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6月 13日 星期四 ： : 12:45 (CEST)

6 月 13 日 - 当代艺术

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编号 1 - 赫尔穆特-纽顿（HELMUT NEWTON，德国，1920- 2004 年，加利福尼亚）。 "大型裸体 I：丽莎》，巴黎，1980 年。 明胶银版。 用铅笔注明签名、标题、日期和编号 8/10。 出处：纽约 Alona Kagan 画廊：纽约 Alona Kagan 画廊。 尺寸：54.2 x 49.2 厘米：54.2 x 49.2 厘米。 20 世纪 80 年代，赫尔穆特-牛顿凭借他的 "大裸体 "作品，创造了前所未有的长期销售佳绩。同时，他也为自己的美学计划提供了一个集中的形象。女强人们赤裸裸地展现在人们面前，没有无花果树叶，也没有时髦的装饰。1979年至1981年间拍摄的这组黑白照片也标志着牛顿作品风格的转变。充满奢华和颓废的精心设计让位于不朽和明确的宣言。 牛顿出生于柏林，曾就读于海因里希-冯-特赖茨克皇家中学和柏林美国学校。纽顿的父亲因纽伦堡法律对犹太人的限制日益严厉而失去了对工厂的控制；他在水晶之夜被短暂关押在集中营，最终全家被迫离开德国。牛顿的父母逃往阿根廷。最后，他来到新加坡，发现自己可以留在那里，先是短暂地担任《海峡时报》的摄影师，后来又成为一名肖像摄影师。牛顿在新加坡时被英国当局拘留，后被送往澳大利亚，乘坐玛丽皇后号于 1940 年 9 月 27 日抵达悉尼。1942 年，他从拘留所获释，并在维多利亚州北部做了一段时间的水果采摘工。1942 年 4 月，他应征加入澳大利亚军队，成为一名卡车司机。1945 年战争结束后，他成为英国人，并于 1946 年改名为牛顿。同年，牛顿在墨尔本弗林德斯巷成立了工作室，战后从事时尚、戏剧和工业摄影。1953 年 5 月，他与沃尔夫冈-西弗斯（Wolfgang Sievers）共同举办了首次联合展览，"摄影新视野 "展在柯林斯街的联邦酒店展出，这可能是澳大利亚新客观主义摄影的首次亮相。牛顿与亨利-塔尔博特（Henry Talbot）建立了联系，亨利-塔尔博特是一名德国犹太人，也曾被关押在塔图拉（Tatura），他与工作室的联系一直持续到 1957 年他离开澳大利亚前往伦敦之后。工作室更名为 "赫尔穆特-牛顿和亨利-塔尔博特"。牛顿作为时尚摄影师的声誉日益提高，1956 年 1 月，他获得了为《Vogue》杂志澳大利亚特刊拍摄时尚插图的委托。他赢得了与英国《Vogue》为期 12 个月的合同，并于 1957 年 2 月前往伦敦，留下塔尔博特管理公司业务。牛顿在合同结束前离开了杂志社，前往巴黎为法国和德国的杂志工作。1959 年 3 月，他回到墨尔本，为澳大利亚《时尚》杂志工作。1961 年，牛顿和妻子最终定居巴黎。他的作品出现在法国版《Vogue》和《Harper's Bazaar》等杂志上。他的作品以情色和风格化场景为特色，往往带有恋物癖的潜台词，从而形成了自己独特的风格。1980 年，他创作了 "大裸体 "系列。随后，他又创作了 "裸体与衣着 "作品集，1992 年的 "家庭裸体 "标志着他的情色都市风格达到了顶峰。牛顿还创作了更具幻想色彩的肖像画和研究作品。他为《花花公子》拍摄了一系列插图，包括纳斯塔西亚-金斯基（Nastassja Kinski）和克里斯汀-德贝尔（Kristine DeBell）的插图。

估价 18 000 - 20 000 EUR

编号 2 - 费尔南多-佐贝尔（FERNANDO ZÓBEL，菲律宾马尼拉，1924 年-意大利罗马，1984 年）。 "Los hocinos》，21-11-1979。 布面油画。 右角有签名。背面有签名和标题。 作品参考了艺术家费尔南多-佐贝尔的作品目录，参考编号 79-78，第 598 页。79-78，第 598 页。 费尔南多-佐贝尔在《El cuaderno de picture》一书中提到的作品："El cuaderno de Zóbel, Mancha gris a la derecha"。 尺寸：80 x 100 厘米；83 x 103 厘米：80 x 100 厘米；83 x 103 厘米（框架）。 1971 年，费尔南多-佐贝尔（Fernando Zóbel）开始了他多产的创作之路，昆卡的自然景观，尤其是韦卡尔河和尤卡尔河的峡谷是他无可争议的主角。他的研究持续了整整十年，成为他绘画中反复出现的主题，直到他去世前不久。艺术家通过照片、水彩画和素描捕捉他的沉思印象，并以此为基础开始创作更大型的作品。在这幅佐贝尔为 "Los hocinos "谱写不朽篇章的作品中，他强调反射的运用，以及基于柔和、空灵范围的色调和谐，辅以线性元素，构成了作品的尺寸和绘画空间。他的作品从现实中的物质景观出发，走向抽象概念，将虚构与现实、绘画与象形等不同元素融合在一起，从而形成了一幅极富抒情内容的作品。 费尔南多-佐贝尔是西班牙二十世纪最杰出的画家之一，历史学家、赞助人、大学教授或收藏家，这些都是与他的形象相对应的形容词。费尔南多-佐贝尔是西班牙二十世纪最杰出的画家之一，他个性的形成和培养从未间断，这突出表现在他对书籍的热爱上。他在菲律宾学医，毕业于美国哈佛大学哲学和艺术系，此时，他开始对受波士顿画派影响的绘画世界产生兴趣并参与其中，波士顿画派的调色板显示出几乎纯粹的色彩，并以非常明显的素描为框架。因此，1951 年，他在马尼拉雅典耀大学担任美术教席。佐贝尔的演变和发展个人艺术语言的需要，使他开始探索受罗斯科影响的抽象主义世界，或波洛克或德库宁的表现主义，创作出非常有效的非具象方案。此外，他还对东方文化产生了极大的影响和兴趣，他参与了在菲律宾卡拉塔甘半岛发现的中国考古发掘工作，从而增强了这种渴望。正如前文所说，佐贝尔的作品来自东方，东方书法的线条蜿蜒曲折，非常优雅，在我们所关注的作品中，我们可以欣赏到他之前一丝不苟、深思熟虑的工作。在他看似随性的绘画中，没有任何偶然性，所有作品都包含了一段时间的思考和先前的执行，因为正如他所说的那样，"我的创作过程就是写生的过程："我的创作过程就是草图、素描、速写和绘画的过程"，这种规划的结果是通过运动、线条、速度、空间和光线形成完美的场景。他的作品被多家重要博物馆收藏，如巴利亚多利德西班牙当代艺术博物馆、波士顿美术博物馆、索菲亚王后国家艺术中心博物馆、毕尔巴鄂贝拉斯艺术博物馆、纽约布鲁克林艺术博物馆、巴塞罗那当代艺术博物馆、巴塞罗那当代艺术博物馆、巴塞罗那当代艺术博物馆、巴塞罗那当代艺术博物馆、巴塞罗那当代艺术博物馆、巴塞罗那当代艺术博物馆、巴塞罗那当代艺术博物馆、巴塞罗那当代艺术博物馆、巴塞罗那当代艺术博物馆、巴塞罗那当代艺术博物馆、巴塞罗那当代艺术博物馆、巴塞罗那当代艺术博物馆、巴塞罗那当代艺术博物馆、纽约布鲁克林艺术博物馆、内布拉斯加州奥马哈市乔斯林艺术博物馆、美国西班牙裔协会，以及大通曼哈顿银行、马德里 AENA 当代艺术收藏馆和巴塞罗那乌尔基霍银行等收藏机构。

估价 140 000 - 160 000 EUR

编号 3 - 洛洛-索德维尔拉（Pinar del Río，古巴，1901-1971 年，哈瓦那）。 无题》，约创作于 1950 年代。 铁质雕塑。 底座上有签名。 附有玛莎-弗洛拉-卡兰萨签发的证书。 尺寸：56 x 35 x 7 厘米：56 x 35 x 7 厘米。 洛洛-索德维利亚（Loló Sodevilla）的铁质雕塑作品，带有齿轮和齿状部件，似乎是在向无畏的达达主义和新达达主义机器致敬，充满诗意又功能失调。索尔德维拉经常为这些作品赋予动感。在其他情况下，运动是潜在的，而不是物理的，这增加了想象力的锻炼，就像在这件作品中一样。 洛洛-索尔德维利亚最初是一名画家，20 世纪 40 年代转而学习雕塑。1949 年，她在巴黎大乔米埃尔学院学习雕塑。洛洛-索尔德维利亚被认为是几何抽象派和动感派的代表人物之一，这不仅是因为她在艺术生涯中取得的成就，还因为她在古巴国内外推广古巴艺术的努力。他始终通过自己的艺术在国内外表现出政治参与性，在内战爆发后积极参与了帮助西班牙共和国的运动。在他的艺术生涯中，不仅在风格上，而且在技术上，他始终坚持实验，创作了雕塑、雕刻和绘画等不同媒介的作品。他的艺术生涯始于 1948 年，这是受他与 Wifredo Lam 的友谊的影响，后者鼓励并支持他开始进入绘画世界。1949 年，他定居巴黎，在巴黎大夏美尔学院学习，并经常前往古巴展出自己的作品。1951 年，她进入 Dewasne 和 Pillet 的工作室，在那里待了两年，并参加了 Hayter 和 Cochet 的雕刻技术课程，保持并促进了与巴黎画派的创作交流。她与七月二十六日运动联系在一起，被迫过着秘密的生活，因为在革命前时期，她曾与《Diario de la Marina》、《Carteles》、《Información》、《El País》、《Avance》、《Porvenir》、《Tiempo en Cuba》和《Survey》以及巴黎的《Combat》和《Arts》等刊物合作。1959 年革命胜利后，她加入《革命》报担任编辑。1960-61 学年，她在哈瓦那大学建筑学院担任造型艺术教授。从那时起，多洛雷斯-索尔德维利亚将自己的艺术生涯与在哈瓦那大学建筑学院和《格拉玛报》的教学工作结合起来。由于她的美学方法，出现了 Grupo Espacio，她还是 Diez Pintores Concretos 小组的成员；她是 UPEC 和 UNEAC 的成员，并在波西米亚进行过合作。在他的一生中，他的作品曾在古巴美术馆、加拉加斯（委内瑞拉）、巴黎、巴伦西亚、巴利亚多利德（西班牙）、捷克斯洛伐克等相关艺术场所展出，在全球范围内获得了广泛认可。如今，他的作品被世界各地的众多私人收藏以及古巴国家美术博物馆（主要藏品收藏于此）等机构收藏。

估价 10 000 - 12 000 EUR

编号 4 - "KAWS"，布莱恩-唐纳利（新泽西州，1974 年）。 "4FT Companion XXL"，2007 年。为 Medicom Toy 设计。 涂漆铸造乙烯基。 尺寸：128 x 60 x 30 厘米：128 x 60 x 30 厘米。 美国艺术家 KAWS 最具代表性的雕塑作品 "4FT Companion "在这款由 Medicom Toy 生产的 XXL 比例的作品中得到了体现。这个圆头大耳的形象似乎既受到米老鼠的启发，又超越了米老鼠，米老鼠的卡通眼睛被一对 X 取代。对于 KAWS 作品的意义，人们可以做出各种解释。它可以被视为对流行文化和消费主义的批判。眼睛中的 X 也可以象征审查制度或精神盲点。不过，这件作品也可以被视为对童年和怀旧的赞美。 布莱恩-唐纳利（Brian Donnelly），职业名 Kaws（造型名 KAWS），美国艺术家和设计师。他的作品中反复使用各种形象化的人物和图案，其中一些可以追溯到 20 世纪 90 年代他的职业生涯之初，最初以二维绘制，后来以三维实现。Kaws 的雕塑作品大小不一，从几厘米到十米高不等，由玻璃纤维、铝、木材、青铜和充气钢浮筏等各种材料制成。他的作品在画廊和博物馆展出，被公共机构永久收藏，并被个人热衷收藏，其中包括音乐制作人 Swizz Beatz 和说唱歌手 Pharrell Williams。他还出版了多本作品插图书籍。他在纽约布鲁克林生活和工作，创作雕塑、帆布丙烯画和丝网印刷品，同时也进行商业合作，主要是制作限量版玩具，也制作服装、滑板和其他产品。Kaws 作品的特点是强调色彩和线条、独特的图形（如在手部和眼睛中反复使用 "x"）以及对流行文化标志的再利用，如米老鼠、米其林人、蓝精灵、史努比和海绵宝宝。史努比和海绵宝宝。他笔下的人物通常都是一副胆怯或无助的姿态，常常用手遮住眼睛。

估价 40 000 - 50 000 EUR

编号 5 - 戈特弗里德-洪格尔（GOTTFRIED HONEGGER，苏黎世，1917-2016）。 无题。1997. 黄色漆钢。 底座上有签名和年代。 尺寸：24.8 x 49 x 6 厘米。 在其雕塑和绘画作品中，戈特弗里德-霍内格始终忠实于提奥-范-多斯堡（Theo van Doesburg）于 1930 年提出的 "具体艺术 "假设。在本作品中，这种隶属关系显而易见：这是一件拱形作品，中间有一个长方形开口，唯一的颜色是亮黄色。霍内格认为，线条、体积和色彩本身就是具体的，抽象艺术必须摆脱与现实的任何象征性联系。 戈特弗里德-霍内格是瑞士艺术家和收藏家。他曾在苏黎世艺术学院学习橱窗设计，1948 年起在该校任教。他早期从事商业平面设计。1955 年至 1958 年，他担任 Geigy 公司的艺术总监。1958 年至 1960 年，他居住在纽约，并在那里举办了首次展览。1961 年，他移居巴黎，专注于绘画，重点探索圆形和方形；从 1968 年开始，他从事雕塑工作。此外，霍内格还在德克萨斯州达拉斯大学担任过一段时间的驻校艺术家。戈特弗里德-霍内格是美国和欧洲公认的最具独创性的混凝土艺术创作者之一。他创作了大量不朽的作品。他的作品围绕同一主题展开：体积、结构、碑....。在保持马克斯-比尔（Max Bill）和洛斯-理查德（Lhose Richard）的具体艺术影响的同时，霍内格在二十世纪六七十年代转向了某种垂直数学编程。计算机的使用使他得以发展自己的造型研究。在法国文化部杰克-朗（Jack Lang）的指导下，他被授予艺术和文学勋章；1999 年，他成为法国荣誉军团成员。1990 年，他与西比尔-阿尔伯斯（Sybil Albers）共同创建了 "简洁艺术空间"（穆昂-萨尔图），该空间由他们的收藏组成。2015 年，巴黎蓬皮杜艺术中心为这位独一无二的艺术家举办了回顾展，他的作品被包括纽约现代艺术博物馆在内的多家大型博物馆收藏。

估价 7 000 - 8 000 EUR

编号 6 - 莉塔-卡贝鲁特（LITA CABELLUT）（韦斯卡省萨里涅纳，1961 年）。 "隐藏的梦想 14》，2014 年。 布面油画。 背面有签名和日期。 尺寸：148 x 150 厘米：148 x 150 厘米。 Lita Cabellut 为我们带来了一幅不朽的肖像画。这位年轻女性的脸庞给人留下了深刻的印象，绿色的眼睛和绽放的红唇与她细腻的肤色形成鲜明对比。这幅画采用了超现实技术，与背景中的非正式主义形成鲜明对比，水滴蜿蜒流过人物，在帽子上迸发。人物和背景获得了磁性质感，唤起了观众触摸画作表面的欲望。卡贝卢特风格所特有的技术复杂性和表现效果，使西班牙人成为国际上最受欢迎的艺术家之一。 丽塔-卡贝卢特出身吉普赛，出生在韦斯卡省萨里涅纳小镇一个功能严重失调的家庭。被父母遗弃后，她在巴塞罗那由祖母抚养长大。拉斯兰布拉斯、博克里亚市场、维尔港和雷阿尔广场，这些地方当时都是外来者、艺术家、演艺界人士和游客的聚集地，这些都是她童年生活的场景，她有阅读障碍，有时需要乞讨。年仅 10 岁时，祖母去世，她被送进孤儿院，13 岁时被一个加泰罗尼亚上层家庭收养。在参观普拉多博物馆时，她发现了戈雅、委拉斯开兹、里贝拉和伦勃朗的画作，这揭示了她的艺术天分，1978 年，她在马斯努市政厅举办了自己的首次画展。1982 年，她随家人移居荷兰，并获得格利特-里特维尔德（Gerrit Rietveld）艺术学院的奖学金，在那里一直学习到 1984 年。荷兰巴洛克艺术大师的绘画对她的艺术创作至关重要，与其说是风格，不如说是技巧。她的作品既有布面油画，也有纸上素描、雕塑、摄影、视觉诗歌或视频艺术。有时，她的作品具有意大利 "buon fresco "壁画的某些特征，或者她在油画中加入了裂纹效果，产生了强烈的造型和视觉冲击力。他的作品中不乏肖像画，其中可以看到伦勃朗、弗朗西斯-培根或杰克逊-波洛克的强烈影响，所有这些作品的特点都是笔触的表现力和对现实的破坏，力求反映模特内心的撕裂。他的主要目标之一是反映暴力、肮脏和残酷，这些有时隐藏在表面的华丽之下，隐藏在瞬息万变和短暂的美丽之下。她的作品被编入作品集或系列，如献给弗里达-卡洛的作品或《人类知识肖像》（2012 年），她在作品中塑造了过去 150 年中文化和科学界最重要的人物，从斯特拉文斯基到玛丽-居里、比利-哈乐黛（Billy Holiday）或费德里科-加西亚-洛尔卡（Federico García Lorca）。这位艺术家参加了在纽约、迪拜、迈阿密、新加坡、香港、伦敦、巴黎、威尼斯、摩纳哥和首尔等大城市举办的众多个展和联展。她曾多次获奖，如 2011 年吉普赛文化研究所颁发的吉普赛文化绘画和造型艺术奖。她也是当前艺术市场上最炙手可热的在世艺术家之一。2015 年，《艺术价格》（Artprice）杂志将她列入 500 位最受欢迎的当代艺术家名单，排名第 333 位，在西班牙艺术家中仅次于米克尔-巴塞洛（Miquel Barceló）和胡安-穆尼奥斯（Juan Muñoz）。

估价 70 000 - 80 000 EUR

编号 7 - 何塞-玛丽亚-西西里亚（JOSE MARIA SICILIA）（马德里，1954 年）。 "Maguelone I》，2005 年。 日本纸水彩画。 附马德里 Estarte 画廊标签。 作品在 "Magelone：Broto, Sicilia, Valente"，Estiarte 画廊，马德里，2006 年。 左下方有签名和标题。 尺寸：51 x 50 厘米；70 x 70 厘米：51 x 50 厘米；70 x 70 厘米（画框）。 光明与黑暗、混沌与宇宙、秩序与偶然，是何塞-玛丽亚-西西利亚（José María Sicilia）生命与艺术哲学的正反面。在这幅大幅作品中，蜡（西西里亚一直认为蜡的造型象征着痕迹、诗意、短暂和记忆）在夜空般的暗色背景上，暗示着宇宙的潜伏和神秘之光。 西西莉亚最初就读于马德里美术学院，1980 年放弃学业，移居巴黎。两年后，他举办了自己的首次个展，风格与当时欧洲流行的新表现主义一脉相承。随后，日常生活中的各种物品成为了他作品的主角。吸尘器、熨斗、剪刀、水桶等，将成为西西里亚新语言的中心，在这种新语言中，质感的处理将具有更大的进步意义。他的作品有静物系列、风景系列，以及最著名的巴士底狱和阿里格尔街区系列，他本人就在那里生活和工作。八十年代中期，他的作品在国内和国际上大放异彩。1986 年，他在纽约的 Blum Helman 画廊展出了一组作品，这组作品显示出他对以往风格的强烈净化，他逐渐摒弃了任何形式上的参照，转向抽象绘画。郁金香 "和 "花朵 "系列体现了这种新风格。九十年代，这种还原主义美学将影响色度范围，留下光在表面反射所暗示的形式。一种具有微妙诗意共鸣的新材料处理方法，以蜡为基础，让花卉主题略微透明，将色彩带回已经完全凝固的作品中。何塞-玛丽亚-西西莉亚曾荣获国家造型艺术奖（1989 年），其作品被收藏于马德里索菲亚王后博物馆、纽约现代艺术博物馆和古根海姆博物馆、波尔多 CAPC 美术馆以及其他许多中心。

估价 2 400 - 2 800 EUR

编号 9 - 安东尼-塔皮斯-普伊格（ANTONI TÀPIES PUIG，巴塞罗那，1923 - 2012）。 "加泰罗尼亚套房"，"Las estampas de la cometa"。 水印版画，副本 3/75。 古斯塔沃-吉利出版社，S.A.，巴塞罗那，1972 年。 亲笔签名和校正。 尺寸：75 x 100 厘米：75 x 100 厘米。 作品转载于《安东尼-塔皮斯。平面作品，1947-1990 年》。阿拉贡政府-萨拉戈萨省政府，1994 年。 安东尼-塔皮斯（Antoni Tàpies）在肺病长期康复期间开始从事艺术创作。他逐渐更加专注于素描和油画，最终放弃了法律专业的学习，全身心地投入到艺术创作中。1948 年，他成为 "Dau al Set "的共同创始人，并开始在巴塞罗那的十月沙龙以及 1949 年在马德里举办的一次沙龙中展出。在 Layetanas 画廊举办首次个人画展后，他于 1950 年获得法国学院奖学金前往巴黎。在这几年中，他开始参加威尼斯双年展，并再次在 Layetanas 举办展览，在芝加哥举办展览后，他于 1953 年在玛莎-杰克逊的纽约画廊举办了个展。从那以后，他的联展和个展遍布世界各地，在纽约古根海姆美术馆和巴黎现代艺术博物馆等著名美术馆和博物馆举办。自七十年代以来，东京（1976 年）、纽约（1977 年和 2005 年）、罗马（1980 年）、阿姆斯特丹（1980 年）、马德里（1980 年）、威尼斯（1982 年）、米兰（1985 年）、维也纳（1986 年）和布鲁塞尔（1986 年）都专门为他出版了选集。塔皮埃斯自学成才，在 20 世纪前卫艺术中创造了自己的风格，将传统与创新结合在一起，风格抽象但充满象征意义，使作品的物质基础具有极大的相关性。值得注意的是，艺术家赋予其作品明显的精神内涵，作品中的物质支撑物超越了自身的状态，寓意着对人类境况的深刻剖析。塔皮斯的作品在国际上享有很高的声誉，曾在世界上最负盛名的博物馆展出。在他的职业生涯中，他获得了无数奖项和荣誉，包括日本皇室勋章、国家文化奖、法国绘画大奖、沃尔夫艺术基金会（1981 年）、加泰罗尼亚自治区金奖（1983 年）、阿斯图里亚斯王子艺术奖（1990 年）、联合国教科文组织毕加索奖章（1993 年）和委拉斯开兹造型艺术奖（2003 年）。塔皮埃斯是加泰罗尼亚文化的忠实捍卫者，他对神秘主义作家拉蒙-卢尔（Ramón Llull）、加泰罗尼亚的罗马式建筑和高迪的建筑非常崇拜。同时，他还欣赏东方艺术和哲学，这些艺术和哲学与他自己的作品一样，模糊了物质与精神、人与自然之间的界限。受佛教的影响，他在画作中展示了肉体和精神上的痛苦是如何与生俱来的。安东尼-塔皮斯的作品被世界各大博物馆收藏，如巴塞罗那以他名字命名的基金会、马德里索菲亚王妃博物馆、柏林、毕尔巴鄂和纽约的古根海姆博物馆、日本福冈美术馆、纽约现代艺术博物馆和伦敦泰特美术馆。

估价 1 200 - 1 500 EUR

编号 10 - 安东尼奥-索拉（ANTONIO SAURA，1930 年生于韦斯卡，1998 年生于昆卡）。 属于 "警句 "文件夹，1972 年。 丝网版画，副本 38/45。 亲笔签名并说明理由。 尺寸：70 x 50 厘米；83 x 61.5 厘米（框架）：70 x 50 厘米；83 x 61.5 厘米（框架）。 安东尼奥-索拉自学成才，1947 年在马德里开始绘画和写作。三年后，他在萨拉戈萨的 Libros 书店举办了首次个人画展，展出了一系列实验性作品（"Constelaciones "和 "Rayogramas"），这些作品是他自 1943 年以来长期卧病期间创作的。1952 年，他在马德里的 Buchholz 书店举办了首次展览，展出了他充满青春活力、梦幻般的超现实主义作品。同年，他第一次来到巴黎，并在那里定居下来。在那里，他的作品受到了米罗和曼-雷等艺术家的影响，他致力于使用各种技法在画布和纸上创作有机绘画。与超现实主义团体的决裂让他得以接触其他创作方式，他开始展示自己作品的演变过程，即用手势笔触和选择性减少的调色板进行瞬间绘画，在线条和色彩的暗示性表达之间，非正式主义起到了误导作用。1957 年，他在巴黎的 Stadler 画廊首次亮相，同年成立了埃尔帕索小组。次年，他与奇利达（Chillida）和塔皮斯（Tàpies）一起参加了威尼斯双年展，并于 1960 年在纽约获得古根海姆奖。1963 年，埃因霍温市立博物馆、鹿特丹美术馆以及布宜诺斯艾利斯和里约热内卢博物馆为他举办了首次回顾展（纸上作品）。绍拉的回顾展贯穿其整个职业生涯，无论是在西班牙还是在欧洲和美洲。1966 年，他在伦敦当代艺术学院举办展览，并参加了卢加诺 "Bianco e Nero "雕刻双年展，获得大奖。第二年，他定居巴黎，但每年夏天都在昆卡工作和度过，昆卡是他早年创作的基本支柱。1968 年，他放弃了油画创作，专门从事纸上作品的创作。1979 年，他在海德堡第一届雕刻双年展上获奖；1981 年，他被授予法国艺术和文学骑士勋章；次年，他被授予美术金奖。他的作品在世界各地展出，并在最重要的国家和国际当代艺术博物馆展出，其中包括柏林新国家美术馆、毕尔巴鄂古根海姆美术馆、索菲亚王后国家艺术中心美术馆、布法罗阿尔布莱特-克诺克斯美术馆、纽约古根海姆美术馆和大都会美术馆、巴黎蓬皮杜艺术中心和伦敦泰特美术馆。

