DROUOT
giovedì 30 mag a : 18:00 (CEST)

TENTAZIONE°2

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Salle 9 - Hôtel Drouot - 9, rue Drouot 75009 Paris, Francia
Exposition des lots
mardi 28 mai - 11:00/18:00, Salle 9 - Hôtel Drouot
mercredi 29 mai - 11:00/18:00, Salle 9 - Hôtel Drouot
jeudi 30 mai - 11:00/16:00, Salle 9 - Hôtel Drouot
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15 risultati

Lotto 2 - SET DI CORNIOLE DI GRANDI DIMENSIONI Sumer Civiltà dell'Indo, circa 2300-2000 a.C. Corniola, infilatura di 163 perline tubolari biconiche, legno moderno e infilatura Schegge ed erosione visibili L. circa 84 cm e 52 cm - L. circa 10,2 cm e 5,5 cm Provenienza : - Ex collezione della signora Silvana Bernhard Rüschlikon, Svizzera, acquistata nel 1989. Pubblicazione : - Identità, bellezza, rango e prestigio, Collane dalla Sumeria alle Hawai, Parcours des Mondes, Parigi 2005 Bibliografia : - A. Benoit. Les Civilisations du Proche Orient ancien, Manuels de l'Ecole du Louvre, Parigi 2003. - A. Ardeleanu-Jansen. Vergessene Städte am Indus, Frühe Kulturen in Pakistan, Phillip von Zabern, Mainz 1987 - M.-L. Inizan. "Importation de cornalines et agates de l'Indus en Mésopotamie, le cas de Suse et Tello", in Cornaline de l'Inde. Des pratiques techniques de Cambay aux techno-systèmes de l'Indus, V. Roux (a cura di), MSH, Parigi 2000. - M.-L. Inizan. "Cornaline et agates: production et circulation de la préhistoire à nos jours", Catalogo della mostra Les pierres précieuses de l'Orient ancien, Musée du Louvre, département des antiquités orientales, RMN Paris 1995. - F. Tallon. "Les bijoux", Catalogo della mostra Les pierres précieuses de l'Orient ancien, Musée du Louvre, département des antiquités orientales, RMN Paris 1995 - V. Roux. "Le travail des lapidaires. Laboratorio di Khambhat (Cambay): passato e presente". - P. Amiet. L'Age des échanges inter-iraniens, Parigi 1986. - P. Amiet. AO 17751, Catalogo della mostra Les Cités oubliées de l'Indus, Musée Guimet, Paris 1988 - J. Reade. Early etched Beads and the Indus-Mesopotamian Trade, British Museum Occasional Papers, Londra 1979. - P.R.S. Moorey. Ancient Mesopotamian Materials and Industries: The Archaeological Evidence, Eisenbrauns, Indiana 1999 - R. L. Zettler e L. Horne. Tesori delle tombe reali di Ur, Università di Pensilvania 1998 Un'importante serie composta da 163 perline tubolari biconiche di corniola infilate in due collane separate. Ogni perlina ha una lunghezza impressionante (tra i 5,5 e i 9 cm per la collana grande e tra i 4,8 e i 7,8 cm per quella piccola) ed è stata accuratamente forata su entrambi i lati. In Mesopotamia o in Iran sono state rinvenute pochissime collane di queste grandi perle biconiche e alcune perle singole. Si trattava di oggetti di grande lusso, singoli doni di perle molto preziosi a persone di alto rango, di cui i gioielli delle "tombe reali" di Ur sono la testimonianza più magnifica. Tra le prime grandi civiltà, quelle dell'antico Egitto e della Mesopotamia hanno sempre suscitato grande curiosità, in parte per la loro vicinanza geografica ai primi centri di ricerca in Europa, in parte perché si sono rivelate la culla della nostra civiltà occidentale. La civiltà della Valle dell'Indo è una di quelle grandi culture che si è imposta all'attenzione dei ricercatori solo relativamente tardi. Nonostante siano già state fatte singole scoperte, il collegamento è stato stabilito solo a partire dagli anni Venti. In termini di valutazione cronologica approssimativa, è stato vantaggioso che la ricerca sulla civiltà mesopotamica fosse già ben avanzata a quell'epoca. I manufatti rinvenuti durante gli scavi in Mesopotamia potevano essere attribuiti alla civiltà dell'Indo, consentendo di datarli. Gli scavi in Mesopotamia hanno portato alla luce soprattutto piccoli oggetti di origine individuale: sigilli che, oltre a figure insolite per la Mesopotamia, includevano caratteri della scrittura cuneiforme dell'Indo, e grandi perle di corniola generalmente decorate con linee bianche incise. Questa tecnica di decorazione, sconosciuta in Mesopotamia, era presente anche nell'India precedente. Poco più tardi, durante gli scavi nella regione dell'Indo, furono rinvenute anche perline decorate in questo modo. Questo tipo di corniola è stato rinvenuto nelle tombe del "cimitero reale" di Ur, dove sono presenti numerose testimonianze di relazioni con l'estero, oltre a un gran numero di perline, intarsi e piccole opere d'arte in lapislazzuli, una pietra semipreziosa importata dalla regione del Baluchistan, nell'attuale Afghanistan. "La corniola era utilizzata per realizzare ornamenti già nel VI millennio a.C.. Divenne un segno esteriore di ricchezza durante il periodo dell'urbanizzazione, in una società che sviluppò il gusto per il lusso e l'ostentazione, diventando più gerarchica. Dal 2600 a.C. in poi, è stata spesso associata all'oro e al lapislazzuli. La corniola appartiene alla famiglia dei calcedoni, le cui formazioni più grandi si trovano in India. Veniva utilizzata principalmente per la produzione di perle.

