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lun 29 lug

HENRI CARTIER-BRESSON (Chanteloup-en-Brie, Francia, 1908 - Céreste, Francia, 2004). "Agricoltore", 1950-1959. Gelatina d'argento. Stampa successiva. "To Madame Bardinet en hommage" e timbro d'autore a secco (a margine). Firmato a inchiostro. Provenienza: Galleria Alona Kagan NY. Misure: 16 x 23, 5 cm. In quest'opera di grande espressività vediamo come un contadino tende la mano a qualcuno che si trova fuori dal piano dello spettatore. La scena sembra rappresentare un'immagine tradizionale, ma l'artista si spinge oltre, non solo perché cattura un momento del tutto effimero, abituale nella produzione dell'artista, ma anche per il mistero di un personaggio che fa parte della scena, ma la cui identità non viene rivelata. Henri Cartier-Bresson è stato un artista e fotografo umanista francese considerato un maestro della fotografia e uno dei primi utilizzatori della pellicola da 35 mm. Fu il pioniere del genere della fotografia di strada e considerava la fotografia come la cattura di un momento decisivo. Il suo primo grande viaggio di reportage lo portò in Costa d'Avorio nel 1931. Le fotografie dei suoi numerosi viaggi trovarono rapidamente spazio in riviste e mostre. Fa anche esperienza a New York con Paul Strand. Alla fine dell'estate del 1937, prima della battaglia di Belchite, si reca in Spagna con Herbert Kline, ex redattore della rivista New Theater, e il cameraman Jacques Lemare per girare un documentario sull'American Medical Bureau durante la guerra civile spagnola. Girarono a Villa Paz, l'ospedale delle Brigate Internazionali a Saelices, non lontano da Madrid, e sulla costa di Valencia per documentare il recupero dei volontari feriti nelle ville di Benicàssim. Visitarono anche la Brigata Abraham Lincoln a Quinto, vicino a Saragozza, e girarono il film Con la Brigata Abraham Lincoln in Spagna. Dal 1937 al 1939, Cartier-Bresson è assistente alla regia in tre film di Jean Renoir, tra cui Le regole del gioco. Nel 1940 trascorre quasi tre anni come prigioniero di guerra in Germania. Dopo che si pensò erroneamente che fosse morto in guerra, il Museum of Modern Art di New York dedicò a Cartier-Bresson una grande retrospettiva "postuma" nel 1947. Nello stesso anno, insieme a Robert Capa, David Seymour e George Rodger, fondò a New York l'agenzia Magnum Photos, con l'obiettivo di preservare i diritti sul lavoro dei fotografi. Cartier-Bresson fu il primo fotografo autorizzato a esporre al Louvre di Parigi nel 1955. Le sue fotografie sono state raccolte e pubblicate, tra l'altro, in Images à la sauvette (1952, Immagini di passaggio), D'une Chine à l'autre (1968, Cina ieri e oggi) e Moscou (1955, Mosca). Cartier-Bresson smette di fotografare professionalmente nel 1972 e si dedica intensamente all'arte del disegno. Nel 1974 è stato eletto membro dell'American Academy of Arts and Sciences. Le sue opere sono presenti nelle collezioni dell'Art Institute di Chicago, del Museum of Modern Art, dell'International Center of Photography, del Victoria and Albert Museum e del J. Paul Getty Museum.

Stima 3 000 - 4 000 EUR

lun 29 lug

BLEDA Y ROSA, María Bleda (Castellón, 1968) José M. Rosa (Albacete, 1970). Grao de Castellón, 1994. Serie "Campi da calcio". 1992-1995. Positivo alla gelatina bromuro d'argento su supporto rigido in cotone 100%. Ed. 5/15. Con etichetta della Galleria Visor, Valencia. Misure: 45 x 55 cm; 84 x 93 cm (cornice) (ciascuna). "Campos de fútbol" è una delle serie più rappresentative dei fotografi Bleda e Rosa. Sono loro stessi a spiegare questo progetto: "Con l'obiettivo di rappresentare lo scorrere del tempo attraverso l'immagine fotografica, alla fine del 1992 abbiamo iniziato a fotografare i campi da calcio, attratti da quegli spazi che potevamo trovare all'uscita di qualsiasi paese o alla periferia della città. Si trattava di luoghi simili a quelli della nostra infanzia, ma che, a causa di fattori come la migrazione dal villaggio alla città, il basso tasso di natalità o l'espansione urbana, erano in avanzato processo di trasformazione o di abbandono". María Bleda e José María Rosa sono due fotografi spagnoli che utilizzano la fotografia come risorsa per la loro espressione artistica. Il loro lavoro congiunto può essere considerato un unico autore ed è stato premiato con il National Photography Award. Dal 1992 tengono regolarmente mostre, sia individuali che collettive, in tutta la Spagna, ma anche in Scozia, Portogallo, Stati Uniti, Cina, ecc. I loro lavori sono presenti nelle collezioni di diverse istituzioni come ARTIUM, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León, ecc. Hanno inoltre ricevuto diversi premi e riconoscimenti come: 1995 Imágenes Jóvenes - Arte Joven, Madrid.1996 Premio Arte Joven, Valencia.1997 Accésit Certamen de Artes Plásticas, Castellón.1999 Grand Prix Ville de Collioure.2001 Premio Altadis Artes Plásticas, Madrid.2002 Honorable Mention, IV Premio de pintura y fotografía ABC, Madrid.2005 Premio PHotoEspaña Fotógrafo Revelación, Madrid. Presenta l'etichetta della Galleria Visor, Valencia.