估价 1 600 - 2 000 EUR

编号 11 - TAKASHI MURAKAMI（东京，1962 年）。 "DOB Kun 黑胶 MOMA 版，2019 年。 限量99份。 脚底有出版商和艺术家的印章。 尺寸：19 x 12 x 11 厘米：19 x 12 x 11 厘米。 DOB 是一个大眼睛、大耳朵的卡通人物，有点像西方的米老鼠。在村上的雕塑和绘画作品中，DOB 有多种形态，有天真微笑的 DOB 先生，也有不同形象融合的敌对人物形象。DOB 先生是村上的第一个标志性作品，其灵感来源于动漫人物，这些人物在日本青年文化中享有崇高地位。他的名字是日语俚语 "dobojite "或 "为什么？"的缩写，字面意思是 "为什么？"，并在他的五官中拼写出来，确保我们能认出他，尽管他的外表千变万化。村上不仅在雕塑或绘画中采用 DOB 先生的形象，他还以玩偶、钥匙链、T恤衫、鼠标垫和手表等更商业化的形式出现。艺术家在东京郊外的工作室礼品店出售这些商品，因为在村上看来，竞争激烈的艺术世界教会了他为市场而创作，一个商品化的市场。实际上，这种大量生产社会易于接受的艺术品的想法是一种流行概念。就像他使用 "英雄 "或漫画或城市文化中的人物作为艺术主角一样。然而，村上为所谓的波普提供了一个新的视角。他利用东方文化的元素，带来了一种全新的视角。他成功地将自己的特质引入了西方市场，融入了细小、动态和可识别的元素，这些元素可以被表面上如此不同的两种文化所吸收。这就是为什么他的艺术如此具有突破性。 村上隆是日本战后一代最具影响力的艺术家之一，他曾就读于东京国立美术音乐大学，毕业后获得日本画学位。1990 年，他的伙伴和朋友 Masato Nakamura 向他介绍了当代艺术，1993 年，他创造了自己的另一个自我 "DOB 先生"。随后，他开始在日本国内外被认可，因为他将日本传统艺术、本国当代潮流（动漫、漫画......）和美国文化（主要是流行文化）融为一体。在他的作品中，村上传达了对当前日本社会、日本文化传统的遗产、二战后的演变以及日本与西方世界（尤其是美国）关系的批判性看法。在他的著作中，他创造了 "Superflat"（超扁平）一词来定义他个人的艺术风格，这个词既适合以二维为特征的作品，也批评了艺术的结构本身，模糊了高雅文化和低俗文化之间的界限。事实上，他的作品横跨多种艺术形式，从绘画和雕塑到工业设计、动漫、时装和其他大众文化媒体和商品。他的三部曲展览 "Superflat"（2000 年、2002 年和 2005 年）曾在世界各地的重要艺术中心展出，如东京的 Parco 画廊、洛杉矶的 MOCA、巴黎的卡地亚基金会或伦敦的蛇形画廊。此外，2008 年至 2009 年期间，还在纽约当代艺术馆、布鲁克林博物馆、现代艺术博物馆举办了回顾展。

估价 1 500 - 2 000 EUR

编号 12 - "KAWS"，BRIAN DONNELLY（新泽西州，1974 年）为 Medicom Toy 设计。 "什么派对 公开版。 涂漆乙烯基。 鞋底印有艺术家和出版商的签名。 附原装包装盒。 尺寸：28 x 13 x 9 厘米：28 x 13 x 9 厘米。 这个系列的 "同伴 "可以在 2021 年在纽约布鲁克林博物馆举办的展览 "KAWS：What party"（什么派对）展览中展出，该展览于 2021 年在纽约布鲁克林博物馆举办。展览汇集了著名艺术家 KAWS（布鲁克林人）的 100 多件作品。在 Kaws 设计的众多作品中，"同伴 "最为引人注目，这些人物形象的灵感来自于米老鼠形象，Kaws 从迪斯尼工作室开始了他的动画师生涯，因此对这个形象非常熟悉。他的 "同伴 "也戴着白手套，穿着米老鼠的鞋子，但他们的眼睛不是眼睛，而是两个十字架。他根据流行文化创作的图标不仅集中在米奇的形象上，还有以《星球大战》、《海绵宝宝》或《芝麻街》人物为原型的同伴。 美国艺术家兼设计师 Kaws 以其跨越数十年的独特作品脱颖而出。他的作品包括各种人物和形象图案，有些是他自己创作的，有些则是对现有图标的重新诠释，在当代艺术界留下了独特的印记。Kaws 的雕塑作品呈现出令人印象深刻的多样性，从小巧玲珑到高达十米。他的作品采用玻璃纤维、铝、木材、青铜甚至独创的充气钢制浮筏等材料制成，是技术创新与艺术表现的完美融合。Kaws 的作品在美术馆、博物馆以及公共机构的永久收藏品中都占有一席之地。他的作品还吸引了众多狂热收藏家的关注，其中包括音乐制作人 Swizz Beatz 和著名说唱歌手 Pharrell Williams。他还出版了大量书籍，对其震撼人心的作品进行阐释和分析。Kaws 位于纽约布鲁克林，他不仅创作雕塑，还探索其他艺术形式，如帆布丙烯画和丝网印刷。他的影响力还延伸到商业领域，主要参与制作限量版玩具，以及服装、滑板和其他产品的设计。Kaws 的独特风格是强调色彩和线条的活力，以及标志性的图形，例如在手部和眼睛中反复出现的 "x"。他的作品还巧妙地再现了流行文化标志，如米老鼠、米其林人、蓝精灵、史努比和海绵宝宝。

估价 1 400 - 1 600 EUR

编号 14 - JAUME PLENSA（巴塞罗那，1955 年）。 无题》，1983 年。 铁板上的水印和蚀刻，副本 10/25。 已签名并说明理由 出处：巴塞罗那 N2 画廊：巴塞罗那 N2 画廊。 作品编号：40。 尺寸：16 x 23 厘米（版画）；38 x 37 厘米（纸张）：16 x 23 厘米（印刷品）；38 x 37 厘米（纸张）。 人体躯干从灰色背景中浮现出来，仿佛是一张显示特定骨骼结构的 X 光片。在他的雕刻作品中，Jaume Plensa 和他的雕塑作品一样，将身份和记忆的主题放在首位，最好使用蚀刻来达到高度可塑的效果。 Jaume Plensa 曾在巴塞罗那的 Escuela de La Llotja 和 Superior de Bellas Artes de Sant Jordi 学习。他擅长雕塑、绘画和雕刻。他的作品关注人与环境的关系，经常质疑艺术在社会中的角色和艺术家的地位。他目前居住在巴黎，最近被芝加哥艺术学院授予荣誉博士学位。普伦萨的艺术生涯始于使用聚酯混合锻铁的创作。1983 至 1984 年间，他开始用铸造技术塑造铁模，并发展出一种基于变形元素的雕塑概念。他的作品逐渐演变，现在被认为是西班牙新表现主义的先驱。九十年代，他对自己的作品进行了材料和形式上的修改，开始使用废金属、聚酯和树脂等不同材料。在这些年里，他精心制作了一系列墙壁、门和建筑结构作品，力求赋予空间绝对的主角地位。1999 年至 2003 年间，普伦萨成为世界场景设计的支柱之一，他以 "La Fura dels Baus "重新诠释了法拉、德彪西、柏辽兹和莫扎特的四部经典歌剧，并独自创作了本-杰隆的当代戏剧作品 "La pareti della solitudine"。他曾在世界各地举办个展和联展，包括 2000 年在索菲亚王后国家艺术中心博物馆举办回顾展。2008 年 6 月，他的作品 "呼吸 "在伦敦英国广播公司总部落成，这是一座纪念因公殉职记者的纪念碑。在他的职业生涯中，他获得了许多荣誉，如 1993 年法国文化部颁发的艺术与文学骑士勋章，1997 年加泰罗尼亚自治区颁发的国家造型艺术奖。他被认为是西班牙新表现主义艺术的主要代表之一，他的作品出现在国内外最好的画廊和艺术博览会，以及欧洲和美国的主要博物馆，如纽约的 MOMA、堪萨斯的 Kemper、巴利亚多利德的 Patio Herreriano 博物馆、维罗纳的 Palazzo Forti、马德里的 MACBA 或索菲亚王后博物馆。

估价 1 400 - 1 600 EUR

编号 15 - 琼-米奎尔-罗卡-福斯特（JOAN MIQUEL ROCA FUSTER）（马略卡岛帕尔马，1942 - 2006 年）。 "浮窗女孩向内望》。1972. 布面油画。 下方空白处有签名。背面有签名、标题和日期。 背面有 "Nonell 房间 "标签。 尺寸：80 x 64 厘米；83 x 66 厘米（画框）。 罗卡-福斯特的艺术生涯始于马略卡岛帕尔马，但很快，1958 年，他搬到巴塞罗那，进入圣约尔迪美术学院学习。1960 年，他第一次来到马德里，就被普拉多博物馆中委拉斯开兹、苏尔巴兰、戈雅和埃尔格雷科的画作深深吸引。在六十年代的这十年间，他开始对抽象主义和非正式主义感兴趣，在他的画作中，具象被置于次要地位。音乐以及电影和戏剧神话一直是他作品中的关键元素。七、八十年代，他开始接触伦勃朗和卡拉瓦乔，以及拉斐尔前派。1965 年，他在马德里和帕尔马的 Grifé Escoda 画廊举办了首次画展，获得了公众和评论界的巨大成功。事实上，第二年他就跃出国门，在伦敦 Don Quixote 画廊举办了个人画展；在此期间，他的几乎所有作品都在英国售出，被重要的私人收藏。从那时起，他的作品在欧洲和美国各地展出，在纽约、斯德哥尔摩、俄克拉荷马、芝加哥、法国安提布、里昂和洛杉矶举办过联展和个展，此外，他还多次参加巴塞尔、法兰克福、洛杉矶和纽约的国际博览会。在他的整个职业生涯中，他获得了无数奖项，例如：Sala Parés（1961 年）和 Dirección General de Bellas Artes（1962 年）颁发的青年绘画一等奖、Salón de Otoño de Palma de Mallorca（1966 年）颁发的首枚奖章、I Bienal Internacional de Barcelona（1967 年）颁发的特别奖、Salón de Otoño de Madrid（1968 年）颁发的首枚奖章等。虽然他的大部分作品被私人收藏，但我们可以在马德里当代艺术博物馆（Museum of Contemporary Art）看到他的展览。

估价 1 500 - 2 000 EUR

编号 20 - 爱德华多-阿兰兹-布拉沃（EDUARDO ARANZ BRAVO，1941 年出生于巴塞罗那，2023 年卒于巴尔维德雷拉）。 "Home orellut》，1985 年。 青铜，P.A. 1/2。 有签名和编号。 尺寸： 21 x 28,5 x 8,5 厘米：21 x 28,5 x 8,5 厘米。 爱德华多-阿兰兹-布拉沃（Eduardo Arranz Bravo）于 1959 年至 1962 年在巴塞罗那圣约尔迪美术学院学习。1961 年，他在巴塞罗那大学俱乐部举办了个人首展，但让巴塞罗那评论界认识他的展览是 1961 年由巴塞罗那艺术学院举办的展览。1968 至 1970 年间，他加入了由杰拉德-萨拉、罗伯特-利莫斯和拉斐尔-洛萨诺-巴托洛齐组成的小组。直到 1982 年，他一直与后者合作，交替举办联展和个展。与这些艺术家的接触影响了他最初的抽象风格，使其接近新的具象和波普艺术。他在西班牙各地以及巴黎、阿姆斯特丹、威尼斯、圣保罗和里约热内卢举办过展览。1983 年，他在巴塞罗那的 Sala Gaspar 举办了作品选集展。1986 年至 1988 年间，他负责 Jaime Camino 的电影 "El balcón abierto "和 "Luces y sombras "的艺术指导工作。他参加了在巴塞罗那举办的第八届五月沙龙，以及 "新艺术展"（巴塞罗那，1971 年）、"毕加索 90"（卢浮宫博物馆，1971 年）、"概念体验"（巴塞罗那，1971-72 年）等展览。1989 年，他在圣保罗现代艺术博物馆举办了最后三年的作品展，并在巴塞罗那罗伯特宫举办了选集展。他获得的奖项包括第二届国际体育双年展、Estrada Saladich 双年展人物奖和 Ynglada-Guillot 绘画奖。他的作品在马德里索菲亚王后博物馆、维多利亚美术馆和塞维利亚美术馆、圣保罗博物馆和纽约现代艺术博物馆均有展出。

估价 1 500 - 1 600 EUR

编号 21 - 安东尼-塔皮斯-普伊格（ANTONI TÀPIES PUIG，巴塞罗那，1923 - 2012）。 "A effacé》，1974 年。 石版画，复制品 80/90。 用铅笔签名并说明理由。 尺寸：63 x 90 厘米；70 x 100 厘米（框架）。 1948 年，作为 "Dau al Set "的创始人之一，塔皮埃斯开始在巴塞罗那的十月沙龙以及 1949 年在马德里举办的一次沙龙上展出作品。在 Galerías Layetanas 举办首次个展后，他于 1950 年获得法国学院的资助前往巴黎。1953 年，他在纽约玛莎-杰克逊画廊举办了个展。从那时起，他的联展和个展遍布世界各地，在纽约古根海姆美术馆和巴黎现代艺术博物馆等著名美术馆和博物馆举办。自 20 世纪 70 年代以来，东京、纽约、罗马、阿姆斯特丹、马德里、威尼斯、米兰、维也纳和布鲁塞尔都专门为他出版了选集。塔皮埃斯自学成才，在 20 世纪的前卫艺术中创造了自己的风格，将传统与创新结合在一起，形成了一种充满象征意义的抽象风格，对作品的物质基础给予了极大的重视。值得注意的是，艺术家赋予其作品明显的精神内涵，物质支撑超越了自身的状态，寓意着对人类境况的深刻剖析。塔皮斯的作品在国际上享有很高的声誉，曾在世界上最负盛名的博物馆展出。在他的职业生涯中，他获得过无数奖项和荣誉，包括日本皇室勋章、国家文化奖、法国绘画大奖、沃尔夫艺术基金会（1981 年）、加泰罗尼亚自治区金奖（1983 年）、阿斯图里亚斯王子艺术奖（1990 年）、联合国教科文组织毕加索奖章（1993 年）和委拉斯开兹造型艺术奖（2003 年）。安东尼-塔皮斯的作品被世界各大博物馆收藏，如巴塞罗那以其名字命名的基金会、马德里索菲亚王妃博物馆、柏林、毕尔巴鄂和纽约的古根海姆博物馆、日本福冈美术馆、纽约现代艺术博物馆和伦敦泰特美术馆。

估价 2 500 - 2 800 EUR

编号 24 - EDUARDO ÚRCULO FERNÁNDEZ（1938 年出生于比斯卡亚省桑图尔塞，2003 年出生于马德里）。 "Podias 纪念碑"，1977 年。 丝网印刷文件夹，副本 10/100。 八幅纸上丝网版画。 亲笔签名、日期和编号。 尺寸：94 x 66 厘米：94 x 66 厘米。 爱德华多-乌库洛（Eduardo Úrculo）既是画家又是雕塑家，是西班牙波普艺术的杰出代表之一。1957 年，他在奥维耶多报纸《新西班牙》上发表了自己的第一幅插图。不久后，他搬到马德里，开始在 Círculo de Bellas Artes 学习。1959 年，他前往巴黎，在巴黎大学校（Académie de la Grande Chaumière）继续深造。1967 年，他前往北欧旅行，在那里他第一次接触到了美国的波普艺术。20 世纪 80 年代，他居住在纽约，并在那里开展了一些重要项目。1992 年，他回到巴黎。在后一时期，他的作品中加入了旅行者面对伟大的现代城市的主题，这是被风景淹没的浪漫主义者形象的讽刺变体。自 1959 年以来，他在世界各地举办了多次个人画展，并出版了多本选集（马德里别墅文化中心，1997 年；马贝拉西班牙当代绘画博物馆，2000 年），从中可以看出他在形式上的演变。Úrculo 目前被众多博物馆和现代艺术收藏，包括索菲亚王后国家艺术中心博物馆、罗马国家现代艺术馆、马德里国家图书馆、波哥大当代艺术博物馆、AENA、Testimoni 和 Fundesco 收藏馆、拉莱斯卡斯蒂略 Dibujo 博物馆、比拉法梅斯当代艺术博物馆等。

估价 2 000 - 3 000 EUR

编号 25 - 维托尔-米拉（VÍCTOR MIRA，1949 年生于萨拉戈萨，2003 年生于慕尼黑）。 无题》，1987 年。 纸板上的混合媒介。 右下角有签名和日期。 尺寸：104 x 75 厘米；107 x 79 厘米（框架）：104 x 75 厘米；107 x 79 厘米（画框）。 他是画家、雕塑家、雕刻家和作家，基本上是自学成才。18 岁时，他在萨拉戈萨的 N'Art 画廊举办了首次个人画展，这也是该市举办的首次室外雕塑展。不久后，他搬到了马德里，并于 1973 年在 Pol Verdié 画廊展出。在马德里期间，他参加了潘普洛纳艺术节，并在那里结识了约翰-凯奇。两年后的 1974 年，安娜-玛丽亚-卡纳莱斯出版了她的著作《维克多-米拉，你是我最喜欢的画家》（Víctor Mira, eres mi pintor preferido）。1975 年，她前往海德堡，在那里生活了五个月，同年出版了《El libro de las dos hojas》一书。1976 年，他开始在德国创作 "Spanische Haltung "和 "Manos "系列。在马德里和德国之间往返一段时间后，他于 1977 年定居巴塞罗那。1979 年，他出版了第一本诗集《El bienestar de los demonios》。同年，他在慕尼黑的塔尼特画廊举办了首次个展，次年，他在美国纽约的乔治-斯坦普夫利画廊展出了自己的作品。从那时起，他的国际职业生涯开始起飞，在德国、美国、荷兰、瑞士、瑞典、挪威、哥伦比亚、法国、比利时和奥地利举办了展览，同时他继续定期在西班牙举办展览。1983 年，应达拉斯 Meadows 博物馆的邀请，他首次前往美国。同年，他在达拉斯南卫理公会大学的雕刻工作室工作，并在纽约逗留了五个月。此外，1983 年，他在巴塞罗那创作了自己的第一个铁雕系列作品 "Cultura del arco "和 "Mediodías"。在随后的几年里，他继续在世界各地举办重要展览，此外还出版了诗集、藏书版本、平面作品等。1997 年，艾米-柴克林邀请他参加纽约艺术双年展，六年后，在他去世前不久，他在 ARCO 展览会上获得最佳在世西班牙艺术家奖。最近在德国杜塞尔多夫的 Beck & Eggeling 画廊为这位艺术家举办了回顾展。米拉的作品被世界各地的博物馆和私人收藏，包括纽约现代艺术博物馆、索菲亚王后国家艺术中心、巴塞罗那 MACBA、维多利亚和萨拉戈萨美术馆、韦斯卡 Beulas 基金会和马德里 ICO 收藏博物馆等。

估价 1 800 - 2 000 EUR

编号 27 - JAVIER CALLEJA（马拉加，1971 年），代表 MEDICOM TOY。 "这里没有艺术"，2020 年。 塑料和玻璃。 限量 1000 份。 原包装盒。 尺寸：30 x 27 x 15 厘米：30 x 27 x 15 厘米。 该版本基于在东京 Parco 博物馆展出的三米铝制和玻璃作品，是 "Global Pop Underground "展览的一部分。马拉加艺术家哈维尔-卡列哈（Javier Calleja）与 Medicom 合作，推出了其雕塑作品 "No Art Here "的迷你限量版。该作品描绘了一个大眼睛、橙色头发的人物，手持写有 "这里没有艺术 "的牌子；人物穿着棕色鞋子、浅色裤子、蓝色衬衫和红色帽子。卡列霍用天真和流行的语言来反思艺术的本质。 哈维尔-卡列哈是一位来自西班牙马拉加的艺术家，2000 年毕业于格拉纳达大学艺术系。自其艺术生涯开始以来，他的作品吸引了评论家和公众的关注，从而成为国内和国际上最受欢迎的艺术家之一。2002 年，他举办了自己的首次展览，参加了 "安达卢西亚青年学院（IAJ）"的 "青年艺术 "群展。仅一年后（2003 年），他在格拉纳达大学维多利亚卡门举办了题为 "Recuperar la mirada "的首次个展。这些展览之后，他又在国内外举办了许多其他展览，其中最引人注目的是2008 年在马拉加 CAC 举办的 "Play room"、2015 年在德国 Zink 画廊举办的 "Fast food"、2016 年在纽约 Castor 画廊举办的 "No cartoons tonight, Art on paper Fair (solo project)"、2018 年在东京 Nanzuka 画廊举办的 "F*ck"、东京（2018 年）、F*ck You，Nanzuka EchoOne，Nanzuka Gallery，曼谷（2018 年）、Javier Calleja，个展，Aisho/Nanzuka，香港（2019 年）以及 Those Little Things，艺术家驻留，Dio Horia，米克诺斯。此外，卡列哈还参加了西班牙多个最重要的博览会，如 ARCO（2020 年）、Estampa（2019 年）和 Urbanity Art（2020 年）。他的作品被众多私人收藏家以及相关机构收购，如萨瓦德尔银行、马拉加议会、DKV 收藏馆、马塞特收藏馆、布尔戈斯中央银行、马拉加 CAC、Unicaja、安达卢西亚省政府和格拉纳达大学。值得注意的是，在 COVID 期间，Calleja 还出售了几件艺术玩具，以便将利润捐献给那些受到大流行病影响的人们。

估价 1 800 - 2 000 EUR

编号 29 - 曼-雷（MAN RAY，1890 年生于美国费城，1976 年卒于巴黎）。 "面具》，1971 年。 青铜浮雕。 限量 90 份。 左下角有签名。 尺寸：17.5 x 13 厘米；42 x 37 x 4 厘米：17.5 x 13 厘米；42 x 37 x 4 厘米。 曼-雷是一位多面手，他涉猎各种技术和语言。在他生命末期创作的这幅青铜浮雕中，他为我们呈现了一个梦幻般的画面：一个熟睡的人的脸被多只手抚摸着，这些手就像天使一样，守护着他的梦境。 曼-雷是一位具有远见卓识的艺术家、实验摄影大师、画家、电影制片人、诗人、散文家、哲学家，也是美国现代主义的领军人物，他以独特的视角展现了法国生机勃勃的文化景象。曼-雷开始在费雷尔中心师从罗伯特-亨利（Robert Henri）学习绘画，与此同时，他还经常光顾阿尔弗雷德-斯蒂格利茨（Alfred Stieglitz）的 291 画廊。受斯蒂格利茨摄影作品的影响，他的作品毫不掩饰地表现了不同寻常的主题。他的艺术技巧使他在造型作品领域进行了尝试，作品具有立体主义风格，并逐渐走向抽象主义倾向。此外，曼-雷还在创作和照片冲洗过程中尝试了各种技术，如所谓的萨巴蒂尔效应（或日晒），为图像提供了银色和幽灵般的效果，以及射线照片。曼-雷在纽约、伦敦、巴黎等城市的画廊展出他的艺术作品。他的创新作品被世界各地的博物馆和私人收藏，他的艺术独创性和原创性为人们所铭记。

估价 2 500 - 3 000 EUR

编号 30 - Equipo Crónica（巴伦西亚，1964 - 1981 年）。 "El telegrama，Homenaje a Viñes"，Serie un lugar, una fecha, una imagen。1976 丝网印刷，Guarro 公司的 Super Alfa 纸，第 6/75 期。 亲笔签名并说明理由。 尺寸：73 x 103 厘米，75.50 x 105.50 厘米（框架）：73 x 103 厘米，75.50 x 105.50 厘米（框架）。 Equipo Crónica，或 Crónicas de la Realidad，是一个活跃于 1964 年至 1981 年间的西班牙画家团体。该小组由马诺洛-巴尔德斯、胡安-安东尼奥-托莱多和拉斐尔-索尔贝斯创立，前者很快离开了该小组，后者于 1981 年去世。历史学家和评论家 Tomás Llorens 也是该组织的成员。他在一篇题为 "La distanciación de la Distanciación"（疏远的疏远）的文章中解释了 Equipo 的理论基础。同样，三位画家在 1965 年签署了一份宣言，他们在宣言中将自己定义为一个拥有集体方法和超个人目标的工作组。Equipo Crónica摒弃了当时盛行的非正式主义，转而发展与波普艺术密切相关的具象绘画。这些艺术家厌倦了自省，走到街头，观察他们周围的世界--一个工业化刚刚起步、游客众多的社会。他们的作品风格独特，融合了现实主义、批判、波普、绘画语录、不合时宜和苦乐参半的模仿。巴伦西亚 IVAM、马德里索菲亚王妃博物馆、巴塞罗那 MACBA、胡安-马奇基金会和巴利亚多利德 Patio Herreriano 博物馆等都收藏有 Equipo Crónica 的作品。2007 年，昆卡抽象艺术博物馆专门为 Equipo Crónica 举办了一次展览。

