eigene Sprache um. Anzumerken ist, dass er sich schon immer zum Filmemachen berufen fühlte: In den 1940er Jahren drehte er seine ersten Dokumentarfilmprojekte im Auftrag des spanischen Filmregisseurs Luis Buñuel, der wegen des Spanischen Bürgerkriegs in den Vereinigten Staaten im Exil lebte. Im Jahr 1948 führte er Regie bei den Filmen "In the Street" und "The Quiet One".

Stima 7 000 - 7 500 EUR

Lotto 48 - HENRI CARTIER-BRESSON (Chanteloup-en-Brie, Frankreich, 1908- Céreste, Frankreich, 2004). "Jardins du Palais Royal", Paris, 1959. Gelatinesilber, späterer Druck. Signiert und kommentiert "pour Tuto" in Tinte und Urheberrechtsstempel des Fotografen im Relief (am Rand). Provenienz: Privatsammlung Reuben, Chicago. Das Centre Pompidou besitzt eine Kopie dieses Bildes. Maße: 37 x 25 cm (Bild); 41 x 31 cm (Platte). Dank seiner Leica-Handkamera konnte sich Henri Cartier-Bresson bei seinen Streifzügen durch neue Städte und fremde Orte mühelos bewegen und Bilder aufnehmen, die seine bohemehafte Spontaneität mit seinem malerischen Sinn für Komposition verbanden. Dieser Modus Operandi wurde als "der entscheidende Moment" bekannt, ein berühmtes Konzept, das die Fotografen des gesamten 20. Jahrhunderts beeinflussen sollte. Henri Cartier-Bresson war ein französischer Künstler und humanistischer Fotograf, der als Meister der Fotografie gilt und einer der ersten Nutzer des 35-mm-Films war. Er leistete Pionierarbeit im Bereich der Straßenfotografie und verstand die Fotografie als Einfangen des entscheidenden Augenblicks. Seine erste große Reportagereise führte ihn 1931 an die Elfenbeinküste, und die Fotografien seiner zahlreichen Reisen fanden schnell ein Forum in Zeitschriften und Ausstellungen. Auch in New York sammelte er Erfahrungen bei Paul Strand. Im Spätsommer 1937, vor der Schlacht von Belchite, reiste er mit Herbert Kline, dem ehemaligen Redakteur der Zeitschrift New Theater, und dem Kameramann Jacques Lemare nach Spanien, um eine Dokumentation über das American Medical Bureau während des Spanischen Bürgerkriegs zu drehen. Sie filmten in Villa Paz, dem Krankenhaus der Internationalen Brigaden in Saelices, nicht weit von Madrid, und an der Küste von Valencia, um die Genesung verwundeter Freiwilliger in den Villen von Benicàssim zu dokumentieren. Sie besuchten auch die Abraham-Lincoln-Brigade in Quinto, in der Nähe von Saragossa, und drehten den Film Mit der Abraham-Lincoln-Brigade in Spanien. Von 1937 bis 1939 war Cartier-Bresson Regieassistent bei drei Filmen von Jean Renoir, darunter Die Spielregeln. Im Jahr 1940 verbrachte er fast drei Jahre als Kriegsgefangener in Deutschland. Nachdem fälschlicherweise angenommen worden war, er sei im Krieg gefallen, widmete das Museum of Modern Art in New York Cartier-Bresson 1947 eine große "posthume" Retrospektive. Im selben Jahr gründete er zusammen mit Robert Capa, David Seymour und George Rodger die Agentur Magnum Photos in New York, um die Rechte an den Werken der Fotografen zu sichern. 1955 war Cartier-Bresson der erste Fotograf, der im Pariser Louvre ausstellen durfte. Seine Fotografien wurden gesammelt und u. a. in Images à la sauvette (1952, Bilder im Vorübergehen), D'une Chine à l'autre (1968, China gestern und heute) und Moscou (1955, Moskau) veröffentlicht. Cartier-Bresson hörte 1972 auf, professionell zu fotografieren und widmete sich intensiv der Zeichenkunst. Im Jahr 1974 wurde er zum Mitglied der American Academy of Arts and Sciences gewählt.

Stima 12 000 - 13 000 EUR

Lotto 49 - ROBERT FRANK (Zürich 1924 - Nova Scotia 2019) "Rainy day", ca. 1955. Gelatinesilber auf Agfa-Papier. Signiert mit Tinte in der linken unteren Ecke. Provenienz: Christie's Paris, Photographies 10/11/2020, Lot 107. Maße: 41 x 30 cm; 66,5 x 58 cm (Rahmen). Robert Frank war ein Schweizer Fotograf und Dokumentarfilmer, der auch die amerikanische Staatsbürgerschaft angenommen hat. Sein bekanntestes Werk ist das 1958 erschienene Buch The Americans (Die Amerikaner), das Frank Vergleiche mit De Tocqueville einbrachte, weil seine Fotografie einen frischen und nuancierten Blick auf die amerikanische Gesellschaft von außen ermöglichte. Der Kritiker Sean O'Hagan schrieb 2014 in The Guardian, dass The Americans "das Wesen der Fotografie verändert hat, was sie sagen kann und wie sie es sagen kann. Es bleibt das vielleicht einflussreichste Fotobuch des 20. Jahrhunderts." Später erkundete Frank andere Bereiche wie Film und Video und experimentierte mit Fotomanipulation und Fotomontage. Robert Frank wurde in Zürich als Sohn einer jüdischen Familie geboren. Während des Zweiten Weltkriegs blieben Frank und seine Familie in der Schweiz in Sicherheit. Er bildete sich bei verschiedenen Fotografen und Grafikdesignern aus, bevor er 1946 sein erstes handgefertigtes Fotobuch, 40 Photos, erstellte. Frank emigrierte 1947 in die Vereinigten Staaten und bekam einen Job in New York City als Modefotograf für Harper's Bazaar. 1949 veröffentlichte der neue Herausgeber des Magazins Camera, Walter Laubli (1902-1991), ein umfangreiches Portfolio mit Fotografien von Jakob Tuggener, die er auf hochkarätigen Schauen und in Fabriken aufgenommen hatte, zusammen mit den Arbeiten des 25-jährigen Frank, der nach zwei Jahren im Ausland gerade in seine Heimat zurückgekehrt war. Bald darauf reiste er nach Südamerika und Europa und erstellte ein weiteres Buch mit handgefertigten Fotografien, die er in Peru aufgenommen hatte. 1950 kehrte er in die Vereinigten Staaten zurück, wo er Edward Steichen traf und an der Gruppenausstellung 51 American Photographers im Museum of Modern Art (MoMA) teilnahm. Obwohl er der amerikanischen Gesellschaft und Kultur zunächst optimistisch gegenüberstand, änderte sich Franks Sichtweise schnell, als er mit dem schnellen Tempo des amerikanischen Lebens konfrontiert wurde, das er als eine Überbetonung des Geldes ansah. Zu diesem Zeitpunkt begannen seine Bilder, Amerika als einen oft trostlosen und einsamen Ort zu zeigen. Franks eigene Unzufriedenheit mit der Kontrolle, die die Redakteure über seine Arbeit ausübten, beeinflusste zweifellos auch seine Erfahrungen. Er reiste weiter und zog mit seiner Familie kurzzeitig nach Paris. Im Jahr 1953 kehrte er nach New York zurück und arbeitete weiterhin als freiberuflicher Fotojournalist für Zeitschriften wie McCall's, Vogue und Fortune. Indem er sich mit anderen zeitgenössischen Fotografen wie Saul Leiter und Diane Arbus zusammentat, trug er dazu bei, das zu formen, was Jane Livingston in den 1940er und 1950er Jahren die New Yorker Schule der Fotografen nannte. 1955 erlangte Frank weitere Anerkennung, als Edward Steichen sieben seiner Fotografien in die Ausstellung des Museum of Modern Art aufnahm. 1955 erhielt Frank ein Guggenheim-Stipendium der John Simon Guggenheim Memorial Foundation, um durch die Vereinigten Staaten zu reisen und die Gesellschaft zu fotografieren. Zu den Städten, die er besuchte, gehörten Detroit und Dearborn in Michigan, Savannah in Georgia, Miami Beach und St. Petersburg in Florida, New Orleans in Louisiana, Houston in Texas, Los Angeles in Kalifornien, Reno in Nevada, Salt Lake City in Utah, Butte in Montana und Chicago in Illinois. In den folgenden zwei Jahren nahm er seine Familie auf einen Teil seiner Road-Trips mit. In dieser Zeit machte er 28.000 Fotos, von denen er nur 83 für die Veröffentlichung in The Americans auswählte. Seine erste Einzelausstellung fand im Art Institute of Chicago statt, und ein Jahr später stellte er ein zweites Mal im MoMA aus. Im Jahr 1972 veranstaltete das Kunsthaus Zürich eine große Retrospektive seines Werks.

Stima 7 000 - 8 000 EUR

Lotto 50 - SEBASTIAO SALGADO (Aimorés, Brasilien, 1944). "Ein Leopard (Panthera pardus) im Tal des Barab-Flusses". Damaraland, Namibia, 2005. Gelatinesilberdruck. Namenszug des Fotografen eingeprägt (im Rand). Mit Bleistift signiert, datiert und mit Anmerkungen versehen; Stempel des Künstlers (verso). Provenienz: Galerie Claudio Poleschi Arte Contemporanea, San Marino, Italien. Maße: 37,4 x 51 cm (Bild); 50,8 x 61 cm (Papier). Dies ist ein Bild von bezwingender Schönheit und Eleganz. Die kraftvolle Majestät des Leoparden, verstärkt durch das Spiel der Reflexionen zwischen dem Wasser und dem Nachthimmel, führt uns in eine erhabene Natur ein, die durch die minimalen Elemente kaum angedeutet wird. Es ist vielleicht eine der am wenigsten beschreibenden und experimentellsten Fotografien von Sebastiao Salgado, der in diesem Fall von der dokumentarischen Rohheit seiner Sozialfotografien abweicht, um ein anderes seiner dringlichsten Anliegen anzusprechen: die Erhaltung der Umwelt. In mehreren Serien hat Salgado mit seiner Kunst auf die Herausforderungen aufmerksam gemacht, vor denen unser Planet steht. Sebastião Salgado ist ein brasilianischer sozio-dokumentarischer Fotograf und Fotojournalist. Für seine fotografischen Projekte hat er mehr als 100 Länder bereist. Die meisten davon sind in zahlreichen Publikationen und Büchern erschienen. Wanderausstellungen mit seinen Arbeiten wurden in der ganzen Welt gezeigt. Der Galerist Hal Gould hält Salgado für den größten Fotografen des frühen 21. Jahrhunderts. Jahrhunderts. Er hat zahlreiche internationale Auszeichnungen erhalten, darunter 1998 den Prince of Asturias Award for the Arts3 und den W. Eugene Smith Award for Humanitarian Photography. Eugene Smith Award für humanitäre Fotografie4 im Jahr 1982. Er kam relativ spät zur Fotografie, nachdem er zuvor als Wirtschaftswissenschaftler ausgebildet und gearbeitet hatte. In seiner Laufbahn als Fotograf arbeitete er zunächst für die Pariser Agentur Gamma und wechselte dann 1979 zu Magnum Photos. Im Jahr 1994 verließ er Magnum und gründete seine eigene Agentur Amazonas Images in Paris, die seine Arbeiten vertritt. Salgado steht in der Tradition der sozio-dokumentarischen Fotografie: Seine Arbeit legt den Schwerpunkt auf die Dokumentation der Arbeit von Menschen in weniger entwickelten Ländern oder in Armut. Im Jahr 2001 wurde er für seine Arbeit zum Sonderbeauftragten der Unicef ernannt. Er arbeitet an seinen eigenen Langzeitprojekten, von denen einige in Büchern wie "Otras Américas" oder "Éxodos" veröffentlicht wurden. Zu seinen bekanntesten Fotografien gehören jene, die in den Goldminen von Serra Pelada in Brasilien entstanden sind. Er fotografiert in der Regel in Schwarz-Weiß mit Leica. Im Jahr 1989 erhielt er den Hasselblad Foundation International Award. Im Juni 2007 fand nach der Verleihung des Prinz-von-Asturien-Preises für Kunst eine große anthologische Ausstellung seiner Werke auf dem internationalen Festival PHotoEspaña in Madrid statt, wo er den Publikumspreis gewann. Während Sebastião Salgados Ruhm in der Welt der Fotografie wuchs, da er zur Agentur Magnum gehörte, arbeitete seine Frau Lélia Wanick als Herausgeberin seiner Werke, um sie in Büchern und Ausstellungen zu veröffentlichen. In den 1990er Jahren beschlossen die beiden, nach Minas Gerais, Brasilien, zurückzukehren, um von Sebastiãos Familie ein völlig verwüstetes, erodiertes und trockenes Feld zu erhalten. 1998 gründeten sie das Terra Institute und begannen mit Lélia als Präsidentin des Projekts, das Land wieder aufzuforsten. Mit mehr als 4 Millionen Samen einheimischer Arten, die sie gezüchtet haben, haben sie die Bulcao-Farm vollständig mit ihrer ursprünglichen Flora wiederaufgeforstet und damit ein emblematisches und hoffnungsvolles Projekt für die ganze Welt ins Leben gerufen. Veröffentlichte Bücher: GOLD (2020), Genesis (2013), Exodus (2000), Die Goldmine von Serra Pelada (1999), Terra (1997), Trabalhadores (1996), The Hand of Man (1993), Sahel: l'Homme en Détresse, Prisma Presse und Centre National de la Photographie, für Médecins sans frontières, Frankreich (1986), Other Americas (1986), Les Hmongs, Médecins sans frontières, Chêne/Hachette, Paris (1982).

