Quadri

Tempo, presto! Nelle aste di pittura, i vecchi quadri regnano su un vasto dominio che copre sette secoli, dalle icone greco-bizantine ai paesaggi romantici. Dopo il 1870, la pittura impressionista e moderna segue fino alla seconda guerra mondiale con le scuole impressioniste e neoimpressioniste, seguite dai fauves, cubisti e surrealisti. Dal 1945 in poi, la pittura del dopoguerra e contemporanea copre la produzione artistica dall'espressionismo astratto all'arte povera, passando per lo spazialismo e la pop art. I quadri offerti nelle vendite online di paintings sono una gamma vertiginosa di storia dell'arte: dipinti religiosi, nature morte, vanità, dipinti floreali e di genere della scuola olandese e fiamminga, soggetti storici e scene mitologiche, dipinti di storia, paesaggi della fine del xviii e dell'inizio del xix secolo... Le rivoluzioni pittoriche della fine del xix secolo e l'avventura delle avanguardie del xx secolo sono anche riprodotte all'asta davanti ai nostri occhi, fino alle sovversioni dell'arte più attuale.

Vedi altro

Lotti consigliati

Isaac LICHTENSTEIN (Lodz 1889 - 1981) - Autoritratto dell'artista nel suo studio Realizzato nel 1923 Olio su tela 76 x 61 cm Firmato in basso a sinistra "Lichtenstein Sul retro della tela è firmato e datato "L. Lichtenstein 1923". Sul retro del telaio, l'etichetta della casa d'aste Chayette et Cheval. Isaac Lichtenstein nasce nel 1889 a Łódź, in Polonia, da una famiglia ebrea. Studia dapprima alla scuola Yuri Pen di Vitebsk, lo stesso luogo in cui Chagall aveva iniziato a dipingere i quartieri ebraici dello Shtetl. Nel 1906 frequenta l'Accademia di Cracovia e poi, intorno al 1908-1910, la Scuola d'Arte Bezalel di Gerusalemme, diretta da Boris Schatz e Samuel Hirshenberg. Si reca a Parigi nel 1911, poi in Israele nel 1912/1913, prima di trasferirsi a La Ruche di Parigi nel 1914. Diventa amico di artisti ebrei dell'Europa orientale come Pinchus Krémègne, Henri Epstein, Marek Szwarc e Léon Indenbaum. Fu uno dei cofondatori di "Machmadim", una rivista d'arte ebraica. Poco dopo lo scoppio della Prima guerra mondiale, Lichtenstein arrivò a Londra con Lazar Berson, che fondò il Ben Uri Museum nel 1915. Lichtenstein fu uno dei membri fondatori del museo. Lichtenstein si stabilì poi a New York per tutta la durata della guerra e contribuì a numerose pubblicazioni letterarie e artistiche. Dal 1920 in poi, Lichtenstein gravita tra Londra, la Polonia, Parigi e gli Stati Uniti, dove trascorre la maggior parte della sua vita. In particolare, rilancia la casa editrice Machmadim, dedicata alla produzione di libri artistici in yiddish. Isaac Lichtenstein dipinse questo autoritratto in uno studio nel 1923. E.V

