29th July - Iconic Photographs & Graphic work

Lotto 1 - HELMUT NEWTON (Germania, 1920 - California, 2004). "Scarpa", Monte Carlo, 1983. Gelatina d'argento. Stampa successiva. Firmato, titolato, datato a matita e timbro di copyright sul retro. Nessun numero di edizione. Provenienza: Collezione McCord, New York. Misure: 36 x 24,6 cm (immagine); 40 x 31 cm (cornice). Una caviglia sottilmente arcuata e calzata da una scarpa con tacco alto occupa l'intero piano fotografico in questa iconica immagine di Helmut Newton. Luogo associato al glamour e al lusso, Monte Carlo è lo sfondo perfetto per l'esplorazione di Newton della moda e dell'erotismo. Il feticismo dei tacchi alti e delle caviglie femminili sono esplorati dall'artista in diversi contesti. In tutti, attraverso composizioni audaci e accuratamente realizzate, ridefinisce i parametri della fotografia di moda e dell'erotismo, il ruolo della donna e le relazioni di potere. Provocazione, anti-voyeurismo ed emancipazione femminile sono spesso attributi delle sue foto. Newton è nato a Berlino, ha frequentato l'Heinrich-von-Treitschke-Realgymnasium e l'American School di Berlino. Interessato alla fotografia fin dall'età di 12 anni, quando acquistò la sua prima macchina fotografica, lavorò per la fotografa tedesca Yva (Elsie Neuländer Simon) a partire dal 1936. Le restrizioni sempre più opprimenti imposte agli ebrei dalle leggi di Norimberga fecero perdere al padre il controllo della fabbrica; egli fu brevemente internato in un campo di concentramento durante la Notte dei Cristalli, il che costrinse infine la famiglia a lasciare la Germania. I genitori di Newton fuggirono in Argentina. Infine, arrivato a Singapore, scoprì di potervi rimanere, prima per un breve periodo come fotografo per lo Straits Times e poi come ritrattista. Newton fu internato dalle autorità britanniche mentre si trovava a Singapore e fu inviato in Australia a bordo della Queen Mary, arrivando a Sydney il 27 settembre 1940. Rilasciato dall'internamento nel 1942, lavora per un breve periodo come raccoglitore di frutta nel nord del Victoria. Nell'aprile 1942 si arruolò nell'esercito australiano e lavorò come camionista. Dopo la guerra, nel 1945, divenne un suddito britannico e cambiò il suo nome in Newton nel 1946. Nello stesso anno, Newton apre uno studio in Flinders Lane a Melbourne e si occupa di moda, teatro e fotografia industriale durante il dopoguerra. Nel maggio 1953 condivide la sua prima mostra congiunta con Wolfgang Sievers, la mostra "New Visions in Photography", allestita al Federal Hotel di Collins Street, che rappresenta probabilmente il primo assaggio della fotografia della Nuova Oggettività in Australia. Newton si legò a Henry Talbot, un ebreo tedesco anch'egli internato a Tatura, e la sua collaborazione con lo studio continuò anche dopo il 1957, quando lasciò l'Australia per Londra. Lo studio fu ribattezzato "Helmut Newton e Henry Talbot". La crescente reputazione di Newton come fotografo di moda viene premiata quando ottiene l'incarico di illustrare la moda in un supplemento speciale australiano per la rivista Vogue, pubblicato nel gennaio 1956. Ottenuto un contratto di 12 mesi con British Vogue, partì per Londra nel febbraio 1957, lasciando a Talbot la gestione dell'attività. Newton lascia la rivista prima della scadenza del contratto e si reca a Parigi, dove lavora per riviste francesi e tedesche. Tornò a Melbourne nel marzo 1959 per lavorare con Australian Vogue. Newton e sua moglie si stabilirono infine a Parigi nel 1961. Le sue immagini sono apparse su riviste come l'edizione francese di Vogue e Harper's Bazaar. Ha stabilito uno stile particolare, caratterizzato da scene erotiche e stilizzate, spesso con un sottotesto feticista. Nel 1980 ha creato la serie "Big Nudes". Seguirono il portfolio "Nude and Clothed" e, nel 1992, "Domestic Nudes", che segnò l'apice del suo stile erotico-urbano; tutte queste serie sostengono la destrezza delle sue abilità tecniche. Newton ha lavorato anche a ritratti e studi più fantastici. Ha realizzato una serie di illustrazioni per Playboy, tra cui quelle di Nastassja Kinski e Kristine DeBell.

Stima 12 000 - 14 000 EUR

Lotto 2 - STEVE MCCURRY (USA, 1950). "Ragazza afghana".Peshawar, Pakistan, 1984. Stampa cromogenica. Annotazione sul retro: "Fuji color chrystal Archive Paper". Firmata a inchiostro a margine. Provenienza: Galleria Cesare Manzo, Pescara, Italia. Misure: 45,5 x 30,5 cm (immagine); 49,8 x 39,5 cm (cornice). "La ragazza afghana" è la fotografia più nota della carriera di McCurry e un'icona per la storia della fotografia documentaria. La scattò nel 1984, nel campo profughi di Nasir Bagh, in Pakistan, durante la guerra sovietico-afghana. La ragazza, Sharbat Gula, era una rifugiata afghana fuggita dalle violenze nel suo Paese. La ragazza, dai penetranti occhi verdi e avvolta in uno scialle rosso che le copriva le spalle e i capelli, affascinò gli spettatori di tutto il mondo. L'immagine apparve sulla copertina del numero di giugno 1985 della rivista National Geographic, diventando rapidamente una delle fotografie più note e potenti del XX secolo. L'immagine è diventata un simbolo della sofferenza e della resistenza dei rifugiati e del conflitto in Afghanistan. È stata ampiamente utilizzata per illustrare la condizione dei rifugiati in tutto il mondo. Per molti anni l'identità della ragazza nella fotografia è rimasta un mistero. Nel 2002, McCurry e un team del National Geographic hanno individuato Sharbat Gula in un villaggio remoto dell'Afghanistan. La sua identità è stata confermata dal riconoscimento dei suoi tratti somatici, in particolare degli occhi. Steve McCurry è un fotoreporter americano, noto in tutto il mondo come autore della fotografia "The Afghan Girl", apparsa sulla rivista National Geographic nel 1985. La sua carriera di fotografo è iniziata con la guerra in Afghanistan (1978-1992). Ha coperto anche altri conflitti internazionali come la guerra Iraq-Iran o la guerra del Golfo. Dopo aver lavorato per due anni a King of Prussia, in Pennsylvania, nel 1978 si è recato in India per lavorare in proprio. Dopo un anno di permanenza, si è recato nel nord del Pakistan. La sua carriera di fotografo è iniziata con la copertura della guerra sovietica. In Afghanistan McCurry si è travestito con gli abiti del paese per passare inosservato mentre lavorava e ha portato fuori dal paese la pellicola cucendola nei suoi vestiti. Le sue immagini sono state tra le prime a ritrarre il conflitto e sono state ampiamente diffuse. Questo lavoro gli valse la Medaglia d'oro Robert Capa per il miglior fotogiornalismo estero e fu pubblicato dal New York Times, dal TIME e da Paris Match. McCurry ha continuato a occuparsi di conflitti internazionali, tra cui la guerra Iran-Iraq, Beirut, la Cambogia, le Filippine, la guerra del Golfo e l'Afghanistan. È sopravvissuto a un incidente aereo in Jugoslavia. Il suo lavoro è stato pubblicato in riviste di tutto il mondo e collabora regolarmente con il National Geographic. Dal 1986 è membro dell'agenzia Magnum. Nel suo lavoro, McCurry si concentra sul dolore causato dalla guerra. Cerca di mostrare cosa fa la guerra, ma non solo sul campo di battaglia, bensì anche alle persone che ci vivono. Sostiene che c'è sempre qualcosa in comune tra tutti gli esseri umani, nonostante la religione, la lingua, l'etnia, ecc.

Stima 10 000 - 13 000 EUR

Lotto 3 - JOAN MIRÓ I FERRÀ (Barcellona, 1893 - Palma di Maiorca, 1983). Serie Barcellona, 1972. Acquaforte, acquatinta e carborundum. Copia "Bon a tiré", 1972. Firmato e iscritto a matita. Inscritto: "Bat. Miró 6/IV/72 - 28/III/72 (6)". Rif. no. 598, p. 231, "Miró Graveur", Vol. II. Misure: 70 x 105 cm; 87 x 122 cm (cornice). Joan Miró si forma a Barcellona e debutta individualmente nel 1918, presso le Gallerie Dalmau. Nel 1920 si trasferisce a Parigi e incontra Picasso, Raynal, Max Jacob, Tzara e i dadaisti. Lì, sotto l'influenza di poeti e pittori surrealisti, matura il suo stile; cerca di trasporre la poesia surrealista al visivo, basandosi sulla memoria, sulla fantasia e sull'irrazionale. La sua terza mostra a Parigi, nel 1928, è il suo primo grande trionfo: il Museum of Modern Art di New York acquista due delle sue opere. Tornato in Spagna nel 1941, nello stesso anno il museo gli dedica una retrospettiva che sarà la sua definitiva consacrazione internazionale. Nel corso della sua vita ricevette numerosi riconoscimenti, come i Gran Premi della Biennale di Venezia e della Fondazione Guggenheim, il Premio Carnegie per la Pittura, le Medaglie d'Oro della Generalitat de Catalunya e delle Belle Arti, e fu nominato Dottore Honoris Causa dalle università di Harvard e Barcellona. Attualmente le sue opere sono esposte alla Fondazione Joan Miró di Barcellona, al Museo Thyssen-Bornemisza, al MoMA di New York, al Museo Reina Sofía di Madrid, alla National Gallery di Washington, al MNAM di Parigi e alla Albright-Knox Art Gallery di Buffalo.

Stima 6 000 - 8 000 EUR

Lotto 4 - JEANLOUP SIEFF (Parigi, 1933-2000). "Yves Saint Laurent", Parigi, 1971. Gelatina d'argento. Firmato e datato a inchiostro (a margine). Con timbro dell'artista sul retro. Provenienza: collezione privata O'Hara New York. Misure: 30 x 31 cm (immagine); 40,7 x 31 cm (cornice). La fotografia di Yves Saint Laurent scattata da Jeanloup Sieff a Parigi (1971) è stata realizzata in un periodo di grande creatività nella moda e nella fotografia. Yves Saint Laurent era già una figura di spicco nel mondo della moda, noto per i suoi modelli rivoluzionari, e Sieff era già un rinomato ritrattista di grandi personalità. Jeanloup Sieff era noto per la sua capacità di catturare l'eleganza e la sensualità dei suoi soggetti. Il suo stile distintivo comprende un uso magistrale del bianco e nero che gioca con luci e ombre. In questa fotografia, Sieff utilizza queste tecniche per evidenziare la figura e il carattere di Saint Laurent. Mostrando lo stilista nudo, l'immagine trasmette la vulnerabilità del soggetto e la sua spogliazione di pretese, offrendo uno sguardo intimo sull'uomo che si cela dietro l'icona della moda. Jeanloup Sieff è stato un fotografo francese, il cui lavoro è stato riconosciuto per i suoi ritratti di personaggi del mondo dello spettacolo e della politica, ma anche per le sue fotografie di reportage, di paesaggio e di nudo. È nato a Parigi il 30 novembre 1933 da genitori di origine polacca. I suoi studi dopo il liceo sono stati brevi: ha studiato Lettere per due settimane, giornalismo per dieci giorni, fotografia alla Scuola Vaugirard in Francia per un mese e poi a Vevey in Svizzera per sette mesi. Il suo amore per la fotografia lo fa iniziare come fotografo "dilettante" all'età di quindici anni, aumentando gradualmente la sua qualità fotografica fino a debuttare come fotoreporter nel 1954. Un anno dopo entra a far parte della rivista Elle, dove realizza prima reportage e poi fotografie di moda fino a quando lascia la rivista nel 1959. Nello stesso anno inizia a lavorare per Réalités e Le Jardin des Modes. Lascia anche l'agenzia Magnum per lavorare in proprio. Nel 1959 riceve il Premio Niépce per l'eccellenza fotografica. Nel 1961 si stabilisce a New York, dove collabora con Look, Esquire e soprattutto Harper's Bazaar. Ha avuto brevi soggiorni in Europa dove ha lavorato per Twen, Vogue e Queen. Nel 1967 decise di trasferirsi a Parigi, dove lavorò per Vogue, Femme, Nova e altre pubblicazioni. Ha esposto a livello nazionale e internazionale e diverse sue opere sono state acquisite da vari musei del mondo. Nel 1971 ricevette la medaglia d'oro del museo d'arte moderna di Skopje e nello stesso anno donò diverse collezioni alla Biblioteca Nazionale di Parigi, che all'epoca non aveva i fondi per acquistare fotografie di autori francesi. La caratteristica più rilevante del suo lavoro è l'uso del bianco e nero, soprattutto delle inquadrature grandangolari e dei suoi tratti drammatici in laboratorio. Il suo stile mostra l'influenza del surrealismo e della nuova oggettività. Il suo lavoro ha ricevuto premi internazionali dal Giappone agli Stati Uniti ed è distribuito in diverse parti del mondo. Tra i riconoscimenti ricevuti figurano il Premio Niépce nel 1959 e il Grand Prix National de Photographie nel 1992. È stato nominato Cavaliere della Legione d'Onore.

Stima 10 000 - 13 000 EUR

Lotto 5 - DAVID LACHAPELLE (Hartford, Connecticut, 1963). "Serie risvegliata Giona" 2007. Fotografia digitale, copia AP 3/3. Firmata sul retro. Misure: 152,4 x 114,3 cm; 154 x 116 cm (cornice). Con la serie "Awakened", LaChapelle ha dato una nuova direzione al suo lavoro. Ispirandosi alla narrazione biblica, riprende persone anonime che interpretano il ruolo di personaggi biblici (qui mostriamo la figura di Giona), immerse nell'acqua, in uno stato di levitazione. La bella illuminazione, le loro espressioni, l'assenza di peso degli abiti, contribuiscono a introdurre lo spettatore in un'accogliente dimensione mistica. Queste opere confermano il profondo legame di LaChapelle con il trascendentale, con la presenza del divino nel quotidiano e con l'idea del sublime. La carriera di LaChapelle inizia in modo significativo nel 1982, quando Andy Warhol lo spinge a pubblicare le sue fotografie "Interview". "Andy Warhol corrisponde perfettamente al suo tempo", dice il fotografo, "è senza dubbio un grande artista del XX secolo. È stato molto generoso e ho imparato molto da lui, ma apparteniamo a due generazioni diverse e abbiamo idee diverse. L'arte di maggior valore oggi è quella che riesce a chiarire il tempo in cui viviamo, ed è quello che cerco di fare io". Le immagini stravaganti, bizzarre e fantastiche di David LaChapelle sono apparse sulle pagine e sulle copertine delle riviste Vogue, Rolling Stone, i-D, Vibe, Interview, The Face e GQ, solo per citarne alcune. Il suo stile è unico e riconoscibile, lavora con inquadrature aperte, scene fresche ed estremamente colorate che mostrano il suo stile pop-art. I suoi scatti hanno un lavoro meticoloso e dettagliato, che lavora sull'aspetto fisico del personaggio portandolo quasi alla caricatura. "Cerco di fare foto che non ho mai visto prima", dice LaChapelle. Creativo di talento, gioca con scene fittizie e grottesche, per lo più artificiali e ha una produzione eccellente; le immagini sono generalmente al momento dello scatto, con poca post-produzione. Nel suo lavoro possiamo vedere anche la critica alla società in cui viviamo piena di eccessi e vanità. La sua incondizionata dedizione all'originalità è leggendaria nel mondo della moda, del cinema e della pubblicità. LaChapelle ha partecipato a campagne pubblicitarie per diversi clienti, tra cui L'Oreal, Iceberg, MTV, Ecko, Diesel Jeans, Sirius, Ford, Sky Vodka, Cervecería Cuahtemoc Moctezuma e la campagna Got Milk? David ha fotografato numerose copertine di album per artisti come Macy Gray, Moby, No Doubt, Whitney Houston, Elton John, Christina Aguilera, Madonna e Kylie Minogue. Il suo primo libro di successo, LaChapelle Land, è stato pubblicato nel 1996 da Collaway Publishing, portando all'interno della sua stravagante confezione una collezione esplosiva di ritratti di celebrità e modelle, tra cui Lady Gaga, Madonna, Shakira, Leonardo DiCaprio, Pamela Anderson, Uma Thurman, Marilyn Manson, Mark Wahlberg, Drew Barrymore ed Elton John. Il successore di questo debutto è stato il libro Hotel LaChapelle, pubblicato sempre da Collaway nel 1999, che presenta immagini fresche e dai colori indimenticabili. LaChapelle continua a realizzare fotografie che si confrontano con i nostri gusti visivi, dando uno sguardo nuovo al paesaggio odierno.

Stima 28 000 - 30 000 EUR

Lotto 6 - ROBERT MAPPLETHORPE (New York, 1946 - Boston, 1989). "Lisa Lyon", 1982. Gelatina d'argento, stampata nel 1982, montata. Esemplare 1/10. Provenienza: Galleria Sean Kelly, New York, Phillips, "SPOTLIGHT: Photographs from a Private London Collection", 2023 e Collezione privata, Spagna. Bibliografia: R. Mapplethorpe, Lady: Lisa Lyon, New York: St. Martin's, 1983, pag. 94 (variante). Firmato e datato da Michael Ward Stout, esecutore testamentario, a inchiostro, proprietà del copyright, limitazione della riproduzione e timbro della firma sul retro del supporto incassato. Misure: 38,7 x 38,4 cm: 66 x 64 cm (cornice). Lisa Lyon ha raggiunto la fama come prima campionessa mondiale di bodybuilding. Nel 1980 incontrò Mapplethorpe e iniziò una grande amicizia che portò a un prolifico rapporto artistico. Il fisico di Lyon permise al fotografo di ritrarre soggetti di suo interesse come l'androginia, l'anatomia della statuaria classica o anche la cultura americana. Dal 1980, Mapplethorpe iniziò una serie di ritratti in cui Lyon veniva catturato sotto il suo obiettivo in molteplici modi, uno dei quali era la fotografia. Tutto questo lavoro è stato immortalato nel libro Lady: Lisa Lyon (1983). Fotografa americana, nota per aver trattato con sensibilità e forza soggetti controversi con il mezzo fotografico del bianco e nero. Il suo lavoro comprendeva una varietà di soggetti, tra cui ritratti di celebrità, nudi maschili e femminili, autoritratti e immagini di fiori morti. Il suo lavoro più controverso riguarda la sottocultura BDSM alla fine degli anni '60 e all'inizio degli anni '70 a New York. L'omoerotismo di questo lavoro ha alimentato un dibattito nazionale sul finanziamento pubblico di opere d'arte controverse. Mapplethorpe ha lavorato principalmente in studio e quasi esclusivamente in bianco e nero, ad eccezione di alcuni dei suoi ultimi lavori e della sua ultima mostra "New Colors". Il suo corpus di opere presenta un'ampia gamma di soggetti, ma il suo obiettivo principale e la maggior parte del suo lavoro sono le immagini erotiche. La sua arte erotica ha esplorato un'ampia gamma di temi sessuali, raffigurando la sottocultura BDSM della New York degli anni Settanta, rappresentazioni di nudi maschili neri e nudi classici di culturiste. Mapplethorpe era un osservatore partecipante in molte delle sue fotografie erotiche, partecipando agli atti sessuali che stava fotografando e impegnandosi sessualmente con le sue modelle. Tra gli altri soggetti vi erano fiori, in particolare orchidee e gigli, bambini, statue e celebrità e altri artisti, come Andy Warhol, Louise Bourgeois, Deborah Harry, Kathy Acker, Richard Gere, Peter Gabriel, Grace Jones, Amanda Lear, Laurie Anderson, Iggy Pop, Philip Glass, David Hockney, Cindy Sherman, Joan Armatrading e Patti Smith. Smith era un compagno di stanza di Mapplethorpe e un soggetto frequente delle sue fotografie, tra cui una fotografia iconica e cupa che appare sulla copertina del primo album di Smith, Horses. Le sue opere fanno spesso riferimento a immagini religiose o classiche, come un ritratto di Patti Smith del 1986 che ricorda l'autoritratto del 1500 di Albrecht Dürer. Tra il 1980 e il 1983, Mapplethorpe ha realizzato più di 150 fotografie della culturista Lisa Lyon, culminate nell'album fotografico Lady, Lisa Lyon, pubblicato da Viking Press e contenente un testo di Bruce Chatwin. Bibliografia: R. Mapplethorpe, Lady: Lisa Lyon, New York: St. Martin's, 1983, p. 94 (variante)

Stima 10 000 - 12 000 EUR

Lotto 7 - HANNAH COLLINS (Regno Unito, 1956). "Cucina. La Laboral Gijón". 2006 Stampa digitale su tela. Dittico. Con timbro della galleria Joan Prats sul retro. Provenienza: Galleria Joan Prats. Barcellona. Misure: 192 x 274 cm. Questa fotografia faceva parte della mostra personale "A future Life", tenutasi nel 2006 presso la galleria Joan Prats di Barcellona. Il lavoro fotografico di Hannah Collins è una riflessione sullo scorrere del tempo e sulla presenza della traccia umana in diversi ambienti. Le sue fotografie di spazi interni rivelano una storia sociale implicita e latente. Per l'artista, gli scorci fugaci delle città non permettono di comprendere appieno la loro esistenza. Lontane dal carattere documentario, le sue scene mescolano consapevolmente la realtà con una finzione che conferisce loro un nuovo significato. La "Cucina", squallida e istituzionale, mostrata in questa fotografia, fa parte della ricerca dell'artista sulle vite e la memoria dei migranti. Vale la pena di collegarla a una serie successiva che presenterà al LABoral Centro de Arte y Creación Industrial di Gijón (2017), intitolata "The Fragile Feast", incentrata sulla fotografia di cucina e che apre un dialogo tra arte culinaria e arte fotografica. Artista e regista britannica, Hannah Collins ha studiato alla Slade School of Fine Arts di Londra, per poi prolungare la sua formazione negli Stati Uniti grazie a una borsa di studio Fullbright (1978-79). Nel corso della sua carriera ha tenuto importanti mostre personali in importanti gallerie e centri d'arte in Europa e in America, e ha partecipato a mostre collettive tenutesi al Victoria & Albert Museum di Londra (1987, 1989, 1989, 1989). Albert Museum di Londra (1987, 1989, 1989, 1995, 2002), il Centre National des Arts Plastiques di Parigi (1989), il Museum of Modern Art di Kyoto (1990), la Fundació Joan Miró di Barcellona (1992, 1998), il Museo Español de Arte Moderno di Madrid (1994, 2008), la Saatchi Gallery di Londra (1994), la Galleria Helga de Alvear di Madrid (1999), la Tate Modern di Londra (2000), il Centre Georges Pompidou di Parigi (2006) e la Kulturhaus di Vienna (2011). Con sede tra Londra e Barcellona, nel 1993 è stata nominata per il Turner Prize, nel 1991 ha vinto l'European Photography Award e nel 2004 l'Olympus Award. Attualmente è rappresentata alla Tate Modern di Londra, al Centre Georges Pompidou di Parigi, al MNCA Reina Sofía di Madrid, al MACBA di Barcellona e in altre collezioni pubbliche e private in Europa e in America.

Stima 14 000 - 15 000 EUR

Lotto 8 - JAUME PLENSA (Barcellona, 1955). "Gemelli", 2018. Acquaforte in acquatinta. Firmata. Misure: 100 x 71 cm; 113 x 83 cm (cornice). Jaume Plensa ha studiato alla Escuela de La Llotja e alla Superior de Bellas Artes de Sant Jordi, entrambe a Barcellona. Si è distinto per la scultura, il disegno e l'incisione. Il suo lavoro si concentra sul rapporto tra l'uomo e il suo ambiente, spesso mettendo in discussione il ruolo dell'arte nella società e la posizione dell'artista. Attualmente vive a Parigi e di recente gli è stata conferita una laurea honoris causa dalla School of the Art Institute di Chicago. Plensa ha iniziato la sua carriera lavorando con ferro battuto mescolato con poliestere. Tra il 1983 e il 1984 ha iniziato a modellare il ferro con la tecnica della fusione e ha sviluppato un concetto scultoreo basato su elementi zoomorfi. Il suo lavoro si è evoluto gradualmente e oggi è considerato un precursore del neo-espressionismo spagnolo. Negli anni Novanta introduce modifiche nel suo lavoro, sia dal punto di vista materiale che formale, e inizia a utilizzare materiali diversi come rottami metallici, poliestere e resine. In questi anni elabora serie di muri, porte e costruzioni architettoniche, cercando di dare allo spazio un protagonismo assoluto. Tra il 1999 e il 2003 Plensa diventa uno dei pilastri della scenografia mondiale, reinterpretando con "La Fura dels Baus" quattro opere classiche di Falla, Debussy, Berlioz e Mozart, e da solo una produzione teatrale contemporanea, "La pareti della solitudine", di Ben Jelloun. Ha tenuto mostre personali e collettive in tutto il mondo, tra cui una retrospettiva al Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía nel 2000. Nel giugno 2008 ha inaugurato a Londra, presso la sede della BBC, la sua opera "Breathing", un monumento dedicato ai giornalisti uccisi nell'esercizio della loro professione. Nel corso della sua carriera ha ricevuto numerose onorificenze, come la Medaglia dei Cavalieri delle Arti e delle Lettere nel 1993, conferita dal Ministero della Cultura francese, o il Premio Nazionale per le Arti Plastiche nel 1997, conferito dalla Generalitat della Catalogna. Considerato uno dei maggiori rappresentanti della nuova arte spagnola di tendenza espressionista, le sue opere sono presenti nelle migliori gallerie e fiere d'arte nazionali e internazionali, oltre che nei principali musei d'Europa e degli Stati Uniti, come il MOMA di New York, il Kemper di Kansas, il Museo Patio Herreriano di Valladolid, il Palazzo Forti di Verona, il MACBA o il Museo Reina Sofía di Madrid.

Stima 2 500 - 3 000 EUR

Lotto 9 - LORETTA LUX (Dresda, Germania, 1969). "Hugo e Dylan 1", 2006. Fotografia, edizione 10/20. Opera citata sul sito web dell'artista. Misure: 27 x 22 cm; 50 x 40 cm (cornice). Il clamoroso successo della fotografa Loretta Lux risiede, in parte, nel suo approccio freddo e privo di sentimentalismi nei confronti dei bambini immortalati dal suo obiettivo. Le sue istantanee, che hanno a che fare più con le metafore dell'innocenza infantile che con la psicologia degli individui, sono influenzate dai ritratti borghesi del primo Novecento, mostrandoci giovani modelli in ambienti domestici vestiti con abiti eccentrici, oggi considerati fuori moda. Esteticamente si apprezza la commistione tra fotografia, pittura e manipolazione digitale, attraverso la quale Lux distorce le proporzioni e colloca i bambini in scenari statici. Loretta Lux ha lasciato la Germania dell'Est poco prima della caduta del Muro di Berlino per recarsi a Monaco, dove ha studiato pittura all'Akademie der Bildenden Künste. Nel 1999 ha iniziato a fotografare. Nel 2005 le è stato assegnato l'Infinity Award for Art, International Center of Photography, New York, NY. Nel corso della sua carriera ha esposto in Israele, Italia, Svizzera, Messico, Paesi Bassi, Stati Uniti, Russia e Germania (personale). Attualmente le sue opere fanno parte di collezioni pubbliche come il Museo Solomon R. Guggenheim di New York. Guggenheim Museum di New York, il National Museum of Art di Osaka, il Photo Museum di Monaco di Baviera, il Musée de l'Elysée di Losanna in Svizzera, la Maison Europeenne de la Photographie di Parigi, il Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia di Madrid, l'Israel Museum di Gerusalemme in Israele, il Gemeentemuseum Helmond nei Paesi Bassi, l'Art Gallery of New South Wales di Sydney, la National Gallery of Victoria di Melbourne e l'Art Gallery of Alberta di Edmonton, Alberta, Canada. Negli Stati Uniti: l'Art Institute di Chicago, il Brooklyn Museum of Art, il Denver Art Museum, il Los Angeles County Museum of Art, il Milwaukee Art Museum o il San Francisco Museum of Modern Art. Attualmente vive e lavora in Irlanda.

