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lun 13 mag

TADAO ANDO (Osaka, 1941). Senza titolo. Serie di tre disegni (pennarelli su carta, tecnica mista su carta e matite su carta). Firmato. Misure: 19 x 13 cm; 25 x 19 cm e 33 x 22 cm. Tadao Ando è un architetto autodidatta fortemente influenzato dall'opera di Le Corbusier, formatasi soprattutto nei suoi viaggi attraverso gli Stati Uniti, l'Europa e l'Africa tra il 1962 e il 1969. Durante i suoi viaggi ha visitato edifici di Mies van der Rohe, Le Corbusier, Frank Lloyd Wright e Louis Kahn, cosa che ha chiaramente influenzato le forme e i materiali dei suoi edifici. Nel 1968 torna in patria e fonda lo studio Tadao Ando Architects & Associates a Osaka. Tra i suoi successi come architetto si annovera la vittoria del Pritzker Architecture Prize 1995 da parte della Hyatt Foundation. I suoi primi lavori mostrano un incipiente stile postmoderno, anche se chiaramente adattato alle abitudini giapponesi. Nel 1976 ha completato la sua prima opera Azuma House, Tadao Ando divide la casa in due volumi, uno privato e uno comune, tra i quali un cortile è destinato al "gioco del vento e della luce". La presenza di elementi naturali nelle sue opere lo accompagnerà per tutta la sua carriera. Negli anni '80 Tadao Ando si impone sulla scena internazionale come il principale esponente della nuova architettura giapponese. Di questi anni ricordiamo il complesso residenziale di Rokko (1983-1993) con la sua cappella sul monte Rokko (1986); in questi edifici l'influenza di Le Corbusier in Tadao Ando è evidente nell'uso del calcestruzzo come materiale principale, anche se il trattamento individualizzato della luce dà alle sue opere un'impronta personale. Nel 1992 ha progettato il Padiglione giapponese per l'Expo '92 di Siviglia. Una grande struttura effimera in legno. Il Museo della Foresta delle Tombe (1992) è uno spazio pieno di simbolismo in cui Tadao Ando abbandona le linee rette, ma non la freddezza del cemento. Tra le opere di spicco realizzate da Ando all'inizio del secolo vi sono l'Awaji Yumebutai di Hyogo (1997) e il Modern Art Museum di Fort Worth, Texas (2000). Tra le sue opere più recenti vi sono progetti ambiziosi come il Poly Theater di Shanghai, un edificio costituito da una scatola di cemento armato, avvolta da una pelle reticolare vetrata e perforata da tunnel in acciaio rivestiti da pannelli di alluminio, con una finitura simile al legno. Un edificio che conserva l'essenza delle opere di Tadao Ando, ma sviluppato con tecniche più moderne.