Stima 40 000 - 60 000 EUR

Lotto 3 - Raro busto di Vaikuntha Kamalaja Vaikuntṇṭha Kamalajaājā India, circa XI-XII secolo Pietra arenaria H. 67 - L. 60 cm Danni visibili e pezzi mancanti. A causa dello spessore e del peso, il retro della stele è stato assottigliato. Sono visibili vecchi restauri. Provenienza : - Ex collezione italiana - Vendita Cornette de Saint Cyr (Parigi-Hôtel Drouot) il 20 giugno 1999, lotto n. 35. - Collezione privata francese Raro e importante busto raffigurante una divinità davanti a un trono classico scolpito con un fiore di loto sbocciato che forma un nimbo dietro la testa. che forma un nimbo dietro la testa. Il lato destro del rivestimento, ancora parzialmente visibile, presenta la classica sovrapposizione di fiori di loto in fiore presenta la classica sovrapposizione di animali fantastici in forme sincretiche, vyāla (grifone/leone cornuto) e makara (mostro acquatico cornuto con proboscide di elefante, mascella di coccodrillo e coda di pesce). Una coppia divinità celesti appoggiate alle nuvole e con ghirlande in mano incorniciano il nimbo. La particolarità di questa scultura sta nella divisione dell'acconciatura in due metà uguali, trattate in modo diverso lungo un asse verticale. trattate in modo diverso lungo un asse verticale. Nel mondo indiano questo tipo di iconografia, che combina due divinità in una sola, si applica essenzialmente alle divinità in una sola, si applica essenzialmente a tre rappresentazioni principali. - Harihara: conosciuto anche con l'epiteto Śaṅkaranārāyaṇa è una divinità che combina un aspetto di Shiva (Śiva) sulla metà destra del corpo e uno di Vishnu (Viṣṇu) sulla metà sinistra. Questa particolare iconografia simboleggia l'unità delle due divinità come semplici sfaccettature dello stesso Dio supremo, l'unico Brahman senza forma. l'unico Brahman senza forma. - Ardhanarishvara: (Ardhanārīśvara) epiteto di Shiva quando è raffigurato nella sua forma androgina (ardhanaru), che consiste in Shiva sul lato destro e Parvati (Pārvatī) sul lato sinistro dello stesso corpo. La divinità così creata incarna un simbolo dell'ambivalenza della natura divina, sia maschile che femminile, pur non essendo né maschile né femminile. Non è né maschio né femmina, poiché è all'origine di tutta la creazione, trascendendo le distinzioni di genere. Tra i molti testi sull'argomento, il Manusmṛti.(1,32.) enuncia chiaramente il principio: "Divise il suo corpo in due metà, una era maschile e l'altra femminile. Il maschio in questa femmina procreò l'universo". - Vaikuntha Kamalaja: (Vaikuṇṭha Kamalājā) conosciuto anche con altri nomi come Lakshminarayana (Lakṣmīnārāyaṇa) forma androgina di Vishnu composta da Vishnu sul lato destro e da Lakshmi (Lakṣmī) sul lato lato sinistro dello stesso corpo. La presenza di una ruota (Sudarśanacakra) tenuta dalla mano superiore della divinità raffigurata sul lato destro di questo busto indica che si tratta di un aspetto di Vishnu, di cui è uno dei quattro attributi principali. associato alla ruota del tempo e a un'arma distruttiva. Il posizionamento di Vishnu sul lato destro del corpo indica che si tratta di una rara rappresentazione di Vaikuntha Kamalaja, e che di conseguenza il lato sinistro del volto dai capelli ricci deve rappresentare Lakshmi. Lakshmi. Il concetto di Vaikuntha Kamalaja deriva chiaramente da Ardhanarishvara, la popolare forma androgina di Shiva e della sua controparte femminile. Shiva e dalla sua controparte femminile Parvati. Entrambi sono associati alla rappresentazione simbolica dell'unità o della non dualità dei principi maschili e femminili dell'universo. Le origini leggendarie di questa forma non sembrano essere state trovate nella letteratura indù fino ad oggi, e viene menzionata solo in alcuni rari testi tantrici e iconografici. Questi ultimi testi permettono di creare un consenso tra gli studiosi, secondo i quali la creazione del culto e dell'iconografia di Vaikuntha Kamalaja di Vaikuntha Kamalaja avrebbe avuto origine in Kashmir intorno al X secolo, il che è interessante in quanto questa regione aveva già in quanto in questa regione esisteva già un patrocinio reale di Vishnu nella forma del Vaikuntha Chaturmurti (Vaikuṇṭhacaturmūrti), un'altra rara forma con quattro volti, tra cui uno di leone, uno di cinghiale e uno di demone. e uno di demone. Il culto di Vaikuntha Kamalaja non sembra essersi diffuso molto e oggi è attestato solo in alcuni rarissimi santuari. solo in una manciata di santuari sparsi nell'India settentrionale, dal Kashmir all'Odisha (ex Orissa). Tuttavia, secondo lo Shilparatna (Śilparatna, un testo del XVI secolo), immagini di questo tipo sono state sono state attestate nell'India meridionale, più precisamente nel Kerala. Oggi sembra essere più viva in Nepal, dove si pensa sia stato introdotto all'inizio del XIII secolo e dove è stato trovato il maggior numero di rappresentazioni. Sono state trovate delle rappresentazioni. L'acconciatura a riccioli sul lato sinistro di questo raro busto deve quindi essere associata a Lakhsmi, mentre le ciocche verticali a destra devono essere associate a Vhkhsmi. a destra devono essere associate a Vishnu. Può sembrare sorprendente che la testa

Stima 12 000 - 18 000 EUR

Lotto 4 - SUJI-BACHI KABUTO GIAPPONE, scuola Haruta - Primo periodo EDO (1603 - 1868), XVII secolo Sujibachi kabuto con trentadue stecche di ferro laccato nero di forma akodanari, decorate con wakidate in legno laccato oro che rappresentano cime di nuvole buddiste, il tehen kanamono in rame dorato a forma di crisantemi (kiku). Hineno-jikoro con quattro strisce blu allacciate. Senza maedate H. 58 cm - L. 32 cm - P. 33 cm Bibliografia : - Kei Kaneda Chappelear, Japanese Armor Makers for the Samurai, Tokyo, Miyoshi Printing Co, 1987, pp. 190-191. La scuola Haruta è una delle più antiche scuole di armaioli del Giappone. È tradizionalmente considerata la prima scuola ad aver firmato i propri lavori. Sebbene la sua data di origine sia sconosciuta, la scuola Haruta era ben consolidata alla fine del periodo Muromachi e raggiunse il suo apice nel 1732, quando Haruta Harima fu nominato armaiolo ufficiale dello shogunato. La scuola Haruta è famosa per i suoi elmi di tipo Akodanari, riconoscibili per la loro forma arrotondata, più evidente nella parte posteriore dell'elmo. Questa forma di transizione era particolarmente popolare a metà del periodo Muromachi. Nel XVII secolo, il clan Haruta fu costretto a rinforzare questi elmi, ritenuti meno efficaci contro le armi da fuoco che stavano ormai prendendo piede sul campo di battaglia. Una parte della scuola decise di andare in esilio nella provincia di Kii per imparare nuove tecniche dal clan Saiga, rinomato per la sua solida forgiatura. Svilupparono elmi akodanari più pesanti e adatti alle nuove tecniche di combattimento. Questa forma di wakidate è estremamente rara ed è una rappresentazione stilizzata della parte superiore di una nuvola buddista talvolta raffigurata sopra il Monte Fuji. Una delle sue rappresentazioni più famose si trova sul retro di un jinbaori del clan Hori (XVII secolo) nelle collezioni del Museo del Castello di Osaka, una copia del quale si trova al Metropolitan Museum di New York.