Stima 1.000 - 1.500 EUR

Joseph CZAPSKI (Prague 1896 - Maisons Laffitte 1993) - Faust all'Opera di Parigi Creato nel 1956 Olio su tela 80 x 66 cm Firmato e datato in basso a destra "J.CZAPSKI.56". Provenienza: collezione privata, acquistata dall'artista negli anni '80. Jozef Czapski è stato un pittore, scrittore, intellettuale e critico d'arte polacco. Nacque a Praga nel 1896 e crebbe in Polonia nell'aristocratica famiglia polacca degli Hutten-Czapski. Nel 1915 partì per studiare legge all'Università di San Pietroburgo. È in questo periodo che inizia a scrivere il suo diario. Dopo la rivoluzione bolscevica, si arruolò nell'esercito polacco e prestò servizio disarmato come pacifista. Nel 1921 Czapski si iscrive all'Accademia di Belle Arti di Varsavia, poi a Cracovia nello studio di Józef Pankiewicz. Nel 1923, insieme ad altri studenti, fondò il "Comitato di Parigi" "Komitet Paryski" (K.P.), che si allontanava dalla pittura accademica polacca e il cui scopo era quello di recarsi a Parigi per seguire una formazione artistica. Nel 1924 il pittore partì per Parigi con gli altri studenti del "Kapist". Jozef Czapski incontrò Daniel Halévy, André Malraux, François Mauriac e il pianista Misia Sert, che divenne un mecenate del gruppo Kapist e una chiave per l'avanguardia parigina. Nel 1932 Czapski tornò in Polonia. Nel 1939 fu imprigionato in tre successivi campi sovietici. Nel 1941 combatté contro il nazismo nell'esercito polacco di Anders. Dopo la guerra, si stabilì definitivamente nei sobborghi parigini di Maisons-Laffitte, poi Mesnil-le-Roi. Continuò a prendere posizione contro il totalitarismo, scrivendo per la rivista polacca Kultura, pubblicata in Francia. Le sue prime opere pittoriche furono distrutte durante la guerra e riprese a dipingere solo nel 1948. Nel 1992 fu nominato professore onorario all'Accademia di Belle Arti di Cracovia. Czapski terminò la sua vita in esilio a Parigi. Czapski fu influenzato in particolare dalle opere di Cézanne e Bonnard, ma anche da Soutine e Nicolas de Stäel. Dipinse molte scene di vita parigina. Teatri, caffè, ristoranti e l'opera sono motivi ricorrenti nell'opera dell'artista. Oltre a Parigi, dipinse anche paesaggi francesi e spiagge. L'artista ha ritratto anche cantanti, attori, politici e scrittori. Il suo stile è profondamente moderno, con una visione umanistica della vita. Czapski espone per la prima volta nel 1930, in Francia con il gruppo Kapistes alla galleria Zak di Parigi. In seguito è stato protagonista del padiglione polacco alle Esposizioni Universali di Parigi (1937) e New York (1939). Nel 1990, il Musée Jenisch di Vevey, in Svizzera, ha organizzato una retrospettiva delle opere del pittore. E.V