Stima 6 500 - 7 000 EUR

Lotto 10 - HENRI CARTIER-BRESSON (Chanteloup-en-Brie, Francia, 1908 - Céreste, Francia, 2004). "Agricoltore", 1950-1959. Gelatina d'argento. Stampa successiva. "To Madame Bardinet en hommage" e timbro d'autore a secco (a margine). Firmato a inchiostro. Provenienza: Galleria Alona Kagan NY. Misure: 16 x 23, 5 cm. In quest'opera di grande espressività vediamo come un contadino tende la mano a qualcuno che si trova fuori dal piano dello spettatore. La scena sembra rappresentare un'immagine tradizionale, ma l'artista si spinge oltre, non solo perché cattura un momento del tutto effimero, abituale nella produzione dell'artista, ma anche per il mistero di un personaggio che fa parte della scena, ma la cui identità non viene rivelata. Henri Cartier-Bresson è stato un artista e fotografo umanista francese considerato un maestro della fotografia e uno dei primi utilizzatori della pellicola da 35 mm. Fu il pioniere del genere della fotografia di strada e considerava la fotografia come la cattura di un momento decisivo. Il suo primo grande viaggio di reportage lo portò in Costa d'Avorio nel 1931. Le fotografie dei suoi numerosi viaggi trovarono rapidamente spazio in riviste e mostre. Fa anche esperienza a New York con Paul Strand. Alla fine dell'estate del 1937, prima della battaglia di Belchite, si reca in Spagna con Herbert Kline, ex redattore della rivista New Theater, e il cameraman Jacques Lemare per girare un documentario sull'American Medical Bureau durante la guerra civile spagnola. Girarono a Villa Paz, l'ospedale delle Brigate Internazionali a Saelices, non lontano da Madrid, e sulla costa di Valencia per documentare il recupero dei volontari feriti nelle ville di Benicàssim. Visitarono anche la Brigata Abraham Lincoln a Quinto, vicino a Saragozza, e girarono il film Con la Brigata Abraham Lincoln in Spagna. Dal 1937 al 1939, Cartier-Bresson è assistente alla regia in tre film di Jean Renoir, tra cui Le regole del gioco. Nel 1940 trascorre quasi tre anni come prigioniero di guerra in Germania. Dopo che si pensò erroneamente che fosse morto in guerra, il Museum of Modern Art di New York dedicò a Cartier-Bresson una grande retrospettiva "postuma" nel 1947. Nello stesso anno, insieme a Robert Capa, David Seymour e George Rodger, fondò a New York l'agenzia Magnum Photos, con l'obiettivo di preservare i diritti sul lavoro dei fotografi. Cartier-Bresson fu il primo fotografo autorizzato a esporre al Louvre di Parigi nel 1955. Le sue fotografie sono state raccolte e pubblicate, tra l'altro, in Images à la sauvette (1952, Immagini di passaggio), D'une Chine à l'autre (1968, Cina ieri e oggi) e Moscou (1955, Mosca). Cartier-Bresson smette di fotografare professionalmente nel 1972 e si dedica intensamente all'arte del disegno. Nel 1974 è stato eletto membro dell'American Academy of Arts and Sciences. Le sue opere sono presenti nelle collezioni dell'Art Institute di Chicago, del Museum of Modern Art, dell'International Center of Photography, del Victoria and Albert Museum e del J. Paul Getty Museum.

Stima 3 000 - 4 000 EUR

Lotto 11 - ALFRED EISENSTAEDT (Dirschau, Prussia occidentale, 1898 - Stati Uniti, 1995). "Il V-J Day a Times Square, New York", 1945. Stampa alla gelatina d'argento. Stampata al momento della foto di Life nel 1991. Firmato, datato, titolato a matita sul retro e con la limitazione del copyright di Time Warner a matita (sul retro). Provenienza: Alona Kagan Gallery NY. Misure: 48 x 33 cm; 62 x 51 cm (cornice). Una settimana dopo che Alfred Eisenstaedt aveva catturato questo momento, la rivista Life, in una sezione intitolata Victory e dedicata alla celebrazione della fine della Seconda Guerra Mondiale, pubblicò questa istantanea insieme a molte altre che riflettevano la felicità per la fine della guerra. Tuttavia, questa fotografia si elevò al di sopra delle altre e divenne un'icona. Un'infermiera e un marine, un difensore della nazione e una persona che si dedica a preservare il suo bacio della vita, simboleggiano la speranza per il futuro. Eisenstaedt iniziò la sua carriera in Germania prima della Seconda Guerra Mondiale, ma divenne famoso come fotografo della rivista Life dopo essersi trasferito negli Stati Uniti. Eisenstaedt fu affascinato dalla fotografia fin dalla giovinezza e iniziò a fotografare all'età di 11 anni, quando gli fu regalata la sua prima macchina fotografica, una Eastman Kodak Folding Camera con pellicola a rullo. In seguito prestò servizio nell'artiglieria dell'esercito tedesco durante la Prima Guerra Mondiale e fu ferito nel 1918. Mentre lavorava come venditore di cinture e bottoni nella Germania di Weimar degli anni Venti, nel 1928 Eisenstaedt iniziò a fotografare come freelance per l'ufficio berlinese della Pacific and Atlantic Photos. Eisenstaedt divenne un fotografo a tempo pieno nel 1929, quando fu assunto dall'ufficio dell'Associated Press in Germania, e nel giro di un anno fu descritto come un "fotografo straordinario". Lavorò anche per Illustrierte Zeitung, pubblicato da Ullstein Verlag, allora la più grande casa editrice del mondo. Quattro anni dopo fotografò il famoso primo incontro tra Adolf Hitler e Benito Mussolini in Italia. Fotografa Adolf Hitler a St. Moritz nel 1932 e Joseph Goebbels alla Società delle Nazioni a Ginevra nel 1933. Sebbene inizialmente amichevole, Goebbels disapprova Eisenstaedt quando scatta la fotografia, dopo aver appreso che Eisenstaedt è ebreo. Nel 1935, a causa della situazione politica, si trasferì a New York, dove Eisenstaedt divenne cittadino naturalizzato e si unì ai colleghi emigrati dell'Associated Press Leon Daniel e Celia Kutschuk nella loro agenzia fotografica PIX Publishing, fondata nello stesso anno. L'anno successivo, nel 1936, il fondatore del Time Henry Luce acquistò la rivista Life ed Eisenstaedt, già noto per le sue fotografie in Europa, fu invitato a far parte della nuova rivista come uno dei quattro fotografi originali, tra cui Margaret Bourke-White e Robert Capa[8]. Rimase nello staff dal 1936 al 1972, noto per il suo fotogiornalismo di cronaca e di celebrità.

Stima 8 000 - 10 000 EUR

Lotto 12 - LAURIE SIMMONS (Long Island, New York, 1949). "Soggiorno a quadri". The instant decorator Series, 2004. Stampa flessografica. Edizione 3/5. Opera riprodotta sul sito web dell'artista. Presenta certificato di autenticità, etichette per mostre e firma sul retro. Provenienza: Galleria Distrito Cuatro (Madrid). Misure: 76,2 x 96,5 cm; 84,1 x 104,1 cm (cornice). "Plaid living Room" (2004) appartiene alla serie Instant Decorator, iniziata da Simmons nel 2001, con l'intento di concretizzare la sua ricerca intorno a un libro sulla decorazione d'interni pubblicato nel 1976. Questa pubblicazione presentava diversi modelli di interni domestici, che permettevano al lettore di decorare le stanze con campioni di tessuto e dipinti diversi. Riprendendo questa idea del "fai da te", l'autore ha costruito un'immagine che riecheggia l'estetica del collage, dove diversi elementi indipendenti coesistono, formando un insieme di grande espressività visiva. Attraverso un interno domestico in cui una donna elegantemente vestita giace sul tappeto, l'autore pone allo spettatore l'incertezza su chi sia questo personaggio e cosa rappresenti. La protagonista è circondata da lussi e guarda lo spettatore in modo suggestivo, ma è sola, e la sua posa e il suo abbigliamento la invitano a essere rappresentata come un mobile qualsiasi, come un oggetto di consumo. Questa rappresentazione della donna, che riflette sul suo ruolo nell'ambiente sociale, è stato uno dei primi temi esplorati da Laurie Simmons nelle sue opere. In cui ha messo in relazione lo spazio della casa con il femminile, al pari di altri artisti come Martha Rosler o Barbara Kruger, che hanno utilizzato temi e tecniche simili a quelli qui presentati. Laurie Simmons è cresciuta a Long Island, in un'epoca di espansione economica che ha segnato l'inizio della prosperità materiale, ma ha anche dato origine a uno stato di conformismo, caratteristiche molto ricorrenti nei temi esplorati dall'artista. La sua carriera si distingue per la sua versatilità, in quanto lavora come artista, fotografa e regista. Dopo essersi diplomata alla Tyler School of Art alla fine degli anni Sessanta e essersi stabilita a New York, Simmons inizia a sviluppare il suo lato artistico. Nel 1972, Simmons scoprì una casa di bambole d'epoca nella soffitta di un negozio di giocattoli a Liberty, New York, così iniziò a realizzare composizioni con le bambole, che successivamente fotografava e su cui interveniva. La maggior parte delle sue opere fa una dichiarazione sui tradizionali ruoli di genere, mettendoli in discussione e criticando l'oggettivazione della persona, soprattutto delle donne. Simmons fa parte dell'importante gruppo artistico The Pictures Generation, nome dato a un gruppo di artisti che è salito alla ribalta negli anni Settanta e che comprende artisti di fama mondiale come Cindy Sherman, Barbara Kruger e Louise Lawler. Gran parte del lavoro di Simmons, come quello degli artisti citati, è radicato nel ruolo delle donne e nella loro integrazione con l'ambiente e la società. In un'intervista del marzo 2014, Simmons ha dichiarato: "Quando ho preso in mano una macchina fotografica con un gruppo di altre donne, non dirò che si trattava di un atto radicale, ma certamente lo facevamo in una sorta di sfida o reazione a un mondo della pittura dominato dagli uomini". Oggi le sue opere sono presenti in importanti collezioni pubbliche e private, come il Queen Sofia Art Center, l'Art Institute di Chicago, il MoMA di New York, la National Gallery of Art di Washington e il Los Angeles County Museum of Art, tra gli altri. Opere riprodotte sul sito web dell'artista. Presenta certificato di autenticità, etichette di mostre e firma sul retro. Provenienza: Galleria Distrito Cuatro (Madrid). Galleria Distrito Cuatro (Madrid).

Stima 4 000 - 5 000 EUR

Lotto 13 - MARK LAITA (Detroit, 1960). "Agente di polizia/Hang", 2005/1999. Due fotografie digitali. Dittico, ed. 1/3. Firmate, titolate e datate sul retro. Timbro sul retro. Opera pubblicata. Dimensioni: 145 x 116 cm; 162 x 130 cm (cornice), ciascuno. Mark Laita è uno splendido fotografo americano che, dopo diversi anni dedicati alla fotografia commerciale, negli ultimi anni ha presentato una serie di libri con i suoi lavori personali. Di questi, ho selezionato un campione di due tra i più interessanti: "Created Equal", del 2010 e "Serpentine", di quest'anno. Ha realizzato lavori commerciali pluripremiati per clienti come Adidas, Apple e Mercedes-Benz. Il primo libro di lavori non commerciali di Laita, Created Equal, è il risultato di un progetto di otto anni di attraversamento del Paese con ritratti in bianco e nero 8×10 di americani provenienti da una vasta gamma di culture, occupazioni e background. Il suo lavoro è stato esposto in gallerie negli Stati Uniti e in Europa.

Stima 6 000 - 7 000 EUR

Lotto 14 - GEORGES ROUSSE (Parigi, 1947). "Lussemburgo: Fers à Bétons", 2004. Stampa su alluminio, copia 1/5. Firmata e titolata sul retro. Etichetta con timbro sul retro. Misure: 160 x 125 cm; 165 x 132 cm (cornice). Il lavoro di Georges Rousse si caratterizza, fin dall'inizio degli anni Ottanta, per le relazioni che stabilisce tra fotografia, pittura, scultura e architettura. Il suo interesse per i luoghi abbandonati, smantellati e in rovina, nonché per ciò che questi spazi rivelano sulla cultura che li ha generati, lo ha portato, nel 1986, a stabilirsi per un certo periodo nell'ex ospedale psichiatrico Van Gogh della città francese di Arles. Il risultato di questo soggiorno è la serie Arles, che è stata il punto di partenza della mostra del MACBA. Il suo lavoro è un esempio molto significativo dell'importanza raggiunta dalla fotografia nel corso degli anni Ottanta e un'ulteriore prova del valore del dispositivo fotografico come strumento di creazione contemporanea. Abbattendo le consuete restrizioni tra i media artistici, il suo lavoro unico ha rapidamente lasciato il segno nel mondo dell'arte contemporanea. Dalla sua prima mostra a Parigi, alla Galerie de France nel 1981, Georges Rousse ha continuato a creare le sue installazioni e a esporre le sue fotografie in tutto il mondo, in Europa, in Asia (Giappone, Corea, Cina, Nepal), negli Stati Uniti, in Quebec e in America Latina. Ha partecipato a numerose biennali (Parigi, Venezia, Sydney) e ha ricevuto molti premi prestigiosi: 1983: Villa Medicis hors les murs, New York City 1985 -1987: Villa Medicis, Roma 1988: International Center of Photography Award, New York 1989: Premio di disegno Salon de Montrouge 1992: Borsa di studio Romain Roland, Calcutta 1993: Grand Prix National de Photographie 2008: Succede a Sol LeWitt come membro associato dell'Accademia Reale Belga. È rappresentato da diverse gallerie europee e le sue opere sono presenti in molte importanti collezioni di tutto il mondo.

Stima 15 000 - 18 000 EUR

Lotto 15 - CARMELA GARCÍA (Lanzarote, 1964). "Donne", 2000. Fotografia. Provenienza: Importante collezione spagnola. Dimensioni: 130 x 150 cm. Come elemento centrale delle sue opere, in "Women" Carmela Garcia ci presenta la necessità di ripensare il mondo da una prospettiva di genere che non implica solo la possibilità di un futuro diverso, ma significa anche, in prima istanza, uno scenario di rivendicazione intorno alla considerazione del femminile dove, nelle parole dell'artista, è necessaria "Una sorta di decostruzione di ciò che la società patriarcale ha stabilito su ciò che le donne sono e dovrebbero essere, e una ricostruzione di un ideale femminista del mondo, in cui sono liberate dalle costrizioni". In questo caso, il potente simbolismo dell'immagine con l'iconica bambola Barbie sottoposta al fuoco rovente di un fornello da cucina interroga direttamente lo spettatore in relazione al ruolo in cui la donna è stata tradizionalmente incasellata in modo peggiorativo, lanciando al contempo un messaggio sulla necessità di porre fine alla dittatura di canoni di bellezza sempre più scollegati e distanti dalla realtà femminile. Nata a Lanzarote nel 1964. Carmela Garcia ha iniziato i suoi studi di fotografia a Madrid e a Barcellona, fino al 1998, quando ha iniziato a mostrare il suo lavoro al pubblico. Fin dall'inizio, ha unito i suoi interessi sociali alla fotografia, attraverso riferimenti letterari, plastici e audiovisivi, creando un corpus artistico sull'immagine stereotipata della donna nella società e sulla necessità di ripensare e riformulare il suo ruolo nel mondo. Dopo aver prodotto serie rappresentative come "Chicas, deseos y ficción" o "Constelación", nel 2005 Garcia è stata selezionata tra i cento migliori fotografi spagnoli nella lista elaborata da Exit, a conferma della tendenza alla crescente importanza delle opere elaborate negli ultimi anni. Negli ultimi anni ha lavorato a opere video per rivedere varie immagini stereotipate di donne. È diventata l'artista canaria più riconosciuta dell'ultimo decennio grazie a un discorso profondamente femminista, attraverso il quale rappresenta un mondo idealizzato in cui gli uomini sono assenti e le donne rimangono al di fuori del tradizionale sguardo maschile. Le sue opere sono state esposte al Centro de Arte Reina Sofía di Madrid (Espacio Uno), al Centro de Fotografía de Coímbra, al MUSAC di León, al Centro Atlántico de Arte Moderno CAAM di Gran Canaria, all'IVAM di Valencia, nella mostra collettiva El real viaje Real /The Real Royal Tryp al PS1, Contemporary Art Center del MOMA (New York) a cura di Harald Szeemann,3 al MOT Kanazawa in Giappone, all'Università di Salamanca e alla European House of Photography di Parigi, tra gli altri.4567. Ha esposto presso le gallerie Juana de Aizpuru di Siviglia e Madrid e, nel 2003, presso la galleria Altamira di Gijón.8910 Insieme alla galleria Juana de Aizpuru, ha partecipato a fiere internazionali come Arco Madrid, Art Basel, Paris Photo, Frieze London, ecc.

Stima 9 000 - 10 000 EUR

Lotto 16 - BLEDA Y ROSA, María Bleda (Castellón, 1968) José M. Rosa (Albacete, 1970). Grao de Castellón, 1994. Serie "Campi da calcio". 1992-1995. Positivo alla gelatina bromuro d'argento su supporto rigido in cotone 100%. Ed. 5/15. Con etichetta della Galleria Visor, Valencia. Misure: 45 x 55 cm; 84 x 93 cm (cornice) (ciascuna). "Campos de fútbol" è una delle serie più rappresentative dei fotografi Bleda e Rosa. Sono loro stessi a spiegare questo progetto: "Con l'obiettivo di rappresentare lo scorrere del tempo attraverso l'immagine fotografica, alla fine del 1992 abbiamo iniziato a fotografare i campi da calcio, attratti da quegli spazi che potevamo trovare all'uscita di qualsiasi paese o alla periferia della città. Si trattava di luoghi simili a quelli della nostra infanzia, ma che, a causa di fattori come la migrazione dal villaggio alla città, il basso tasso di natalità o l'espansione urbana, erano in avanzato processo di trasformazione o di abbandono". María Bleda e José María Rosa sono due fotografi spagnoli che utilizzano la fotografia come risorsa per la loro espressione artistica. Il loro lavoro congiunto può essere considerato un unico autore ed è stato premiato con il National Photography Award. Dal 1992 tengono regolarmente mostre, sia individuali che collettive, in tutta la Spagna, ma anche in Scozia, Portogallo, Stati Uniti, Cina, ecc. I loro lavori sono presenti nelle collezioni di diverse istituzioni come ARTIUM, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León, ecc. Hanno inoltre ricevuto diversi premi e riconoscimenti come: 1995 Imágenes Jóvenes - Arte Joven, Madrid.1996 Premio Arte Joven, Valencia.1997 Accésit Certamen de Artes Plásticas, Castellón.1999 Grand Prix Ville de Collioure.2001 Premio Altadis Artes Plásticas, Madrid.2002 Honorable Mention, IV Premio de pintura y fotografía ABC, Madrid.2005 Premio PHotoEspaña Fotógrafo Revelación, Madrid. Presenta l'etichetta della Galleria Visor, Valencia.

Stima 2 500 - 3 000 EUR

Lotto 17 - PIERRE GONNORD (Francia, 1963). "Soho", dalla serie "City", New York, 2001. Fotografia, copia 1/5. Firmata, datata, numerata, intitolata e collocata sul retro. Con etichetta sul retro della Galleria Juana de Aizpuru. Misure: 150 x 150 cm. Considerato uno dei fotografi più talentuosi degli ultimi tempi, Pierre Gonnord impregna il suo lavoro di un'aura malinconica e straziante che "racconta, sottopelle, storie singolari e insolite del nostro tempo", secondo il critico Rafael Doctor. I suoi ritratti, che ricordano i grandi maestri della storia dell'arte come Rembradt, Veermer, Caravaggio, Goya, Zurbarán e Velázquez, si concentrano sugli emarginati della società e sulle loro storie. Nelle sue opere troviamo vagabondi, malati di mente, carcerati e ciechi, ma anche monaci, geishe e membri di bande urbane, cioè persone che rimangono ai margini della loro società in modo diverso. Importante fotografo francese nato a Cholet, Pierre Gonnord vive a Madrid dal 1988 e attualmente lavora in collaborazione con la prestigiosa galleria Juana de Aizpuru. Artista autodidatta e vincitore del Premio della Cultura della Comunità di Madrid nel 2007, nel 1998 Gonnord ha iniziato un progetto personale, che definisce il suo linguaggio maturo, incentrato sul volto umano. Le prime serie di questo nuovo stile sono state "Interiors" (Madrid, 1999) e "City" (New York, 2001), derivate dalla sua esperienza urbana. In seguito realizzerà nuove serie, già con personaggi di diverse etnie: "Regards" (2002-2003), "Far East" (Giappone, 2003) e "Utopians" (2004-2005). In queste ultime serie, Gonnord si avvicina a personaggi emarginati dalla società, ritraendoli in primi piani. Nella sua ultima serie, "Witnesses", si è avvicinato al mondo degli zingari e delle persone che hanno vissuto le tragedie dei Balcani e del Nord Africa. Nel corso della sua carriera, Gonnord ha esposto le sue opere in Spagna, Francia e Stati Uniti, tra gli altri Paesi, sia in gallerie che in musei e centri d'arte, tra cui il Centro Cultural Conde Duque di Madrid, la Maison Européenne de la Photographie di Parigi, il Museo de Bellas Artes di Siviglia, l'Università di Salamanca, l'Atelier des Forges di Arles, il FRAC di Auvergne-Ecuries di Chazerat e i festival fotografici di Helsinki e Oslo. Oggi è rappresentato principalmente nella galleria Juana de Aizpuru, ma il suo lavoro si trova anche in altre importanti collezioni, come quella del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.

Stima 8 000 - 10 000 EUR

Lotto 18 - FRANK THIEL (Kleinmachnow, Germania, 1966). "Stadt Berlin", 2000. Fotografia. Firmata e datata sul retro. Dimensioni: 175 x 238 cm. La fotografia qui proposta è strettamente legata alla biografia dell'artista poiché, sebbene Frank Thiel sia nato nella Germania dell'Est, nel 1985 si è trasferito a Berlino Ovest per studiare fotografia. La sua carriera professionale inizia così con uno studio approfondito della città e della sua trasformazione, la sua seconda ricostruzione. Il lavoro più caratteristico di Thiel è quello del primo periodo, quando riflette la caduta del Muro di Berlino e la progettazione di una nuova città sulla base delle fondamenta poste dalla sua precedente doppia centralità, ovvero quando documenta la costante trasformazione della capitale tedesca. Nato in una cittadina vicino a Berlino, nel 1985 si trasferisce a Berlino Ovest, dove frequenta la scuola di fotografia dal 1987 al 1989. Nella capitale tedesca ha documentato la sua storia sociale e politica. Thiel definisce Berlino "la città più giovane del mondo" e spiega che "la città soffre di un'overdose di storia... tuttavia non soffre dei suoi sedimenti come altre città europee, ma delle conseguenze delle sue eruzioni". Thiel è attualmente rappresentato in importanti istituzioni europee, tra cui il Museo Reina Sofia, la National Gallery of Canada, il Fotomuseum Winterthur in Svizzera, il Moderna Museet di Stoccolma, l'Hirshhorn Museum and Sculpture Garden di Washington e la Phillips Collection di Washington.

Stima 20 000 - 22 000 EUR

Lotto 19 - YASUMASA MORIMURA (Osaka, 1951). "Doublonage". Fotografia, copia 1/10. Firmata e titolata sul retro. Dimensioni: 102 x 81 cm. In "Doublonage", Morimura rende omaggio a Paul Outerbridge, uno dei maestri della fotografia a colori che si è affermato a New York negli anni Trenta. In particolare, l'artista giapponese si basa su "Ide necklace", la prima commissione pubblicitaria di Outerbridge, pubblicata sulla rivista Vanity Fair l'anno successivo alla sua realizzazione, anche se con leggere sfumature rispetto all'originale: Morimura fa a meno delle lettere e delle etichette sull'oggetto, privandolo così delle indicazioni che aiutano a contestualizzarlo. La fotografia di Outerbridge è conservata in importanti musei internazionali, come il Met e il MoMA di New York. Morimura è un artista appropriazionista giapponese. È nato a Osaka e si è laureato alla Kyoto City University of the Arts nel 1978. Dal 1985 ha esposto le sue opere principalmente in mostre personali a livello internazionale, anche se ha partecipato a diverse mostre collettive. Morimura prende immagini di artisti storici (da Édouard Manet a Rembrandt e Cindy Sherman) e vi inserisce il proprio volto e il proprio corpo. Si camuffa persino nei soggetti principali che appaiono nelle opere d'arte di cui si è appropriato - molte delle quali vanno contro i suoi confini razziali, etnici e di genere di uomo asiatico, perché la maggior parte delle opere d'arte di cui si appropria hanno soggetti occidentali, in particolare femminili. Si è anche inserito in alcuni soggetti maschili occidentali, e la maggior parte di queste opere tratta principalmente di razza ed etnia. Attraverso l'uso di travestimenti, egli annulla gli effetti dello sguardo maschile, del genere, della razza, dell'etnia e degli standard culturali, sfidando i metodi tradizionali di ritrattistica che alterano le opere d'arte occidentali originali incorporando dettagli legati alla cultura giapponese. Ad esempio, in una delle sue opere, Portrait (Futago), cambia lo scialle floreale dell'opera originale, Olympia di Manet, con un kimono decorato con gru. Le sue opere sono state esposte al Museum of Contemporary Art di Chicago (1992), alla Cartier Foundation for Contemporary Art di Jouy-en-Josas, in Francia (1993), all'Hara Museum of Art di Tokyo (1994), al Guggenheim Museum. Museum (1994), lo Yokohama Museum of Art di Yokohama, Giappone (1996), il Museum of Contemporary Art di San Diego (2006) e l'Art Gallery of New South Wales di Sydney (2007), tra gli altri, e le sue opere sono ora di proprietà del Carnegie Museum of Art (Pittsburgh), dell'Honolulu Museum of Art, del J. Paul Getty Museum (Los Angeles), del J. Paul Getty Museum (Los Angeles), del Carnegie Museum of Art (Los Angeles) e del Carnegie Museum of Art (Los Angeles). Paul Getty Museum (Los Angeles), il J. Paul Getty Museum (Los Angeles), l'Hara Museum of Art di Tokyo (1994), l'Hara Museum of Art di Tokyo (1994) e l'Hara Museum of Art di Tokyo (1994). Paul Getty Museum (Los Angeles), il Museum of Contemporary Art di Chicago, il Museum of Contemporary Art di Los Angeles, il San Francisco Museum of Modern Art e il Whitney Museum of American Art (New York) sono tra le collezioni pubbliche che conservano opere di Morimura.

Stima 13 000 - 14 000 EUR

Lotto 20 - MARIA ACHA-KUTSCHER (Lima, Perù, 1968). Senza titolo. 2019. Serie "Womankind". Inchiostri pigmentati su carta Hahnemühle Photo Rag Baryta, 315 grammi. Con etichetta del Taller Digigráfico de Madrid. Dimensioni: 41,5 x 30 cm; 62 x 50 cm (cornice). Come ha spiegato l'artista stessa in un'intervista a "Elemmental" a proposito di questa serie: "Womankind è un'opera intertestuale, ricca di citazioni di opere d'arte, fotografia, film, letteratura e della memoria della lotta politica". In tutti i collage fotografici di questo progetto, le donne occupano un posto centrale, non come oggetti da contemplare, ma come protagoniste della loro storia. È quindi fondamentale che le immagini siano verosimili, per costruire un grande archivio di documenti fittizi". Combinando immagini d'archivio e collage, Acha-Kutscher rivendica un posto autonomo per le donne, un posto che è stato loro rubato. María Acha-Kutscher è un'artista visiva femminista peruviana con sede in Spagna. È co-direttrice con Tomás Ruiz-Rivas del progetto sperimentale Antimuseo. Ha studiato presso la Facoltà di Belle Arti della Pontificia Universidad Católica del Perú. Dopo aver terminato gli studi nel 1991 si è trasferita a Città del Messico, dove ha lavorato come art director in agenzie pubblicitarie. Questa esperienza come designer è stata fondamentale per la realizzazione del suo lavoro artistico-militante. Nel 2001 si è trasferita a Madrid ed è stata coinvolta nella scena artistica alternativa contemporanea grazie al suo compagno Tomás Ruiz-Rivas. Il suo lavoro rivendica e rende visibile il femminismo. Dal 2010, Acha-Kutscher si è concentrata su tre progetti a lungo termine: Womankind, Indignadas e Herstorymuseum. Womankind consiste in diverse serie di collage fotografici digitali, creati a partire da immagini d'archivio, provenienti da internet, riviste, libri e fotografie scattate dall'artista. Tra le sue serie più conosciute c'è Indignadas, che fa parte del progetto per il recupero della memoria storica delle donne, Mujeres Trabajando para Mujeres" (Donne che lavorano per le donne). Il suo ultimo progetto è Herstorymuseum, un museo immaginario che, attraverso la sua collezione e un programma curatoriale, sviluppa una narrazione rizomatica e non gerarchica delle donne creatrici del XX secolo. Le sue collezioni sono costituite da immagini basate su un linguaggio visivo vicino al pittogramma, in cui vengono utilizzate solo due macchie di colore. Le mostre sono allestite in spazi pubblici, centri d'arte, gallerie e anche sul sito web. Le mostre stabiliscono relazioni tra diverse artiste e opere, sviluppando così una narrazione diversa dalla storia dell'arte ufficiale.16 L'Herstorymuseum è membro dell'Associazione internazionale dei musei delle donne (IAWM). Acha-Kutscher ha esposto le sue opere al Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS), al Centro de Arte Dos de Mayo (CA2M), al Centro Gallego de Arte Contemporáneo (CGAC), al La Virreina Centre de la Imatge, alle The Fed Galleries @ KCAD (USA), al M.A.C.L.A. (USA), Haifa Museum of Art (USA), Haifa Museum of Art (USA) e il Museum of Contemporary Art (USA).), Haifa Museum of Art (Israele), International Museum of Woman-IMOW, Galería - Centro Cultural de la Universidad de Lima (Perù), Centro Cultural Inca Garcilaso (Perù), Centro de la Imagen (Messico), Foto Museo Cuatro Caminos (Messico) Fototeca Nuevo León (Messico), tra gli altri. In Spagna ha esposto al CentroCentro, al Museo de la Universidad de Alicante-MUA, al Centro de Arte Contemporáneo Caja de Burgos, al Museo de Arte Moderno y Contemporáneo de Santander e al Cantabria-MAS, tra gli altri. Ha inoltre partecipato a fiere d'arte contemporanea come Zona Marco (Città del Messico). E a Madrid nelle fiere ARCO, Estampa, Madrid Photo, ArteSantander, Munich Contemplo, nel suo Paese d'origine, il Perù, nelle fiere Art Lima e Lima Photo.