Stima 2 500 - 3 000 EUR

lun 29 lug

MARC RIBOUD (Saint-Genis-Laval, 1923-Parigi, 2016). "Giovane ragazza con un fiore in mano", Washington, 1967. Gelatina d'argento. Stampa successiva. Firmata e dedicata "a Patrick" a inchiostro, a margine. Provenienza: Collezione Zwigoff, New York. Misure: 25 x 36 cm (immagine); 31 x 40,5 cm (carta). Questa fotografia di una giovane donna che tiene un fiore davanti a dei soldati, scattata nel contesto di una manifestazione a Washington contro la guerra del Vietnam, è una delle immagini più celebri di Marc Riboud. Il valore della scena, oltre alla forza emotiva che trasmette, è la capacità di universalizzare il messaggio di speranza nel mezzo dell'esplosione della violenza. Perché, in ogni caso, è sempre stato il lato umano dei conflitti che Riboud ha rivendicato nelle sue fotografie di corrispondente di guerra. Così, mentre fotografava la guerra in Vietnam e la rivoluzione culturale cinese, rifletteva anche aspetti della vita quotidiana in città come Fez, Angkor, Shaanxi o Benares. Marc Riboud era un fotografo francese specializzato in fotogiornalismo che faceva parte dell'agenzia Magnum. Allo scoppio della Seconda Guerra Mondiale combatteva nella Resistenza e nel 1945 iniziò gli studi di ingegneria all'École Centrale de Lyon. Impara a fotografare da autodidatta dall'età di quindici anni, utilizzando una macchina fotografica Kodak Vest Pocket fornita dal padre. Dopo aver lavorato come ingegnere, nel 1952 entra a far parte dell'agenzia Magnum, dopo aver conosciuto Henri Cartier-Bresson e Robert Capa, dove realizza i reportage più importanti della sua carriera fino al 1979. La sua prima fotografia pubblicata su Life nel 1953 è "Painter at the Eiffel Tower". È stato tra i primi fotografi autorizzati a entrare in Cina nel 1957 e quasi l'unico occidentale a realizzare un reportage sulla guerra del Vietnam dal Vietnam del Nord. Ha pubblicato numerosi libri e ha esposto le sue opere in molte città. Nel 2003 ha ricevuto il Cornell Capa Award dagli Infinity Awards. Sono state organizzate diverse mostre retrospettive del suo lavoro, come quella del 1997 a New York e quella del 2005 a Parigi. Mostre (selezione dal 2010): 2010 Au jardin de Krishna Riboud, Musée national des Arts Asiatiques-Guimet, Parigi. 2011 I comme Image, Maison européenne de la photo, Parigi. 2012 Durante le Giornate del Patrimonio, Saint-Genis-Laval. 2014-2015 Marc Riboud - Inizio del secolo, Consiglio regionale del Rodano-Alpi. 2014 De grace un geste - Museo d'arte moderna Richard Anacreonte, Granville.

Stima 6 000 - 8 000 EUR

lun 29 lug

FRANCESCA WOODMAN (Denver, Colorado, 1958-New York, 1981) Senza titolo, da "Angels series", Roma, 1977-1978. Stampa alla gelatina d'argento. Stampata successivamente da Igor Bakht, timbro sul retro. Firmata da George e Betty Woodman, con annotazione a matita al n. 297 "For Igor Kind Ryards". Timbro di credito PE/FW al verso. Provenienza: Collezione privata Foster Glasgow. Misure: 15,5 x 15,5 cm (immagine); 26 x 21 cm (carta). Questa fotografia appartiene al periodo romano di Woodman. La sfocatura del corpo, le presenze spettrali, la notte e gli spettri compongono una stampa suggestiva in cui l'artista stessa è protagonista. Woodman scava nella parte nascosta del proprio essere, cercando di rendere visibile ciò che è essenzialmente invisibile. In questa serie, la fotografa impiega tecniche di lunga esposizione per catturare il movimento, ottenendo figure sfocate che sembrano svanire o fondersi con l'ambiente circostante. Questo effetto crea un senso di dinamismo ed evoca l'idea di esseri eterei o fantasmi. Ha realizzato questa serie (Angeli) a Roma. Tra il 1975 e il 1979, mentre studiava al Providence College of Fine Arts, dove Francesca Woodman eccelleva per le sue capacità artistiche, ottenne una borsa di studio Honors Program che le permise di vivere per un anno nelle strutture della scuola a Palazzo Cenci a Roma. Incontra e si unisce a un gruppo di artisti legati alla Maldoror Gallery and Bookstore. I proprietari Giuseppe Casetti e Paolo Missigoi erano attratti da tutti coloro che erano legati alle avanguardie, in particolare dal futurismo, dal surrealismo e dal simbolismo. Furono i proprietari a far includere la Woodman in una mostra di cinque giovani artisti alla Galleria Ugo Ferranti, dove fu l'unica americana a partecipare. Questa divenne la sua prima mostra personale. È a Roma che realizza alcune delle sue opere più conosciute fino ad oggi, come "On Being an Angel", "Glove Series", "Self-deceit". Le sue fotografie riformulano l'immagine della donna, Francesca Woodman è stata una fotografa americana nota per i suoi autoritratti intimi in bianco e nero. Si è laureata alla Rhode Island School of Design, l'Università di Belle Arti di Providence. La sua fotografia è caratterizzata principalmente dall'uso di un'unica modella, solitamente nuda. Di solito si trattava di lei, ma in diverse fotografie ha ritratto diversi suoi amici. Il corpo catturato dalla macchina fotografica era solitamente in movimento, a causa dei lunghi tempi di esposizione, oppure l'immagine non era nitida. Utilizzava anche altre tecniche, come mascherarsi o cercare di confondersi con gli oggetti o con l'ambiente stesso. È nata in una famiglia di artisti. Fin da piccola, insieme al fratello Charles Woodman, è stata introdotta al mondo dell'arte dai genitori, George Woodman e Betty Woodman, entrambi artisti. Oggi gestiscono un archivio di oltre 800 immagini della figlia, 120 delle quali sono state esposte o pubblicate. L'artista appartiene alla generazione di donne d'avanguardia degli anni Settanta che hanno rivendicato il loro contributo e la loro visione del mondo, che comprende anche artiste attiviste come Cindy Sherman, Martha Rosler o Ana Mendieta.