Stima 8 000 - 10 000 EUR

Lotto 51 - HELMUT NEWTON (Deutschland, 1920- Kalifornien, 2004). "Sylvia untersucht ihre hochhackigen Schuhe in meinem Atelier", Paris, 1981. Gelatinesilber. Mit Bleistift signiert, betitelt, datiert und mit Anmerkungen versehen. Provenienz: Galerie Maurizio Siniscaldo, Neapel, Italien. Maße: 54,6 x 40 cm (Abbildung). "Sylvia, die in meinem Atelier ihre Stöckelschuhe untersucht" ist eine Fotografie, die viele der Themen widerspiegelt, die Helmut Newtons Arbeitsweise bestimmen: die sorgfältig ausgearbeitete Komposition (das Licht einer Straßenlaterne, das aus der Dunkelheit der Stadtnacht hereinfällt, kontrastiert mit der Klarheit des Aktes und des Fensterrahmens), das fetischistische Element der Stöckelschuhe, die Sylvia ohne Manierismus hält.... Newton beschäftigt sich in ihrem Werk häufig mit Themen wie Macht, Kontrolle und Fetischismus. In diesem Bild wird die Frau durch ihren in sich gekehrten Blick (der den Blicken der männlichen Begierde nicht standhält) und die Natürlichkeit ihrer Körperhaltung gestärkt, anstatt sie auf das stereotype weibliche Objekt zu reduzieren. Auf diese Weise definiert Newton die Parameter der Erotik- und Modefotografie neu: Provokation, Anti-Voyeurismus und weibliche Ermächtigung sind seine Attribute. Seine Frauen erscheinen nicht schmachtend wie Odalisken, sondern trotzig, ungeniert und ohne leichten Voyeurismus zuzulassen. In Fotografien wie dieser lotet sie die Grenzen zwischen dem Intimen und dem Öffentlichen aus, wobei sie ihre Kompositionen sorgfältig plant, um die visuelle Wirkung zu maximieren. Newton wurde in Berlin geboren, besuchte das Heinrich-von-Treitschke-Realgymnasium und die American School in Berlin. Seit seinem 12. Lebensjahr, als er seine erste Kamera kaufte, interessierte er sich für Fotografie und arbeitete ab 1936 für die deutsche Fotografin Yva (Elsie Neuländer Simon). Die zunehmend repressiven Einschränkungen, die den Juden durch die Nürnberger Gesetze auferlegt wurden, führten dazu, dass sein Vater die Kontrolle über die Fabrik verlor; in der Kristallnacht wurde er kurzzeitig in einem Konzentrationslager interniert, was die Familie schließlich zwang, Deutschland zu verlassen. Newtons Eltern flohen nach Argentinien. Als er schließlich in Singapur ankam, konnte er dort bleiben, zunächst für kurze Zeit als Fotograf für die Straits Times und dann als Porträtfotograf. Newton wurde von den britischen Behörden in Singapur interniert und an Bord der Queen Mary nach Australien geschickt, wo er am 27. September 1940 in Sydney ankam. Er wurde 1942 aus der Internierung entlassen und arbeitete kurzzeitig als Obstpflücker in Nord-Victoria. Im April 1942 meldete er sich bei der australischen Armee und arbeitete als Lastwagenfahrer. Nach dem Krieg, 1945, wurde er britischer Staatsbürger und änderte 1946 seinen Namen in Newton. Im selben Jahr eröffnete Newton ein Studio in der Flinders Lane in Melbourne und arbeitete in der Nachkriegszeit in den Bereichen Mode-, Theater- und Industriefotografie. Seine erste gemeinsame Ausstellung fand im Mai 1953 mit Wolfgang Sievers statt. Die Ausstellung "New Visions in Photography" wurde im Federal Hotel in der Collins Street gezeigt und war wahrscheinlich der erste Einblick in die Fotografie der Neuen Sachlichkeit in Australien. Newton schloss sich mit Henry Talbot zusammen, einem deutschen Juden, der ebenfalls in Tatura interniert war, und seine Verbindung mit dem Studio blieb auch nach 1957 bestehen, als er Australien in Richtung London verließ. Das Studio wurde in "Helmut Newton und Henry Talbot" umbenannt. Newtons wachsender Ruf als Modefotograf wurde belohnt, als er den Auftrag erhielt, die Mode in einer australischen Sonderbeilage der Zeitschrift Vogue zu illustrieren, die im Januar 1956 erschien. Er erhielt einen 12-monatigen Vertrag mit der britischen Vogue und reiste im Februar 1957 nach London, wo er Talbot die Leitung des Unternehmens überließ. Newton verließ die Zeitschrift noch vor Ablauf seines Vertrags und ging nach Paris, wo er für französische und deutsche Zeitschriften arbeitete. Im März 1959 kehrte er nach Melbourne zurück, um für die Australian Vogue zu arbeiten. 1961 ließen sich Newton und seine Frau schließlich in Paris nieder. Seine Bilder erschienen in Zeitschriften wie der französischen Ausgabe der Vogue und Harper's Bazaar. Er entwickelte einen besonderen Stil, der von erotischen und stilisierten Szenen geprägt ist, oft mit fetischistischem Unterton. Im Jahr 1980 schuf er die Serie "Big Nudes". Es folgten die Mappe "Nude and Clothed" und 1992 "Domestic Nudes", die den Höhepunkt seines erotisch-urbanen Stils markierten. Newton arbeitete auch an fantastischeren Porträts und Studien. Er fertigte eine Reihe von Illustrationen für den Playboy an, darunter Illustrationen von Nastassja Kinski und Kristine DeBell.

Stima 9 000 - 12 000 EUR

Lotto 52 - HELMUT NEWTON (Deutschland, 1920- Kalifornien, 2004). "Domestic Nude 7", Los Angeles, 1992. Gelatinesilber, Kopie 9/15. Mit Bleistift signiert, betitelt, datiert und nummeriert. Provenienz: Galerie Maurizio Siniscaldo, Neapel, Italien. Maße: 45,2 x 36,2 cm (Abbildung). Die Serie "Domestic Nude", die Helmut Newton 1992 in Los Angeles durchführte, stellte eine weitere Wende in der Kunst- und Modefotografie dar. Darin inszeniert er Frauen in provokanten Posen und in ungewöhnlichen häuslichen Räumen: in der Hundehütte, an den Kühlschrank gelehnt.... Sie werden nicht als schmachtende Odalisken gezeigt, sondern ermächtigt und trotzig, ohne Bescheidenheit und ohne leichten Voyeurismus zuzulassen. In "Domestic Nude" erkundet sie die Grenzen zwischen dem Privaten und dem Öffentlichen, zwischen Frauen als Subjekt und Objekt. Newton plant auch ihre Kompositionen sorgfältig, um die visuelle Wirkung zu maximieren. Newton wurde in Berlin geboren, besuchte das Heinrich-von-Treitschke-Realgymnasium und die American School in Berlin. Seit seinem 12. Lebensjahr, als er seine erste Kamera kaufte, interessierte er sich für Fotografie und arbeitete ab 1936 für die deutsche Fotografin Yva (Elsie Neuländer Simon). Die zunehmend repressiven Einschränkungen, die den Juden durch die Nürnberger Gesetze auferlegt wurden, führten dazu, dass sein Vater die Kontrolle über die Fabrik verlor; in der Kristallnacht wurde er kurzzeitig in einem Konzentrationslager interniert, was die Familie schließlich zwang, Deutschland zu verlassen. Newtons Eltern flohen nach Argentinien. Als er schließlich in Singapur ankam, konnte er dort bleiben, zunächst für kurze Zeit als Fotograf für die Straits Times und dann als Porträtfotograf. Newton wurde von den britischen Behörden in Singapur interniert und an Bord der Queen Mary nach Australien geschickt, wo er am 27. September 1940 in Sydney ankam. Er wurde 1942 aus der Internierung entlassen und arbeitete kurzzeitig als Obstpflücker in Nord-Victoria. Im April 1942 meldete er sich bei der australischen Armee und arbeitete als Lastwagenfahrer. Nach dem Krieg, 1945, wurde er britischer Staatsbürger und änderte 1946 seinen Namen in Newton. Im selben Jahr eröffnete Newton ein Studio in der Flinders Lane in Melbourne und arbeitete in der Nachkriegszeit in den Bereichen Mode-, Theater- und Industriefotografie. Seine erste gemeinsame Ausstellung fand im Mai 1953 mit Wolfgang Sievers statt. Die Ausstellung "New Visions in Photography" wurde im Federal Hotel in der Collins Street gezeigt und war wahrscheinlich der erste Einblick in die Fotografie der Neuen Sachlichkeit in Australien. Newton schloss sich mit Henry Talbot zusammen, einem deutschen Juden, der ebenfalls in Tatura interniert war, und seine Verbindung mit dem Studio blieb auch nach 1957 bestehen, als er Australien in Richtung London verließ. Das Studio wurde in "Helmut Newton und Henry Talbot" umbenannt. Newtons wachsender Ruf als Modefotograf wurde belohnt, als er den Auftrag erhielt, die Mode in einer australischen Sonderbeilage der Zeitschrift Vogue zu illustrieren, die im Januar 1956 erschien. Er erhielt einen 12-monatigen Vertrag mit der britischen Vogue und reiste im Februar 1957 nach London, wo er Talbot die Leitung des Unternehmens überließ. Newton verließ die Zeitschrift noch vor Ablauf seines Vertrags und ging nach Paris, wo er für französische und deutsche Zeitschriften arbeitete. Im März 1959 kehrte er nach Melbourne zurück, um für die Australian Vogue zu arbeiten. 1961 ließen sich Newton und seine Frau schließlich in Paris nieder. Seine Bilder erschienen in Zeitschriften wie der französischen Ausgabe der Vogue und Harper's Bazaar. Er entwickelte einen besonderen Stil, der von erotischen und stilisierten Szenen geprägt ist, oft mit fetischistischem Unterton. Im Jahr 1980 schuf er die Serie "Big Nudes". Es folgten die Mappe "Nude and Clothed" und 1992 "Domestic Nudes", die den Höhepunkt seines erotisch-urbanen Stils markierten. Newton arbeitete auch an fantastischeren Porträts und Studien. Er fertigte eine Reihe von Illustrationen für den Playboy an, darunter Illustrationen von Nastassja Kinski und Kristine DeBell.

Stima 10 000 - 15 000 EUR

Lotto 53 - WILLIAM KLEIN (New York, 1926- Paris, 2022) . "Modell + Graffiti (Fotodekor)". Paris (Vogue), 1961. Gelatinesilberdruck. Signiert, betitelt, datiert mit Bleistift (auf der Rückseite). Provenienz: Galerie Claudio Poleschi Arte Contemporanea, San Marino, Italien. Maße: 39,5 x 30,8 cm (Abbildung). William Klein entwickelte einen innovativen und experimentellen Stil auf dem Gebiet der Modefotografie, wie dieses Foto zeigt, das er 1961 in Paris für die Zeitschrift Vogue aufnahm. Das Kleid der Frau imitiert teilweise die Graffiti-Wand durch ein Spiel von Licht und Textur. Im Gegensatz dazu erzeugen die feinen Schuhe und die goldenen Ohrringe eine interessante visuelle Spannung. Klein erforscht den Kontrast zwischen dem exklusiven Glamour der Mode und der Rohheit von Straßengraffiti mit künstlerischen Techniken, die die Grammatik der Modefotografie erweitern. In den 1960er Jahren wurde die Modefotografie von ausgefeilten, sorgfältig komponierten Bildern beherrscht. Klein brach mit diesen Konventionen, indem er einen Sinn für Spontaneität und Realismus einführte. Sein fotografisches Werk wurde von der Kunst, der urbanen Kultur und der Sprache des Films (in dessen Bereich er sich ebenfalls entwickelte) beeinflusst. Auf der Suche nach dem Flüchtigen und Authentischen holte er die Fotografie aus dem Studio und platzierte sie in realen, oft chaotischen Umgebungen. William Klein war ein amerikanischer Fotograf und Filmregisseur. Obwohl er in New York geboren und am dortigen City College ausgebildet wurde, war Klein vor allem in Frankreich tätig. Er führte bei einer Reihe von Spielfilmen Regie (u. a. 1966 bei dem Film "Qui êtes-vous, Polly Maggoo" und der antiamerikanischen Satire "Mr. Freedom"). Im Bereich der Fotografie wurde Klein 1956 mit dem Nadar Award ausgezeichnet. Im Jahr 1947 reiste er während seines Militärdienstes zum ersten Mal nach Paris und lebte und arbeitete seitdem in dieser Stadt, in die er sich verliebte. Im Jahr 1948 schrieb er sich an der Sorbonne ein, wo er unter anderem bei Fernand Léger studierte. Seine bekanntesten Werke drehen sich um die Mode- und Straßenfotografie, für die er als einer der Schöpfer und Meister gilt. Auszeichnungen: 1988 wurde er mit dem Kulturpreis des Deutschen Fotografenbundes ausgezeichnet. Im Jahr 1990 erhielt er den International Award der Hasselblad Foundation. Im Jahr 2005 erhielt er den PhotoEspaña-Preis. Fotografie-Bücher: 1956. Das Leben ist gut & Gut für dich in New York: Trance witness revels, Éditions su Seul, Paris. 1959. Rom: die Stadt und ihre Menschen, Feltrinelli, Mailand. 1964. Tokio, Zokeisha Publications, Tokio. 1964. Moskau, Zokeisha-Verlag, Tokio. 1989. Close up, Thames and Hudson, London, New York und Paris. KLEIN, W. (1990). Torino '90, Federico Motta, Mailand. 1994. In and Out of Fashion, Random House, New York und London.