Stima 10 000 - 12 000 EUR

Lotto 5 - Hubert ROBERT (1733 - 1808) - Rovine architettoniche e figure Oli su tela, una coppia Uno firmato, nel piedistallo del vaso 77 x 92 cm Presentati in belle cornici in legno dorato del primo Ottocento, decorate con perle, foglie d'acqua e foglie d'acanto. Sul retro di ciascun dipinto, nella parte superiore del telaio verticale, annotazioni a inchiostro, probabilmente della fine del XVIII secolo: "n°6569 bis". Provenienza: - Forse collezione di Jean-Antoine Hubert Vassal (1741-1782), noto come Vassal de Saint-Hubert, fermier-général e maître d'hôtel ordinaire di Monsieur, fratello del Re, a Parigi. - Forse la coppia menzionata al n. 63 della sua vendita immobiliare, il 24 aprile 1783, presso Me Brusley, Parigi: due quadri architettonici con rovine, e un certo numero di figure. Questi due pezzi sono molto decorati e di buona qualità: sono su tela e sono ciascuno alto 2 piedi e 3 pollici e largo 2 piedi e 9 pollici e 6 linee. - Forse acquistati da Nikolai Nikititch Demidoff (1773-1828) e da sua moglie Elizaveta Aleksandrovna Stroganova (1779-1818) durante il loro soggiorno a Parigi prima del 1812. - Forse ereditato dalla pronipote Aurore Demidoff (1873-1904), moglie di Arsène Karageorgevitch (1859-1938), principe di Jugoslavia. - Collezione del principe Paul Karageogevitch (1893-1976), reggente di Jugoslavia, figlio del suddetto, e di sua moglie, la principessa Olga (1903-1997), nata von Schleswig-Holstein-Sonderburg-Glucksburg, ("di Grecia"). - Acquistato direttamente da loro da un amico intimo, un diplomatico greco di stanza in Francia, nel 1975. - Poi per discendenza fino ad oggi Fonti documentarie : - Catalogue de tableaux, dessins & estampes (...), après le décès de M. Vassal de Saint-Hubert (...) le jeudi 24 avril 1783 (...) à l'ancien hôtel de Bullion, Paris, sn, 1783 - Pierre de Nolhac, Hubert Robert, Parigi, Goupil, 1910 - Catalogo ragionato delle tavole che compongono la collezione del conte A. de Stroganoff, San Pietroburgo, Imprimeria Impériale, 1800 - Louis Réau, Catalogue de l'œuvre d'Hubert Robert en Russie in Bulletin de la Société de l'Histoire de l'Art Français, Paris, Édouard Champion, 1913 - Anatole Demidoff, Principe di Dan Donato (1812-70), cat. exp. Londra, Collezione Wallace, 1994 - Lucia Tonini (a cura di), I Demidoff a Firenze e in Toscana: atti del Convegno, 14-15 giugno 1991, Firenze, Olschki, 1996 - Hubert Robert et Saint-Pétersbourg, (1733-1808): les commandes de la famille impériale et des princes russes entre 1773 et 1802, cat. exp., Paris, Réunion des musées nationaux; Ville de Valence: Musée de Valence, 1999 - Gli Stroganoff, una dinastia di mecenati, cat. exp. Parigi, Museo Carnavalet, 2002 - Sarah Catala (dir.), Hubert Robert: De Rome à Paris, cat. exp., Parigi, Galerie Coatalem, 2021 Realizzata in una vena stilistica che ricorda il grande debito di Hubert Robert nei confronti di Gian Paolo Panini, la nostra coppia di Rovine di architettura è un superbo esempio del gusto anticomantico che all'epoca era particolarmente in voga tra la clientela russa del pittore. Qui Robert presenta un esempio armonioso e molto caratteristico dei suoi intrecci architettonici. Per uno: una fontana, un circo e un vaso monumentale, molto simile nella forma non solo al vaso Schouvaloff inciso da Piranesi1 ma anche al vaso Borghese2. Per la sua controparte: resti del colonnato del Tempio di Giove, nonché un frammento del rilievo di un monumento onorario raffigurante Marco Aurelio come Pontifex Maximus, che sacrifica a Giove Capitolino3 , il cui bassorilievo era un tempo visibile nella Chiesa dei Santi Luca e Martina (ill. 2). 1. G.B. Piranesi, Vasi, candelabri, cippi, sarcofagi, tripodi, lvcerne ed ornamenti antichi..., Roma, sn, 1778, vol.2, tav. XII 2. Parigi, Musée du Louvre, inv. MR 985 3. Roma, Musei Capitolini, inv. MC0807 L'amicizia con Madame Geoffrin, scrittrice dell'imperatrice Caterina II, permise a Robert di attirare l'attenzione dei committenti russi fin dai primi anni Settanta del XVII secolo, quando il conte Alexandre Sergevitch Stroganoff (1733-1811) gli commissionò cinque piccoli paesaggi ovali che fecero grande impressione al Salon del 1773. Nello stesso anno, Stroganoff ne presentò due4 all'imperatrice Caterina (i primi due dipinti dell'artista a raggiungere le rive della Neva) e gli commissionò una nuova suite di sei composizioni monumentali per il suo palazzo di San Pietroburgo5. Questo fu il punto di partenza di un sincero rapporto di amicizia tra i due uomini, che frequentavano le stesse due logge massoniche6 , e l'accesso a una nuova clientela facoltosa per il pittore. Nel 1780, la collezione Stroganoff fu spedita dalla Francia a San Pietroburgo a bordo della nave olandese "L'Expédition" e il pubblico russo ne fu entusiasta.