Stima 7 000 - 7 500 EUR

lun 29 lug

MARC RIBOUD (Saint-Genis-Laval, 1923-Parigi, 2016). "Le peintre de la Tour Eiffel", Parigi, 1953. Gelatina d'argento. Stampa successiva. Firmata e datata a inchiostro, a margine. Provenienza: Collezione O'Hara, New York. Misure: 37,5 x 24 cm (immagine); 40,8 x 30 cm (carta). "Pittore alla Torre Eiffel" fu la prima fotografia che Marc Riboud pubblicò su Life Magazine (1953). In essa possiamo apprezzare un elemento che ha attraversato il lavoro artistico di Riboud: la sua capacità di estrarre la magia in qualsiasi attività, per quanto avversa o anodina possa essere. Per questo motivo, pur essendo stato corrispondente di guerra, è ricordato soprattutto come fotografo umanista, perché ha sempre difeso i valori umani di fronte alle avversità. Marc Riboud era un fotografo francese specializzato in fotogiornalismo che faceva parte dell'agenzia Magnum. Allo scoppio della Seconda Guerra Mondiale combatteva nella Resistenza, così nel 1945 iniziò gli studi di ingegneria all'École Centrale de Lyon. Impara a fotografare da autodidatta dall'età di quindici anni, utilizzando una macchina fotografica Kodak Vest Pocket fornita dal padre. Dopo aver lavorato come ingegnere, nel 1952 entra a far parte dell'agenzia Magnum, dopo aver conosciuto Henri Cartier-Bresson e Robert Capa, dove realizza i più importanti reportage della sua carriera fino al 1979. È stato uno dei primi fotografi a cui è stato permesso di entrare in Cina nel 1957 e quasi l'unico occidentale a raccontare la guerra del Vietnam dal Vietnam del Nord. Ha pubblicato numerosi libri e ha esposto le sue opere in numerose città. Nel 2003 ha ricevuto il Cornell Capa Award dagli Infinity Awards. Sono state organizzate diverse mostre retrospettive del suo lavoro, come quella del 1997 a New York e quella del 2005 a Parigi. Mostre (selezione dal 2010): 2010 Au jardin de Krishna Riboud, Musée national des Arts Asiatiques-Guimet, Parigi. 2011 I comme Image, Maison européenne de la photo, Parigi. 2012 Durante le Giornate del Patrimonio, Saint-Genis-Laval. 2014-2015 Marc Riboud - Inizio del secolo, Consiglio regionale del Rodano-Alpi. 2014 De grace un geste - Museo d'arte moderna Richard Anacreonte, Granville.

Stima 6 000 - 8 000 EUR

lun 29 lug

ANDRÉ KERTÉSZ (Budapest, 1894-New York, 1985). "Ballerina satirica". Parigi, 1926. Gelatina d'argento, stampa successiva. Firmato, intitolato e datato a matita (sul verso). Provenienza: Dalla collezione privata di Schroeder New Jersey. Misure: 20,6 x 25,5 cm (immagine); 21 x 26 cm (carta). André Kertész apprezzava molto la capacità della macchina fotografica di catturare la danza e le persone in movimento. Quella che in questa fotografia è sdraiata sul divano in una posa completamente anti-archetipica è la ballerina e cabarettista Magda Förstner, che Kertész aveva invitato in studio appositamente per lo scatto. L'immagine è stata scattata nel laboratorio dello scultore István Beöthy, come indica il busto scultoreo accanto alla poltrona, che funge da ispirazione per la modella. Kertész stesso racconta la situazione: "Le ho detto: "Fai qualcosa nello spirito dell'angolo dello studio" e lei ha iniziato a muoversi sul divano. Ha fatto solo un movimento. Ho scattato solo due fotografie... È meraviglioso fotografare le persone in movimento. Non è necessario scattare centinaia di rullini come si fa oggi. Si tratta di catturare il momento giusto. Il momento in cui qualcosa si trasforma in qualcos'altro". Il fotografo André Kertész era noto per i suoi approcci innovativi alla composizione e agli angoli di ripresa, anche se il suo stile unico ha inizialmente ostacolato il suo riconoscimento nelle prime fasi della sua carriera. Autodidatta, i suoi primi lavori sono stati pubblicati principalmente sulle riviste, che all'epoca rappresentavano una piattaforma importante. Dopo aver combattuto nella Prima Guerra Mondiale, si trasferisce a Parigi, dove lavora per VU, la prima rivista illustrata francese. Si lega ai giovani artisti immigrati e al movimento Dada, ottenendo il plauso della critica e il successo commerciale. Nel 1936 emigra negli Stati Uniti dove tiene una mostra personale a New York presso la PM Gallery e lavora per breve tempo per l'agenzia Keystone. Qui rifiuta l'offerta di lavorare per Vogue, ritenendo che non fosse adatta a lui. Sceglie invece di lavorare per la rivista Life. Il suo periodo newyorkese si distingue per il fatto che fotografa dalla finestra del suo appartamento, immortalando momenti di vita quotidiana sempre con la convinzione che "Tutto è un soggetto. Ogni soggetto ha un ritmo. Sentirlo è la ragion d'essere. La fotografia è un momento fisso di tale ragion d'essere, che vive in se stessa". Nel 1963 torna a Parigi e scatta più di 2.000 fotografie in bianco e nero e quasi 500 diapositive che catturano l'essenza della città di Montmartre, le rive della Senna, i suoi giardini e parchi.

