Yuichi, Inoue Ajisai (= Hortensie). 1973. Tusche auf hauchzartem China aufgewalz…

Descrizione

Yuichi, Inoue Ajisai (= Hortensie). 1973. Tusche auf hauchzartem China aufgewalzt auf Japan. Sichtmaß 19 x 20 cm. Mit Stempelsignatur. Auf Unterlage montiert und unter Glas gerahmt (ungeöffnet). - Tec…

Modernismo americano Espressionismo astratto Yuichi, Inoue Ajisai (= ortensia). 1973. Inchiostro di china su Cina di vapor d'acqua, arrotolato su Giappone. Dimensioni visibili 19 x 20 cm. Con firma a timbro. Montato su supporto e incorniciato sotto vetro (non aperto). - Alcune tracce di studio dovute alla tecnica, altrimenti apparentemente in ottime condizioni. Unagami, Catalogo ragionato, Vol. 2, n. 73194 - Provenienza: collezione privata tedesca, acquisita presso la Japan Art Galerie Friedrich Müller. - Raffigura un waka, un genere classico della poesia giapponese, che può essere tradotto come segue: Ho sentito nel vento che la mia vecchia casa è stata abbattuta/mi chiedo se le ortensie stanno fiorendo/attraverso una finestra che non c'è più (cfr. Unagami, Vol. 2., 73150). - Yu-Ichi, che ha lavorato a Tokyo per tutta la vita, è oggi uno dei più importanti artisti giapponesi del XX secolo. Con le sue opere espressive, viene solitamente citato alla stregua dei grandi rappresentanti dell'Espressionismo astratto Franz Kline e Robert Motherwell. Il critico Herbert Read cita YU-ICHI nel suo libro "A Concise History of Modern Painting", mentre Robert Motherwell lo descrive come uno dei pochi grandi artisti della seconda metà del secolo. Nonostante il riconoscimento internazionale, ha partecipato solo a poche mostre, concentrando le sue energie sulla creazione artistica, nella quale ha trovato un approccio per esprimere le sue energie con l'aiuto dei caratteri kanji. Non è interessato all'estetica dei caratteri, ma si concentra sul libero sviluppo della sua forza interiore, che si esprime direttamente nella scrittura. In questo modo, Yu-Ichi supera i confini della calligrafia tradizionale per raggiungere un'espressività radicale. - Le opere di Inoue Yûichi si trovano in numerose e importanti collezioni in tutto il mondo, come il Museo Nazionale d'Arte Moderna di Tôkyô e Kyôto, il Museo d'Arte Moderna di New York, lo Stedelijk Museum di Amsterdam e altri (cfr. https://www.japan-art.com/artists/26-yu-ichi-%28inoue-yuichi%29/overview/, consultato il 29 maggio 2024). Inchiostro su porcellana, arrotolato su Giappone. Dimensioni visibili 19 x 20 cm. Con firma a timbro. Montato su tappetino sottostante e incorniciato sotto vetro (non aperto). - Alcune tracce di studio dovute alla tecnica, altrimenti apparentemente in ottime condizioni. - Provenienza: collezione privata, Germania. Acquisito presso la Japan Art Galerie Friedrich Müller. - Yu-Ichi è considerato uno dei più importanti artisti giapponesi del XX secolo. Con le sue opere espressive, viene solitamente citato alla stregua dei grandi rappresentanti dell'Espressionismo astratto Franz Kline e Robert Motherwell, e i suoi contemporanei lo ammirano. Nonostante il riconoscimento internazionale, ha partecipato solo a poche mostre, concentrando le sue energie sul lavoro artistico. Yu-Ichi ha trovato un approccio per esprimere la sua energia artistica con l'aiuto dei caratteri kanji. Non è interessato all'estetica dei caratteri, ma si concentra sul libero flusso della sua forza interiore, che si esprime direttamente nella scrittura. In questo modo, Yu-Ichi supera i confini della calligrafia tradizionale per raggiungere un'espressività radicale. - Le opere di Inoue Yûichi si trovano in numerose e importanti collezioni in tutto il mondo, come il Museo Nazionale d'Arte Moderna di Tôkyô e Kyôto, il Museo d'Arte Moderna di New York, lo Stedelijk Museum di Amsterdam e altri (cfr. https://www.japan-art.com/artists/26-yu-ichi-%28inoue-yuichi%29/overview/, consultato il 29 maggio 2024).