Stima 100 000 - 150 000 EUR

Lotto 6 - Spada da battaglia Firmata alla Manifattura di Versailles, opera di Nicolas BOUTET. Attribuita al Grand'Ammiraglio di Francia Joachim MURAT. Francia. Primo Impero, Versailles circa 1805. L. 93,5 cm Provenienza : - Famiglia tedesca dei dintorni di Kassel fino al 2006 - Collezione Horst Gries, antiquario di mobili e oggetti d'arte, Schwalmstadt (Kassel), Eredi di Horst Gries 2006-2008 - Collezione privata (2008-2024) La struttura è in acciaio azzurrato e dorato. L'elsa ha due lame: un ramo principale e un ramo secondario. Il ramo principale è in bronzo dorato a forma di palma, trattenuto alla base da una ghiera d'oro. Nella parte superiore, è collegato al pomo da un pezzo di acciaio azzurrato a forma di foglie d'acqua (vicino al pomo) che termina in un capitello rotondo che copre la testa della palma con un bordo sporgente dorato; questo capitello è decorato con la testa del dio Marte, con un elmo cinto di alloro, ed è in bronzo dorato. Il tralcio secondario è attaccato alla parte superiore del ramo principale. Rappresenta una palma che si avvolge su se stessa, dalla quale emerge un'idra a quattro teste con corpi ondulati e arrotolati che formano un cesto; due dei corpi sono azzurrati mentre gli altri due sono dorati; le quattro teste smorfiose sono applicate in oro cesellato. Una sputa il tridente di Nettuno e punta verso il basso. Un'altra sta mordendo il bordo superiore dello scudo centrale, che reca un'applicazione dorata della testa di Apollo, cinta da una grande corona d'alloro, con i lunghi capelli legati all'indietro sulla testa e due trecce legate sotto il mento. Ai lati del dio sono posti, a sinistra, un ramo di alloro, simbolo di Apollo e degli onori, e, a destra, una palma, simbolo di immortalità. I due rami sono legati con un nastro. A destra dello scudo si trova un delfino in posizione verticale. L'interno del cesto e del piatto di guardia è interamente dorato. Il vassoio è unito alla protezione del cesto, che è attaccata alla parte superiore del ramo di guardia da un perno. È formata da due conchiglie asimmetriche, gadroonate all'esterno, azzurrate e damascate con una decorazione a raggiera in oro. Il quillon curvo è traforato. Il pomo è decorato con una rosetta e un fogliame in oro damascato. Il fuso è in avorio scanalato con una semplice filigrana d'oro. La ghiera inferiore è quadrilobata e damascata in oro con un disegno a raggiera dentellato. Tra il tallone della lama e la piastra di guardia si trova un cappuccio in bronzo dorato cesellato. La lama è dritta e cava nella prima metà; sul dorso è inciso "KLINGENTHAL". Il tallone corto, inciso con croci e rosette, è interamente dorato. La parte cava è azzurrata e decorata con una fine doratura a riserva: un trofeo militare da cui pendono un fagotto e un'ascia con una corda a destra, e una tromba e una sciabola a sinistra (lunghezza: 78,4 cm - larghezza: 2,4 cm). Il fodero è in legno ricoperto di chagrin nero a grana grossa, con una cucitura mediana esterna a volute d'argento dorato. Presenta cinque accessori in oro finemente cesellati a due colori (giallo e verde). I tre quarti superiori del paracadute sono lisci, mentre la parte inferiore è finemente cesellata con foglie d'acqua e tigri alternate; la faccia esterna è dotata di un gancio di sospensione cesellato, per il trasporto del forte-épée con la bardatura; la faccia interna reca l'incisione "M=Fture / À VERSAILLES / ENTse BOUTET" e, in basso, sono incisi tre marchi di garanzia per l'oro utilizzato dal 1798 al 1809: - un grande punzone ovale (profilo sinistro di gallo) di 2° titolo (840 0/00) per i reparti. - un marchio di garanzia leggermente ovale (testa di vecchio) recante il numero 88 corrispondente al dipartimento di Seine-inférieure, Rouen. - un marchio di garanzia del maestro argentiere (Seine-inférieure), J.M in una losanga con una stella in testa e un grappolo d'uva in punta. La seconda e la quarta guarnizione del fodero sono identiche e sono decorate con rosette tra due bordure a gadget. La terza bordura, decorata con fogliame, ripete il bordo inferiore del fodero. Il catenaccio è interamente decorato con ornamenti vegetali e una catena con quattro anelli ovali. Termina con un pungiglione sagomato in acciaio lucido. Condizioni molto buone. Presenta una crepa nella parte superiore e su un lato del fuso e lievi danni all'avorio di alcuni flauti. Segni incisi sul rovescio del cappello in parte usurati. Nicolas-Noël Boutet e la manifattura di Versailles La Manufacture d'armes de Versailles era una fabbrica d'armi francese fondata a Versailles dall'agosto 1793 all'agosto 1818, che impiegava oltre 400 operai.

Stima 500 000 - 800 000 EUR

Lotto 7 - Figura reliquiaria di Byeri, Fang Mvai, Valle di Ntem Gabon settentrionale Legno con patina marrone H. 48 cm Provenienza : - Tramandato dai discendenti, - Raccolta in situ da un taglialegna, in Gabon, tra il 1929 e il 1940. Sparsi lungo il fiume Ntem, nel Gabon settentrionale, gli Mvaï costituiscono un piccolo gruppo le cui opere sono considerate l'essenza dell'arte Fang. Sono stati menzionati per la prima volta dall'esploratore tedesco Günter Tessmann nella sua notevole monografia etnografica, Die Pangwe, pubblicata nel 1913. Le statue attribuite ai "Maestri degli Ntem" dallo specialista Louis Perrois sono state scolpite prima degli anni Cinquanta del XIX secolo e combinano forti qualità estetiche con una grande potenza. Considerate i gioielli dell'arte Fang, queste opere rimangono rare. In Mains de maîtres del 2001, cinque sculture maschili sono state attribuite a questi maestri. La prima, proveniente dall'ex collezione Paul Guillaume, si trova oggi al Brooklyn Museum. Un'altra, molto simile, si trova al Museo di Dallas. Le altre tre rimangono in mani private. A questo corpus limitato si aggiungono due opere al Rietberg Museum e al Seattle Museum. Non tutti gli scultori sono dotati di un tale talento artistico. Questo corpus mostra la destrezza e l'alta qualità di esecuzione di questi maestri. Come negli atelier degli artisti del Quattrocento, probabilmente lavoravano insieme e si influenzavano a vicenda. "Le sculture di Guerre, Ginzberg (Dallas) e White (Seattle) sono molto probabilmente opera della stessa mano, tanto sono evidenti le somiglianze formali, compresi i dettagli scultorei, che la descrizione analitica di una si applica perfettamente alle altre due", scrive Louis Perrois. Hanno la stessa superficie bruna e levigata, con una magnifica patina. I copricapi, l'espressività dei volti, la prodigiosa segmentazione del corpo, la stilizzazione delle mani a ventaglio e i segni di scarificazione sul ventre sono tutti molto simili. Questa scultura appartiene al gruppo Fang dei Maîtres de Ntem. Nonostante la perdita di materiale, questo eyema byeri conserva tutta la sua potenza e severità. Coronato da una maestosa acconciatura a tre gusci, il volto è notevolmente modellato. Gli occhi a chicco di caffè offrono una bella espressione di serenità. Sotto il naso, la bocca è abilmente proiettata in avanti, creando un incredibile broncio. Il collo è corto e potente. Le spalle, i muscoli pettorali, le braccia e gli avambracci sono scolpiti in una forma arrotondata. Le mani erano probabilmente strette intorno all'addome e probabilmente reggevano un recipiente per le offerte. Il lungo busto cilindrico è caratteristico dello stile Mvaï. Le gambe rotonde sono abilmente scolpite e modellate. Testimonianza del virtuosismo degli artisti Fang, questa statua si distingue per la sottigliezza della modellazione, la maestosità del copricapo e l'eccezionale geometria delle spalle. Nell'ambito del ristretto corpus di opere dei "Maestri del Ntem", questo lavoro riscoperto è notevole. Nonostante le ingiurie del tempo, questo grande byéri maschile è una meravigliosa incarnazione dell'eccellenza della grande arte Fang Mvaï e dei suoi maestri situati lungo il Ntem, il fiume che oggi segna il confine tra Gabon, Camerun e Guinea Equatoriale. In base a vecchi documenti di collezione, sembra che questa regione, oggi nota come Woleu-Ntem, ospitasse un'eccezionale gamma di sculture di rara omogeneità, in termini di specie legnose, patine e caratteristiche stilistiche: morfologia generale e sovra-ornamento. Le somiglianze tra i pochi esemplari finora conosciuti sono tali, e questo si aggiunge al corpus precedente, che sembrerebbe ammissibile attribuirli allo stesso scultore, anche se purtroppo la sua identità rimane a tutt'oggi sconosciuta. Citiamo quindi i byéri mvaï delle vecchie collezioni: Pierre Guerre, Helena Rubinstein, Marc Ginzberg e Paul Guillaume, oggi nella collezione Jim Ross di New York, tutti elencati da Louis Perrois nel catalogo della mostra di Marsiglia del 1992: Byéri Fang, Sculptures d'Ancêtres en Afrique. Questi Byéri portano la stessa acconciatura con tre forti trecce, più o meno ricadenti sulla nuca, con fronte ampia e occhi a fagiolo di caffè ornati da una piccola perla da mungitura. Le bocche formano un broncio da Pahouin sui-generis chiaramente identificabile. I corpi sono solidi e breviformi, in piedi su gambe piegate nella posizione rituale che permette alla statua di essere seduta sulla cassa del reliquiario con il rostro attaccato. Anche la posizione delle mani è classica in questo stile e possiamo ipotizzare che fosse la stessa sui nostri byéri, sebbene sia scomparsa a causa delle numerose mutilazioni causate senza dubbio dai roditori attratti dall'olio.