Stima 2 000 - 2 500 EUR

Lotto 21 - PER BARCLAY (Oslo, 1955). "Il mattatoio", 1996. Fotografia di tipo C dell'installazione realizzata. Provenienza: collezione privata. Precedentemente Galleria Oliva Arauna (Inver-Kalis SA). Misure: 205 x 165 cm. Con l'installazione "The Slaughterhouse", Per Barclay ha giocato con l'effetto riflettente del sangue dei bovini, facendo brillare il pavimento. Così come in altre installazioni ha dispiegato simbolismi sugli effetti inquietanti del petrolio versato in spazi disabitati, qui i riferimenti si moltiplicano: cenni alla storia dell'arte, ma anche all'idea di sacrificio e violenza. Per Barclay è scultore, fotografo e storico dell'arte. Le sue installazioni d'arte sono state esposte nei musei di tutto il mondo. Il lavoro di Per Barclay combina i concetti di tensione e dramma, che lavora con l'influenza dell'artista norvegese Edvard Munch. Dopo aver studiato storia dell'arte a Bergen, nel 1979 ha lasciato la Norvegia per trovare nuovi riferimenti artistici in Italia. A Firenze studia design e fotografia, poi si trasferisce all'Accademia di Bologna nel 1981 e due anni dopo a Roma. Dopo aver trascorso un periodo a Napoli, si trasferisce a Torino, dove entra in contatto diretto con gli artisti dell'Arte Povera. Da allora l'artista utilizza olio e acqua come elementi pittorici e acciaio e vetro come materiali strutturali per le sue opere. Nel 1994 si è trasferito a Parigi, dove vive e sviluppa i suoi progetti. Le sue opere si trovano, tra l'altro, al Museo Nazionale d'Arte, Architettura e Design, all'Henie-Onstad Art Centre, al museo d'arte contemporanea "Kiasma" di Helsinki e in diversi musei in Spagna (Koldo Mitxelena Kulturunea, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía), Italia e Francia (Centre de Création Contemporaine). Ha partecipato alla Biennale di Venezia nel 1990, al Museo d'Arte di Lillehammer durante le Olimpiadi invernali di Lillehammer nel 1994, al Festival Internazionale di Bergen nel 2001 e al Festival della Norvegia Settentrionale nel 2009, e ha contribuito al progetto internazionale Skulpturlandskap Nordland.

Stima 26 000 - 27 000 EUR

Lotto 22 - GEORGES ROUSSE (Parigi, 1947). Senza titolo. Barcellona, 2003. Carta fotografica, copia 12/30. Firmato, numerato, tracciato e datato a mano. Esposto alla galleria Carles Taché, Barcellona, 2003. Dimensioni: 52 x 41 cm; 75 x 63 cm (cornice). Dall'inizio degli anni Ottanta, l'opera di Georges Rousse si è caratterizzata per le relazioni che ha stabilito tra fotografia, pittura, scultura e architettura. Il linguaggio fotografico, tuttavia, costituisce la spina dorsale degli altri, dialogando con essi e giocando con gli effetti spaziali. Lo si è visto nella mostra allestita presso la galleria Carles Taché di Barcellona, di cui quest'opera faceva parte. Da quando ha ricevuto una Kodak Brownie Flash come regalo di Natale all'età di 9 anni, la macchina fotografica non ha mai lasciato le mani di Georges Rousse. Mentre studiava medicina a Nizza, decise di imparare le tecniche di fotografia e di stampa da un professionista, per poi aprire un proprio studio di fotografia architettonica. La sua passione lo porta sempre più a dedicarsi interamente alla pratica artistica di questo mezzo, seguendo le orme dei grandi maestri americani Edward Steichen, Alfred Stieglitz e Ansel Adams. È con la scoperta delle opere di Land art e del Quadrato nero su fondo bianco di Kasimir Malevitch che Georges Rousse sceglie di intervenire nel campo della fotografia, stabilendo un rapporto tra pittura e spazio. Si appropria di luoghi abbandonati che gli sono sempre piaciuti, li trasforma in spazi pittorici e vi costruisce un'opera unica ed effimera che solo la fotografia può riprodurre. Per consentire allo spettatore di condividere la sua esperienza dello Spazio, dall'inizio degli anni Ottanta presenta le sue immagini in stampe di grande formato. Questo lavoro forte e singolare, che sposta i confini tra i media tradizionali, si è imposto immediatamente sulla scena artistica contemporanea. Dalla sua prima mostra a Parigi, alla Galerie de France nel 1981, Georges Rousse ha continuato a creare le sue installazioni e a esporre le sue fotografie in tutto il mondo, in Europa, Asia (Giappone, Corea, Cina, Nepal), Stati Uniti, Quebec e America Latina. Ha partecipato a numerose biennali (Parigi, Venezia, Sydney) e ha ricevuto molti premi prestigiosi: 1983: Villa Medicis hors les murs, New York City 1985 -1987: Villa Medicis, Roma 1988: International Center of Photography Award, New York 1989: Salon de Montrouge Drawing Award 1992: Borsa di studio Romain Roland, Calcutta 1993: Grand Prix National de Photographie 2008: Succede a Sol LeWitt come membro associato dell'Accademia Reale Belga. È rappresentato da diverse gallerie europee e le sue opere sono presenti in molte importanti collezioni di tutto il mondo.

Stima 3 000 - 3 500 EUR

Lotto 23 - STÉPHANE COUTURIER (Neuilly-sur-Seine, Hauts-de-Seine, 1957) "Seoul Yoido Dong", 1998. Fotografia. Dimensioni: 127 x 107 cm; 133 x 112 cm (cornice). Stéphane Couturier ha dedicato una serie di fotografie alla capitale sudcoreana, così come ad altre città, in cui è evidente il suo interesse per l'astrazione dei dettagli urbani. Affronta il tema delle trasformazioni metropolitane da una prospettiva unica ed è considerato il principale esponente francese dell'"archeologia urbana", al pari di Thomas Struth nel contesto tedesco. Ha iniziato a esporre temi urbani nelle gallerie parigine a metà degli anni Novanta. Specializzato in fotografia di architettura, vive e lavora a Parigi. Nel 2003 ha ricevuto il Premio Niépce. Il lavoro di Stéphane Couturier, venuto alla luce con la serie sulla fabbrica Renault di Boulogne-Billancourt, è composto essenzialmente da fotografie di grande formato scattate con una macchina fotografica o di medio formato, in cui l'occhio dello spettatore si perde, catturato dai dettagli. La forza delle sue immagini deriva da questo gioco visivo basato esclusivamente sulla pellicola, fino alla recente serie Melting Point, realizzata presso la fabbrica Toyota di Valenciennes. Qui ha sperimentato la fusione di due immagini precedentemente scansionate; il risultato è una profusione di dettagli riccamente colorati che raggiunge magicamente una grande coerenza. Stéphane Couturier si è progressivamente orientato verso la fotografia artistica: le sue fotografie di cantieri rivelano una città organica in trasformazione e colore, talvolta in dittici o trittici giganti. In Landscape, si concentra sulle nuove città della California, ma sempre sotto un cielo nuvoloso che sovrasta le diverse inquadrature. Le sue opere sono state esposte alla Bibliothèque nationale de France di Parigi (2004), al Seoul Museum of Art (2005), al Moscow Museum of Architecture (2006), all'International Center of Photography di New York (2006), all'Hôtel des Arts di Tolone (2014), la Maison Européenne de la Photographie di Parigi (2015), il Musée Nicéphore Niepce di Châlon sur Saône (2016), il Musée de la Photographie di Charleroi, Belgio (2017) e il Musée Fernand Léger di Biot (2018). Il suo lavoro è stato pubblicato in diversi libri. È rappresentato dalla Galerie Particulière 1 di Parigi, dalla Benrubi Gallery di New York, dalla Galerie Kornfeld di Berlino e dalla Galerie Christophe Guye di Zurigo. Nel maggio 2018, Stéphane Couturier ha firmato una petizione con personalità di spicco del mondo della cultura per boicottare la stagione culturale congiunta "Francia-Israele" che, secondo la petizione, funge da "vetrina" per lo Stato di Israele a scapito del popolo palestinese. Stéphane Couturier ha partecipato a numerose mostre, alcune delle quali sono elencate qui: 2021 Stéphane Couturier, Christophe Guye Galerie, Zurigo, Svizzera 2016 Alger, Climat de France, Musée Nicéphore-Niépce, Chalon-sur-Saône, Francia Anaklasis, La Galerie Particulière, Parigi, Francia; Paris Photo, Galerie Particulière Booth, Grand Palais, Parigi, Francia.

Stima 7 000 - 8 000 EUR

Lotto 24 - MARK LAITA (Detroit, 1960). "Concorrente alla fiera del bestiame della contea, Sara Von Berger, Salina, Kansas, 8 agosto 2003 / Uomo cajun con alligatore, Charles Olivier, Loreauville, Louisiana, 2003". Ed.2/6. Fotografie in bianco e nero su carta fotografica montate su alluminio. Firmate, datate e titolate sul retro. Misure 102 x 81 cm ciascuna. 116,5 x 179 cm (cornice). Mark Laita è uno splendido fotografo americano che dopo diversi anni dedicati alla fotografia commerciale ha presentato negli ultimi anni una serie di libri con il suo lavoro personale. Di questi, ho selezionato un campione di due tra i più interessanti: "Created Equal", del 2010 e "Serpentine", di quest'anno. Ha realizzato lavori commerciali pluripremiati per clienti come Adidas, Apple e Mercedes-Benz. Il primo libro di lavori non commerciali di Laita, Created Equal, è il risultato di un progetto di otto anni di attraversamento del Paese con ritratti in bianco e nero 8×10 di americani provenienti da una vasta gamma di culture, occupazioni e background. Il suo lavoro è stato esposto in gallerie negli Stati Uniti e in Europa.

Stima 3 000 - 3 500 EUR

Lotto 25 - MARK LAITA (Detroit, 1960). "Giovane con Boom Box, Billy Monroe", Venice, California, 26 aprile 1999. "Bagnante, Joey Caveseno", Coney Island, New York, 3 agosto 2002. Fotografie in bianco e nero su carta fotografica montate su alluminio. Copia nº 20. Misure: 50 x 40 cm (ciascuna); 65,5 x 96 cm (cornice). Mark Laita è un fotografo americano che, dopo diversi anni dedicati alla fotografia commerciale, ha presentato negli ultimi anni una serie di libri con il suo lavoro personale. Di questi, ho selezionato un campione di due tra i più interessanti: "Created Equal", del 2010 e "Serpentine", di quest'anno. Ha realizzato lavori commerciali pluripremiati per clienti come Adidas, Apple e Mercedes-Benz. Il primo libro di lavori non commerciali di Laita, Created Equal, è il risultato di un progetto di otto anni di attraversamento del Paese con ritratti in bianco e nero 8×10 di americani provenienti da una vasta gamma di culture, occupazioni e background. Il suo lavoro è stato esposto in gallerie negli Stati Uniti e in Europa.

Stima 2 000 - 2 500 EUR

Lotto 26 - PHILIPPE HALSMAN (Riga, 1906 - New York, 1979). "Coppia fiamminga", 1950. Fotografia alla gelatina d'argento. Presenta il timbro dell'artista sul retro "Copyright by Philippe Halsman". Misure: 18 x 13 cm; 40 x 30 cm (cornice). Halsman ha studiato ingegneria elettrica a Dresda e, dopo essere stato accusato dell'omicidio del padre, ha trascorso due anni in prigione. Una volta rilasciato, Halsman decise di trasferirsi in Francia, dove iniziò a collaborare con riviste di moda come Vogue e si guadagnò presto la reputazione di uno dei migliori fotografi di ritratti francesi. Famoso per le sue immagini nitide, piuttosto che morbide e strettamente ritagliate. Quando la Francia fu invasa dalla Germania, Halsman fuggì a Marsiglia. Alla fine riuscì a ottenere un visto americano, con l'aiuto dell'amico di famiglia Albert Einstein, che in seguito fotografò nel 1947. Halsman ebbe il suo primo successo negli Stati Uniti quando l'azienda di cosmetici Elizabeth Arden utilizzò la sua immagine della modella Constance Ford contro la bandiera americana in una campagna pubblicitaria per il rossetto "Victory Red". Un anno dopo, nel 1942, trovò lavoro presso la rivista Life, fotografando modelli di cappelli. Nel 1941 Halsman incontrò l'artista surrealista Salvador Dalí e i due iniziarono a collaborare alla fine degli anni Quaranta. L'opera Dalí Atomicus del 1948 esplora l'idea di sospensione, raffigurando tre gatti che volano, un secchio d'acqua lanciato e Dalí in aria. Il titolo della fotografia è un riferimento all'opera di Dalí Leda Atomicus, che si può vedere a destra della fotografia dietro i due gatti. Halsman e Dalí pubblicarono infine un compendio delle loro collaborazioni nel libro del 1954 Dali's Moustache, che presenta 36 diverse vedute dei caratteristici baffi dell'artista. Un'altra famosa collaborazione tra i due fu In Voluptas Mors, un ritratto surrealista di Dalí accanto a un grande teschio, in realtà un tableau vivant composto da sette nudi. Nel 1947 Halsman scattò quella che sarebbe diventata una delle sue foto più famose a un mesto Albert Einstein, che durante il servizio fotografico raccontava il suo rammarico per il ruolo svolto nel perseguimento della bomba atomica da parte degli Stati Uniti. La foto sarebbe poi stata utilizzata nel 1966 su un francobollo statunitense e, nel 1999, sulla copertina della rivista Time, che definì Einstein "Persona del secolo". Nel 1951, la NBC incaricò Halsman di fotografare diversi comici popolari dell'epoca, tra cui Milton Berle, Sid Caesar, Groucho Marx e Bob Hope. Il fotografo sviluppò una filosofia della fotografia del salto, che chiamò jumpology, e nel 1959 pubblicò il Philippe Halsman's Jump Book, che conteneva una discussione ironica sulla jumpology e 178 fotografie di famosi saltatori.

Stima 600 - 700 EUR

Lotto 27 - WILLIAM KLEIN (New York, 1926- Parigi, 2022) . "Simone + Nina, Piazza di Spagna, Roma", 1960. Stampa alla gelatina d'argento. Firmata, intitolata e datata a matita (sul retro). Provenienza: collezione privata Solomon New York. Misure: 45 x 37 cm (immagine); 51 x 40,8 cm (cornice). La fotografia "Simone + Nina, Piazza di Spagna, Roma" di William Klein, scattata nel 1960, mostra il suo stile innovativo e il suo impegno nella street photography, il suo desiderio di portare la fotografia di moda fuori dallo studio. In questa occasione, gioca con la linea ritmica e contrastante delle strisce pedonali. La composizione è elaborata ma finge di essere casuale, il che si traduce in un grande risultato visivo: la Vespa (elemento iconico delle strade italiane), l'agitazione di questa piazza nevralgica di Roma, le eleganti silhouette di Nina e Simone... compongono una sorta di fotogramma cinematografico. Tale è l'impressione spontanea e la ricchezza narrativa che trasmette. William Klein è stato un fotografo e regista americano. Sebbene sia nato a New York e abbia studiato al City College di New York, l'attività di Klein si è svolta principalmente in Francia. Ha diretto diversi lungometraggi (tra cui il film del 1966 "Qui êtes-vous, Polly Maggoo" e la satira antiamericana "Mr. Freedom"). In campo fotografico, Klein ha vinto il premio Nadar nel 1956. Nel 1947, mentre era nell'esercito, viaggiò per la prima volta a Parigi e da allora visse e lavorò in questa città, di cui si innamorò. Nel 1948 si iscrisse all'Università della Sorbona, dove fu allievo, tra gli altri, di Fernand Léger. Le sue opere più note ruotano intorno alla fotografia di moda e di strada, di cui è stato considerato uno dei creatori e maestri. Riconoscimenti: Nel 1988 gli è stato assegnato il premio culturale dell'associazione tedesca di fotografia. Nel 1990 ha ricevuto il Premio Internazionale della Fondazione Hasselblad. Nel 2005 ha ricevuto il premio PhotoEspaña. Libri di fotografia: 1956. La vita è bella e buona per te a New York: Trance witness revels, Éditions su Seul, Parigi. 1959. Roma: la città e la sua gente, Feltrinelli, Milano. 1964. Tokyo, Zokeisha Publications, Tokyo. 1964. Mosca, Zokeisha Publications, Tokyo. 1989. Close up, Thames and Hudson, Londra, New York e Parigi. KLEIN, W. (1990). Torino '90, Federico Motta, Milano. 1994. In and Out of Fashion, Random House, New York e Londra.

Stima 8 000 - 10 000 EUR

Lotto 28 - KENNETH DUDLEY SMITH (Stati Uniti, 1886 - 1965) "Forte San Juan". Fotografia. Timbro dell'artista sul retro. Misure: 26 x 34 cm. Questa fotografia presenta il forte di San Juan a Cuba, uno spazio storico in quanto cruciale durante la guerra di Cuba. La presenza di persone accanto alla costruzione indica la sua importanza come monumento storico e interesse turistico. Questa presenza invita lo spettatore a riflettere sul valore degli edifici.

Stima 300 - 400 EUR

Lotto 29 - HENRI CARTIER-BRESSON (Chanteloup-en-Brie, Francia, 1908 - Céreste, Francia, 2004). "Hyères, Francia, 1932. Gelatina d'argento. Impressione successiva. Firmata a inchiostro e con timbro di copyright del fotografo (a margine). Provenienza: Collezione privata Bennett, New York. Il Centro Pompidou possiede una copia di questa fotografia. Misure: 25 x 36 cm (immagine); 31 x 41 cm (carta). Scattata all'età di 24 anni, quando Henri Cartier Bresson aveva appena acquistato la sua piccola fotocamera Leica, questa istantanea diventa una delle sue immagini più note e una delle più costose messe all'asta dall'artista. Mostra la velocità e la mobilità che questa macchina fotografica offriva per congelare il movimento e l'attimo fuggente con infinite possibilità estetiche. Henri Cartier-Bresson è stato un artista e fotografo umanista francese considerato un maestro della fotografia e uno dei primi utilizzatori della pellicola da 35 mm. Fu il pioniere del genere della fotografia di strada e considerava la fotografia come la cattura di un momento decisivo. Il suo primo grande viaggio di reportage lo portò in Costa d'Avorio nel 1931. Le fotografie dei suoi numerosi viaggi trovarono rapidamente spazio in riviste e mostre. Fa anche esperienza a New York con Paul Strand. Alla fine dell'estate del 1937, prima della battaglia di Belchite, si reca in Spagna con Herbert Kline, ex redattore della rivista New Theater, e il cameraman Jacques Lemare per girare un documentario sull'American Medical Bureau durante la guerra civile spagnola. Girarono a Villa Paz, l'ospedale delle Brigate Internazionali a Saelices, non lontano da Madrid, e sulla costa di Valencia per documentare il recupero dei volontari feriti nelle ville di Benicàssim. Visitarono anche la Brigata Abraham Lincoln a Quinto, vicino a Saragozza, e girarono il film Con la Brigata Abraham Lincoln in Spagna. Dal 1937 al 1939, Cartier-Bresson è assistente alla regia in tre film di Jean Renoir, tra cui Le regole del gioco. Nel 1940 trascorre quasi tre anni come prigioniero di guerra in Germania. Dopo che si pensò erroneamente che fosse morto in guerra, il Museum of Modern Art di New York dedicò a Cartier-Bresson una grande retrospettiva "postuma" nel 1947. Nello stesso anno, insieme a Robert Capa, David Seymour e George Rodger, fondò a New York l'agenzia Magnum Photos, con l'obiettivo di preservare i diritti sul lavoro dei fotografi. Cartier-Bresson fu il primo fotografo autorizzato a esporre al Louvre di Parigi nel 1955. Le sue fotografie sono state raccolte e pubblicate, tra l'altro, in Images à la sauvette (1952, Immagini di passaggio), D'une Chine à l'autre (1968, Cina ieri e oggi) e Moscou (1955, Mosca). Cartier-Bresson smette di fotografare professionalmente nel 1972 e si dedica intensamente all'arte del disegno. Nel 1974 è stato eletto membro dell'Accademia Americana delle Arti e delle Scienze.

Stima 13 000 - 14 000 EUR

Lotto 30 - DAVID HAMILTON (Londra, 1933-Parigi, 2016). "Giovane donna addormentata", 1974. Fotografia su gelatina d'argento. Firmata e datata. Misure: 17 x 23,5 cm. In questa fotografia l'autore si concentra sulla modella da una prospettiva alta. Evita di ritrarre il volto, non solo perché la giovane donna è sdraiata a faccia in giù, ma anche perché lascia la testa della modella fuori dall'inquadratura. Grazie alla posizione e all'erotismo esplicito, l'autore ci offre una revisione de "L'origine del mondo" di Coulbert. David Hamilton è stato un fotografo e regista britannico noto per le sue fotografie di giovani donne e ragazze, principalmente nude. Il suo stile di approccio è stato definito "Hamilton Blur", le immagini di Hamilton sono diventate parte di un dibattito su "arte o pornografia". Le sue capacità artistiche cominciarono a emergere durante un lavoro nello studio di un architetto. All'età di 20 anni si recò a Parigi, dove lavorò come grafico per Peter Knapp della rivista Elle. Dopo essersi fatto notare, è stato assunto dalla rivista Queen a Londra come direttore artistico. Tuttavia, Hamilton si rese presto conto del suo amore per Parigi e, dopo esservi tornato, divenne direttore artistico di Printemps, il più grande magazzino della città. Mentre Hamilton lavorava ancora presso Printemps, iniziò a occuparsi di fotografia commerciale e lo stile sognante e sgranato delle sue immagini fu acclamato dalla critica. Le sue fotografie furono ricercate da altre riviste come Réalités, Twen e Photo. Tra gli altri successi si annoverano decine di libri fotografici, cinque lungometraggi, innumerevoli mostre su riviste, musei e gallerie. Nel dicembre 1977, la Images Gallery, uno studio di proprietà di Bob Persky all'11 East 57th Street di Manhattan, ha esposto le sue fotografie nello stesso periodo in cui è stata lanciata Bilitis. All'epoca, il critico d'arte Gene Thornton scrisse sul New York Times che esse rivelavano "il tipo di ideale che veniva regolarmente espresso nei grandi dipinti del passato". Nel suo libro Contemporary Photographers, il curatore Christian Caujolle ha scritto che Hamilton lavorava con due soli dispositivi fissi: "una chiara intenzione pittorica e un erotismo latente, apparentemente romantico, ma che crea problemi". Oltre a ritrarre giovani donne, Hamilton ha composto fotografie di fiori, uomini, paesaggi, animali da fattoria, piccioni e nature morte di frutta. Molte delle sue fotografie assomigliano a dipinti a olio. La maggior parte delle sue opere dà un'impressione di atemporalità grazie all'assenza di automobili, edifici moderni e pubblicità. Nel 1976, Denise Couttès spiegò il successo di Hamilton dicendo: "Le sue fotografie esprimono l'evasione. Le persone possono sfuggire alla violenza e alla crudeltà del mondo moderno solo attraverso i sogni e la nostalgia". Il suo stile soft-focus è tornato di moda su Vogue, Elle e altre riviste di moda a partire dal 2003. I libri fotografici hanno debuttato sullo schermo in Bilitis. In seguito si sposò con Gertrude, che collaborò alla realizzazione de L'età dell'innocenza, ma divorziarono amichevolmente. Hamilton divideva il suo tempo tra Saint-Tropez e Parigi. Dal 2005 ha conosciuto una rinascita di popolarità. Nel 2006 sono stati pubblicati David Hamilton, una raccolta di fotografie con didascalie, e Erotic Tales, contenente i racconti di Hamilton. Al momento della sua morte, Hamilton stava lavorando a un altro libro, Monograph of Montenegro.

Stima 800 - 1 000 EUR

Lotto 31 - PIERRE ET GILLES (Francia, collaborano dal 1976). "Le petit Rimbaud", 2005. Fotografia. Firmata. Opera unica. Misure: 126 x 100 cm. Il duo di artisti francesi Pierre et Gilles realizza fotografie provocatorie in cui costruiscono a mano i propri scenari e costumi, spesso ritoccando le stampe con la vernice. La cultura gay e la pornografia sono i generi che esplorano con spirito liberatorio e sardonico. In questa occasione, in questa fotografia di formato ovale, il poeta maledetto Arthur Rimbaud rinasce, reincarnandosi in un giovane il cui volto angelico dallo sguardo celestiale contrasta con il suo volgare esibizionismo. Lo scontro tra la poesia elevata e il comportamento scandaloso che Rimbaud ebbe in vita viene riletto in chiave camp. Pierre e Gilles sono due artisti francesi, una coppia sentimentale e artistica. Realizzano fotografie uniche e altamente stilizzate. Il loro lavoro comprende immagini della storia dell'arte, della cultura popolare, della religione e della cultura gay, compresa la pornografia (in particolare James Bidgood). Il modo in cui questi due artisti lavorano comprende l'allestimento di scenografie complesse, poiché difficilmente lavorano con la post-produzione digitale dopo gli scatti. Parte del loro modo di lavorare comprende elaborati lavori di illuminazione e scenografia, ritraendo i modelli circondati da mandorle floreali che spesso si riferiscono a opere religiose del passato o a scenari idilliaci e immaginari. In seguito, lavorano le fotografie con colori acrilici per ritoccare le immagini e dare loro una finitura originale. Tra i suoi temi preferiti ci sono quelli religiosi e mitologici, così come le scene omoerotiche (alcuni esempi si riferiscono all'oceano e ai marinai, avendo sviluppato un libro su questo argomento chiamato "Marinai e mare"). Senza dubbio, le sue opere possono essere inserite all'interno del movimento kitsch espresso in modo consapevole, essendo anche influenzate dal mondo della cultura pop. Tra le celebrità fotografate da Pierre et Gilles ci sono: Amanda Lear (la copertina del suo album del 1980, Diamonds for Breakfast, una delle sue prime commissioni), Lio, Khaled, Étienne Daho, Marie France, Mikado, Marc Almond, Leslie Winer, Marilyn Manson, Madonna, Kylie Minogue, Erasure, Deee-Lite, The Creatures, Nina Hagen e Coco Rosie (la copertina del suo album del 2007, The Adventures of Ghosthorse and Stillborn); la modella Naomi Campbell, le attrici Tilda Swinton e Catherine Deneuve, gli attori Jérémie Renier e Layke Anderson e gli stilisti Jean-Paul Gaultier e Paloma Picasso. Le sue opere fanno parte delle collezioni del Centre Pompidou di Parigi.