Stima 4 500 - 5 000 EUR

lun 29 lug

HENRI CARTIER-BRESSON (Chanteloup-en-Brie, Francia, 1908 - Céreste, Francia, 2004). "Matisse", Vence, Francia, 1944. Gelatina d'argento, stampa successiva. Firmato a inchiostro a margine e con timbro di copyright del fotografo in rilievo (a margine). Provenienza: Collezione privata Reuben, Chicago. Misure: 25,3 x 37 cm (immagine); 31 x 40,8 cm (carta). Henri Cartier-Bresson immortalò il pittore francese Henri Matisse nella villa "Le Rêve", la sua casa nelle Alpi Marittime, quando l'editore Pierre Braun gli chiese di fotografare scrittori e artisti per un progetto di libro che non si concretizzò mai. All'epoca il pittore fauvista aveva 70 anni e, avendo subito un intervento chirurgico anni prima, le sue condizioni lo costringevano a stare prostrato su una sedia o su un letto, come si vede nell'istantanea offerta. In Le Rêve Matisse disegna e dipinge le colombe bianche che svolazzano nella sua stanza, così come le sue modelle abituali, Micaela Avogadro e Lydia Delectorskaya. Il fauvista trascorreva del tempo anche nel suo appartamento di Nizza, dove anche Cartier-Bresson lo fotografò. Lo stesso Bresson ha raccontato di queste visite alla villa: "Quando sono andato a trovare Matisse, mi sono seduto in un angolo, non mi sono mosso, non abbiamo parlato. Era come se non esistessimo". Henri Cartier-Bresson è stato un artista e fotografo umanista francese considerato un maestro della fotografia e uno dei primi utilizzatori della pellicola da 35 mm. Fu il pioniere del genere della fotografia di strada e considerava la fotografia come la cattura di un momento decisivo. Il suo primo grande viaggio di reportage lo portò in Costa d'Avorio nel 1931. Le fotografie dei suoi numerosi viaggi trovarono rapidamente spazio in riviste e mostre. Fa anche esperienza a New York con Paul Strand. Alla fine dell'estate del 1937, prima della battaglia di Belchite, si reca in Spagna con Herbert Kline, ex redattore della rivista New Theater, e il cameraman Jacques Lemare per girare un documentario sull'American Medical Bureau durante la guerra civile spagnola. Girarono a Villa Paz, l'ospedale delle Brigate Internazionali a Saelices, non lontano da Madrid, e sulla costa di Valencia per documentare il recupero dei volontari feriti nelle ville di Benicàssim. Visitarono anche la Brigata Abraham Lincoln a Quinto, vicino a Saragozza, e girarono il film Con la Brigata Abraham Lincoln in Spagna. Dal 1937 al 1939, Cartier-Bresson è assistente alla regia in tre film di Jean Renoir, tra cui Le regole del gioco. Nel 1940 trascorre quasi tre anni come prigioniero di guerra in Germania. Dopo che si pensò erroneamente che fosse morto in guerra, il Museum of Modern Art di New York dedicò a Cartier-Bresson una grande retrospettiva "postuma" nel 1947. Nello stesso anno, insieme a Robert Capa, David Seymour e George Rodger, fondò a New York l'agenzia Magnum Photos con l'obiettivo di preservare i diritti sul lavoro dei fotografi. Cartier-Bresson è stato il primo fotografo autorizzato a esporre al Louvre di Parigi nel 1955. Le sue fotografie sono state raccolte e pubblicate, tra l'altro, in Images à la sauvette (1952, Immagini di passaggio), D'une Chine à l'autre (1968, Cina ieri e oggi) e Moscou (1955, Mosca). Cartier-Bresson smette di fotografare professionalmente nel 1972 e si dedica intensamente all'arte del disegno. Nel 1974 è stato eletto membro dell'Accademia Americana delle Arti e delle Scienze.

Stima 8 000 - 8 500 EUR

lun 29 lug

HELEN LEVITT (New York, 1913-2009). "NYC. Bambini mascherati alla fermata", New York, 1940. Gelatina d'argento, stampa successiva. Firmato, datato e iscritto a matita "N.Y.C." (sul retro). Provenienza: Dalla collezione privata di Schroeder New Jersey. Misure: 19,4 x 27,7 cm (immagine); 28 x 34,8 cm (carta). Helen Levitt è considerata una delle fotografe più importanti del XX secolo e una delle antesignane del cinema indipendente di oggi. Appartiene alla cosiddetta scuola di New York, che difendeva una fotografia di strada diretta e asettica. È stata allieva di Walker Evans e Cartier-Bresson, di Ben Shanhn e della cerchia della Photo League di New York, da cui ha imparato la ricerca dell'istante. Il suo modo di catturare i gesti, i corpi in movimento, il linguaggio della strada, hanno trasformato il suo lavoro quasi in uno studio antropologico. Nel 1939 le foto di Helen Levitt erano già pubblicate su riviste come Fortune, US Camera, Minicam e PM. I suoi lavori più noti sono in bianco e nero e di genere documentaristico, e pongono il suo obiettivo sulle strade e sugli abitanti della città, soprattutto sui bambini. Ne è prova la mostra "Helen Lewitt: Photographs of Children" che il MoMA di New York le dedicò nel 1943. Anche durante il suo viaggio in Messico nel 1941 ritrasse i bambini di strada. Negli anni '70, Levitt fotografò le strade di New York con diapositive a colori e le implementò nel proprio linguaggio come ulteriore risorsa. Va notato che ha sempre avuto una vocazione per il cinema: è negli anni '40 che realizza i suoi primi progetti di film documentari, agli ordini del regista spagnolo Luis Buñuel, esiliato negli Stati Uniti a causa della guerra civile spagnola. Nel 1948 dirige i film "In the Street" e "The Quiet One".