Stima 120 000 - 150 000 EUR

Lotto 8 - Coppia di vasi medicei in avorio finemente intagliati, poggianti su un piedistallo finemente scanalato, bordato da un intreccio di alloro. La parte inferiore del corpo è decorata con foglie di alloro, sottolineate da un fregio di perle e uvetta a forma di cuore. Al centro, diverse scene scolpite a bassorilievo con decorazioni e titoli istoriati: Vaso di destra: "Voyage de S.A.R. Madame, de Dieppe à Arques" e "Entrée de S.A.R. Madame, au château d'Arques". Vaso a sinistra: decorazione di quattro scene teatrali "La Poste Royale. Scena III", "I due album. Scene VIII", "I due album. Scene XI", "La Poste Royale. Scena XIX". Il collo è fregiato con ovali e perle. I due vasi sono firmati sulla base "J.ques Blard à Dieppe", incisi con l'iscrizione: "Offert par la ville de Dieppe à Mr Alphonse Lambert 1826" e datati 1826. H. 22 cm - P. 12,9 cm Provenienza : - Importante collezione privata Il laboratorio Blard di Dieppe Nella prima metà del XIX secolo, l'atelier Blard era uno dei principali laboratori di avorio, che impiegava fino a quaranta operai. Si trovava in Place Royale a Dieppe. Dieppe e la Duchessa di Berry Durante la Restaurazione, grazie allo sviluppo della balneazione sotto l'impulso della Duchessa di Berry, tutta l'alta società che si recava in vacanza a Dieppe ordinava pezzi d'avorio, in particolare barche. Tra il febbraio e l'agosto del 1826 fu costruito il Piccolo Teatro di Dieppe. Fu inaugurato il 9 agosto dalla stessa Duchessa di Berry. Alphonse Lambert ebbe un ruolo fondamentale nell'organizzazione dei festeggiamenti per la visita di Maria Carolina di Borbone-Sicilia. L'opera inaugurale rappresentata per l'apertura del teatro si intitolava "La Poste Royale" (alcune scene sono riprodotte su uno dei nostri vasi). Il 19 agosto 1826, la duchessa di Berry visitò le rovine del castello d'Arques in una processione marina. La duchessa si diresse lungo il fiume Arques e non meno di trentasei imbarcazioni circondarono la barca a remi che trasportava la fiamma bianca con il fiore dell'allegramente. Questa fortezza è segnata dal ricordo della vittoria di Enrico IV. Ancora una volta, la duchessa di Berry si è trovata davanti a una vera e propria sorpresa. Quando arrivò al castello, le porte erano chiuse e una contadina si rifiutò di farla entrare. Il padre e la madre le avevano detto di non aprire la porta a nessuno, indipendentemente da chi fosse. Si udì il motivo "Vive Henri IV." e le porte si aprirono (la scena è visibile sul vaso). "Nel 1826, M. Alphonse Lambert si trovava a Dieppe. Alphonse Lambert, che in seguito divenne Commissario Generale e poi Amministratore della Zecca. Uomo molto spiritoso, era lui che non solo dirigeva tutte queste piccole feste improvvisate, che sorprendevano Madame ogni giorno, ma ne stendeva anche i contorni e li seminava di parole spiritose e di distici affascinanti. Lo spettacolo inaugurale del nuovo teatro Vaudeville di Dieppe era opera sua: ad Arques aveva composto scene scintillanti di arguzia e allegria. Ricorderò sempre l'emozione di una delle artiste del Vaudeville quando si avvicinò a Madame per farle gli onori di questo soggiorno quasi regale; non riusciva a cantare i suoi versi: le lacrime la soffocavano. Perché ci si possa immedesimare così bene in una situazione, questa deve essere stata affrontata con franchezza dall'autore, deve essere stato il cuore a parlare". Théodore Anne, Memorie, ricordi e aneddoti sull'interno del palazzo di Carlo X e sugli avvenimenti dal 1815 al 1830. Opere a confronto: - Un vaso mediceo di dimensioni simili e di identica tecnica d'intaglio, proveniente dalle antiche collezioni del re Luigi Filippo, acquistato a Dieppe il 1° luglio 1833, oggi conservato nel museo di Dieppe. Proviene dagli stessi laboratori di Jacques-Nicolas Blard. - Il tour de force in avorio raffigurante il Tempio di Mercurio proviene probabilmente dalle stesse botteghe di Blard e fu regalato a Marie-Caroline de Bourbon, duchessa di Berry, dalla città di Dieppe. Oggi si trova nel museo di Dieppe (Fig. 2).