Stima 110 000 - 120 000 EUR

Lotto 32 - ANDY WARHOL (Pittsburgh, USA, 1928-New York, USA, 1987). "Lana Turner", 1985. Fotografia polaroid. Copia unica. Allegato certificato di provenienza che indica che l'opera proviene dalla "Estate of Andy Warhol" e dalla "Andy Warhol Foundation for the Visual Arts". Misure: 10,8 x 8,6 cm. Lana Turner è stata un'attrice americana. Durante i suoi quasi 50 anni di carriera, raggiunse la fama come modella pin-up e attrice cinematografica, oltre che per la sua vita privata molto pubblicizzata. A metà degli anni '40, era una delle attrici più pagate degli Stati Uniti e una delle più grandi star della Metro-Goldwyn-Mayer (MGM). La Turner è considerata un'icona della cultura popolare del glamour hollywoodiano e una leggenda del cinema classico di Hollywood. Andrew Warhola, comunemente noto come Andy Warhol, è stato un artista visivo, regista e produttore musicale americano che ha svolto un ruolo fondamentale nella nascita e nello sviluppo della pop art. Considerato ai suoi tempi un guru della modernità, Warhol è stato uno degli artisti più influenti del XX secolo. Figlio di immigrati slovacchi, inizia gli studi d'arte al Carnegie Institute of Technology tra il 1945 e il 1949. In quest'ultimo anno, già stabilitosi a New York, inizia la sua carriera di vignettista pubblicitario per diverse riviste come Vogue, Harper's Bazaar, Seventeen e The New Yorker. Contemporaneamente dipinge tele il cui soggetto è basato su qualche elemento o immagine dell'ambiente quotidiano, della pubblicità o dei fumetti. Ben presto inizia a esporre in varie gallerie. Elimina progressivamente dalle sue opere qualsiasi tratto espressionista fino a ridurre il lavoro a una ripetizione seriale di un elemento popolare della cultura di massa, del mondo del consumismo o dei media. Questa evoluzione raggiunge il massimo livello di spersonalizzazione nel 1962, quando inizia a utilizzare come metodo di lavoro un processo meccanico di serigrafia, attraverso il quale riproduce sistematicamente i miti della società contemporanea, i cui esempi più rappresentativi sono le serie dedicate a Marilyn Monroe, Elvis Presley, Elizabeth Taylor o Mao Tse-tung, nonché il suo famoso trattamento delle lattine di zuppa Campbell's, tutte opere realizzate durante il fecondo decennio degli anni Sessanta. Questo appropriazionismo, una costante nelle opere dei sostenitori della pop art, si estese a opere d'arte di carattere universale. Attraverso la riproduzione di massa, l'artista riesce a spogliare i feticci mediatici che utilizza dei loro riferimenti abituali e a trasformarli in icone stereotipate con uno scopo meramente decorativo. Nel 1963 crea la Factory, un laboratorio in cui si riuniscono numerosi personaggi della cultura underground newyorkese. La frivolezza e la stravaganza che contraddistinguono il suo stile di vita finiscono per stabilire una linea coerente tra il suo lavoro e la traiettoria della sua vita. Attualmente è rappresentato nei più importanti musei d'arte contemporanea del mondo, come il MoMA, il Metropolitan e il Guggenheim di New York, il Fukoka Museum in Giappone, il Kunstmuseum di Basilea, il Museo Nazionale d'Arte del XXI secolo di Roma, il MUMOK di Vienna, lo SMAK di Gand e la Tate Gallery di Londra, oltre che nei musei che portano il suo nome a Pittsburgh e Medzilaborce (Slovacchia).

Stima 8 000 - 10 000 EUR

Lotto 33 - MASSIMO VITALI (Como, Italia, 1944). "Vecchiano". Serie "Paesaggio con figure", 2000 ca. Fotografia. Edizione limitata a 10 copie? Misure: 78 x 88 cm; 76 x 96 cm (cornice). Vitali ha iniziato a catturare vedute panoramiche di spiagge assolate nella sua nativa Italia, immortalandone la folla, l'architettura e la bellezza naturale. Da allora ha ampliato il suo raggio d'azione, fotografando bagnanti in Turchia, Spagna e altri Paesi. Le spiagge forniscono a Vitali un ampio spazio aperto con cui sperimentare la composizione e la prospettiva. Utilizza un punto di osservazione elevato per ottenere una vista panoramica, catturando i dettagli e i modelli che emergono osservando un gran numero di persone da lontano. Allo stesso tempo, si tratta di uno studio sociologico legato al tempo libero delle folle. Massimo Vitali è un fotografo italiano con sede a Lucca. Ha studiato fotografia al London College of Printing. All'inizio, negli anni Settanta, ha lavorato come fotoreporter all'Agenzia Report, poi come operatore cinematografico. Nel 1995 ha iniziato a praticare la fotografia d'arte, spesso su un podio alto quattro o cinque metri e con macchine fotografiche a pellicola di grande formato per catturare dettagli ad alta risoluzione in ampie riprese di luoghi come spiagge, club e spazi pubblici. Le sue opere sono state esposte al Centro de Arte Reina Sofia di Madrid, al Guggenheim Museum di New York, al Museum of Contemporary Art di Denver, Colorado, al Fonds national d'art contemporain di Parigi, al Centre Pompidou di Parigi, al Musée National d'Art Moderne (France) di Parigi, alla Fondazione Cartier di Parigi e al Museo Luigi Pecci di Prato, Italia.

Stima 7 000 - 8 000 EUR

Lotto 34 - CANDIDA HÖFER (Germania, 1944). "Deutsche Oper am Rhein Düsseldorf", 2012. Fotografia, stampa c, copia 97/100. Firmata e numerata sul retro. Misure: 30 x 45,5 cm; 48 x 63 cm (cornice). "Deutsch Oper am Rhein Düsseldorf" fa parte di un progetto chiamato "In Portugal", che l'artista ha realizzato tra il 2005 e il 2006. La serie consiste in una selezione di fotografie scattate in luoghi pubblici in tutto il Paese. Caratteristica di Candida Höfer, l'artista ha fotografato interni vuoti di biblioteche, musei, palazzi e teatri, concentrandosi su spazi culturali privi di presenza umana. I vincoli tematici autoimposti, evidenti nel suo progetto, sono di natura sia culturale che formale. Gli interni barocchi, moderni e contemporanei che Höfer cattura attraverso il suo obiettivo offrono un "ritratto formale del sociale stesso", così come è stato definito in Europa a partire dall'Illuminismo. Candida Höfer ha iniziato la sua carriera nel 1968 lavorando come fotografa di ritratti per diversi giornali e, dal 1970, come assistente di Werner Bokelberg. Successivamente, tra il 1973 e il 1982, ha frequentato la Kunstakademie di Düsseldorf, studiando prima cinema con Ole John e poi fotografia con Bernd Becher. Insieme a Thomas Ruff, Höfe è stata la prima studentessa di Becher a utilizzare la fotografia a colori, mostrando il suo lavoro sotto forma di diapositive. Ha iniziato a realizzare i suoi famosi interni di edifici pubblici nel 1979, ancora durante il periodo di studio. Alla fine la fama gli sarebbe arrivata grazie alla sua serie di fotografie incentrate sulla vita dei lavoratori immigrati in Germania. Il lavoro di Höfer si inserisce nella tradizione dei fotografi tedeschi ereditati direttamente dall'estetica concettuale e dagli insegnamenti di Bernd e Hilla Becher della Kunstakademie di Düsseldorf, che riadattarono il progetto originario della Nuova Oggettività per adottare un modo unico di affrontare il mondo. Seguendo il metodo di lavoro avviato dai loro insegnanti, le loro fotografie mostrano un interesse quasi etnografico per la molteplicità delle forme di rappresentazione della cultura contemporanea, rapportandosi in modo del tutto particolare agli scenari in cui si muove la società e si sviluppa la conoscenza. Quelli di Höfer sono interni di edifici, preferibilmente di uso pubblico come musei, chiese, teatri o teatri d'opera, archivi e biblioteche, fotografati quando hanno cessato ogni attività e sono vuoti. Specializzata in grandi formati, le sue fotografie sono scattate da una classica angolazione frontale, oppure cercano una diagonale netta che organizzi la composizione. L'artista tende a fotografare le sue scene da un punto di vista alto, in modo che il muro sullo sfondo sia centrato rispetto all'immagine finale. Ha tenuto la sua prima mostra personale nel 1975 presso la Galleria Konrad Fischer di Düsseldorf. Da allora, le opere di Höfer sono state esposte nei principali musei del mondo, come la Kunsthalle di Basilea, Amburgo e Berna, il Louvre di Parigi, il Portikus di Francoforte sul Meno, il MoMA di New York, il Power Plant di Toronto, la Kunsthaus di Bregenz, il Museo Ludwig di Colonia o, nel nostro Paese, al Museo di Arte Contemporanea di Vigo. Allo stesso modo, nel 2002 ha partecipato a Documenta 11 e nel 2003 ha rappresentato la Germania alla Biennale di Venezia, insieme a Martin Kippenberger. Tra il 1997 e il 2000, invece, ha affiancato alla pratica artistica l'insegnamento, svolto presso la Hochschule für Gestaltung di Karlsruhe. Attualmente è rappresentata al Guggenheim Museum di New York, all'Hamburger Banhof di Berlino, alla Kunsthalle di Norimberga, al Museo d'Arte Moderna e Contemporanea di Trento, al Museum of Contemporary Photography del Columbia College di Chicago, alla Fundación Telefónica di Madrid e al Philadelphia Museum of Art, oltre che in altre collezioni pubbliche e private.

Stima 3 000 - 3 400 EUR

Lotto 35 - FRANCESCA WOODMAN (Denver, Colorado, 1958-New York, 1981). "Spazio2", Providence, Rhode Island, 1976. Stampa alla gelatina d'argento. Stampata successivamente da Igor Bakht, timbro sul retro. Firmata da George e Betty Woodman, con annotazione a matita al n. 17 "For Igor Kind Ryards". Timbro di credito PE/FW al verso. Provenienza: Collezione privata Foster Glasgow. Misure: 13,5 x 13,5 cm (immagine); 26,2 x 21,5 cm (carta). Francesca Woodman ha realizzato questa serie a Providence, dove era studentessa, dopo aver trascorso un periodo a Roma (grazie a una borsa di studio). Nella serie "Space2", la Woodman si fotografa mentre interagisce con spazi architettonici, spesso fatiscenti o abbandonati. Utilizza questi spazi non solo come ambientazioni, ma come elementi attivi della composizione. Muri, porte e finestre diventano parte integrante delle immagini, interagendo con il suo corpo in modo simbolico e visivo. La Woodman utilizza spazi che evocano un senso di abbandono in contrasto con la sua presenza fisica, aggiungendo uno strato di tensione e vulnerabilità alle immagini. Francesca Woodman è stata una fotografa americana nota per i suoi autoritratti intimi in bianco e nero. Si è laureata alla Rhode Island School of Design, l'Università di Belle Arti di Providence. La sua fotografia è caratterizzata principalmente dall'uso di un'unica modella, di solito nuda. Di solito si trattava di lei, ma in diverse fotografie ha ritratto diversi suoi amici. Il corpo catturato dalla macchina fotografica era solitamente in movimento, a causa dei lunghi tempi di esposizione, oppure l'immagine non era nitida. Utilizzava anche altre tecniche, come mascherarsi o cercare di confondersi con gli oggetti o con l'ambiente stesso. È nata in una famiglia di artisti. Fin da piccola, insieme al fratello Charles Woodman, è stata introdotta al mondo dell'arte dai genitori, George Woodman e Betty Woodman, entrambi artisti visivi. Oggi gestiscono un archivio di oltre 800 immagini della figlia, 120 delle quali sono state esposte o pubblicate. L'artista appartiene alla generazione di donne d'avanguardia degli anni Settanta che hanno rivendicato il loro contributo e la loro visione del mondo, che comprende anche artiste attiviste come Cindy Sherman, Martha Rosler o Ana Mendieta.

Stima 12 000 - 15 000 EUR

Lotto 36 - FRANCESCA WOODMAN (Denver, Colorado, 1958-New York, 1981) "Autoritratto", N3017.1. New York, 1979-80. Stampa alla gelatina d'argento. Stampata successivamente da Igor Bakht, timbro sul verso. Firmata da George e Betty Woodman, con annotazione a matita "I B" "N3017.1". Timbro di credito PE/FW sul verso. Provenienza: Collezione privata Foster Glasgow. Misure: 13,7 x 13,7 cm (immagine); 26 x 21 cm (carta). Questa fotografia, in cui Francesca Woodman è ritratta di scorcio e in quarti, appartiene all'ultima fase della breve vita dell'artista. All'epoca viveva a New York. La Woodman aveva trascorso l'estate del 1979 a Stanwood, Washington, per far visita al suo compagno, Benjamin Moore. È lì che crea una serie fotografica su soggetti domestici. Tornata a New York, cerca di far conoscere il suo lavoro e riesce ad esporre alla Daniel Wolf Gallery. Nel settore della pubblicità e della moda scopre il lavoro di Deborah Turbeville, caratterizzato dalla collocazione di modelle in ambienti gotico-melodrammatici, come edifici o corridoi desolati o bui. La Woodman si impadronì di questo stile, che poi riprese nelle sue fotografie future. Nell'estate del 1980 sperimentò con il proprio corpo per affrontare i temi di qualcosa di più elevato, secondo la lettera che scrisse all'amica Suzanne Santoro, che viveva a Roma. In questo periodo la sua creazione artistica diventa più meticolosa ed elabora più metodicamente la composizione, partendo da schizzi precedentemente creati, per elaborare la narrazione delle sue immagini. Pur impegnandosi molto nel suo lavoro artistico, non ne fu mai convinta. A spingerla al suicidio furono la mediocre risposta del pubblico alla sua fotografia e una storia d'amore finita. Il padre suggerì che il motivo del suicidio fosse una richiesta fallita di finanziamento da parte del National Endowment for the Arts. Era troppo avanti per i suoi tempi. Tutto ciò fece cadere Francesca Woodman in depressione e alla fine, pochi giorni dopo il lancio del suo libro, il 19 gennaio 1981, decise di togliersi la vita a soli 22 anni, gettandosi dalla finestra di un loft nel Lower East Side di Manhattan, New York. Francesca Woodman è stata una fotografa americana nota per i suoi autoritratti intimi in bianco e nero. Si è laureata alla Rhode Island School of Design, l'Università di Belle Arti di Providence. La sua fotografia è caratterizzata principalmente dall'uso di un'unica modella, solitamente nuda. Di solito si trattava di lei, ma in diverse fotografie ha ritratto diversi suoi amici. Il corpo catturato dalla macchina fotografica era solitamente in movimento, a causa dei lunghi tempi di esposizione, oppure l'immagine non era nitida. Utilizzava anche altre tecniche, come mascherarsi o cercare di confondersi con gli oggetti o con l'ambiente stesso. È nata in una famiglia di artisti. Fin da piccola, insieme al fratello Charles Woodman, è stata introdotta al mondo dell'arte dai genitori, George Woodman e Betty Woodman, entrambi artisti visivi. Oggi gestiscono un archivio di oltre 800 immagini della figlia, 120 delle quali sono state esposte o pubblicate. L'artista appartiene alla generazione di donne d'avanguardia degli anni Settanta che hanno rivendicato il loro contributo e la loro visione del mondo, che comprende anche artiste attiviste come Cindy Sherman, Martha Rosler o Ana Mendieta.

Stima 7 000 - 7 500 EUR

Lotto 37 - RENÉ BURRI (Zurigo, 1933 - 2014). "Che Guevara". L'Avana, Cuba, 1963. Gelatina d'argento. Stampa successiva. Firmato, intitolato e datato a inchiostro (a margine). Provenienza: Collezione privata Cortez, New York. Misure: 22,5 x 32,5 cm (immagine); 30,5 x 40 cm (cornice). René Burri non sapeva di fotografare uno dei personaggi che sarebbe diventato uno dei martiri più iconici del XX secolo. L'immagine mostra Che Guevara mentre fuma un sigaro dell'Avana, in un atteggiamento che rivela una forte personalità. Il fotografo svizzero dirà di quel momento: "Il volto fiero del Che è in realtà un volto di rabbia. Ero nel suo ufficio a Cuba, inviato da 'Magnum', e stava litigando con un giornalista americano che aveva viaggiato con me. Sembrava una tigre in gabbia e non mi ha nemmeno notato, così ho potuto scattare tutte le foto che volevo!". L'immagine, che sarebbe diventata una delle più iconiche del Che, fu scattata nell'ufficio dell'allora Ministro dell'Industria cubano. René Burri è stato un fotografo e regista svizzero. Ha studiato alla "Scuola di Arti Decorative di Zurigo" (1950-1953), dove ha imparato a comporre con la luce e a considerare la luce in relazione alle ombre. Da queste lezioni è nato il "tocco Burri", che ha plasmato il suo sguardo: l'eleganza raffinata di una composizione, il gioco sottile, aperto e significativo delle linee solide di un'immagine. Si ascrive alla "fotografia umanista" dominante nella Parigi degli anni Cinquanta e lì fotografa momenti particolari e delicati, nello stile di Izis e Doisneau. Tuttavia, prendendo a modello Cartier-Bresson, Burri inizia a cercare fotografie documentarie più dense del riflesso di semplici aneddoti. Come assistente alla macchina fotografica di Ernest Hininger, inizia anche a girare piccoli documentari. Nel 1955 entra a far parte dell'Agenzia Magnum e inizia a viaggiare in tutto il mondo, scattando ritratti, paesaggi, reportage politici e sociali, fotografie di architettura e industria, ecc. Nel 1982 apre la Galleria Magnum a Parigi, insieme a Bruno Barbey. Dal 1988 è direttore artistico della rivista Schweizer Illustrierten. Tra le sue fotografie più famose ci sono una foto della città di San Paolo (Brasile) e una foto di Che Guevara.

Stima 8 000 - 10 000 EUR

Lotto 38 - JEANLOUP SIEFF (Parigi, 1933-2000). "Derrière Anglais", Parigi, 1969. Gelatina d'argento. Firmato e datato a inchiostro. Con timbro dell'artista sul retro. Misure: 30,4 x 21 cm (immagine); 41 x 31 cm (carta). In "Derrière Anglais, Paris", Jeanloup Sieff mette in risalto i dettagli del corpo femminile, la sua sensualità, l'eleganza delle sue linee e la sua diversità. Il fotografo ha concentrato la sua produzione sui ritratti di personaggi dello spettacolo e della politica, ma anche sul reportage, sul paesaggio e sulla fotografia di nudo. Fotografo autodidatta, Jeanloup Sieff esordisce come fotoreporter nel 1954. Un anno dopo entra a far parte della rivista Elle, dove si occupa prima di reportage e poi di fotografia di moda. Nel 1959 inizia a lavorare per Réalités e Le Jardin des Modes. Lascia anche l'agenzia Magnum per lavorare in proprio. Nel 1959 riceve il Premio Niépce per l'eccellenza fotografica. Nel 1961 si stabilisce a New York, dove collabora con Look, Esquire e soprattutto Harper's Bazaar. Soggiorna brevemente in Europa, dove lavora per Twen, Vogue e Queen. Nel 1967 decise di trasferirsi a Parigi, dove lavorò per Vogue, Femme, Nova e altre pubblicazioni. Ha esposto a livello nazionale e internazionale e diverse sue opere sono state acquisite da vari musei del mondo. Nel 1971 ha ricevuto la medaglia d'oro del museo d'arte moderna di Skopje e nello stesso anno ha donato diverse collezioni alla Biblioteca Nazionale di Parigi. Il suo lavoro ha ricevuto premi internazionali dal Giappone agli Stati Uniti ed è distribuito in diverse parti del mondo. Tra i riconoscimenti ricevuti figurano il Premio Niépce nel 1959 e il Grand Prix National de Photographie nel 1992. Le sue opere sono attualmente presenti in: Bibliothèque nationale de Paris (donazione), Musée Réatu (Arles), Musée Sterxhof (Belgio), Musée de Toulon, Musée d'Art Moderne (Parigi), Tulsa Art & Humanities Council (Tulsa, USA), Fonds national d' Art contemporain (Puteaux), FNAC Collection, MEP (Parigi), Fondation Cartier d' Art Contemporain (Parigi).

Stima 6 500 - 7 000 EUR

Lotto 39 - MARC RIBOUD (Saint-Genis-Laval, 1923-Parigi, 2016). "Giovane ragazza con un fiore in mano", Washington, 1967. Gelatina d'argento. Stampa successiva. Firmata e dedicata "a Patrick" a inchiostro, a margine. Provenienza: Collezione Zwigoff, New York. Misure: 25 x 36 cm (immagine); 31 x 40,5 cm (carta). Questa fotografia di una giovane donna che tiene un fiore davanti a dei soldati, scattata nel contesto di una manifestazione a Washington contro la guerra del Vietnam, è una delle immagini più celebri di Marc Riboud. Il valore della scena, oltre alla forza emotiva che trasmette, è la capacità di universalizzare il messaggio di speranza nel mezzo dell'esplosione della violenza. Perché, in ogni caso, è sempre stato il lato umano dei conflitti che Riboud ha rivendicato nelle sue fotografie di corrispondente di guerra. Così, mentre fotografava la guerra in Vietnam e la rivoluzione culturale cinese, rifletteva anche aspetti della vita quotidiana in città come Fez, Angkor, Shaanxi o Benares. Marc Riboud era un fotografo francese specializzato in fotogiornalismo che faceva parte dell'agenzia Magnum. Allo scoppio della Seconda Guerra Mondiale combatteva nella Resistenza e nel 1945 iniziò gli studi di ingegneria all'École Centrale de Lyon. Impara a fotografare da autodidatta dall'età di quindici anni, utilizzando una macchina fotografica Kodak Vest Pocket fornita dal padre. Dopo aver lavorato come ingegnere, nel 1952 entra a far parte dell'agenzia Magnum, dopo aver conosciuto Henri Cartier-Bresson e Robert Capa, dove realizza i reportage più importanti della sua carriera fino al 1979. La sua prima fotografia pubblicata su Life nel 1953 è "Painter at the Eiffel Tower". È stato tra i primi fotografi autorizzati a entrare in Cina nel 1957 e quasi l'unico occidentale a realizzare un reportage sulla guerra del Vietnam dal Vietnam del Nord. Ha pubblicato numerosi libri e ha esposto le sue opere in molte città. Nel 2003 ha ricevuto il Cornell Capa Award dagli Infinity Awards. Sono state organizzate diverse mostre retrospettive del suo lavoro, come quella del 1997 a New York e quella del 2005 a Parigi. Mostre (selezione dal 2010): 2010 Au jardin de Krishna Riboud, Musée national des Arts Asiatiques-Guimet, Parigi. 2011 I comme Image, Maison européenne de la photo, Parigi. 2012 Durante le Giornate del Patrimonio, Saint-Genis-Laval. 2014-2015 Marc Riboud - Inizio del secolo, Consiglio regionale del Rodano-Alpi. 2014 De grace un geste - Museo d'arte moderna Richard Anacreonte, Granville.

Stima 6 000 - 8 000 EUR

Lotto 40 - FRANCESCA WOODMAN (Denver, Colorado, 1958-New York, 1981) Senza titolo, da "Angels series", Roma, 1977-1978. Stampa alla gelatina d'argento. Stampata successivamente da Igor Bakht, timbro sul retro. Firmata da George e Betty Woodman, con annotazione a matita al n. 297 "For Igor Kind Ryards". Timbro di credito PE/FW al verso. Provenienza: Collezione privata Foster Glasgow. Misure: 15,5 x 15,5 cm (immagine); 26 x 21 cm (carta). Questa fotografia appartiene al periodo romano di Woodman. La sfocatura del corpo, le presenze spettrali, la notte e gli spettri compongono una stampa suggestiva in cui l'artista stessa è protagonista. Woodman scava nella parte nascosta del proprio essere, cercando di rendere visibile ciò che è essenzialmente invisibile. In questa serie, la fotografa impiega tecniche di lunga esposizione per catturare il movimento, ottenendo figure sfocate che sembrano svanire o fondersi con l'ambiente circostante. Questo effetto crea un senso di dinamismo ed evoca l'idea di esseri eterei o fantasmi. Ha realizzato questa serie (Angeli) a Roma. Tra il 1975 e il 1979, mentre studiava al Providence College of Fine Arts, dove Francesca Woodman eccelleva per le sue capacità artistiche, ottenne una borsa di studio Honors Program che le permise di vivere per un anno nelle strutture della scuola a Palazzo Cenci a Roma. Incontra e si unisce a un gruppo di artisti legati alla Maldoror Gallery and Bookstore. I proprietari Giuseppe Casetti e Paolo Missigoi erano attratti da tutti coloro che erano legati alle avanguardie, in particolare dal futurismo, dal surrealismo e dal simbolismo. Furono i proprietari a far includere la Woodman in una mostra di cinque giovani artisti alla Galleria Ugo Ferranti, dove fu l'unica americana a partecipare. Questa divenne la sua prima mostra personale. È a Roma che realizza alcune delle sue opere più conosciute fino ad oggi, come "On Being an Angel", "Glove Series", "Self-deceit". Le sue fotografie riformulano l'immagine della donna, Francesca Woodman è stata una fotografa americana nota per i suoi autoritratti intimi in bianco e nero. Si è laureata alla Rhode Island School of Design, l'Università di Belle Arti di Providence. La sua fotografia è caratterizzata principalmente dall'uso di un'unica modella, solitamente nuda. Di solito si trattava di lei, ma in diverse fotografie ha ritratto diversi suoi amici. Il corpo catturato dalla macchina fotografica era solitamente in movimento, a causa dei lunghi tempi di esposizione, oppure l'immagine non era nitida. Utilizzava anche altre tecniche, come mascherarsi o cercare di confondersi con gli oggetti o con l'ambiente stesso. È nata in una famiglia di artisti. Fin da piccola, insieme al fratello Charles Woodman, è stata introdotta al mondo dell'arte dai genitori, George Woodman e Betty Woodman, entrambi artisti. Oggi gestiscono un archivio di oltre 800 immagini della figlia, 120 delle quali sono state esposte o pubblicate. L'artista appartiene alla generazione di donne d'avanguardia degli anni Settanta che hanno rivendicato il loro contributo e la loro visione del mondo, che comprende anche artiste attiviste come Cindy Sherman, Martha Rosler o Ana Mendieta.

Stima 7 000 - 7 500 EUR

Lotto 41 - WILLIAM KLEIN (New York, 1926- Parigi, 2022) . "Simone + Sophia Loren, Roma", 1960. Stampa alla gelatina d'argento. Firmata, intitolata e datata a matita (sul retro). Provenienza: collezione privata Solomon, New York. Misure: 46 x 34,5 cm (immagine); 51 x 41 cm (cornice). Un negoziante tiene con entrambe le mani un grande poster ritagliato con l'immagine di Sophia Loren a grandezza naturale. Simone guarda di lato la grande dama del cinema italiano, mentre dietro di lei galleggiano un orologio da parete e un segnale stradale. È una scena da marciapiede in cui la spontaneità caotica della vita umana e l'occhio calcolatore di William Klein, uno dei fotografi più "cinematografici" del suo tempo, coincidono. William Klein è stato un fotografo e regista americano. Benché sia nato a New York e abbia studiato al City College di New York, l'attività di Klein si è sviluppata soprattutto in Francia. Ha diretto diversi lungometraggi (tra cui il film del 1966 "Qui êtes-vous, Polly Maggoo" e la satira antiamericana "Mr. Freedom"). In campo fotografico, Klein ha vinto il premio Nadar nel 1956. Nel 1947, mentre era nell'esercito, viaggiò per la prima volta a Parigi e da allora visse e lavorò in questa città, di cui si innamorò. Nel 1948 si iscrisse all'Università della Sorbona, dove fu allievo, tra gli altri, di Fernand Léger. Le sue opere più note ruotano intorno alla fotografia di moda e di strada, di cui è stato considerato uno dei creatori e maestri. Riconoscimenti: Nel 1988 gli è stato assegnato il premio culturale dell'associazione tedesca di fotografia. Nel 1990 ha ricevuto il Premio Internazionale della Fondazione Hasselblad. Nel 2005 ha ricevuto il premio PhotoEspaña. Libri di fotografia: 1956. La vita è bella e buona per te a New York: Trance witness revels, Éditions su Seul, Parigi. 1959. Roma: la città e la sua gente, Feltrinelli, Milano. 1964. Tokyo, Zokeisha Publications, Tokyo. 1964. Mosca, Zokeisha Publications, Tokyo. 1989. Close up, Thames and Hudson, Londra, New York e Parigi. KLEIN, W. (1990). Torino '90, Federico Motta, Milano. 1994. In and Out of Fashion, Random House, New York e Londra.