Stima 1 800 - 2 000 EUR

lun 13 mag

TADAO ANDO (Osaka, 1941). Senza titolo. Serie di sei disegni (pennarelli, pastelli e matite colorate). Firmato. Misure: 30 x 23 cm; 19 x 13 cm; 17 x 12,5 cm; 17 x 12 cm; 19 x 12,5 cm e 23 x 15 cm. Tadao Ando è un architetto autodidatta fortemente influenzato dall'opera di Le Corbusier, formatosi soprattutto nei suoi viaggi attraverso gli Stati Uniti, l'Europa e l'Africa tra il 1962 e il 1969. Durante i suoi viaggi ha visitato edifici di Mies van der Rohe, Le Corbusier, Frank Lloyd Wright e Louis Kahn, cosa che ha chiaramente influenzato le forme e i materiali dei suoi edifici. Nel 1968 torna in patria e fonda lo studio Tadao Ando Architects & Associates a Osaka. Tra i suoi successi come architetto si annovera la vittoria del Pritzker Architecture Prize 1995 da parte della Hyatt Foundation. I suoi primi lavori mostrano un incipiente stile postmoderno, anche se chiaramente adattato alle abitudini giapponesi. Nel 1976 ha completato la sua prima opera Azuma House, Tadao Ando divide la casa in due volumi, uno privato e uno comune, tra i quali un cortile è destinato al "gioco del vento e della luce". La presenza di elementi naturali nelle sue opere lo accompagnerà per tutta la sua carriera. Negli anni '80 Tadao Ando si impone sulla scena internazionale come il principale esponente della nuova architettura giapponese. Di questi anni ricordiamo il complesso residenziale di Rokko (1983-1993) con la sua cappella sul monte Rokko (1986); in questi edifici l'influenza di Le Corbusier in Tadao Ando è evidente nell'uso del calcestruzzo come materiale principale, anche se il trattamento individualizzato della luce dà alle sue opere un'impronta personale. Nel 1992 ha progettato il Padiglione giapponese per l'Expo '92 di Siviglia. Una grande struttura effimera in legno. Il Museo della Foresta delle Tombe (1992) è uno spazio pieno di simbolismo in cui Tadao Ando abbandona le linee rette, ma non la freddezza del cemento. Tra le opere di spicco realizzate da Ando all'inizio del secolo vi sono l'Awaji Yumebutai di Hyogo (1997) e il Modern Art Museum di Fort Worth, Texas (2000). Tra le sue opere più recenti vi sono progetti ambiziosi come il Poly Theater di Shanghai, un edificio costituito da una scatola di cemento armato, avvolta da una pelle reticolare vetrata e perforata da tunnel in acciaio rivestiti da pannelli di alluminio, con una finitura simile al legno. Un edificio che conserva l'essenza delle opere di Tadao Ando, ma sviluppato con tecniche più moderne.

Stima 1 800 - 2 000 EUR

lun 13 mag

JAVIER CALLEJA (Malaga, 1971). "Perché no?", 2023. Libro d'arte. Pubblicato da Nanzuka. Ricco di illustrazioni a colori. In inglese. 514 pag. In perfette condizioni. Misure: 29 x 23 x 5 cm. Pubblicato per commemorare l'apertura della sua mostra "Mr. Günter, The Cat Show" nella sua città natale, Malaga, 2023. Javier Calleja è un artista di Malaga, formatosi artisticamente all'Università di Granada, dove si è laureato in Belle Arti nel 2000. Fin dall'inizio della sua carriera artistica, le sue opere hanno attirato l'attenzione della critica e del pubblico, diventando uno degli artisti più richiesti a livello nazionale e internazionale. Ha tenuto la sua prima mostra nel 2002, partecipando alla collettiva Arte más joven, "Instituto Andaluz de la Juventud (IAJ)". Almeria, Jaen e Siviglia, Spagna IAJ Granada, e solo un anno dopo (2003) ha tenuto la sua prima mostra personale dal titolo "Recuperar la mirada", Carmen de la Victoria, Università di Granada. A queste mostre ne sono seguite molte altre, sia a livello nazionale che internazionale, tra cui ricordiamo; 'Play room' tenutasi al CAC di Malaga, nel 2008, Fast food, presso la Galerie Zink, Germania (2015), No cartoons tonight, Art on paper Fair (progetto personale), presso la Castor Gallery, New York (2016), Do not touch, presso la Nanzuka Gallery, Tokyo (2018), F*ck You, Nanzuka EchoOne, Nanzuka Gallery, a Bangkok (2018), Javier Calleja, mostra personale, presso Aisho/Nanzuka, Hong Kong (2019) e Those Little things, residenza d'artista, Dio Horia, a Mykonos. Inoltre, Calleja ha partecipato a diverse delle più importanti fiere in Spagna, come ARCO (2020), Estampa (2019) e Urbanity Art (2020). Le sue opere sono state acquistate da numerosi collezionisti privati e da importanti istituzioni come il Banco Sabadell, la Diputación de Málaga, la DKV Collection, la Marset Collection, il CAB di Burgos, il CAC di Málaga, Unicaja, la Junta de Andalucía e l'Università di Granada. Da notare che durante il COVID, Calleja ha messo in vendita diverse figure conosciute con Art toy, al fine di devolvere il ricavato alle persone colpite dalla pandemia. L'opera di Calleja è caratterizzata da un linguaggio ingenuo, che riceve alcune influenze di carattere surrealista e pop. In essa si può apprezzare l'interesse per la presenza infantile, accompagnata in molte occasioni dal testo. Questa caratteristica invita lo spettatore a riflettere sulle immagini che propone, approfondendo un significato concettuale che va oltre l'ovvio. All'inizio le sue opere si sono concentrate sull'installazione e sulla pittura murale, anche se lavora anche in altri formati più piccoli come la scultura e il disegno.