Stima 12 000 - 16 000 EUR

Lotto 54 - EDWARD STEICHEN (Luxemburg, 1879 - West Redding, Connecticut, 1973). "Das Meer", 1904. Platinfotografie auf schwarzem Originalpapier auf cremefarbenem Papier montiert (Original). Präsentiert Etikett auf der Rückseite der deutschen Sammlung (Hamburg 1971). Signiert und datiert in der unteren rechten Ecke. Maße: 13 x 17,5 cm; 29 x 37 cm (Rahmen). Edward Steichen war eine Schlüsselfigur der Fotografie des 20. Jahrhunderts, der als führender Fotograf und einflussreicher Kurator die Entwicklung der Fotografie lenkte. Steichen kam 1881 in die Vereinigten Staaten. Er malte und arbeitete als Lithograf, bevor er sich 1896 der Fotografie zuwandte. 1899 stellte er seine ersten Fotos auf dem Philadelphia Salon aus. Steichen wurde 1900 eingebürgert und erhielt, nachdem er auf dem Chicagoer Salon ausgestellt hatte, die Unterstützung von Clarence White, der ihn mit Alfred Stieglitz bekannt machte. Zwischen 1900 und 1922 war Steichen mit Unterbrechungen als Maler in Paris tätig; dort lernte er Rodin kennen und hatte Kontakt zu den modernen Kunstströmungen, so dass er Stieglitz bei der Auswahl von Ausstellungen beraten konnte. 1901 wurde er zum Mitglied der Linked Ring Brotherhood in London gewählt, 1902 war er Mitbegründer der Photo-Secession und gestaltete das erste Titelblatt der Camera Work, in der seine Arbeiten häufig veröffentlicht wurden. In New York half Steichen Stieglitz bei der Einrichtung der Kleinen Galerien der Photo-Secession, die unter dem Namen "291" bekannt wurde, und 1910 nahm er an der Internationalen Ausstellung für Bildfotografie in Buffalo teil. Während des Ersten Weltkriegs leitete er die Luftbildfotografie für die Army Expeditionary Forces. Kurz darauf gab er die Malerei und die Überreste des Piktorialismus auf und wandte sich einem modernistischen Stil zu. Von 1923 bis 1938 war er Cheffotograf bei Condé Nast und arbeitete nebenbei als freier Werbefotograf. Nach seiner Beförderung zum Oberleutnant im Jahr 1942 wurde Steichen 1945 zum Direktor des U.S. Naval Photographic Institute ernannt. Dort überwachte er die Kriegsfotografie und organisierte die Ausstellungen Road to Victory und Power in the Pacific. Von 1947 bis 1962 war er Direktor für Fotografie am Museum of Modern Art und zeichnete für mehr als fünfzig Ausstellungen verantwortlich, darunter The Family of Man im Jahr 1955, die populärste Ausstellung in der Geschichte der Fotografie. Steichen erhielt zahllose Auszeichnungen und Ehrungen, darunter den Titel eines Chevalier der französischen Ehrenlegion, ein Ehrenstipendium der Royal Photographic Society, die Distinguished Service Medal, den Art Directors Club of New York Award, den U.S. Camera Achievement Award für "Most Outstanding Individual Contribution to Photography" (1949) und die Presidential Medal of Freedom (1963). Wichtige Ausstellungen seiner Werke fanden im Baltimore Museum of Art, im Museum of Modern Art, in der Bibliothèque Nationale de Paris, im ICP und im George Eastman House statt.

Stima 2 500 - 3 000 EUR

Lotto 55 - PHILIPPE HALSMAN (Riga, 1906 - New York, 1979). "Dalís Schnurrbart", ca. 1954. Silbergelatine-Fotografie. Features leichte Eckfalten, die nicht die Arbeit zu beeinträchtigen. Mit Bleistift signiert und verso gestempelt. "Copyright by Philippe Halsman". Maße: 20 x 16 cm: 40 x 44 cm (Rahmen). Halsman studierte Elektrotechnik in Dresden. Nachdem er des Mordes an seinem Vater beschuldigt wurde, verbrachte er zwei Jahre im Gefängnis. Nach seiner Entlassung beschloss Halsman, nach Frankreich zu ziehen, wo er begann, für Modemagazine wie Vogue zu arbeiten, und sich bald einen Ruf als einer der besten Porträtfotografen Frankreichs erwarb. Er war berühmt für seine scharfen und nicht weichgezeichneten, eng geschnittenen Bilder. Als Frankreich von Deutschland überfallen wurde, floh Halsman nach Marseille. Mit Hilfe seines Familienfreundes Albert Einstein, den er 1947 fotografierte, gelang es ihm schließlich, ein amerikanisches Visum zu erhalten. Halsman hatte seinen ersten Erfolg in den Vereinigten Staaten, als die Kosmetikfirma Elizabeth Arden sein Bild des Models Constance Ford vor der amerikanischen Flagge in einer Werbekampagne für den Lippenstift "Victory Red" verwendete. Ein Jahr später, 1942, fand er Arbeit bei der Zeitschrift Life, wo er Hutdesigns fotografierte. 1941 lernte Halsman den surrealistischen Künstler Salvador Dalí kennen, mit dem er in den späten 1940er Jahren zusammenarbeitete. Das 1948 entstandene Werk Dalí Atomicus beschäftigt sich mit der Idee des Schwebens und zeigt drei fliegende Katzen, einen geworfenen Eimer Wasser und Dalí in der Luft. Der Titel des Fotos ist eine Anspielung auf Dalís Werk Leda Atomicus, das rechts auf dem Foto hinter den beiden Katzen zu sehen ist. Halsman und Dalí veröffentlichten 1954 ein Kompendium ihrer Zusammenarbeit in dem Buch Dali's Moustache, das 36 verschiedene Ansichten des charakteristischen Schnurrbarts des Künstlers zeigt. Eine weitere berühmte Zusammenarbeit zwischen den beiden war In Voluptas Mors, ein surrealistisches Porträt von Dalí neben einem großen Schädel, in Wirklichkeit ein Tableau vivant aus sieben Akten. 1947 machte Halsman eines seiner berühmtesten Fotos von einem trauernden Albert Einstein, der während des Fotoshootings sein Bedauern über seine Rolle bei der Entwicklung der Atombombe durch die Vereinigten Staaten zum Ausdruck brachte. Das Foto wurde später 1966 auf einer US-Briefmarke und 1999 auf der Titelseite des Time Magazine verwendet, das Einstein zur "Person des Jahrhunderts" kürte. 1951 beauftragte NBC Halsman, mehrere beliebte Komiker der damaligen Zeit zu fotografieren, darunter Milton Berle, Sid Caesar, Groucho Marx und Bob Hope. Der Fotograf entwickelte eine Philosophie der Sprungfotografie, die er Jumpology nannte. 1959 veröffentlichte er Philippe Halsman's Jump Book, das eine augenzwinkernde Diskussion der Jumpology und 178 Fotos berühmter Springer enthielt. Es weist leichte Falten in den Ecken auf, die das Werk jedoch nicht beeinträchtigen.

Stima 2 500 - 3 000 EUR

Lotto 56 - WEEGEE; ARTHUR FELLIG (Ukraine, 1899- 1968). "Zirkus-Radfahrer, ca. 1943. Gelatinesilber-Fotografie. Leichte Beschädigung des Rahmens. Präsentiert Stempel auf der Rückseite "Credit Foto von Weegee-The Famous". Maße: 18 x 13,5 cm; 40x 30,5 cm (Rahmen). Arthur Fellig, bekannt unter seinem Pseudonym Weegee, war ein Fotograf und Fotojournalist, der für seinen rauen fotografischen Stil gelobt wurde, der die Straßenszene in New York City darstellte, meist in Schwarz-Weiß. Weegee arbeitete in den 1930er und 1940er Jahren als Pressefotograf in Manhattans Lower East Side. Er entwickelte seinen unverkennbaren Stil, indem er die Notdienste der Stadt verfolgte und einen Großteil ihrer Aktivitäten dokumentierte. Aus diesem Grund zeigen seine Kompositionen realistische Szenen des städtischen Lebens, der Kriminalität und des Todes. Weegee veröffentlichte Bücher über Fotografie und arbeitete auch im Filmbereich, wo er zunächst seine eigenen Kurzfilme drehte und später mit Filmemachern wie Jack Donohue und Stanley Kubrick zusammenarbeitete. Einer seiner ersten Jobs war im Fotolabor der New York Times. Später, während seiner Beschäftigung bei Acme Newspictures, brachten ihm seine Fähigkeiten und sein Einfallsreichtum bei der Entwicklung von Live-Prints den Namen "Mr. Squeegee" ein. Die meisten seiner Fotografien entstanden mit den für Pressefotografen typischen Geräten und ästhetischen Richtlinien. Er war ein autodidaktischer Fotograf ohne formale Ausbildung. Einige seiner Fotos spiegeln eine Gegenüberstellung der Darstellung von Menschen aus der High Society mit anderen, die nicht zum selben gesellschaftlichen Kreis gehören. Weeges Arbeit ist national und international weithin anerkannt, und seine Werke befinden sich in wichtigen privaten und öffentlichen Sammlungen. Ein Beispiel dafür war die Ausstellung Weegee's New York, die 2009 in der Fundación Telefónica in Madrid stattfand. Es hat leichte Schäden am Rahmen.

Stima 500 - 600 EUR

Lotto 57 - PHILIPPE HALSMAN (Riga, 1906 - New York, 1979). "Ohne Titel (Reflexion)", um 1940. Silbergelatine-Fotografie. Auf der Rückseite gestempelt "Copyright by Philippe Halsman". Maße: 20,5 x 21 cm; 31,5 x 29 cm (Rahmen). Halsman studierte Elektrotechnik in Dresden. Nachdem er des Mordes an seinem Vater beschuldigt wurde, verbrachte er zwei Jahre im Gefängnis. Nach seiner Entlassung beschloss Halsman, nach Frankreich zu ziehen, wo er begann, für Modemagazine wie Vogue zu arbeiten und sich bald einen Ruf als einer der besten Porträtfotografen Frankreichs erwarb. Er war berühmt für seine scharfen und nicht weichgezeichneten Bilder mit engem Bildausschnitt. Als Frankreich von Deutschland überfallen wurde, floh Halsman nach Marseille. Mit Hilfe seines Familienfreundes Albert Einstein, den er 1947 fotografierte, gelang es ihm schließlich, ein amerikanisches Visum zu erhalten. Halsman hatte seinen ersten Erfolg in den Vereinigten Staaten, als die Kosmetikfirma Elizabeth Arden sein Bild des Models Constance Ford vor der amerikanischen Flagge in einer Werbekampagne für den Lippenstift "Victory Red" verwendete. Ein Jahr später, 1942, fand er Arbeit bei der Zeitschrift Life, wo er Hutdesigns fotografierte. 1941 lernte Halsman den surrealistischen Künstler Salvador Dalí kennen, mit dem er in den späten 1940er Jahren zusammenarbeitete. Das 1948 entstandene Werk Dalí Atomicus beschäftigt sich mit der Idee des Schwebens und zeigt drei fliegende Katzen, einen geworfenen Eimer Wasser und Dalí in der Luft. Der Titel des Fotos ist eine Anspielung auf Dalís Werk Leda Atomicus, das rechts auf dem Foto hinter den beiden Katzen zu sehen ist. Halsman und Dalí veröffentlichten 1954 ein Kompendium ihrer Zusammenarbeit in dem Buch Dali's Moustache, das 36 verschiedene Ansichten des charakteristischen Schnurrbarts des Künstlers zeigt. Eine weitere berühmte Zusammenarbeit zwischen den beiden war In Voluptas Mors, ein surrealistisches Porträt von Dalí neben einem großen Schädel, in Wirklichkeit ein Tableau vivant aus sieben Akten. 1947 machte Halsman eines seiner berühmtesten Fotos von einem trauernden Albert Einstein, der während des Fotoshootings sein Bedauern über seine Rolle bei der Entwicklung der Atombombe durch die Vereinigten Staaten zum Ausdruck brachte. Das Foto wurde später 1966 auf einer US-Briefmarke und 1999 auf der Titelseite des Time Magazine verwendet, das Einstein zur "Person des Jahrhunderts" kürte. 1951 beauftragte NBC Halsman, mehrere beliebte Komiker der damaligen Zeit zu fotografieren, darunter Milton Berle, Sid Caesar, Groucho Marx und Bob Hope. Der Fotograf entwickelte eine Philosophie der Sprungfotografie, die er Jumpology nannte. 1959 veröffentlichte er Philippe Halsman's Jump Book, das eine augenzwinkernde Diskussion der Jumpology und 178 Fotos berühmter Springer enthielt.