Stima 7 000 - 7 500 EUR

lun 29 lug

HENRI CARTIER-BRESSON (Chanteloup-en-Brie, Francia, 1908 - Céreste, Francia, 2004). "Jardins du Palais Royal", Parigi, 1959. Gelatina d'argento, stampa successiva. Firmato e annotato "pour Tuto" a inchiostro e timbro di copyright del fotografo in rilievo (al margine). Provenienza: Collezione privata Reuben, Chicago. Il Centro Pompidou possiede una copia di questa fotografia. Misure: 37 x 25 cm (immagine); 41 x 31 cm (lastra). Grazie alla sua fotocamera Leica portatile, Henri Cartier-Bresson era in grado di muoversi con disinvoltura nel suo girovagare per nuove città e luoghi stranieri, scattando immagini che combinavano la sua spontaneità bohémienne con il suo senso pittorico della composizione. Questo modus operandi divenne noto come "momento decisivo", un concetto famoso che avrebbe influenzato i fotografi di tutto il XX secolo. Henri Cartier-Bresson è stato un artista e fotografo umanista francese considerato un maestro della fotografia e uno dei primi utilizzatori della pellicola da 35 mm. Fu il pioniere del genere della fotografia di strada e considerava la fotografia come la cattura di un momento decisivo. Il suo primo grande viaggio di reportage lo portò in Costa d'Avorio nel 1931. Le fotografie dei suoi numerosi viaggi trovarono rapidamente spazio in riviste e mostre. Fa anche esperienza a New York con Paul Strand. Alla fine dell'estate del 1937, prima della battaglia di Belchite, si reca in Spagna con Herbert Kline, ex redattore della rivista New Theater, e il cameraman Jacques Lemare per girare un documentario sull'American Medical Bureau durante la guerra civile spagnola. Girarono a Villa Paz, l'ospedale delle Brigate Internazionali a Saelices, non lontano da Madrid, e sulla costa di Valencia per documentare il recupero dei volontari feriti nelle ville di Benicàssim. Visitarono anche la Brigata Abraham Lincoln a Quinto, vicino a Saragozza, e girarono il film Con la Brigata Abraham Lincoln in Spagna. Dal 1937 al 1939, Cartier-Bresson è assistente alla regia in tre film di Jean Renoir, tra cui Le regole del gioco. Nel 1940 trascorre quasi tre anni come prigioniero di guerra in Germania. Dopo che si pensò erroneamente che fosse morto in guerra, il Museum of Modern Art di New York dedicò a Cartier-Bresson una grande retrospettiva "postuma" nel 1947. Nello stesso anno, insieme a Robert Capa, David Seymour e George Rodger, fondò a New York l'agenzia Magnum Photos, con l'obiettivo di preservare i diritti sul lavoro dei fotografi. Cartier-Bresson fu il primo fotografo autorizzato a esporre al Louvre di Parigi nel 1955. Le sue fotografie sono state raccolte e pubblicate, tra l'altro, in Images à la sauvette (1952, Immagini di passaggio), D'une Chine à l'autre (1968, Cina ieri e oggi) e Moscou (1955, Mosca). Cartier-Bresson smette di fotografare professionalmente nel 1972 e si dedica intensamente all'arte del disegno. Nel 1974 è stato eletto membro dell'Accademia Americana delle Arti e delle Scienze.

Stima 12 000 - 13 000 EUR

lun 29 lug

WEEGEE; ARTHUR FELLIG (Ucraina, 1899-1968). "Motociclista da circo", 1943 circa. Fotografia alla gelatina d'argento. Lievi danni alla cornice. Presente timbro sul retro "Credit photo by Weegee-The Famous". Misure: 18 x 13,5 cm; 40x 30,5 cm (cornice). Arthur Fellig, noto con lo pseudonimo di Weegee, è stato un fotografo e fotoreporter, apprezzato per il suo stile fotografico crudo, che presentava la scena di strada di New York, solitamente ritratta in bianco e nero. Weegee lavorò nel Lower East Side di Manhattan come fotografo per la stampa negli anni Trenta e Quaranta. Ha sviluppato il suo stile caratteristico seguendo i servizi di emergenza della città e documentando gran parte delle loro attività. Per questo motivo le sue composizioni ritraggono scene realistiche di vita urbana, crimine e morte. Weegee pubblicò libri di fotografia e lavorò anche nel cinema, inizialmente realizzando i propri cortometraggi e successivamente collaborando con registi come Jack Donohue e Stanley Kubrick. Uno dei suoi primi lavori fu nel laboratorio fotografico del New York Times. In seguito, durante il suo impiego presso la Acme Newspictures, la sua abilità e ingegnosità nello sviluppo di stampe dal vivo gli valsero il nome di "Mr. Squeegee". La maggior parte delle sue fotografie sono state scattate con attrezzature e linee guida estetiche tipiche dei fotografi della stampa. Era un fotografo autodidatta senza alcuna formazione formale. Alcune delle sue foto riflettono una giustapposizione tra la rappresentazione di persone dell'alta società e altre che non appartengono alla stessa cerchia sociale. Il lavoro di Weege è ampiamente riconosciuto a livello nazionale e internazionale e le sue opere sono presenti in importanti collezioni private e pubbliche. Inoltre, il suo lavoro continua a suscitare interesse anche dopo la sua morte, come dimostra la mostra Weegee's New York, tenutasi nel 2009 presso la Fundación Telefónica di Madrid. Presenta lievi danni alla cornice.