Stima 1 200 - 1 500 EUR

lun 13 mag

JAVIER CALLEJA (Malaga, 1971). "Puzzle", 2023. Legno. Presenta disegno sul retro in inchiostro dorato. Firmato a inchiostro sul retro. Misure: 14,5 x 14,5 x 4 cm. Puzzle di 9 pezzi che permette di creare sei opere diverse. Si tratta di un'edizione limitata creata esclusivamente per la sua mostra che si terrà a Malaga nel 2023. Javier Calleja è un artista di Malaga, formatosi artisticamente all'Università di Granada, dove si è laureato in Belle Arti nel 2000. Fin dall'inizio della sua carriera artistica le sue opere hanno attirato l'attenzione della critica e del pubblico, diventando così uno degli artisti più richiesti a livello nazionale e internazionale. Ha tenuto la sua prima mostra nel 2002, partecipando alla collettiva Arte más joven, "Instituto Andaluz de la Juventud (IAJ)". Almeria, Jaen e Siviglia, Spagna IAJ Granada, e solo un anno dopo (2003) ha tenuto la sua prima mostra personale dal titolo "Recuperar la mirada", Carmen de la Victoria, Università di Granada. A queste mostre ne sono seguite molte altre, sia a livello nazionale che internazionale, tra cui ricordiamo; 'Play room' tenutasi al CAC di Malaga, nel 2008, Fast food, presso la Galerie Zink, Germania (2015), No cartoons tonight, Art on paper Fair (progetto personale), presso la Castor Gallery, New York (2016), Do not touch, presso la Nanzuka Gallery, Tokyo (2018), F*ck You, Nanzuka EchoOne, Nanzuka Gallery, a Bangkok (2018), Javier Calleja, mostra personale, presso Aisho/Nanzuka, Hong Kong (2019) e Those Little things, residenza d'artista, Dio Horia, a Mykonos. Inoltre, Calleja ha partecipato a diverse delle più importanti fiere in Spagna, come ARCO (2020), Estampa (2019) e Urbanity Art (2020). Le sue opere sono state acquistate da numerosi collezionisti privati e da importanti istituzioni come il Banco Sabadell, la Diputación de Málaga, la DKV Collection, la Marset Collection, il CAB di Burgos, il CAC di Málaga, Unicaja, la Junta de Andalucía e l'Università di Granada. Da notare che durante il COVID, Calleja ha messo in vendita diverse figure conosciute con Art toy, al fine di devolvere il ricavato alle persone colpite dalla pandemia. Il lavoro di Calleja è caratterizzato da un linguaggio naïf, influenzato da un certo carattere surrealista e pop. In essa si può apprezzare l'interesse per la presenza infantile, accompagnata in molte occasioni dal testo. Questa caratteristica invita lo spettatore a riflettere sulle immagini che propone, approfondendo un significato concettuale che va oltre l'ovvio. All'inizio le sue opere si sono concentrate sull'installazione e sulla pittura murale, anche se lavora anche in altri formati più piccoli come la scultura e il disegno.