Stima 800 - 1 000 EUR

Lotto 58 - AI WEIWEI (Peking, 1957). "Nackte Frau". Fotografie auf Fuji-Papier. Offene Auflage. Signiert im unteren rechten Bereich. Maße: 12,5 x 18 cm. Ai Weiwei ist ein Aktivist und zeitgenössischer Künstler. Ai arbeitete mit den Schweizer Architekten Herzog & de Meuron als künstlerischer Berater für das Pekinger Nationalstadion für die Olympischen Spiele 2008 zusammen. Als Aktivist hat er die chinesische Regierung immer wieder für ihre Haltung zu Demokratie und Menschenrechten kritisiert. Er hat auch Korruption und Vertuschung in China untersucht, insbesondere den Einsturz von Schulen in Sichuan nach dem Erdbeben 2008. Am 3. April 2011 wurde er auf dem internationalen Flughafen von Peking festgenommen und 81 Tage lang ohne offizielle Anklage festgehalten, wobei die Behörden von "Wirtschaftsverbrechen" sprachen. 1978 schrieb sich Ai an der Pekinger Filmakademie ein und studierte Animation. 1978 gehörte er zusammen mit Ma Desheng, Wang Keping, Huang Rui, Li Shuang, Zhong Acheng und Qu Leilei zu den Gründern der Avantgarde-Gruppe "Stars" mit avantgardistischen Einflüssen. Die Gruppe löste sich 1983 auf, Ai nahm jedoch regelmäßig an Ausstellungen der Gruppe teil, wie z. B. The Stars: Ten Years in 1989 (Hanart Gallery, Hongkong und Taipeh) und eine retrospektive Ausstellung in Peking im Jahr 2007: Origin Point (jetzt Beijing Museum of Art). 2014 schuf Ai Weiwei in einem ehemaligen Gefängniskrankenhaus eine Installation namens Illumination, die wie ein Horrorfilm aussehen und sich auch so anfühlen sollte. Für diese Arbeit kehrte Ai 1993 nach China zurück, nachdem sein Vater erkrankt war. Er half bei der Gründung der experimentellen Künstlergruppe "Beijing East Village" und gab zusammen mit dem chinesischen Kurator Feng Boyi eine Reihe von drei Büchern über diese neue Generation heraus: Black Cover Book (1994), White Cover Book (1995) und Gray Cover Book (1999). 1999 zog er nach Caochangdi, nordöstlich von Peking, und baute ein Atelierhaus, sein erstes Architekturprojekt. Aufgrund seines Interesses an der Architektur gründete er 2003 das FALSA Design Studio. Im Jahr 2000 kuratierte er gemeinsam mit dem Kurator Feng Boyi die Kunstausstellung "Fuck Off" in Shanghai, China.

Stima 300 - 400 EUR

Lotto 59 - LARRY CLARK (Tulsa, Oklahoma; 1943). "Nackte Frau". Fotografie auf Fuji-Papier. Schenkt Galerie Stempel auf der Rückseite. Maße: 15 x 10 cm. Lawrence Donald Clark (geboren am 19. Januar 1943) ist ein amerikanischer Filmregisseur, Fotograf, Autor und Filmproduzent, der vor allem durch seinen kontroversen Teenagerfilm Kids (1995) und seinen Fotoband Tulsa (1971) bekannt wurde. Seine Arbeit konzentriert sich hauptsächlich auf junge Menschen, die illegale Drogen konsumieren, Sex mit Minderjährigen haben, gewalttätig sind und einer bestimmten Subkultur angehören, wie Surfen, Punkrock oder Skateboarding.

Stima 300 - 350 EUR

Lotto 60 - PACO PEREGRÍN (Almería, 1976). "Skorpion", 2015. Digitale Fotografie auf Aluminium montiert. Ein vom Künstler ausgestelltes Echtheitszertifikat wird mitgeliefert. Das Werk wird auf der Website des Künstlers veröffentlicht. -Bibliographie: Fucking Young! magazine nº 6 yKatalog der Ausstellung "Artificio". Andalusisches Zentrum für Fotografie (CAF), 2018. -Ausstellungen: Andalusisches Zentrum für Fotografie (CAF). Einzelausstellung "Artificio", vom 1. Juni bis 15. Juli 2018.Maße: 50 x 40 cm; 51 x 41 cm (Rahmen). Paco Peregrín ist ein prominenter andalusischer Fotograf, bildender Künstler und Kreativdirektor mit Sitz in Madrid, der international in der Kunst-, Werbe- und Modewelt tätig ist (er hat hochkarätige Projekte für globale Marken wie Dior, Chanel, Saint Laurent, L'Oréal Paris, Lancôme, Shiseido, Marie Dalgar, L'Occitane, La Rinascente, Vögele Shoes, Adidas, Nike usw. realisiert und geleitet). Er veröffentlicht in renommierten Magazinen wie Vogue (IT, DE, ES), Harper's Bazaar (USA, Russland, Spanien und Vietnam), VMAN, L'Officiel, Vanity Fair, ELLE, Marie Claire, Grazia, Cosmopolitan, Glamour, Dsection, Fucking Young!, Vision, Zink!, Neo2, Yo Dona, Vanidad, Schön!, Noi.se, Allure, NYLON, usw. Er schloss sein Studium der Schönen Künste an der Universität von Sevilla ab und bildete sich am International Center of Photography (New York), am Central Saint Martins College of Art and Design (London), an der Universidad Complutense de Madrid und an der Universidad de Santiago de Compostela weiter... Er erhielt wichtige Stipendien (Pilar Juncosa und Sotheby's, Talens, Universidad Complutense, Ayuntamiento de Sevilla, Proyectos de Fotografía Caja San Fernando, Centro Andaluz de la Fotografía, usw.) und seine audiovisuellen Arbeiten wurden auf internationalen Festivals wie dem Chicago Fashion Film Festival, dem London Fashion Film Festival, dem International Fashion Film Festival Brussels und dem Global Short Film Awards Festival in Cannes ausgezeichnet. Seine Arbeiten sind Teil wichtiger Kunstsammlungen (Centro Andaluz de la Fotografía, Comunidad de Madrid, Instituto Andaluz de la Juventud, Universidad de Sevilla, Fundación Talens, Colección de Arte Contemporáneo Delegación de Cultura de Doña Mencía, Centro Andaluz de Arte Seriado....) und ist in zahlreichen Büchern wie "Artificio" (Centro Andaluz de la Fotografía, Editorial Universidad de Almería), "Facing", 6th Crossover Art Project (Marie Dalgar, Beijing), "Super-Modified: The Behance Book of Creative Work" (Gestalten), "Diccionario de fotógrafos españoles (La Fábrica & Acción Cultural Española), "Otherworldly" (Gestalten), "New Fashion Photography" (Prestel), "PALETTE 03: Gold & Silber, Neue metallische Grafiken" (Victionary), "PALETTE 02: Multicolour, Neue regenbogenfarbene Grafiken" (Victionary), "Cazadores de Tendencias: los nombres esenciales de Moda Española" (Lunwerg), "STAND BY_012. Guía de Fotografía Andaluza Actual" (Valentín de Madariaga Foundation & MP Corporation), "Hair'em Scare'em" (Gestalten) oder "Arte desde Andalucía para el siglo XXI catalogación monográfica ilustrada del joven arte andaluz" (Consejería de Cultura de la Junta de Andalucía). Ich habe in Galerien in New York, Peking, Paris, Barcelona, Madrid, Berlin, Sevilla, San Sebastian, Valencia, Caceres und Almeria ausgestellt .... und in Museen wie dem Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (Sevilla), dem Museo Cristóbal Balenciaga (Getaria, Gipuzkoa), dem Museo de Artes y Tradiciones de Sevilla, CaixaForum Sevilla, das Centro Andaluz de la Fotografía, ARTSevilla, Sala de Exposiciones del Canal de Isabel II, Forosur 2004 (Feria Iberoamericana de Arte Contemporáneo) und PHotoESPAÑA. Peregríns Werk ist reich an Symbolik, inspiriert von der klassischen Kunst, der flämischen und barocken Malerei, aber auch von der experimentellen Avantgardekultur. Er konzentriert sich auf das gesellschaftliche Bild des Körpers, seine Wahrnehmung, den zeitgenössischen Schönheitskanon, das Konzept der Maske, den Lauf der Zeit, die Kommunikation in den Massenmedien, die Werbung in der Konsumgesellschaft, die neuen Technologien und die Darstellung des Körpers als Ort zur Untersuchung der Folgen von Macht und Geschlechterrollen heute. Es wird ein vom Künstler ausgestelltes Echtheitszertifikat zur Verfügung gestellt. Das Werk ist auf der Website der Künstlerin veröffentlicht. -Bibliographie: Fucking Young! magazine nº 6 yKatalog der Ausstellung "Artificio". Andalusisches Zentrum für Fotografie (CAF), 2018.

Stima 2 500 - 3 000 EUR

Lotto 61 - EDUARDO MOMEÑE (Bilbao, 1952). "Manfred Prufrock" 2009. Triptychon. Gelatinesilber, Kopie 3/30. Betitelt, datiert und nummeriert. Provenienz: Galerie N2, Barcelona. Maße: 37,5 x 24 cm (Fotografie); 52,5 x 42,5 cm (jeder Rahmen). Eduardo Momeñe ist Fotograf und Autor von Artikeln und Essays über fotografische Ästhetik. Die Lehre der Fotografie nimmt einen wichtigen Platz in seiner beruflichen Laufbahn ein, und er hat zahlreiche Kurse, Workshops und Seminare abgehalten. Er hat Projekte wie die Fernsehserie "La Puerta Abierta" oder die Zeitschrift "Fotografías" realisiert, die beide als Referenzwerke gelten. Seine erste Ausstellung fand 1974 in der Galerie Nikon in Barcelona statt. Seitdem sind seine Fotografien Teil öffentlicher und privater Sammlungen und er hat in verschiedenen Ländern ausgestellt. Seine letzte Ausstellung im Círculo de Bellas Artes wurde im Januar 2024 geschlossen. Zeitschriften wie Vogue, Marie Claire, Elle oder Stlyle haben seine Mode-, Illustrations- und Porträtbilder veröffentlicht. Er ist Autor der Bücher "La visión fotográfica", "Las fotografías de Burton Norton" und "El placer de fotografiar" und Koordinator von "pam/Plassu", herausgegeben von AfterPhoto, seine Porträts und Studiokompositionen sind im Buch "Eduardo Momeñe" enthalten, das in Photobolsillo von La Fábrica veröffentlicht wurde.

Stima 1 600 - 2 000 EUR

Lotto 62 - RAY K. METZKER (USA, 1931-2014). Ohne Titel. 1997. Fotografieren. Signiert und datiert auf der Rückseite. Maße: 35 x 27 cm; 66 x 55,5 cm. Ray K. Metzker war ein amerikanischer Fotograf, der vor allem für seine kühnen, experimentellen Schwarz-Weiß-Stadtansichten und seine großformatigen "Kompositionen" bekannt war, die er aus bedruckten Filmstreifen und Einzelbildern zusammenstellte. Seine Werke befinden sich in mehreren großen öffentlichen Sammlungen und sind Gegenstand von acht Monografien. Er erhielt Auszeichnungen von der John Simon Guggenheim Memorial Foundation, dem National Endowment for the Arts und der Royal Photographic Society. Metzker war ein Schüler von Harry Callahan und Aaron Siskind am Institute of Design in Chicago. Er unterrichtete viele Jahre lang am Philadelphia College of Art und lehrte auch an der Universität von New Mexico. Nach seinem Studium am Institute of Design in Chicago reiste Metzker 1960-61 ausgiebig durch Europa, wo ihm zwei Dinge klar wurden: dass "Licht" sein Hauptthema sein würde und dass er Synthese und Komplexität der Einfachheit vorziehen würde. Metzker pflegte zu sagen, dass der Künstler seine Erkundungen beginnt, indem er sich auf das einlässt, was er nicht kennt. Auszeichnungen: 1966: Guggenheim-Stipendium, John Simon Guggenheim Memorial Foundation. 1975: National Endowment for the Arts-Stipendium. 1988: National Endowment for the Arts-Stipendium. 1989: Bernheim-Stipendium im Bernheim Arboretum und Forschungswald, Clermont, Kentucky. 2000: Hundertjährige Medaille der Königlichen Fotografischen Gesellschaft, Bath (HonFRPS). Er ist neben vielen anderen Museen vertreten im: Museum of Fine Arts, Houston. Museum of Modern Art, New York: 14 Abzüge (Stand: 22. Dezember 2021). J. Paul Getty Museum, Los Angeles. Whitney Museum of American Art, New York: 14 Drucke (ab 15. Dezember 2021). Metropolitan Museum of Art, New York.

Stima 1 800 - 2 000 EUR

Lotto 63 - CARINA LINGE (Cuxhaven, Deutschland, 1976). Aus der Serie "Single n. III". 2011. Fünf Fotografien auf Aluminiumplatte. Rückseitig handschriftlich signiert. Maße: 80 x 120 cm; 60 x 45 cm; 46,5 x 35 cm; 28,3 x 24,3 cm. In ihrer Fotoserie "Single" setzt sich Carina Linge mit Themen auseinander, die sie schon immer interessiert haben: Identität, Weiblichkeit und die Wechselwirkung zwischen Realität und Fiktion, zwischen Traum und Wachsein. Sie entwickelt ein visuell fesselndes und sinnliches Werk, ohne dabei das Konzeptuelle zu vernachlässigen. Das wird in diesen Bildern mehr als deutlich: Sie spielt mit den klassischen Genres des barocken Stilllebens und der Vanitas-Malerei (die die erotische Symbolik von Früchten erforscht) sowie mit dem weiblichen Akt und der Tradition der Odalisken, indem sie diese Genres mit neuen Bedeutungen ausstattet, in denen die Frau aus dem Zentrum ihres Wesens und ihrer Begierde spricht, von ihren erfüllten oder geträumten sexuellen Fantasien, von der Vergänglichkeit der Leidenschaften und des Lebens. Im Jahr 2000 begann sie ein Studium der Bildenden Kunst an der Bauhaus-Universität in Weimar, das sie 2006 mit einem Diplom bei Norbert W. Hinterberger abschloss. Im Jahr 2007 erhielt sie ihren ersten Lehrauftrag an der Bauhaus-Universität Weimar, dem 2014 ein weiterer folgte. Carina Linge hat einen Sohn und lebt in Leipzig. Seit 2009 wird sie von der Berliner Galerie Jarmuschek + Partner vertreten. Carina Linge arbeitet in den Bereichen Fotografie und Installation. In komplexen Bildmalereien setzt sie Fotografien, Objekte und Textblätter zueinander in Beziehung. Die Fotografien von Carina Linge sind inszenierte Interieurs, Stillleben und vielschichtige Körperbilder, die mit assoziativen, symbolischen und kunsthistorischen Bezügen aufgeladen sind. Vergänglichkeit und Tod, Liebe und Einsamkeit, Sehnsüchte und Wünsche werden mit ausgewählten Bezügen zu Personen, Mythen und historischen Bildern thematisiert. In ihrer Werkserie Einsamer Eros" setzt sich Carina Linge seit 2008 mit einem erweiterten Porträtbegriff auseinander und porträtiert Singles und Paare in psychogrammartig angeordneten Bildkompositionen. Die zwischen 2011 und 2013 entstandene Bildserie "About Desire" beschäftigt sich mit dem Vergangenen, dem Verschwundenen und dem Begehrten und der damit verbundenen Entwicklung menschlicher Sehnsüchte und Wünsche. Mit "Theatrum Mundi" entstand 2014 eine neue Werkserie, die die äußere Darstellung und die dahinter liegende innere Gefühlswelt ausgewählter Menschen zeigt und sichtbar macht. Seine Arbeiten finden sich in wichtigen Sammlungen wie: Testimony Collection, La Caixa Foundation, Barcelona; Vila Casas Foundation, Torroella de Montgrí, Girona; Barcelona Bar Association; Agbar Foundation; La Sardana Foundation, Barcelona.