估价 2 200 - 2 400 EUR

编号 31 - SANTI MOIX（巴塞罗那，1960 年）。 "我知道很多歌，但我不会唱》，纽约，1997 年。 布面油画。 背面有签名、年代、位置和标题。 尺寸：97 x 131 厘米；100 x 133 厘米（有框）：97 x 131 厘米；100 x 133 厘米（有框）。 莫伊克斯是大幅画的爱好者，尽管他总是从小幅素描开始，但他通常会将纹理、笔触和笔触混合在一起。对了，还有大量的色彩，这为他梦幻般的氛围增添了明亮的色调，有时甚至是令人不安的色调。 Santi Moix 定居于纽约市，他的生活沉浸在无休止的探索之中，这促使他以惊人的活力和创造力进行创作。他的作品直接而大胆，始终是一个探索、学习和解决的领域。作为一个多面手，莫伊克斯还从事绘画和雕刻，但他在绘画中找到了自己的思考空间。虽然莫伊克斯的绘画非常抽象，但他在许多场合都展示了自己强大的绘画能力（最近的作品是以马克-吐温的《哈克贝利-费恩历险记》为蓝本创作的系列作品）。他用自己的语言在抽象与具象之间游走，创作出令人不安的神秘作品。这位艺术家向我们保证，另一方面，他的雕塑从他的绘画中汲取营养，反之亦然，两者密不可分，因为它们都是同一旅程的一部分。他的作品就像是大自然的回声，是大自然中不可能找到的对象。Santi Moix 作品的特点是在一个平面、密集和充满活力的水平空间中，既有积累又有碎片，既有感性又有诗意的形式感。他打破了连续性的形象，创造出前进和后退的离题，最终建立起示意性的生物形态结构。绘画和雕塑是运动中的元素，像迷宫一样延伸到无限远处，引发人们对这个被奢华和速度拖曳的波动世界的反思，将我们带入一个不同的、自由的、充满活力的、洋溢着激情的时代。该艺术家最近的作品之一是修复位于 Pallars Sobirà 地区 Saurí 村的一座罗马式圣维克多教堂，并在其中加入他的印记和图案，首次将他的绘画带入宗教建筑中，尽管他曾在博物馆和公共场所开展过类似活动。2002 年，他获得了约翰-西蒙-古根海姆纪念基金会的资助。

估价 2 500 - 3 000 EUR

编号 34 - 爱德华多-奇利达-胡安特吉（EDUARDO CHILLIDA JUANTEGUI，圣塞巴斯蒂安，1924 - 2002）。 "圣胡安-德拉克鲁斯》。 Artika，奇利达-莱库博物馆，Planeta，2007 年。副本 714/988。 附有其 32 幅绘画作品的真人大小复制品。 铁盒。 封面有使用过的痕迹、磨损和一些横向损坏。 尺寸：39 x 31 x 4 厘米（书）；50 x 39 x 18 厘米（盒）：39 x 31 x 4 厘米（书）；50 x 39 x 18 厘米（盒）。 圣胡安-德拉克鲁斯（San Juan de la Cruz）的《精神咏叹调》是奇利达的床头书之一，这并不奇怪，因为他的作品中充满了哲学、灵性和神秘主义。这本书汇集了这位巴斯克艺术家的两大爱好：十字架圣约翰的神秘诗歌和艺术。诗歌与奇利达 32 幅素描和重力描绘的复制品相结合，并附有 16 条手写的、关于艺术和灵性的私密个人语录，是将两者完美融合的不可复制的瑰宝。 奇利达曾在马德里和巴黎接受培训，并于 1950 年在法国首都举办了首次画展。他一生获奖无数，包括卡内基奖、伦勃朗奖、沃尔夫基金会艺术奖和阿斯图里亚斯王子艺术奖。他还是圣费尔南多院士、美国艺术与科学院院士、伦敦皇家艺术学院荣誉院士和日本帝国勋章获得者，并被巴塞罗那同名机构授予人道主义功绩大十字勋章。除了位于埃尔纳尼的 Chillida-Leku 博物馆，他的作品还被世界各地的博物馆和收藏，如毕尔巴鄂古根海姆博物馆、纽约现代艺术博物馆、马德里索菲亚王后博物馆、伦敦泰特美术馆和柏林新国家美术馆。

估价 3 500 - 3 700 EUR

编号 35 - 琼-米罗-伊-费拉（JOAN MIRÓ I FERRÀ，1893 年生于巴塞罗那，1983 年卒于马略卡岛帕尔马）。 "La Caixa。75 年"。 石版画，复制品 41/100。 亲笔签名和校正。 尺寸：89 x 61 厘米；92 x 65 厘米（框架）：89 x 61 厘米；92 x 65 厘米（框架）。 琼-米罗（Joan Miró）在加泰罗尼亚和巴利阿里群岛养老金和储蓄协会（Caja de Pensiones para la Vejez y de Ahorros de Cataluña y Baleares）成立 75 周年之际创作的海报。 琼-米罗是 20 世纪最伟大的国际艺术人物之一。他曾在巴塞罗那接受培训，先是在隆加学校，后来又在加利学院，接受更具创新精神的培训。在这所学校以及同在巴塞罗那的圣吕克艺术中心，年轻的米罗结识了他的一些挚友，如评论家塞巴斯蒂亚-加什（Sebastià Gasch）、诗人 J.V. 福伊克斯（J.V. Foix）、画家何塞普-洛伦斯-阿蒂加斯（Josep Llorens Artigas）和艺术推广人琼-普拉特斯（Joan Prats）。因此，从成长期开始，他就与巴塞罗那最前卫的圈子有着直接的联系，早在 1918 年，他就在巴塞罗那的达尔莫画廊（Dalmau Galleries）举办了自己的首次展览。1920 年，他移居巴黎，结识了毕加索、雷纳尔、马克斯-雅各布、扎拉和达达主义者。这几年是米罗艺术生涯的关键时期，在这几年里，米罗发现了自己的个人语言。在巴黎，他与安德烈-马松（André Masson）成为了朋友，并在马松周围成立了所谓的 Rue Blomet 小组，这是未来超现实主义的核心。因此，在超现实主义诗人和画家的影响下（他与他们分享了许多理论方法），他的风格逐渐成熟；他试图将超现实主义诗歌移植到视觉中，以记忆、幻想和非理性为基础。从那时起，他的风格开始演变，创作出更多空灵的作品，其中的有机形式和人物被简化为抽象的点、线和色斑。1924 年，他签署了第一份超现实主义宣言，尽管其作品的演变过于复杂，无法将其归于任何特定的正统派。1928 年，他在巴黎举办的第三次展览是他的首次重大胜利：纽约现代艺术博物馆收藏了他的两件作品。从三十年代起，米罗成为国际艺术舞台上最杰出的人物之一，也是二十世纪最重要的艺术家之一。正是在这一时期，这位天性不拘一格的艺术家进入了一个被他称为 "谋杀绘画 "的阶段，在这一阶段，他主动放弃了画家的身份，开始尝试其他媒介，如拼贴、在不同质地的纸上绘画或用现成的元素构建 "物体"，这是他接触雕塑的第一种方式。因此，尽管米罗很快就恢复了绘画，但他从未放弃过尝试各种材料和技术的愿望，包括陶瓷、青铜、石头、平面技术，甚至自 1970 年起开始尝试挂毯。1941 年，他回到西班牙，同年，纽约现代艺术博物馆为他举办了回顾展，这也是他在国际上的最后一次献礼。从 1956 年到 1983 年去世，他一直生活在马略卡岛帕尔马，处于一种国内流放状态，而他的国际声誉却与日俱增。他一生获奖无数，如 1954 年威尼斯双年展大奖、1959 年古根海姆基金会大奖、1966 年卡内基绘画奖、加泰罗尼亚自治区金奖（1978 年）和美术金奖（1980 年），并被哈佛大学和巴塞罗那大学授予荣誉博士学位。如今，在 1975 年落成的巴塞罗那 Joan Miró 基金会以及世界各地的主要当代艺术博物馆，如蒂森-博内米萨美术馆、纽约现代艺术博物馆、马德里索菲亚王后博物馆、华盛顿国家美术馆或巴黎现代艺术博物馆，都能看到他的作品。

估价 3 400 - 3 800 EUR

编号 36 - 维托尔-米拉（VÍCTOR MIRA，1949 年生于萨拉戈萨，2003 年生于慕尼黑）。 "启示录 I》。1983 板上油画。 下角有签名、标题和日期。 尺寸：105.5 x 75.5 厘米；109 x 78 厘米（框架）：105.5 x 75.5 厘米；109 x 78 厘米（框架）。 在这幅作品中，十字架和和平使者鸽子交替出现，灵感似乎来自彩色玻璃艺术，这是米拉在八十年代初为寻求新的精神信仰而采用的审美方式。 米拉是一位画家、雕塑家、雕刻家和作家，他基本上是自学成才。18 岁时，他在萨拉戈萨的 N'Art 画廊举办了首次个人画展，这也是该市举办的首次露天雕塑展。不久后，他搬到了马德里，并于 1973 年在 Pol Verdié 画廊举办了展览。在马德里期间，他参加了潘普洛纳艺术节，并在那里结识了约翰-凯奇。两年后的 1974 年，安娜-玛丽亚-卡纳莱斯出版了她的著作《维克多-米拉，你是我最喜欢的画家》（Víctor Mira, eres mi pintor preferido）。1975 年，她前往海德堡，在那里生活了五个月，同年出版了《El libro de las dos hojas》一书。1976 年，他开始在德国创作 "Spanische Haltung "和 "Manos "系列。在马德里和德国之间往返一段时间后，他于 1977 年定居巴塞罗那。1979 年，他出版了第一本诗集《El bienestar de los demonios》。同年，他在慕尼黑的塔尼特画廊举办了首次个展，次年，他在美国纽约的乔治-斯坦普夫利画廊展出了自己的作品。从那时起，他的国际职业生涯开始起飞，在德国、美国、荷兰、瑞士、瑞典、挪威、哥伦比亚、法国、比利时和奥地利举办了展览，同时他继续定期在西班牙举办展览。1983 年，应达拉斯 Meadows 博物馆的邀请，他首次前往美国。同年，他在达拉斯南卫理公会大学的雕刻工作室工作，并在纽约逗留了五个月。此外，1983 年，他在巴塞罗那创作了自己的第一个铁雕系列作品 "Cultura del arco "和 "Mediodías"。在随后的几年里，他继续在世界各地举办重要展览，此外还出版了诗集、藏书版本、平面作品等。1997 年，艾米-柴克林邀请他参加纽约艺术双年展，六年后，在他去世前不久，他在 ARCO 展览会上获得最佳在世西班牙艺术家奖。最近在德国杜塞尔多夫的 Beck & Eggeling 画廊为这位艺术家举办了回顾展。米拉的作品被世界各地的博物馆和私人收藏，包括纽约现代艺术博物馆、索菲亚王后国家艺术中心、巴塞罗那 MACBA、维多利亚和萨拉戈萨美术馆、韦斯卡 Beulas 基金会和马德里 ICO 收藏博物馆等。

估价 2 000 - 2 500 EUR

编号 37 - 塞萨尔-洛佩斯-奥索里奥（CÉSAR LÓPEZ OSORNIO，阿根廷拉普拉塔，1930-2015 年）。 无题》，选自 "浮动的太阳 "系列，1995 年。 丙烯酸画布。 背面有签名和日期。 背面盖有巴塞罗那 Galería Maria José Castellví 的印章。 尺寸：40 x 40 厘米。 1960 年，塞萨尔-洛佩斯-奥索尼奥在拉普拉塔大学美术学院接受培训，并获得奖学金前往日本学习三年。在那里，他学习了亚洲艺术、东方艺术和景观建筑，研究了禅宗哲学，并在佛教寺庙中度过了 45 天。回国后，塞萨尔-洛佩斯-奥索尼奥成为拉普拉塔美术学院和同一城市天主教大学建筑学院的教授。1975 年，他游历了哥伦比亚、哥斯达黎加、波多黎各和委内瑞拉，思考将所有拉丁美洲艺术家聚集在一起的可能性。基于这一想法，他于 1992 年在欧洲举办了这些画家的首次展览。随后，他于 1999 年在阿根廷创建了 MACLA 当代拉美艺术家博物馆。他的作品被归类为自由几何，并不拘泥于单一的运动，而是与巴黎视觉艺术研究小组（Groupe de Recherche d'Art Visuel）以及严谨和理性的概念相关。洛佩斯-奥索尼奥在其祖国和世界各地参加过 300 多次个展和联展。他还在阿根廷、委内瑞拉、日本、哥伦比亚、法国、波多黎各、西班牙、保加利亚、布拉迪斯拉发和意大利的画廊和博物馆展出过自己的作品，并作为壁画家、设计师和景观建筑师创作过作品。

估价 2 500 - 3 000 EUR

编号 38 - 达米安-赫斯特（DAMIEN HIRST）（英国布里斯托尔，1965 年）。 "美丽的、最微小的、令人钦佩的、克制的、然而伟大的、不成型的、奇异而迷人的星团绘画"。美丽的画作系列 2023。 Glicée.印在聚棉画布上，裱在桦木胶合板画框上。副本 1/1（唯一）。 -转载于 Heini Editions 目录，编号 H12-8-82。 背面有信息标签。 保留了作者的包装盒。 底部有亲笔签名。 尺寸：23 x 23 厘米；9 x 35 x 32 厘米（盒）：23 x 23 厘米；9 x 35 x 32 厘米（盒子）。 1965 年 6 月 7 日，达米安-赫斯特出生于布里斯托尔市郊区的一个经济困难家庭。他从未见过自己的生父，母亲嫁给了一名汽车销售员，在赫斯特 13 岁时离开了他们。他的母亲是一位业余艺术家和虔诚的基督徒，一直照顾着他，但由于父亲的遗弃，他不得不自下而上地接受教育，这也许就是达米安-赫斯特认为艺术没有阶级之分的主要原因。他在利德大学接受培训，同时在当地殡仪馆工作，后来离开殡仪馆搬到伦敦。在此期间，他一边从事建筑工作，一边申请圣马丁和威尔士学院等艺术院校。他最终被 Golsdmiths 学院录取，当时由于英国经济衰退，这所学校吸引了很多聪明的学生和富有创造力的导师。在学习期间，赫斯特通过从事电话调查工作来筹措学费，这也是他能够在电话中伪装任何情绪的直接原因。在学习期间，他还在麦当劳打工，并在安东尼-达夫雷画廊兼职，学习艺术市场的运作。二年级时，赫斯特就开始担任艺术家和策展人的角色，并成功举办了一场改变英国艺术进程的展览，这是他 26 岁时的首次个展。四年后，也就是 1995 年，他凭借《母与子》赢得了第二个特纳奖提名。32 岁时，拉里-高古轩画廊（Larry Gagosian Gallery）为他举办了一次大型回顾展，之后他宣称自己已经无处可展，因为他已经完成了一切，而且完成得太快了。因此，他很快被媒体称为 "流氓天才"。虽然赫斯特在 40 岁时就成了百万富翁，但他的过度敏感让人怀疑。在浪漫主义光环的笼罩下，他让艺术界的变革看起来轻而易举。达米安-赫斯特的作品被纽约现代艺术博物馆、泰特美术馆、伦敦维多利亚与阿尔伯特博物馆、威尼斯格拉斯宫、沃尔夫斯堡艺术博物馆（德国）、华盛顿特区赫什霍恩美术馆、格拉茨新画廊（奥地利）等主要公共和私人收藏。

估价 2 500 - 3 000 EUR

编号 39 - TAKASHI MURAKAMI（东京，1962 年），代表 ComplexCom 公司。 "Dob先生，红蓝"。 原版。 树脂版 限量 750 册。 底座上有印章。 装在盒子里。 尺寸：24 x 30 厘米：24 x 30 厘米。 村上隆的标志性雕塑。DOB 是一个大眼睛、大耳朵的卡通人物，有点像西方的米老鼠。在村上隆的雕塑和绘画作品中，DOB 有多种形态，有天真微笑的 DOB 先生，也有将不同形象融合在一起的充满敌意的人物形象。DOB 先生是村上的第一个标志性作品，其灵感来源于动漫人物，这些人物在日本青年文化中享有崇高地位。他的名字是日语俚语 "dobojite "或 "为什么？"的缩写，从字面上就能看出他的特征，尽管他的外表千变万化，但我们还是能认出他来。村上不仅在雕塑或绘画中采用 DOB 先生的形象，他还以玩偶、钥匙链、T恤衫、鼠标垫和手表等更商业化的形式出现。艺术家在东京郊外的工作室礼品店出售这些商品，因为在村上看来，竞争激烈的艺术世界教会了他为市场而创作，一个商品化的市场。实际上，这种大量生产社会易于接受的艺术品的想法是一种流行概念。就像他使用 "英雄 "或漫画或城市文化中的人物作为艺术主角一样。然而，村上为所谓的波普提供了一个新的视角。他利用东方文化的元素，带来了一种全新的视角。他成功地将自己的特质引入了西方市场，融入了细小、动态和可识别的元素，这些元素可以被表面上如此不同的两种文化所吸收。这就是为什么他的艺术如此具有突破性。 村上隆是日本战后一代最具影响力的艺术家之一，他曾就读于东京国立美术音乐大学，毕业后获得日本画学位。1990 年，他的伙伴和朋友 Masato Nakamura 向他介绍了当代艺术，1993 年，他创造了自己的另一个自我 "DOB 先生"。随后，他开始在日本国内外被认可，因为他将日本传统艺术、本国当代潮流（动漫、漫画......）和美国文化（主要是流行文化）融为一体。在他的作品中，村上传达了对当前日本社会、日本文化传统的遗产、二战后的演变以及日本与西方世界（尤其是美国）关系的批判性看法。在他的著作中，他创造了 "Superflat"（超扁平）一词来定义他个人的艺术风格，这个词适合以二维为特征的作品，同时也批判了艺术结构本身，模糊了高雅文化和低俗文化之间的界限。事实上，他的作品横跨多种艺术形式，从绘画和雕塑到工业设计、动漫、时装和其他大众文化媒体和商品。他的三部曲展览 "Superflat"（2000 年、2002 年和 2005 年）曾在世界各地的重要艺术中心展出，如东京的 Parco 画廊、洛杉矶的 MOCA、巴黎的卡地亚基金会或伦敦的蛇形画廊。此外，2008 年至 2009 年期间，他还在纽约当代艺术馆、布鲁克林博物馆、现代艺术博物馆、巴黎卡地亚基金会和伦敦蛇形画廊举办了回顾展。

估价 3 000 - 3 500 EUR

编号 40 - 马丁和西西里亚；何塞-阿图罗-马丁（JOSÉ ARTURO MARTÍN，圣克鲁斯-德特内里费，1974 年）和哈维耶-西西里亚-罗德里格斯（JAVIER SICILIA RODRÍGUEZ，圣克鲁斯-德特内里费，1971 年）。 "我的朋友巴拉圭人》。2014. 木板上的丙烯酸。 背面贴有巴塞罗那 N2 画廊的标签。 尺寸：65 x 30 厘米：65 x 30 厘米。 漫画、自我虚构和幽默是这对成功的艺术家画作中的三个无条件要素，他们天生就是周围事物的观察者。自画像和伪装在这里采用了民间广告海报的形式。 1995 年，何塞和哈维尔在拉古纳斯艺术学院的一次展览上开始了他们的艺术合作。从那时起，他们一起参加了许多展览，如：妮娜-梅诺卡。我的名字叫洛丽塔艺术》，巴伦西亚，米格尔-马科斯，巴塞罗那，L'Oeil，巴黎，Val i 30。巴伦西亚，曼努埃尔-奥赫达，拉斯帕尔马斯。巴塞罗那和马洛卡的 Ferrán Cano、Carmen de la Guerra。马德里希洪 Espacio Líquido，m:acontemporary。柏林，Nara Roesler，圣保罗，Torbandena。的里雅斯特，Ulf Saupe，柏林。拉古纳，Artizar，Momo 画廊。约翰内斯堡，N2 画廊。巴塞罗那，Kir Royal。巴伦西亚，纽约 Charles Cowles，波哥大 La Casa Cuadrada，休斯顿 Apama Mackey，意大利 Paola Verrengia，特内里费岛 TEA。拉斯帕尔马斯的 CAAM、马德里的 Casa de America、马洛卡的 Espai Cuattre。Artium Vitoria、Da2 Salamanca、Kunstraum De Castro Frankfurt、Espacio C Camargo、Henie Onstad Kunsenter Oslo、Kunsthalle Darmstadt，以及最近的加那利群岛卡布雷拉-平托学院：以及古巴哈瓦那双年展。塞内加尔达喀尔双年展、特内里费岛 Fotonoviembre 双年展、马里巴马科双年展、阿姆斯特丹 NDSM 双年展和马德拉波尔图湾双年展。所获奖项包括：一等奖、桑塔伊别墅奖、ABC摄影荣誉奖、ARCO07新兴艺术家奖、罗恩-布鲁加尔奖。

估价 3 000 - 4 000 EUR

编号 41 - 马丁和西西里亚；何塞-阿图罗-马丁（JOSÉ ARTURO MARTÍN，圣克鲁斯-德特内里费，1974 年）和哈维耶-西西里亚-罗德里格斯（JAVIER SICILIA RODRÍGUEZ，圣克鲁斯-德特内里费，1971 年）。 "我的朋友金》。2014. 木板上的丙烯酸。 背面贴有巴塞罗那N2画廊的标签。 尺寸：66 x 22 厘米：66 x 22 厘米。 漫画、自传和幽默是这对成功的双人艺术家绘画作品的三大要素，他们天生就是周围事物的观察者。 1995 年，何塞和哈维尔在 Ateneo de la Lagunas 的一次展览上开始了他们的艺术合作。从那时起，他们一起参加了许多展览，如：尼娜-梅诺卡。我的名字叫洛丽塔艺术》，巴伦西亚，米格尔-马科斯，巴塞罗那，L'Oeil，巴黎，Val i 30。巴伦西亚，曼努埃尔-奥赫达，拉斯帕尔马斯。巴塞罗那和马洛卡的 Ferrán Cano、Carmen de la Guerra。马德里希洪 Espacio Líquido，m:acontemporary。柏林，Nara Roesler，圣保罗，Torbandena。的里雅斯特，Ulf Saupe，柏林。拉古纳，Artizar，Momo 画廊。约翰内斯堡，N2 画廊。巴塞罗那，Kir Royal。巴伦西亚，纽约 Charles Cowles，波哥大 La Casa Cuadrada，休斯顿 Apama Mackey，意大利 Paola Verrengia，特内里费岛 TEA。拉斯帕尔马斯的 CAAM、马德里的 Casa de America、马洛卡的 Espai Cuattre。Artium Vitoria、Da2 Salamanca、Kunstraum De Castro Frankfurt、Espacio C Camargo、Henie Onstad Kunsenter Oslo、Kunsthalle Darmstadt，以及最近的加那利群岛卡布雷拉-平托学院：以及古巴哈瓦那双年展。塞内加尔达喀尔双年展、特内里费岛 Fotonoviembre 双年展、马里巴马科双年展、阿姆斯特丹 NDSM 双年展和马德拉波尔图湾双年展。所获奖项包括：一等奖、桑塔伊别墅奖、ABC摄影荣誉奖、ARCO07新兴艺术家奖、罗恩-布鲁加尔奖。

估价 3 000 - 4 000 EUR

编号 42 - 维克托-米拉（VICTOR MIRA，1949 年生于萨拉戈萨，2003 年生于慕尼黑）。 "巴洛克俳句》，1985 年。 布面油画。 背面有签名和日期。 出处：巴塞罗那 N2 画廊。 尺寸：55 x 45.8 厘米：55 x 45.8 厘米。 在维克多-米罗八十年代的特殊静物画中，他将受伤的心与鱼和十字架结合在一起，这显然是圣餐礼的典故，但又超越了单纯的基督教成分，因为它们似乎暗示着反思人类文化精神疾病的意愿。 他是画家、雕塑家、雕刻家和作家，基本上是自学成才。18 岁时，他在萨拉戈萨的 N'Art 画廊举办了首次个人画展，这也是该市举办的首次露天雕塑展。不久后，他搬到了马德里，并于 1973 年在 Pol Verdié 画廊举办了展览。在马德里期间，他参加了潘普洛纳艺术节，并在那里结识了约翰-凯奇。两年后的 1974 年，安娜-玛丽亚-卡纳莱斯出版了她的著作《维克多-米拉，你是我最喜欢的画家》（Víctor Mira, eres mi pintor preferido）。1975 年，她前往海德堡，在那里生活了五个月，同年出版了《El libro de las dos hojas》一书。1976 年，他开始在德国创作 "Spanische Haltung "和 "Manos "系列。在马德里和德国之间往返一段时间后，他于 1977 年定居巴塞罗那。1979 年，他出版了第一本诗集《El bienestar de los demonios》。同年，他在慕尼黑的塔尼特画廊举办了首次个展，次年，他在美国纽约的乔治-斯坦普夫利画廊展出了自己的作品。从那时起，他的国际职业生涯开始起飞，在德国、美国、荷兰、瑞士、瑞典、挪威、哥伦比亚、法国、比利时和奥地利举办了展览，同时他继续定期在西班牙举办展览。1983 年，应达拉斯 Meadows 博物馆的邀请，他首次前往美国。同年，他在达拉斯南卫理公会大学的雕刻工作室工作，并在纽约逗留了五个月。此外，1983 年，他在巴塞罗那创作了自己的第一个铁雕系列作品 "Cultura del arco "和 "Mediodías"。在随后的几年里，他继续在世界各地举办重要展览，此外还出版了诗集、藏书版本、平面作品等。1997 年，艾米-柴克林邀请他参加纽约艺术双年展，六年后，在他去世前不久，他在 ARCO 展览会上获得最佳在世西班牙艺术家奖。最近在德国杜塞尔多夫的 Beck & Eggeling 画廊为这位艺术家举办了回顾展。米拉的作品被世界各地的博物馆和私人收藏，包括纽约现代艺术博物馆、索菲亚王后国家艺术中心、巴塞罗那 MACBA、维多利亚和萨拉戈萨美术馆、韦斯卡 Beulas 基金会和马德里 ICO 收藏博物馆等。