Stima 15.000 - 20.000 EUR

JAIME (Jaume) HUGUET e la sua bottega (Valls circa 1415-Barcellona 1492) Santa Maddalena Olio su tavola d'altare, pittura all'uovo su pannello rettangolare di pino (vecchi restauri) 103,5 x 69 cm Spessore: 3 cm Provenienza : Collezione del chirurgo Henri Hartmann, Saint-Leu-la-Forêt, fino al 1951; Rimasto in famiglia. Davanti a una nicchia a forma di conchiglia che poggia su colonne con capitelli e basi dorate, Santa Madeleine è posta davanti a un drappo d'onore che imita il velluto con motivi vegetali dipinti in nero su fondo oro. Il pannello è stato tagliato per rimuovere i piedi della santa, che è in piedi, rivolta leggermente a sinistra. È vestita con un ampio mantello rosso foderato di verde, evidenziato da bordature dorate in rilievo, che si apre per rivelare un abito viola a maniche lunghe plissettato in vita, il cui busto è impreziosito da una treccia dorata in rilievo. Nella mano destra tiene il vaso degli unguenti (suo attributo), mentre con la sinistra regge il libro sacro e una parte del mantello. Il suo volto ovale, con la fronte aperta incorniciata da lunghi capelli bifidi, emana un'espressione di dolce e meditativa malinconia. Jaime Huguet nacque a Valls (provincia di Tarragona) intorno al 1412. Alla morte del padre, nel 1419, lui e il fratello Antoni furono affidati allo zio pittore Pere Huguet. Dopo un primo apprendistato presso quest'ultimo, che si era stabilito a Tarragona intorno al 1424, Jaime continuò la sua formazione a Barcellona, dove seguì lo zio nel 1434.Tra il 1434 e il 1448, alcuni critici (Gudiol, Alcolea, Ainaud de Lasarte)[1] hanno ipotizzato che Jaime Huguet, ormai pittore di formazione, abbia soggiornato a Saragozza, al seguito dell'arcivescovo Dalmau de Mur, che in precedenza era stato responsabile della diocesi di Tarragona. Poco più tardi, la sua impronta stilistica si ritroverà su pittori aragonesi, in particolare su Martin de Soria. In mancanza di una documentazione precisa, questo soggiorno è stato negato dalla critica, tra cui Rosa Alcoy[2], che ipotizza che il pittore fosse attivo in Catalogna in quel periodo. I documenti confermano il trasferimento definitivo di Jaime Huguet a Barcellona solo nell'agosto del 1448. Si sposò lì nel 1454. Pittore riconosciuto, gestì un grande studio, circondato da assistenti, e assunse numerose commissioni dal re, dalle confraternite religiose e dalle corporazioni commerciali della città e della regione catalana. Dalla pala d'altare di San Vincenzo di Sarria del 1450-1460 circa, a quella dedicata a San Sebastiano e Santa Tecla (Barcellona, cattedrale) documentata dal 1486 al 1498[3], sono una decina le pale d'altare, spesso monumentali, uscite dalla bottega di Huguet. La nostra Santa Maddalena fu indubbiamente realizzata in questa bottega, sotto la direzione di Jaime Huguet. Tra gli assistenti che lavoravano con il maestro, conosciamo soprattutto la famiglia Vergos[4], legata alla famiglia di Jaime dal 1454 e uno dei cui membri, il pittore decorativo Jaume Vergos II, fu testimone al matrimonio di Huguet. I due figli di Vergos II, Pau e Rafael, continuarono i legami tra le due famiglie dopo la morte di Jaime Huguet nel 1492. In effetti, la critica ha notato la presenza di uno di questi assistenti in alcune scene della pala d'altare di Sant'Agostino (Barcellona, Museu Nacional d'Art de Catalunya) per l'omonimo convento di Barcellona, commissionata nel 1463 e completata nel 1486, di cui Huguet realizzò solo la Consacrazione episcopale del santo e, nella predella, l'Ultima Cena e la Salita al Calvario (Museu Marès, Barcellona) (cfr. Gudiol, Alcolea, figg. 835,837,78). A Jaime Vergos II si deve anche gran parte della pala d'altare di Santo Stefano a Granollers (1493-1500) (Barcellona, Museu Nacional d'art de Catalunya), eseguita dopo la morte del figlio Pau nel 1495 e quella di Jaime Huguet nel 1492. È proprio a questo clima che circonda Jaime Huguet e la sua bottega che diversi storici hanno suggerito di collegare questa Santa Maddalena ancora inedita. Consultato tra il 1987 e il 1990 dal suo ultimo proprietario, Charles Sterling (lettera del 18 settembre 1987) lo colloca alla fine della carriera dell'artista, mentre M. C. Farré i Sempera lo attribuisce a Jaime Vergos[5]. In questa pala d'altare ancora sconosciuta, accanto all'espressione dolce e penetrante di Huguet, si nota un'esecuzione più asciutta nella descrizione delle vesti e degli ornamenti, che fa pensare alla mano di un collaboratore. È senza dubbio quest'ultimo ad aver eseguito in seguito il Trasporto della croce (Barcellona, MNAC n. 24.154), la tavola di predella della pala di Saint Etienne de Granollers, che riproduce la scena con lo stesso soggetto dipinta da Huguet nella pala di Sant'Agostino (Barcellona, Museu Marès). Dobbiamo quindi supporre che ci sia stata una collaborazione tra i Vergos e Jaime Huguet, come qui illustrato dalla nostra Maddalena. [1] J.Gudiol e S.Alcolea (Pintura Gotica Catalana, Barce