Stima 8 000 - 10 000 EUR

Lotto 64 - SCARLET BERNER (Berlin, 1955). "O.T. (Gelbe Vase)". 1990. Fotografie auf Holz. Signiert und betitelt auf der Rückseite. Formica-Rahmen. Maße: 105 x 80 cm (Fotografie); 129,5 x 129 cm (Rahmen). Scarlet Berner lebt in München. Sie studierte zunächst Malerei an der Akademie der Bildenden Künste in München, wo sie eine Lieblingsschülerin von Rudi Tröger ist. Seit 1982 hat sie Einzelausstellungen und nimmt an Gruppenausstellungen teil. Sie ist häufig an fotografischen Projekten im Bereich der institutionellen Architektur beteiligt. Sie ist Trägerin des Förderpreises für Fotografie der Stadt München.

Stima 5 000 - 6 000 EUR

Lotto 65 - ELIZABETH MOSLER (Puerto Ordaz - 1976). Unbetitelt. Fotografie gedruckt in Kunstdruck. Abmessungen: 25 x 30 cm. Die Psychopädagogin und Fotografin studierte an der Fotoschule EFTI in Madrid. Während ihres Aufenthalts in Paris machte sie mehrere Fotoserien, unter anderem "Cathédrales Gothiques". Sie dokumentierte die Demonstration "Je suis Charlie" gegen die Terroranschläge von 2015 und gewann mit einem dieser Fotos den Wettbewerb "Making history" zu Ehren der Ausstellung von Josef Koudelka in der Mapfre Foundation in Madrid. Sie wurde vom Nationalen Zentrum für Fotografie in Torrelavega für die Ausstellung "Fotografías para un encierro" ausgewählt, an der sie mit einem Quimigramm teilnimmt, einer Technik der Fotografie ohne Kamera, die katalogisiert ist. Ihre Werke wurden in der Kunstgalerie Santana und derzeit in der Online-Plattform "El club de las mujeres invisibles" ausgestellt. Derzeit führt sie ein persönliches Projekt mit dem Titel "Mírate" durch, bei dem sie die Fotografie als emotional-soziales Werkzeug einsetzt.

Stima 300 - 400 EUR

Lotto 66 - ELIZABETH MOSLER (Puerto Ordaz - 1976). "Pantheon des Agrippa". Fotografie gedruckt in Kunstdruck. Abmessungen: 40 x 60 cm. Die Psychopädagogin und Fotografin studierte an der Fotoschule EFTI in Madrid. Während ihres Aufenthalts in Paris machte sie mehrere Fotoserien, unter anderem "Cathédrales Gothiques". Sie dokumentierte die Demonstration "Je suis Charlie" gegen die Terroranschläge von 2015 und gewann mit einem dieser Fotos den Wettbewerb "Making history" zu Ehren der Ausstellung von Josef Koudelka in der Mapfre Foundation in Madrid. Sie wurde vom Nationalen Zentrum für Fotografie in Torrelavega für die Ausstellung "Fotografías para un encierro" ausgewählt, an der sie mit einem Quimigramm teilnimmt, einer Technik der Fotografie ohne Kamera, die katalogisiert ist. Ihre Werke wurden in der Kunstgalerie Santana und derzeit in der Online-Plattform "El club de las mujeres invisibles" ausgestellt. Derzeit führt sie ein persönliches Projekt mit dem Titel "Mírate" durch, bei dem sie die Fotografie als emotional-soziales Werkzeug einsetzt.

Stima 500 - 600 EUR

Lotto 67 - ELIZABETH MOSLER (Puerto Ordaz - 1976). "Filo Bianco". Fotografie gedruckt in Kunstdruck. Abmessungen: 30 x 25 cm. Die Psychopädagogin und Fotografin studierte an der Fotoschule EFTI in Madrid. Während ihres Aufenthalts in Paris machte sie mehrere Fotoserien, unter anderem "Cathédrales Gothiques". Sie dokumentierte die Demonstration "Je suis Charlie" gegen die Terroranschläge von 2015 und gewann mit einem dieser Fotos den Wettbewerb "Making history" zu Ehren der Ausstellung von Josef Koudelka in der Mapfre Foundation in Madrid. Sie wurde vom Nationalen Zentrum für Fotografie in Torrelavega für die Ausstellung "Fotografías para un encierro" ausgewählt, an der sie mit einem Quimigramm teilnimmt, einer Technik der Fotografie ohne Kamera, die katalogisiert ist. Ihre Werke wurden in der Kunstgalerie Santana und derzeit in der Online-Plattform "El club de las mujeres invisibles" ausgestellt. Derzeit führt sie ein persönliches Projekt mit dem Titel "Mírate" durch, bei dem sie die Fotografie als emotional-soziales Werkzeug einsetzt.

Stima 300 - 400 EUR

Lotto 68 - BEATRIZ SANCHES MIGUEL (Brasilien, 1974). "Die Blumen von Sophia". Druck auf Hahnemühle-Papier. Exemplar 1/10. Beiliegendes Zertifikat des Künstlers. Vorhanden ist ein Trockenstempel. Signiert und gerechtfertigt auf der Rückseite. Maße: 30 x 21 cm (Fleck): 42 x 29,7 cm (Fotopapier). Beatriz Sanches schloss 1996 ihr Studium der Innenarchitektur an der Unifenas in Brasilien ab. In diesem Jahr belegte sie auch einen Kurs in Fotografie und analoger Entwicklung. Anschließend setzte sie ihr Studium mit einem Master-Abschluss in Kunst am MDCC College in Miami, Florida, fort. Im Laufe ihrer Karriere hat sie als freiberufliche Fotografin und für Lean, Wilson and Assoc, als Innenarchitektin und in der Privatsammlung von Gladys Palmera als Fotografin und Retuscheurin gearbeitet.

Stima 500 - 600 EUR

Lotto 69 - "PACO PEREGRÍN"; PEREGRÍN, Francisco (Almería, 1976). "Alien Beauty (VI)". Modell Naadia Kloet (Delphoss). Exemplar 1/10. Kleine Auflage (limitiert auf 10 Exemplare + 1AP). Digitale Fotografie. Lambda-Druck unter Methacrylat auf Dibond und Aluminiumrahmen. Beiliegendes Zertifikat des Künstlers. Bibliographie: "Otherworldly", Theo Mass Lexileictous und Editorial Gestalten, 2016 (Seite 238); "Avenue Illustrated" Magazine, Ausgabe 19, Spanien, 2009 (Seite 105); "Ozine Magazine", Ausgabe Oktober-November 2009 (Seite 199). Werk signiert und nummeriert. Größe: 50 x 37 cm. Inspiriert von der außerirdischen Ästhetik hat Paco Peregrín mit dem vorliegenden Werk eine schöne, modische und "avantgardistische" Geschichte zwischen Futurismus und dem Außerirdischen geschaffen. Es zeigt eine persönliche und eindrucksvolle Spekulation über die Entwicklung der Identität und die Verklärung der menschlichen Züge. Paco Peregrín ist ein andalusischer Fotograf, der derzeit als eines der weltweit führenden Talente im Bereich der künstlerischen, redaktionellen und Werbefotografie gilt und in all seinen Arbeiten stets seine experimentelle Seite hervorhebt, die sich durch ihre Kraft und Stärke auszeichnet. Er wurde in Sevilla ausgebildet und entwickelte eine mystische Sensibilität für Kompositionsschemata und Chromatik, die von der Barockkunst inspiriert ist. Möglicherweise war es seine Theatererfahrung, die ihm die Fähigkeit verlieh, seine Modelle vor der Kamera zu dirigieren, seine räumliche Wahrnehmung zu entwickeln und den Körper, die Gegenwart und die Zeit in seinem Werk darzustellen. Derzeit lebt er in Madrid, ein Detail, das zusammen mit seinen Aufenthalten in wichtigen kulturellen Hauptstädten (London, New York...) seinem Werk Aktualität und Frische verliehen hat, die einzigartig sind. Hervorzuheben ist auch seine große Erfahrung in den Bereichen Design, Kommunikation, Theater und Malerei. Er arbeitet abwechselnd als Modefotograf für Zeitschriften wie Vogue, Harper's Bazaar oder L'Officiel und als Werbefotograf für Marken wie Dior, Chanel, Saint Laurent, L'Oréal Paris, Adidas, Nike, Gant, Toyota, Lancôme, Shiseido... und hat seine Arbeiten in Galerien in New York, Paris, Barcelona, Peking, Madrid, Berlin, Sevilla, San Sebastián, etc. ausgestellt, und in Museen und Galerien wie dem Centro de Arte y Creación Industrial in Madrid, Barcelona, Peking, Madrid, Berlin, Sevilla, San Sebastián, etc. und in Museen und Galerien wie dem Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (Sevilla), Museo de Artes y Costumbres Populares de Sevilla, Museo Cristóbal Balenciaga (Getaria, Gipuzkoa), Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona, Foro Sur, Sala de exp. del Canal de Isabel II, Museo Provincial de Cádiz usw. Seine beeindruckenden Arbeiten wurden mit Preisen wie dem LUX Gold National Professional Photography Prize in Fashion and Beauty (2008) ausgezeichnet. Der Verlag Gestalten (spezialisiert auf Kunst und Architektur) hat ihn als eines der wichtigsten und originellsten Projekte in das Buch "Otherworldly" aufgenommen, und der Verlag Prestel hat seine Arbeiten in "New Fashion Photography" veröffentlicht, wo er weltweit zu den wichtigsten Referenzen der zeitgenössischen Modefotografie zählt.

Stima 1 400 - 1 600 EUR

Lotto 70 - ORLAN (Saint-Étienne, Frankreich, 1947). "Disfiguration-Refiguration, präkolumbianische Selbsthybridisierung" Nr. 12, 1999. Photographie. Exemplar 2/7. Feuchtigkeit und Beschädigung des Rahmens. Signiert, gerechtfertigt und betitelt auf der Rückseite. Maße: 100 x 100 cm; 104 x 104 cm (Rahmen). In dieser Fotografie hinterfragt Orlan weiterhin den sozialen und kulturellen Druck, der auf den Körper und seine Darstellung in den Medien ausgeübt wird. Orlan hat in dieser Arbeit ein neues Bild geschaffen, indem er präkolumbianische und afrikanische Ikonen buchstäblich mit seinem eigenen Bild kombinierte; die daraus resultierenden Hybridisierungen schaffen eine komplexe Erzählung, die die Unterschiede zwischen Zeit und Ort, real und irreal verwischt. Er hat ein neues Bild geschaffen, um neue Bilder zu produzieren: Self-Hybridizations. Die Arbeit enthält Hinweise auf vergangene Stammesriten und Rituale, die mit Verschönerung verbunden sind und zusammen mit ihren eigenen Veränderungen durch plastische Chirurgie wichtige Themen der jüngeren Geschichte wie kollektive Identität, Tragödie und Exklusivität diskutieren. Die Selbsthybridisierungen fungieren auch als Porträts einer möglichen zukünftigen Menschheit, in der die Kreuzung von Menschen unterschiedlicher Herkunft neue Körper mit nomadischen und mutierten Identitäten hervorbringt. ORLANs Karriere als Performance-Künstler begann 1964, als er in seiner Heimatstadt Saint-Étienne Marches au ralenti (Spaziergänge in Zeitlupe) aufführte. Bei diesen Performances ging er so langsam wie möglich zwischen zwei zentralen Teilen der Stadt. 1965 produziert ORLAN MesuRages, bei denen er seinen eigenen Körper als Messinstrument einsetzt. Mit seinem "ORLAN-Körper" als Maßeinheit schätzte er, wie viele Menschen in einen gegebenen architektonischen Raum passen würden. Dies war das erste Mal, dass er seinen Körper in einer Performance einsetzte. ORLAN verwendete dieses Konzept in mehreren nachfolgenden Projekten wieder. Zwischen 1964 und 1966 produzierte ORLAN Vintages, eine Serie von Schwarz-Weiß-Fotografien. Sie zerstörte die Originalnegative dieser Arbeiten, so dass heute nur noch eine Kopie von jeder Fotografie existiert. In dieser Serie posierte sie nackt in verschiedenen yogaähnlichen Positionen. Eines der berühmtesten Bilder aus dieser Serie ist ORLAN accouche d'elle m'aime. 1967 bis 1975 schuf ORLAN eine Reihe von Werken mit dem Titel Tableaux Vivants. Er orientierte sich dabei an den Werken von Barockmalern wie El Greco und Gericault. Er benutzte Häftlinge als Modelle, trug übertrieben nachgeahmte Barockkostüme und ließ sich von karawaggesken Stereotypen inspirieren. 1971 "taufte" sich ORLAN auf den Namen Sainte-ORLAN und schmückte sich mit schwarzem Wellvinyl und weißem Kunstleder. Farbfotografien von Sainte-ORLAN wurden anschließend in Fotocollagen, Videos und Filme integriert, die eine fiktive Hagiografie nachzeichnen. Während der Internationalen Messe für zeitgenössische Kunst FIAC 1977 in Paris führte ORLAN die umstrittene Performance The Artist's Kiss (Le baiser de l'artiste) auf. Vor dem Grand Palais in Paris wurde ein lebensgroßes Foto seines Oberkörpers in einen Spielautomaten verwandelt. Die Zuschauer konnten zusehen, wie die in den Torso eingeworfene Münze in einer Leiste versank, bevor sie einen Kuss des Künstlers erhielt.ORLAN gründete das International Performance Symposium in Lyon. 1982 gründete er zusammen mit dem Künstler Frédéric Develay die erste Online-Zeitschrift für zeitgenössische Kunst, Art-Accès-Revue, auf dem französischen Vorläufer des Internets, dem Minitel. 1990 initiierte ORLAN die Reinkarnation von Sainte-ORLAN. Dabei handelt es sich um eine Reihe von plastischen Operationen, durch die sich die Künstlerin in Elemente berühmter Gemälde und Skulpturen von Frauen verwandelt. Im Rahmen ihres Manifests "Carnal Art" wurden diese Arbeiten gefilmt und in Institutionen auf der ganzen Welt ausgestellt, darunter das Centre Georges Pompidou in Paris und die Sandra Gehring Gallery in New York. ORLANs Ziel bei diesen Operationen ist es, sich das Ideal der weiblichen Schönheit anzueignen, wie es von männlichen Künstlern dargestellt wird. Wenn es vollendet ist Es weist Feuchtigkeit und Schäden im Rahmen auf.

