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Sculture in gesso

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mar 06 ago

Auguste RODIN (1840-1917) Orpheline Alsacienne, versione con testa inclinata recante l'iscrizione A. RODIN e reca l'iscrizione apocrifa 98 Terracotta ricoperta di barbottina ocra. Altezza Altezza: 29,5 cm Altezza totale: 37,5 cm Leggera crepa di cottura, alcune scheggiature alla base in marmo. Bibliografia: C. Goldscheider, Rodin Catalogue raisonné de l'oeuvre sculptée, t. 1. Paris 1888. P 58 ill Fig 35. P 59. Prova citata nel catalogo della mostra al Musée Rodin di Parigi "Vers l'Age d'Airain - Rodin en Belgique" 1997. P 113. Concepito nel 1870 ed eseguito in un momento successivo, prima del 1900. Quest'opera è inclusa nel Catalogo critico dell'opera scultorea di Auguste Rodin realizzato dal Comité Rodin in collaborazione con la Galerie Brame & Lorenceau sotto la direzione di Jérôme Le Blay Numero di archivio 2015-4587B. Il certificato di inclusione nel catalogo, datato 10 marzo 2015, sarà consegnato all'acquirente. All'acquirente sarà consegnato anche un certificato di Monsieur Philippe Maréchaux (sul retro della fotografia dell'opera), datato 11 ottobre 1988. Origine: Probabilmente: Ex collezione del ceramista e pittore francese Taxile Doat (1851-1939), amico di Rodin che frequentava la Manifattura di Sèvres. Vendita presso Hôtel Drouot, Parigi, 25 marzo 1982, lotto 56 Vendita presso Hôtel Drouot, Parigi, 15 dicembre 1982, lotto 67 Collezione privata, Francia (acquistato alla vendita di cui sopra) - Acquistato dall'attuale proprietario nel 1988 In un commento all'opera in marmo conservata al Musée des Beaux-Arts di Reims, Marie Hélène Montout-Richard, conservatore capo, scrive: "La modella è certamente Rose Beuret, compagna dell'artista dal 1864, a meno che non si tratti del ricordo - talvolta evocato ma non confermato - di una bambina vista nel 1863 in una processione a Strasburgo". Esposta nel 1883 nelle gallerie della rivista L'Art, in Place de l'Opéra a Parigi, l'opera fu descritta come un "bel sogno di marmo". In effetti, al di là del suo significato patriottico, il fascino principale della figura risiede nella malinconia che emana. Questo senso misto di nostalgia, unito alla morbidezza e al candore del marmo, è rafforzato dall'accurata lavorazione del pizzo del costume. Il tipico copricapo alsaziano, solitamente riconoscibile per la sua rigida forma a fiocco, qui è stato sapientemente ammorbidito. Accarezza la testa del bambino come una mano protettiva". Orpheline Alsacienne, talvolta chiamata Petite Alsacienne o Jeune Alsacienne, fu esposta per la prima volta a Bruxelles nel 1871, poco dopo l'arrivo di Rodin in Belgio. In seguito trascorse sei anni della sua giovinezza attraversando le Fiandre in compagnia di Rose Beuret. Lì studia l'arte del paese e copia i grandi maestri. È in questo periodo che si afferma come artista. Una volta raggiunta la fama, descrive questi giorni come "i più felici della sua vita". Tra le circa trenta opere presentate in una quindicina di mostre, questa scultura fu quella che ebbe maggior successo; prima opera ad essere accettata da una giuria (a Gand, al Salon del 1871), fu esposta più volte in materiali diversi (marmo, gesso o terracotta). Alcune differenze si notano nella disposizione della testa, più o meno incassata nel drappo del mantello che copre le spalle, negli ornamenti sulla nuca e nel modo in cui la testa è posizionata. il fiocco e le frange laterali. Questa raffigurazione di una bambina malinconica e simile a una bambola è tanto più attraente per il pubblico in quanto il titolo la colloca nell'immaginario creato di recente dalla perdita dell'Alsazia e della Lorena da parte della Francia. Presentata con un copricapo alsaziano, rende omaggio a queste province perdute. La critica è stata piena di elogi: "un piccolo alsaziano delizioso" (Gazette de Bruxelles), "fatto dal nulla, come uno schizzo a matita, e che molti poveri diavoli invidiano a Charles Buls che l'ha acquistato" (La chronique), "squisito nella sua ingenuità e nella sua grazia con il grande fiocco di seta posto sulla fronte come una farfalla che spiega le ali" (L'Écho). In una parola, "ingenuità con grazia". La testa incantevole di una bambina" (Sulzberger). Esposta nel febbraio 1883 nei saloni de "L'Art", Place de l'Opéra, in occasione della tombola per le vittime dell'alluvione in Alsazia-Lorena, Orpheline Alsacienne fu notata e descritta come "un bel sogno di marmo" (Jacques de Biez). Si noti la differenza tra i calchi in gesso e le terrecotte con la testa eretta e i marmi in cui la testa è stata inclinata sulla spalla, aggiungendo alla figura un aspetto stralunato. Il marmo di riferimento si trova al Musée Rodin (H. 38,5 cm).