Stima 10.000 - 15.000 EUR

Paul STRECKER (Mayence 1900 – Berlin 1950) - La coppia nuda Olio su tela 81 x 100 cm Firmato in basso a sinistra "Strecker Sul retro, sulla barella, l'etichetta delle Edizioni Chantal Ringraziamo il signor Gregor Wedekind per le informazioni che ci ha gentilmente fornito. Quest'opera è elencata con il numero WV-No.76 nel catalogo ragionato redatto da Udo Braun nel 1989. Quest'opera sarà inclusa nel catalogo ragionato attualmente in preparazione presso la Fondazione Paul Strecker. Quest'opera apparteneva a Jeanne Philibert (Limoux 1898 - Rueil-la-Gadelière 1986), scrittrice ed editrice francese. In gioventù ha intrattenuto una fitta corrispondenza con il poeta Frédéric Mistral, che la chiamava affettuosamente "Magali". Sotto questo pseudonimo, nel 1927 ha avuto successo con il libro "Le Jardin enchanté", che ha ricevuto il 1° Prix Max du Veuzit. . Durante l'occupazione si rifugiò a Tolosa e la sua casa editrice (Editions Chantal) contribuì a stampare documenti per la Resistenza. Nel 1947 si trasferisce a Rueil-la-Gadelière, vicino al pittore Maurice de Vlaminck, con il quale stringe amicizia. Nel 1954 le viene conferita la medaglia della Resistenza. Provenienza : Ex collezione della scrittrice Jeanne Philibert dite Magali (Édition Chantal). Paul Strecker (nato Hermann Strecker) nacque il 13 agosto 1898 a Magonza. Era il più giovane dei cinque figli nati da Elisabeth e Ludwig Strecker. Dall'età di 12 anni prese lezioni di disegno e pittura. Si interessò anche di letteratura, musica e teatro. Nel 1915 si diplomò al Ginnasio Granducale (oggi Rabanus-Maurus-Gymnasium) di Magonza. Nel 1918 annunciò alla sua famiglia di non voler entrare a far parte dell'azienda paterna, l'editore musicale B. Schott's Söhne, ma di voler diventare pittore. Alla fine del 1918 si trasferisce a Monaco, dove frequenta per un anno la scuola privata di pittura di Moritz Heymann e Heinrich Knirr. Nell'agosto del 1920 ottiene un posto all'Accademia di Belle Arti. Nell'aprile del 1922 si trasferisce a Berlino su invito di Alfred Flechtheim. Il gallerista lo sostiene e le opere di Strecker vengono presto esposte da Cassirer e Flechtheim. Tra il 1923 e il settembre 1924, Strecker compie due viaggi di studio, il primo in Italia e il secondo a Sanary-sur-Mer, in Francia. Nel settembre 1924 Paul Strecker si trasferisce a Parigi, centro della sua vita per vent'anni. Partecipa al Salon des Indépendants, al Salon des Tuileries e al Salon d'Automne. I suoi viaggi lo portano in Italia, Spagna, Svizzera, Olanda e regolarmente in Germania. Nel 1929, la galleria Flechtheim di Berlino e Düsseldorf presenta per la prima volta un'ampia collezione di 24 sue opere. Durante un soggiorno a Magonza nel 1932, Strecker espone 18 opere al Kurfürstliches Schloss. A Parigi Strecker frequenta il circolo di Christian Bérard e conosce Jean Cocteau, Eugène Berman, Pavel Tchelitchev, Julien Green, Céline, Suzanne Valadon, Maurice Utrillo, Kees van Dongen, Jules Pascin e Pablo Picasso. Nel 1933 Strecker tiene la sua prima mostra personale a Parigi presso la galleria di Jean Bonjean, dove Dior è il suo primo partner commerciale. Nel 1934, il critico d'arte Waldemar George classifica Strecker come neo-romantico o neo-umanista. Questa classificazione gli valse una mostra nella galleria newyorkese di Julien Levy nel 1937. Nell'aprile del 1939, diciassette dei suoi dipinti furono esposti al Petit Palais (1). L'opera qui presentata è un capolavoro del periodo parigino, molto vicino all'universo pittorico dell'amico Pavel Tchelitchew. Raffigura una coppia nuda su un pavimento di assi. In www.paul-strecker.org (1) Traduzione da www.paul-strecker.org