Stima 500 - 600 EUR

lun 29 lug

"PACO PEREGRÍN"; PEREGRÍN, Francisco (Almería, 1976). "Bellezza aliena (VI)". Modella Naadia Kloet (Delphoss). Esemplare 1/10. Piccola edizione (limitata a 10 copie + 1AP). Fotografia digitale. Stampa lambda sotto metacrilato su dibond e cornice in alluminio. Allegato certificato rilasciato dall'artista. Bibliografia: "Otherworldly", Theo Mass Lexileictous e Editorial Gestalten, 2016 (Pagina 238); "Avenue Illustrated" Magazine, numero 19, Spagna, 2009 (Pagina 105); "Ozine Magazine", numero di ottobre-novembre 2009 (Pagina 199). Opera firmata e numerata. Dimensioni: 50 x 37 cm. Nella presente opera, ispirata all'estetica aliena, Paco Peregrín ha creato una storia bella, alla moda e "d'avanguardia" tra il futurismo e l'extraterrestre. Mostra una speculazione personale e suggestiva sull'evoluzione dell'identità e sulla trasfigurazione delle caratteristiche umane. Paco Peregrín è un fotografo andaluso, attualmente considerato uno dei maggiori talenti mondiali nel campo della fotografia artistica, editoriale e pubblicitaria, che ha sempre messo in evidenza il suo lato sperimentale in tutti i suoi lavori, caratterizzati dalla forza e dall'incisività. Si è formato a Siviglia, adottando una sensibilità mistica di schemi compositivi e cromatismi ispirati all'arte barocca. È possibile che sia stata la sua esperienza teatrale a dargli la capacità di dirigere i suoi modelli davanti alla macchina fotografica, di sviluppare la sua percezione spaziale e di mostrare il corpo, la presenza e il tempo nelle sue opere. Attualmente vive a Madrid, un dettaglio che, insieme al periodo trascorso in importanti capitali culturali (Londra, New York...), ha aggiunto contemporaneità e freschezza al suo lavoro, che è unico. È inoltre importante sottolineare la sua ampia esperienza nel campo del design, della comunicazione, del teatro e della pittura. Alterna la fotografia di moda per riviste come Vogue, Harper's Bazaar o L'Officiel a lavori commerciali per marchi come Dior, Chanel, Saint Laurent, L'Oréal Paris, Adidas, Nike, Gant, Toyota, Lancôme, Shiseido... con la fotografia d'autore, avendo esposto le sue opere in gallerie di New York, Parigi, Barcellona, Pechino, Madrid, Berlino, Siviglia, San Sebastián, ecc, e in musei e gallerie come il Centro de Arte y Creación Industrial di Madrid, Barcellona, Pechino, Madrid, Berlino, Siviglia, San Sebastián, ecc. e in musei e gallerie come il Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (Siviglia), il Museo de Artes y Costumbres Populares de Sevilla, il Museo Cristóbal Balenciaga (Getaria, Gipuzkoa), il Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona, il Foro Sur, la Sala de exp. del Canal de Isabel II, il Museo Provincial de Cádiz, ecc. Il suo straordinario lavoro è stato premiato con riconoscimenti come il LUX Gold National Professional Photography Prize in Fashion and Beauty (2008). La casa editrice Gestalten (specializzata in arte e architettura) lo ha inserito tra i progetti più importanti e originali nel libro "Otherworldly" e la casa editrice Prestel ha pubblicato il suo lavoro in "New Fashion Photography", dove è uno dei riferimenti più importanti a livello mondiale nella fotografia di moda contemporanea.