Stima 80 000 - 100 000 EUR

mar 10 set

JORDI ALCARAZ I TARRADAS (Calella, Barcellona, 1963). "Bufador", 2007. Scultura in gesso e urna in metacrilato, copia H.C. Firmato e giustificato. Dimensioni: 36 x 17 x 17 cm. In "Bufador (Soffiatore)" Alcaraz trasforma il vetro in materiale plasmabile: modifica questo materiale ad alte temperature e ci fa credere che sia stato deformato dalla soffiatura della testa scultorea in cattività. Jordi Alcaraz ha iniziato la sua carriera artistica nel campo della scultura e dell'incisione. Si è diplomato al Taller de Músics di Barcellona ed è un grande appassionato di arti plastiche. È autodidatta in pittura, scrittura e fotografia. Nel 2010 ha iniziato il suo progetto @ para4gatos (sui social network), basato sulla fotografia, elaborata esclusivamente con applicazioni per dispositivi mobili. In questo periodo ha realizzato circa 2000 metafore visive, e non solo. Con un tono ironico, invita lo spettatore all'osservazione e alla riflessione, per scoprire la poesia nascosta negli oggetti più comuni, sottoponendoli a leggere trasformazioni e alterandone la funzione, il contesto e gli usi abituali. In questo periodo ha realizzato commissioni per importanti marchi come Schwarzkopf Professional, Harley Davidson e El Terrat de Producciones. Il suo lavoro è stato esposto in gallerie di Pamplona, Lisbona, Bilbao e Barcellona. La sua formazione musicale lo ha portato a lavorare per diversi gruppi della scena musicale barcellonese come Zulu 9:30, Pablo Selnik Cuarteto, Eufuria, Sexteto Guardiola, ecc ..... Attualmente collabora con "El Periódico de Cataluña" realizzando diverse fotografie, sempre con un tono poetico, sull'attualità nazionale. Mayka Navarro, giornalista di Barcellona con una lunga carriera, ha definito il suo lavoro in modo molto appropriato: "Ogni immagine di questo fotografo virtuale di Barcellona è un preciso pugno ai sensi. Jordi Alcaraz riconverte la realtà in messaggi impegnati che prendono vita e ci commuovono. Gli oggetti quotidiani si trasformano in capsule di informazioni animate che concentrano così tanta intensità che a volte sembra che siano vive e che possano uscire da un momento all'altro. Fin dagli esordi, in questi venticinque anni di attività, ha realizzato numerose mostre personali e collettive in Spagna, Belgio, Germania, Italia, Canada e Svizzera, ed è stato presente in alcune delle più importanti fiere del circuito internazionale dell'arte contemporanea (Arco, Art Basel, Art Frankfurt, Art Cologne, Art Chicago, Art Miami e Arte Lisboa, tra le altre). Attualmente è rappresentato presso il Centre Cultural Contemporani Pelaires di Palma di Maiorca, oltre che in diverse collezioni private in tutto il mondo.

Stima 4 000 - 5 000 EUR

mar 10 set

PATRICIA DAUDER (Barcellona, 1973). "Sobreposició II (Casa)". 2007. Collage e matita colorata su carta da lucido. Con etichetta sul retro della galleria Projectes D. Certificato sul retro dell'artista. Misure: 90 x 120 cm. In "Sobreposició", Patricia Dauder evoca la memoria legata allo spazio domestico. Con un linguaggio suggestivo vicino al minimalismo e all'astrazione lirica, Dauder sperimenta la forma e la materia come riflessione sullo scorrere del tempo e sull'idea di spazio. Presenza e assenza, il tutto e il frammento, la massa e il vuoto, il residuo e la traccia, sono concetti che risuonano nelle sue proposte. Formatasi in Belle Arti all'Università di Barcellona e con soggiorni in Olanda, a New York e a Praga, vive e lavora a Barcellona. Utilizza diversi media: disegno, scultura, tessuti, film e fotografia. Nel suo lavoro, dal carattere marcatamente processuale, il viaggio gioca un ruolo di primo piano, così come la cultura del mare e l'idea di natura. L'artista rivendica forme più dirette ed essenziali di rapporto con l'ambiente naturale, una rivendicazione che si concretizza sia nei suoi viaggi che nelle sue scelte cromatiche, nel suo rapporto fisico e artigianale con i materiali (carta, grafite, cartone, tessuti, gesso, legno, aria, terra). Dauder crea e distrugge, traccia e cancella, aggiunge ed elimina, fino a plasmare raffinati pezzi dall'aspetto astratto che, nella loro ambiguità, finiscono per proiettare molteplici associazioni e iconografie. Dalla fine degli anni Novanta, il suo lavoro è stato esposto in sedi come il Museu de l'Empordà di Figueres (2008), la Fundació Suñol di Barcellona (2009), il Museu de Serralves di Porto (2012), il MARCO di Vigo (2015) e la National Gallery di Praga (2018). Le sue opere sono presenti in collezioni come il Centro Andaluz de Arte Contemporáneo di Siviglia, la Coleçao Fundaçao Serralves di Porto, la Colección CAM de Arte Contemporáneo di Alicante, la Fundació Vila Casas di Barcellona, il Centro Galego de Arte Contemporánea di Santiago de Compostela, la Chartwell Collection di Auckland, Nuova Zelanda e il MACBA di Barcellona, tra le altre.