Stima 6.000 - 8.000 EUR

Milivoy UZELAC (Mostar 1897- Paris 1977) - I fruttiferi Olio su isorel 53,5 x 39 cm Firmato in basso a sinistra "Uzelac Pittore, disegnatore, cartellonista e illustratore di origine croata, Milivoy Uzelac fu un pioniere dell'arte moderna. Inizialmente studiò sotto la guida del professor Oton Ivekovic all'Accademia di Belle Arti di Zagabria, ma abbandonò gli studi un anno dopo perché li riteneva troppo accademici. Dal 1915 al 1923 lavora a Praga e a Zagabria in uno stile espressionista. Con i giovani espressionisti di Zagabria (Vilko Gecan, Marijan Trepse e Vladimir Varlaj) partecipa al 7° Salon di Primavera, noto come il gruppo dei quattro. Uzelac si immerge nell'opera di Manet, Cézanne, Gauguin, dei Fauves, di Picasso, di Braque e dei Nabis. L'avanguardia ceca, guidata da artisti come Othon Coubine, Emil Filla e dagli espressionisti tedeschi come Kirchner e Schmidt-Rottluff, ebbe una forte influenza sulla sua direzione artistica. Milivoy Uzelac si reca per la prima volta a Parigi nel 1921 e vive nel quartiere di Montparnasse. Il suo lavoro assume forme neocubiste, influenzate dall'opera di André Lhote, la cui Accademia si trovava vicino a Montparnasse. Nel 1923, Uzelac si trasferisce nel sobborgo di Malakoff e riceve numerose commissioni. Espone al Salon d'Automne fino al 1944 e al Salon des Indépendants fino al 1940. Conduce una vita intensa, lavorando di giorno e mantenendo un'intensa vita sociale di notte. A partire dagli anni Trenta, Uzelac iniziò a trascorrere molto tempo nel sud della Francia e spesso produceva variazioni sullo stesso motivo. Amava particolarmente i soggetti in cui il mare svolgeva un ruolo centrale. È noto per le sue numerose rappresentazioni di bagnanti, paesaggi marini e scene di sport acquatici. E.V

Stima 4.000 - 5.000 EUR

Demeter Haralamb CHIPARUS (1886 - 1947) - Macine, effetti di luce Olio su tela 65 x 81 cm Firmato in basso a destra "D.H.Chiparus". Provenienza: Collezione privata Bibliografia : Alberto Shayo: "Chiparus, Master of Art Deco", edizioni ACC Art Books, 2019, modello riprodotto e riferimento pagina 318 numero 251. Demetre Chiparus (1886-1947) nasce a Dorohoi, in Romania. Nel 1909 decise di trasferirsi in Italia per studiare sotto la guida di Raffaello Romanelli. Tre anni dopo, nel 1912, si recò a Parigi per perfezionare la sua arte all'École des Beaux-Arts, sotto la tutela di Antonin Mercie e Jean Boucher. Chiparus era noto soprattutto per le sue sculture criselefantine di danzatrici esotiche montate su piedistalli di onice scanalato o di marmo portor. La sua partecipazione al Salon del 1914 gli valse una medaglia d'onore. Dopo la guerra, aprì un proprio studio ed espose regolarmente alle fiere d'arte. La maggior parte delle sue opere è stata realizzata tra il 1914 e il 1933. Negli anni Venti, Demetre Chiparus trasse ispirazione per le sue nuove sculture dalle scoperte archeologiche egiziane, in particolare dalla famosa tomba di Tutankhamon. Il suo lavoro fu anche influenzato dal balletto russo e dal teatro francese. Questa collezione unica di opere rivela un aspetto meno conosciuto dell'arte di Demetre Chiparus: la sua produzione di opere dipinte. Si distinse come pittore di paesaggi, nature morte, nudi e ritrattisti. Il colore e la traduzione della luce erano di particolare interesse per l'artista. In particolare, sperimentò la tecnica della pittura con il coltello.