Stima 8 000 - 10 000 EUR

Lotto 42 - SEBASTIAO SALGADO (Aimorés, Brasile, 1944). Dalla serie "Brasile", 1980-1983. Stampa alla gelatina d'argento. Crediti del fotografo a margine. Firmata, datata e annotata a matita; timbro dell'artista (al verso). Provenienza: Collezione privata Coolidge, New York. Misure: 34,5 x 52 cm (immagine); 51 x 61 cm (carta). Le fotografie di Sebastião Salgado scattate in Brasile tra il 1980 e il 1983, in particolare quelle che si concentrano sui piedi dei lavoratori rurali, sono potenti testimonianze del legame umano con la terra, il lavoro e le lotte quotidiane. Attraverso il suo obiettivo, Salgado è riuscito a catturare la dignità e l'umanità dei suoi soggetti, creando immagini che risuonano profondamente con lo spettatore e continuano ad avere un impatto duraturo. Sebastião Salgado è un fotografo socio-documentarista e fotogiornalista brasiliano. Ha viaggiato in oltre 100 Paesi per i suoi progetti fotografici. La maggior parte di questi sono apparsi in numerose pubblicazioni e libri. Mostre itineranti del suo lavoro sono state esposte in tutto il mondo. Il gallerista Hal Gould considera Salgado il più grande fotografo dell'inizio del XXI secolo. Ha ricevuto numerosi riconoscimenti internazionali, tra cui il Premio Principe delle Asturie per le Arti del 19983 e il Premio W. Eugene Smith per la Fotografia Umanitaria. Premio Eugene Smith per la fotografia umanitaria4 nel 1982. Si è avvicinato al campo della fotografia relativamente tardi, avendo precedentemente studiato e lavorato come economista. Nella sua carriera di fotografo ha iniziato a lavorare per l'agenzia parigina Gamma, per poi entrare in Magnum Photos nel 1979. Nel 1994 ha lasciato la Magnum per fondare la propria agenzia Amazonas Images a Parigi per rappresentare il suo lavoro. Salgado appartiene alla tradizione della fotografia socio-documentaria: il suo lavoro mette in evidenza la documentazione del lavoro delle persone nei Paesi meno sviluppati o in condizioni di povertà. Nel 2001 è stato nominato rappresentante speciale dell'Unicef per il suo lavoro. Lavora a progetti personali a lungo termine, alcuni dei quali sono stati pubblicati in libri come "Otras Américas" o "Éxodos". Tra le sue fotografie più note ci sono quelle scattate nelle miniere d'oro della Serra Pelada in Brasile. Fotografa abitualmente in bianco e nero con la Leica. Nel 1989 ha ricevuto il Premio Internazionale della Fondazione Hasselblad. Nel giugno 2007, dopo aver ricevuto il Premio Principe delle Asturie per le Arti, è stata organizzata una grande mostra antologica del suo lavoro al festival internazionale PHotoEspaña di Madrid, dove ha vinto il Premio del Pubblico. Mentre la fama di Sebastião Salgado cresceva nel mondo della fotografia, facendo parte dell'agenzia Magnum, la moglie Lélia Wanick lavorava come editor delle sue opere per pubblicarle in libri e mostre. Negli anni Novanta entrambi decidono di tornare a Minas Gerais, in Brasile, per ricevere dalla famiglia di Sebastião un campo totalmente devastato, eroso e secco. Nel 1998 formarono l'Istituto Terra e, con Lélia come presidente del progetto, iniziarono a riforestare il terreno. Con più di 4 milioni di semi di specie autoctone raccolti da loro, hanno completamente riforestato la Fattoria Bulcao con la sua flora originale, dando vita a un progetto emblematico e pieno di speranza per il mondo intero. Libri pubblicati: GOLD (2020), Genesis (2013), Exodus (2000), La miniera d'oro di Serra Pelada (1999), Terra (1997), Trabalhadores (1996), La mano dell'uomo (1993), Sahel: l'Homme en Détresse, Prisma Presse e Centre National de la Photographie, per Médecins sans frontières, Francia (1986), Altre Americhe (1986), Les Hmongs, Médecins sans frontières, Chêne/Hachette, Parigi (1982).

Stima 8 000 - 10 000 EUR

Lotto 43 - MARC RIBOUD (Saint-Genis-Laval, 1923-Parigi, 2016). "Le peintre de la Tour Eiffel", Parigi, 1953. Gelatina d'argento. Stampa successiva. Firmata e datata a inchiostro, a margine. Provenienza: Collezione O'Hara, New York. Misure: 37,5 x 24 cm (immagine); 40,8 x 30 cm (carta). "Pittore alla Torre Eiffel" fu la prima fotografia che Marc Riboud pubblicò su Life Magazine (1953). In essa possiamo apprezzare un elemento che ha attraversato il lavoro artistico di Riboud: la sua capacità di estrarre la magia in qualsiasi attività, per quanto avversa o anodina possa essere. Per questo motivo, pur essendo stato corrispondente di guerra, è ricordato soprattutto come fotografo umanista, perché ha sempre difeso i valori umani di fronte alle avversità. Marc Riboud era un fotografo francese specializzato in fotogiornalismo che faceva parte dell'agenzia Magnum. Allo scoppio della Seconda Guerra Mondiale combatteva nella Resistenza, così nel 1945 iniziò gli studi di ingegneria all'École Centrale de Lyon. Impara a fotografare da autodidatta dall'età di quindici anni, utilizzando una macchina fotografica Kodak Vest Pocket fornita dal padre. Dopo aver lavorato come ingegnere, nel 1952 entra a far parte dell'agenzia Magnum, dopo aver conosciuto Henri Cartier-Bresson e Robert Capa, dove realizza i più importanti reportage della sua carriera fino al 1979. È stato uno dei primi fotografi a cui è stato permesso di entrare in Cina nel 1957 e quasi l'unico occidentale a raccontare la guerra del Vietnam dal Vietnam del Nord. Ha pubblicato numerosi libri e ha esposto le sue opere in numerose città. Nel 2003 ha ricevuto il Cornell Capa Award dagli Infinity Awards. Sono state organizzate diverse mostre retrospettive del suo lavoro, come quella del 1997 a New York e quella del 2005 a Parigi. Mostre (selezione dal 2010): 2010 Au jardin de Krishna Riboud, Musée national des Arts Asiatiques-Guimet, Parigi. 2011 I comme Image, Maison européenne de la photo, Parigi. 2012 Durante le Giornate del Patrimonio, Saint-Genis-Laval. 2014-2015 Marc Riboud - Inizio del secolo, Consiglio regionale del Rodano-Alpi. 2014 De grace un geste - Museo d'arte moderna Richard Anacreonte, Granville.

Stima 6 000 - 8 000 EUR

Lotto 44 - ANDRÉ KERTÉSZ (Budapest, 1894-New York, 1985). "Ballerina satirica". Parigi, 1926. Gelatina d'argento, stampa successiva. Firmato, intitolato e datato a matita (sul verso). Provenienza: Dalla collezione privata di Schroeder New Jersey. Misure: 20,6 x 25,5 cm (immagine); 21 x 26 cm (carta). André Kertész apprezzava molto la capacità della macchina fotografica di catturare la danza e le persone in movimento. Quella che in questa fotografia è sdraiata sul divano in una posa completamente anti-archetipica è la ballerina e cabarettista Magda Förstner, che Kertész aveva invitato in studio appositamente per lo scatto. L'immagine è stata scattata nel laboratorio dello scultore István Beöthy, come indica il busto scultoreo accanto alla poltrona, che funge da ispirazione per la modella. Kertész stesso racconta la situazione: "Le ho detto: "Fai qualcosa nello spirito dell'angolo dello studio" e lei ha iniziato a muoversi sul divano. Ha fatto solo un movimento. Ho scattato solo due fotografie... È meraviglioso fotografare le persone in movimento. Non è necessario scattare centinaia di rullini come si fa oggi. Si tratta di catturare il momento giusto. Il momento in cui qualcosa si trasforma in qualcos'altro". Il fotografo André Kertész era noto per i suoi approcci innovativi alla composizione e agli angoli di ripresa, anche se il suo stile unico ha inizialmente ostacolato il suo riconoscimento nelle prime fasi della sua carriera. Autodidatta, i suoi primi lavori sono stati pubblicati principalmente sulle riviste, che all'epoca rappresentavano una piattaforma importante. Dopo aver combattuto nella Prima Guerra Mondiale, si trasferisce a Parigi, dove lavora per VU, la prima rivista illustrata francese. Si lega ai giovani artisti immigrati e al movimento Dada, ottenendo il plauso della critica e il successo commerciale. Nel 1936 emigra negli Stati Uniti dove tiene una mostra personale a New York presso la PM Gallery e lavora per breve tempo per l'agenzia Keystone. Qui rifiuta l'offerta di lavorare per Vogue, ritenendo che non fosse adatta a lui. Sceglie invece di lavorare per la rivista Life. Il suo periodo newyorkese si distingue per il fatto che fotografa dalla finestra del suo appartamento, immortalando momenti di vita quotidiana sempre con la convinzione che "Tutto è un soggetto. Ogni soggetto ha un ritmo. Sentirlo è la ragion d'essere. La fotografia è un momento fisso di tale ragion d'essere, che vive in se stessa". Nel 1963 torna a Parigi e scatta più di 2.000 fotografie in bianco e nero e quasi 500 diapositive che catturano l'essenza della città di Montmartre, le rive della Senna, i suoi giardini e parchi.

Stima 4 500 - 5 000 EUR

Lotto 45 - HENRI CARTIER-BRESSON (Chanteloup-en-Brie, Francia, 1908 - Céreste, Francia, 2004). "Matisse", Vence, Francia, 1944. Gelatina d'argento, stampa successiva. Firmato a inchiostro a margine e con timbro di copyright del fotografo in rilievo (a margine). Provenienza: Collezione privata Reuben, Chicago. Misure: 25,3 x 37 cm (immagine); 31 x 40,8 cm (carta). Henri Cartier-Bresson immortalò il pittore francese Henri Matisse nella villa "Le Rêve", la sua casa nelle Alpi Marittime, quando l'editore Pierre Braun gli chiese di fotografare scrittori e artisti per un progetto di libro che non si concretizzò mai. All'epoca il pittore fauvista aveva 70 anni e, avendo subito un intervento chirurgico anni prima, le sue condizioni lo costringevano a stare prostrato su una sedia o su un letto, come si vede nell'istantanea offerta. In Le Rêve Matisse disegna e dipinge le colombe bianche che svolazzano nella sua stanza, così come le sue modelle abituali, Micaela Avogadro e Lydia Delectorskaya. Il fauvista trascorreva del tempo anche nel suo appartamento di Nizza, dove anche Cartier-Bresson lo fotografò. Lo stesso Bresson ha raccontato di queste visite alla villa: "Quando sono andato a trovare Matisse, mi sono seduto in un angolo, non mi sono mosso, non abbiamo parlato. Era come se non esistessimo". Henri Cartier-Bresson è stato un artista e fotografo umanista francese considerato un maestro della fotografia e uno dei primi utilizzatori della pellicola da 35 mm. Fu il pioniere del genere della fotografia di strada e considerava la fotografia come la cattura di un momento decisivo. Il suo primo grande viaggio di reportage lo portò in Costa d'Avorio nel 1931. Le fotografie dei suoi numerosi viaggi trovarono rapidamente spazio in riviste e mostre. Fa anche esperienza a New York con Paul Strand. Alla fine dell'estate del 1937, prima della battaglia di Belchite, si reca in Spagna con Herbert Kline, ex redattore della rivista New Theater, e il cameraman Jacques Lemare per girare un documentario sull'American Medical Bureau durante la guerra civile spagnola. Girarono a Villa Paz, l'ospedale delle Brigate Internazionali a Saelices, non lontano da Madrid, e sulla costa di Valencia per documentare il recupero dei volontari feriti nelle ville di Benicàssim. Visitarono anche la Brigata Abraham Lincoln a Quinto, vicino a Saragozza, e girarono il film Con la Brigata Abraham Lincoln in Spagna. Dal 1937 al 1939, Cartier-Bresson è assistente alla regia in tre film di Jean Renoir, tra cui Le regole del gioco. Nel 1940 trascorre quasi tre anni come prigioniero di guerra in Germania. Dopo che si pensò erroneamente che fosse morto in guerra, il Museum of Modern Art di New York dedicò a Cartier-Bresson una grande retrospettiva "postuma" nel 1947. Nello stesso anno, insieme a Robert Capa, David Seymour e George Rodger, fondò a New York l'agenzia Magnum Photos con l'obiettivo di preservare i diritti sul lavoro dei fotografi. Cartier-Bresson è stato il primo fotografo autorizzato a esporre al Louvre di Parigi nel 1955. Le sue fotografie sono state raccolte e pubblicate, tra l'altro, in Images à la sauvette (1952, Immagini di passaggio), D'une Chine à l'autre (1968, Cina ieri e oggi) e Moscou (1955, Mosca). Cartier-Bresson smette di fotografare professionalmente nel 1972 e si dedica intensamente all'arte del disegno. Nel 1974 è stato eletto membro dell'Accademia Americana delle Arti e delle Scienze.

Stima 8 000 - 8 500 EUR

Lotto 46 - LEWIS MORLEY (Hong Kong, 1925-Sidney, 2013). "Christine Keeler", 1963. Gelatina d'argento. Firmato, intitolato e datato a inchiostro (a margine). Provenienza: Collezione privata Bennett, New York. Misure: 31,5 x 25 cm (immagine); 36 x 28,9 cm (carta). Dopo che la cabarettista e ballerina Christine Keeler ebbe una relazione con un ministro del governo di Harold Macmillan, che gettò discredito sul partito conservatore in quello che divenne noto come l'affare Profumo, fu chiamata a fare un servizio fotografico presso lo studio di Lewis Morley. L'evento ebbe luogo perché una casa di produzione cinematografica intendeva realizzare un film sullo scandalo e aveva bisogno di alcune foto pubblicitarie. Sebbene la Keeler avesse inizialmente accettato di farsi fotografare nuda, quando arrivò allo studio era riluttante a farlo. Per questo motivo, Lewis Morley iniziò il servizio fotografico riprendendo la modella con i vestiti addosso, ma i rappresentanti della casa cinematografica insistettero perché posasse nuda. Il fotografo, percependo il disagio della Keeler, fece allontanare gli altri presenti e, voltandole le spalle mentre la Keeler si spogliava, le suggerì di posare sulla sedia dello studio messa a testa in giù. Lewis Morley iniziò la sua carriera con incarichi per riviste come Tatler e fu un fotografo teatrale di successo per oltre 100 produzioni del West End. Le sue fotografie pubblicitarie per la rivista Beyond The Fringe (1961) includono uno studio del cast Peter Cook, Dudley Moore, Alan Bennett e Jonathan Miller, utilizzato per la copertina dell'LP più venduto dello spettacolo. Nel 1971 si trasferisce a Sydney, dove lavora su riviste come Belle e con interior designer e stilisti come Babette Hayes e Charmaine Solomon. Nel 1989 ha collaborato con il curatore della fotografia Terence Pepper nell'allestimento della sua prima retrospettiva museale alla National Portrait Gallery di Londra e successivamente ha donato tutte le immagini stampate per la mostra come parte di un più ampio archivio del suo lavoro. La sua prima autobiografia, Black and White Lies, è stata pubblicata nel 1992. Nel 2003 è stato realizzato un film sulla sua vita e una mostra intitolata Myself and Eye si è tenuta alla National Portrait Gallery di Canberra. Nel 2006, l'Art Gallery of New South Wales ha presentato una mostra completa su 50 anni di lavoro dell'artista. Intitolata Lewis Morley: 50 Years of Photography, l'esposizione comprendeva 150 sue opere che spaziavano tra moda, teatro e reportage, molte delle quali mai viste prima. Dopo la sua morte, il suo archivio è stato donato al National Media Museum di Bradford, in Inghilterra.

Stima 8 000 - 8 500 EUR

Lotto 47 - HELEN LEVITT (New York, 1913-2009). "NYC. Bambini mascherati alla fermata", New York, 1940. Gelatina d'argento, stampa successiva. Firmato, datato e iscritto a matita "N.Y.C." (sul retro). Provenienza: Dalla collezione privata di Schroeder New Jersey. Misure: 19,4 x 27,7 cm (immagine); 28 x 34,8 cm (carta). Helen Levitt è considerata una delle fotografe più importanti del XX secolo e una delle antesignane del cinema indipendente di oggi. Appartiene alla cosiddetta scuola di New York, che difendeva una fotografia di strada diretta e asettica. È stata allieva di Walker Evans e Cartier-Bresson, di Ben Shanhn e della cerchia della Photo League di New York, da cui ha imparato la ricerca dell'istante. Il suo modo di catturare i gesti, i corpi in movimento, il linguaggio della strada, hanno trasformato il suo lavoro quasi in uno studio antropologico. Nel 1939 le foto di Helen Levitt erano già pubblicate su riviste come Fortune, US Camera, Minicam e PM. I suoi lavori più noti sono in bianco e nero e di genere documentaristico, e pongono il suo obiettivo sulle strade e sugli abitanti della città, soprattutto sui bambini. Ne è prova la mostra "Helen Lewitt: Photographs of Children" che il MoMA di New York le dedicò nel 1943. Anche durante il suo viaggio in Messico nel 1941 ritrasse i bambini di strada. Negli anni '70, Levitt fotografò le strade di New York con diapositive a colori e le implementò nel proprio linguaggio come ulteriore risorsa. Va notato che ha sempre avuto una vocazione per il cinema: è negli anni '40 che realizza i suoi primi progetti di film documentari, agli ordini del regista spagnolo Luis Buñuel, esiliato negli Stati Uniti a causa della guerra civile spagnola. Nel 1948 dirige i film "In the Street" e "The Quiet One".

Stima 7 000 - 7 500 EUR

Lotto 48 - HENRI CARTIER-BRESSON (Chanteloup-en-Brie, Francia, 1908 - Céreste, Francia, 2004). "Jardins du Palais Royal", Parigi, 1959. Gelatina d'argento, stampa successiva. Firmato e annotato "pour Tuto" a inchiostro e timbro di copyright del fotografo in rilievo (al margine). Provenienza: Collezione privata Reuben, Chicago. Il Centro Pompidou possiede una copia di questa fotografia. Misure: 37 x 25 cm (immagine); 41 x 31 cm (lastra). Grazie alla sua fotocamera Leica portatile, Henri Cartier-Bresson era in grado di muoversi con disinvoltura nel suo girovagare per nuove città e luoghi stranieri, scattando immagini che combinavano la sua spontaneità bohémienne con il suo senso pittorico della composizione. Questo modus operandi divenne noto come "momento decisivo", un concetto famoso che avrebbe influenzato i fotografi di tutto il XX secolo. Henri Cartier-Bresson è stato un artista e fotografo umanista francese considerato un maestro della fotografia e uno dei primi utilizzatori della pellicola da 35 mm. Fu il pioniere del genere della fotografia di strada e considerava la fotografia come la cattura di un momento decisivo. Il suo primo grande viaggio di reportage lo portò in Costa d'Avorio nel 1931. Le fotografie dei suoi numerosi viaggi trovarono rapidamente spazio in riviste e mostre. Fa anche esperienza a New York con Paul Strand. Alla fine dell'estate del 1937, prima della battaglia di Belchite, si reca in Spagna con Herbert Kline, ex redattore della rivista New Theater, e il cameraman Jacques Lemare per girare un documentario sull'American Medical Bureau durante la guerra civile spagnola. Girarono a Villa Paz, l'ospedale delle Brigate Internazionali a Saelices, non lontano da Madrid, e sulla costa di Valencia per documentare il recupero dei volontari feriti nelle ville di Benicàssim. Visitarono anche la Brigata Abraham Lincoln a Quinto, vicino a Saragozza, e girarono il film Con la Brigata Abraham Lincoln in Spagna. Dal 1937 al 1939, Cartier-Bresson è assistente alla regia in tre film di Jean Renoir, tra cui Le regole del gioco. Nel 1940 trascorre quasi tre anni come prigioniero di guerra in Germania. Dopo che si pensò erroneamente che fosse morto in guerra, il Museum of Modern Art di New York dedicò a Cartier-Bresson una grande retrospettiva "postuma" nel 1947. Nello stesso anno, insieme a Robert Capa, David Seymour e George Rodger, fondò a New York l'agenzia Magnum Photos, con l'obiettivo di preservare i diritti sul lavoro dei fotografi. Cartier-Bresson fu il primo fotografo autorizzato a esporre al Louvre di Parigi nel 1955. Le sue fotografie sono state raccolte e pubblicate, tra l'altro, in Images à la sauvette (1952, Immagini di passaggio), D'une Chine à l'autre (1968, Cina ieri e oggi) e Moscou (1955, Mosca). Cartier-Bresson smette di fotografare professionalmente nel 1972 e si dedica intensamente all'arte del disegno. Nel 1974 è stato eletto membro dell'Accademia Americana delle Arti e delle Scienze.

Stima 12 000 - 13 000 EUR

Lotto 49 - ROBERT FRANK (Zurigo 1924 - Nuova Scozia 2019) "Giorno di pioggia", 1955 circa. Gelatina d'argento su carta Agfa. Firmato a inchiostro nell'angolo inferiore sinistro. Provenienza: Christie's Parigi, Fotografie 10/11/2020, lotto 107. Misure: 41 x 30 cm; 66,5 x 58 cm (cornice). Robert Frank è stato un fotografo e documentarista svizzero, divenuto anche cittadino americano. La sua opera più importante è il libro The Americans del 1958, che gli valse paragoni con De Tocqueville perché la sua fotografia forniva una visione fresca e ricca di sfumature della società americana dall'esterno. Il critico Sean O'Hagan, nel 2014, ha scritto sul Guardian che The Americans "ha cambiato la natura della fotografia, cosa poteva dire e come poteva dirlo". Rimane forse il libro di fotografia più influente del XX secolo". In seguito Frank ha esplorato altri campi come il cinema e il video e ha sperimentato la manipolazione fotografica e il fotomontaggio. Robert Frank nacque a Zurigo, in Svizzera, da una famiglia ebrea. Frank e la sua famiglia rimasero al sicuro in Svizzera durante la Seconda Guerra Mondiale. Si è formato con diversi fotografi e designer grafici prima di creare il suo primo libro fotografico fatto a mano, 40 Photos, nel 1946. Frank emigrò negli Stati Uniti nel 1947 e trovò lavoro a New York come fotografo di moda per Harper's Bazaar. Nel 1949, il nuovo direttore della rivista Camera, Walter Laubli (1902-1991), pubblicò un sostanzioso portfolio di fotografie di Jakob Tuggener scattate in occasione di sfilate di alta classe e nelle fabbriche, insieme al lavoro del venticinquenne Frank, che era appena tornato nella natia Svizzera dopo due anni all'estero. Presto partì per il Sud America e l'Europa e creò un altro libro di fotografie fatte a mano in Perù. Nel 1950 torna negli Stati Uniti dove incontra Edward Steichen e partecipa alla mostra collettiva 51 American Photographers al Museum of Modern Art (MoMA). Sebbene inizialmente ottimista nei confronti della società e della cultura americane, la prospettiva di Frank cambiò rapidamente di fronte al ritmo veloce della vita americana, che egli vedeva come un'eccessiva enfasi sul denaro. Fu allora che le sue immagini iniziarono a mostrare l'America come un luogo spesso desolato e solitario. Anche l'insoddisfazione di Frank per il controllo che gli editori esercitavano sul suo lavoro influenzò senza dubbio la sua esperienza. Continuò a viaggiare, trasferendo per un breve periodo la famiglia a Parigi. Nel 1953 tornò a New York e continuò a lavorare come fotoreporter freelance per riviste come McCall's, Vogue e Fortune. Associandosi ad altri fotografi contemporanei come Saul Leiter e Diane Arbus, contribuì a formare quella che Jane Livingston ha definito la Scuola di fotografia di New York degli anni Quaranta e Cinquanta. Nel 1955 Frank ottenne un ulteriore riconoscimento grazie all'inclusione di sette sue fotografie nella mostra del Museum of Modern Art di Edward Steichen. Nel 1955 Frank riceve una borsa di studio Guggenheim dalla John Simon Guggenheim Memorial Foundation per viaggiare negli Stati Uniti e fotografare la società. Tra le città visitate figurano Detroit e Dearborn, Michigan; Savannah, Georgia; Miami Beach e St. Petersburg, Florida; New Orleans, Louisiana; Houston, Texas; Los Angeles, California; Reno, Nevada; Salt Lake City, Utah; Butte, Montana; e Chicago, Illinois. Nei due anni successivi portò con sé la famiglia per una parte della serie di viaggi on the road, durante i quali scattò 28.000 foto, di cui solo 83 furono selezionate da lui per la pubblicazione in The Americans. La sua prima mostra personale si tiene all'Art Institute di Chicago e un anno dopo espone una seconda volta al MoMA. Nel 1972 la Kunsthaus Zürich ha organizzato una grande retrospettiva del suo lavoro.

Stima 7 000 - 8 000 EUR

Lotto 50 - SEBASTIAO SALGADO (Aimorés, Brasile, 1944). "Un leopardo (Panthera pardus) nella valle del fiume Barab". Damaraland, Namibia, 2005. Stampa alla gelatina d'argento. Credito del fotografo in rilievo (a margine). Firmata, datata e annotata a matita; timbro dell'artista (al verso). Provenienza: Galleria Claudio Poleschi Arte Contemporanea, San Marino, Italia. Misure: 37,4 x 51 cm (immagine); 50,8 x 61 cm (carta). È un'immagine di soggiogante bellezza ed eleganza. La potente maestosità del leopardo, esaltata dal gioco di riflessi tra l'acqua e il cielo notturno, ci introduce a una natura sublime, appena accennata da elementi minimi. È forse una delle fotografie meno descrittive e più sperimentali di Sebastiao Salgado, che in questa occasione si discosta dalla crudezza documentaria delle sue fotografie sociali per affrontare un'altra delle sue preoccupazioni più pressanti: la conservazione dell'ambiente. In diverse serie, Salgado ha usato la sua arte per attirare l'attenzione sulle sfide che il nostro pianeta deve affrontare. Sebastião Salgado è un fotografo e fotoreporter brasiliano di genere socio-documentario. Ha viaggiato in più di 100 Paesi per i suoi progetti fotografici. La maggior parte di questi sono apparsi in numerose pubblicazioni e libri. Mostre itineranti del suo lavoro sono state esposte in tutto il mondo. Il gallerista Hal Gould considera Salgado il più grande fotografo dell'inizio del XXI secolo. Ha ricevuto numerosi riconoscimenti internazionali, tra cui il Premio Principe delle Asturie per le Arti del 19983 e il Premio W. Eugene Smith per la Fotografia Umanitaria. Premio Eugene Smith per la fotografia umanitaria4 nel 1982. Si è avvicinato al campo della fotografia relativamente tardi, avendo precedentemente studiato e lavorato come economista. Nella sua carriera di fotografo ha iniziato a lavorare per l'agenzia parigina Gamma, per poi entrare in Magnum Photos nel 1979. Nel 1994 ha lasciato la Magnum per fondare la propria agenzia Amazonas Images a Parigi per rappresentare il suo lavoro. Salgado appartiene alla tradizione della fotografia socio-documentaria: il suo lavoro mette in evidenza la documentazione del lavoro delle persone nei Paesi meno sviluppati o in condizioni di povertà. Nel 2001 è stato nominato rappresentante speciale dell'Unicef per il suo lavoro. Lavora a progetti personali a lungo termine, alcuni dei quali sono stati pubblicati in libri come "Otras Américas" o "Éxodos". Tra le sue fotografie più note ci sono quelle scattate nelle miniere d'oro della Serra Pelada in Brasile. Fotografa abitualmente in bianco e nero con la Leica. Nel 1989 ha ricevuto il Premio Internazionale della Fondazione Hasselblad. Nel giugno 2007, dopo aver ricevuto il Premio Principe delle Asturie per le Arti, è stata organizzata una grande mostra antologica del suo lavoro al festival internazionale PHotoEspaña di Madrid, dove ha vinto il Premio del Pubblico. Mentre la fama di Sebastião Salgado cresceva nel mondo della fotografia, facendo parte dell'agenzia Magnum, la moglie Lélia Wanick lavorava come editor delle sue opere per pubblicarle in libri e mostre. Negli anni '90 entrambi decisero di tornare a Minas Gerais, in Brasile, per ricevere dalla famiglia di Sebastião un campo totalmente devastato, eroso e secco. Nel 1998 formarono l'Istituto Terra e, con Lélia come presidente del progetto, iniziarono a riforestare il terreno. Con più di 4 milioni di semi di specie autoctone raccolti da loro, hanno completamente riforestato la Fattoria Bulcao con la sua flora originale, dando vita a un progetto emblematico e pieno di speranza per il mondo intero. Libri pubblicati: GOLD (2020), Genesis (2013), Exodus (2000), La miniera d'oro di Serra Pelada (1999), Terra (1997), Trabalhadores (1996), La mano dell'uomo (1993), Sahel: l'Homme en Détresse, Prisma Presse e Centre National de la Photographie, per Médecins sans frontières, Francia (1986), Altre Americhe (1986), Les Hmongs, Médecins sans frontières, Chêne/Hachette, Parigi (1982).