估价 3 000 - 4 000 EUR

编号 43 - MIQUEL BARCELÓ ARTIGUES（马略卡岛费拉尼特斯，1957 年）。 "Chien sous la pluie》，1984 年。 纸上石版画（双联画），复制品 21/100。 已用铅笔签名并说明理由。 尺寸：93 x 68 厘米；107 x 81 厘米（框架）：93 x 68 厘米；107 x 81 厘米（框架）。 这幅双连画由两幅相互映衬的作品组成，通过被雨水打湿的泥土的纹理和暗示，表现出倒影中的狗的形象，大部分被分解。土色和暗色调营造出一种忧郁的氛围。孤独的狗在雨中的形象是强烈和高度敏感的。 作为画家和雕塑家，巴塞洛于 1972 年至 1973 年在马略卡岛帕尔马的工艺美术学校学习。1974 年，17 岁的他在马略卡岛的 Picarol 画廊首次以个人身份亮相。同年，他搬到巴塞罗那，进入 Sant Jordi 美术学校学习，并首次前往巴黎。在法国首都，他发现了保罗-克利、福特里尔、沃尔斯和杜布菲的作品，以及 "野蛮艺术"，这种风格对他最初的绘画产生了重要影响。在这些年里，他阅读了大量书籍，布勒东和超现实主义者的著作、卢西奥-方塔纳的《白色宣言》或阿诺德-豪泽尔的《文学和艺术社会史》等各种作品丰富了自己。1976 年，他首次在博物馆举办个展：1976 年，他在马略卡岛博物馆举办了首次个展："Cadaverina 15"，由 225 个带玻璃盖的木箱组成，箱内装有腐烂的有机物。同年，他回到马略卡岛，加入了 Taller Lunàtic 团体，并参加了该团体的社会、政治和文化活动。1977 年，他第二次前往巴黎，并访问了伦敦和阿姆斯特丹。同年，他首次在巴塞罗那举办展览，并结识了哈维尔-马里斯卡尔，后者成为他在这座城市最好的朋友之一。作为 "Neón de Suro "小组的成员，他与哈维尔-马里斯卡尔和摄影师安东尼-卡塔尼一起参加了在加拿大和加利福尼亚举办的展览，并合作出版了同名杂志。

估价 3 000 - 3 500 EUR

编号 45 - 亨利-卡蒂埃-布里松（HENRI CARTIER-BRESSON，1908 年，法国香特罗普-恩-布里；2004 年，法国塞雷斯特）。 "渔夫和他的儿子》，奥里萨邦普里，1980 年。 明胶银版。 墨水签名并献给 Gèrard Leman。 空白处有版权印章。 尺寸：26.6 x 17.7 厘米26.6 x 17.7 厘米（图片）；36.5 x 26.3 厘米（印版）。 著名摄影师亨利-卡蒂埃-布列松（Henri Cartier-Bresson）在这幅摄影作品中为我们展现了一个渔夫的日常场景，渔夫的尊严使他与古代的古典英雄相提并论。他的小儿子紧紧抱住他的双腿，试图阻止父亲在孟加拉湾畔开始一天漫长的工作。 亨利-卡蒂埃-布列松是法国艺术家和人文主义摄影师，被誉为摄影大师和 35 毫米胶片的早期使用者。他开创了街头摄影的先河，认为摄影就是捕捉决定性的瞬间。1931 年，他前往象牙海岸进行了第一次重要的报告文学旅行。他还在纽约与保罗-斯特兰德（Paul Strand）一起积累了经验。1937 年夏末，在贝尔希特战役之前，他与《新剧院》杂志前编辑赫伯特-克莱恩（Herbert Kline）和摄影师雅克-勒马尔（Jacques Lemare）一起前往西班牙，拍摄一部关于西班牙内战期间美国医疗局的纪录片。他们在离马德里不远的塞莱斯（Saelices）的国际旅医院帕斯别墅（Villa Paz）进行了拍摄，并在巴伦西亚海岸的贝尼卡西姆（Benicàssim）别墅拍摄了志愿军伤员的康复情况。他们还参观了萨拉戈萨附近 Quinto 的林肯旅，并拍摄了电影《林肯旅在西班牙》（With the Abraham Lincoln Brigade in Spain）。1937 年至 1939 年，卡蒂埃-布列松担任让-雷诺阿三部影片的助理导演，其中包括《游戏规则》。1940 年，他在德国度过了近三年的战俘生活。在被误认为死于战争之后，纽约现代艺术博物馆于 1947 年为卡蒂埃-布列松举办了一次大型 "死后 "回顾展。同年，他与罗伯特-卡帕（Robert Capa）、大卫-西摩（David Seymour）和乔治-罗杰（George Rodger）一起，在纽约成立了马格南图片社，旨在保护摄影师作品的版权。卡蒂埃-布列松是第一位获准在 1955 年巴黎卢浮宫举办展览的摄影师。他的摄影作品被收录并发表在 Images à la sauvette（1952 年，《过往的影像》）、D'une Chine à l'autre（1968 年，《中国的昨天和今天》）和 Moscou（1955 年，《莫斯科》）等杂志上。1972 年，卡蒂埃-布列松停止了专业摄影工作，全身心地投入到绘画艺术中。1974 年，他当选为美国艺术与科学院院士。他的作品被芝加哥艺术学院、现代艺术博物馆、国际摄影中心、维多利亚和阿尔伯特博物馆以及保罗-盖蒂博物馆收藏。

估价 3 000 - 4 000 EUR

编号 46 - AGUSTÍ PUIG PINYOL（巴塞罗那萨瓦德尔，1957 年）。 无题》，2006 年。 混合媒介画布。 背面有签名和日期。 尺寸：162 x 130 厘米；164 x 132 厘米（有框）。 这幅画布的突出之处在于其几乎没有勾勒的合成元素的暗示，以及这些白底黑色剪影所蕴含的神秘特性。所使用的人物形象模拟了艺术家的情感姿态、潜意识入侵和永恒的困境，他让我们沉浸在一个复杂的图形和象征宇宙中，让我们反思生命的本质。 奥古斯丁-普伊格曾就读于萨瓦德尔工艺美术学校，后就读于巴塞罗那马萨纳学院。他的绘画不断发展，最初是基于对自然和景观的思考，对光和色彩等元素进行抽象。普伊格还从事海报设计、插图、平面设计和雕塑创作，作品总是个性鲜明。他曾多次参加联展，包括第二届青年艺术双年展（巴塞罗那，1985 年）和汉诺威国际博览会（1990 年）。他曾获得 Joan Miró 素描奖（巴塞罗那，1985 年）的荣誉奖，并在 Muestra de Arte Joven（马德里，1987 年）中获奖。他的个展包括在巴塞罗那 René Métras 画廊（1987 年、1989 年和 1991 年）、马德里 Egam 画廊（1988 年）、巴伦西亚 Luis Adelantado 画廊（1989 年）、维戈 SIC 画廊（1990 年）、萨拉戈萨 Fernando Latorre 画廊（1993 年）和马德里 Van Art 画廊（1997 年）举办的展览。他还在国外画廊举办过个人画展，如巴黎 Belleville 高级中心（1988 年）、科隆 Esse 画廊（1990 年）、纽约 Jadite 画廊（1992 年）、东京 Futaba 画廊（1992 年）、伦敦 Messum 画廊（2002-2005 年）和芝加哥 DeNovo 画廊（2009 年）。从 20 世纪 90 年代末开始，普伊格不再局限于以往的创作题材，而是将目光投向了日常生活中的椅子、鞋子或帽子等元素，他以一种本质化的视角自发地再现了这些元素，充满了微妙的感觉，其经济的手段赋予了画面某种神奇的象征性特征。奥古斯丁-普伊格的作品目前在赫罗纳的 Giart 画廊、哈维亚的 Set Espai d'Art 画廊和伦敦的 Messum's London 画廊长期展出。巴塞罗那 Vila Casas 基金会也是他的代表机构。

估价 2 500 - 3 000 EUR

编号 48 - 马诺洛-巴尔代斯（MANOLO VALDÉS，巴伦西亚，1942 年）。 "毕加索"，1984 年。以玛丽安娜王后为借口 "系列。 GVARRO 纸上的蚀刻版画。58/75 复制品。 有铅笔签名和编号。 尺寸：42 x 30 厘米（印刷品）；76 x 56.50 厘米（纸张）。 Manolo Valdés 于 1942 年 3 月 8 日出生于巴伦西亚。1957 年，他进入圣卡洛斯美术学院学习两年，之后放弃学业，全身心投入绘画创作。 1964 年，他与胡安-安东尼奥-托莱多（Juan Antonio Toledo）和拉斐尔-索尔贝斯（Rafael Solbes）共同创建了艺术团体 Equipo Crónica，直到 1981 年索尔贝斯去世，尽管托莱多在该团体成立两年后就离开了。 拉斐尔-索贝斯去世后，他继续独自在巴伦西亚工作了几年，直到 1989 年才前往纽约，在那里建立了自己的工作室，并继续尝试新的表现形式。他是马尔伯勒画廊（Marlborough Gallery）和弗雷特斯画廊（Freites Gallery）的成员。此外，他还在马德里设立了工作室，以创作大型雕塑，并在两个城市交替工作。 受到委拉斯开兹、伦勃朗、鲁本斯和马蒂斯的影响，马诺洛-巴尔德斯创作了大幅作品，作品中的光线和色彩通过对材料的处理表现出一种触感。他的作品迫使观众深入记忆，寻找艺术史上的重要形象。 除了作为 Equipo Crónica 的一部分展出的作品外，巴尔德斯在 1965 年至 1981 年期间还举办了 70 多次个展和联展。作为一名雕塑家，他是 La Dama del Manzanares（2003 年）的作者，该作品高 13 米，位于马德里的 Parque Lineal del Manzanares。2005 年，他为奥维耶多市创作了雕塑群《Asturcones》。 巴尔德斯曾多次获奖，其中最突出的是1965 年在意大利米兰获得 Lissone 和 Biella 奖；1979 年在日本东京获得第二届国际雕刻双年展银奖，在葡萄牙里斯本获得 Lis'79 普利司通艺术博物馆奖；1983 年获得国家造型艺术奖；西班牙国家美术奖；1986 年获得伊拉克巴格达国际造型艺术双年展奖章；1993 年获得委内瑞拉 Andres Bello 荣誉勋章。 2012 年，他负责设计塞维利亚皇家斗牛场斗牛季的海报。

估价 2 500 - 3 000 EUR

编号 49 - 琼-米罗-伊-费拉（JOAN MIRÓ I FERRÀ，1893 年生于巴塞罗那，1983 年卒于马略卡岛帕尔马）。 "向琼-米罗致敬》，1973 年。 Guarro 纸上的水印和碳化硅，H.C. 复制品。 亲笔签名、致谢并说明理由。 印数 275 册。 由萨拉-加斯帕尔编辑。 参考目录，Jacques Dupin，"Miró engraver，vol. III: 1973-1975"，nº868，第 190 页。 尺寸：67, 5 x 49 厘米（版画）；77 x 56 厘米（纸张）；92 x 72 厘米（画框）。 这幅蚀刻和碳化硅雕刻作品创作于 1973 年，由巴塞罗那的 Sala Gaspar 在庆祝 Joan Miró 诞辰 80 周年之际出版。这幅作品的构图令人浮想联翩，灵感似乎来自微观生命。黑色背景上的白色线条飘动着自己的生命，创造出一个近乎外星的世界。蓝色和红色的闪光在某些区域迸发，增添了神秘感。 琼-米罗在巴塞罗那的隆亚学院和加利学院接受培训。早在 1918 年，他就在巴塞罗那达尔莫画廊举办了自己的首次画展。1920 年，他移居巴黎，结识了毕加索、雷纳尔、马克斯-雅各布、扎拉和达达主义者。在那里，在超现实主义诗人和画家的影响下，他的风格日趋成熟；他试图将超现实主义诗歌移植到视觉中，以记忆、幻想和非理性为基础。从那时起，他的画风开始演变，作品更加空灵，有机的形式和人物被简化为抽象的点、线和色斑。1924 年，他签署了第一份超现实主义宣言，尽管其作品的演变过于复杂，无法将其归属于任何特定的正统派。1928 年，他在巴黎举办的第三次展览是他的首次重大胜利：纽约现代艺术博物馆收藏了他的两幅作品。1941 年，他回到西班牙，同年，博物馆为他举办了回顾展，这意味着他在国际上的最终归属。五十年代，他开始尝试其他艺术媒介，如雕刻、石版画和陶瓷。从 1956 年到 1983 年去世，他一直生活在马略卡岛帕尔马，处于一种内部流放状态，而他的国际声誉却与日俱增。他一生获奖无数，如 1954 年威尼斯双年展大奖、1959 年古根海姆基金会大奖、1966 年卡内基绘画奖、加泰罗尼亚自治区金奖（1978 年）和美术金奖（1980 年），并被哈佛大学和巴塞罗那大学授予荣誉博士学位。如今，在 1975 年落成的巴塞罗那 Joan Miró 基金会，以及世界各地的主要当代艺术博物馆，如蒂森-博内米萨美术馆、纽约现代艺术博物馆、马德里索菲亚王后博物馆、华盛顿国家美术馆、巴黎现代艺术博物馆和水牛城 Albright-Knox 美术馆，都能看到他的作品。

估价 4 000 - 5 000 EUR

编号 50 - 弗朗西斯科-法雷拉斯-里卡尔（FRANCISCO FARRERAS RICART，1927 年出生于巴塞罗那，2021 年出生于马德里）。 "抽象"，波苏埃洛，1977 年。 纸上混合媒介，粘在木板上。 背面有签名、年代和位置。 尺寸：100 x 100 厘米，102 x 102 厘米（框架）。 弗朗西斯科-法雷拉斯-里卡特年轻时就开始了他的艺术生涯，这至少要感谢安东尼奥-科梅斯-卡诺-德-穆尔西亚和马里亚诺-科西奥。他在马德里的圣费尔南多学校继续学徒生涯，并于 1949 年获得绘画教授头衔。50 年代末，他的作品以几何图形为主，使用厚重的材料；后来，他发现了绢纸，并通过大量的拼贴画开发了这种材料的可能性，尤其是自 1954 年开始职业艺术生涯以来，他的作品在西班牙国内外众多城市（马德里、纽约、慕尼黑、洛格罗尼奥、希洪、埃尔切、里斯本、波尔图、阿利坎特、柏林、布宜诺斯艾利斯、格拉纳达、德国拉尔、马略卡岛、日内瓦、加利福尼亚等）展出。作品还被世界各地的众多私人收藏，以及马德里索菲亚王后国家艺术中心博物馆、宾夕法尼亚州匹兹堡卡内基学院、葡萄牙阿尔马达当代艺术中心、夏威夷檀香山艺术学院等机构收藏、瑞士 Chaux de Fonds 美术馆、巴黎国家现代艺术博物馆、马德里当代艺术博物馆、毕尔巴鄂美术馆、巴利亚多利德 Patio Herreriano 博物馆、奥地利维也纳 20 世纪博物馆等。

估价 4 000 - 5 000 EUR

编号 51 - 安东尼-塔皮斯-普伊格（ANTONI TÀPIES PUIG，巴塞罗那，1923 - 2012）。 作曲。12/03/1992. 纸上水彩和墨水。 下方空白处有签名和日期。 尺寸：26 x 26 厘米；82 x 82 厘米（纸张）：26 x 26 厘米；82 x 82 厘米（纸张）。 塔皮埃斯的这幅纸上作品是 "Celebració de la mel"（1992-1993 年）展览中展出的作品集的一部分，这些作品的共同点是以非传统的方式使用清漆。通过清漆，塔皮埃斯玩转了透明度、亮度和书法暗示。 安东尼-塔皮斯是在肺病长期疗养期间开始接触艺术的。他逐渐更加专注于素描和绘画，最终放弃了法律专业的学习，全身心地投入到艺术创作中。1948 年，他成为 "Dau al Set "的共同创始人，并开始在巴塞罗那的十月沙龙以及 1949 年在马德里举办的一次沙龙中展出。在 Layetanas 画廊举办首次个人画展后，他于 1950 年获得法国学院奖学金前往巴黎。在这几年中，他开始参加威尼斯双年展，并再次在 Layetanas 举办展览，在芝加哥举办展览后，他于 1953 年在纽约玛莎-杰克逊画廊举办了个展。此后，他的联展和个展遍布世界各地，在纽约古根海姆美术馆和巴黎现代艺术博物馆等著名美术馆和博物馆举办。他曾荣获阿斯图里亚斯亲王奖、日本美术协会皇室勋章、国家文化奖、法国绘画大奖等奖项，东京（1976 年）、纽约（1977 年和 2005 年）、罗马（1980 年）、阿姆斯特丹（1980 年）、马德里（1980 年）、威尼斯（1982 年）、米兰（1985 年）、维也纳（1986 年）和布鲁塞尔（1986 年）都为他专门出版了选集。他的作品被世界各大博物馆收藏，如巴塞罗那以他名字命名的基金会、马德里索菲亚王妃博物馆、柏林、毕尔巴鄂和纽约的古根海姆博物馆、日本福冈美术馆、纽约现代艺术博物馆和伦敦泰特美术馆。

估价 4 000 - 5 000 EUR

编号 54 - 戈特弗里德-洪格尔（GOTTFRIED HONEGGER，苏黎世，1917-2016）。 "红色浮雕》，1986 年。 木板绘画。 背面有签名和日期。 背面有标签 "Wohnbedarf, Zürich"。 尺寸：19.5 x 19.5 厘米：19.5 x 19.5 厘米。 作为具体艺术的杰出代表，戈特弗里德-霍内格（Gottfried Honegger）直到生命的最后一刻仍忠实于这一抽象运动的原则。这幅极简主义作品属于艺术家成熟时期的作品，当时他已经获得了国际认可，其乌托邦式的主张也对艺术界产生了影响。 戈特弗里德-霍内格是瑞士艺术家和收藏家。他曾在苏黎世艺术学院学习橱窗设计，1948 年起在该校任教。他早期从事商业平面设计。1955 年至 1958 年，他担任 Geigy 公司的艺术总监。1958 年至 1960 年，他居住在纽约，并在那里举办了首次展览。1961 年，他移居巴黎，专注于绘画，重点探索圆形和方形；从 1968 年开始，他从事雕塑工作。此外，霍内格还在德克萨斯州达拉斯大学担任过一段时间的驻校艺术家。戈特弗里德-霍内格是美国和欧洲公认的最具独创性的混凝土艺术创作者之一。他创作了大量不朽的作品。他的作品围绕同一主题展开：体积、结构、碑....。在保持马克斯-比尔（Max Bill）和洛斯-理查德（Lhose Richard）的具体艺术影响的同时，霍内格在二十世纪六七十年代转向了某种垂直数学编程。计算机的使用使他得以发展自己的造型研究。在法国文化部杰克-朗（Jack Lang）的指导下，他被授予艺术和文学勋章；1999 年，他成为法国荣誉军团成员。1990 年，他与西比尔-阿尔伯斯（Sybil Albers）共同创建了 "简洁艺术空间"（穆昂-萨尔图），该空间由他们的收藏组成。2015 年，巴黎蓬皮杜艺术中心为这位独一无二的艺术家举办了回顾展，他的作品被包括纽约现代艺术博物馆在内的多家大型博物馆收藏。

估价 5 000 - 6 000 EUR

编号 55 - JORGE CASTILLO CASALDERREY（蓬特韦德拉，1933 年）。 "欧洲，从黑暗中回归》，2022 年。 布面丙烯，粘在木板上。 附有艺术家签发的证书。 背面有签名、日期和位置。 尺寸：162 x 130 厘米：162 x 130 厘米。 卡斯蒂略的静物画充满了幻想和装饰感，这种装饰感源自马蒂斯。他的画作由各种形式构成，这些形式在空间中展开，具有极强的造型独创性。树枝、树叶、小鸟和水果悬浮或栖息在桌子上，或作为支撑物使其与画作背景保持平衡。 豪尔赫-卡斯蒂略从小就对绘画情有独钟，10 岁时他就用彩色铅笔临摹了鲁本斯的第一幅作品。卡斯蒂略说，鲁本斯的画让他了解了布拉克和毕加索的立体主义。他曾在阿根廷、西班牙、法国、意大利、德国和美国生活过，自 2008 年起一直居住在伊维萨岛。他在布宜诺斯艾利斯长大，在那里，他长时间待在港口，并致力于绘画和写作。大约在这个时候，他开始展示自己的画作，甚至在五月沙龙（Salón de Mayo）举办过画展。他还在杂志上发表诗歌和短篇小说。然而，在 22 岁时，他决定离开自己的城市前往巴黎。然而，由于经济原因，他在西班牙，特别是马德里定居下来。1957 年至 1963 年间，他在那里度过了六年时光，其中前三年过着流浪生活。然而，他与 Viola 和 Jorge Cela 的接触改变了他的人生轨迹，他们对他的画作印象深刻。在这些年里，他逐渐转向雕刻技术，从此雕刻成为他的主要表现手段之一。在路易斯-冈萨雷斯-罗夫莱斯（Luis González Robles）的保护下，他开始崭露头角，售出了自己的第一批作品，并建立了一些重要的人脉关系，1960 年，罗夫莱斯带他参加了圣保罗双年展。在那里，他的作品赢得了评论家们的赞誉，让人大吃一惊。在那些年里，他还在马德里和巴塞罗那，以及旧金山、里斯本、匹兹堡和东京举办了展览。1964 年，也就是他参加威尼斯双年展的那一年，巴黎的大门终于向他敞开，这要归功于他与艺术品经销商 André Schoeller 签订的合同。他在法国首都定居了近四年，直到 1967 年，在那里他定期参观卢浮宫博物馆，并继续举办越来越成功的展览。1967 年，卡斯蒂略离开巴黎，搬到日内瓦，因为肖勒将他的合同卖给了瑞士人扬-克鲁吉尔（Jan Krugier），后者当时是欧洲最重要的画廊老板之一。然而，他并不喜欢这座城市，于是搬到了意大利的博伊萨诺。1969 年，他应德国政府邀请前往柏林工作，并在那里一直生活到 1975 年。1970 年，他在德国首都的国家美术馆举办了展览，这是他职业生涯中第一个专门针对特定时期的大型博物馆展览。离开柏林后，卡斯蒂略移居巴塞罗那，此时他已成为欧洲和美国公认的画家。在那里，他定期在琼-普拉茨画廊举办画展，并结识了萨尔瓦多-达利。大约在这个时候，他开始访问纽约，并最终于 1981 年在纽约定居，直到 1992 年。在那里，他受雇于著名的马尔伯勒画廊，并不断取得成功。在整个职业生涯中，卡斯蒂略先后获得了达姆施塔特国际素描（1964 年）和绘画（1975 年）奖、庞特韦德拉市奖（1994 年）等奖项。

估价 4 000 - 5 000 EUR

编号 56 - JEFF KOONS（美国，1955 年）代表最高法院。 "猴子列车"，2006 年 加拿大木材上的丝网印刷。 滑板。 限量发行 500 件。 附印刷签名。 略有缺失。 尺寸：80 x 19 厘米：80 x 19 厘米。 杰夫-昆斯的限量版滑板系列由纽约传奇精品店 Supreme 生产，其银色表面处理使其外观与杰夫-昆斯的版画相似。杰夫-昆斯的《猴子火车》（2006 年）丝网版画将气球猴子的脸部照片叠加在沃霍尔风格的蒸汽火车背景上。蒸汽火车是资本主义爆炸的先驱，而庸俗的猴子则探索了当代商业美学的脉络，突出了昆斯在早期波普艺术基础上的不断创新。 自 20 世纪末以来，杰夫-昆斯一直是国际舞台上的重要艺术家，他的艺术语言带有媚俗的色彩，通常采用不朽的形式。他曾在芝加哥艺术学院和马里兰艺术学院学习绘画，不过在转向艺术创作之前，他曾在华尔街做过一段时间的股票经纪人。20 世纪 80 年代，他开始声名鹊起，并很快模仿沃霍尔的 "工厂 "模式，开设了一家拥有 30 名助手的工作室。作为艺术企业家的先驱，他聘请了一家广告公司来推广自己的形象，这是前所未有的。作为最炙手可热的在世艺术家之一，昆斯在整个艺术生涯中获奖无数，其中包括柏林 BZ 文化奖（2000 年）、法国荣誉军团骑士勋章（2001 年，2007 年正式授予）、波士顿美术馆学校奖章（2003 年）、当选美国艺术与科学院院士（2005 年）、华盛顿特区美国艺术协会艺术成就奖（2006 年）、沃尔艺术奖（2007 年）、美国艺术协会艺术成就奖（2007 年）。2006 年）、伦敦皇家学院沃拉斯顿奖（2008 年）、纽约所罗门古根海姆博物馆罗伯-普鲁伊特奖（2009 年）、皇家学院荣誉院士（2010 年）、华盛顿国务院艺术奖章（2012 年）等。目前，他的作品被世界各地的主要博物馆收藏，包括纽约、毕尔巴鄂和柏林的古根海姆博物馆，纽约现代艺术博物馆，伦敦泰特美术馆，凡尔赛宫，丹麦阿肯现代艺术博物馆，纽约惠特尼美国艺术博物馆，洛杉矶县艺术博物馆，威尼斯格拉西宫，阿姆斯特丹市立博物馆和旧金山现代艺术博物馆。 它有一个小缺点。

估价 3 500 - 4 000 EUR

编号 57 - 扬-穆尔德（JAN MULDER）（比利时，1895-1988 年）。 女神 布面油画。 画框上有标签。 尺寸：48 x 54 厘米；54 x 60 厘米（画框）：48 x 54 厘米；54 x 60 厘米（画框）。 扬-穆德（Jan Mulder）向我们展示了一幅充满形而上学灵感和立体主义痕迹的画布，画中的女性人物无头、无手、无脚。简洁的形式赋予了作品诗意和令人回味的特点。 扬-穆德（Jan Mulder）在马斯特里赫特长大，1906 年移居阿姆斯特丹，并就读于专业艺术学校。第一次世界大战后，他曾担任剧院装饰设计师、室内设计师和广告艺术家，后来发展成为一名画家。他与阿姆斯特丹的前卫艺术圈有过接触，并在那里结识了埃里希-维赫曼（Erich Wichmann）、劳伦斯-范-库艾克（Laurens van Kuijck）、皮特-蒙德里安（Piet Mondriaan）和提奥-范-多斯伯格（Theo van Doesburg）等人。1921 年，他前往古巴、墨西哥和美国旅行。一年后，他在鹿特丹的 De Branding 首次展出了自己的画作。1925 年至 1931 年间，他在法国生活和工作，先是在巴黎，与埃里希-维赫曼（Erich Wichmann）一起在 "国际装饰艺术博览会 "的荷兰馆工作，后来又在滨海埃塔普尔（Etaples-sur-Mer）渔村工作。他是 "Les vrais Indépendents"（真正的印度人）的成员，并在其中展出。回到阿姆斯特丹后，他成为 De Independents 董事会成员和画家协会 De Brug 主席。他每年都与后一个团体一起在阿姆斯特丹 Stedelijk 博物馆举办展览。1946/47 年，他连续两次获得荷兰-瑞典凡高委员会的资助，前往瑞典逗留。因此，他于 1947 年在瑞典永久定居。