Stima 200 - 300 EUR

Bernard BOUTET DE MONVEL, Serie di fotografie preparatorie stampate su carta per commissioni di ritratti mondani, formato massimo 16 x 12 cm, 1910-1920 ca. [Più di 40 documenti] Serie di fotografie preparatorie realizzate per grandi commissioni di ritratti di società. La prima è una fotografia di Pierre Quinsonas in costume da polo, scattata nello studio di Bernard Boutet de Monvel. L'artista ha poi scelto di ritrarre l'amico davanti al campo di polo di Bagatelle, vicino a Parigi. Dandy, Pierre de Quinsonas era molto conosciuto negli ambienti mondani di Parigi. Era anche un appassionato cacciatore ed è stato rappresentato con il fucile in mano nel "Portrait du comte pierre de Quinsonas en chasseur" del 1914. Il lotto comprende anche le fotografie preparatorie per questo secondo dipinto del conte. Mobilitato nella Prima guerra mondiale, fu assegnato come maresciallo dei Loghi al primo gruppo di aviazione marocchina. Morì il 19 luglio 1917 all'ospedale militare di Versailles, dopo un incidente aereo sul campo di Villacoublay. Opere correlate: Bernard Boutet de Monvel, "Le comte Pierre de Quinsonas", olio su tela, Musée des années 30 de Boulogne-Billancourt; riproduzione del disegno preparatorio e del dipinto in ADDADE, "Bernard Boutet de Monvel", Éditions de l'amateur, 2001, p. 110-111. Bernard Boutet de Monvel, "Portrait du comte pierre de Quinsonas en chasseur", olio su tela, 1914, collezione privata, venduto da Artcurial nel 2015 (lotto 22, n. 2755). Il lotto comprende anche una serie di fotografie stampate su carta, con negativi, per un ritratto di Georges-Marie Haardt del 1925. Lavorò per Citroën per vent'anni, prima come direttore commerciale e poi come direttore generale. Fu nominato responsabile di tre spedizioni Citroën, prima attraverso il Sahara, poi in Africa (Croisière noire) e in Asia (Croisière jaune). Boutet de Monvel lo ritrae in piedi con una cartina piegata in mano, mentre dietro di lui c'è la sua autochenille. Il dipinto mantiene la posizione del corpo di Haardt e l'angolazione bassa della fotografia. Opere correlate : Bernard Boutet de Monvel, "M. Georges-Marie Haardt", olio su tela, 1925, Musée du Quai Branly - Jacques Chirac, riprodotto in ADDADE, "Bernard Boutet de Monvel", Éditions de l'amateur, 2001, p. 185. Bernard Boutet de Monvel costruì la sua reputazione sul suo notevole talento di ritrattista di società, dominato da una stilizzazione elegante, da un disegno raffinato e da colori ricercati. I suoi amici pittori, André Dunoyer de Segonzac (1884-1974) e Jean-Louis Boussingault (1883-1943), sono così riuniti in un unico quadro. Accampata nel mezzo di un paesaggio ostile e privo di vegetazione che emerge dal nulla, la fotografia annuncia la composizione del futuro dipinto, completato e datato 1° agosto 1914, appena un giorno prima dell'entrata in guerra della Francia. Al lotto sono allegati due negativi che mostrano il lavoro in studio di Bernard Boutet de Monvel per questo dipinto. Il duo di artisti si vede nella stessa posizione dell'esterno, in posa davanti alle tele di Bernard appese nel suo studio. Opere correlate : Bernard Boutet de Monvel, "MM. André Dunoyer de Segonzac et Jean-Louis Boussingault", olio su tela, 1914, Musée des années 30 de Boulogne-Billancourt / Musée du Petit Palais, riproduzione in ADDADE, "Bernard Boutet de Monvel", Éditions de l'amateur, 2001, p. 129. Il lotto comprende anche un set di fotografie stampate su carta, con lastre e negativi alla gelatina secca al bromuro d'argento, utilizzate per la preparazione del dipinto "La convalescente", risalente al 1906. Mentre la nonna soffriva di ripetute febbri, Bernard approfittò delle vacanze di fine anno per fotografarla a letto. Il ritratto fu esposto al Salone d'Autunno del 1906. Il quadro fu acquistato per il Musée du Luxembourg e oggi si trova nelle collezioni del Palais des Beaux-Arts di Lille. Opere correlate : Bernard Boutet de Monvel, "La convalescente", olio su tela, 1906, Palais des Beaux-Arts de Lille, riproduzione in ADDADE, "Bernard Boutet de Monvel", Éditions de l'amateur, 2001, p. 96. Infine, il lotto comprende una fotografia preparatoria per il ritratto "Sylvie de profil", venduto da Sotheby's nell'aprile 2016. (Lotto venduto così com'è)