Stima 8 000 - 10 000 EUR

Lotto 51 - HELMUT NEWTON (Germania, 1920 - California, 2004). "Sylvia esamina le sue scarpe col tacco nel mio studio", Parigi, 1981. Gelatina d'argento. Firmato, intitolato, datato e annotato a matita. Provenienza: Galleria Maurizio Siniscaldo, Napoli, Italia. Misure: 54,6 x 40 cm (immagine). "Sylvia che esamina i suoi tacchi alti nel mio studio" è una fotografia che riflette molti dei temi che definiscono il modo di lavorare di Helmut Newton: la composizione accurata (con la luce di un lampione che filtra dall'oscurità della notte urbana che contrasta con la chiarezza del nudo e della cornice della finestra), l'elemento feticcio delle scarpe con i tacchi a spillo che Sylvia tiene in mano senza manierismi.... Nel suo lavoro la Newton esplora spesso i temi del potere, del controllo e del feticismo. In questa immagine, il volto introspettivo della donna (ignara dello sguardo del desiderio maschile) e la naturalezza della sua postura le conferiscono potere, anziché ridurla a un oggetto femminile stereotipato. In questo modo, Newton ridefinisce i parametri della fotografia erotica e di moda: provocazione, anti-voyeurismo ed emancipazione femminile sono i suoi attributi. Le sue donne non appaiono languide come odalische, ma sfidanti, disinvolte e senza ammettere un facile voyeurismo. In fotografie come questa, esplora i confini tra l'intimo e il pubblico, pianificando attentamente le composizioni per massimizzare l'impatto visivo. Newton è nata a Berlino, ha frequentato l'Heinrich-von-Treitschke-Realgymnasium e l'American School in Berlin. Interessato alla fotografia fin dall'età di 12 anni, quando acquistò la sua prima macchina fotografica, lavorò per la fotografa tedesca Yva (Elsie Neuländer Simon) a partire dal 1936. Le restrizioni sempre più opprimenti imposte agli ebrei dalle leggi di Norimberga fecero perdere al padre il controllo della fabbrica; egli fu brevemente internato in un campo di concentramento durante la Notte dei Cristalli, cosa che costrinse infine la famiglia a lasciare la Germania. I genitori di Newton fuggirono in Argentina. Infine, arrivato a Singapore, scoprì di potervi rimanere, prima per un breve periodo come fotografo per lo Straits Times e poi come ritrattista. Newton fu internato dalle autorità britanniche mentre si trovava a Singapore e fu inviato in Australia a bordo della Queen Mary, arrivando a Sydney il 27 settembre 1940. Rilasciato dall'internamento nel 1942, lavora per un breve periodo come raccoglitore di frutta nel nord del Victoria. Nell'aprile 1942 si arruolò nell'esercito australiano e lavorò come camionista. Dopo la guerra, nel 1945, divenne un suddito britannico e cambiò il suo nome in Newton nel 1946. Nello stesso anno, Newton apre uno studio in Flinders Lane a Melbourne e si occupa di moda, teatro e fotografia industriale durante il dopoguerra. Nel maggio 1953 condivide la sua prima mostra congiunta con Wolfgang Sievers, la mostra "New Visions in Photography", allestita al Federal Hotel di Collins Street, che rappresenta probabilmente il primo assaggio della fotografia della Nuova Oggettività in Australia. Newton si legò a Henry Talbot, un ebreo tedesco anch'egli internato a Tatura, e la sua collaborazione con lo studio continuò anche dopo il 1957, quando lasciò l'Australia per Londra. Lo studio fu ribattezzato "Helmut Newton e Henry Talbot". La crescente reputazione di Newton come fotografo di moda viene premiata quando ottiene l'incarico di illustrare la moda in un supplemento speciale australiano per la rivista Vogue, pubblicato nel gennaio 1956. Ottenuto un contratto di 12 mesi con British Vogue, partì per Londra nel febbraio 1957, lasciando a Talbot la gestione dell'attività. Newton lascia la rivista prima della scadenza del contratto e si reca a Parigi, dove lavora per riviste francesi e tedesche. Tornò a Melbourne nel marzo 1959 per lavorare con Australian Vogue. Newton e sua moglie si stabilirono infine a Parigi nel 1961. Le sue immagini sono apparse su riviste come l'edizione francese di Vogue e Harper's Bazaar. Ha stabilito uno stile particolare, caratterizzato da scene erotiche e stilizzate, spesso con un sottotesto feticista. Nel 1980 ha creato la serie "Big Nudes". Seguirono il portfolio "Nude and Clothed" e, nel 1992, "Domestic Nudes", che segnò l'apice del suo stile erotico-urbano; tutte queste serie sostengono la destrezza delle sue abilità tecniche. Newton ha lavorato anche a ritratti e studi più fantastici. Ha realizzato una serie di illustrazioni per Playboy, tra cui quelle di Nastassja Kinski e Kristine DeBell.

Stima 9 000 - 12 000 EUR

Lotto 52 - HELMUT NEWTON (Germania, 1920 - California, 2004). "Nudo domestico 7", Los Angeles, 1992. Gelatina d'argento, copia 9/15. Firmato, intitolato, datato e numerato a matita. Provenienza: Galleria Maurizio Siniscaldo, Napoli, Italia. Misure: 45,2 x 36,2 cm (immagine). La serie "Domestic Nude" che Helmut Newton realizzò a Los Angeles nel 1992 rappresentò un altro giro di vite per la fotografia artistica e di moda. In essa, egli colloca le donne in pose provocanti e in spazi domestici insoliti: nella cuccia del cane, appoggiate al frigorifero.... Non vengono mostrate languidamente come odalische, ma con forza e sfida, senza pudore e senza ammettere un facile voyeurismo. In "Domestic Nude" l'artista esplora i confini tra il privato e il pubblico, tra la donna come soggetto e come oggetto. Newton pianifica con cura le sue composizioni per massimizzare l'impatto visivo. Newton è nata a Berlino, ha frequentato l'Heinrich-von-Treitschke-Realgymnasium e l'American School in Berlin. Interessato alla fotografia fin dall'età di 12 anni, quando acquistò la sua prima macchina fotografica, lavorò per la fotografa tedesca Yva (Elsie Neuländer Simon) a partire dal 1936. Le restrizioni sempre più opprimenti imposte agli ebrei dalle leggi di Norimberga fecero perdere al padre il controllo della fabbrica; egli fu brevemente internato in un campo di concentramento durante la Notte dei Cristalli, cosa che costrinse infine la famiglia a lasciare la Germania. I genitori di Newton fuggirono in Argentina. Infine, arrivato a Singapore, scoprì di potervi rimanere, prima per un breve periodo come fotografo per lo Straits Times e poi come ritrattista. Newton fu internato dalle autorità britanniche mentre si trovava a Singapore e fu inviato in Australia a bordo della Queen Mary, arrivando a Sydney il 27 settembre 1940. Rilasciato dall'internamento nel 1942, lavora per un breve periodo come raccoglitore di frutta nel nord del Victoria. Nell'aprile 1942 si arruolò nell'esercito australiano e lavorò come camionista. Dopo la guerra, nel 1945, divenne un suddito britannico e cambiò il suo nome in Newton nel 1946. Nello stesso anno, Newton apre uno studio in Flinders Lane a Melbourne e si occupa di moda, teatro e fotografia industriale durante il dopoguerra. Nel maggio 1953 condivide la sua prima mostra congiunta con Wolfgang Sievers, la mostra "New Visions in Photography", allestita al Federal Hotel di Collins Street, che rappresenta probabilmente il primo assaggio della fotografia della Nuova Oggettività in Australia. Newton si legò a Henry Talbot, un ebreo tedesco anch'egli internato a Tatura, e la sua collaborazione con lo studio continuò anche dopo il 1957, quando lasciò l'Australia per Londra. Lo studio fu ribattezzato "Helmut Newton e Henry Talbot". La crescente reputazione di Newton come fotografo di moda viene premiata quando ottiene l'incarico di illustrare la moda in un supplemento speciale australiano per la rivista Vogue, pubblicato nel gennaio 1956. Ottenuto un contratto di 12 mesi con British Vogue, partì per Londra nel febbraio 1957, lasciando a Talbot la gestione dell'attività. Newton lascia la rivista prima della scadenza del contratto e si reca a Parigi, dove lavora per riviste francesi e tedesche. Tornò a Melbourne nel marzo 1959 per lavorare con Australian Vogue. Newton e sua moglie si stabilirono infine a Parigi nel 1961. Le sue immagini sono apparse su riviste come l'edizione francese di Vogue e Harper's Bazaar. Ha stabilito uno stile particolare, caratterizzato da scene erotiche e stilizzate, spesso con un sottotesto feticista. Nel 1980 ha creato la serie "Big Nudes". Seguirono il portfolio "Nude and Clothed" e, nel 1992, "Domestic Nudes", che segnò l'apice del suo stile erotico-urbano; tutte queste serie sostengono la destrezza delle sue abilità tecniche. Newton ha lavorato anche a ritratti e studi più fantastici. Ha realizzato una serie di illustrazioni per Playboy, tra cui quelle di Nastassja Kinski e Kristine DeBell.

Stima 10 000 - 15 000 EUR

Lotto 53 - WILLIAM KLEIN (New York, 1926- Parigi, 2022) . "Modello + Graffiti (decorazione fotografica)". Parigi (Vogue), 1961. Stampa alla gelatina d'argento. Firmata, intitolata e datata a matita (sul retro). Provenienza: Galleria Claudio Poleschi Arte Contemporanea, San Marino, Italia. Misure: 39,5 x 30,8 cm (immagine). William Klein ha sviluppato uno stile innovativo e sperimentale nel campo della fotografia di moda, come vediamo in questa fotografia scattata a Parigi nel 1961 per la rivista Vogue. L'abito della donna imita in parte il muro di graffiti attraverso un gioco di luci e texture. In contrasto, le scarpe eleganti e gli orecchini d'oro creano un'interessante tensione visiva. Klein esplora il contrasto tra il glamour esclusivista della moda e la crudezza dei graffiti di strada utilizzando tecniche artistiche che ampliano la grammatica della fotografia di moda. Negli anni Sessanta, la fotografia di moda era dominata da immagini curate e attentamente composte. Klein ha rotto queste convenzioni introducendo un senso di spontaneità e realismo. Il suo lavoro fotografico è stato influenzato dall'arte, dalla cultura urbana e dal linguaggio cinematografico (nel cui ambito si è anche sviluppato). Alla ricerca dell'effimero e dell'autentico, portò la fotografia fuori dallo studio e la collocò in ambienti reali, spesso caotici. William Klein è stato un fotografo e regista americano. Pur essendo nato a New York e avendo studiato al City College, Klein ha lavorato principalmente in Francia. Ha diretto diversi lungometraggi (tra cui il film del 1966 "Qui êtes-vous, Polly Maggoo" e la satira antiamericana "Mr. Freedom"). In campo fotografico, Klein ha vinto il premio Nadar nel 1956. Nel 1947, mentre era nell'esercito, viaggiò per la prima volta a Parigi e da allora visse e lavorò in questa città, di cui si innamorò. Nel 1948 si iscrisse all'Università della Sorbona, dove fu allievo, tra gli altri, di Fernand Léger. Le sue opere più note ruotano intorno alla fotografia di moda e di strada, di cui è stato considerato uno dei creatori e maestri. Riconoscimenti: Nel 1988 gli è stato assegnato il premio culturale dell'associazione tedesca di fotografia. Nel 1990 ha ricevuto il Premio Internazionale della Fondazione Hasselblad. Nel 2005 ha ricevuto il premio PhotoEspaña. Libri di fotografia: 1956. La vita è bella e buona per te a New York: Trance witness revels, Éditions su Seul, Parigi. 1959. Roma: la città e la sua gente, Feltrinelli, Milano. 1964. Tokyo, Zokeisha Publications, Tokyo. 1964. Mosca, Zokeisha Publications, Tokyo. 1989. Close up, Thames and Hudson, Londra, New York e Parigi. KLEIN, W. (1990). Torino '90, Federico Motta, Milano. 1994. In and Out of Fashion, Random House, New York e Londra.

Stima 12 000 - 16 000 EUR

Lotto 54 - EDWARD STEICHEN (Lussemburgo, 1879 - West Redding, Connecticut, 1973). "Il mare", 1904. Fotografia al platino montata su carta nera originale su carta crema (originale). Presenta etichetta sul retro di collezione tedesca (Amburgo 1971). Firmata e datata in basso a destra. Misure: 13 x 17,5 cm; 29 x 37 cm (cornice). Edward Steichen è stato una figura chiave della fotografia del XX secolo, dirigendone lo sviluppo come fotografo di punta e influente curatore. Steichen arrivò negli Stati Uniti nel 1881. Dipinge e lavora in litografia, prima di dedicarsi alla fotografia nel 1896, esponendo per la prima volta le fotografie al Salone di Filadelfia nel 1899. Steichen diventa cittadino naturalizzato nel 1900 e, dopo aver esposto al Salon di Chicago, riceve il sostegno di Clarence White, che lo presenta ad Alfred Stieglitz. Tra il 1900 e il 1922 Steichen esercita la professione di pittore a Parigi, dove conosce Rodin ed è in contatto con i movimenti dell'arte moderna, tanto da poter consigliare Stieglitz nella scelta delle mostre. Nel 1901 viene eletto membro della Linked Ring Brotherhood di Londra e nel 1902 è co-fondatore della Photo-Secession e disegna la prima copertina di Camera Work, in cui vengono spesso pubblicati i suoi lavori. A New York, Steichen aiutò Stieglitz a fondare le Small Galleries of the Photo-Secession, che divennero note come "291", e nel 1910 partecipò alla International Exhibition of Pictorial Photography di Buffalo. Durante la Prima guerra mondiale dirige la fotografia aerea per le Forze di spedizione dell'esercito. Poco dopo abbandona la pittura, insieme alle vestigia del pittorialismo, e adotta uno stile modernista. Dal 1923 al 1938 è stato capo fotografo di Condé Nast, mentre svolgeva attività pubblicitaria freelance. Nominato tenente comandante nel 1942, Steichen fu nominato direttore dell'Istituto fotografico navale degli Stati Uniti nel 1945; qui supervisionò la fotografia di combattimento e organizzò le mostre Road to Victory e Power in the Pacific. È stato direttore della fotografia del Museum of Modern Art dal 1947 al 1962, ed è stato responsabile di oltre cinquanta mostre, tra cui The Family of Man del 1955, la mostra più popolare della storia della fotografia. Steichen ha ricevuto innumerevoli premi e onorificenze, tra cui il titolo di Chevalier della Legion d'Onore francese, una borsa di studio onoraria della Royal Photographic Society, la Distinguished Service Medal, il premio dell'Art Directors Club di New York, il premio U.S. Camera Achievement Award per il "più eccezionale contributo individuale alla fotografia" (1949) e la Presidential Medal of Freedom (1963). Importanti mostre del suo lavoro sono state allestite presso il Baltimore Museum of Art, il Museum of Modern Art, la Bibliothèque Nationale de Paris, l'ICP e la George Eastman House.

Stima 2 500 - 3 000 EUR

Lotto 55 - PHILIPPE HALSMAN (Riga, 1906 - New York, 1979). "I baffi di Dalì", 1954 circa. Fotografia alla gelatina d'argento. Presenta lievi pieghe agli angoli che non compromettono l'opera. Firmata a matita e timbrata sul verso. "Copyright di Philippe Halsman". Misure: 20 x 16 cm: 40 x 44 cm (cornice). Halsman studiò ingegneria elettrica a Dresda; dopo essere stato accusato dell'omicidio del padre, trascorse due anni in prigione. Dopo il suo rilascio Halsman decise di trasferirsi in Francia, dove iniziò a collaborare con riviste di moda come Vogue e si guadagnò presto la reputazione di uno dei migliori fotografi di ritratti in Francia. Famoso per le sue immagini nitide, piuttosto che morbide, con ritagli stretti. Quando la Francia fu invasa dalla Germania, Halsman fuggì a Marsiglia. Alla fine riuscì a ottenere un visto americano, con l'aiuto dell'amico di famiglia Albert Einstein, che in seguito fotografò nel 1947. Halsman ebbe il suo primo successo negli Stati Uniti quando l'azienda di cosmetici Elizabeth Arden utilizzò la sua immagine della modella Constance Ford contro la bandiera americana in una campagna pubblicitaria per il rossetto "Victory Red". Un anno dopo, nel 1942, trovò lavoro presso la rivista Life, fotografando modelli di cappelli. Nel 1941 Halsman incontrò l'artista surrealista Salvador Dalí e i due iniziarono a collaborare alla fine degli anni Quaranta. L'opera Dalí Atomicus del 1948 esplora l'idea di sospensione, raffigurando tre gatti che volano, un secchio d'acqua lanciato e Dalí in aria. Il titolo della fotografia è un riferimento all'opera di Dalí Leda Atomicus, che si può vedere a destra della fotografia dietro i due gatti. Halsman e Dalí pubblicarono infine un compendio delle loro collaborazioni nel libro del 1954 Dali's Moustache, che presenta 36 diverse vedute dei caratteristici baffi dell'artista. Un'altra famosa collaborazione tra i due fu In Voluptas Mors, un ritratto surrealista di Dalí accanto a un grande teschio, in realtà un tableau vivant composto da sette nudi. Nel 1947 Halsman scattò quella che sarebbe diventata una delle sue foto più famose a un mesto Albert Einstein, che durante il servizio fotografico raccontava il suo rammarico per il ruolo svolto nel perseguimento della bomba atomica da parte degli Stati Uniti. La foto sarebbe poi stata utilizzata nel 1966 su un francobollo statunitense e, nel 1999, sulla copertina della rivista Time, che definì Einstein la "Persona del secolo". Nel 1951, la NBC incaricò Halsman di fotografare diversi comici popolari dell'epoca, tra cui Milton Berle, Sid Caesar, Groucho Marx e Bob Hope. Il fotografo sviluppò una filosofia della fotografia del salto, che chiamò jumpology, e nel 1959 pubblicò il Philippe Halsman's Jump Book, che conteneva una discussione ironica sulla jumpology e 178 fotografie di famosi saltatori. Presenta lievi pieghe agli angoli che non compromettono l'opera.

Stima 2 500 - 3 000 EUR

Lotto 56 - WEEGEE; ARTHUR FELLIG (Ucraina, 1899-1968). "Motociclista da circo", 1943 circa. Fotografia alla gelatina d'argento. Lievi danni alla cornice. Presente timbro sul retro "Credit photo by Weegee-The Famous". Misure: 18 x 13,5 cm; 40x 30,5 cm (cornice). Arthur Fellig, noto con lo pseudonimo di Weegee, è stato un fotografo e fotoreporter, apprezzato per il suo stile fotografico crudo, che presentava la scena di strada di New York, solitamente ritratta in bianco e nero. Weegee lavorò nel Lower East Side di Manhattan come fotografo per la stampa negli anni Trenta e Quaranta. Ha sviluppato il suo stile caratteristico seguendo i servizi di emergenza della città e documentando gran parte delle loro attività. Per questo motivo le sue composizioni ritraggono scene realistiche di vita urbana, crimine e morte. Weegee pubblicò libri di fotografia e lavorò anche nel cinema, inizialmente realizzando i propri cortometraggi e successivamente collaborando con registi come Jack Donohue e Stanley Kubrick. Uno dei suoi primi lavori fu nel laboratorio fotografico del New York Times. In seguito, durante il suo impiego presso la Acme Newspictures, la sua abilità e ingegnosità nello sviluppo di stampe dal vivo gli valsero il nome di "Mr. Squeegee". La maggior parte delle sue fotografie sono state scattate con attrezzature e linee guida estetiche tipiche dei fotografi della stampa. Era un fotografo autodidatta senza alcuna formazione formale. Alcune delle sue foto riflettono una giustapposizione tra la rappresentazione di persone dell'alta società e altre che non appartengono alla stessa cerchia sociale. Il lavoro di Weege è ampiamente riconosciuto a livello nazionale e internazionale e le sue opere sono presenti in importanti collezioni private e pubbliche. Inoltre, il suo lavoro continua a suscitare interesse anche dopo la sua morte, come dimostra la mostra Weegee's New York, tenutasi nel 2009 presso la Fundación Telefónica di Madrid. Presenta lievi danni alla cornice.

Stima 500 - 600 EUR

Lotto 57 - PHILIPPE HALSMAN (Riga, 1906 - New York, 1979). "Senza titolo (Riflessione)", 1940 circa. Fotografia alla gelatina d'argento. Timbro sul retro "Copyright by Philippe Halsman". Misure: 20,5 x 21 cm; 31,5 x 29 cm (cornice). Halsman ha studiato ingegneria elettrica a Dresda e, dopo essere stato accusato dell'omicidio del padre, ha trascorso due anni in prigione. Dopo il suo rilascio Halsman decise di trasferirsi in Francia, dove iniziò a collaborare con riviste di moda come Vogue e si guadagnò presto la reputazione di uno dei migliori fotografi di ritratti francesi. Famoso per le sue immagini nitide piuttosto che morbide e strettamente ritagliate. Quando la Francia fu invasa dalla Germania, Halsman fuggì a Marsiglia. Alla fine riuscì a ottenere un visto americano, con l'aiuto dell'amico di famiglia Albert Einstein, che in seguito fotografò nel 1947. Halsman ebbe il suo primo successo negli Stati Uniti quando l'azienda di cosmetici Elizabeth Arden utilizzò la sua immagine della modella Constance Ford contro la bandiera americana in una campagna pubblicitaria per il rossetto "Victory Red". Un anno dopo, nel 1942, trovò lavoro presso la rivista Life, fotografando modelli di cappelli. Nel 1941 Halsman incontrò l'artista surrealista Salvador Dalí e i due iniziarono a collaborare alla fine degli anni Quaranta. L'opera Dalí Atomicus del 1948 esplora l'idea di sospensione, raffigurando tre gatti che volano, un secchio d'acqua lanciato e Dalí in aria. Il titolo della fotografia è un riferimento all'opera di Dalí Leda Atomicus, che si può vedere a destra della fotografia dietro i due gatti. Halsman e Dalí pubblicarono infine un compendio delle loro collaborazioni nel libro del 1954 Dali's Moustache, che presenta 36 diverse vedute dei caratteristici baffi dell'artista. Un'altra famosa collaborazione tra i due fu In Voluptas Mors, un ritratto surrealista di Dalí accanto a un grande teschio, in realtà un tableau vivant composto da sette nudi. Nel 1947 Halsman scattò quella che sarebbe diventata una delle sue foto più famose a un mesto Albert Einstein, che durante il servizio fotografico raccontava il suo rammarico per il ruolo svolto nel perseguimento della bomba atomica da parte degli Stati Uniti. La foto sarebbe poi stata utilizzata nel 1966 su un francobollo statunitense e, nel 1999, sulla copertina della rivista Time, che definì Einstein la "Persona del secolo". Nel 1951, la NBC incaricò Halsman di fotografare diversi comici popolari dell'epoca, tra cui Milton Berle, Sid Caesar, Groucho Marx e Bob Hope. Il fotografo sviluppò una filosofia della fotografia del salto, che chiamò jumpology, e nel 1959 pubblicò il Philippe Halsman's Jump Book, che conteneva una discussione ironica sulla jumpology e 178 fotografie di famosi saltatori.

Stima 800 - 1 000 EUR

Lotto 58 - AI WEIWEI (Pechino, 1957). "Donna nuda". Fotografia su carta Fuji. Edizione aperta. Firmata in basso a destra. Misure: 12,5 x 18 cm. Ai Weiwei è un attivista e artista contemporaneo. Ai ha collaborato con gli architetti svizzeri Herzog & de Meuron come consulente artistico per lo Stadio Nazionale di Pechino per i Giochi Olimpici del 2008. Come attivista, ha sempre criticato il governo cinese per la sua posizione sulla democrazia e sui diritti umani. Ha anche indagato sulla corruzione e sull'insabbiamento del governo cinese, in particolare sul caso del crollo delle scuole nel Sichuan dopo il terremoto del 2008. Il 3 aprile 2011 è stato arrestato all'aeroporto internazionale di Pechino, trattenuto per 81 giorni senza accuse ufficiali, e i funzionari hanno alluso a "crimini economici". Nel 1978, Ai si è iscritto all'Accademia del Cinema di Pechino e ha studiato animazione. Nel 1978 è stato uno dei fondatori del gruppo d'avanguardia "Stars" con influenze avanguardistiche, insieme a Ma Desheng, Wang Keping, Huang Rui, Li Shuang, Zhong Acheng e Qu Leilei. Il gruppo si è sciolto nel 1983, ma Ai ha partecipato regolarmente alle mostre organizzate dal gruppo, come The Stars: Ten Years nel 1989 (Hanart Gallery, Hong Kong e Taipei) e una mostra retrospettiva a Pechino nel 2007: Origin Point (ora Beijing Museum of Art). Nel 2014, Ai Weiwei ha realizzato un'installazione intitolata Illumination, ambientata in un ex ospedale carcerario, che doveva sembrare un film dell'orrore. Per quest'opera, nel 1993 Ai è tornato in Cina dopo che suo padre si è ammalato. Ha contribuito a fondare il gruppo di artisti sperimentali "Beijing East Village" e ha co-pubblicato una serie di tre libri su questa nuova generazione con il curatore cinese Feng Boyi: Black Cover Book (1994), White Cover Book (1995) e Gray Cover Book (1999). Nel 1999 si trasferisce a Caochangdi, a nord-est di Pechino, e costruisce una casa-studio, il suo primo progetto architettonico. Grazie al suo interesse per l'architettura, nel 2003 ha fondato il FALSA Design Studio. Nel 2000 ha co-curato la mostra d'arte "Fuck Off" con il curatore Feng Boyi a Shanghai, in Cina.

Stima 300 - 400 EUR

Lotto 59 - LARRY CLARK (Tulsa, Oklahoma; 1943). "Donna nuda". Fotografia su carta Fuji. Presente timbro della Galleria sul retro. Misure: 15 x 10 cm. Lawrence Donald Clark (nato il 19 gennaio 1943) è un regista, fotografo, scrittore e produttore cinematografico americano, noto soprattutto per il suo controverso film adolescenziale Kids (1995) e per il suo libro fotografico Tulsa (1971). Il suo lavoro si concentra principalmente sui giovani che fanno uso di droghe illegali, hanno rapporti sessuali con minori e sono violenti, e che fanno parte di una specifica sottocultura, come il surf, il punk rock o lo skateboard.