估价 5 000 - 6 000 EUR

编号 58 - 扬-穆尔德（JAN MULDER）（比利时，1895-1988 年）。 "双重性 布面油画。 背面贴有莱顿拉肯哈姆斯泰德莱克博物馆的标签。 这幅作品是 1993 年 Van Langenhove 画廊举办的扬-穆德回顾展的一部分。 尺寸：53 x 65 厘米；58 x 70 厘米：53 x 65 厘米；58 x 70 厘米（画框）。 扬-穆尔德为我们展示了一幅具有形而上学灵感和超现实主义痕迹的作品，其中两个没有头、手或脚的女性形象合二为一，背对着对方，但却有着巨大的联系。简洁的形式赋予了这幅作品诗意和令人回味的特点，以极少的资源向我们讲述了人类的双重性。 扬-穆德（Jan Mulder）在马斯特里赫特长大，1906 年移居阿姆斯特丹，并就读于专业和艺术学校。第一次世界大战后，他曾担任剧院装饰设计师、室内设计师和广告艺术家，后来发展成为一名画家。他与阿姆斯特丹的前卫艺术圈有过接触，并在那里结识了埃里希-维赫曼（Erich Wichmann）、劳伦斯-范-库艾克（Laurens van Kuijck）、皮特-蒙德里安（Piet Mondriaan）和提奥-范-多斯伯格（Theo van Doesburg）等人。1921 年，他前往古巴、墨西哥和美国旅行。一年后，他在鹿特丹的 De Branding 首次展出了自己的画作。1925 年至 1931 年间，他在法国生活和工作，先是在巴黎，与埃里希-维赫曼（Erich Wichmann）一起在 "国际装饰艺术博览会 "的荷兰馆工作，后来又在滨海埃塔普尔（Etaples-sur-Mer）渔村工作。他是 "Les vrais Indépendents"（真正的印度人）的成员，并在其中展出。回到阿姆斯特丹后，他成为 De Independents 董事会成员和画家协会 De Brug 主席。他每年都与后一个团体一起在阿姆斯特丹 Stedelijk 博物馆举办展览。1946/47 年，他连续两次获得荷兰-瑞典凡高委员会的资助，前往瑞典逗留。因此，他于 1947 年在瑞典永久定居。

估价 5 000 - 6 000 EUR

编号 59 - SUSO33（马德里，1973 年）。 "隐藏".2010。 画布上的合成珐琅。 背面有签名和日期。 背面有巴塞罗那 N2 画廊的标签。 尺寸：130 x 97 厘米：130 x 97 厘米。 多才多艺的艺术家，在 2010 年的这幅画作中，作者涉足色彩斑斓、充满活力的抽象画，在其密集的五彩描边下，似乎画出了难以捉摸的具象形式，对我们的感知提出了质疑。这幅画的标题由此而来，似乎在暗示着恐怖的虚空之下隐藏着另一种现实。同样，这幅特殊的画作也源于艺术家在一些访谈中讲述的那些实验，他在 11 岁时就已经开始在涂鸦世界中使用一种个人风格，即在不提起工具的情况下用连续的线条作画。 在运动中绘画，即身体的姿态和痕迹，是 SUSO33 作品的精髓所在。作为涂鸦界的国际知名人士，三十年来，他一直在尝试行动绘画、壁画、表演、装置和视频艺术、短暂环境、街头或自然环境，向空间及其居民的记忆致敬。光是主角，无论是在户外（重视自然条件）还是在舞台上，他都使用了新技术。他的作品 "穿越身体"，远离理论推测。他对社会的非人化现象持批判态度，其最新作品深入探讨了精神之路。 Suso33 被认为是西班牙涂鸦、城市艺术和壁画的代表人物之一。他是图标涂鸦和这一领域语言实验的先驱，也是后涂鸦、街头艺术和城市艺术的先驱，还是西班牙最伟大的现场绘画传播者。他的作品受到当时嘻哈和城市文化的影响。在他的职业生涯中，Suso33 尝试了各种技术和风格，包括绘画、拼贴、装置、视频艺术、表演和场景设计。他的作品具有强烈的象征意义、鲜艳的色彩和动态的构图。他的风格经历了不同的阶段和风格。在一些画作中，他通过描绘人物形象来探索身份认同和异化等主题，而在另一些画作中，他则深入到抽象主义中。城市是他作品中另一个反复出现的主题，反映了他对城市文化和当代生活的兴趣。近年来，Suso33 在作品中融入了自然元素，以此反思人类与环境之间的关系。Suso33 在世界各地的画廊和博物馆展出过自己的作品，包括马德里索菲亚王后博物馆、巴黎蓬皮杜艺术中心和伦敦泰特现代美术馆。他曾多次参加城市艺术节，并与国际知名艺术家合作。

估价 5 000 - 6 000 EUR

编号 60 - SERGI AGUILAR（巴塞罗那，1946 年）。 无题。1974. 黑色大理石。 木质底座。 略有瑕疵。 尺寸：17 x 36 x 36 厘米：17 x 36 x 36 厘米。 这件雕塑作品由两个黑色大理石模块组成，可在方形木质底座上塑造出不同的位置。塞尔吉-阿吉拉尔（Sergi Aguilar）在这件作品中探索了模块化极简主义雕塑的可塑性和概念可能性，与唐纳德-贾德（Donald Judd）的风格接近。 1962 年至 1967 年，塞尔吉-阿吉拉尔在巴塞罗那马萨纳学校（Escola Massana）开始了他的学业，同时还就读于利布尔艺术学院（Conservatori de les Arts del LLibre）。在随后的四年中，他继续接受培训，并前往巴黎、伦敦、布拉格、斯图加特和梅诺卡岛等地进修。1972 年，受胡里奥-冈萨雷斯、康斯坦丁-布兰库西和俄罗斯建构主义艺术家作品的影响，他开始从事雕塑工作。从 1993 年起，他将艺术创作扩展到绘画和摄影，尽管他将绘画和摄影作为创作雕塑的载体，将其与结构相结合或转化为体积。塞尔吉-阿吉拉尔曾在欧洲、美国和日本举办个展和联展，并在纽约古根海姆博物馆、匹兹堡卡内基艺术博物馆、里斯本古尔班基安基金会等地展出。他的作品还被众多私人和公共机构收藏，如巴塞罗那的 MACBA、Fundació "La Caixa"、Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia、马德里的 Fundación Juan March 等。

估价 4 000 - 5 000 EUR

编号 61 - 丹尼斯-奥本海默（DENNIS OPPENHEIM，1938 年生于华盛顿，2011 年卒于纽约）。 "您的忠实"，选自 "来自天空的致敬 "系列，2005 年。 照片。 限量 3 幅。 右下角有签名和日期。 尺寸：122 x 123 厘米：122 x 123 厘米。 奥本海姆与罗伯特-史密森（Robert Smithson）或沃尔特-德-玛利亚（Walter de Maria）共同创造了 "土地艺术 "或 "地球艺术"，在他的 "天空致敬 "系列作品中，奥本海姆从鸟瞰角度拍摄并处理加利福尼亚州萨克拉门托河的河道。这一提案揭示了天空与大地之间无形的联系，通过这一提案，观众可以读出 "永远"、"再见"、"吻 "或 "忠实的你 "等字眼，这些字眼来自河流本身，因为它蜿蜒穿过美国的动植物群和土地。 丹尼斯-奥本海姆是世界知名的美国平面艺术家和雕塑家，曾在加利福尼亚工艺美术学校接受培训。在接触了 20 世纪最受欢迎的几代艺术家之后，他成为观念艺术的先驱之一，并率先成为行为艺术家。20 世纪 60 年代末，他与其他艺术家一起，作为 "土地艺术运动 "的代表，获得了公众的认可。他还以探索创作者与观众之间关系的作品崭露头角。他还从事人体艺术和以摄影、录像和文字为主要材料的表演。奥本海姆的作品被 70 多个世界顶级博物馆、收藏馆和公共场所收藏，如韩国国立现代艺术博物馆、纽约大都会博物馆和纽约现代艺术博物馆、惠特尼美国艺术博物馆、伦敦泰特现代美术馆和巴塞罗那 MACBA。在西班牙，他的作品于 2005 年在马德里索菲亚王妃博物馆展出，2004 年在巴利亚多利德的克里斯托巴尔-加巴隆博物馆基金会举办的回顾展上展出，随后在马德里的 Círculo de Bellas Artes 和其他城市巡回展出。

估价 4 500 - 5 000 EUR

编号 62 - 丹尼斯-奥本海默（DENNIS OPPENHEIM，1938 年生于华盛顿，2011 年卒于纽约）。 "告别》，选自 "来自天空的致敬 "系列，2005 年。 照片。 限量发行 3 册。 右下角有签名和日期。 尺寸：123 x 122 厘米。 奥本海姆与罗伯特-史密森（Robert Smithson）或沃尔特-德-玛利亚（Walter de Maria）共同创造了 "土地艺术 "或 "地球艺术"，在他的 "天空致敬 "系列作品中，奥本海姆从鸟瞰角度拍摄并处理加利福尼亚州萨克拉门托河的河道。这一提案揭示了天空与大地之间无形的联系，通过这一提案，观众可以读出 "永远"、"再见"、"吻 "或 "忠实的你 "等字眼，这些字眼来自河流本身，因为它蜿蜒穿过美国的动植物群和土地。 丹尼斯-奥本海姆是世界知名的美国平面艺术家和雕塑家，曾在加利福尼亚工艺美术学校接受培训。在接触了 20 世纪最受欢迎的几代艺术家之后，他成为观念艺术的先驱之一，并率先成为行为艺术家。20 世纪 60 年代末，他与其他艺术家一起，作为 "土地艺术运动 "的代表，获得了公众的认可。他还以探索创作者与观众之间关系的作品崭露头角。他还从事人体艺术和以摄影、录像和文字为主要材料的表演。奥本海姆的作品被 70 多个世界顶级博物馆、收藏馆和公共场所收藏，如韩国国立现代艺术博物馆、纽约大都会博物馆和纽约现代艺术博物馆、惠特尼美国艺术博物馆、伦敦泰特现代美术馆和巴塞罗那 MACBA。在西班牙，他的作品于 2005 年在马德里索菲亚王妃博物馆展出，2004 年在巴利亚多利德的克里斯托巴尔-加巴隆博物馆基金会举办的回顾展上展出，随后在马德里的 Círculo de Bellas Artes 和其他城市巡回展出。

估价 4 500 - 5 000 EUR

编号 64 - 米格尔-马卡亚（MIGUEL MACAYA）（桑坦德，1964 年）。 "牛"。 布面油画。 背面有签名。 尺寸：180 x 200 厘米；195 x 215 厘米（有框）。 米格尔-马卡亚（Miguel Macaya）是一位享誉国内外的画家，1986 年，他在自己的家乡潘乔-科西奥（Pancho Cossío）画廊举办了个人画展。两年后，他在巴塞罗那的 Cartoon 画廊展出了自己的作品，90 年代，他开始在马德里举办画展：1994 年和 1997 年在 Jorge Albero 画廊，1996 年和 1999 年在 Nolde 画廊，等等。1999 年，他在巴黎 Arcturus 画廊举办个展，实现了国际飞跃。次年，他在巴塞罗那著名的 Sala Parés 画廊展出了自己的作品。此后，他一直与这家画廊合作。他继续定期在西班牙、法国、荷兰、德国和英国举办个人画展。他还参加了比利时那慕尔艺术博览会（Antica Namur）、斯特拉斯堡艺术博览会（2014 年）、马德里 Arco 艺术博览会（2001 年）、英国首都伦敦艺术博览会（2008 年）和马德里艺术博览会（2011-2015 年）等。与此同时，自 1992 年以来，他还参加了重要的国内和国际联展。第一次是 1992 年在伦敦 Delfina Studio Trust 举办的展览，随后又在布宜诺斯艾利斯雷科莱塔设计中心（1998 年）、巴塞罗那维拉卡萨斯基金会（1999 年）、阿姆斯特丹 Vieleers 画廊（2003 年）等地举办了其他重要展览。马卡亚的作品具有强烈而阴暗的表现力，以及戈雅式的风格，这在他的斗牛作品中尤为明显。在这个意义上，评论家恩里克-林奇（Enrique Lynch）写道，他的画作 "将目光引向崇高，正是因为它没有放弃光明，而是将我们引向视觉的黑暗面：引向我们无法（或不愿）看到的东西，引向他笔下人物背对着我们的未知背景"。无论如何，这是一部玩弄神秘的作品，玩弄只揭示部分明暗关系的游戏，玩弄向观众提出问题的游戏。米格尔-马卡亚目前在维拉-卡萨斯基金会（Fundació Vila Casas）担任代表，并曾获得萨瓦德尔-萨拉-帕雷斯银行基金会颁发的青年绘画一等奖（2001 年）。

估价 6 000 - 7 000 EUR

编号 65 - 阿尔诺-布雷克（ARNO BREKER，德国埃尔伯费尔德，1900 年-德国杜塞尔多夫，1991 年）和萨尔瓦多-达利-伊-多姆内奇（SALVADOR DALÍ I DOMÈNECH，赫罗纳菲格雷斯，1904-1989 年）。 "达利-变形记"，1974-1975 年。 部分镀金青铜。黑色大理石底座。 有阿诺-布雷克的签名和年代。 有 Venturi Arte Bologna 铸造厂的印章。 展览： - 向萨尔瓦多-达利致敬"，德国诺尔维尼希城堡，由当时的王子菲利普六世主持开幕式，1991 年。 - 萨尔瓦多-达利诞辰一百周年"，2004 年，由西班牙国王胡安-卡洛斯一世和王后索菲亚赞助。 尺寸27 x 25 x 15 厘米（不含底座）；35 厘米（含底座）。 1974 年，萨尔瓦多-达利邀请他非常欣赏的德国雕塑家阿尔诺-布雷克参加西班牙菲格拉斯达利博物馆的落成典礼。在那里，这位德国人展出了达利本人要求制作的让-科克托的半身大理石雕像，他在讲述这段经历时说："在他的演讲结束后，他亲自带领客人们参观了博物馆。当我们走到半身雕像所在的房间时，他问道："布雷克在哪里？他们在找我，我走近他。达利的话题转向了我。当着观众的面，他紧紧地拥抱了我 并感谢我将科克托的半身像赠送给了博物馆就这样，从这一刻到下一刻，他们从我手中夺走了半身像。但达利的魅力让我无法拒绝"。(摘自 Arno Breker 的 Schriften 一书）。翌年，两位艺术家在会面时和睦相处，开始了合作，最终完成了 10 件独一无二、不可复制的雕塑作品。为此，布雷克为这位菲格拉斯艺术家创作了独特的肖像画，后来达利本人也参与了创作，赋予了这些作品独特的超现实主义风格。 画家兼雕塑家萨尔瓦多-达利是超现实主义运动最伟大的代表人物之一。他的作品极大地影响了二十世纪二十年代和三十年代超现实主义的进程，被誉为 "超现实批判法 "的创造者，是现实与想象的重要结合。他的大部分作品收藏在菲格拉斯达利剧院博物馆，其次是佛罗里达州圣彼得堡萨尔瓦多-达利博物馆、马德里索菲亚王妃博物馆、加利福尼亚州太平洋帕利塞德萨尔瓦多-达利画廊、巴黎蒙马特达利空间或伦敦达利世界。 阿诺-布雷克于 1920 年进入杜塞尔多夫美术学院学习，1927 年移居巴黎，在那里他开始熟悉罗丹和查尔斯-德斯皮奥的作品。1931 年，他前往罗马。在佛罗伦萨的一次旅行中，他看到了米开朗基罗的《大卫》，这对他来说 "就像一个宇宙的召唤，就像一个命令，纯粹的神秘主义"，让他投身于现实与和谐的雕塑。1936 年，在柏林奥林匹克运动会期间，他接受了为体育场建造三座雕像的委托。1938 年，他接受了为新总理府入口处建造两座不朽雕像的委托，这两座雕像标志着他作品的命运。一周后，当他提交 "火炬手 "和 "持剑者 "的设计方案时，阿道夫-希特勒被其设计所征服，这标志着布雷克职业生涯中最富有成果时期的开始，因为他成为了政权的官方雕塑家。直到 1945 年，他一直在为第三帝国首都的广场和大道进行雕塑创作。然而，在第二次世界大战期间，他的作品连四分之一都未能幸免于敌军的轰炸和侵略军的破坏。二战结束后，布雷克继续致力于建筑和雕塑，1955 年在科隆为一家保险公司建造的建筑和摩洛哥国王穆罕默德五世的马术雕像就是证明。萨尔瓦多-达利（Salvador Dalí）、埃兹拉-庞德（Ezra Pound）、运动员乌尔里克-梅法特（Ulrike Meyfarth）和汉斯-海因里希-蒂森-博尔内米萨男爵（Baron Hans Heinrich Thyssen-Bornemisza）都是这位雕塑家的作品。

估价 7 000 - 8 000 EUR

编号 66 - 鸟山明（AKIRA TORIYAMA，日本爱知县名古屋市，1955-2024 年）。 "悟饭细胞体。龙珠"。 14 个赛璐珞加上两个背景。 附有制作公司用于制作这些醋酸纤维的原图。 尺寸：25 x 27 厘米（x14）；27 x 40 厘米（x2）：25 x 27 厘米（x14）；27 x 40 厘米（x2）。 这批作品包括两个背景和 14 个纤维胶片，其中模拟了一次爆炸，龙珠中的悟饭从爆炸中跑了出来。这套模型代表了《龙珠》系列中的一个完整序列。悟饭的名字来源于日语中的 "gohan"，意为 "煮熟的米饭 "或 "各种食物"），是鸟山食物命名法的延续。在构思悟饭这一角色时，鸟山最初为他设计了眼镜或夹克，而在最终的设计中，他的头发通常是尖尖的。随着细胞大战的结束，悟饭本打算取代父亲成为主角。然而，鸟山认为与父亲相比，悟饭不适合这个角色，因此后来决定放弃。 鸟山明是《龙珠》和《坍塌博士》的创作者，被认为是改变漫画历史的艺术家之一。他因 1980 年至 1984 年间出版的《坍塌博士》一举成名。由于这部作品，他于 1981 年获得了小学馆出版社颁发的漫画奖。这部漫画获得了广泛的认可。漫画一共出版了 18 卷（西班牙出版了 40 卷，由 Planeta de Agostini 出版），电视连续剧也超过了 240 集。坍塌博士》讲述了典卷仙兵卫教授和他创造的一个 10 岁女孩形状的机器人，以及一个名叫企鹅村的奇怪地方的其他居民的具有讽刺意味的疯狂冒险故事。鸟岛建议鸟山既然喜欢功夫电影，就应该创作一部功夫漫画。于是，由两部分组成的《龙之少年》在 1983 年 8 月和 10 月的《Fresh Jump》上出版。龙少年》广受好评，并于 1984 年演变成《龙珠》系列。在创作风格方面，鸟山欣赏手冢治虫的《铁臂阿童木》，并对沃尔特-迪斯尼的《一百零一只斑点狗》留下了深刻印象。他是香港武侠片的影迷，尤其是李小龙和成龙的武侠片，前者如《猛龙过江》（1973 年），后者如《醉拳》（1978 年）。他还提到科幻电影《异形》（1979 年）和《银河探险》（1999 年）对他的影响。鸟山表示，他受到了动画师芦田丰雄（Toyoo Ashida）和改编自他自己的《龙珠》的电视系列动画片的影响，从中学到了将颜色分开而不是混合会使艺术更简洁和上色插图更容易。

估价 5 000 - 6 000 EUR

编号 68 - 亨利-卡蒂埃-布里松（HENRI CARTIER-BRESSON，1908 年生于法国香特罗普-恩布里，2004 年生于法国塞雷斯泰）。 "1959 年，纽约，林肯-克尔斯廷（Lincoln Kirstein）在美国芭蕾舞学校观看舞蹈课。 明胶银版。后期印刷。 墨水签名。 出处：纽约 Alona Kagan 画廊：纽约 Alona Kagan 画廊。 尺寸：36.5 x 25 厘米；40.3 x 30.7 厘米（画框）：36.5 x 25 厘米；40.3 x 30.7 厘米（框架）。 纽约现代艺术博物馆收藏的这张照片是 1968 年的复制品，照片中的人物是著名的林肯-克尔斯廷（Lincoln Kirstein），他是美国作家、企业家、慈善家和纽约市的文化名人。他是纽约市芭蕾舞团的创始人之一。克尔斯廷凭借他的组织和筹款能力发展并维持了芭蕾舞团四十多年，从 1946 年到 1989 年一直担任舞团的总经理。 亨利-卡蒂埃-布列松（Henri Cartier-Bresson）是法国艺术家和人文主义摄影师，被誉为摄影大师和 35 毫米胶片的早期使用者。他开创了街头摄影的先河，认为摄影就是捕捉决定性的瞬间。1931 年，他前往象牙海岸进行了第一次重要的报告文学旅行。他还在纽约与保罗-斯特兰德（Paul Strand）一起积累了经验。1937 年夏末，在贝尔希特战役之前，他与《新剧院》杂志前编辑赫伯特-克莱恩（Herbert Kline）和摄影师雅克-勒马尔（Jacques Lemare）一起前往西班牙，拍摄一部关于西班牙内战期间美国医疗局的纪录片。他们在离马德里不远的塞莱斯（Saelices）的国际旅医院帕斯别墅（Villa Paz）进行了拍摄，并在巴伦西亚海岸的贝尼卡西姆（Benicàssim）别墅拍摄了志愿军伤员的康复情况。他们还参观了萨拉戈萨附近 Quinto 的林肯旅，并拍摄了电影《林肯旅在西班牙》（With the Abraham Lincoln Brigade in Spain）。1937 年至 1939 年，卡蒂埃-布列松担任让-雷诺阿三部影片的助理导演，其中包括《游戏规则》。1940 年，他在德国度过了近三年的战俘生活。在被误认为死于战争之后，纽约现代艺术博物馆于 1947 年为卡蒂埃-布列松举办了一次大型 "死后 "回顾展。同年，他与罗伯特-卡帕（Robert Capa）、大卫-西摩（David Seymour）和乔治-罗杰（George Rodger）一起，在纽约成立了马格南图片社，旨在保护摄影师作品的版权。卡蒂埃-布列松是第一位获准在 1955 年巴黎卢浮宫举办展览的摄影师。他的摄影作品被收录并发表在 Images à la sauvette（1952 年，《过往的影像》）、D'une Chine à l'autre（1968 年，《中国的昨天和今天》）和 Moscou（1955 年，《莫斯科》）等杂志上。1972 年，卡蒂埃-布列松停止了专业摄影工作，全身心地投入到绘画艺术中。1974 年，他当选为美国艺术与科学院院士。

估价 5 000 - 6 000 EUR

编号 69 - 胡安-埃尔南德斯-皮胡安（JOAN HERNÁNDEZ PIJUAN，巴塞罗那，1931 - 2005）。 无题》，1956 年。 纸面油画，粘在木板上。 左上角有签名、年代和献辞。 尺寸：50 x 64 厘米；81 x 97 厘米（框架）：50 x 64 厘米；81 x 97 厘米（画框）。 这幅纸上油画属于该艺术家早期的作品，在这一阶段，他受到前卫表现主义和罗马式艺术的影响，对形式简化产生了浓厚的兴趣。 琼-埃尔南德斯-皮胡安在巴塞罗那开始接受培训，先后就读于拉隆亚和圣约尔迪美术学院，之后在巴黎美术学院完成学业。1981 年，埃尔南德斯-皮胡安被任命为巴塞罗那美术学院教授，在近几十年的西班牙艺术家中占有独特的地位。他强烈的创作个性使他处于历代主流趋势和时尚的边缘，但这并不妨碍我们从他的作品中看到他对时代审美关注的深刻认同。埃尔南德斯-皮胡安的艺术生涯始于带有强烈社会色彩的悲剧表现主义，他与西莱克斯小组（Sílex Group）的其他成员一起组成了所谓的巴塞罗那画派。七十年代，他简化了自己的表现手法，采用了几何图形，并在随后的十年中放弃了这种风格，转而专注于非正式主义。事实上，人们对这位画家职业生涯的兴趣和痴迷一如既往，他也是新展览和公开展出作品的主题。他生前在西班牙多个城市以及苏黎世、米兰、约翰内斯堡、科隆、日内瓦、纽约、巴黎和大阪等世界其他城市举办过个人画展，2003 年在巴塞罗那 MACBA 美术馆举办了大型回顾展，随后在法国纽沙特尔艺术与历史博物馆、瑞典马尔默 Konsthalle 美术馆和意大利博洛尼亚 Comunale d'Arte Moderna 美术馆展出。即使在他去世后，他的作品仍在国际上展出，例如在伦敦百花画廊（2006 年）、纽约塞万提斯学院、芝加哥和里斯本（2007 年）、昆卡西班牙抽象艺术博物馆（2008 年）、苏黎世安德烈斯-塔尔曼画廊（2009 年）、科隆建筑艺术馆（2010 年）、巴特洪堡阿尔塔纳文化基金会（2011 年，德国）和莫斯科现代艺术博物馆（2012 年）等地举办的作品展。埃尔南德斯-皮胡安曾任巴塞罗那大学美术学院院长，2000 年被任命为马德里圣费尔南多皇家研究院院士。1981 年，他获得国家造型艺术奖，1985 年获得圣约尔迪奖，2004 年获得巴塞罗那市奖。此外，他还曾获得 1957 年阿利坎特全国展览美术总局奖、1958 年巴黎 "居民画家 "绘画一等奖、1965 年卢布尔雅那雕刻双年展 "Malibor "奖、1966 年克拉科夫国际雕刻双年展奖以及 1970 年萨格勒布 "Vijesnik u Srijedu "编辑奖。Hernández Pijuán 的作品在古巴当代艺术博物馆、昆卡西班牙抽象艺术博物馆、马德里索菲亚王妃博物馆、巴利亚多利德 Patio Herreriano 博物馆、巴斯克当代艺术博物馆以及纽约古根海姆博物馆、奥地利 Liaunig 博物馆、赫尔辛基当代艺术博物馆、芬兰赫尔辛基美术馆等国外中心展出、芬兰赫尔辛基当代艺术博物馆、芬兰赫尔辛基美术馆和赫尔辛基当代艺术博物馆、赫尔辛基和卢森堡当代艺术博物馆、巴特洪堡文化基金会（奥地利）、大阪山口画廊（日本）、布鲁塞尔艺术宫、蒙特利尔国家美术馆、布宜诺斯艾利斯现代艺术博物馆和罗兹博物馆（波兰）。