Stima 1 400 - 1 600 EUR

lun 29 lug

PACO PEREGRÍN (Almería, 1976). "Scorpio", 2015. Fotografia digitale montata su alluminio. Verrà consegnato un certificato di autenticità rilasciato dall'artista. L'opera è pubblicata sul sito web dell'artista. -Bibliografia: Fucking Young! magazine nº 6 yCatalogo della mostra "Artificio". Centro Andaluso di Fotografia (CAF), 2018. -Mostre: Centro Andaluso di Fotografia (CAF). Mostra personale "Artificio", dal 1° giugno al 15 luglio 2018.Misure: 50 x 40 cm; 51 x 41 cm (cornice). Paco Peregrín è un importante fotografo, artista visivo e direttore creativo andaluso, con sede a Madrid, che lavora a livello internazionale nel mondo dell'arte, della pubblicità e della moda (ha realizzato e diretto progetti di alto livello per marchi globali come Dior, Chanel, Saint Laurent, L'Oréal Paris, Lancôme, Shiseido, Marie Dalgar, L'Occitane, La Rinascente, Vögele Shoes, Adidas, Nike, ecc.) Pubblica su riviste prestigiose come Vogue (IT, DE, ES), Harper's Bazaar (USA, Russia, Spagna e Vietnam), VMAN, L'Officiel, Vanity Fair, ELLE, Marie Claire, Grazia, Cosmopolitan, Glamour, Dsection, Fucking Young!, Vision, Zink!, Neo2, Yo Dona, Vanidad, Schön!, Noi.se, Allure, NYLON, ecc. Si è laureato in Belle Arti all'Università di Siviglia e ha proseguito la sua formazione presso l'International Center of Photography (New York), il Central Saint Martins College of Art and Design (Londra), l'Universidad Complutense de Madrid, l'Universidad de Santiago de Compostela... Ha ricevuto importanti borse di studio (Pilar Juncosa e Sotheby's, Talens, Universidad Complutense, Ayuntamiento de Sevilla, Proyectos de Fotografía Caja San Fernando, Centro Andaluz de la Fotografía, ecc.) e il suo lavoro audiovisivo è stato premiato in festival internazionali come il Chicago Fashion Film Festival, il London Fashion Film Festival, l'International Fashion Film Festival Brussels e il Global Short Film Awards Festival di Cannes. Le sue opere fanno parte di importanti collezioni d'arte (Centro Andaluz de la Fotografía, Comunidad de Madrid, Instituto Andaluz de la Juventud, Universidad de Sevilla, Fundación Talens, Colección de Arte Contemporáneo Delegación de Cultura de Doña Mencía, Centro Andaluz de Arte Seriado....) ed è incluso in numerosi libri come "Artificio" (Centro Andaluz de la Fotografía, Editorial Universidad de Almería), "Facing", 6th Crossover Art Project (Marie Dalgar, Beijing), "Super-Modified: The Behance Book of Creative Work" (Gestalten), "Diccionario de fotógrafos españoles" (La Fábrica & Acción Cultural Española), "Otherworldly" (Gestalten), "New Fashion Photography" (Prestel), "PALETTE 03. Gold & Silver, New Metallic Graphics" (Prestel): Gold & Silver, New Metallic Graphics" (Victionary), "PALETTE 02: Multicolour, New Rainbow-hued Graphics" (Victionary), "Cazadores de Tendencias: los nombres esenciales de Moda Española" (Lunwerg), "STAND BY_012. Guía de Fotografía Andaluza Actual" (Valentín de Madariaga Foundation & MP Corporation), "Hair'em Scare'em" (Gestalten) o "Arte desde Andalucía para el siglo XXI catalogación monográfica ilustrada del joven arte andaluz" (Consejería de Cultura de la Junta de Andalucía). Ho esposto in gallerie di New York, Pechino, Parigi, Barcellona, Madrid, Berlino, Siviglia, San Sebastian, Valencia, Caceres, Almeria .... e in musei come il Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (Siviglia), il Museo Cristóbal Balenciaga (Getaria, Gipuzkoa), il Museo de Artes y Tradiciones de Sevilla, CaixaForum Sevilla, Centro Andaluz de la Fotografía, ARTSevilla, Sala de Exposiciones del Canal de Isabel II, Forosur 2004 (Feria Iberoamericana de Arte Contemporáneo) e PHotoESPAÑA. Il lavoro di Peregrín è ricco di simbolismo, ispirato all'arte classica, alla pittura fiamminga e barocca, ma anche alla cultura d'avanguardia più sperimentale. Si è concentrato sull'immagine sociale del corpo, sulla sua percezione, sui canoni della bellezza contemporanea, sul concetto di maschera, sullo scorrere del tempo, sulla comunicazione nei mass media, sulla pubblicità nella società dei consumi, sulle nuove tecnologie e sulla rappresentazione del corpo come luogo per indagare le conseguenze del potere e dei ruoli di genere oggi. Verrà fornito un certificato di autenticità rilasciato dall'artista. L'opera è pubblicata sul sito web dell'artista. -Bibliografia: Fucking Young! magazine nº 6 yCatalogo della mostra "Artificio". Centro Andaluso di Fotografia (CAF), 2018.

Stima 2 500 - 3 000 EUR

lun 29 lug

STEVE MCCURRY (USA, 1950). "Ragazza afghana".Peshawar, Pakistan, 1984. Stampa cromogenica. Annotazione sul retro: "Fuji color chrystal Archive Paper". Firmata a inchiostro a margine. Provenienza: Galleria Cesare Manzo, Pescara, Italia. Misure: 45,5 x 30,5 cm (immagine); 49,8 x 39,5 cm (cornice). "La ragazza afghana" è la fotografia più nota della carriera di McCurry e un'icona per la storia della fotografia documentaria. La scattò nel 1984, nel campo profughi di Nasir Bagh, in Pakistan, durante la guerra sovietico-afghana. La ragazza, Sharbat Gula, era una rifugiata afghana fuggita dalle violenze nel suo Paese. La ragazza, dai penetranti occhi verdi e avvolta in uno scialle rosso che le copriva le spalle e i capelli, affascinò gli spettatori di tutto il mondo. L'immagine apparve sulla copertina del numero di giugno 1985 della rivista National Geographic, diventando rapidamente una delle fotografie più note e potenti del XX secolo. L'immagine è diventata un simbolo della sofferenza e della resistenza dei rifugiati e del conflitto in Afghanistan. È stata ampiamente utilizzata per illustrare la condizione dei rifugiati in tutto il mondo. Per molti anni l'identità della ragazza nella fotografia è rimasta un mistero. Nel 2002, McCurry e un team del National Geographic hanno individuato Sharbat Gula in un villaggio remoto dell'Afghanistan. La sua identità è stata confermata dal riconoscimento dei suoi tratti somatici, in particolare degli occhi. Steve McCurry è un fotoreporter americano, noto in tutto il mondo come autore della fotografia "The Afghan Girl", apparsa sulla rivista National Geographic nel 1985. La sua carriera di fotografo è iniziata con la guerra in Afghanistan (1978-1992). Ha coperto anche altri conflitti internazionali come la guerra Iraq-Iran o la guerra del Golfo. Dopo aver lavorato per due anni a King of Prussia, in Pennsylvania, nel 1978 si è recato in India per lavorare in proprio. Dopo un anno di permanenza, si è recato nel nord del Pakistan. La sua carriera di fotografo è iniziata con la copertura della guerra sovietica. In Afghanistan McCurry si è travestito con gli abiti del paese per passare inosservato mentre lavorava e ha portato fuori dal paese la pellicola cucendola nei suoi vestiti. Le sue immagini sono state tra le prime a ritrarre il conflitto e sono state ampiamente diffuse. Questo lavoro gli valse la Medaglia d'oro Robert Capa per il miglior fotogiornalismo estero e fu pubblicato dal New York Times, dal TIME e da Paris Match. McCurry ha continuato a occuparsi di conflitti internazionali, tra cui la guerra Iran-Iraq, Beirut, la Cambogia, le Filippine, la guerra del Golfo e l'Afghanistan. È sopravvissuto a un incidente aereo in Jugoslavia. Il suo lavoro è stato pubblicato in riviste di tutto il mondo e collabora regolarmente con il National Geographic. Dal 1986 è membro dell'agenzia Magnum. Nel suo lavoro, McCurry si concentra sul dolore causato dalla guerra. Cerca di mostrare cosa fa la guerra, ma non solo sul campo di battaglia, bensì anche alle persone che ci vivono. Sostiene che c'è sempre qualcosa in comune tra tutti gli esseri umani, nonostante la religione, la lingua, l'etnia, ecc.