Stima 1 800 - 2 000 EUR

Lotto 71 - Eladio de Mora ist einer der großen Vertreter der zeitgenössischen spanischen Kunst. Eladio de Mora entdeckte seine künstlerische Berufung schon als Kind. Als Autodidakt entwickelt er ein Werk, das auf halbem Weg zwischen Pop und Expressionismus angesiedelt werden könnte. Seine Kreationen zeichnen sich durch vereinfachte Formen und reine Farben aus und sind aus Materialien wie Plastik, Polyester und einigen Harzen gefertigt. Unter dem fast kindlichen Aussehen seiner Werke verbergen sich manchmal kritische Bedeutungen; er gesteht, dass er in seinen Werken das Gleichgewicht zwischen Strenge und Lächeln sucht. Einige seiner bekanntesten Werke sind seine Serien von Bären, Enten, Tauchern und Meninas. Seine Skulpturen sind in der Regel in Familien gruppiert, so dass die Wiederholung die Wirkung verstärkt. Außerdem werden die meisten seiner Skulpturen im Freien aufgestellt, da Mora vor allem eine direkte Beziehung zum Publikum sucht. Zu Beginn des 21. Jahrhunderts wurde er durch Gruppenausstellungen bekannt, und 2002 hatte er seine ersten Einzelausstellungen, sowohl in Spanien (Galerien Azteca und Séller in Madrid, Espacio Líquido in Gijón) als auch im Ausland (Galerie Heyd in Hildritzhausen, Deutschland). Seitdem ist seine Präsenz in der Kunstszene konstant; er stellt weiterhin einzeln aus, nimmt aber auch an Kunstmessen und Gruppenausstellungen teil. In den letzten Jahren hat er seine Werke in Einzelausstellungen in bedeutenden spanischen und ausländischen Kunstgalerien und -zentren gezeigt, darunter die Galerie Jorge Ontiveros in Madrid, die Galerie Drissien in München, das Museum Florencio de la Fuente in Valencia, das Museum für zeitgenössische Kunst in Malaga, das Juan Ismael Art Center in Madrid, das Juan Ismael Art Center in Madrid, das Juan Ismael Art Center in Madrid, die Galerie Drissien in München und das Museum Florencio de la Fuente in Valencia, das Centro de Arte Juan Ismael in Fuerteventura, das Espacio para el Arte Caja Madrid, das Hotel Urban und das Centro de Arte Moderno ebenfalls in Madrid, das IVAM in Valencia, das Museo MACAY in Mexiko, die Galerie Los Oficios und das Museo de Bellas Artes in Havanna, das Museo Arterra in Wien und die Fundación Antonio Pérez in Cuenca. Er hat auch an wichtigen Gruppenausstellungen in Spanien, Mexiko, Italien, Portugal und Deutschland teilgenommen. Erwähnenswert ist auch Moras bedeutende Arbeit als Designer von Trophäen, darunter die "Women Together" in New York, der "Master Senior Comunidad de Madrid" oder die "Protagonistas del motor de El Mundo". Im Laufe seiner Karriere wurde er mit den Preisen "Getafe Ciudad de las Artes" (Madrid, 2005) und "Aura" (Toledo, 2007) ausgezeichnet und hat Denkmäler und Installationen unter anderem in Madrid, Logroño, Havanna, Wien, Gijón, Málaga und Valencia geschaffen. Mora ist derzeit im IVAM in Valencia, im Museum Arterra in Wien, im Museum für zeitgenössische Kunst Domus Artium in Salamanca, im Museum für Glaskunst in Alcorcón, im Museum der Schönen Künste in Havanna, im Museum für grafische Arbeiten von San Clemente in Cuenca, in der Antonio-Pérez-Stiftung, in der Antonio-Saura-Stiftung und bei Coca-Cola vertreten, die Coca-Cola-Stiftung, die Antonio-Saura-Stiftung und die Coca-Cola-Stiftung, die Provinzverwaltungen von Cuenca und Guadalajara, mehrere Gemeinden in Madrid und Toledo, das Ministerium für Kultur und Tourismus der Gemeinde Madrid und die Sammlung zeitgenössischer Kunst von "El Mundo", neben vielen anderen öffentlichen und privaten Sammlungen.

Stima 1 300 - 1 500 EUR

Lotto 72 - "dEmo"; ELADIO DE MORA (1960, Toledo). "Blaubär im Wohnzimmer". Fotografieren. Es hat leichte Schäden am Rahmen. Maße: 74 x 93 cm; 98 x 117 cm (Rahmen). Eladio de Mora ist einer der großen Vertreter der zeitgenössischen spanischen Kunst. Eladio de Mora entdeckte seine künstlerische Berufung schon als Kind. Der Autodidakt entwickelt ein Werk, das auf halbem Weg zwischen Pop und Expressionismus angesiedelt werden könnte. Seine Kreationen zeichnen sich durch vereinfachte Formen und reine Farben aus und sind aus Materialien wie Plastik, Polyester und einigen Harzen gefertigt. Unter dem fast kindlichen Aussehen seiner Werke verbergen sich manchmal kritische Bedeutungen; er gesteht, dass er in seinen Werken das Gleichgewicht zwischen Strenge und Lächeln sucht. Einige seiner bekanntesten Werke sind seine Serien von Bären, Enten, Tauchern und Meninas. Seine Skulpturen sind in der Regel in Familien gruppiert, so dass die Wiederholung die Wirkung verstärkt. Außerdem werden die meisten seiner Skulpturen im Freien aufgestellt, da Mora vor allem eine direkte Beziehung zum Publikum sucht. Zu Beginn des 21. Jahrhunderts wurde er durch Gruppenausstellungen bekannt, und 2002 hatte er seine ersten Einzelausstellungen, sowohl in Spanien (Galerien Azteca und Séller in Madrid, Espacio Líquido in Gijón) als auch im Ausland (Galerie Heyd in Hildritzhausen, Deutschland). Seitdem ist seine Präsenz in der Kunstszene konstant; er stellt weiterhin einzeln aus, nimmt aber auch an Kunstmessen und Gruppenausstellungen teil. In den letzten Jahren hat er seine Werke in Einzelausstellungen in bedeutenden spanischen und ausländischen Kunstgalerien und -zentren gezeigt, darunter die Galerie Jorge Ontiveros in Madrid, die Galerie Drissien in München, das Museum Florencio de la Fuente in Valencia, das Museum für zeitgenössische Kunst in Malaga, das Juan Ismael Art Center in Madrid, das Juan Ismael Art Center in Madrid, das Juan Ismael Art Center in Madrid, die Galerie Drissien in München und das Museum Florencio de la Fuente in Valencia, das Centro de Arte Juan Ismael in Fuerteventura, das Espacio para el Arte Caja Madrid, das Hotel Urban und das Centro de Arte Moderno ebenfalls in Madrid, das IVAM in Valencia, das Museo MACAY in Mexiko, die Galerie Los Oficios und das Museo de Bellas Artes in Havanna, das Museo Arterra in Wien und die Fundación Antonio Pérez in Cuenca. Er hat auch an wichtigen Gruppenausstellungen in Spanien, Mexiko, Italien, Portugal und Deutschland teilgenommen. Erwähnenswert ist auch Moras bedeutende Arbeit als Designer von Trophäen, darunter die "Women Together" in New York, der "Master Senior Comunidad de Madrid" oder die "Protagonistas del motor de El Mundo". Im Laufe seiner Karriere wurde er mit den Preisen "Getafe Ciudad de las Artes" (Madrid, 2005) und "Aura" (Toledo, 2007) ausgezeichnet und hat Denkmäler und Installationen unter anderem in Madrid, Logroño, Havanna, Wien, Gijón, Málaga und Valencia geschaffen. Mora ist derzeit im IVAM in Valencia, im Museum Arterra in Wien, im Museum für zeitgenössische Kunst Domus Artium in Salamanca, im Museum für Glaskunst in Alcorcón, im Museum der Schönen Künste in Havanna, im Museum für grafische Arbeiten von San Clemente in Cuenca, in der Antonio-Pérez-Stiftung, in der Antonio-Saura-Stiftung und bei Coca-Cola vertreten, die Coca-Cola-Stiftung, die Antonio-Saura-Stiftung und die Coca-Cola-Stiftung, die Provinzverwaltungen von Cuenca und Guadalajara, mehrere Gemeinden in Madrid und Toledo, das Ministerium für Kultur und Tourismus der Gemeinde Madrid und die Sammlung zeitgenössischer Kunst von "El Mundo", neben vielen anderen öffentlichen und privaten Sammlungen. Leichte Beschädigung des Rahmens.

Stima 1 000 - 1 200 EUR

Lotto 73 - FRANCIS BACON (Dublin, 1909- Madrid, 1992). "Drei Studien für ein Selbstporträt". Lithographie auf Arches-Papier, E.A. Kopie. Handsigniert und gerechtfertigt. Das Werk wurde 2008 in der Coskun Gallery in London erworben. Größe: 52 x 94 cm; 79 x 121 cm (Rahmen). Francis Bacon ist der Autor einiger der eindrucksvollsten und beispiellosesten Gemälde der zeitgenössischen Kunst. Sein obsessiver, gequälter und herzzerreißender Stil ist ein klares Dokument der Not in Europa nach dem Zweiten Weltkrieg. Seine Werke erzielen derzeit auf internationalen Auktionen stratosphärische Summen und machen ihn zu einem der begehrtesten Künstler auf dem heutigen Kunstmarkt. Ein Beispiel dafür ist das Triptychon "Three Studies by Lucian Freud (1969)", das 2013 bei einer öffentlichen Versteigerung einen Rekordpreis von 142 Millionen Dollar erzielte und damit zu den drei teuersten Werken der Geschichte gehört. Einige seiner Werke sind in den wichtigsten Kunstgalerien der Welt zu sehen, wie der Tate Britain in London (die eine der umfangreichsten Sammlungen des Künstlers besitzt), der MET und dem Moma in New York, dem Museo Thyssen-Bornemisza und dem Museo Reina Sofía. "Drei Studien für ein Selbstporträt" definiert nachdrücklich, worum es in Bacons Kunst ging. Dekomponierte, isolierte, beunruhigende und spirituelle Figuren, die weit davon entfernt sind, eine spezifische Ähnlichkeit mit der dargestellten Person zu suchen, und die sich mit der Spiritualität des Dargestellten auseinandersetzen. Hier sehen wir die Abstraktion, Fragmentierung und Verzerrung des Gesichts des Malers, ein Schlüsselaspekt in Bacons künstlerischer Entwicklung, eine Folge der Lebensereignisse, die seine Existenz zu einer glühenden Zeitbombe machten, die kurz vor der Explosion stand. Durch sein Werk drückt er seinen vitalen Zustand aus, der auch mit seiner selbstzerstörerischen Seite verbunden ist, und schafft es so, Einsamkeit, Gewalt und Erniedrigung auszudrücken. Francis Bacon wurde in Dublin geboren, obwohl er englische Eltern hatte, und begann als Autodidakt zu malen. Im Alter von 17 Jahren, 1927, öffnete die Galerie Paul Rosemberg dem Maler ihre Türen. Dort lernte er die Werke von Pablo Picasso kennen, einem Künstler, den er während seiner gesamten Karriere bewunderte. Wie Picasso haben auch andere Maler Bacons Werk beeinflusst: Velázquez (dessen Version von Papst Innozenz X. er malte und dabei mindestens 40 "Päpste" schuf) und Nicolas Poussin, dessen "Massaker an den Unschuldigen", das sich heute im Musée Condé befindet, in ihm starke Emotionen auslöste. 1945 stellte er in London zusammen mit den englischen Künstlern Henry Moore und Graham Sutherland sein Gemälde Three Studies for Figures at the Foot of a Crucifixion (um 1944) aus, ein Triptychon, das nach Bacons eigener Aussage den Beginn seiner Karriere markierte. Bis 1945 hatte Bacon seinen eigenen, unverwechselbaren Stil entwickelt. Im Jahr 1949 kaufte das Museum of Modern Art in New York (MOMA) ein beeindruckendes Werk von Bacon mit dem Titel Painting 1946. Im Jahr 1956 wurde er eingeladen, Großbritannien auf der Biennale von Venedig neben Ben Nicholson und Lucian Freud zu vertreten. Bacon beschloss, dass das Thema seiner Gemälde sowohl das Leben im Tod als auch der Tod im Leben sein sollte. Er versuchte, seinen vitalen Zustand auszudrücken, der auch mit seiner selbstzerstörerischen Seite verbunden war. Michel Leiris schlug ihm vor, dass Masochismus, Sadismus und ähnliche Manifestationen in Wirklichkeit nur Wege sind, sich menschlicher zu fühlen. Porträts und Selbstporträts machen einen wichtigen Teil von Bacons Gemälden aus, darunter George Dyer in a Mirror von 1968, ein Werk, in dem der Maler die Verletzlichkeit und Zerbrechlichkeit des Selbst andeutet. Bacon fertigte Porträts ohne Posen nach dem Leben an, die er aus Fotografien entwickelte. Er porträtierte sowohl seine vertrauten Begleiter und Freunde als auch berühmte Persönlichkeiten: Peter Lacy, George Dyer und John Edwards, Henrietta Moraes, Isabel Rawsthorne, Muriel Belcher, Lucian Freud, Peter Beard und Michel Leiris, aber auch Hitler, Pius XII. und Mick Jagger. Einige seiner Werke sind in den wichtigsten Kunstgalerien der Welt zu sehen, wie der Tate Britain in London (die eine der umfangreichsten Sammlungen des Künstlers besitzt), der MET und dem Moma in New York, dem Museo Thyssen-Bornemisza und dem Muse