353

Yuichi, Inoue Ajisai (= Hortensie). 1973. Tusche auf hauchzartem China aufgewalzt auf Japan. Sichtmaß 19 x 20 cm. Mit Stempelsignatur. Auf Unterlage montiert und unter Glas gerahmt (ungeöffnet). - Technikbedingt etw. atelierspurig, ansonsten augenschein

Le offerte sono terminate per questo lotto. Visualizza i risultati

Forse ti piacerebbe anche

Stima 5 000 - 8 000 EUR

λ AUBREY WILLIAMS (BRITISH 1926-1990), CHIMU

Stima 10 000 - 12 000 EUR

SAM FRANCIS (San Mateo, California, 1923 - Santa Monica, California 1994). Senza titolo, 1984 (SFF.1099 alias SFP84-46). Acrilico su tela. Firmato sul verso in corsivo dall'artista: "Sam Francis" con le scritte "SFP84-45" in pennarello blu e 1984 in matita grigia. Provenienza: -Galleria Nantenshi, Tokyo (1985). -Collezione privata, Giappone. Allegato certificato di autenticità rilasciato dalla Sam Francis Foundation. Elencato nel catalogo ragionato con il n. SFF. 1099. Misure: 5,08 x 7,62 cm; 33 x 40 cm (cornice). In questa tela, San Francis ci presenta una composizione dedicata allo studio del ritmo e alla scomposizione lineare delle forme astratte. Stili come il neoplasticismo e il costruttivismo sono stati assimilati in modo personale; tuttavia, il californiano si spinge oltre e rompe con questa idea di linee pure, lasciando gli spazi al caso e all'espressività della materia pittorica stessa, come si può vedere nelle gocce di vernice versate. San Francis ha studiato botanica, medicina e psicologia all'Università di Berkeley, in California, tra il 1941 e il 1943, e ha prestato servizio nell'Aeronautica Militare degli Stati Uniti durante la Seconda Guerra Mondiale, dal 1943 al 1945, prima di rimanere ferito in un incidente aereo. Trascorse diversi anni in ospedale e fu in questo periodo che iniziò a dipingere, su esortazione dell'amico David Parks, professore alla San Francisco School of Fine Arts. Una volta uscito dall'ospedale torna a Berkeley, questa volta per studiare arte. Gli studi di pittura e storia dell'arte lo impegnano dal 1948 al 1950. I primi lavori di Francis sono direttamente influenzati dagli espressionisti astratti come Rothko, Gorky e Still. Negli anni Cinquanta vive a Parigi, dove nel 1952 tiene la sua prima mostra personale alla Galerie Nida Dausset. Negli anni Cinquanta e Sessanta tiene importanti mostre personali e partecipa a collettive alla Ribe Droite (Parigi, 1955), a Martha Jackson (New York, 1956), a Gimpel Fils (Londra, 1957), alla mostra "New American Painting", che fa il giro di otto città europee (1958), alla Documenta di Kassel (1959 e 1964) e alle Kunsthalle di Berna e Düsseldorf. Nel 1963 si stabilisce a Santa Monica, in California, e sei anni dopo viene insignito del dottorato honoris causa dall'Università di Berkeley. È in questo periodo, tra il 1960 e il 1963, che crea diverse serie di opere, tra cui la serie "Blue Balls". Costituite da forme e gocce prevalentemente biomorfe di colore blu, queste opere fanno riferimento al dolore provocato dalla tubercolosi renale di cui soffre nel 1961. Continuò a dipingere, principalmente a Los Angeles, ma anche a Tokyo, dove visse soprattutto nel 1973-4. Nel 1965 Francis inizia una serie di dipinti caratterizzati da ampie aree di tela aperta, colore minimo e linee decise. Il suo lavoro si evolve ulteriormente dopo aver iniziato un'analisi junghiana intensiva con il dottor James Kirsch nel 1971. Le opere di Francis dei primi anni Settanta sono state definite "immagini d'aria fresca". Create aggiungendo pozze, gocce e spruzzi di colore a bande bagnate applicate con un rullo, queste opere riaffermano l'interesse dell'artista per il colore. Nel 1973-4, molti dei dipinti di Francis presentavano una griglia formale o una matrice composta da tracce di colore incrociate. Molte di queste opere a matrice erano di grandi dimensioni e misuravano fino a sei metri di lunghezza. Dopo il 1980, la struttura formale a griglia è gradualmente scomparsa dal lavoro di Francis. Francis è stato estremamente attivo come stampatore, creando numerose acqueforti, litografie e monotipi, molti dei quali sono stati eseguiti a Santa Monica presso il Litho Shop di Francis. Nel 1984 Francis fonda The Lapis Press con l'obiettivo di produrre testi insoliti e tempestivi in formati visivamente accattivanti.