Stima 800 - 900 EUR

lun 13 mag

MARK RYDEN (Medford, Oregon, 1963) per MATTEL. "Baby Bosh (Buff, bianco)", 2022. Vinile. Esemplare 166/350. Conserva la scatola d'autore personalizzata con l'etichetta di autenticità sul retro e la numerazione. Numerato e autenticato sulla confezione personalizzata. Firmato e datato sul piede sinistro. Misure: 15 x 7 x 5 cm; 7 x 19 x 10 cm (scatola). Baby Bos è stato creato per la prima volta da Mark Ryden nel 2020 per la sua mostra Animals alla Emmanuel Perrotin Gallery di Shanghai. Nella mostra le figure erano realizzate in porcellana e vantavano una dimensione di 45 cm. Un anno dopo, in collaborazione con Artoyz e Golem, Mark Ryden ha ricreato queste figure di Bos, questa volta in vinile e di dimensioni più piccole. Mark Ryden si è laureato nel 1987 presso l'Art Center College of Design di Pasadena. I suoi dipinti sono stati esposti in musei e gallerie di tutto il mondo, tra cui la retrospettiva "Chamber of Wonders" al Center for Contemporary Art di Malaga, oltre alla precedente retrospettiva "Wondertoonel" al Frye Art Museum di Seattle e al California Museum of Art di Pasadena. Recentemente Ryden è stato incaricato di creare le scene e i costumi per una nuova produzione di Whipped Cream, presentata dall'American Ballet Theatre con la coreografia di Alexei Ratmansky. Whipped Cream è basato su Schlagobers, un balletto in due atti con libretto e partitura di Richard Strauss, rappresentato per la prima volta all'Opera di Stato di Vienna nel 1924.

Stima 800 - 1 000 EUR

lun 13 mag

MARK RYDEN (Medford, Oregon, 1963) per MATTEL. "Baby Bosh (Bistre, nero)", 2022. Vinile. Esemplare 282/300. Conserva la scatola d'autore personalizzata che riporta sul retro l'etichetta di autenticità con la numerazione. Numerato e autenticato sulla confezione personalizzata. Firmato e datato sul piede sinistro. Misure: 15 x 7 x 5 cm; 7 x 19 x 10 cm (scatola). Baby Bos è stato creato per la prima volta da Mark Ryden nel 2020 per la sua mostra Animals alla Emmanuel Perrotin Gallery di Shanghai. Nella mostra le figure erano realizzate in porcellana e vantavano una dimensione di 45 cm. Un anno dopo, in collaborazione con Artoyz e Golem, Mark Ryden ha ricreato queste figure di Bos, questa volta in vinile e di dimensioni più piccole. Mark Ryden si è laureato nel 1987 presso l'Art Center College of Design di Pasadena. I suoi dipinti sono stati esposti in musei e gallerie di tutto il mondo, tra cui la retrospettiva "Chamber of Wonders" al Center for Contemporary Art di Malaga, oltre alla precedente retrospettiva "Wondertoonel" al Frye Art Museum di Seattle e al California Museum of Art di Pasadena. Recentemente Ryden è stato incaricato di creare le scene e i costumi per una nuova produzione di Whipped Cream, presentata dall'American Ballet Theatre con la coreografia di Alexei Ratmansky. Whipped Cream è basato su Schlagobers, un balletto in due atti con libretto e partitura di Richard Strauss, rappresentato per la prima volta all'Opera di Stato di Vienna nel 1924.