Stima 20 000 - 25 000 EUR

Lotto 74 - ROBERT MOTHERWELL (Vereinigte Staaten, 1915-Vereinigte Staaten 1991). "Samurai", 1971 Lithographie auf Japan-Suzuki-Papier. Vom Künstler handsigniert. Etikett von Brooke Alexander auf der Rückseite. Maße: 200 x 160 cm; 216 x 124 cm (Rahmen). "Samurai" ist ein Paradigma von Motherwells Werk: eine aggressive schwarze Form, von der Explosionen und Schläge ausgehen. Es ist eines von Motherwells stärksten Bildern, das durch die phallische abstrakte Form Elemente der Sexualität und durch den Titel Gewalt heraufbeschwört. Obwohl es schwierig ist, die Spuren der Figuration in Motherwells Werk zu entziffern, ließ er sich von der Literatur, dem Leben und der Politik inspirieren und bezog sich auf sie. Der multidisziplinäre Künstler wurde an den Universitäten Stanford und Harvard in Philosophie und an der Columbia University in Geschichte und Kunst unter der Leitung von Meyer Schapiro ausgebildet. Er war einer der führenden Vertreter des amerikanischen abstrakten Expressionismus, zu dessen Begründern er zusammen mit Pollock, Arshile Gorky und Rothko gehört. Auch als Kunstkritiker tat er sich hervor. Er schrieb zahlreiche Artikel in Avantgarde-Zeitschriften und gab Bücher wie "Documents of Modern Art" (1944-1961) oder "Documents of 20th Century Art" (1971) heraus. Jahrhunderts" (1971). Er war Mitglied der Redaktion der mit den Surrealisten verbundenen Publikation "VVVV". Motherwells Hauptziel war es, dem Betrachter die geistige und körperliche Auseinandersetzung des Künstlers mit der Leinwand zu zeigen. Er verwendete die Härte der Farbe Schwarz als Grundelement; eine seiner bekanntesten Techniken bestand darin, die Farbe mit Terpentin zu verdünnen, um einen Schatteneffekt zu erzeugen. Seine Gemäldeserie "Elegies to the Spanish Republic" (Elegie an die spanische Republik) gilt als sein bedeutendstes Projekt. Unter seinen zahlreichen Ausstellungen ist seine Teilnahme an der wichtigsten surrealistischen Ausstellung in den Vereinigten Staaten hervorzuheben, die von André Breton, Marcel Duchamp und dem Galeristen Sidney Janis in der Whitelaw Reid Mansion (Manhattan-1942) organisiert wurde. Auch die Ausstellung in der Galerie "Art of this Century" (New York) im Jahr 1943 unter der Leitung von Peggy Guggenheim, an der er zusammen mit Jackson Pollock und Baziotes teilnahm. Im darauffolgenden Jahr erwarb das Museum of Modern Art in New York eines seiner Werke; in der Folge wurde er in mehreren Ausstellungen desselben Museums gezeigt. Im Jahr 1980 hatte Robert Motherwell seine erste Ausstellung in Spanien in der Fundación Juan March (Madrid). 1986 erhielt er die Goldmedaille für Verdienste um die schönen Künste, die höchste kulturelle Auszeichnung Spaniens. 1989 wurde ihm die National Medal of Arts der Vereinigten Staaten verliehen. Das Museum of Modern Art in Fort Worth (USA) beherbergt die größte Sammlung von Werken Motherwells. Auch im Empire State Plaza (New York) sind einige seiner Werke zu sehen. Das Walker Art Center (Minneapolis, USA) verfügt über eine fast vollständige Sammlung seiner Grafiken. Darüber hinaus ist er in zahlreichen Museen, öffentlichen und privaten Sammlungen sowie in den renommiertesten Galerien der Welt vertreten.

Stima 25 000 - 30 000 EUR

Lotto 75 - DAMIEN HIRST (Bristol, UK, 1965). "Kynance Cove" aus der Serie "Where the Land Meets the Sea". Giclée-Druck, kaschiert auf Aluminiumverbundplatte. Nummer der Auflage: 296/411. Heni Editions, 2023. Katalognummer: H13-3. Mit Auflagenangabe auf der Rückseite und handsigniert vom Künstler. Maße: 120 x 90 cm. Die abstrakte und zeitgenössische Version von Kynance Cove, an der Ostseite der Mount's Bay in Cornwall (England) gelegen, ist die Hauptrolle in diesem Giclée-Druck. Er gehört zur Serie der "Coast Paintings", so genannte "abstrakte Action"-Gemälde, die nach britischen Küstenorten benannt sind und die Hirst während der Arbeit an seiner gefeierten Cherry Blossoms-Serie entwickelte. Damien Hirst wurde am 7. Juni 1965 in Bristol in einer wirtschaftlich schwierigen Vorstadtumgebung geboren. Seinen leiblichen Vater hat er nie kennen gelernt, und seine Mutter heiratete einen Autoverkäufer, der sie verließ, als Hirst 13 Jahre alt war. Seine Mutter, eine Amateurkünstlerin und gläubige Christin, kümmerte sich um ihn, aber da sein Vater ihn verlassen hatte, musste er von der Pike auf erzogen werden, was vielleicht der Hauptgrund dafür ist, dass Damien Hirst behauptet, Kunst sei klassenlos. Er studierte an der Universität von Leed und arbeitete gleichzeitig in der örtlichen Leichenhalle, die er später verließ, um nach London zu ziehen. Während dieser Zeit arbeitete er auf dem Bau und bewarb sich an verschiedenen Kunstschulen wie St. Martins oder der Fakultät von Wales. Schließlich wurde er am Golsdmiths College angenommen, das zur gleichen Zeit und aufgrund der wirtschaftlichen Rezession in England eine Schule war, die begabte Studenten und kreative Dozenten anzog. Während des Studiums finanzierte Hirst seine Ausgaben durch die Arbeit an Telefonumfragen, was direkt auf seine Fähigkeit zurückzuführen ist, am Telefon jede Emotion vorzutäuschen. Während seines Studiums arbeitete er auch bei McDonald's und in Teilzeit in der Galerie Anthony D'Ofray, wo er die Mechanismen des Kunstmarktes kennenlernte. Bereits in seinem zweiten Studienjahr übernahm Hirst die Rolle des Künstlers und Kurators und schaffte es, eine Ausstellung zu machen, die den Kurs der britischen Kunst verändern sollte, es war seine erste Einzelausstellung mit nur 26 Jahren. Vier Jahre später, 1995, erhielt er seine zweite Nominierung für den Turner Prize für Mother and Child. Im Alter von 32 Jahren bot ihm die Larry Gagosian Gallery eine große Retrospektive an, woraufhin er erklärte, er habe keinen Platz mehr, um auszustellen, er habe alles und zu schnell gemacht. So tauften ihn die Medien bald auf den Namen Hooligan-Genie. Obwohl er im Alter von 40 Jahren zum Millionär wurde, wurde Hirsts Überempfindlichkeit verdächtig; eingehüllt in eine Aura von Romantik, ließ er die Revolutionierung der Kunstwelt leicht aussehen. Damien Hirsts Werke befinden sich unter anderem im MoMA in New York, in der Tate Gallery und im Victoria & Albert Museum in London, im Palazzo Gras in Venedig, im Kunstmuseum Wolfsburg (Deutschland), im Hirshhorn in Washington D.C. und in der Neuen Galerie in Graz (Österreich), sowie in anderen wichtigen öffentlichen und privaten Sammlungen.

Stima 7 000 - 8 000 EUR

Lotto 76 - JOAN MIRÓ I FERRÀ (Barcelona, 1893 - Palma de Mallorca, 1983). "Miró, Museum für Moderne Kunst Mexiko". 1980. Lithographie auf Arches-Pergament, Exemplar 2/100. Mit Bleistift signiert, gewidmet, datiert und nummeriert. Herausgeber: Museo de Arte Moderno de México. Drucker: Litografías Artística Damià Caus, Barcelona. Reproduziert in Maeght Editeur "Miró Litógrafo VI", S. 148. Maße: 76 x 56 cm; 97 x 77 x 4 cm (Rahmen). Diese auf einhundert Exemplare limitierte Lithografie von Miró wurde für das Plakat zur Ankündigung der Ausstellung von Joan Miró im Bosque de Chapultepec im Frühjahr 1980 im Museum of Modern Art verwendet. Monde, Sterne, auf wenige Striche in dickem Schwarz reduzierte Figuren, die in ihrem Inneren Primärfarben einschließen... fassen einige der Seelenkonstellationen von Joan Miró zusammen, die in diesem Bild versammelt sind. Joan Miró wurde in Barcelona ausgebildet und debütierte 1918 in den Galerien von Dalmau. 1920 zog er nach Paris und lernte Picasso, Raynal, Max Jacob, Tzara und die Dadaisten kennen. Dort entwickelt er unter dem Einfluss surrealistischer Dichter und Maler seinen Stil weiter; er versucht, die surrealistische Poesie, die auf Erinnerung, Fantasie und dem Irrationalen beruht, auf das Visuelle zu übertragen. Seine dritte Ausstellung in Paris im Jahr 1928 ist sein erster großer Erfolg: das Museum of Modern Art in New York erwirbt zwei seiner Werke. 1941 kehrte er nach Spanien zurück, und noch im selben Jahr widmete ihm das Museum eine Retrospektive, die seine endgültige internationale Anerkennung finden sollte. Im Laufe seines Lebens erhielt er zahlreiche Auszeichnungen, darunter die Großen Preise der Biennale von Venedig und der Guggenheim-Stiftung, den Carnegie-Preis für Malerei, die Goldmedaillen der Generalitat de Catalunya und der Schönen Künste, und wurde von den Universitäten Harvard und Barcelona zum Doctor Honoris Causa ernannt. Seine Werke sind derzeit in der Stiftung Joan Miró in Barcelona, im Museum Thyssen-Bornemisza, im MoMA in New York, im Museum Reina Sofía in Madrid, in der National Gallery in Washington, im MNAM in Paris und in der Albright-Knox Art Gallery in Buffalo zu sehen.

Stima 5 000 - 6 000 EUR

Lotto 77 - ANTONI TÀPIES PUIG (Barcelona, 1923 - 2012). "El cap", 1987. Kupferstich, Kopie HC 11/15. Mit Bleistift signiert und begründet. Maße: 98 x 130 cm.(Druck); 135 x 168 cm.(Rahmen). Einige der plastischen Untersuchungen von Tàpies aus den achtziger Jahren laufen in "El Cap" zusammen: Numerologie und Alchemie (Progression und Sequenz, die in den Zahlen 1, 2, 3, 4 kodiert sind), das griechische Kreuz (mit seinem spirituellen Sinn jenseits des christlichen Dogmas, der der Idee der Überschneidung und der persönlichen Identität hinzugefügt wird) und die Betonung der Null als Symbol der Leere und der Fülle, des Zyklus und der Ewigkeit, d.h. der Konjugation von Gegensätzen. Die Kalligraphie in schwarzen Strichen schließlich widersetzt sich der Lesbarkeit, um die Textur und das Rätselhafte des Textes zu betonen. Als Mitbegründer von "Dau al Set" im Jahr 1948 begann Tàpies, in den Salones de Octubre in Barcelona sowie im Salón de los Once in Madrid 1949 auszustellen. Nach seiner ersten Einzelausstellung in den Galerien Layetanas reist er 1950 mit einem Stipendium des Institut Français nach Paris. Im Jahr 1953 hatte er eine Einzelausstellung in der New Yorker Galerie von Martha Jackson. Von da an fanden seine Ausstellungen, sowohl Kollektiv- als auch Einzelausstellungen, in der ganzen Welt statt, in herausragenden Galerien und in Museen wie dem Guggenheim in New York oder dem Museum für moderne Kunst in Paris. Seit den siebziger Jahren wurden ihm Anthologien in Tokio, New York, Rom, Amsterdam, Madrid, Venedig, Mailand, Wien und Brüssel gewidmet. Als Autodidakt hat Tàpies seinen eigenen Stil innerhalb der Avantgarde-Kunst des 20. Jahrhunderts geschaffen, der Tradition und Innovation in einem abstrakten, aber symbolträchtigen Stil verbindet und dem materiellen Substrat des Werks große Bedeutung beimisst. Erwähnenswert ist der ausgeprägte spirituelle Sinn, den der Künstler seinem Werk verleiht, in dem der materielle Träger über seinen Zustand hinausgeht, um eine tiefgreifende Analyse des menschlichen Zustands darzustellen. Das Werk von Tàpies wurde international hoch geschätzt und in den renommiertesten Museen der Welt ausgestellt. Im Laufe seiner Karriere hat er zahlreiche Preise und Auszeichnungen erhalten, darunter den Praemium Imperiale von Japan, den Nationalen Kulturpreis, den Großen Preis für Malerei in Frankreich, die Wolf-Stiftung der Künste (1981), die Goldmedaille der Generalitat de Catalunya (1983), den Prinz-von-Asturien-Preis für die Künste (1990), die Picasso-Medaille der Unesco (1993) und den Velázquez-Preis für plastische Kunst (2003). Antoni Tàpies ist in bedeutenden Museen auf der ganzen Welt vertreten, so in der nach ihm benannten Stiftung in Barcelona, im Reina Sofía in Madrid, im Guggenheim in Berlin, Bilbao und New York, im Fukoka Art Museum in Japan, im MoMA in New York und in der Tate Gallery in London.