Stima 2 000 - 2 200 EUR

MANUEL HERNÁNDEZ MOMPÓ (Valencia, 1927 - Madrid, 1992). Senza titolo, Roma, 1954. Olio su cartone. Firmato, datato e titolato in basso a sinistra. Opera riprodotta a colori nel Catalogo ragionato dell'artista, nº 1954/113 p. 142. 142. Il certificato può essere rilasciato su richiesta e a spese dell'acquirente. Misure: 63 x 23 cm; 82 x 41 cm (cornice). Figlio di un insegnante di pittura, Hernández Mompó alterna gli studi di base e quelli liceali con le lezioni alla Scuola di Arti Applicate e Mestieri Artistici di Valencia, dove entra nel 1943. Nel 1948 ottiene una borsa di studio per dipingere a Granada, nella Residenza per Pittori, e tre anni dopo una nuova pensione gli permette di recarsi a Parigi. Nella capitale francese entra in contatto con gli ambienti dei pittori informali, la cui influenza segnerà la sua produzione successiva, abbandonando definitivamente i paesaggi e i ritratti che avevano dominato il suo lavoro fino ad allora. Tra il 1954 e il 1955 trascorre un lungo periodo a Roma, grazie a una borsa di studio del Dipartimento della Cultura del Ministero dell'Educazione Nazionale, per studiare all'Accademia di Belle Arti di Spagna nella capitale italiana. Nel 1954 partecipa all'Esposizione Internazionale di Viareggio, dove riceve il Premio Navigazione Italiana. Lascia l'Italia e si stabilisce ad Amsterdam, dove torna a frequentare i cenacoli informali. Nel 1957 torna in Spagna e si stabilisce ad Aravaca (Madrid). L'anno successivo riceve una borsa di studio dalla Fondazione Juan March di Madrid e vince il Gran Premio Nazionale di Pittura e una prima medaglia all'Esposizione Nazionale di Belle Arti. Negli anni Sessanta e Settanta alterna la sua residenza tra Madrid e Ibiza e nel 1973 trascorre un anno in California. Al suo ritorno in Spagna si stabilisce a Maiorca. Hernández Mompó espone nelle principali capitali europee e statunitensi e partecipa a mostre collettive nazionali ed estere. Tra i suoi riconoscimenti più importanti, il Premio Unesco ricevuto alla XXXIV Biennale di Venezia nel 1968. Nel 1984 gli è stato conferito il Premio Nazionale di Belle Arti del Ministero della Cultura. Il suo stile giovanile è stato presto influenzato in modo definitivo dall'espressionismo astratto e dall'informale, anche se le sue opere non hanno mai perso il riferimento alla realtà. Nella sua produzione, Hernández Mompó cattura un immaginario figurativo e poetico, armoniosamente mescolato con elementi astratti e ricchi effetti di sovrapposizione. Hernández Mompó è rappresentato all'IVAM di Valencia, al Museo Nacional Reina Sofía, al Museo de Arte Abstracto di Cuenca, al British Museum di Londra, al Centre Georges Pompidou di Parigi, alla Chase Manhattan Bank Collection di New York e al Winterthur Museum in Svizzera, tra i tanti. Opera riprodotta a colori nel Catalogo ragionato dell'artista, nº 1954/113 p. 142. 142. Il certificato può essere rilasciato su richiesta e a spese dell'acquirente.

I pagamenti online sono protetti da Ingenico e le transazioni sono criptate.

Ogni lotto è stato autentificato e sottoposto a perizia da una Casa d’aste.

Consulta l'aiuto o contattaci

Casa d'aste mitica, Drouot è la più grande casa d'aste in Francia. Aperta a tutti, l'istituzione è il luogo ideale per gli amanti dell'arte e della design. La piattaforma di aste online drouot.com vi permette di fare offerte a distanza, in qualsiasi luogo vi troviate, e di accedere al più grande catalogo di arte e oggetti decorativi dell'Europa continentale.

Il gruppo Drouot

CASE D'ASTA CERTIFICATE DROUOT

Contatti

HÔTEL DROUOT

9, rue Drouot 75009 Paris, France

+33 (0)1 48 00 20 00

[email protected]

DROUOT.com

[email protected]

Visite e privatizzazioni