Stima 300 - 400 EUR

Circolo di JOHAN BARTHOLD JONGKIND (Lattrop, 1819 - dintorni di Grenoble, 1891). "Tramonto". Olio su pannello. Misure: 25,5 x 33,5 cm; 34 x 41,5 cm (cornice). Quadro di tema costiero ritratto nell'ora magica del tramonto. Il disco d'oro scompare dietro la linea dell'orizzonte e si congeda con una sinfonia ignea. Sulla riva, capanne e case precarie si delineano davanti al mare. Il dipinto si ispira ai paesaggi marini notturni di Johan Barthold Jongkind, risolti con un linguaggio pre-impressionista. Johan Barthold Jongkind è stato un pittore e incisore olandese considerato uno dei precursori dell'impressionismo. Studiò arte alla Scuola dell'Aia sotto la tutela del pittore romantico Andreas Schelfhout e dipinse i suoi primi quadri nello stile della pittura tradizionale fiamminga. Nel 1846 si stabilisce a Parigi e diventa allievo di Eugène Isabey finché, nel 1855, è costretto a tornare in Olanda per problemi economici e si stabilisce a Rotterdam. Rientra a Parigi nell'aprile del 1860 e da allora esprime la sua attrazione per la marina durante i suoi soggiorni sulla costa normanna a Le Havre, Sainte-Adresse (vedi acquerello), Honfleur e Trouville. Lì incontra Boudin e soprattutto Monet, che riconosce sinceramente il suo debito nei confronti dell'artista olandese: "a lui devo l'educazione definitiva dei miei occhi". Partecipa al Salon des Refusés del 1863 con il quadro Rovine del castello di Rosemont, accanto al controverso dipinto di Manet Le déjeuner sur l'herbe (Pranzo sull'erba); entrambi si trovano oggi al Museo d'Orsay. I suoi paesaggi della Normandia, dei canali e delle spiagge del Mare del Nord, delle rive della Senna, di Parigi e più tardi di Grenoble, traducono in toni finemente sfumati la luce e l'atmosfera di quei luoghi. Contrariamente agli impressionisti, dipinse i suoi quadri in studio dopo gli schizzi e gli acquerelli che disegnava all'esterno. A volte ripeteva lo stesso soggetto sotto luci diverse o in stagioni diverse (un'idea tipicamente impressionista, poi adottata dall'amico Monet). Condusse una vita disordinata e alla fine, con problemi psichici (malinconia, paranoia) e di alcolismo, morì nel manicomio di Saint-Égrève vicino a Grenoble. Secondo Monet, l'opera di Jongkind, insieme a quella di Corot e Boudin, è all'origine dell'Impressionismo.

Stima 1.200 - 1.500 EUR

Anna MARK (nata nel 1928) Senza titolo, 2009 Guazzo su carta, firmato e datato in basso a destra Altezza 31,5 cm; Larghezza: 31,5 cm (per foglio) Provenienza : - Galerie Vieille du Temple, ottobre 2010 Dopo aver studiato pittura alla Scuola di Belle Arti di Budapest, Anna Mark inizia la sua carriera come disegnatrice teatrale. Nel 1956 si trasferisce a Parigi e si dedica alla sua vocazione: la pittura. Crea opere astratte, caratterizzate da elementi geometrici e costruzioni architettoniche. Si è interessata anche ad altre tecniche: incisione, disegno a penna e inchiostro, rilievo a polvere di marmo, pastello e gouache. Anna Mark ha pubblicato numerose opere teoriche. Il suo lavoro è stato oggetto di diverse mostre personali (Galerie La Forest Divonne nel 2023, Maison Saint-Yves nel 2024, ecc.) ATTENZIONE: CONSERVAZIONE E RIMOZIONE POICHÉ LA NOSTRA SEDE È ATTUALMENTE IN FASE DI RISTRUTTURAZIONE, TUTTI I LOTTI DEVONO ESSERE RITIRATI PRESSO IL NOSTRO DEPOSITO DI MOBILI A SAINT-OUEN, CON LA RICEVUTA PAGATA E UN DOCUMENTO D'IDENTITÀ. Indirizzo: LTSE - 50, rue Ardoin 93400 Saint-Ouen - Bâtiment 556C. Apertura: 8.30-12.30-14.00-17.00 (dal lunedì al venerdì). Posizione GPS: 48.9116440170972, 2.322533212510162. COSTI DI STOCCAGGIO : - Deposito gratuito per tutti i ritiri durante la prima settimana, fino al 29 aprile compreso. - 5 euro al giorno per lotto dal 30 aprile compreso. SPEDIZIONE : AUDAP & Associés NON ASSICURA LA SPEDIZIONE. Potete contattare il fornitore di servizi di vostra scelta, in particolare : - The Packengers: hello@thepackengers.com - Mehdi Mentouri: mentouri.mehdi@gmail.com - LTSE: contact@ltse.fr

Stima 80 - 120 EUR