Stima 300 - 350 EUR

Lotto 60 - PACO PEREGRÍN (Almería, 1976). "Scorpio", 2015. Fotografia digitale montata su alluminio. Verrà consegnato un certificato di autenticità rilasciato dall'artista. L'opera è pubblicata sul sito web dell'artista. -Bibliografia: Fucking Young! magazine nº 6 yCatalogo della mostra "Artificio". Centro Andaluso di Fotografia (CAF), 2018. -Mostre: Centro Andaluso di Fotografia (CAF). Mostra personale "Artificio", dal 1° giugno al 15 luglio 2018.Misure: 50 x 40 cm; 51 x 41 cm (cornice). Paco Peregrín è un importante fotografo, artista visivo e direttore creativo andaluso, con sede a Madrid, che lavora a livello internazionale nel mondo dell'arte, della pubblicità e della moda (ha realizzato e diretto progetti di alto livello per marchi globali come Dior, Chanel, Saint Laurent, L'Oréal Paris, Lancôme, Shiseido, Marie Dalgar, L'Occitane, La Rinascente, Vögele Shoes, Adidas, Nike, ecc.) Pubblica su riviste prestigiose come Vogue (IT, DE, ES), Harper's Bazaar (USA, Russia, Spagna e Vietnam), VMAN, L'Officiel, Vanity Fair, ELLE, Marie Claire, Grazia, Cosmopolitan, Glamour, Dsection, Fucking Young!, Vision, Zink!, Neo2, Yo Dona, Vanidad, Schön!, Noi.se, Allure, NYLON, ecc. Si è laureato in Belle Arti all'Università di Siviglia e ha proseguito la sua formazione presso l'International Center of Photography (New York), il Central Saint Martins College of Art and Design (Londra), l'Universidad Complutense de Madrid, l'Universidad de Santiago de Compostela... Ha ricevuto importanti borse di studio (Pilar Juncosa e Sotheby's, Talens, Universidad Complutense, Ayuntamiento de Sevilla, Proyectos de Fotografía Caja San Fernando, Centro Andaluz de la Fotografía, ecc.) e il suo lavoro audiovisivo è stato premiato in festival internazionali come il Chicago Fashion Film Festival, il London Fashion Film Festival, l'International Fashion Film Festival Brussels e il Global Short Film Awards Festival di Cannes. Le sue opere fanno parte di importanti collezioni d'arte (Centro Andaluz de la Fotografía, Comunidad de Madrid, Instituto Andaluz de la Juventud, Universidad de Sevilla, Fundación Talens, Colección de Arte Contemporáneo Delegación de Cultura de Doña Mencía, Centro Andaluz de Arte Seriado....) ed è incluso in numerosi libri come "Artificio" (Centro Andaluz de la Fotografía, Editorial Universidad de Almería), "Facing", 6th Crossover Art Project (Marie Dalgar, Beijing), "Super-Modified: The Behance Book of Creative Work" (Gestalten), "Diccionario de fotógrafos españoles" (La Fábrica & Acción Cultural Española), "Otherworldly" (Gestalten), "New Fashion Photography" (Prestel), "PALETTE 03. Gold & Silver, New Metallic Graphics" (Prestel): Gold & Silver, New Metallic Graphics" (Victionary), "PALETTE 02: Multicolour, New Rainbow-hued Graphics" (Victionary), "Cazadores de Tendencias: los nombres esenciales de Moda Española" (Lunwerg), "STAND BY_012. Guía de Fotografía Andaluza Actual" (Valentín de Madariaga Foundation & MP Corporation), "Hair'em Scare'em" (Gestalten) o "Arte desde Andalucía para el siglo XXI catalogación monográfica ilustrada del joven arte andaluz" (Consejería de Cultura de la Junta de Andalucía). Ho esposto in gallerie di New York, Pechino, Parigi, Barcellona, Madrid, Berlino, Siviglia, San Sebastian, Valencia, Caceres, Almeria .... e in musei come il Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (Siviglia), il Museo Cristóbal Balenciaga (Getaria, Gipuzkoa), il Museo de Artes y Tradiciones de Sevilla, CaixaForum Sevilla, Centro Andaluz de la Fotografía, ARTSevilla, Sala de Exposiciones del Canal de Isabel II, Forosur 2004 (Feria Iberoamericana de Arte Contemporáneo) e PHotoESPAÑA. Il lavoro di Peregrín è ricco di simbolismo, ispirato all'arte classica, alla pittura fiamminga e barocca, ma anche alla cultura d'avanguardia più sperimentale. Si è concentrato sull'immagine sociale del corpo, sulla sua percezione, sui canoni della bellezza contemporanea, sul concetto di maschera, sullo scorrere del tempo, sulla comunicazione nei mass media, sulla pubblicità nella società dei consumi, sulle nuove tecnologie e sulla rappresentazione del corpo come luogo per indagare le conseguenze del potere e dei ruoli di genere oggi. Verrà fornito un certificato di autenticità rilasciato dall'artista. L'opera è pubblicata sul sito web dell'artista. -Bibliografia: Fucking Young! magazine nº 6 yCatalogo della mostra "Artificio". Centro Andaluso di Fotografia (CAF), 2018.

Stima 2 500 - 3 000 EUR

Lotto 61 - EDUARDO MOMEÑE (Bilbao, 1952). "Anfred Prufrock" 2009. Trittico. Gelatina d'argento, copia 3/30. Titolato, datato e numerato. Provenienza: Galleria N2, Barcellona. Misure: 37,5 x 24 cm (fotografia); 52,5 x 42,5 cm (ciascuna cornice). Eduardo Momeñe è fotografo e autore di articoli e saggi sull'estetica fotografica. L'insegnamento della fotografia ha occupato un posto di rilievo nella sua carriera professionale e ha tenuto numerosi corsi, workshop e seminari. Ha realizzato progetti come la serie televisiva "La Puerta Abierta" o la rivista "Fotografías", entrambe considerate opere di riferimento. La sua prima mostra si è tenuta alla Galleria Nikon di Barcellona nel 1974; da allora le sue fotografie fanno parte di collezioni pubbliche e private e ha esposto in diversi Paesi. La sua ultima mostra al Círculo de Bellas Artes si è conclusa nel gennaio 2024. Riviste come Vogue, Marie Claire, Elle o Stlyle hanno pubblicato le sue immagini di moda, illustrazione o ritratto. È autore dei libri "La visión fotográfica", "Las fotografías de Burton Norton" e "El placer de fotografiar" e coordinatore di "pam/Plassu" pubblicato da AfterPhoto; i suoi ritratti e le sue composizioni in studio sono inclusi nel libro "Eduardo Momeñe" pubblicato in Photobolsillo da La Fábrica.

Stima 1 600 - 2 000 EUR

Lotto 62 - RAY K. METZKER (USA, 1931-2014). Senza titolo. 1997. Fotografia. Firmata e datata sul retro. Misure: 35 x 27 cm; 66 x 55,5 cm. Ray K. Metzker è stato un fotografo americano noto soprattutto per i suoi audaci e sperimentali paesaggi urbani in bianco e nero e per le sue grandi "composizioni", assemblaggi di strisce di pellicola stampate e singoli fotogrammi. Il suo lavoro è conservato in diverse importanti collezioni pubbliche ed è oggetto di otto monografie. Ha ricevuto premi dalla John Simon Guggenheim Memorial Foundation, dal National Endowment for the Arts e dalla Royal Photographic Society. Metzker è stato allievo di Harry Callahan e Aaron Siskind all'Institute of Design di Chicago. Ha insegnato per molti anni al Philadelphia College of Art e ha insegnato anche all'Università del New Mexico. Dopo aver conseguito la laurea all'Istituto di Design di Chicago, Metzker viaggiò a lungo in Europa nel 1960-61, dove ebbe due epifanie: che la "luce" sarebbe stata il suo tema principale e che avrebbe cercato la sintesi e la complessità piuttosto che la semplicità. Metzker era solito dire che l'artista inizia le sue esplorazioni abbracciando ciò che non conosce. Premi: 1966: Borsa di studio Guggenheim, John Simon Guggenheim Memorial Foundation. 1975: Borsa di studio del National Endowment for the Arts. 1988: Borsa di studio del National Endowment for the Arts. 1989: Borsa di studio Bernheim presso il Bernheim Arboretum and Research Forest, Clermont, Kentucky. 2000: Medaglia del Centenario, Royal Photographic Society, Bath (HonFRPS). È rappresentato, tra i tanti musei, al: Museum of Fine Arts, Houston. Museum of Modern Art, New York: 14 stampe (al 22 dicembre 2021). J. Paul Getty Museum, Los Angeles. Whitney Museum of American Art, New York: 14 stampe (dal 15 dicembre 2021). Metropolitan Museum of Art, New York.

Stima 1 800 - 2 000 EUR

Lotto 63 - CARINA LINGE (Cuxhaven, Germania, 1976). Dalla serie "Single n. III". 2011. Cinque fotografie su tavola di alluminio. Firmate a mano sul retro. Misure: 80 x 120 cm; 60 x 45 cm; 46,5 x 35 cm; 28,3 x 24,3 cm. Nella serie fotografica "Single", Carina Linge esplora temi che l'hanno sempre interessata, legati all'identità, alla femminilità e all'interazione tra realtà e finzione, tra sogno e veglia. L'artista sviluppa un lavoro visivamente accattivante e sensuale, ma senza smettere di scavare nel concettuale. Ciò è più che evidente in queste immagini: gioca con i generi classici della natura morta barocca e della pittura vanitas (esplorando il simbolismo erotico della frutta), così come con il nudo femminile e la tradizione delle odalische, rivestendo questi generi di nuovi significati, dove la donna parla dal centro del suo essere e del suo desiderio, delle sue fantasie sessuali realizzate o sognate, della natura effimera delle passioni e della vita. Nel 2000 ha iniziato a studiare belle arti all'Università Bauhaus di Weimar, dove si è diplomata nel 2006 con Norbert W. Hinterberger. Nel 2007 ha ottenuto il primo incarico di insegnamento presso l'Università Bauhaus di Weimar, seguito da un altro nel 2014. Carina Linge ha un figlio e vive a Lipsia. Dal 2009 è rappresentata dalla galleria berlinese Jarmuschek + Partner. Carina Linge lavora nel campo della fotografia e dell'installazione. In complessi dipinti di immagini, mette in relazione fotografie, oggetti e fogli di testo. Le fotografie di Carina Linge sono interni messi in scena, nature morte e immagini corporee multistrato cariche di riferimenti associativi, simbolici e storici dell'arte. Evanescenza e morte, amore e solitudine, desiderio e desiderio sono tematizzati con riferimenti selezionati a persone, miti e immagini storiche. Nella serie di opere "Einsamer Eros", Carina Linge ha affrontato dal 2008 un concetto ampliato di ritratto e ha ritratto singoli e coppie in composizioni di immagini disposte come psicogrammi. La serie di immagini "About Desire", creata tra il 2011 e il 2013, tratta il passato, la scomparsa e il desiderio e il relativo sviluppo dei desideri e delle aspirazioni umane. Con "Theatrum Mundi" è stata creata nel 2014 una nuova serie di opere che mostra e rende visibile la rappresentazione esteriore e il mondo interiore di emozioni che si cela dietro di essa di persone selezionate. Le sue opere si trovano in importanti collezioni come: Collezione Testimonianza, Fondazione La Caixa, Barcellona; Fondazione Vila Casas, Torroella de Montgrí, Girona; Ordine degli Avvocati di Barcellona; Fondazione Agbar; Fondazione La Sardana, Barcellona.

Stima 8 000 - 10 000 EUR

Lotto 64 - SCARLET BERNER (Berlino, 1955). "O.T. (Gelbe Vase)". 1990. Fotografia su legno. Firmata e titolata sul retro. Cornice in formica. Misure: 105 x 80 cm (fotografia); 129,5 x 129 cm (cornice). Scarlet Berner vive a Monaco. Ha studiato inizialmente pittura all'Accademia di Belle Arti di Monaco, dove è stata allieva prediletta di Rudi Tröger. Dal 1982 tiene mostre personali e partecipa a mostre collettive. È spesso coinvolta in progetti di fotografia applicata all'architettura istituzionale. Riceve il premio di patrocinio per la fotografia dalla città di Monaco.

Stima 5 000 - 6 000 EUR

Lotto 65 - ELIZABETH MOSLER (Puerto Ordaz - 1976). Senza titolo. Fotografia stampata in una stampa fine art. Misure: 25 x 30 cm. Psicopedagogista e fotografa, ha studiato presso la scuola di fotografia EFTI di Madrid. Durante il suo soggiorno a Parigi ha realizzato diverse serie fotografiche, tra cui "Cathédrales Gothiques". Ha realizzato un lavoro documentario sulla manifestazione "Je suis Charlie" contro gli attacchi terroristici del 2015, essendo una di queste fotografie vincitrice della dinamica "Making history" in onore della mostra di Josef Koudelka alla Fondazione Mapfre di Madrid. È stata selezionata dal Centro Nazionale di Fotografia di Torrelavega per la mostra "Fotografías para un encierro", questa volta partecipando con un quimigramma, essendo questa una tecnica di fotografia senza macchina fotografica, il cui lavoro è stato catalogato. Le sue opere sono state esposte nella Galleria d'Arte Santana e attualmente nella piattaforma online "El club de las mujeres invisibles". Attualmente sta portando avanti un progetto personale intitolato "Mírate", con l'obiettivo di utilizzare la fotografia come strumento emotivo-sociale.

Stima 300 - 400 EUR

Lotto 66 - ELIZABETH MOSLER (Puerto Ordaz - 1976). "Pantheon di Agrippa". Fotografia stampata in una stampa fine art. Misure: 40 x 60 cm. Psicopedagogista e fotografa, ha studiato presso la scuola di fotografia EFTI di Madrid. Durante il suo soggiorno a Parigi ha realizzato diverse serie fotografiche, tra cui "Cathédrales Gothiques". Ha realizzato un lavoro documentario sulla manifestazione "Je suis Charlie" contro gli attacchi terroristici del 2015, essendo una di queste fotografie vincitrice della dinamica "Making history" in onore della mostra di Josef Koudelka alla Fondazione Mapfre di Madrid. È stata selezionata dal Centro Nazionale di Fotografia di Torrelavega per la mostra "Fotografías para un encierro", questa volta partecipando con un quimigramma, essendo questa una tecnica di fotografia senza macchina fotografica, il cui lavoro è stato catalogato. Le sue opere sono state esposte nella Galleria d'Arte Santana e attualmente nella piattaforma online "El club de las mujeres invisibles". Attualmente sta portando avanti un progetto personale intitolato "Mírate", con l'obiettivo di utilizzare la fotografia come strumento emotivo-sociale.

Stima 500 - 600 EUR

Lotto 67 - ELIZABETH MOSLER (Puerto Ordaz - 1976). "Filo Bianco". Fotografia stampata in una stampa fine art. Misure: 30 x 25 cm. Psicopedagogista e fotografa, ha studiato presso la scuola di fotografia EFTI di Madrid. Durante il suo soggiorno a Parigi ha realizzato diverse serie fotografiche, tra cui "Cathédrales Gothiques". Ha realizzato un lavoro documentario sulla manifestazione "Je suis Charlie" contro gli attacchi terroristici del 2015, essendo una di queste fotografie vincitrice della dinamica "Making history" in onore della mostra di Josef Koudelka alla Fondazione Mapfre di Madrid. È stata selezionata dal Centro Nazionale di Fotografia di Torrelavega per la mostra "Fotografías para un encierro", questa volta partecipando con un quimigramma, essendo questa una tecnica di fotografia senza macchina fotografica, il cui lavoro è stato catalogato. Le sue opere sono state esposte nella Galleria d'Arte Santana e attualmente nella piattaforma online "El club de las mujeres invisibles". Attualmente sta portando avanti un progetto personale intitolato "Mírate", con l'obiettivo di utilizzare la fotografia come strumento emotivo-sociale.

Stima 300 - 400 EUR

Lotto 68 - BEATRIZ SANCHES MIGUEL (Brasile, 1974). "I fiori di Sophia". Stampa su carta Hahnemühle. Copia 1/10. Allegato certificato rilasciato dall'artista. Presenta timbro a secco. Firmato e giustificato sul retro. Misure: 30 x 21 cm (macchia): 42 x 29,7 cm (carta fotografica). Beatriz Sanches si è laureata in architettura d'interni all'Unifenas, in Brasile, nel 1996, anno in cui ha seguito anche un corso di fotografia e sviluppo analogico. Ha poi proseguito gli studi con un Master in Arte presso il MDCC college di Miami, in Florida. Nel corso della sua carriera ha lavorato come fotografa freelance e per Lean, Wilson and Assoc, come decoratrice di interni e nella collezione privata di Gladys Palmera come fotografa e ritoccatrice.

Stima 500 - 600 EUR

Lotto 69 - "PACO PEREGRÍN"; PEREGRÍN, Francisco (Almería, 1976). "Bellezza aliena (VI)". Modella Naadia Kloet (Delphoss). Esemplare 1/10. Piccola edizione (limitata a 10 copie + 1AP). Fotografia digitale. Stampa lambda sotto metacrilato su dibond e cornice in alluminio. Allegato certificato rilasciato dall'artista. Bibliografia: "Otherworldly", Theo Mass Lexileictous e Editorial Gestalten, 2016 (Pagina 238); "Avenue Illustrated" Magazine, numero 19, Spagna, 2009 (Pagina 105); "Ozine Magazine", numero di ottobre-novembre 2009 (Pagina 199). Opera firmata e numerata. Dimensioni: 50 x 37 cm. Nella presente opera, ispirata all'estetica aliena, Paco Peregrín ha creato una storia bella, alla moda e "d'avanguardia" tra il futurismo e l'extraterrestre. Mostra una speculazione personale e suggestiva sull'evoluzione dell'identità e sulla trasfigurazione delle caratteristiche umane. Paco Peregrín è un fotografo andaluso, attualmente considerato uno dei maggiori talenti mondiali nel campo della fotografia artistica, editoriale e pubblicitaria, che ha sempre messo in evidenza il suo lato sperimentale in tutti i suoi lavori, caratterizzati dalla forza e dall'incisività. Si è formato a Siviglia, adottando una sensibilità mistica di schemi compositivi e cromatismi ispirati all'arte barocca. È possibile che sia stata la sua esperienza teatrale a dargli la capacità di dirigere i suoi modelli davanti alla macchina fotografica, di sviluppare la sua percezione spaziale e di mostrare il corpo, la presenza e il tempo nelle sue opere. Attualmente vive a Madrid, un dettaglio che, insieme al periodo trascorso in importanti capitali culturali (Londra, New York...), ha aggiunto contemporaneità e freschezza al suo lavoro, che è unico. È inoltre importante sottolineare la sua ampia esperienza nel campo del design, della comunicazione, del teatro e della pittura. Alterna la fotografia di moda per riviste come Vogue, Harper's Bazaar o L'Officiel a lavori commerciali per marchi come Dior, Chanel, Saint Laurent, L'Oréal Paris, Adidas, Nike, Gant, Toyota, Lancôme, Shiseido... con la fotografia d'autore, avendo esposto le sue opere in gallerie di New York, Parigi, Barcellona, Pechino, Madrid, Berlino, Siviglia, San Sebastián, ecc, e in musei e gallerie come il Centro de Arte y Creación Industrial di Madrid, Barcellona, Pechino, Madrid, Berlino, Siviglia, San Sebastián, ecc. e in musei e gallerie come il Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (Siviglia), il Museo de Artes y Costumbres Populares de Sevilla, il Museo Cristóbal Balenciaga (Getaria, Gipuzkoa), il Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona, il Foro Sur, la Sala de exp. del Canal de Isabel II, il Museo Provincial de Cádiz, ecc. Il suo straordinario lavoro è stato premiato con riconoscimenti come il LUX Gold National Professional Photography Prize in Fashion and Beauty (2008). La casa editrice Gestalten (specializzata in arte e architettura) lo ha inserito tra i progetti più importanti e originali nel libro "Otherworldly" e la casa editrice Prestel ha pubblicato il suo lavoro in "New Fashion Photography", dove è uno dei riferimenti più importanti a livello mondiale nella fotografia di moda contemporanea.

Stima 1 400 - 1 600 EUR

Lotto 70 - ORLAN (Saint-Étienne, Francia, 1947). "Sfigurazione-rifigurazione, auto-ibridazione precolombiana" n. 12, 1999. Fotografia. Esemplare 2/7. Umidità e danni alla cornice. Firmata, giustificata e titolata sul retro. Misure: 100 x 100 cm; 104 x 104 cm (cornice). In questa fotografia, Orlan continua a interrogarsi sulle pressioni sociali e culturali esercitate sul corpo e sulla sua rappresentazione nei media. In questo lavoro Orlan ha creato una nuova immagine, combinando letteralmente icone precolombiane e africane con la propria immagine; le ibridazioni risultanti creano una narrazione complessa che sfuma le distinzioni tra tempo e luogo, reale e irreale. Ha creato una nuova immagine per produrre nuove immagini: Self-Hybridizations. L'opera contiene testimonianze di riti tribali del passato e di rituali associati all'abbellimento che, insieme alle sue stesse modifiche attraverso la chirurgia plastica, argomentano su questioni salienti della storia recente come l'identità collettiva, la tragedia e l'esclusività. Le auto-ibridazione fungono anche da ritratti di una potenziale umanità futura, in cui l'incrocio tra esseri umani di diversa provenienza dà origine a nuovi corpi, con identità nomadi e mutanti. La carriera di ORLAN come artista performativo inizia nel 1964, quando si esibisce in Marches au ralenti (passeggiate al rallentatore) nella sua città natale, Saint-Étienne. Durante queste performance, camminava il più lentamente possibile tra due zone centrali della città. Nel 1965 ORLAN realizza MesuRages, in cui utilizza il proprio corpo come strumento di misura. Con il suo "corpo ORLAN" come unità di misura, valuta quante persone possono entrare in un determinato spazio architettonico. È stata la prima volta che ha usato il suo corpo in una performance. ORLAN ha riutilizzato questo concetto in diversi progetti successivi. Tra il 1964 e il 1966, ORLAN ha prodotto Vintages, una serie di opere fotografiche in bianco e nero. Ha distrutto i negativi originali di queste opere e oggi rimane solo una copia di ogni fotografia. In questa serie, l'artista posava nuda in varie posizioni simili a quelle dello yoga. Una delle immagini più famose di questa serie è ORLAN accouche d'elle m'aime.Tra il 1967 e il 1975, ORLAN ha prodotto un corpus di opere intitolato Tableaux Vivants. Si è basato sulle opere di artisti barocchi come El Greco e Gericault. Utilizza i detenuti come modelli, indossa costumi barocchi esagerati e si ispira agli stereotipi caravaggeschi. Nel 1971, ORLAN si "battezza" Sainte-ORLAN, adornandosi di vinile ondulato nero e finta pelle bianca. Fotografie a colori di Sainte-ORLAN sono state successivamente incorporate in foto-collage, video e film che tracciano un'agiografia fittizia. Durante la Fiera Internazionale d'Arte Contemporanea FIAC di Parigi del 1977, ORLAN si esibisce nella controversa performance Il bacio dell'artista (Le baiser de l'artiste). All'esterno del Grand Palais di Parigi, una foto a grandezza naturale del suo busto fu trasformata in una slot machine. Gli spettatori potevano osservare la moneta inserita nel busto che scendeva fino all'inguine prima di ricevere un bacio dall'artista.ORLAN ha fondato il Simposio Internazionale della Performance a Lione. Nel 1982 ha collaborato con l'artista Frédéric Develay per creare la prima rivista d'arte contemporanea online, Art-Accès-Revue, sul precursore francese di Internet, il Minitel. Nel 1990, ORLAN ha dato vita alla Reincarnazione di Sainte-ORLAN. Si tratta di una serie di interventi di chirurgia plastica attraverso i quali l'artista si trasforma in elementi di famosi dipinti e sculture di donne. Come parte del suo manifesto "Carnal Art", queste opere sono state filmate e mostrate in istituzioni di tutto il mondo, come il Centro Georges Pompidou di Parigi e la Sandra Gehring Gallery di New York. L'obiettivo di ORLAN in questi interventi è quello di acquisire l'ideale di bellezza femminile così come viene rappresentato dagli artisti maschi. Quando è compl Presenta umidità e danni nella cornice.

Stima 1 800 - 2 000 EUR

Lotto 71 - Eladio de Mora è uno dei grandi rappresentanti dell'arte contemporanea spagnola. Eladio de Mora ha scoperto la sua vocazione artistica fin da bambino. Artista fondamentalmente autodidatta, sviluppa un lavoro che potrebbe essere collocato a metà strada tra il pop e l'espressionismo. Le sue creazioni sono caratterizzate da tratti semplificati e colori puri, e sono realizzate in materiali come plastica, poliestere e alcune resine. Sotto l'aspetto quasi infantile delle sue opere si nascondono talvolta significati critici; egli confessa di cercare nelle sue opere l'equilibrio tra rigore e sorriso. Tra le sue opere più conosciute ci sono le serie di orsi, anatre, palombari e meningi. Infatti, le sue sculture sono solitamente raggruppate in famiglie, in modo che la ripetizione intensifichi l'impatto. Inoltre, la maggior parte delle sue sculture sono collocate all'aperto, poiché Mora cerca soprattutto un rapporto diretto con il pubblico. All'inizio del XXI secolo ha iniziato a farsi conoscere attraverso mostre collettive e nel 2002 ha tenuto le sue prime mostre personali, sia in Spagna (gallerie Azteca e Séller di Madrid, Espacio Líquido di Gijón) che all'estero (galleria Heyd di Hildritzhausen, Germania). Da allora la sua presenza sarà costante nella scena artistica; continuerà a esporre individualmente, partecipando anche a fiere d'arte e mostre collettive. Negli ultimi anni ha esposto in mostre personali allestite in importanti gallerie e centri d'arte spagnoli e stranieri, tra cui la Galleria Jorge Ontiveros di Madrid, la Galleria Drissien di Monaco di Baviera, il Museo Florencio de la Fuente di Valencia, il Museo d'Arte Contemporanea di Malaga, il Centro d'Arte Juan Ismael di Madrid, il Centro d'Arte Juan Ismael di Madrid, il Centro d'Arte Juan Ismael di Madrid, la Galleria Drissien di Monaco e il Museo Florencio de la Fuente di Valencia, il Centro de Arte Juan Ismael di Fuerteventura, l'Espacio para el Arte Caja Madrid, l'Hotel Urban e il Centro de Arte Moderno sempre a Madrid, l'IVAM di Valencia, il Museo MACAY in Messico, la galleria Los Oficios e il Museo de Bellas Artes a L'Avana, il Museo Arterra di Vienna e la Fundación Antonio Pérez di Cuenca. Ha inoltre partecipato a importanti mostre collettive in Spagna, Messico, Italia, Portogallo e Germania. Va inoltre ricordato l'importante lavoro di Mora come designer di trofei, tra cui il "Women Together" di New York, il "Master Senior Comunidad de Madrid" o il "Protagonistas del motor de El Mundo". Nel corso della sua carriera ha ricevuto i premi "Getafe Ciudad de las Artes" (Madrid, 2005) e "Aura" (Toledo, 2007) e ha realizzato monumenti e installazioni a Madrid, Logroño, L'Avana, Vienna, Gijón, Malaga e Valencia, tra le altre città. Attualmente Mora è presente all'IVAM di Valencia, al Museo Arterra di Vienna, al Museo d'Arte Contemporanea Domus Artium di Salamanca, al Museo d'Arte Vetraria di Alcorcón, al Museo di Belle Arti dell'Avana, al Museo dell'Opera Grafica di San Clemente a Cuenca, alla Fondazione Antonio Pérez, alla Fondazione Antonio Saura e alla Coca-Cola, la Fondazione Coca-Cola, le Fondazioni Antonio Saura e Coca-Cola, i Consigli Provinciali di Cuenca e Guadalajara, diversi comuni di Madrid e Toledo, il Ministero della Cultura e del Turismo della Comunità di Madrid e la Collezione d'Arte Contemporanea di "El Mundo", oltre a molte altre collezioni pubbliche e private.

Stima 1 300 - 1 500 EUR

Lotto 72 - "dEmo"; ELADIO DE MORA (1960, Toledo). "Orso blu in salotto". Fotografia. Presenta lievi danni alla cornice. Misure: 74 x 93 cm; 98 x 117 cm (cornice). Eladio de Mora è uno dei grandi rappresentanti dell'arte contemporanea spagnola. Eladio de Mora scopre la sua vocazione artistica da bambino. Artista fondamentalmente autodidatta, sviluppa un lavoro che potrebbe essere collocato a metà strada tra il pop e l'espressionismo. Le sue creazioni sono caratterizzate da tratti semplificati e colori puri, e sono realizzate in materiali come plastica, poliestere e alcune resine. Sotto l'aspetto quasi infantile delle sue opere si nascondono talvolta significati critici; egli confessa di cercare nelle sue opere l'equilibrio tra rigore e sorriso. Tra le sue opere più conosciute ci sono le serie di orsi, anatre, palombari e meningi. Infatti, le sue sculture sono solitamente raggruppate in famiglie, in modo che la ripetizione intensifichi l'impatto. Inoltre, la maggior parte delle sue sculture sono collocate all'aperto, poiché Mora cerca soprattutto un rapporto diretto con il pubblico. All'inizio del XXI secolo ha iniziato a farsi conoscere attraverso mostre collettive e nel 2002 ha tenuto le sue prime mostre personali, sia in Spagna (gallerie Azteca e Séller di Madrid, Espacio Líquido di Gijón) che all'estero (galleria Heyd di Hildritzhausen, Germania). Da allora la sua presenza sarà costante nella scena artistica; continuerà a esporre individualmente, partecipando anche a fiere d'arte e mostre collettive. Negli ultimi anni ha esposto in mostre personali allestite in importanti gallerie e centri d'arte spagnoli e stranieri, tra cui la Galleria Jorge Ontiveros di Madrid, la Galleria Drissien di Monaco di Baviera, il Museo Florencio de la Fuente di Valencia, il Museo d'Arte Contemporanea di Malaga, il Centro d'Arte Juan Ismael di Madrid, il Centro d'Arte Juan Ismael di Madrid, il Centro d'Arte Juan Ismael di Madrid, la Galleria Drissien di Monaco e il Museo Florencio de la Fuente di Valencia, il Centro de Arte Juan Ismael di Fuerteventura, l'Espacio para el Arte Caja Madrid, l'Hotel Urban e il Centro de Arte Moderno sempre a Madrid, l'IVAM di Valencia, il Museo MACAY in Messico, la galleria Los Oficios e il Museo de Bellas Artes a L'Avana, il Museo Arterra di Vienna e la Fundación Antonio Pérez di Cuenca. Ha inoltre partecipato a importanti mostre collettive in Spagna, Messico, Italia, Portogallo e Germania. Va inoltre ricordato l'importante lavoro di Mora come designer di trofei, tra cui il "Women Together" di New York, il "Master Senior Comunidad de Madrid" o il "Protagonistas del motor de El Mundo". Nel corso della sua carriera ha ricevuto i premi "Getafe Ciudad de las Artes" (Madrid, 2005) e "Aura" (Toledo, 2007) e ha realizzato monumenti e installazioni a Madrid, Logroño, L'Avana, Vienna, Gijón, Malaga e Valencia, tra le altre città. Attualmente Mora è presente all'IVAM di Valencia, al Museo Arterra di Vienna, al Museo d'Arte Contemporanea Domus Artium di Salamanca, al Museo d'Arte Vetraria di Alcorcón, al Museo di Belle Arti dell'Avana, al Museo dell'Opera Grafica di San Clemente a Cuenca, alla Fondazione Antonio Pérez, alla Fondazione Antonio Saura e alla Coca-Cola, la Fondazione Coca-Cola, le Fondazioni Antonio Saura e Coca-Cola, i Consigli Provinciali di Cuenca e Guadalajara, diversi comuni di Madrid e Toledo, il Ministero della Cultura e del Turismo della Comunità di Madrid e la Collezione d'Arte Contemporanea di "El Mundo", oltre a molte altre collezioni pubbliche e private. Lievi danni alla cornice.