Stima 8 000 - 12 000 EUR

Lotto 9 - Statua di monolite, Gowe Isola di Nias, Indonesia Pietra arenaria H. 133 cm Provenienza : - Collezione privata, Bruxelles Raro monolite raffigurante un busto umano il cui volto è incastonato in un blocco di pietra quadrangolare sormontato da un elegante copricapo a punta. I dettagli del volto sono trattati in leggero rilievo, con sopracciglia sinusoidali che si incontrano all'altezza del naso, le cui narici affusolate si fondono con i baffi. Il corpo, decorato con la rappresentazione di un rettile, presenta un paio di seni emisferici e un pene maschile eretto. La patina e l'erosione dovuta agli agenti atmosferici e la presenza di antichi licheni sulla superficie attestano l'età della scultura. Nias è un'isola dell'Oceano Indiano a nord-ovest di Sumatra. Pur essendo relativamente piccola, l'isola era densamente popolata, con circa millequattrocento villaggi alla fine del XIX secolo. Il territorio può essere suddiviso in tre zone culturali ben distinte, in termini di architettura, scultura, organizzazione sociale, lingua e topografia. Ci sono le grandi pianure costiere del sud, le montagne del centro e le colline del nord. L'isola è stata a lungo isolata dagli imperi regionali e dalle rotte marittime e non ha mai avuto un ruolo nella storia dell'Indonesia o dell'Oceano Indiano. Priva di spezie e di interesse strategico, si è sviluppata in modo relativamente autonomo. Fino all'inizio della colonizzazione si è sviluppata una civiltà gerarchica e bellicosa. In particolare, si praticava la caccia alla testa. In contrasto con la natura bellicosa della sua popolazione, l'arte dell'isola è caratterizzata da un alto livello di raffinatezza nell'architettura, nella scultura e nella realizzazione di ornamenti. Per maggiori informazioni su Nias e la sua storia, si veda Viaro A., Ziegler A., Arts des Mers du Sud, 1998, pp.22-33 e Messages de pierre, 1999, pp. 35-78, degli stessi autori. Statue antropomorfe del Nias centrale e settentrionale Di Alain Viaro Arlette Ziegler Il contesto I capi di clan o di villaggio facevano realizzare delle statue per commemorare le grandi feste che avevano organizzato per ottenere i titoli di salawa o balugu, le tappe finali dei cicli festivi di integrazione sociale. A seconda del villaggio, questo è noto come Behu nio niha o Gowe. In tutta l'isola, il behu è una pietra eretta, a volte alta diversi metri. Nella parte centro-occidentale dell'isola e nel nord, spesso assumono una forma antropomorfa: i più semplici hanno una testa appena abbozzata e un semplice incavo per la bocca e gli occhi, i più sofisticati presentano una testa con un copricapo conico decorato con felci e varie raffigurazioni sulla faccia frontale. Il Gowe è una statua a tutto tondo, in piedi o accovacciata. Spesso tiene in mano una coppa per offrire il sirih in segno di pace e di benvenuto. È conosciuto anche come Gowe salawa, il gowe del capo villaggio. A seconda del luogo, un pilastro behu può essere chiamato anche gowe. Sull'isola ne esistono ancora diversi gruppi, nascosti dall'erba alta sui siti degli antichi villaggi. A fronte di furti, alcune statue sono state riportate dagli abitanti del villaggio nel loro nuovo villaggio e cementate su un basamento. Vengono anche realizzate copie per turisti e collezionisti e offerte nel villaggio turistico di Bawomataluo, nel sud dell'isola, e per il Nias Heritage Museum, vicino alla capitale Gunung Sitoli, che accoglie le scolaresche per introdurle alla loro cultura. In Occidente, le collezioni portate dalla fine del XIX secolo da missionari tedeschi, amministratori olandesi e viaggiatori si trovano in diversi musei. Di tanto in tanto si possono vedere pezzi pregiati all'asta. La statua mostrata qui È un pezzo molto bello, probabilmente proveniente dal villaggio di Koendrafö (Hililaza) vicino ai fiumi Lahömi e Idanömi, sulle colline lungo la costa occidentale vicino al centro dell'isola. Altre statue dello stesso stile si trovano in questa regione a Lasara, Onowaembo Satua, Tögizita e Ambucha. Gli abitanti del villaggio le datano alla prima metà del XIX secolo. Sono tutte realizzate in arenaria piuttosto fine, forse proveniente dalla stessa cava. Presentano tutti la stessa patina, probabilmente dovuta alla presenza di licheni. Il retro e i lati del pilastro quadrangolare sono privi di decorazioni. Il volto è scolpito con una rappresentazione del sesso maschile, due seni, un varano le cui gambe si aggrappano ai seni e un collare rotondo. La testa, priva di mento, termina in un punto piatto. Un paio di grandi baffi risalgono le guance.

Stima 60 000 - 80 000 EUR

Lotto 10 - Edgar DEGAS (1834-1917) - Tre danzatrici Disegno a carboncino, firmato in basso a sinistra 73 x 51,5 cm Provenienza : - Atelier Edgar Degas (3a vendita), 7, 8 e 9 aprile 1919, Parigi, n° 257. - Vendita Ader Picard Tajan, Hôtel Georges V, Parigi, 17 giugno 1976, n° 8. Bibliografia: - A. Lemoisne, Degas et son œuvre, P. Brame e C.M. de Hauke, Parigi 1946-1949, volume III, citato come studio in relazione ai nn. 1250, 1251 e 1252. - Da includere nel catalogo ragionato digitale di Edgar Degas di Michel Schulman con il numero MS-3011. Le ballerine erano uno dei soggetti preferiti di Edgar Degas. Per tutta la sua vita di artista ha frequentato l'Opéra di Parigi, sia in platea che dietro le quinte. Conosceva tutti gli angoli del Palais Garnier e amava immortalare il backstage, producendo una moltitudine di schizzi catturati sul posto. Le nostre ballerine, viste a metà corpo - la gonna abbozzata della prima ballerina nasconde quella delle altre due - sono dietro le quinte. Ai margini del palcoscenico, nascosti da una tenda visibile nei colori pastello, i tre ballerini sono accalcati, per seguire meglio il balletto. I loro volti sono rivolti nella stessa direzione, i loro sguardi sono concentrati su uno spettacolo che ci è nascosto. In allerta, sembrano pronti a salire sul palcoscenico. Diversi nomi sono stati dati allo stesso soggetto: Tre danzatrici, ma anche Gruppo di danzatrici e Tre danzatrici rosse, che sono generalmente pastelli o pastelli e carboncino su carta. Le nostre Trois danseuses a carboncino vanno viste in relazione ad altre opere che oggi si trovano in collezioni private o in importanti musei. Queste opere si trovano nel nostro catalogo ragionato digitale: degas-catalogue.com con i seguenti riferimenti: MS-1352 : pastello su carta da lucido : Collezione Burrell, Glasgow - www.degas-catalogue.com/-1352.html?preview=1 MS-1550: pastello su carta, Kurashiki, Museo Ohara, Giappone - www.degas-catalogue.com/-1550.html?preview=1 MS-1701 : pastello e carboncino su carta su cartone, collezione privata - www.degas-catalogue.com/-1701.html?preview=1 MS-1842 : pastello su carta, collezione privata - www.degas-catalogue.com/-1842.html?preview=1 MS-2279 : pastello e carboncino, collezione privata - www.degas-catalogue.com/-2279.html?preview=1 Michel SCHULMAN, autore di Edgar Degas, Le premier catalogue raisonné numérique

Stima 80 000 - 120 000 EUR

Lotto 11 - Amedeo MODIGLIANI (1884-1921) - Amazzone Disegno a matita nera, firmato "Modi" in basso a destra 31 x 23,5 cm (30,5 x 22,6 cm a vista) Una perizia, n° 2016/DE/S50332 del sig. Marc Restellini sarà consegnata all'acquirente. Provenienza : - Acquistato dall'artista dal pittore svedese Lennart Blomqvist. - Ceduto dalla figlia del precedente proprietario all'attuale proprietario nel 2001 Questo disegno fa parte di una serie di disegni preparatori per il ritratto della baronessa Marguerite de Hasse de Villers, noto come "L'Amazone", dipinto riprodotto sulla copertina del catalogo della mostra di Modigliani al Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris nel 1981. Amedeo Modigliani si trasferisce a Parigi nel 1906, inizialmente nel quartiere di Montparnasse, ma ben presto spende i pochi soldi che aveva portato con sé dall'Italia e cambia spesso casa quando non riesce più a pagare l'affitto. Alla fine del 1907, una sera al cabaret "Lapin Agile", confida all'amico pittore Henri Doucet di essere stato sfrattato dal suo piccolo studio in Place Jean-Baptiste Clément e di essere alla ricerca di un posto dove passare la notte. L'amico gli suggerì di seguirlo al Delta, un vecchio edificio al 7 di rue du Delta a Montmartre, affittato dai fratelli Paul e Jean Alexandre dal Comune di Parigi per essere utilizzato da una colonia di artisti come luogo di incontro, lavoro e vita. È così che il dottor Paul Alexandre incontra per la prima volta Amedeo Modigliani. Fu l'inizio di una grande amicizia tra il giovane medico, appassionato d'arte, e l'artista italiano. Nel 1909, suo fratello Jean Alexandre, studente ventiduenne di farmacia, commissionò all'artista un ritratto della sua amante, Marguerite de Hasse de Villers. Grande cavallerizza, la donna voleva essere ritratta vestita da amazzone, ma rifiutò il quadro perché Modigliani aveva cambiato il colore della giacca poco prima di consegnarlo. Il dipinto fu infine acquistato dal dottor Paul Alexandre. Questo disegno è uno dei più riusciti della serie di studi per questo ritratto, di cui esistono dodici esemplari nella collezione di Paul Alexandre. Grazie alle lettere di Jean al fratello Paul, possiamo seguire la genesi del ritratto. Lettere pubblicate in Alexandre Noël, Modigliani inconnu, Fonds Mercator, Albin Michel, 1993-96. Lennart Blomqvist (1874-1953), che acquistò questo disegno dall'artista, fu pittore di ritratti, scene di genere e paesaggi. Dopo aver studiato architettura in Svezia e arte nei Paesi Bassi e in Belgio, si trasferì in Francia nel 1900. Espone per la prima volta a Parigi nel 1910, al Salon de la Société Nationale des Beaux-Arts. Partecipa anche al Salon d'Automne e al Salon des Artistes Indépendants.