Stima 800 - 1 000 EUR

lun 13 mag

KAWS (New Jersey, 1974). "Bambola Kokeshi, set di deodoranti per ambienti" (marrone, grigio e nero), 2019. Vinile. Stampe 1/1000. Pubblicato da Ding Dong Taknhaibin. In allegato 9 ricariche di profumo e 3 supporti per pinze. Conserva la scatola dell'autore con una piccola botta sul retro. Dimensioni: 7 x 7,5 x 3,5 cm (x3); 6 x 19 x 19 x 19 cm (scatola). Set di tre figure in vinile che sono anche deodoranti per ambienti. Brian Donnelly, noto professionalmente come Kaws (stilizzato come KAWS), è un artista e designer americano. Il suo lavoro comprende l'uso ripetuto di un cast di personaggi e motivi figurativi, alcuni dei quali risalgono all'inizio della sua carriera negli anni '90, inizialmente dipinti in 2D e successivamente realizzati in 3D. Le sculture di Kaws hanno dimensioni che vanno da pochi centimetri a dieci metri di altezza e sono realizzate in vari materiali, tra cui vetroresina, alluminio, legno, bronzo e una zattera gonfiabile in acciaio. Le sue opere sono esposte in gallerie e musei, conservate in collezioni permanenti di istituzioni pubbliche e collezionate avidamente da privati, tra cui il produttore musicale Swizz Beatz e il rapper Pharrell Williams. Sono stati pubblicati diversi libri che illustrano il suo lavoro. Vive e lavora a Brooklyn, New York, realizzando sculture, dipinti acrilici su tela e stampe serigrafiche, e collaborando anche a livello commerciale, soprattutto per giocattoli in edizione limitata, ma anche per abbigliamento, skateboard e altri prodotti. Il lavoro di Kaws può essere caratterizzato da un'enfasi sul colore e sulla linea, da una grafica distintiva, come l'uso ripetuto della "x" nelle mani e negli occhi, e da una riappropriazione di icone della cultura pop come Topolino, l'omino Michelin, i Puffi, Snoopy, Snoopy. Snoopy e SpongeBob SquarePants. I suoi personaggi sono generalmente raffigurati in una posa timida o indifesa, spesso con le mani sugli occhi.

Stima 500 - 600 EUR

mar 14 mag

Rosalba Carriera (Venezia 1675 - 1757) attribuito - Rosalba Carriera (Venezia 1675 - 1757) attribuito Ritratto di fanciulla Pastello su carta intelata 36 x 30,5 cm L'opera riprende, con mirabile raffinatezza tecnica ed espressiva, il noto Ritratto di giovinetta conservato al Louvre di Parigi. Rosalba Carriera è tra i maggiori artisti del Settecento europeo. Viene considerata l’artista donna più grande di tutti i tempi. Il suo stile è il più attento e penetrante della società veneziana ed europea del Settecento, fondamentale per lo sviluppo della ritrattistica francese. Con i suoi ritratti ha scandagliato in modo impareggiabile ideali di grazia e di eleganza di un’epoca: il canto del cigno della nobiltà europea che dopo qualche decennio avrebbe perso il proprio status all’interno della società rinnovata dalle idee illuministiche. Educata a coltivare le arti, come si conveniva alle ragazze del tempo, Rosalba e le due sorelle studiano musica, letteratura, pittura, ricamo e lingue straniere. Presto Rosalba si dedica allo studio della pittura, specialmente nelle miniature e nei ritratti, approfondendo e riscoprendo la tecnica del pastello, all’epoca dimenticata. Diventata famosa per la delicatezza delle sue miniature, comincia a ritrarre le personalità più imminenti dell'epoca usando la tecnica del pastello, in cui primeggiava in Europa. Grazie alle sfumature delicatissime e ai segni di colore puro che questa tecnica permette, nelle sue opere i committenti trovavano sia un'estrema delicatezza nei vellutati incarnati sia la precisione realistica dei particolari. Il suo successo abbinato alla conoscenza di più lingue le aprirono la strada a molte corti d'Europa, dove accresceva la sua fama dipingendo miniature e ritratti per le famiglie reali e per la nobiltà di corte. Morì a Venezia poco più che ottantenne, il 15 aprile 1757, dopo un decennio doloroso per l’avvenuta cecità. Ricordiamo la sua abitudine di fare una copia, o più copie, di tutti i dipinti eseguiti dal 1720. Rosalba Carriera (Venice 1675 - 1757) attributed Portrait of a Girl Pastel on canvas paper 36 x 30,5 cm The artwork reproduces, with admirable technical and expressive refinement, the well-known Portrait of a Young Girl in the Louvre, Paris.