Stima 1 000 - 1 200 EUR

Lotto 73 - FRANCIS BACON (Dublino, 1909 - Madrid, 1992). "Tre studi per un autoritratto". Litografia su carta Arches, copia E.A. Firmata e giustificata a mano. Opera acquisita presso la Coskun Gallery di Londra nel 2008. Dimensioni: 52 x 94 cm; 79 x 121 cm (cornice). Francis Bacon è l'autore di alcuni dei dipinti più sorprendenti e inediti dell'arte contemporanea. Il suo stile, ossessivo, tormentato e straziante, è un chiaro documento delle difficoltà vissute in Europa dopo la Seconda Guerra Mondiale. Attualmente le sue opere raggiungono cifre stratosferiche nelle aste internazionali, rendendolo uno degli artisti più ricercati sul mercato dell'arte. Ne è un esempio il trittico "Three Studies by Lucian Freud (1969)", che nel 2013 ha raggiunto il prezzo record di 142 milioni di dollari all'asta pubblica, diventando una delle tre opere più costose della storia. Alcune delle sue opere sono presenti nelle più importanti gallerie d'arte del mondo, come la Tate Britain di Londra (che possiede una delle più ampie collezioni dell'artista), il MET e il Moma di New York, il Museo Thyssen-Bornemisza e il Museo Reina Sofía. "Tre studi per un autoritratto" definisce con enfasi il significato dell'arte di Bacon. Figure scomposte, isolate, inquietanti e spirituali che, lungi dal ricercare una specifica somiglianza con la persona raffigurata, si addentrano nella spiritualità del soggetto. Qui vediamo l'astrazione, la frammentazione e la distorsione del volto del pittore, un aspetto fondamentale nello sviluppo artistico di Bacon, conseguenza degli eventi della vita che hanno reso la sua esistenza una fervida bomba a orologeria in procinto di esplodere. Attraverso le sue opere egli esprime la sua condizione vitale, legata anche al suo lato autodistruttivo, riuscendo così a esprimere solitudine, violenza e degrado. Nato a Dublino, anche se da genitori inglesi, Francis Bacon inizia a dipingere da autodidatta. A soli 17 anni, nel 1927, la galleria Paul Rosemberg aprì le porte al pittore. Lì conobbe l'opera di Pablo Picasso, un artista che avrebbe ammirato per tutta la sua carriera. Come Picasso, altri pittori hanno influenzato il lavoro di Bacon: Velázquez (di cui dipinse la versione di Papa Innocenzo X, producendo almeno 40 "papi") e Nicolas Poussin, la cui "Strage degli Innocenti", ora al Musée Condé, suscitò in lui un'intensa emozione. Nel 1945 espone a Londra, insieme agli artisti inglesi Henry Moore e Graham Sutherland, il dipinto Three Studies for Figures at the Foot of a Crucifixion (1944 circa), un trittico che, secondo lo stesso Bacon, segna il punto di partenza della sua carriera. Nel 1945 Bacon aveva sviluppato un proprio stile inconfondibile. Nel 1949 il Museum of Modern Art di New York (MOMA) acquista un'imponente opera di Bacon intitolata Painting 1946. Nel 1956 fu invitato a rappresentare la Gran Bretagna alla Biennale di Venezia insieme a Ben Nicholson e Lucian Freud. Con il suo lavoro, Bacon decise che il soggetto dei suoi dipinti sarebbe stato sia la vita nella morte che la morte nella vita. Cerca di esprimere la sua condizione vitale, che è anche legata al suo lato autodistruttivo. Michel Leiris gli suggerì che il masochismo, il sadismo e manifestazioni simili erano in realtà solo modi per sentirsi più umani. I ritratti e gli autoritratti costituiscono una parte importante dei dipinti di Bacon, tra cui George Dyer in a Mirror del 1968, un'opera in cui il pittore suggerisce la vulnerabilità e la fragilità dell'io. Bacon realizzava ritratti senza pose presi dal vero, sviluppati a partire da fotografie. Ritrasse i suoi compagni e amici intimi e i personaggi famosi: Peter Lacy, George Dyer e John Edwards, Henrietta Moraes, Isabel Rawsthorne, Muriel Belcher, Lucian Freud, Peter Beard e Michel Leiris, ma anche Hitler, Pio XII e Mick Jagger. Alcune delle sue opere sono presenti nelle più importanti gallerie d'arte del mondo, come la Tate Britain di Londra (che possiede una delle più ampie collezioni dell'artista), il MET e il Moma di New York, il Museo Thyssen-Bornemisza e il Muse.

Stima 20 000 - 25 000 EUR

Lotto 74 - ROBERT MOTHERWELL (Stati Uniti, 1915-Stati Uniti 1991). "Samurai", 1971 Litografia su carta Japan Suzuki. Firmata a mano dall'artista. Etichetta di Brooke Alexander sul retro. Misure: 200 x 160 cm; 216 x 124 cm (cornice). "Samurai" è un paradigma dell'opera di Motherwell: una forma nera aggressiva da cui si irradiano esplosioni e fendenti. È una delle immagini più potenti di Motherwell, che invoca elementi di sessualità nella forma fallica astratta e di violenza attraverso il titolo. Sebbene sia difficile decifrare le tracce di figurazione nell'opera di Motherwell, egli si ispirava e faceva riferimento alla letteratura, alla vita, alla politica. Artista multidisciplinare, si è formato alle università di Stanford e Harvard in filosofia e alla Columbia University in storia e arte, sotto la direzione di Meyer Schapiro. È stato uno dei maggiori rappresentanti dell'espressionismo astratto americano, al cui gruppo di fondatori appartiene insieme a Pollock, Arshile Gorky e Rothko. Si è distinto anche come critico d'arte. Ha scritto numerosi articoli su riviste d'avanguardia e ha curato libri come "Documents of Modern Art" (1944-1961) o "Documents of 20th Century Art" (1971). Membro del comitato editoriale della pubblicazione surrealista "VVVV", l'obiettivo principale di Motherwell era mostrare allo spettatore l'impegno mentale e fisico dell'artista con la tela. Utilizzò la durezza del colore nero come elemento di base; una delle sue tecniche più note consisteva nel diluire la vernice con trementina per creare un effetto ombra. La serie di dipinti nota come "Elegie alla Repubblica Spagnola" (Elegy to the Spanish Republic) è considerata il suo progetto più significativo. Tra le sue numerose esposizioni, ricordiamo la partecipazione alla più importante mostra surrealista negli Stati Uniti organizzata da André Breton, Marcel Duchamp e dal gallerista Sidney Janis presso la Whitelaw Reid Mansion (Manhattan-1942). Anche la mostra tenutasi alla Galleria "Art of this Century" (New York) nel 1943 diretta da Peggy Guggenheim; alla quale partecipò insieme a Jackson Pollock e Baziotes. L'anno successivo il Museum of Modern Art di New York acquistò una sua opera; successivamente fu incluso in diverse mostre presso lo stesso museo. Nel 1980 Robert Motherwell tiene la sua prima mostra in Spagna presso la Fundación Juan March (Madrid). Nel 1986 riceve la Medaglia d'Oro al Merito delle Belle Arti, il più alto riconoscimento culturale spagnolo. Nel 1989, la National Medal of Arts degli Stati Uniti, il Museum of Modern Art di Fort Worth (USA) ospita la più grande collezione di opere di Motherwell. Anche nell'Empire State Plaza (New York) si trovano alcune sue opere. Il Walker Art Center (Minneapolis, USA) possiede una collezione quasi esaustiva di sue stampe. Oltre alla presenza in numerosi musei, collezioni pubbliche e private e nelle più prestigiose gallerie di tutto il mondo.

Stima 25 000 - 30 000 EUR

Lotto 75 - DAMIEN HIRST (Bristol, Regno Unito, 1965). "Kynance Cove" dalla serie "Where the Land Meets the Sea". Stampa giclée laminata su pannello composito di alluminio. Numero di edizione: 296/411. Edizioni Heni, 2023. Numero di catalogo: H13-3. Con informazioni sull'edizione sul retro e firma autografa dell'artista. Misure: 120 x 90 cm. La versione astratta e contemporanea di Kynance Cove, situata sul lato orientale di Mount's Bay, in Cornovaglia (Inghilterra), è protagonista di questa stampa Giclée. Corrisponde alla serie dei "Coast Paintings", i cosiddetti dipinti di "azione astratta" che prendono il nome da località costiere britanniche e che Hirst ha sviluppato mentre dipingeva la sua acclamata serie Cherry Blossoms. Damien Hirst è nato a Bristol il 7 giugno 1965, in un ambiente suburbano economicamente difficile. Non ha mai conosciuto il suo padre biologico e sua madre ha sposato un venditore di automobili, che li ha lasciati quando Hirst aveva 13 anni. La madre, artista dilettante e cristiana devota, si è presa cura di lui, ma a causa dell'abbandono del padre ha dovuto ricevere un'educazione dal basso, che è forse il motivo principale per cui Damien Hirst sostiene che l'arte è senza classi. Si è formato all'Università di Leed, combinando gli studi con un lavoro presso l'obitorio locale, che ha poi abbandonato per trasferirsi a Londra. Durante questo periodo ha lavorato nell'edilizia e si è iscritto a varie scuole d'arte, come la St Martins o la facoltà del Galles. Alla fine viene accettato al Golsdmiths College che, nello stesso periodo e a causa della recessione economica in Inghilterra, era una scuola che attirava studenti brillanti e tutor creativi. Mentre studiava, Hirst si finanziava le spese lavorando a sondaggi telefonici, causa diretta della sua capacità di fingere qualsiasi emozione al telefono. Durante gli studi ha lavorato anche da McDonald's e part-time presso la galleria Anthony D'Ofray, dove ha imparato i meccanismi del mercato dell'arte. Già al secondo anno di studi, Hirst, acquisito il ruolo di artista e curatore, riuscì a realizzare una mostra che avrebbe cambiato il corso dell'arte britannica; si trattava della sua prima personale a soli 26 anni. Quattro anni dopo, nel 1995, ottenne la sua seconda nomination al Turner Prize per Mother and Child. All'età di 32 anni, la Larry Gagosian Gallery gli offrì una grande retrospettiva, dopo la quale dichiarò di non avere più un posto dove esporre, di aver fatto tutto e troppo in fretta. Ben presto i media lo battezzarono con il nome di Hooligan Genius. Sebbene sia diventato milionario all'età di 40 anni, l'ipersensibilità di Hirst è diventata sospetta; avvolto in un'aura di romanticismo, ha fatto sembrare facile rivoluzionare il mondo dell'arte. Damien Hirst ha opere al MoMA di New York, alla Tate Gallery e al Victoria & Albert Museum di Londra, a Palazzo Gras di Venezia, al Kunstmuseum di Wolfsburg (Germania), all'Hirshhorn di Washington D.C. e alla Neu Galerie di Graz (Austria), oltre ad altre importanti collezioni pubbliche e private.

Stima 7 000 - 8 000 EUR

Lotto 76 - JOAN MIRÓ I FERRÀ (Barcellona, 1893 - Palma di Maiorca, 1983). "Miró, Museo d'Arte Moderna del Messico". 1980. Litografia su pergamena Arches, esemplare 2/100. Firmata, dedicata, datata e numerata a matita. Editore: Museo de Arte Moderno de México. Stampatore: Litografías Artística Damià Caus, Barcellona. Riprodotto in Maeght Editeur "Miró Litógrafo VI", p. 148. Misure: 76 x 56 cm; 97 x 77 x 4 cm (cornice). Questa litografia di Miró, limitata a cento esemplari, è stata utilizzata per il manifesto che annunciava la mostra di Joan Miró nel Bosque de Chapultepec nella primavera del 1980, al Museum of Modern Art. Lune, stelle, figure ridotte a pochi tratti di nero spesso che racchiudono al loro interno colori primari... sintetizzano alcune delle costellazioni dell'anima di Joan Miró raccolte in questa immagine. Joan Miró si forma a Barcellona e debutta individualmente nel 1918, presso le Gallerie Dalmau. Nel 1920 si trasferisce a Parigi e conosce Picasso, Raynal, Max Jacob, Tzara e i dadaisti. Lì, sotto l'influenza di poeti e pittori surrealisti, matura il suo stile; cerca di trasporre la poesia surrealista al visivo, basandosi sulla memoria, sulla fantasia e sull'irrazionale. La sua terza mostra a Parigi, nel 1928, è il suo primo grande trionfo: il Museum of Modern Art di New York acquista due delle sue opere. Tornato in Spagna nel 1941, nello stesso anno il museo gli dedica una retrospettiva che sarà la sua definitiva consacrazione internazionale. Nel corso della sua vita ricevette numerosi riconoscimenti, come i Gran Premi della Biennale di Venezia e della Fondazione Guggenheim, il Premio Carnegie per la Pittura, le Medaglie d'Oro della Generalitat de Catalunya e delle Belle Arti, e fu nominato Dottore Honoris Causa dalle università di Harvard e Barcellona. Attualmente le sue opere sono esposte alla Fondazione Joan Miró di Barcellona, al Museo Thyssen-Bornemisza, al MoMA di New York, al Museo Reina Sofía di Madrid, alla National Gallery di Washington, al MNAM di Parigi e alla Albright-Knox Art Gallery di Buffalo.

Stima 5 000 - 6 000 EUR

Lotto 77 - ANTONI TÀPIES PUIG (Barcellona, 1923 - 2012). "El cap", 1987. Incisione, copia HC 11/15. Firmata e giustificata a matita. Misure: 98 x 130 cm.(stampa); 135 x 168 cm.(cornice). In "El Cap" convergono alcune delle ricerche plastiche di Tàpies degli anni Ottanta: la numerologia e l'alchimia (la progressione e la sequenza codificate nei numeri 1,2,3,4), la croce greca (con il suo senso spirituale al di là del dogma cristiano, aggiunto all'idea di intersezione e di identità personale) e l'enfasi sullo zero come simbolo di vuoto e di pieno, di ciclo e di eternità, cioè di coniugazione degli opposti. Infine, la calligrafia a tratti neri sfida la leggibilità per enfatizzare la consistenza e l'enigma del testo. Cofondatore di "Dau al Set" nel 1948, Tàpies inizia a esporre nei Salones de Octubre di Barcellona e nel Salón de los Once di Madrid nel 1949. Dopo la prima mostra personale alle Gallerie Layetanas, nel 1950 si reca a Parigi con una borsa di studio dell'Istituto Francese. Nel 1953 tiene una mostra personale alla galleria newyorkese di Martha Jackson. Da quel momento in poi, le sue mostre, sia collettive che individuali, si tengono in tutto il mondo, in gallerie di spicco e in musei come il Guggenheim di New York o il Museo d'Arte Moderna di Parigi. A partire dagli anni Settanta gli sono state dedicate antologie a Tokyo, New York, Roma, Amsterdam, Madrid, Venezia, Milano, Vienna e Bruxelles. Autodidatta, Tàpies ha creato un proprio stile nell'ambito dell'arte d'avanguardia del XX secolo, combinando tradizione e innovazione in uno stile astratto ma ricco di simbolismo, dando grande importanza al substrato materiale dell'opera. Vale la pena menzionare il marcato senso spirituale dato dall'artista al suo lavoro, dove il supporto materiale trascende il suo stato per significare una profonda analisi della condizione umana. L'opera di Tàpies è stata molto apprezzata a livello internazionale ed è stata esposta nei più prestigiosi musei del mondo. Nel corso della sua carriera ha ricevuto numerosi premi e riconoscimenti, tra cui il Praemium Imperiale del Giappone, il Premio Nazionale della Cultura, il Gran Premio per la Pittura in Francia, la Fondazione Wolf per le Arti (1981), la Medaglia d'Oro della Generalitat de Catalunya (1983), il Premio Principe delle Asturie per le Arti (1990), la Medaglia Picasso dell'Unesco (1993) e il Premio Velázquez per le Arti Plastiche (2003). Antoni Tàpies è rappresentato nei principali musei del mondo, come la fondazione che porta il suo nome a Barcellona, il Reina Sofía di Madrid, il Guggenheim di Berlino, Bilbao e New York, il Fukoka Art Museum in Giappone, il MoMA di New York e la Tate Gallery di Londra.

Stima 7 000 - 9 000 EUR

Lotto 78 - JAUME PLENSA (Barcellona, 1955). "Meravigliosa la conversazione che non abbiamo". Litografia su lastra di zinco e acquaforte polimerica su carta giapponese Arakaji. Esemplare E.A. Firmata e giustificata. Misure: 77 x 50 cm. Jaume Plensa ha studiato alla Scuola di La Llotja e alla Scuola Superiore di Belle Arti di Sant Jordi, entrambe a Barcellona. Si è distinto nella scultura, nel disegno e nell'incisione. Il suo lavoro si concentra sulla relazione tra l'uomo e il suo ambiente, spesso mettendo in discussione il ruolo dell'arte nella società e la posizione dell'artista. Attualmente vive a Parigi e di recente gli è stata conferita una laurea honoris causa dalla School of the Art Institute di Chicago. Plensa ha iniziato la sua carriera lavorando con ferro battuto mescolato con poliestere. Tra il 1983 e il 1984 ha iniziato a modellare il ferro con la tecnica della fusione e ha sviluppato un concetto scultoreo basato su elementi zoomorfi. Il suo lavoro si è evoluto gradualmente e oggi è considerato un precursore del neo-espressionismo spagnolo. Negli anni Novanta introduce modifiche nel suo lavoro, sia dal punto di vista materiale che formale, e inizia a utilizzare materiali diversi come rottami metallici, poliestere e resine. In questi anni elabora serie di muri, porte e costruzioni architettoniche, cercando di dare allo spazio un protagonismo assoluto. Tra il 1999 e il 2003 Plensa diventa uno dei pilastri della scenografia mondiale, reinterpretando con "La Fura dels Baus" quattro opere classiche di Falla, Debussy, Berlioz e Mozart, e da solo una produzione teatrale contemporanea, "La pareti della solitudine", di Ben Jelloun. Ha tenuto mostre personali e collettive in tutto il mondo, tra cui una retrospettiva al Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía nel 2000. Nel giugno 2008 ha inaugurato a Londra, presso la sede della BBC, la sua opera "Breathing", un monumento dedicato ai giornalisti uccisi nell'esercizio della loro professione. Nel corso della sua carriera ha ricevuto numerose onorificenze, come la Medaglia dei Cavalieri delle Arti e delle Lettere nel 1993, conferita dal Ministero della Cultura francese, o il Premio Nazionale per le Arti Plastiche nel 1997, conferito dalla Generalitat della Catalogna. Considerato uno dei maggiori rappresentanti della nuova arte spagnola di tendenza espressionista, le sue opere sono presenti nelle migliori gallerie e fiere d'arte nazionali e internazionali, oltre che nei principali musei d'Europa e degli Stati Uniti, come il MOMA di New York, il Kemper di Kansas, il Museo Patio Herreriano di Valladolid, il Palazzo Forti di Verona, il MACBA o il Museo Reina Sofía di Madrid.

Stima 1 500 - 1 800 EUR

Lotto 79 - JAUME PLENSA (Barcellona, 1955). "Arcano", 2015. Litografia e acquaforte su carta Somerset, Firmato e datato a mano. Misure: 70 x 50 cm.(stampa); 86 x 65 cm.(carta). Jaume Plensa ha studiato alla Scuola di La Llotja e alla Scuola Superiore di Belle Arti di Sant Jordi, entrambe a Barcellona. Si è distinto per la scultura, il disegno e l'incisione. Il suo lavoro si concentra sul rapporto tra l'uomo e il suo ambiente, spesso mettendo in discussione il ruolo dell'arte nella società e la posizione dell'artista. Attualmente vive a Parigi e di recente gli è stata conferita una laurea honoris causa dalla School of the Art Institute di Chicago. Plensa ha iniziato la sua carriera lavorando con ferro battuto mescolato con poliestere. Tra il 1983 e il 1984 ha iniziato a modellare il ferro con la tecnica della fusione e ha sviluppato un concetto scultoreo basato su elementi zoomorfi. Il suo lavoro si è evoluto gradualmente e oggi è considerato un precursore del neo-espressionismo spagnolo. Negli anni Novanta introduce modifiche nel suo lavoro, sia dal punto di vista materiale che formale, e inizia a utilizzare materiali diversi come rottami metallici, poliestere e resine. In questi anni elabora serie di muri, porte e costruzioni architettoniche, cercando di dare allo spazio un protagonismo assoluto. Tra il 1999 e il 2003 Plensa diventa uno dei pilastri della scenografia mondiale, reinterpretando con "La Fura dels Baus" quattro opere classiche di Falla, Debussy, Berlioz e Mozart, e da solo una produzione teatrale contemporanea, "La pareti della solitudine", di Ben Jelloun. Ha tenuto mostre personali e collettive in tutto il mondo, tra cui una retrospettiva al Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía nel 2000. Nel giugno 2008 ha inaugurato a Londra, presso la sede della BBC, la sua opera "Breathing", un monumento dedicato ai giornalisti uccisi nell'esercizio della loro professione. Nel corso della sua carriera ha ricevuto numerose onorificenze, come la Medaglia dei Cavalieri delle Arti e delle Lettere nel 1993, conferita dal Ministero della Cultura francese, o il Premio Nazionale per le Arti Plastiche nel 1997, conferito dalla Generalitat della Catalogna. Considerato uno dei maggiori rappresentanti della nuova arte spagnola di tendenza espressionista, le sue opere sono presenti nelle migliori gallerie e fiere d'arte nazionali e internazionali, oltre che nei principali musei d'Europa e degli Stati Uniti, come il MOMA di New York, il Kemper di Kansas, il Museo Patio Herreriano di Valladolid, il Palazzo Forti di Verona, il MACBA o il Museo Reina Sofía di Madrid.

Stima 1 500 - 2 000 EUR

Lotto 80 - JAUME PLENSA (Barcellona, 1955). Senza titolo, 1980 circa Acquaforte, copia P.A. Firmata e giustificata a matita. Misure: 57 x 28 cm (stampa); 67 x 51,5 cm (carta); 78 x 62 cm (cornice). Jaume Plensa ha studiato alla Scuola di La Llotja e alla Scuola Superiore di Belle Arti di Sant Jordi, entrambe a Barcellona. Si è distinto per la scultura, il disegno e l'incisione. Il suo lavoro si concentra sulla relazione tra l'uomo e il suo ambiente, spesso mettendo in discussione il ruolo dell'arte nella società e la posizione dell'artista. Attualmente vive a Parigi e di recente gli è stata conferita una laurea honoris causa dalla School of the Art Institute di Chicago. Plensa ha iniziato la sua carriera lavorando con ferro battuto mescolato con poliestere. Tra il 1983 e il 1984 ha iniziato a modellare il ferro con la tecnica della fusione e ha sviluppato un concetto scultoreo basato su elementi zoomorfi. Il suo lavoro si è evoluto gradualmente e oggi è considerato un precursore del neo-espressionismo spagnolo. Negli anni Novanta introduce modifiche nel suo lavoro, sia dal punto di vista materiale che formale, e inizia a utilizzare materiali diversi come rottami metallici, poliestere e resine. In questi anni elabora serie di muri, porte e costruzioni architettoniche, cercando di dare allo spazio un protagonismo assoluto. Tra il 1999 e il 2003 Plensa diventa uno dei pilastri della scenografia mondiale, reinterpretando con "La Fura dels Baus" quattro opere classiche di Falla, Debussy, Berlioz e Mozart, e da solo una produzione teatrale contemporanea, "La pareti della solitudine", di Ben Jelloun. Ha tenuto mostre personali e collettive in tutto il mondo, tra cui una retrospettiva al Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía nel 2000. Nel giugno 2008 ha inaugurato a Londra, presso la sede della BBC, la sua opera "Breathing", un monumento dedicato ai giornalisti uccisi nell'esercizio della loro professione. Nel corso della sua carriera ha ricevuto numerose onorificenze, come la Medaglia dei Cavalieri delle Arti e delle Lettere nel 1993, conferita dal Ministero della Cultura francese, o il Premio Nazionale per le Arti Plastiche nel 1997, conferito dalla Generalitat della Catalogna. Considerato uno dei maggiori rappresentanti della nuova arte spagnola di tendenza espressionista, le sue opere sono presenti nelle migliori gallerie e fiere d'arte nazionali e internazionali, oltre che nei principali musei d'Europa e degli Stati Uniti, come il MOMA di New York, il Kemper di Kansas, il Museo Patio Herreriano di Valladolid, il Palazzo Forti di Verona, il MACBA o il Museo Reina Sofía di Madrid.

Stima 1 500 - 2 000 EUR

Lotto 81 - JAUME PLENSA (Barcellona, 1955). "Carl Orff", 1980 ca. Incisione a rilievo su carta giapponese, copia 13/50. Firmata e giustificata a matita. Misure: 97 x 61 cm (stampa); 113 x 77 cm (cornice). Jaume Plensa ha studiato alla Scuola di La Llotja e alla Scuola Superiore di Belle Arti di Sant Jordi, entrambe a Barcellona. Si è distinto nella scultura, nel disegno e nell'incisione. Il suo lavoro si concentra sul rapporto tra l'uomo e il suo ambiente, spesso mettendo in discussione il ruolo dell'arte nella società e la posizione dell'artista. Attualmente vive a Parigi e di recente gli è stata conferita una laurea honoris causa dalla School of the Art Institute di Chicago. Plensa ha iniziato la sua carriera lavorando con ferro battuto mescolato con poliestere. Tra il 1983 e il 1984 ha iniziato a modellare il ferro con la tecnica della fusione e ha sviluppato un concetto scultoreo basato su elementi zoomorfi. Il suo lavoro si è evoluto gradualmente e oggi è considerato un precursore del neo-espressionismo spagnolo. Negli anni Novanta introduce modifiche nel suo lavoro, sia dal punto di vista materiale che formale, e inizia a utilizzare materiali diversi come rottami metallici, poliestere e resine. In questi anni elabora serie di muri, porte e costruzioni architettoniche, cercando di dare allo spazio un protagonismo assoluto. Tra il 1999 e il 2003 Plensa diventa uno dei pilastri della scenografia mondiale, reinterpretando con "La Fura dels Baus" quattro opere classiche di Falla, Debussy, Berlioz e Mozart, e da solo una produzione teatrale contemporanea, "La pareti della solitudine", di Ben Jelloun. Ha tenuto mostre personali e collettive in tutto il mondo, tra cui una retrospettiva al Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía nel 2000. Nel giugno 2008 ha inaugurato a Londra, presso la sede della BBC, la sua opera "Breathing", un monumento dedicato ai giornalisti uccisi nell'esercizio della loro professione. Nel corso della sua carriera ha ricevuto numerosi riconoscimenti, come la Medaglia dei Cavalieri delle Arti e delle Lettere nel 1993, conferita dal Ministero della Cultura francese, o il Premio Nazionale per le Arti Plastiche nel 1997, dalla Generalitat della Catalogna. Considerato uno dei principali rappresentanti della nuova arte spagnola di tendenza espressionista, le sue opere sono presenti nelle migliori gallerie e fiere d'arte nazionali e internazionali, oltre che nei principali musei d'Europa e degli Stati Uniti, come il MOMA di New York, il Kemper di Kansas, il Museo Patio Herreriano di Valladolid, il Palazzo Forti di Verona, il MACBA o il Museo Reina Sofía di Madrid.

Stima 2 000 - 2 500 EUR

29 luglio - Fotografie iconiche e opere grafiche

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