估价 5 000 - 6 000 EUR

编号 70 - 草间弥生（YAYOI KUSAMA，日本松本，1929 年），为纽约 MOMA 设计。 "黄树"，2018 年。 三联画。一组 3 个滑板。 限量版。 加拿大木质丝网印刷。 有印章和版权：MOMA © Yayoi Kusama，背面。 尺寸：80 x 60 厘米。 草间弥生富有节奏感的 "黄树图案 "点缀在这幅滑板三联画上，这幅作品是草间弥生与 MOMA 合作完成的。草间弥生著名的 "黄树图案 "最初来自她的画作《黄树》（1994 年）。 草间弥生（Yayoi Kusama）是一位艺术家和作家，在她的艺术生涯中，她尝试并发展了多种艺术手法，包括绘画、拼贴画、雕塑、表演和装置艺术，其中大部分作品都展现了她对迷幻主题的兴趣。草间是波普艺术、极简主义和女性主义艺术运动的先驱，影响了与她同时代的艺术家，如安迪-沃霍尔和克莱斯-奥尔登伯格。草间出生于松本（长野）一个中上层种子商人家庭，自幼对艺术产生兴趣，1948 年在京都学习日本画。由于对这种日本风格感到失望，她对美国和欧洲的前卫艺术产生了兴趣，并于 20 世纪 50 年代在松本和东京举办了多次个人画展。1957 年，她移居美国，在纽约定居，创作了一系列受抽象表现主义影响的绘画作品。20 世纪 60 年代初，草间转而以雕塑和装置艺术为主要创作媒介，她的作品与安迪-沃霍尔、克莱斯-奥尔登伯格和乔治-西格尔的作品一起展出，成为纽约前卫艺术界的一员，并与波普艺术运动结下了不解之缘。随着 20 世纪 60 年代末嬉皮士反主流文化的兴起，草间彌生组织了一系列活动，在这些活动中，参加者的裸体被涂上色彩鲜艳的圆点，草间彌生因此受到公众的关注。1973 年，草间彌生永久返回日本，从此住进了精神病院，并自愿入院治疗。草间彌生在其艺术生涯中多次获得国内外重要奖项，包括 2003 年的法国艺术与文学勋章和 2006 年的日本皇室绘画奖。这位艺术家因其用镜子、红气球、玩具和其他物品制作的装置作品而声名鹊起，在这些装置作品中，她将自己置身于舞台之上。她近年来的作品是在纸板上创作的独创风格的绘画。2011 年，索菲亚王后国家艺术博物馆与伦敦泰特现代美术馆合作，为她举办了一次完整的回顾展，该展览随后在泰特现代美术馆、巴黎蓬皮杜艺术中心和纽约惠特尼博物馆巡回展出。草间目前在纽约现代艺术博物馆、福冈美术馆、东京国立现代美术馆、慕尼黑艺术博物馆、芝加哥艺术学院以及世界各地的许多其他博物馆和艺术中心都有展出。

估价 6 000 - 7 000 EUR

编号 71 - JORGE OTEIZA ENBIL（1908 年生于吉普斯夸省奥里奥，2003 年生于圣塞巴斯蒂安）。 "圣母瞻仰圣伊丽莎白》，1973 年。 青铜。 底座上有签名和编号。 作品收录于《Oteiza Propósit experimental; Fundació Caixa de Pensions》，1988 年。巴塞罗那，第 84 页。(图 3） 尺寸：36 x 12 x 13 厘米：36 x 12 x 13 厘米。 与奥特伊萨其他宗教主题雕塑一样，在这件青铜作品中，艺术家成功地超越了《圣经》经文中的轶事，拯救了植根于时间深处的精神世界。在这里，他在基督教的神圣和原始的神圣之间建立了联系。在这幅作品中，当代性通过对祖先神秘主义的深厚热情表现出来，并被赋予了惊人的视觉和表现力。Oteiza 唤起人们对巴斯克史前史的回忆，使他的雕塑作品充满神话色彩。原始人的恐惧和欲望、信仰和希望与我们并无太大区别。这两个人物形象以孕妇的姿态融合在一起，在她们的子宫中孕育着对未来的承诺。纹理呈现出浮雕的效果，空洞和饱满的纹理相互对话。两个女人都掏空了丝状的手臂，拥抱着丝带般的肚子。 豪尔赫-奥特伊萨是 20 世纪最重要的巴斯克艺术家之一，也是最具影响力的艺术家之一。从五十年代至今，在众多雕塑家、画家和建筑师的作品中，都能看到他作品的影子。奥特伊萨自学成才，在高更、毕加索和德兰开创的表现主义或原始主义的轨道上开始了他的雕塑生涯。在南美逗留了很长时间后，这位雕塑家从理论和实践两方面发展了自己的美学基础，并激发了他心中 "自然 "的雕塑家形象，采取必要步骤使自己成为一名能够控制自己的机制和工具的艺术家。这种思想上的探险将反映在《致美国艺术家的信》（1944 年）或《美国巨石雕像的美学诠释》（1952 年）等文章中。这几年，他在布宜诺斯艾利斯陶瓷学校任教。四十年代末，他回到西班牙，在他的作品中，巨石雕塑的影响经历了一个非物质化的过程。五十年代初，奥特伊萨沉浸于抽象研究，开始了他所谓的 "实验目的"（1955 年），沿着建构主义的路线进行实验。1957 年，他在圣保罗双年展上展示了自己的作品，并获得雕塑特别奖。两年后，奥特伊萨意识到自己已经到了决定性阶段，便放弃了雕塑活动。六七十年代，他致力于研究巴斯克语言和巴斯克人民的流行表现形式。1988 年，他获得了阿斯图里亚斯王子艺术奖。目前，他的作品被阿尔祖扎的豪尔赫-奥特伊萨博物馆基金会、索菲亚王后国家艺术中心、MACBA、毕尔巴鄂和纽约的古根海姆博物馆、西班牙电信基金会和加利西亚财政基金会、巴利亚多利德的 Patio Herreriano 博物馆以及其他公共和私人收藏。

估价 7 000 - 9 000 EUR

编号 72 - 何塞-玛丽亚-孔迪恩（JOSÉ-MARÍA CUNDÍN，格特索，1938 年）。 无题。1977. 布面油画。 下角和背面有签名和日期。 画层有瑕疵，需要修复。 尺寸：140 x 140 厘米；154 x 154 x 3 厘米（画框）：140 x 140 厘米；154 x 154 x 3 厘米（画框）。 不同的家庭聚在一起庆祝野餐。田园诗般的主题变得不祥和令人不安，被稀有的色彩和怪诞的人物所震撼，这些都是大胆使用绘画唤起观者暧昧情感的结果。作品的基调是讽刺和不敬。这些褴褛生命的变形特征和征服力量似乎预示着几年后艺术家的作品将走向抽象化。 昆丁的艺术之路以不断探索不同风格为标志。他早期的作品偏向于具象艺术，以肖像画为主。1989 年左右，他改变了创作方向，开始涉足抽象艺术。在抽象阶段，他重新审视了肖像画的概念，用色彩斑斓的色块创作了他所谓的 "肖像、自画像、反肖像和伪肖像"。 巴斯克画家何塞-玛丽亚-昆丁（José-María Cundín）的艺术生涯已逾五十年。他以其独特的前卫风格而闻名。昆丁曾在毕尔巴鄂的工艺美术学院、工会美术学院和艺术复制品博物馆接受培训。1956 年，刚满 18 岁的昆丁踏上了前往哥伦比亚波哥大的旅程。这标志着他开始在波哥大、麦德林和巴兰基亚举办首次个展。1958 年，他移居纽约，1964 年定居新奥尔良。后来，他居住在路易斯安那州的福尔松。在他的一生中，昆丁在不同的地方生活并展出他的作品。这些地方包括毕尔巴鄂、迈阿密、巴黎、布鲁日（比利时）、安纳波利斯（马里兰州）、圣米格尔-德阿连德和墨西哥城（墨西哥）。20 世纪 70 年代，他在后两个墨西哥城市举办了多次展览和教学活动。他参加过 40 多次个展和无数次联展。他的作品出现在许多书籍、杂志和文学期刊上，最近的作品登上了《南方评论》的封面。昆丁的作品被多家著名博物馆永久收藏，其中包括毕尔巴鄂美术馆、西班牙巴斯克地区维多利亚的 ARTIUM 美术馆、新奥尔良艺术博物馆、哥伦比亚安蒂奥基亚博物馆以及约翰逊威尔士大学。他的作品还受到世界各地私人和企业收藏家的追捧，作品遍布西班牙巴斯克地区、法国、英国、德国、澳大利亚、加拿大、墨西哥、阿根廷、巴西和哥伦比亚。

估价 8 000 - 10 000 EUR

编号 73 - 马特奥-毛罗（MATTEO MAURO）（卡塔尼亚，西西里岛，1992 年）。 "不知道如何在这个世界上生存的爱人"，2020 年。 青铜雕塑。 饰以黑色铜锈。 限量 25 件。 附序列号。 随附密封证书。 尺寸：25 x 10 x 10 厘米：25 x 10 x 10 厘米。 Matteo Mauro 是一位多学科艺术家。他创作的艺术作品种类繁多，包括雕塑、绘画、视频艺术、装置和增强现实作品。他在艺术创作过程中将模拟和数字工具相结合，创作出具有鲜明现代感的艺术作品。这位艺术家出生于西西里岛，但曾在许多国家生活和旅行。他在伦敦生活了十多年，在那里开始了他的艺术实践，并一直生活至今。Mauro 曾与 Ron Arad 和 Isaie Bloch 等多位有影响力的设计师合作和学习，并在伦敦 LSBU 和 UCL 大学教授数字通信课程。Mauro 的作品曾多次获奖，包括 2018 年艺术大师奖、欧洲卓越艺术奖以及由萨尔瓦多-达利之子 Roy Dalí 颁发的国际梵高奖。他的作品曾在多家博物馆和美术馆展出，如英国皇家艺术学院、Museo Marte博物馆、Museo della Fabbrica博物馆、巴黎大皇宫的Le Salon des Indépendants、迪拜的Ing-Creatives、松阳当代美术馆、Fondazione Museo Crocetti，近期还计划在大同美术馆和MACAM现当代美术馆举办一些展览。不过，马特奥-莫罗并不局限于绘画或艺术创作，他还是全球发行的《微观铭文》（Inscripciones Micromegálicas）一书的作者。Matteo Mauro 的工作室目前位于意大利卡塔尼亚。

估价 6 000 - 7 000 EUR

编号 74 - 戈特弗里德-洪格尔（GOTTFRIED HONEGGER，苏黎世，1917-2016）。 无题 环氧树脂。 底座上有签名。 尺寸：47 x 8 x 8 厘米。 在他的雕塑和绘画作品中，戈特弗里德-霍内格始终忠实于提奥-范-多斯堡（Theo van Doesburg）于 1930 年提出的 "具体艺术 "假设。在我们这里展示的作品中，这种关联显而易见：几何形状源于直觉，平面色彩与纯颜料相呼应。这与线条、体积和色彩本身就是具体的，而抽象艺术必须摆脱与现实的任何象征性联系这一理解相吻合。 戈特弗里德-霍内格是瑞士艺术家和收藏家。他曾在苏黎世艺术学院学习橱窗设计，1948 年起在该校任教。他早期从事商业平面设计。1955 年至 1958 年，他担任 Geigy 公司的艺术总监。1958 年至 1960 年，他居住在纽约，并在那里举办了首次展览。1961 年，他移居巴黎，专注于绘画，重点探索圆形和方形；从 1968 年开始，他从事雕塑工作。此外，霍内格还在德克萨斯州达拉斯大学担任过一段时间的驻校艺术家。戈特弗里德-霍内格是美国和欧洲公认的最具独创性的混凝土艺术创作者之一。他创作了大量不朽的作品。他的作品围绕同一主题展开：体积、结构、碑....。在保持马克斯-比尔（Max Bill）和洛斯-理查德（Lhose Richard）的具体艺术影响的同时，霍内格在二十世纪六七十年代转向了某种垂直数学编程。计算机的使用使他得以发展自己的造型研究。在法国文化部杰克-朗（Jack Lang）的指导下，他被授予艺术和文学勋章；1999 年，他成为法国荣誉军团成员。1990 年，他与西比尔-阿尔伯斯（Sybil Albers）共同创建了 "简洁艺术空间"（穆昂-萨尔图），该空间由他们的收藏组成。2015 年，巴黎蓬皮杜艺术中心为这位独一无二的艺术家举办了回顾展，他的作品被包括纽约现代艺术博物馆在内的多家大型博物馆收藏。

估价 8 000 - 9 000 EUR

编号 75 - 达米安-赫斯特（DAMIEN HIRST）（英国布里斯托尔，1965 年）。 "蝴蝶》，2009 年。 纸上丙烯。 背面有湿印章和作者的干印章。 背面有作者亲笔签名。 尺寸：54 x 68.5 厘米：54 x 68.5 厘米。 这件作品是为 2009 年在乌克兰基辅 PinchukArtCentre 举办的展览 "Requiem "而构思的。安魂曲 "首次展出了赫斯特从 2006 年开始创作的布面油画系列作品。在这件作品中，我们可以看到赫斯特作品中两个反复出现的元素，即旋转绘画技术和蝴蝶的出现，这也是他作品中反复出现的主题。 1965 年 6 月 7 日，达米安-赫斯特出生于布里斯托尔市，生活在一个经济困难的郊区环境中。他从未见过自己的亲生父亲，母亲嫁给了一个汽车销售员，在赫斯特 13 岁时离开了他们。他的母亲是一位业余艺术家和虔诚的基督徒，一直照顾着他，但由于父亲的遗弃，他不得不接受自下而上的教育，这也许就是达米安-赫斯特认为艺术是无阶级的主要原因。他在利德大学接受培训，同时在当地的殡仪馆工作，后来他放弃了这份工作，搬到了伦敦。在此期间，他一边从事建筑工作，一边向圣马丁或威尔士学院等多所艺术院校提出申请。由于当时英国经济不景气，这所学校吸引了很多聪明的学生和富有创造力的导师。在学习期间，赫斯特靠做电话调查来维持生活，这也是他能在电话中伪装任何情绪的直接原因。在学习期间，他还在麦当劳打工，并在安东尼-达夫雷画廊兼职，在那里他学到了艺术市场的机制。在学习的第二年，赫斯特就担任起了艺术家和策展人的角色，并成功举办了一场改变英国艺术进程的展览，这是他年仅 26 岁就举办的首次个展。四年后的 1995 年，他凭借《母与子》赢得了他的第二个特纳奖提名。32 岁时，拉里-高古轩画廊（Larry Gagosian Gallery）为他举办了一次大型回顾展，之后他宣称自己已经没有地方可以展出了，他已经做了一切，而且做得太快了。于是，媒体很快给他冠上了 "流氓天才 "的称号。虽然赫斯特在 40 岁时就成了百万富翁，但他的敏感性让人生疑；在浪漫主义光环的包裹下，他让艺术界的变革显得简单易行。他曾多次承认自己渴望成名，面对批评，他用 "他们无法承认自己想成名，并怨恨自己没有成名 "或 "我认为我的愿望是成名多于发财，我认为艺术创作和成名的愿望就像渴望永生的两个执念：死亡和名人 "等语句为自己辩护。达明-赫斯特的作品被纽约现代艺术博物馆、伦敦泰特美术馆和维多利亚与阿尔伯特博物馆、威尼斯格拉斯宫、沃尔夫斯堡艺术博物馆（德国）、华盛顿特区赫什霍恩美术馆和格拉茨新画廊（奥地利）等重要的公共和私人收藏。 背面有湿印章和作者的干印章。

估价 5 000 - 6 000 EUR

编号 76 - PETER PHILLIPS（英国，1939 年）。 "无题》，1979-80 年。 纸上拼贴画和混合材料。 右下角有签名和日期。 尺寸：75 x 55 厘米；85 x 65 厘米（框架）。 彼得-菲利普斯是欧洲波普艺术最杰出的代表之一。这幅纸上绘画代表了他在 20 世纪 70 年代和 80 年代使用拼贴画创作的抽象和标志性碎片化作品。他曾就读于伯明翰艺术学院和皇家艺术学院（RCA）。20 世纪 60 年代，他与皇家艺术学院的几位同学，包括德里克-博希尔（Derek Boshier）、大卫-霍克尼（David Hockney）、艾伦-琼斯（Allen Jones）和 R. B. 基塔伊（R. B. Kitaj）一起，成为英国波普艺术的领军人物之一。1964 年获得哈克尼斯奖学金后，他移居纽约，与同时代的美国艺术家安迪-沃霍尔、罗伊-利希滕斯坦和詹姆斯-罗森奎斯特同台展出。在那里，他迅速吸收了美国青年文化的特征：魅力、活力和性。PNEUmatics 系列丝网版画反映了这一点，他充分利用了在学校学到的技能，有意让版画呈现出类似于商业艺术品制作的机器外观。飞利浦随后返回欧洲。他的作品既有传统的布面油画，也有多媒体作品、拼贴画、雕塑和建筑，其特点始终是使用鲜明的色彩和不加区分地使用各种图标。他的绘画以规则结构和格子为基础。他是图标的贪婪吞噬者，他的画作既有典型的大众媒体图像，也有最丰富多彩的伪科学表现。菲利普斯将自己的绘画描述为 "空间、图标和技术因素的多重组合"。他说，自己是在广告和大众传播环境中长大的，因此 "不假思索 "地使用了这些图像。他从艺术史和植物学中、从漫画和电影中引经据典，将画中画细致入微地勾勒出来。这位艺术家是绘画中 "现成品 "的完美缔造者，他重新创造绘画，重复使用他最著名的表现手法，并将其置于新的语境中。他的作品被世界各地的重要收藏机构收藏。他目前居住在澳大利亚，并继续在那里作画和举办展览。

估价 7 000 - 8 000 EUR

编号 77 - 彼得-菲利普斯（PETER PHILLIPS）（英国，1939 年）。 "原住民》，1980 年。 纸上拼贴画和混合材料。 右下角有签名和日期。 尺寸：75 x 55 厘米；85 x 65 厘米（框架）：75 x 55 厘米；85 x 65 厘米（画框）。 彼得-菲利普斯是欧洲波普艺术最杰出的代表之一。"原住民"（这幅画他画了好几个版本）代表了他在 20 世纪 70 年代和 80 年代使用拼贴画创作的作品中某种抽象化和标志性碎片化的倾向。他曾就读于伯明翰艺术学院和皇家艺术学院。20 世纪 60 年代，他与几位皇家艺术学院的同学，包括德里克-博希尔（Derek Boshier）、大卫-霍克尼（David Hockney）、艾伦-琼斯（Allen Jones）和 R. B. 基塔吉（R. B. Kitaj）一起，成为英国波普艺术的领军人物之一。1964 年，他获得了哈克尼斯奖学金，随后移居纽约，与同时代的美国艺术家安迪-沃霍尔（Andy Warhol）、罗伊-利希滕斯坦（Roy Lichtenstein）和詹姆斯-罗森奎斯特（James Rosenquist）同台展出。在那里，他迅速吸收了美国青年文化的特征：魅力、活力和性。PNEUmatics 系列丝网版画反映了这一点，他充分利用了在学校学到的技能，有意让版画呈现出类似商业艺术品制作的机器外观。飞利浦随后返回欧洲。他的作品既有传统的布面油画，也有多媒体作品、拼贴画、雕塑和建筑，其特点始终是使用醒目的色彩和不加区分地使用各种图标。他的绘画以规则结构和格子为基础。他是图标的贪婪吞噬者，他的画作既有典型的大众媒体图像，也有最多样的伪科学表现形式。菲利普斯将自己的绘画描述为 "多组空间、图标和技术因素"。他表示，自己是在广告和大众传播的熏陶下长大的，因此 "不假思索 "地使用了这些图像。他引用了艺术史和植物学、漫画和电影中的名言，详细描绘了画中画。这位艺术家是绘画中 "现成品 "的完美缔造者，他再现了绘画中的 "现成品"，重新使用他最著名的表现手法，并将其置于新的语境中。他的作品被世界各地的重要收藏机构收藏。他目前居住在澳大利亚，并继续在那里作画和举办展览。 空白处有锈迹。

估价 7 000 - 8 000 EUR

编号 78 - 埃娃-蒙托罗-佩里卡斯（EVA MONTORO PERICAS）（马德里，1968 年）。 "尤妮丝"，2021-2022 年。 青铜。典范的 P. A. 背面有签名和日期。 尺寸：54 x 44 x 37 厘米：54 x 44 x 37 厘米。 根据艺术家对这件作品的描述，"妮娜-西蒙妮（Eunice Kathleen Waymon）的形象深深地打上了她对音乐的渴望和她所处环境的期望之间的双重烙印。她头上戴着麦克风，麦克风线缠绕在她身上，这象征着她作为钢琴家的身份与她不可避免地走向歌唱世界的道路之间的融合，这条道路在某种程度上困住并笼罩着她。麦克风因此成为她命运的象征，象征着她的天赋是如何被外力塑造和引导的，以及这种压力是如何使她承担起她最初可能并不寻求的角色的。这一形象反映了她人生轨迹的复杂性，反映了她在追寻音乐激情与满足丈夫和音乐行业的期望之间的内心挣扎。通过这种视觉象征，它捕捉到了她作为艺术家的经历的本质，其特点是个人愿望与外部要求之间的紧张关系"。 伊娃-蒙托罗于 1984 年开始接受艺术教育，就读于马德里应用艺术和艺术行业学校。1988 年，她进入马德里 Complutense 大学美术学院，主修平面设计。 1991 年至 1993 年，他继续在马德里应用艺术和艺术工艺学院接受培训，学习故事板和剧本创作以及计算机辅助平面设计课程。1995 年，他专攻雕塑，在那里他发现了自己真正的职业。 天职。1992 年，他在学院大厅举办了自己在大学的第一次展览，1993 年在同一间教室和雷阿尔城市政厅举办了第二次展览。同年，他开始在 Tango and Gandolfi 插画工作室工作，该工作室专门为华特-迪士尼授权的书籍绘制插画。1994 年，他在马德里的 Lisboa 画廊再次展出了自己的作品。1999 年，她参加了马德里莱加内斯市政府举办的雕塑家职业生涯开端的决定性比赛。通过这次比赛，她获得了多项公共工程合同。

估价 10 000 - 12 000 EUR

编号 79 - 基思-哈林（KEITH HARING）（宾夕法尼亚州，1958 年--纽约，1990 年）。 "国际志愿者日"，1988 年。 Arches 纸石版画。副本 198/1000。 附有联合国世界联合会颁发的证书。 以博物馆玻璃装裱。 赠送纽约埃米利亚诺-索里尼工作室和联合国世界联合会的干邮票。 左下角有签名和编号。 尺寸：28.5 x 21.7 厘米；42 x 48.5 厘米（框架）：28.5 x 21.7 厘米；42 x 48.5 厘米（框架）。 1988 年国际志愿者日》是基思-哈林创作的限量版石版画，共 1000 幅。这幅版画是为庆祝联合国宣布每年 12 月 5 日为 "国际志愿者日 "而创作的。联合国通过国际志愿者日是为了庆祝志愿者的贡献以及他们在实现和平与可持续发展中的作用，其理念与哈林的生活态度非常一致。从他职业生涯的早期开始，他就是一名狂热的社会活动家，对与其作品相关的政治问题有着敏锐的认识。这幅版画最初是由纽约的联合国协会世界联合会出版的，画面上是两个头颅和两只大臂的抽象形象，色彩鲜艳的对称构图，见证了哈林作品中的合作与开放精神。 哈林被认为是 20 世纪 80 年代城市艺术的代表人物，他不可阻挡的职业生涯，使他成为沃霍尔的同事和媒体巨星，就是从他在纽约地铁里的作品开始的。哈林的城市作品在纽约市民中大受欢迎，立即引起了艺术界的注意。因此，安迪-沃霍尔将他纳入了自己的圈子，而当时新晋的画廊主托尼-沙夫拉齐（Tony Shafrazi）则在 1982 年为他举办了一场声势浩大的个展，这也是他势不可挡的成功的起点。不久，他的作品在颇具影响力的利奥-卡斯泰利画廊展出，并一举成为职业艺术明星。 凯斯-哈林（Keith Haring）是一位美国艺术家，他的波普艺术和涂鸦兴起于 20 世纪 80 年代的纽约街头文化。哈林的作品越来越受欢迎，这要归功于他在纽约地铁上用粉笔在黑白广告空间背景上的即兴绘画。在获得公众认可后，他创作了大型壁画作品。他后来的作品经常通过自己的肖像画来探讨政治和社会问题，尤其是同性恋和艾滋病问题。如今，哈林的作品被主要的私人和公共机构收藏，包括纽约现代艺术博物馆和惠特尼美国艺术博物馆、洛杉矶县艺术博物馆、芝加哥艺术学院、迈阿密巴斯博物馆、巴黎市现代艺术博物馆、科隆路德维希博物馆和阿姆斯特丹 Stedelijk 博物馆。他还创作了大量公共作品，包括纽约多布斯费里儿童村的医务室，以及曼哈顿女同性恋、男同性恋、双性恋和变性者社区中心二楼的男厕所，该房间后来被改造成办公室，被称为凯斯-哈林房间。2019 年 1 月，一场名为 "凯斯-哈林纽约 "的展览在纽约法学院翠贝卡校区主楼开幕。 附有世界联合国联合会颁发的证书。 以博物馆玻璃装裱。