Stima 35 000 - 50 000 EUR

Lotto 12 - Jacques LIPCHITZ (1891-1973) - Uomo con chitarra, Bilbao, 1920 Stampa su terracotta, firmata con iniziali sulla base, datata XII-20 e numerata 4/7 H. 46,5 cm Base: 22,6 x 21,6 cm Ringraziamo il Prof. Dr. Kosme de Barañano per averci confermato che si tratta di una terracotta originale di Jacques Lipchitz. La sua perizia del 9 aprile 2024 sarà consegnata all'acquirente. Provenienza : - Collezione privata Bibliografia : - A.G. Wilkinson, The Sculpture of Jacques Lipchitz, A Catalogue Raisonné, volume primo, the Paris Years, 1910-1940, Thames and Hudson, Londra, 1996, p.212, n° 112 a 114 (copie in pietra ricostituita, bronzo e marmo, riprodotte) - Kosme de Barañano, Jacques Lipchitz, The plasters, A Catalogue Raisonné, 1911-1973, Fundación BBK Fundazioa, Bilbao, 2009, p. 130, n° 58 (gesso riprodotto) Originario della Lituania, Jacques Lipchitz si trasferì a Parigi nel 1909. Fu uno dei pionieri della scultura cubista, con forme geometriche ispirate al primitivismo della scultura africana. Tra il 1915 e il 1920 i musicisti occupano un posto di rilievo nelle sue opere e i temi di Arlecchino, Pierrot e Musicisti riflettono la sua iconografia ispirata alla vita notturna dei cabaret parigini come Le Boeuf sur le toit. Nel 1916 firma il suo primo contratto con il mercante d'arte Léonce Rosenberg. Rosenberg gli dedica la prima mostra personale alla galleria L'Effort Moderne nel gennaio 1920, ma nello stesso anno Lipchitz ritrova la libertà di creare "ciò che vuole e non ciò che gli viene imposto". Con l'aiuto di alcuni amici, riacquista le sue opere dal mercante. L'Uomo con chitarra fu realizzato nel dicembre 1920 e l'artista descrisse questa scultura come un'opera di transizione, che preannunciava un ritorno a un certo classicismo. In My Life in sculpture (Jacques Lipchitz and H.H. Arnason, USA, Viking Press, 1972), Lipchitz scrive: "Ho preso coscienza dello spazio negativo e (...) ho cominciato a utilizzarne gli effetti. Si trattava semplicemente di avvolgere forme solide intorno a un vuoto per incorniciarlo, in effetti usando il vuoto piuttosto che il volume della pietra per suggerire la forma di una testa o di una parte del busto". Questo Uomo con chitarra è noto anche come Uomo seduto con chitarra (Musée National d'Art Moderne Paris, Centre Pompidou) o Pierrot con clarinetto (Maurice Raynal, Jacques Lipchitz, Parigi 1947). Il calco originale in gesso è conservato al Musée National d'Art Moderne Paris, Centre Pompidou (donato dalla Jacques and Yulla Lipchitz Foundation, New York, 1976). Di questa scultura esiste una copia in pietra ricomposta (Kunstmuseum di Basilea, Svizzera) e un'altra in marmo (Rijksmuseum Kröller-Muller, Otterlo, Paesi Bassi), oltre a due edizioni di sette copie, una in bronzo e l'altra in terracotta. La serie in terracotta dell'Uomo con chitarra comprende i seguenti esemplari: - Un esemplare offerto a Jean Cocteau dall'artista (venduto a New York nel maggio 1982). - Numero 2/7, Collezione Martin e Rena Blackman (venduto nel novembre 2021) - Numero 5/7, Collezione Hubert de Givenchy (venduto a Parigi nel giugno 2022). - Il numero 4/7 qui presentato è numerato.

Stima 400 000 - 450 000 EUR

Lotto 13 - Shirley JAFFE (1923-2016) - C 3-2-1-, 1972 Olio su tela, titolato sul telaio e annotato sul retro SHIRLEY JAFFE 1972 130 x 195 cm Provenienza : - Galerie Jean Fournier, Parigi - Collezione privata Mostre : - Shirley Jaffe, une américaine à Paris, Centre National d'art et de culture Georges-Pompidou, 20 aprile - 29 agosto 2022. - Shirley Jaffe, Form and Experience, Neubau, Kunstmuseum Basel, 25 marzo - 30 luglio 2023. - Shirley Jaffe. Prima e dopo Matisse, Musée Matisse, Nizza, 20 ottobre 2023 - 8 gennaio 2024 Bibliografia : - Sotto la direzione di Frédéric Paul, Shirley Jaffe, Edizione Bernard Chauveau, 2022, riprodotto a p. 128 e descritto a p. 252. Cresciuta a Brooklyn e dopo aver studiato arte alla Cooper Union Art School di New York, Shirley Jaffe si trasferisce in Francia nel 1949. A Parigi si scontra con artisti nordamericani espatriati come Sam Francis, Joan Mitchell, Jean Paul Riopelle e Kimber Smith, rappresentanti dell'espressionismo astratto americano in Europa. Dalla pittura gestuale degli esordi, Shirley Jaffe si evolve nel corso degli anni Sessanta, in particolare dopo un anno trascorso a Berlino, verso un lavoro molto più geometrico, e poi negli anni Settanta verso uno stile grafico e raffinato. Shirley Jaffe inizia a esporre nel 1966 presso la galleria Jean Fournier, raccomandata da Sam Francis. A questa grande dama della pittura americana in Europa sono state dedicate tre grandi mostre retrospettive tra il 2022 e il 2024, tra cui il dipinto qui presentato.