Stima 7 000 - 9 000 EUR

Lotto 78 - JAUME PLENSA (Barcelona, 1955). "Wunderbar, das Gespräch, das wir nicht führen". Lithographie auf Zinkplatte und Polymerradierung auf japanischem Arakaji-Papier. Exemplarisches E.A. Signiert und gerechtfertigt. Maße: 77 x 50 cm. Jaume Plensa studierte an der Schule von La Llotja und an der Hochschule der Schönen Künste von Sant Jordi, beide in Barcelona. Er zeichnete sich in den Bereichen Bildhauerei, Zeichnung und Gravur aus. Sein Werk konzentriert sich auf die Beziehung zwischen dem Menschen und seiner Umwelt, wobei er häufig die Rolle der Kunst in der Gesellschaft und die Stellung des Künstlers hinterfragt. Er lebt heute in Paris und wurde kürzlich von der School of the Art Institute of Chicago mit der Ehrendoktorwürde ausgezeichnet. Plensa begann seine Karriere mit Schmiedeeisen, das er mit Polyester mischte. Zwischen 1983 und 1984 begann er, Eisen mit der Gusstechnik zu formen, und entwickelte ein skulpturales Konzept, das auf zoomorphen Elementen basiert. Sein Werk entwickelte sich schrittweise weiter und gilt heute als Vorläufer des spanischen Neo-Expressionismus. In den neunziger Jahren veränderte er sein Werk sowohl in materieller als auch in formaler Hinsicht und begann, verschiedene Materialien wie Metallschrott, Polyester und Harze zu verwenden. In diesen Jahren arbeitete er Serien von Wänden, Türen und architektonischen Konstruktionen aus und versuchte, dem Raum eine absolute Hauptrolle zu geben. Zwischen 1999 und 2003 wurde Plensa zu einer der Säulen der internationalen Szenografie, indem er mit "La Fura dels Baus" vier klassische Opern von Falla, Debussy, Berlioz und Mozart neu interpretierte und allein eine zeitgenössische Theaterproduktion, "La pareti della solitudine", von Ben Jelloun aufführte. Er hatte Einzel- und Gruppenausstellungen in der ganzen Welt, darunter eine Retrospektive im Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía im Jahr 2000. Im Juni 2008 weihte er in London am Hauptsitz der BBC sein Werk Breathing" ein, ein Denkmal für Journalisten, die bei der Ausübung ihres Berufs ums Leben kamen. Im Laufe seiner Karriere hat er zahlreiche Auszeichnungen erhalten, darunter 1993 die Medaille des Ritters der Künste und des Schrifttums, verliehen vom französischen Kulturministerium, oder 1997 den Nationalpreis für plastische Kunst der Generalitat von Katalonien. Er gilt als einer der führenden Vertreter der neuen spanischen Kunst des Expressionismus und seine Werke sind in den besten nationalen und internationalen Galerien und Kunstmessen sowie in den wichtigsten Museen Europas und der Vereinigten Staaten ausgestellt, wie dem MOMA in New York, dem Kemper in Kansas, dem Museo Patio Herreriano in Valladolid, dem Palazzo Forti in Verona, dem MACBA oder dem Museo Reina Sofía in Madrid.

Stima 1 500 - 1 800 EUR

Lotto 79 - JAUME PLENSA (Barcelona, 1955). "Arcano", 2015. Lithografie und Radierung auf Somerset-Papier, Signiert und datiert von Hand. Maße: 70 x 50 cm (Druck); 86 x 65 cm (Papier). Jaume Plensa studierte an der Schule La Llotja und an der Hochschule der Schönen Künste von Sant Jordi, beide in Barcelona. Er zeichnete sich in den Bereichen Bildhauerei, Zeichnung und Gravur aus. Sein Werk konzentriert sich auf die Beziehung zwischen dem Menschen und seiner Umwelt, wobei er häufig die Rolle der Kunst in der Gesellschaft und die Stellung des Künstlers hinterfragt. Er lebt heute in Paris und wurde kürzlich von der School of the Art Institute of Chicago mit der Ehrendoktorwürde ausgezeichnet. Plensa begann seine Karriere mit Schmiedeeisen, das er mit Polyester mischte. Zwischen 1983 und 1984 begann er, Eisen mit der Gusstechnik zu formen, und entwickelte ein skulpturales Konzept, das auf zoomorphen Elementen basiert. Sein Werk entwickelte sich schrittweise weiter und gilt heute als Vorläufer des spanischen Neo-Expressionismus. In den neunziger Jahren veränderte er sein Werk sowohl in materieller als auch in formaler Hinsicht und begann, verschiedene Materialien wie Metallschrott, Polyester und Harze zu verwenden. In diesen Jahren arbeitete er Serien von Wänden, Türen und architektonischen Konstruktionen aus und versuchte, dem Raum eine absolute Hauptrolle zu geben. Zwischen 1999 und 2003 wurde Plensa zu einer der Säulen der internationalen Szenografie, indem er mit "La Fura dels Baus" vier klassische Opern von Falla, Debussy, Berlioz und Mozart neu interpretierte und allein eine zeitgenössische Theaterproduktion, "La pareti della solitudine", von Ben Jelloun aufführte. Er hatte Einzel- und Gruppenausstellungen in der ganzen Welt, darunter eine Retrospektive im Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía im Jahr 2000. Im Juni 2008 weihte er in London am Hauptsitz der BBC sein Werk Breathing" ein, ein Denkmal für Journalisten, die bei der Ausübung ihres Berufs ums Leben kamen. Im Laufe seiner Karriere hat er zahlreiche Auszeichnungen erhalten, darunter 1993 die Medaille des Ritters der Künste und des Schrifttums, verliehen vom französischen Kulturministerium, oder 1997 den Nationalpreis für plastische Kunst der Generalitat von Katalonien. Er gilt als einer der führenden Vertreter der neuen spanischen Kunst des Expressionismus und seine Werke sind in den besten nationalen und internationalen Galerien und Kunstmessen sowie in den wichtigsten Museen Europas und der Vereinigten Staaten ausgestellt, wie dem MOMA in New York, dem Kemper in Kansas, dem Museo Patio Herreriano in Valladolid, dem Palazzo Forti in Verona, dem MACBA oder dem Museo Reina Sofía in Madrid.

Stima 1 500 - 2 000 EUR

Lotto 80 - JAUME PLENSA (Barcelona, 1955). Ohne Titel, ca. 1980 Radierung, Kopie P.A. Mit Bleistift signiert und gerechtfertigt. Maße: 57 x 28 cm (Druck); 67 x 51,5 cm (Papier); 78 x 62 cm (Rahmen). Jaume Plensa studierte an der Schule La Llotja und an der Hochschule der Schönen Künste von Sant Jordi, beide in Barcelona. Er zeichnete sich in den Bereichen Bildhauerei, Zeichnung und Gravur aus. Sein Werk konzentriert sich auf die Beziehung zwischen dem Menschen und seiner Umwelt, wobei er häufig die Rolle der Kunst in der Gesellschaft und die Stellung des Künstlers hinterfragt. Er lebt heute in Paris und wurde kürzlich von der School of the Art Institute of Chicago mit der Ehrendoktorwürde ausgezeichnet. Plensa begann seine Karriere mit Schmiedeeisen, das er mit Polyester mischte. Zwischen 1983 und 1984 begann er, Eisen mit der Gusstechnik zu formen, und entwickelte ein skulpturales Konzept, das auf zoomorphen Elementen basiert. Sein Werk entwickelte sich schrittweise weiter und gilt heute als Vorläufer des spanischen Neo-Expressionismus. In den neunziger Jahren veränderte er sein Werk sowohl in materieller als auch in formaler Hinsicht und begann, verschiedene Materialien wie Metallschrott, Polyester und Harze zu verwenden. In diesen Jahren arbeitete er Serien von Wänden, Türen und architektonischen Konstruktionen aus und versuchte, dem Raum eine absolute Hauptrolle zu geben. Zwischen 1999 und 2003 wurde Plensa zu einer der Säulen der internationalen Szenografie, indem er mit "La Fura dels Baus" vier klassische Opern von Falla, Debussy, Berlioz und Mozart neu interpretierte und allein eine zeitgenössische Theaterproduktion, "La pareti della solitudine", von Ben Jelloun aufführte. Er hatte Einzel- und Gruppenausstellungen in der ganzen Welt, darunter eine Retrospektive im Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía im Jahr 2000. Im Juni 2008 weihte er in London am Hauptsitz der BBC sein Werk Breathing" ein, ein Denkmal für Journalisten, die bei der Ausübung ihres Berufs ums Leben kamen. Im Laufe seiner Karriere hat er zahlreiche Auszeichnungen erhalten, darunter 1993 die Medaille des Ritters der Künste und des Schrifttums, verliehen vom französischen Kulturministerium, oder 1997 den Nationalpreis für plastische Kunst der Generalitat von Katalonien. Er gilt als einer der führenden Vertreter der neuen spanischen Kunst des Expressionismus und seine Werke sind in den besten nationalen und internationalen Galerien und Kunstmessen sowie in den wichtigsten Museen Europas und der Vereinigten Staaten ausgestellt, wie dem MOMA in New York, dem Kemper in Kansas, dem Museo Patio Herreriano in Valladolid, dem Palazzo Forti in Verona, dem MACBA oder dem Museo Reina Sofía in Madrid.

Stima 1 500 - 2 000 EUR

Lotto 81 - JAUME PLENSA (Barcelona, 1955). "Carl Orff", ca. 1980 Prägestich auf Japan-Bütten, Exemplar 13/50. Mit Bleistift signiert und gerechtfertigt. Maße: 97 x 61 cm (Druck); 113 x 77 cm (Rahmen). Jaume Plensa studierte an der Schule La Llotja und an der Hochschule der Schönen Künste von Sant Jordi, beide in Barcelona. Er zeichnete sich in den Bereichen Bildhauerei, Zeichnung und Gravur aus. Sein Werk konzentriert sich auf die Beziehung zwischen dem Menschen und seiner Umwelt, wobei er häufig die Rolle der Kunst in der Gesellschaft und die Stellung des Künstlers hinterfragt. Er lebt heute in Paris und wurde kürzlich von der School of the Art Institute of Chicago mit der Ehrendoktorwürde ausgezeichnet. Plensa begann seine Karriere mit Schmiedeeisen, das er mit Polyester mischte. Zwischen 1983 und 1984 begann er, Eisen mit der Gusstechnik zu formen, und entwickelte ein skulpturales Konzept, das auf zoomorphen Elementen basiert. Sein Werk entwickelte sich schrittweise weiter und gilt heute als Vorläufer des spanischen Neo-Expressionismus. In den neunziger Jahren veränderte er sein Werk sowohl in materieller als auch in formaler Hinsicht und begann, verschiedene Materialien wie Metallschrott, Polyester und Harze zu verwenden. In diesen Jahren arbeitete er Serien von Wänden, Türen und architektonischen Konstruktionen aus und versuchte, dem Raum eine absolute Hauptrolle zu geben. Zwischen 1999 und 2003 wurde Plensa zu einer der Säulen der internationalen Szenografie, indem er mit "La Fura dels Baus" vier klassische Opern von Falla, Debussy, Berlioz und Mozart neu interpretierte und allein eine zeitgenössische Theaterproduktion, "La pareti della solitudine", von Ben Jelloun aufführte. Er hatte Einzel- und Gruppenausstellungen in der ganzen Welt, darunter eine Retrospektive im Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía im Jahr 2000. Im Juni 2008 weihte er in London am Hauptsitz der BBC sein Werk Breathing" ein, ein Denkmal für Journalisten, die bei der Ausübung ihres Berufs ums Leben kamen. Im Laufe seiner Karriere hat er zahlreiche Auszeichnungen erhalten, darunter 1993 die Medaille des Ritterordens der Künste und des Schrifttums, verliehen vom französischen Kulturministerium, oder 1997 den Nationalpreis für plastische Kunst der Generalitat von Katalonien. Er gilt als einer der führenden Vertreter der neuen spanischen Kunst des Expressionismus. Seine Werke sind in den besten nationalen und internationalen Galerien und Kunstmessen sowie in den wichtigsten Museen Europas und der Vereinigten Staaten ausgestellt, wie dem MOMA in New York, dem Kemper in Kansas, dem Museo Patio Herreriano in Valladolid, dem Palazzo Forti in Verona, dem MACBA oder dem Museo Reina Sofía in Madrid.

Stima 2 000 - 2 500 EUR

29. Juli - Ikonische Fotografien und grafische Arbeiten

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