Stima 3 500 - 4 000 EUR

mar 10 set

PATRICIA DAUDER (Barcellona, 1973). "Senza titolo (Verd-vermell)".2008. Matite colorate su carta. Con etichetta sul retro della galleria Projectes D. Misure: 91 x 124 cm. Con un linguaggio suggestivo vicino al minimalismo e all'astrazione lirica, Dauder sperimenta la forma e la materia come riflessione sullo scorrere del tempo e sull'idea di spazio. Presenza e assenza, il tutto e il frammento, la massa e il vuoto, il residuo e la traccia, sono concetti che risuonano nelle sue proposte. Formatasi in Belle Arti all'Università di Barcellona e con soggiorni in Olanda, a New York e a Praga, vive e lavora a Barcellona. Utilizza diversi media: disegno, scultura, tessuti, film e fotografia. Nel suo lavoro, dal carattere marcatamente processuale, il viaggio gioca un ruolo di primo piano, così come la cultura del mare e l'idea di natura. L'artista rivendica forme più dirette ed essenziali di rapporto con l'ambiente naturale, una rivendicazione che si concretizza sia nei suoi viaggi che nelle sue scelte cromatiche, nel suo rapporto fisico e artigianale con i materiali (carta, grafite, cartone, tessuti, gesso, legno, aria, terra). Dauder crea e distrugge, traccia e cancella, aggiunge ed elimina, fino a plasmare raffinati pezzi dall'aspetto astratto che, nella loro ambiguità, finiscono per proiettare molteplici associazioni e iconografie. Dalla fine degli anni Novanta, il suo lavoro è stato esposto in sedi come il Museu de l'Empordà di Figueres (2008), la Fundació Suñol di Barcellona (2009), il Museu de Serralves di Porto (2012), il MARCO di Vigo (2015) e la National Gallery di Praga (2018). Le sue opere sono presenti in collezioni come il Centro Andaluz de Arte Contemporáneo di Siviglia, la Coleçao Fundaçao Serralves di Porto, la Colección CAM de Arte Contemporáneo di Alicante, la Fundació Vila Casas di Barcellona, il Centro Galego de Arte Contemporánea di Santiago de Compostela, la Chartwell Collection di Auckland, Nuova Zelanda e il MACBA di Barcellona, tra le altre.

Stima 3 500 - 4 000 EUR

mar 10 set

PATRICIA DAUDER (Barcellona, 1973). "Senza titolo (Paisaje gris)".2005. Carboncino su carta. Con etichetta sul retro della galleria Projectes D. Misure: 130 x 100 cm; 150 x 120 cm (cornice). Patricia Dauder fa spesso precedere i titoli dalla premessa "Senza titolo", che è una dichiarazione d'intenti: non voler limitare e indirizzare le emozioni che lo spettatore proverà di fronte (in questo caso) a un "paesaggio grigio" (pioggia, umore plumbeo...) Con un linguaggio suggestivo vicino al minimalismo e all'astrazione lirica, Dauder sperimenta la forma e la materia come riflessione sullo scorrere del tempo e sull'idea di spazio. Presenza e assenza, il tutto e il frammento, la massa e il vuoto, il residuo e la traccia, sono concetti che risuonano nelle sue proposte. Formatasi in Belle Arti all'Università di Barcellona e con soggiorni in Olanda, a New York e a Praga, vive e lavora a Barcellona. Utilizza diversi media: disegno, scultura, tessuti, film e fotografia. Nel suo lavoro, dal carattere marcatamente processuale, il viaggio gioca un ruolo di primo piano, così come la cultura del mare e l'idea di natura. L'artista rivendica forme di relazione più dirette ed essenziali con l'ambiente naturale, una rivendicazione che si concretizza sia nei suoi viaggi che nelle sue scelte cromatiche, nel suo rapporto fisico e artigianale con i materiali (carta, grafite, cartone, tessuti, gesso, legno, aria, terra). Dauder crea e distrugge, traccia e cancella, aggiunge ed elimina, fino a plasmare raffinati pezzi dall'aspetto astratto che, nella loro ambiguità, finiscono per proiettare molteplici associazioni e iconografie. Dalla fine degli anni Novanta, il suo lavoro è stato esposto in sedi come il Museu de l'Empordà di Figueres (2008), la Fundació Suñol di Barcellona (2009), il Museu de Serralves di Porto (2012), il MARCO di Vigo (2015) e la National Gallery di Praga (2018). Le sue opere sono presenti in collezioni come il Centro Andaluz de Arte Contemporáneo di Siviglia, la Coleçao Fundaçao Serralves di Porto, la Colección CAM de Arte Contemporáneo di Alicante, la Fundació Vila Casas di Barcellona, il Centro Galego de Arte Contemporánea di Santiago de Compostela, la Chartwell Collection di Auckland, Nuova Zelanda e il MACBA di Barcellona, tra le altre.

Stima 5 000 - 5 500 EUR
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