估价 7 000 - 8 000 EUR

编号 80 - 路易斯-戈迪略（LUIS GORDILLO）（塞维利亚，1934 年）。 "作曲"，1980 年。 纸板上的混合媒介，粘在木板上。 右下角有签名和日期。 尺寸：72 x 101 厘米；75 x 103 厘米（画框）：72 x 101 厘米；75 x 103 厘米（画框）。 在这组作品中，分解的、支离破碎的和重新诠释的形象占据了主导地位，它诱使观者的眼睛无序地浏览这些小插图，模糊地看向一个地方或另一个地方。在这件作品中，艺术家利用了重复的资源，构成了有节奏感的场景。"戈迪略认为，图像是一个不断复制的过程，永远不会达到确定的状态。另一方面，在发现和实践精神分析之后，他在作品中引入了对意义和思想世界之间联系的兴趣"。 路易斯-戈迪略是西班牙抽象艺术的主要代表人物之一。在学习了法律和音乐之后，他进入塞维利亚美术学院学习。1958 年至 1960 年间，他旅居巴黎，在那里，他了解到一个充满自由的艺术和文化环境，并深受其影响。他的第一批作品遵循 Michaux、Tapies、Millares、Wols 等人的指导方针，属于非正式主义的范畴。后来，他逐渐转向波普美学，成为西班牙波普美学的先驱之一。后来，戈迪略又在其独特风格中加入了技术研究、媒体图像转换和摄影创作。在戈迪略的整个职业生涯中，他一直处于两难的境地，一方面是非常直接和富有表现力的作品，另一方面是非常有控制的作品，非常简洁和完美主义的作品，自 70 年代以来，胶印、摄影和最近的计算机等机械技术对他产生了影响。线性元素，胶印、摄影和最近的计算机等机械技术的混合。线性元素、各种技术的混合以及符号图形元素（如字母）的加入都相当重要，接近于非正式主义。他在国际上享有盛誉，曾获国家造型艺术奖（1981 年）、美术金奖（1996 年）、马德里美术界金奖（2004 年）和委拉斯开兹造型艺术奖（2007 年）。2008 年，他还被法国文化部授予法国艺术与文学骑士勋章。他的个人展览遍布世界各地，马德里索菲亚王后博物馆、巴塞罗那 MACBA、胡安-马奇基金会、维多利亚 ARTIUM、巴利亚多利德 Patio Herreriano 博物馆、里斯本古尔班基安基金会、德国 Folkwag 博物馆等都有他的代表作。

估价 12 000 - 14 000 EUR

编号 81 - 让-廷格利（JEAN TINGUELY）（瑞士，1925 -1991 年）。 无题》，1972 年。 纸上混合媒介。 有签名、日期和题字。 作品边角处有污渍。 尺寸：35 x 25 厘米；48 x 37.5 厘米（框架）。 如果说让-丁格利的纸上作品有什么特点的话，那就是运动性、偶然性以及直观地将日常材料分散在纸张表面。在让-丁格利的艺术生涯中，他曾向艺术界的朋友和同事发送过数百封图文并茂的信件。所有这些信件都有一个共同点：无论艺术家身在何处--在工作室、在博物馆或画廊、在厨房、在餐厅，甚至在家中的地板上--都会写下这些信件。它们都是在潜意识的驱使下，以完全直观的方式创作出来的，与创作地点和时间无关。Tinguley 自己也点头说："我画了很多东西，就像我在讲电话时涂鸦一样。与此同时，我还会有计划地将这些图画转化为给朋友的信息、信件之类的东西。 这位瑞士画家和雕塑家 30 多年来一直是欧洲先锋派运动的关键人物。他以扎根于达达主义传统的 "雕塑机器 "或动感艺术而闻名。他将 "元机械"（meta-mechanics）一词用于他的创作。正如他的其他动感作品一样，他的目的是给观众带来移位的奇观，或者至少是移位的错觉。让-汀格利（Jean Tinguely）的移动作品是为了毁灭或自我毁灭而创作的，所有这些都是为了讽刺先进工业社会过度生产毫无意义的产品。在转向抽象绘画之后，这位瑞士艺术家尝试将移动作为一种表达形式。他在巴黎展出的第一批作品是由电动马达驱动的。这些不朽的作品描绘了一个充满讽刺意味的世界，无用的机器似乎正在生产。"他的概念是要表明，艺术作品从来都不是一个确定的对象，它的创造能力实际上是艺术家和观众赋予它的潜能。他还从事现成作品的创作，与纽约新现实主义艺术家和组合艺术家进行了接触。他的作品涉及他那一代艺术家感兴趣的所有主题，为他在战后巴黎赢得了重要地位，成为伊夫-克莱因那样的领军人物。让-丁格利目前在世界各地最重要的博物馆中都有展出，包括专门展出其生平和作品的瑞士巴塞尔丁格利博物馆、伦敦泰特现代美术馆、纽约大都会艺术博物馆和索菲亚王后博物馆。

估价 8 000 - 9 000 EUR

编号 82 - 让-廷格利（瑞士，1925 -1991） 无题》，1987 年 纸上混合媒介和拼贴画。 下方空白处有签名和日期。献给 Theler 夫人。 尺寸：41.5 x 29.5 厘米；53.5 x 40.5 厘米（框架）。 从 1973 年起，让-汀格利创作了一系列致本世纪艺术界名人的信件/拼贴画。他的收信人包括指挥家保罗-萨赫和他的妻子玛雅-萨赫，后者是当代艺术的赞助人。这里展示的信件/拼贴画是写给 Theler 夫人的，她是瑞士近代史上最有权势的家族之一，揭示了决定丁格利作品的前卫特征，与动感艺术和现成产品密切相关。正如他著名的机器雕塑作品一样，丁格利的作品讽刺了先进工业社会对物质产品无意义的过度生产。 这位瑞士画家和雕塑家 30 多年来一直是欧洲先锋派运动的关键人物。他以扎根于达达主义传统的 "雕塑机器 "或动感艺术而闻名。他将 "元机械"（meta-mechanics）一词用于他的创作。正如他的其他动感作品一样，他的目的是给观众带来移位的奇观，或者至少是移位的错觉。让-汀格利（Jean Tinguely）的移动作品是为了毁灭或自我毁灭而创作的，所有这些都是为了讽刺先进工业社会过度生产毫无意义的产品。在转向抽象绘画之后，这位瑞士艺术家尝试将移动作为一种表达形式。他在巴黎展出的第一批作品是由电动马达驱动的。这些不朽的作品描绘了一个充满讽刺意味的世界，无用的机器似乎正在生产。"他的概念是要表明，艺术作品从来都不是一个确定的对象，它的创造能力实际上是艺术家和观众赋予它的潜能。他还从事现成作品的创作，与纽约新现实主义艺术家和组合艺术家进行了接触。他的作品涉及他那一代艺术家感兴趣的所有主题，为他在战后巴黎赢得了重要地位，成为伊夫-克莱因那样的领军人物。让-汀格利目前在世界各地最重要的博物馆中都有展出，包括专门展出其生平和作品的瑞士巴塞尔汀格利博物馆、伦敦泰特现代美术馆、纽约大都会艺术博物馆和索菲亚王后博物馆。

估价 6 000 - 7 000 EUR

编号 83 - 约瑟夫-吉诺瓦特（JOSEP GUINOVART）（巴塞罗那，1927 - 2007 年）。 无题》，70 年代 木板上的混合媒介（油彩、织物、粘土和不同材料元素）。 装裱在作者自制的甲基丙烯酸酯盒中。 背面有签名。 尺寸：103 x 207 x 15 厘米：103 x 207 x 15 厘米。 70 年代中期，吉诺瓦特开始对其作品的三维投影研究感兴趣。作为这项研究的成果，他创作了不同系列的作品，这些作品被构想为盒子，位于雕塑和绘画之间。在吉诺瓦特的绘画中，与内战苦难有关的个人经历一直是他不可磨灭的印记。他在作品中融入的有机材料，不仅在他的非正式主义时期，而且在后来的绘画作品中，如我们正在处理的这幅作品，都回应了他记忆中持续存在的与家人一起移民到莱里达小镇躲避战争的意义。土地上的产品和器皿将被视为在不利环境中坚韧和希望的象征。同时，对这些艺术外元素的尝试将使他在非正式主义的核心中占据重要位置。 何塞普-吉诺瓦特曾在平托雷斯大师学校、艺术和职业学校以及 FAD 班接受培训。1948 年，他首次在巴塞罗那的 Syra 画廊举办个人画展。他立即获得了很高的声誉，与 Dau al Set 合作，并参加了十月、爵士和十一沙龙。五十年代，由于获得了奖学金，他在巴黎生活了一段时间，在那里，他深入了解了塞尚和马蒂斯的作品，这两位艺术家以及米罗和高迪对他的影响最为深远。1955 年，他与阿列乌、奎哈特、穆克萨特、梅尔卡德、塔皮斯和塔拉兹一起组成了陶尔小组，该小组汇集了当时的前卫艺术家。1957 年左右，他开始了非正规和抽象主义的创作倾向，通过融入各种元素和物品（烧焦的木头、盒子、废旧物品）以及运用拼贴和组合等技术，表现出强烈的物质气息。从 20 世纪 60 年代起，他摆脱了非正规诗学的束缚，开始创作充满符号和姿态的作品，这些作品的线条和色彩中蕴含着强烈的表现力。在七十年代，他系统地使用了沙、土、泥、稻草或纤维水泥等材料，在随后的十年中，他将重点放在了作品的三维投影实验上，其形式是创造环境或空间环境，如名为《Contorn-extorn》（1978 年）的作品。吉诺瓦特的艺术创作种类繁多：壁画、布景和戏剧场景（如为费德里科-加西亚-洛尔卡的《血色婚礼》制作的布景）、书籍插图、海报设计、挂毯和雕塑。他参加了圣保罗双年展（1952 年和 1957 年）、亚历山大双年展（1955 年）和威尼斯双年展（1958 年、1962 年和 1982 年），1981 年获巴塞罗那市奖，1990 年获国家造型艺术奖，1990 年获国家造型艺术奖。1994 年，Guinovart Space 在莱里达的 Agramunt 落成，这是一个私人基金会，长期举办该艺术家的展览。巴塞罗那、马德里和墨西哥城的当代艺术博物馆，特内里费岛圣克鲁斯的户外雕塑博物馆，索菲亚王后国家艺术中心博物馆，毕尔巴鄂的贝拉斯艺术博物馆，圣塞巴斯蒂安的圣特尔莫博物馆都有他的作品、阿利坎特的尤西比奥-森佩尔博物馆、塔法拉的纳瓦拉博物馆、哈瓦那的美洲之家、德国的博克丘姆博物馆、纽约长岛的贝拉斯艺术博物馆以及巴利亚多利德的帕蒂奥-埃雷里亚诺博物馆。

估价 8 000 - 10 000 EUR

编号 84 - 乔安-布罗斯萨-库韦尔（JOAN BROSSA CUERVO，巴塞罗那，1919 - 1998）。 "阅读》。1989 诗-物。 已签名。 限量版。 装在甲基丙烯酸酯骨灰盒中。 该作品被巴塞罗那 MACBA 收藏馆等重要博物馆收藏。 尺寸：9 x 63 x 32 厘米：9 x 63 x 32 厘米。 琼-布罗萨，这位伟大的视觉诗歌创作者，在观众面前展现了需要几把钥匙才能破译的问题或信息。面对一本打开的书和一个戴在空白书页上的黑色面具，我们的想象力被激活，去寻找那些将阅读与解释自由、幻想和狂欢的不羁联系在一起的隐喻，从而开启我们思考和感知现实的新方式。它鼓励我们成为积极的读者，因此，这部作品也是对那些以封闭的心态消费信息、局限于沿着已知路径旅行的人的警告。每本书都是一扇通向世界的窗户。 布罗萨是一位没有体裁（文学、风景、视觉、客观......）之分的诗人，他在内战期间开始写作。他与 Ponç、Tàpies、Ciuxart 和 Tharrats 共同创立了 "Dau al Set"，并在其整个创作生涯中获得了巴塞罗那市 Lletra d'Or、联合国教科文组织毕加索奖章、国家造型艺术奖、美术金质奖章和巴塞罗那市政府颁发的国家剧院奖。他的所有作品都体现了艺术作为视觉性和奇观的概念。他的视觉诗歌和海报是其作品中最著名的部分，在这一领域，布罗萨成为了世界的典范。从七十年代开始，他通过日常用品和诗歌来处理物品，以加深其含义或表现出简单的概念。布罗萨的所有诗歌都充满了对视觉性的借鉴，或许这也是他进入造型艺术领域的原因。从 1941 年开始，布罗萨就创作书法类型的视觉诗歌。他的第一件作品 "Escorça "是一件真正的 "objet trouvé"，创作于 1943 年。1951 年，他将两个遥远的现实（这里是一把锤子和一个由另外两个现实组成的字母）联系在一起，创作出了第一件明确的作品。但从 1959 年开始，诗人通过 "视觉诗歌组曲"（Suites de poésie visuelle）加强了他的视觉研究。在这些脆弱的作品中，已经蕴含了许多未来视觉诗歌的萌芽。在六十年代，更具体地说，在七十年代，最著名的布罗森视觉诗歌和视觉对象被构思出来并随后出版。它们的主题将与诗歌相同：社会政治谴责、对文字和事物意义的反思、令人惊讶的游戏等。但素材将不再仅仅是文字，而是字母和布罗萨喜爱的其他元素，如弗雷戈利、狂欢节、花式技巧等。从 1986 年在巴塞罗那米罗基金会举办的展览 "琼-布罗萨 o les paraules són les cosas "和 1991 年在索菲亚王后国家艺术博物馆举办的选集开始，这位诗人开始在国内和世界范围内得到认可。这使他得以开展一系列更为复杂的项目，其中包括装置艺术和他所谓的肉体诗歌，或对城市空间的干预。

估价 10 000 - 12 000 EUR

编号 85 - 拉斐尔-卡诺加尔-戈麦斯（RAFAEL CANOGAR GÓMEZ，托莱多，1935 年）。 作曲'.1971 木板和金属组合绘画。 背面有签名和日期。 作品参考了艺术家的在线目录，编号为 1971038。 尺寸：35 x 54 x 14 厘米：35 x 54 x 14 厘米。 七十年代初，在佛朗哥政权的最后阵痛期，拉斐尔-卡诺卡尔以混合技术和混合语言创作的奇特作品震惊了国际艺术界。殴打、逮捕、惩罚、示威游行......在不公正面前，这些都表现为一种普遍的反抗戏剧。所有这些都在这幅油漆作品中得到了体现，卑微而无名的人类群体聚集在一起，形成合力。他们同时传递着脆弱和力量。高举的拳头和胜利的两根手指诠释了一种战斗的姿态象征。 1949 年至 1954 年间，拉斐尔-卡诺卡尔师从画家丹尼尔-巴斯克斯-迪亚斯。在这些年里，他一直沿着先锋派的路线创作，很快便转向抽象派。1957 年，他成为 "埃尔帕索 "小组的共同创始人。五十年代，他开始创作完全非正式主义的作品。从 20 世纪 60 年代起，他作为客座教授在加利福尼亚米勒斯学院教授 1965-66 年的艺术课程，并于 1969 年作为客座艺术家在洛杉矶玉树石版画工作室工作，从而获得了国际认可。1972 至 1974 年间，他还受柏林 D.A.A.D. 的邀请，担任驻校艺术家。在 1975 年以后的成熟期，卡诺卡尔发明了一种新的肖像画，这是他自己的个人肖像画，他通过面具、头部和脸部来表现失去个性的人，使其成为一种可塑的符号。他的作品在西班牙也得到了认可，20 世纪 80 年代，他曾担任文化部美术总局顾问委员会成员、马德里国家当代艺术博物馆董事会成员和国家遗产董事会成员。在其职业生涯中，卡诺卡尔举办过无数次个展和联展。在个人展览中，有几次是回顾展，其中包括马德里国家当代艺术博物馆和国家图书馆、巴黎别墅现代艺术博物馆、奥斯陆索尼娅-海涅基金会、瑞典隆德 Konsthalle、巴黎艺术中心、德国波鸿艺术博物馆、帕尔马艺术史研究所、毕尔巴鄂贝拉斯艺术博物馆、布尔戈斯 Casa del Cordón 基金会、托莱多圣克鲁斯博物馆、马德里索菲亚王后博物馆等。卡诺卡尔曾在多个欧美国家举办过研讨会和讲座，并参加过国际奖项和双年展的评委工作。他还获得过各种奖项和荣誉，包括圣保罗双年展大奖（1971 年）、索非亚国际绘画三年展大奖（1982 年）、马德里国家造型艺术奖（1982 年）等。他还被授予法国艺术和文学骑士勋章，获得伊莎贝尔天主教勋章，是圣费尔南多学院的数字会员，并被 U.N.E.D 授予荣誉博士学位。卡诺卡尔的作品目前被世界各地最重要的现代艺术收藏馆收藏，如索菲亚王后博物馆、纽约现代艺术博物馆、柏林新国家美术馆、匹兹堡卡内基博物馆、墨西哥鲁菲诺-塔马约博物馆和芝加哥艺术学院等。

估价 10 000 - 12 000 EUR

编号 86 - JAUME PLENSA（巴塞罗那，1955 年）。 无题》，1987 年。 纸上混合媒介。 已签名。 画框有损坏。 尺寸：45 x 45 厘米；87 x 87 厘米（画框）：45 x 45 厘米；87 x 87 厘米（画框）。 豪梅-普伦萨从其职业生涯的早期阶段开始，就无条件地热衷于用他的造型艺术探究人类的生存状态。在整个八十年代，他的作品中经常出现像我们现在看到的这样的人物形象，这些人物形象的描述寥寥几笔，却能传递出情感和某种脆弱的观念。在这些早期的作品中，普伦萨从表现主义和立体主义中汲取了一些养分。然而，在像这幅作品这样的肖像画中，普伦萨已经以非常明显的个性脱颖而出，除了笔触之外，支撑物及其质感也有助于唤起我们的共鸣和情感。 Jaume Plensa 曾在巴塞罗那的 Escuela de La Llotja 和 Superior de Bellas Artes de Sant Jordi 学习。他擅长雕塑、绘画和雕刻。他的作品关注人与环境的关系，经常质疑艺术在社会中的角色和艺术家的地位。他目前居住在巴黎，最近被芝加哥艺术学院授予荣誉博士学位。普伦萨的艺术生涯始于使用聚酯混合锻铁的创作。1983 至 1984 年间，他开始用铸造技术塑造铁模，并发展出一种基于变形元素的雕塑概念。他的作品逐渐演变，现在被认为是西班牙新表现主义的先驱。九十年代，他对自己的作品进行了材料和形式上的修改，开始使用废金属、聚酯和树脂等不同材料。在这些年里，他精心制作了一系列墙壁、门和建筑结构作品，力求赋予空间绝对的主角地位。1999 年至 2003 年间，普伦萨成为世界场景设计的支柱之一，他以 "La Fura dels Baus "重新诠释了法拉、德彪西、柏辽兹和莫扎特的四部经典歌剧，并独自创作了本-杰隆的当代戏剧作品 "La pareti della solitudine"。他曾在世界各地举办个展和联展，包括 2000 年在索菲亚王后国家艺术中心博物馆举办回顾展。2008 年 6 月，他的作品 "呼吸 "在伦敦英国广播公司总部落成，这是一座纪念因公殉职记者的纪念碑。在他的职业生涯中，他获得了许多荣誉，如 1993 年法国文化部颁发的艺术与文学骑士勋章，或 1997 年加泰罗尼亚自治区颁发的国家造型艺术奖。他被认为是西班牙新表现主义艺术的主要代表之一，他的作品出现在国内外最好的画廊和艺术博览会，以及欧洲和美国的主要博物馆，如纽约的 MOMA、堪萨斯的 Kemper、巴利亚多利德的 Patio Herreriano 博物馆、维罗纳的 Palazzo Forti、马德里的 MACBA 或索菲亚王后博物馆。

估价 10 000 - 12 000 EUR

编号 87 - JAUME PLENSA（巴塞罗那，1955 年）。 "我的私处"，1995 年。 纸上混合媒介。 已签名并注明日期。 左下角有撕裂痕迹。 尺寸：59 x 51 厘米：59 x 51 厘米。 九十年代，Jaume Plensa 的创作在文字的使用上获得了动力，这些文字或独立存在（甚至漂浮在虚空中），或与雕塑对象相连。除了雕塑视觉诗歌，他还在餐巾纸上创作了美食或情色系列作品。在这件作品中，"我的私密性 "被写在阴道的示意图旁边，以一种近乎象形的方式解决。普伦萨探索了书法、身份、记忆和字母的可塑性潜能之间的关系。 Jaume Plensa 曾在巴塞罗那的 Escuela de La Llotja 和 Superior de Bellas Artes de Sant Jordi 学习。他擅长雕塑、绘画和雕刻。他的作品关注人与环境的关系，经常质疑艺术在社会中的角色和艺术家的地位。他目前居住在巴黎，最近被芝加哥艺术学院授予荣誉博士学位。普伦萨的艺术生涯始于使用聚酯混合锻铁的创作。1983 年至 1984 年间，他开始用铸造技术塑造铁模，并发展出一种基于变形元素的雕塑概念。他的作品逐渐演变，现在被认为是西班牙新表现主义的先驱。九十年代，他对自己的作品进行了材料和形式上的修改，开始使用废金属、聚酯和树脂等不同材料。在这些年里，他精心制作了一系列墙壁、门和建筑结构作品，力求赋予空间绝对的主角地位。1999 年至 2003 年间，普伦萨成为世界场景设计的支柱之一，他以 "La Fura dels Baus "重新诠释了法拉、德彪西、柏辽兹和莫扎特的四部经典歌剧，并独自创作了本-杰隆的当代戏剧作品 "La pareti della solitudine"。他曾在世界各地举办个展和联展，包括 2000 年在索菲亚王后国家艺术中心博物馆举办回顾展。2008 年 6 月，他的作品 "呼吸 "在伦敦英国广播公司总部落成，这是一座纪念因公殉职记者的纪念碑。在他的职业生涯中，他获得了许多荣誉，如 1993 年法国文化部颁发的艺术和文学骑士勋章，或 1997 年加泰罗尼亚自治区颁发的国家造型艺术奖。他被认为是西班牙新表现主义艺术的主要代表之一，他的作品出现在国内外最好的画廊和艺术博览会，以及欧洲和美国的主要博物馆，如纽约的 MOMA、堪萨斯的 Kemper、巴利亚多利德的 Patio Herreriano 博物馆、维罗纳的 Palazzo Forti、马德里的 MACBA 或索菲亚王后博物馆。

估价 10 000 - 12 000 EUR

编号 88 - 扬-巴尔德斯-特雷斯（古巴，1979 年）。 "神曲俱乐部》，2020 年。 布面油画。 附有鉴定证书。 左下方有签名和日期。背面有签名、年代和标题。 尺寸：100 x 163 厘米：100 x 163 厘米。 神曲俱乐部 "为但丁的《神曲》一书的标题设立了一个寓言游戏，代表了对那些标志着世界艺术发展的艺术家和人物的致敬。这是一次共生行为的尝试，旨在从他们的技艺和世界观两方面理解他们眼中世界的特别之处。他们是生存在同一个脑袋里的蜂巢，或许就像但丁诗中的人物一样，天堂、地狱和炼狱交织在一起。他们在那里抵御时间，面对新的冲突，他们不仅是艺术家，也是那些激励了一代又一代艺术家的人物，他们以奔放、戏剧化、搞笑的方式进行巴洛克式的形象塑造，不求冒犯，也不求不悦，只求接受人类最大的多样性和最充分的存在。 在这部作品中，我们将 "狂欢之旅 "作为存在的脆弱性的门槛。从无意识的日常放弃中产生混乱，我们暴露在欲望与眼前现实的矛盾之中。 Jan Valdés Téllez 是一位古巴裔艺术家，目前居住在马德里。他在哈瓦那的圣亚历杭德罗国家美术学院开始接受学术培训，并于 2004 年毕业。他的作品曾在国际上展出，特别是在加拿大多伦多艺术博览会、西班牙 Ludwin 基金会和 Fivars 画廊等地展出。

估价 13 000 - 15 000 EUR

编号 89 - 胡安-热诺维斯（JUAN GENOVÉS，1930 年出生于巴伦西亚，2020 年出生于马德里）。 "人链"，1984 年。 布面油画。 左下角有签名和年代。背面有签名、年代和标题。 尺寸：46 x 50 厘米；60 x 64 厘米（有画框）：46 x 50 厘米；60 x 64 厘米（画框）。 胡安-热诺维斯（Juan Genovés）是五十年代批判社会现实主义的主要代表人物之一，他出生于巴伦西亚美术学院，1955 年首次前往巴黎。随着时间的推移，他的艺术将沿着存在主义的路线发展。1965 年在国家图书馆举办展览后，他成为 Los Siete、Parpalló 和 Hondo 等多个团体的创始成员，他所谓的 "政治现实主义 "使他成为自由的坚定捍卫者。他的视角使他真正与众不同；人物形象始终是主角，无论其存在与否，甚至在其阴影中，都蕴含着梦幻般的生存痛苦。热诺维斯从摄影的角度出发，寻求主题视角和视点的不断变化。通过这种视角的变化，作者将我们拉近或拉远场景，寻找由工人阶级集体智慧引导的群众运动，这种运动超越了个人经历的无意义性，使人类所面临的孤独、操纵和不公正显而易见。艺术家批判了助长竞争、消费主义、个人主义和社会价值观缺失的大众文化。热诺维斯在形式和绘画材料的使用上极富表现力，与主题的力度形成鲜明对比，在构图和节奏上具有象征主义色彩。在他的作品中，他不断质疑当今社会中人的自由，以及他自己在创作中的自由。热诺维斯在国外比在国内更受认可，他参加了许多双年展，如哈瓦那和巴塞罗那的西班牙裔美国人双年展、巴黎双年展和纽约世界博览会。1994 年，IVAM 专门为他举办了一次重要的回顾展。他在西班牙各地以及波多黎各、里约热内卢、里斯本、罗马、纽约、东京、都灵、柏林、蒙特利尔、苏黎世、波哥大和巴黎举办过个人画展。 胡安-热诺维斯的作品被巴伦西亚 IVAM、索菲亚王后国家艺术中心博物馆、胡安-马奇基金会、巴黎国家当代艺术中心、纽约现代艺术博物馆以及 La Caixa、Argentaria 和 Thyssen-Bornemisza 收藏。