Stima 5 000 - 7 000 EUR

mar 14 mag

Rosalba Carriera (Venezia 1675 - 1757) scuola di - Rosalba Carriera (Venezia 1675 - 1757) scuola di Ragazza che legge Pastello su carta 61 x 50 cm Rosalba Carriera è tra i maggiori artisti del Settecento europeo. Viene considerata l’artista donna più grande di tutti i tempi. Il suo stile è il più attento e penetrante della società veneziana ed europea del Settecento, fondamentale per lo sviluppo della ritrattistica francese. Con i suoi ritratti ha scandagliato in modo impareggiabile ideali di grazia e di eleganza di un’epoca: il canto del cigno della nobiltà europea che dopo qualche decennio avrebbe perso il proprio status all’interno della società rinnovata dalle idee illuministiche. Educata a coltivare le arti, come si conveniva alle ragazze del tempo, Rosalba e le due sorelle studiarono musica, letteratura, pittura, ricamo e lingue straniere. Presto Rosalba si dedicò allo studio della pittura, specialmente nelle miniature e nei ritratti, approfondendo e riscoprendo la tecnica del pastello, all’epoca dimenticata. Diventata famosa per la delicatezza delle sue miniature, cominciò a ritrarre le personalità più imminenti dell'epoca usando la tecnica del pastello, in cui primeggiava in Europa. Grazie alle sfumature delicatissime e ai segni di colore puro che questa tecnica permette, nelle sue opere i committenti trovavano sia un'estrema delicatezza nei vellutati incarnati, sia la precisione realistica dei particolari. Il successo abbinato alla conoscenza delle lingue le aprirono la strada presso molte corti d'Europa, dove accresceva la sua fama dipingendo miniature e ritratti per le famiglie reali e per la nobiltà di corte. Morì a Venezia poco più che ottantenne, il 15 aprile 1757, dopo un decennio doloroso per l’avvenuta cecità. Presso di lei si formarono le allieve: Marianna Carlevarijs, Felicita Sartori, Angioletta Sartori, Gian Antonio Lazzari. Rosalba Carriera (Venice 1675 - 1757) school of Girl Reading Pastel on paper 61 x 50 cm

Stima 5 000 - 7 000 EUR

mer 15 mag

Pierre Adolphe Hall - Ritratto di giovane donna con rose appuntate Guazzo su avorio. Ritratto a mezzo busto leggermente girato verso destra con un nastro blu tra i riccioli e un fichu blu. 7,0 x 6,4 cm. Cornice a capsula rotonda in argento con profili cordonati. Attribuito a Pierre Adolphe Hall, Parigi, anni 1770/1780. Lo svedese Pierre Adolphe Hall (1739 - 1793) studiò inizialmente medicina e scienze naturali presso la facoltà dell'Università di Uppsala, dove lavorava anche Carl Linnaeus. Solo dopo essersi stabilito a Parigi iniziò a lavorare come miniaturista. Nel 1769 fu eletto all'Académie royale de peinture et de sculpture e ricevette commissioni dalla famiglia reale francese. La presente miniatura di una giovane donna esemplifica il suo talento attraverso i dettagli raffinati, il tratteggio e l'accentuazione del bianco con cui anima il soggetto. Competenza È disponibile una licenza di commercializzazione per l'avorio (DE-S-0494-23). Provenienza Collezione Leo R. Schidlof, deceduta. Christie's Ginevra 18 maggio 1994, lotto 420. Collezione privata renana. Mostre "Capolavori della pittura europea in miniatura dal 1750 al 1850", Albertina/Vienna, marzo 1965, n. 187. Letteratura Sull'artista si veda Schidlof, La miniatura in Europa nei secoli XVI, XVII, XVIII e XIX, Graz 1964, Vol. I, p. 326 e segg. Questo oggetto è stato prodotto utilizzando materiali per i quali è richiesta un'autorizzazione CITES per l'esportazione in paesi extra UE. Desideriamo sottolineare che di solito non viene concessa una licenza.

Stima 1 500 - 2 000 EUR
La sicurezza
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