Stima 60 000 - 80 000 EUR

Lotto 14 - CLAUDE FRANCOIS (1939-1978) - Mitico costume di scena Camps de Luca in lamé d'argento, indossato dalla cantante durante numerosi concerti nell'aprile e maggio 1975. Realizzato nei laboratori Camps de Luca di Parigi, con firma dello stilista all'interno della giacca. Con grandi pastelli e pietre sintetiche fantasia sui risvolti e lungo le gambe. Claude François era particolarmente affezionato a questo primo abito d'argento, realizzato in quadruplo ma con motivi diversi sui revers. Tra l'altro, durante il finale di uno dei suoi spettacoli, due razzi del suo tradizionale spettacolo pirotecnico gli caddero sulle gambe, bruciando i pantaloni in lamé in due punti, il che spiega le riparazioni effettuate sui pantaloni dell'abito. L'anno successivo, Cloclo si rassegnò a regalarlo a un lettore, vincitore di un concorso per la sua rivista mensile Podium. Questo è uno dei quattro esemplari che Cloclo utilizzò ampiamente sul palcoscenico durante questo periodo. Condizioni eccellenti. Oggetto storico. Un certificato di Fabien Lecœuvre, esperto di canzoni francesi e internazionali, membro della FNEPSA, sarà consegnato all'acquirente. Provenienza : - Stretto collaboratore dell'artista - Acquistato all'inizio degli anni '80 dall'attuale proprietario Camps de Luca, un'istituzione parigina Tutto ebbe inizio in Abruzzo all'inizio degli anni Quaranta. Mario de Luca imparò il mestiere dallo zio sarto. Lavorò a Roma e poi a Milano, ma fu a Parigi che decise finalmente di aprire il suo laboratorio nel 1948. Incontra Joseph Camps e le loro capacità complementari sono evidenti. Nel giro di pochi anni, le celebrità che affidarono le loro silhouette alla maison provenivano da tutto il mondo. Molti personaggi della stampa e della televisione francese, alcune star tra cui la più significativa rimane Claude François, oltre a teste coronate come lo Scià dell'Iran e il Re di Giordania. Camps de Luca è stato responsabile dei famosi costumi di scena di Claude François degli anni '70, dalla vestibilità perfetta e dal taglio slim. Ballava, saltava, piroettava, eppure il suo abito cadeva sempre perfettamente, con spalle, colletto e fianchi a posto. Questo grazie al tratto distintivo di Camps de Luca: il giromanica alto. Famoso per essere un maniaco che non lasciava nulla al caso, Claude François si faceva confezionare i costumi di scena su misura, il più delle volte in set di 5.

Stima 8 000 - 12 000 EUR

Lotto 15 - Anselm KIEFER (né en 1945) - Per Robert Fludd, 2001 Libro Tecnica mista su foglio di piombo 26 fogli, 13 pagine 100 x 83 cm Un certificato dell'artista, datato 16 luglio 2018, sarà consegnato all'acquirente. Provenienza : - Collezione privata Anselm Kiefer è nato nel 1945 a Donaueschingen, in Germania. Attualmente vive e lavora a Parigi. Prima di intraprendere la carriera artistica, Kiefer ha studiato legge, letteratura e linguistica. Ha poi studiato all'Accademia di Belle Arti di Karlsruhe e Düsseldorf, dove è stato allievo di Joseph Beuys. Fin dall'inizio, Kiefer ha esplorato l'identità tedesca del dopoguerra. Nel 1980 ha rappresentato la Germania alla Biennale di Venezia. Negli ultimi anni, la sua principale preoccupazione si è concentrata sull'analisi dell'iconografia di vari miti, con riferimenti alla religione cristiana, alla Cabala e alle leggende germaniche. Il lavoro di Kiefer si rifà spesso a modelli letterari come Paul Celan, Ingeborg Bachmann, Louis-Ferdinand Céline e Robert Fludd, di cui è riuscito a condensare l'opera nella propria. Per molto tempo Anselm Kiefer ha esitato tra la scrittura e la pittura. I libri, con la loro materialità e il loro fascino estetico, sono stati il suo primo mezzo creativo e la scrittura quotidiana, registrata in un diario, gli ha permesso di riflettere sul suo lavoro e di condurre una ricerca intimamente legata al suo pensiero. Nella sua prima produzione di libri, iniziata nel 1968-69, Anselm Kiefer si è confrontato con diverse correnti artistiche, tra cui De Stijl, Suprematismo e Minimalismo, e allo stesso tempo ha perseguito un interesse per la storia e la cultura tedesca, come antidoto al trauma della Seconda Guerra Mondiale subito dalla sua generazione e da quelle successive, ma anche, più semplicemente, come esplorazione di se stesso e delle sue origini. La fotografia è protagonista dei primi libri, che gradualmente lasciano spazio al disegno e all'acquerello, oltre che a materiali come sabbia, pagine ritagliate da riviste, capelli, fiori secchi, oggetti e così via. Questi libri non scritti, concepiti come libri d'artista, copie uniche, sono dapprima un luogo per esprimere idee e associare pensieri, poi diventano rapidamente un luogo di esplorazione in cui il susseguirsi delle pagine permette di costruire una narrazione e di iscriverla nel tempo. "Nel mio lavoro il libro è molto importante. È un repertorio di forme e un modo per materializzare lo scorrere del tempo. Per me, ogni libro contiene un'onda che si dispiega, formando un'onda che mostro quando giro le pagine o le metto in scena. È parte del mare. Sono molto interessato ai suoi aspetti estetici e materiali. Alcuni sono vere e proprie sculture, di dimensioni superiori a quelle umane, aperte ma impossibili da sfogliare". Tra il 1968 e oggi, Anselm Kiefer ha prodotto oltre cento libri, che rappresentano un aspetto essenziale ma spesso poco conosciuto del suo lavoro. Sebbene sia famoso in tutto il mondo per i suoi dipinti e le sue sculture, i suoi libri, che costituiscono più della metà del suo lavoro, non erano curiosamente mai stati oggetto di una retrospettiva in Francia prima di quella tenutasi alla BnF nel 2015 (Anselm Kiefer, l'Alchimie du livre, BnF, a cura di Marie Minssieux). Sin dagli esordi alla Scuola di Belle Arti di Karlsruhe nel 1968, Anselm Kiefer ha dato priorità alla creazione di libri, considerandoli la pietra miliare del suo lavoro. Essi forniscono uno sguardo approfondito sui temi che in seguito troveranno spazio nei suoi dipinti e nelle sue sculture, coprendo un'ampia gamma di argomenti che vanno dalla letteratura e dalla poesia alla storia e al misticismo. La mostra alla BnF offre un'opportunità unica per esplorare l'intimo processo creativo di questo grande artista, per comprendere l'importanza centrale del libro nel suo lavoro e per rivelare il percorso del suo pensiero, evidenziando la sua fluida transizione tra diversi media artistici. I libri di Anselm Kiefer sono opere uniche, spesso di grandi dimensioni, che incorporano una varietà di materiali come argilla, sabbia, cenere, persino capelli e piante, oltre al piombo, il materiale preferito dall'artista, "l'unico abbastanza pesante da sopportare il peso della storia umana". Il loro formato e la loro presentazione si sono evoluti nel corso dei decenni, diventando talvolta vere e proprie sculture impossibili da sfogliare. Si tratta di esemplari unici, che riflettono il suo interesse per un registro privato e intimo, spesso costituito da immagini, talvolta accompagnate da citazioni o didascalie, ma sempre legate a temi letterari, storici o filosofici. Il piombo, in particolare

Stima 80 000 - 120 000 EUR