估价 12 000 - 15 000 EUR

编号 90 - 阿尔弗雷德-艾森斯塔特（ALFRED EISENSTAEDT，1898 年生于西普鲁士迪尔肖，1995 年生于美国）。 1945 年，纽约时代广场的 "V-J 日"。 明胶银印刷品。1991 年在时代生活照片上印刷。 背面用铅笔注明了签名、日期和标题，并用铅笔注明了时代华纳的版权限制（背面）。 出处：纽约 Alona Kagan 画廊。 尺寸：48 x 33 厘米；62 x 51 厘米（画框）：48 x 33 厘米；62 x 51 厘米（画框）。 在阿尔弗雷德-艾森斯塔德拍摄到这一瞬间一周后，《生活》杂志在一个名为 "胜利 "的版面上刊登了这张快照，该版面专门庆祝第二次世界大战的结束。然而，这张照片却超越了其他照片，成为了一个标志。一位护士和一位海军陆战队员，一位国家的捍卫者和一位致力于保存自己生命之吻的人，象征着未来的希望。 二战前，他在德国开始了自己的职业生涯，但移居美国后，他作为《生活》杂志的摄影师一举成名。艾森施塔特从小就对摄影着迷，11 岁时，他得到了自己的第一台相机--一台装有卷筒胶卷的伊士曼柯达折叠相机，从此开始了摄影生涯。后来，他在第一次世界大战期间服役于德国陆军炮兵部队，并于 1918 年受伤。艾森斯塔特在 20 世纪 20 年代的魏玛德国做皮带和纽扣推销员，1928 年开始为太平洋和大西洋照片公司柏林办事处拍摄自由摄影作品。1929 年，艾森斯塔特受雇于美联社德国办事处，成为一名全职摄影师，并在一年内被誉为 "非凡的摄影师"。他还为当时世界上最大的出版社乌尔斯坦出版社出版的《图片报》工作。四年后，他拍摄了著名的阿道夫-希特勒和贝尼托-墨索里尼在意大利的首次会晤。1932 年，他在圣莫里茨拍摄了阿道夫-希特勒；1933 年，他在日内瓦国联拍摄了约瑟夫-戈培尔。戈培尔最初对艾森施塔特很友好，但在得知艾森施塔特是犹太人后，戈培尔在拍摄照片时对他皱起了眉头。1935 年，由于政治局势的原因，他搬到了纽约，在那里艾森斯塔特入了籍，并加入了美联社移民莱昂-丹尼尔（Leon Daniel）和西莉娅-库楚克（Celia Kutschuk）的摄影机构 PIX Publishing。翌年，即 1936 年，《时代》创始人亨利-卢斯收购了《生活》杂志，艾森斯塔特因其在欧洲的摄影作品而闻名，他受邀加入新杂志，成为玛格丽特-伯克-怀特（Margaret Bourke-White）和罗伯特-卡帕（Robert Capa）[8] 等四位最初的摄影师之一。他从 1936 年一直工作到 1972 年，以新闻和名人摄影而闻名。

估价 10 000 - 12 000 EUR

编号 91 - 曼努埃尔-埃尔南德斯-蒙莫（MANUEL HERNÁNDEZ MOMPÓ ，1927 年出生于巴伦西亚，1992 年出生于马德里）。 无题》，1980 年。 纸上水粉画。 下方空白处有签名和日期。 可应买方要求附上证书，费用由买方承担。 尺寸：100 x 70 厘米，113 x 83 厘米（框架）。 50 年代，埃尔南德斯-蒙波开始尝试在纸上使用水粉画的技法，以流行节日为主题，经过几十年的形式解构过程，最终形成了抽象的作品，如本图所示，其中的斑点和彩色丝带暗示着遥远的节日起源。 1943 年，埃尔南德斯-蒙波进入巴伦西亚应用艺术和艺术学院学习，并在该学院交替学习小学和中学课程。1948 年，他获得一笔资助，在格拉纳达的画家公寓作画，三年后，一笔新的资助使他得以前往巴黎。在法国首都，他接触到了非正式主义画家的圈子，在他们的影响下，他后来的作品摒弃了在此之前一直占主导地位的风景画和肖像画。1954 年至 1955 年间，他利用国家教育部文化司的资助，在罗马度过了一段漫长的时光，在意大利首都的西班牙美术学院学习。1954 年，他参加了维亚雷焦国际展览，并获得意大利航海奖。离开意大利后，他在阿姆斯特丹定居，在那里，他再次频繁出入非正规艺术中心。1957 年，他回到西班牙，定居在阿拉瓦卡（马德里）。次年，他获得了马德里胡安-马奇基金会的资助，并赢得了国家绘画大奖和国家美术展览一等奖。六十年代和七十年代，他在马德里和伊维萨岛轮流居住，1973 年在加利福尼亚居住了一年。回到西班牙后，他在马略卡岛定居。埃尔南德斯-蒙波在欧洲和美国的主要首都举办过展览，并参加过国内和国外的联展。1968 年，他在第三十四届威尼斯双年展上获得了联合国教科文组织奖。1984 年，他被文化部授予国家美术奖。他年轻时的风格很快受到了抽象表现主义和非正式主义的明确影响，尽管他的作品从未失去以现实为参照点的特点。在他的作品中，Hernández Mompó 捕捉到了具象和诗意的意象，并与抽象元素和丰富的叠加效果和谐地融为一体。Hernández Mompó 的作品在巴伦西亚 IVAM 美术馆、索菲亚王后国家博物馆、昆卡抽象艺术博物馆、伦敦大英博物馆、巴黎蓬皮杜艺术中心、纽约大通曼哈顿银行收藏馆和瑞士温特图尔博物馆等地展出。

估价 12 000 - 14 000 EUR

编号 93 - MARK RYDEN（1963 年出生于俄勒冈州梅德福）。 "Piccolina yakalina Buff》，2023 年。 多色青铜。范例 2/20、 附有艺术家编号和签名的鉴定证书。 出版商：DDT 商店。 保存盒由艺术家设计。 有艺术家印章和编号。 尺寸：16.5 x 6.5 x 5 厘米；22 x 14.5 x 13 厘米（盒）：16,5 x 6,5 x 5 厘米；22 x 14,5 x 13 厘米（盒）。 Piccolina Yakalina 的面部造型和风格让人想起雷登的其他作品，如《Baby Bos》。这个超现实主义美学的实体基于简单线条的构思，但并不妨碍作品的表现力。在艺术家为 Piccolina Yakalina 发布会制作的宣传视频中，他这样描述 Yakalina："Yakalina 是灵性的实体，她们是美人鱼、仙女和幽灵的姐妹。9 个雅卡莉娜共同组成了一个神秘的实体。"马克-雷登 1987 年获得帕萨迪纳艺术中心设计学院艺术学士学位。由于《Juxtapoz》等所谓的低俗艺术刊物定期刊登他的作品，雷登的作品在公众领域变得更加引人注目。事实上，雷登还与其他低俗艺术家合作过，如加里-巴斯曼（Gary Baseman）和蒂姆-比斯库普（Tim Biskup），以及作曲家斯坦-里奇韦（Stan Ridgway）（《伏都之墙》）和皮特拉-韦克斯顿（Pietra Wexstun）（《血--悲伤与恐惧的微型绘画》CD 原声带）。2001 年 11 月，雷登在纽约的厄尔-麦格拉斯画廊举办了他的首次画展，画展随后移至加利福尼亚州圣安娜的大中央艺术中心。他的画作曾在世界各地的博物馆和画廊展出，包括在马拉加当代艺术中心举办的职业生涯回顾展 "Chamber of Wonders"，以及早前在西雅图弗莱艺术博物馆和帕萨迪纳加州艺术博物馆举办的回顾展 "Wondertoonel"。雷登受托为美国芭蕾舞剧院制作《鲜奶油》（Whipped Cream）的布景和服装，该剧由阿列克谢-拉特曼斯基（Alexei Ratmansky）编舞。Whipped Cream》改编自理查德-施特劳斯（Richard Strauss）的两幕芭蕾舞剧《Schlagobers》，该剧于 1924 年首次在维也纳国家歌剧院上演。雷登为该芭蕾舞剧创作的作品曾在大都会歌剧院的 Met 画廊展出。雷登曾为迈克尔-杰克逊（Michael Jackson）、林戈-斯塔尔（Ringo Starr）、杰克-吉尔（Jack Off Jill）、斯卡林（Scarling）和红辣椒乐队（Red Hot Chili Peppers）等音乐家设计专辑封面，马克-雷登还为他的一把吉他上色。哈梅特带着这把吉他登上了 2009 年 4 月刊《吉他世界》的封面。 附有由艺术家签名并编号的鉴定证书。 保存盒由艺术家设计。

估价 12 000 - 14 000 EUR

编号 94 - MARK RYDEN（1963 年出生于俄勒冈州梅德福）。 "Piccolina yakalina Bistre》，2023 年。 多色青铜。典范 2/20、 附有艺术家编号和签名的鉴定证书。 出版商：DDT 商店。 保存盒由艺术家设计。 有艺术家印章和编号。 尺寸：16.5 x 6.5 x 5 厘米；22 x 14.5 x 13 厘米（盒）：16,5 x 6,5 x 5 厘米；22 x 14,5 x 13 厘米（盒）。 Piccolina Yakalina 的面部造型和风格让人想起雷登的其他作品，如《Baby Bos》。这个超现实主义美学的实体基于简单线条的构思，但并不妨碍作品的表现力。在艺术家为推出 Piccolina Yakalina 而制作的宣传视频中，他这样评论道："Yakalina 是一种精神实体，它们是美人鱼、仙女和幽灵的姐妹。9 个 Yakalina 共同组成了一个神秘的实体"。 1987 年，马克-雷登从帕萨迪纳艺术中心设计学院获得艺术学士学位。由于《Juxtapoz》等所谓的低俗艺术刊物经常刊登他的作品，雷登的作品在公众领域的知名度越来越高。事实上，雷登还与其他低俗艺术家合作过，如加里-巴斯曼（Gary Baseman）和蒂姆-比斯库普（Tim Biskup），以及作曲家斯坦-里奇韦（Stan Ridgway）（《伏都之墙》）和皮特拉-韦克斯顿（Pietra Wexstun）（《血--悲伤与恐惧的微型绘画》CD 原声带）。2001 年 11 月，雷登在纽约的厄尔-麦格拉斯画廊举办了他的首次画展，画展随后移至加利福尼亚州圣安娜的大中央艺术中心。他的画作曾在世界各地的博物馆和画廊展出，包括在马拉加当代艺术中心举办的职业生涯回顾展 "Chamber of Wonders"，以及早前在西雅图弗莱艺术博物馆和帕萨迪纳加州艺术博物馆举办的回顾展 "Wondertoonel"。雷登受托为美国芭蕾舞剧院制作《鲜奶油》（Whipped Cream）的布景和服装，该剧由阿列克谢-拉特曼斯基（Alexei Ratmansky）编舞。Whipped Cream》改编自理查德-施特劳斯（Richard Strauss）的两幕芭蕾舞剧《Schlagobers》，该剧于 1924 年首次在维也纳国家歌剧院上演。雷登为该芭蕾舞剧创作的作品曾在大都会歌剧院的 Met 画廊展出。雷登曾为迈克尔-杰克逊（Michael Jackson）、林戈-斯塔尔（Ringo Starr）、杰克-吉尔（Jack Off Jill）、斯卡林（Scarling）和红辣椒乐队（Red Hot Chili Peppers）等音乐家设计专辑封面，马克-雷登还为他的一把吉他上色。哈梅特带着这把吉他登上了 2009 年 4 月刊《吉他世界》的封面。 附有由艺术家签名并编号的鉴定证书。 保存盒由艺术家设计。

估价 12 000 - 14 000 EUR

编号 95 - EUGENIO MERINO（马德里，1975 年）。 "策展人》，2008 年。 尺寸：102 x 66 厘米：102 x 66 厘米。 在 "策展人 "中，欧亨尼奥-梅里诺仿照电影海报的美学，以其特有的讽刺手法将一群展览策展人排列成黑帮分子。欧亨尼奥-梅里诺因其作品引发的争议而闻名：从 2006 年 "Mondolirondo "展览的 "自杀的贾法尔"，到装置作品 "通往天堂的星路"，再到 "永远的佛朗哥"（在 ARCO 展出）或 "For the Love of Go(l)d"。他开始从事绘画工作，作品内容不如现在丰富（根据他自己的说法，事业的转折是由于厌倦了相同的创作过程，以及作为自己作品的观众没有任何感觉）。展示他的政治作品，这是一个典型的创作者，受时代所限，他将自己的社会意识形态转移到自己的双手上，再从双手转移到雕塑作品上，让观者如痴如醉（这是应该的）。他曾在 Unix Gallery（美国休斯顿）、Unix Fine Arts（美国纽约）、ADN Galería（西班牙巴塞罗那）、Jerome Zodo Gallery（意大利米兰）和 Louis 21（西班牙马德里）等地举办个展。他曾多次举办个展和联展，并参加过各种艺术博览会，如纽约 Volta、巴塞尔 Volta、马德里 ARCO、布鲁塞尔 Art Brussels、FIAC 等。布鲁塞尔艺术博览会、FIAC（巴黎）、军械库艺博会、Arte Fiera（博洛尼亚）、Art BO（波哥大）、MACO（墨西哥）、Art Wynwood（迈阿密），并曾在台北当代艺术馆和比利时沙勒罗瓦 BPS22 美术馆展出。

估价 4 000 - 5 000 EUR

编号 96 - 尤金尼奥-梅里诺（EUGENIO MERINO）（马德里，1975 年）。 "上帝的召唤》。2010. 采用金属、玻璃和电子元素的灯光装置。 独一无二的作品。 尺寸：75 x 57 x 15 厘米：75 x 57 x 15 厘米。 一个由霓虹灯组成的十字架让人联想起药店的信号方式，其下部被加长，类似于基督教的十字架。艺术家欧亨尼奥-梅里诺（Eugenio Merino）以此将药理学和宗教、对科学的信仰和对上帝的信仰联系起来，让我们反思盲目寻求灵丹妙药以缓解我们所有的弊病。值得将这件作品与 "通往天堂的阶梯 "等雕塑装置作品联系起来，在这些作品中，他批判了宗教原教旨主义及其灾难性后果。 欧亨尼奥-梅里诺以其作品引发的争议而闻名：从 2006 年 "Mondolirondo "展览上的 "自杀的贾法尔"，到装置作品 "通往天堂的星路"，再到 "永远的佛朗哥"（在 ARCO 展出）或 "For the Love of Go(l)d"。他开始从事绘画工作，作品内容不如现在丰富（根据他自己的说法，事业的转折是由于厌倦了相同的创作过程，以及作为自己作品的观众没有任何感觉）。展示他的政治作品，这是一个典型的创作者，受时代所限，他将自己的社会意识形态转移到自己的双手上，再从双手转移到雕塑作品上，让观者如痴如醉（这是应该的）。他曾在 Unix Gallery（美国休斯顿）、Unix Fine Arts（美国纽约）、ADN Galería（西班牙巴塞罗那）、Jerome Zodo Gallery（意大利米兰）和 Louis 21（西班牙马德里）等地举办个展。他曾多次举办个展和联展，并参加过各种艺术博览会，如纽约 Volta、巴塞尔 Volta、马德里 ARCO、布鲁塞尔 Art Brussels、FIAC 等。布鲁塞尔艺术博览会、FIAC（巴黎）、军械库艺博会、Arte Fiera（博洛尼亚）、Art BO（波哥大）、MACO（墨西哥）、Art Wynwood（迈阿密），并曾在台北当代艺术馆和比利时沙勒罗瓦 BPS22 美术馆展出。

估价 12 000 - 14 000 EUR

编号 97 - ANN VERONICA JANSSENS（英国福克斯通，1956 年）。 "光、黄、绿"，2005 年。 750 瓦卤素灯和二色性滤色镜。 尺寸：33 x 22 x 25 厘米（灯）；66 x 13 x 13 x 13 厘米（脚）；投影 6 米。 安-维罗妮卡-扬森斯（Ann Veronica Janssens）致力于研究光与色彩之间的关系，在不使用图像物质的情况下进行绘画。标书中的 "雕塑 "由一盏卤素灯组成，投影时可覆盖 6 米的表面。通过这种方式，杨森利用非物质性将其染上色彩，让观众沉浸在物理和时间的脆弱体验中。他的作品曾多次举办个展：2020 年在英国伦敦南伦敦画廊（South London Gallery）和丹麦胡姆莱贝克路易斯安那博物馆（Louisiana Museum），2018 年在荷兰蒂尔堡德蓬基金会（De Pont Foundation）、芬兰赫尔辛基基阿斯玛博物馆（Kiasma Museum）和美国巴尔的摩艺术博物馆（Baltimore Museum of Art），2017 年在芬兰赫尔辛基基阿斯玛博物馆（Kiasma Museum）和美国巴尔的摩艺术博物馆（Baltimore Museum of Art）。他的作品曾于 2003 年参加了 "世界当代艺术展"，2017 年在法国维勒班当代艺术学院（Institute of Contemporary Art in Villeurbanne）展出，2016 年在美国达拉斯纳舍雕塑中心（Nasher Sculpture Center in Dallas）展出，2015 年在荷兰根特 SMAK 美术馆（SMAK in Ghent）展出。2003 年，他参加了 "Aux origines de l'abstraction.1800-1914 "展览，参展作品为《红色 106 - 蓝色 132》。1999 年，他与米歇尔-弗朗索瓦（Michel François）一起代表比利时参加了第 45 届威尼斯双年展，他的作品还参加了许多其他国际双年展，如第 10 届英国圣彼得堡双年展（2014 年）、第 18 届澳大利亚悉尼双年展（2012 年）、第 8 届穆尔西亚双年展（2011 年）、第 5 届韩国首尔国际媒体艺术双年展（2006 年）、第 11 届澳大利亚悉尼双年展（1998 年）、第 5 届土耳其伊斯坦布尔国际双年展（1997 年）和第 22 届巴西圣保罗国际双年展（1994 年）。自 1985 年以来，他参加过伦敦海沃德美术馆、布鲁塞尔维尔斯美术馆、路易斯安那现代艺术博物馆、英国爱丁堡水果市场美术馆（2015 年）、汉诺威斯普伦格尔博物馆、梅斯蓬皮杜艺术中心和日本东京森美术馆（2014 年）等大型群展。

估价 18 000 - 20 000 EUR

编号 98 - 约梅-普伦萨（JAUME PLENSA）（巴塞罗那，1955 年 "大米"，1995 年 青铜和帆布，复制品 1/6。 有签名和编号。 尺寸：直径 20 厘米（铜球）；26 x 27 x 18 厘米。(共计）。 "大米 "是普伦萨 1995 年创作的系列作品之一，在这些作品中，他将青铜的刚性与织物或绳索等材料的延展性进行了对比。所有这些作品的标题都与美食有关：牛奶、豆类、面条、小炒、热狗、米饭、烤牛肉、鸡蛋、面包、盐....。铜球和包裹铜球的布料的组合暗示了爆炸或低沉暴力的概念。 Jaume Plensa 曾在巴塞罗那的 Escuela de La Llotja 和 Superior de Bellas Artes de Sant Jordi 学习。他擅长雕塑、绘画和雕刻。他的作品关注人与环境的关系，经常质疑艺术在社会中的角色和艺术家的地位。他目前居住在巴黎，最近被芝加哥艺术学院授予荣誉博士学位。普伦萨的艺术生涯始于使用聚酯混合锻铁的创作。1983 至 1984 年间，他开始使用铸造技术塑造铁模，并发展出一种基于变形元素的雕塑概念。他的作品逐渐演变，现在被认为是西班牙新表现主义的先驱。九十年代，他的作品在材料和形式上都有所改变，开始使用金属碎片、聚酯和树脂等不同材料。在这些年里，他创作了一系列墙壁、门和建筑结构作品，力图让空间成为绝对的主角。1999 年至 2003 年间，普伦萨成为世界场景设计的支柱之一，他以 "La Fura dels Baus "重新诠释了法拉、德彪西、柏辽兹和莫扎特的四部经典歌剧，并独自完成了本-杰隆（Ben Jelloun）的现代戏剧作品 "La pareti della solitudine"。他在世界各地举办过个展和联展，包括 2000 年在索菲亚王后国家艺术中心博物馆举办的回顾展。2008 年 6 月，他的作品 "呼吸 "在伦敦英国广播公司总部揭幕，这是对殉职记者的纪念。在他的职业生涯中，他获得了无数荣誉，如 1993 年法国文化部颁发的艺术与文学骑士勋章，1997 年加泰罗尼亚自治区颁发的国家造型艺术奖。他被认为是西班牙新表现主义艺术的主要代表之一，他的作品出现在国内外最好的画廊和艺术博览会，以及欧洲和美国的主要博物馆，如纽约的 MOMA、堪萨斯的 Kemper、巴利亚多利德的 Patio Herreriano 博物馆、维罗纳的 Palazzo Forti、马德里的 MACBA 和索菲亚王后博物馆。

估价 16 000 - 18 000 EUR

编号 99 - 卡门-卡尔沃（CARMEN CALVO）（巴伦西亚，1950 年）。 "墙壁》，1991 年 7 月 木板上的混合媒介（油彩、陶土和帆布）。 背面有签名、年代和标题。 背面木质部分有破损，但不影响画布。 尺寸：150 x 190 厘米：150 x 190 厘米。 卡门-卡尔沃（Carmen Calvo）的作品 "墙壁"（Walls）充分体现了她的跨时代特征，同时也充满了诗意。在这幅作品中，一小块一小块的陶土叠加在画布上，向我们展示了一种让人联想起收藏家陈列柜的序列节奏，而这正是卡尔沃在巴黎卢浮宫博物馆发现埃及和美索不达米亚艺术藏品时所受到的影响。关于粘土的使用，值得一提的是，艺术家曾多次使用这种材料，尽管不是作为装饰元素（陶瓷、珐琅或多色形式），而是作为世俗的碎片，剔除多余的元素，也就是说，使其更高贵。 卡门-卡尔沃曾就读于巴伦西亚工艺美术学校，1970 年毕业于广告专业。后来，由于文化部（1980 年）、马德里 Casa de Velázquez（1983-85 年）和外交部（1985-92 年）对她在巴黎居住的资助，她接受了更广泛的培训。大约在这一时期，卡尔沃开始得到认可，她获得了巴塞罗那第一届拉萨尔精工绘画奖（1985 年）、巴伦西亚议会颁发的 Alfons Roig 奖（1989 年）、巴伦西亚大学第一届 Martínez Guerricabeitia 双年展奖学金（1989 年）以及第 47 届威尼斯双年展入选奖（1997 年）。这位艺术家于 1969 年开始参加展览活动，参加了在巴伦西亚 Círculo Universitario 举办的群展。1976 年，她在家乡的 Temps 画廊首次举办个人画展，此后她在西班牙和美国的多个城市以及欧洲、美洲和非洲的其他国家举办过个人画展。卡门-卡尔沃的作品目前被世界各地的艺术机构、博物馆和私人收藏，包括纽约古根海姆博物馆、马德里索菲亚王妃博物馆、神户平井丸龟美术馆、巴塞罗那 MACBA 美术馆、巴黎国家当代艺术基金会、巴伦西亚 IVAM 美术馆、纽约大通曼哈顿银行收藏等。

估价 18 000 - 20 000 EUR

编号 100 - ANTONI CLAVÉ I SANMARTÍ（1913 年，巴塞罗那 - 2005 年，法国圣特罗佩）。 "Guerrier au fond marron》，1968 年。 木板上的混合媒介（油画和拼贴画）。 右下角有签名。 经克拉维档案馆认证。 画框的多色部分略有缺失。 尺寸：93 x 65 厘米；117 x 90 厘米（画框）：93 x 65 厘米；117 x 90 厘米（画框）。 大约在四十年代中期至五十年代中期，安东尼-克拉维在从事戏剧场景设计工作的同时，还开始了为 "Gargatú "创作插图的计划，这使他开始熟悉中世纪的图标，并逐渐将其发展成他著名的战士、国王、王后和骑士系列。与他的造型语言的演变同步，这些中世纪人物形象从某种写实主义开始，越来越接近抽象主义。因此，人物形象失去了精确性和形状，让位于绘画中的线条和色彩，以及雕塑中对纹理和不规则体积的欣赏。然而，与他的其他作品一样，这些战士和国王的形象始终保持着具象的元素。 安东尼-克拉维是西班牙当代艺术最重要的人物之一。克拉维在巴塞罗那圣约尔迪美术学院接受培训，最初致力于广告图形、插图和装饰艺术。1936 年，他积极参加内战，加入共和党队伍，战争结束后流亡法国。同年，即 1939 年，他展出了在战场上创作的绘画作品。他在巴黎定居，并在那里结识了维亚德、博纳尔和毕加索。从那时起，克拉维开始发展一种不同的、不那么古典的造型风格。在此期间，他的人物形象开始失去精确性和形状，让位给线条和一系列个人色彩和纹理，这在他的作品中一直占据主导地位。1956 年，他在巴塞罗那的加斯帕尔展厅举办了个人画展，从此他的作品开始在西班牙广为人知，并在国际上享有盛誉。六十年代，他向格列柯致敬，他的油画《此刻》揭示了这位大师以及巴洛克画家对他的影响。手放在胸前的绅士 "这一主题具有特殊的意义，在克拉维今后的作品中将会反复出现。这一时期的特点是最终走向抽象。70 年代，克拉维的作品继续演变，他使用了拼贴等各种技法，并发明了 "发泡纸 "等新技法，这是在皱巴巴的纸张上使用气溶胶的巧合结果。1978 年，巴黎国家现代艺术博物馆（现蓬皮杜艺术中心）为他举办了一次回顾展，使他成为同时代最负盛名的艺术家之一。他最新作品的特点是在抽象中再现质感，大量使用 "发泡纸"。他曾在 1948 年纽约 Hallimark、1954 年威尼斯双年展和 1957 年东京国际双年展上获奖。1984 年，西班牙国家承认了他的艺术价值，在威尼斯双年展西班牙馆展出了他的一百多幅作品。同年，他被授予加泰罗尼亚自治区金质奖章。除其他许多博物馆外，毕尔巴鄂美术馆、泰特美术馆、巴黎和东京现代艺术博物馆、大英博物馆和马德里索菲亚王后博物馆都收藏有克拉维的作品。

估价 25 000 - 30 000 EUR
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