Stima 10 000 - 13 000 EUR

lun 29 lug

HELMUT NEWTON (Germania, 1920 - California, 2004). "Scarpa", Monte Carlo, 1983. Gelatina d'argento. Stampa successiva. Firmato, titolato, datato a matita e timbro di copyright sul retro. Nessun numero di edizione. Provenienza: Collezione McCord, New York. Misure: 36 x 24,6 cm (immagine); 40 x 31 cm (cornice). Una caviglia sottilmente arcuata e calzata da una scarpa con tacco alto occupa l'intero piano fotografico in questa iconica immagine di Helmut Newton. Luogo associato al glamour e al lusso, Monte Carlo è lo sfondo perfetto per l'esplorazione di Newton della moda e dell'erotismo. Il feticismo dei tacchi alti e delle caviglie femminili sono esplorati dall'artista in diversi contesti. In tutti, attraverso composizioni audaci e accuratamente realizzate, ridefinisce i parametri della fotografia di moda e dell'erotismo, il ruolo della donna e le relazioni di potere. Provocazione, anti-voyeurismo ed emancipazione femminile sono spesso attributi delle sue foto. Newton è nato a Berlino, ha frequentato l'Heinrich-von-Treitschke-Realgymnasium e l'American School di Berlino. Interessato alla fotografia fin dall'età di 12 anni, quando acquistò la sua prima macchina fotografica, lavorò per la fotografa tedesca Yva (Elsie Neuländer Simon) a partire dal 1936. Le restrizioni sempre più opprimenti imposte agli ebrei dalle leggi di Norimberga fecero perdere al padre il controllo della fabbrica; egli fu brevemente internato in un campo di concentramento durante la Notte dei Cristalli, il che costrinse infine la famiglia a lasciare la Germania. I genitori di Newton fuggirono in Argentina. Infine, arrivato a Singapore, scoprì di potervi rimanere, prima per un breve periodo come fotografo per lo Straits Times e poi come ritrattista. Newton fu internato dalle autorità britanniche mentre si trovava a Singapore e fu inviato in Australia a bordo della Queen Mary, arrivando a Sydney il 27 settembre 1940. Rilasciato dall'internamento nel 1942, lavora per un breve periodo come raccoglitore di frutta nel nord del Victoria. Nell'aprile 1942 si arruolò nell'esercito australiano e lavorò come camionista. Dopo la guerra, nel 1945, divenne un suddito britannico e cambiò il suo nome in Newton nel 1946. Nello stesso anno, Newton apre uno studio in Flinders Lane a Melbourne e si occupa di moda, teatro e fotografia industriale durante il dopoguerra. Nel maggio 1953 condivide la sua prima mostra congiunta con Wolfgang Sievers, la mostra "New Visions in Photography", allestita al Federal Hotel di Collins Street, che rappresenta probabilmente il primo assaggio della fotografia della Nuova Oggettività in Australia. Newton si legò a Henry Talbot, un ebreo tedesco anch'egli internato a Tatura, e la sua collaborazione con lo studio continuò anche dopo il 1957, quando lasciò l'Australia per Londra. Lo studio fu ribattezzato "Helmut Newton e Henry Talbot". La crescente reputazione di Newton come fotografo di moda viene premiata quando ottiene l'incarico di illustrare la moda in un supplemento speciale australiano per la rivista Vogue, pubblicato nel gennaio 1956. Ottenuto un contratto di 12 mesi con British Vogue, partì per Londra nel febbraio 1957, lasciando a Talbot la gestione dell'attività. Newton lascia la rivista prima della scadenza del contratto e si reca a Parigi, dove lavora per riviste francesi e tedesche. Tornò a Melbourne nel marzo 1959 per lavorare con Australian Vogue. Newton e sua moglie si stabilirono infine a Parigi nel 1961. Le sue immagini sono apparse su riviste come l'edizione francese di Vogue e Harper's Bazaar. Ha stabilito uno stile particolare, caratterizzato da scene erotiche e stilizzate, spesso con un sottotesto feticista. Nel 1980 ha creato la serie "Big Nudes". Seguirono il portfolio "Nude and Clothed" e, nel 1992, "Domestic Nudes", che segnò l'apice del suo stile erotico-urbano; tutte queste serie sostengono la destrezza delle sue abilità tecniche. Newton ha lavorato anche a ritratti e studi più fantastici. Ha realizzato una serie di illustrazioni per Playboy, tra cui quelle di Nastassja Kinski e Kristine DeBell.

Stima 12 000 - 14 000 EUR

gio 22 ago

Asia. Ricordi della mia crociera in Estremo Oriente. Album fotografico. [Shanghai, Hong Kong, Haiphong, Along Bay, Saigon, ecc.], [1936-1939]. In-4 oblungo (26,3 x 36 cm), seta nera ricoperta nella parte superiore della copertina da un grande motivo ricamato raffigurante due draghi (legatura d'epoca). Raccolta di 408 fotografie scattate durante la campagna di Dumont d'Urville in Estremo Oriente tra il 1936 e il 1939. Le fotografie, di dimensioni diverse, sono montate sul fronte e sul retro di ogni foglio. Non sono firmate; alcune hanno una didascalia nella parte inferiore della fotografia o sono accompagnate da una didascalia scritta a mano sulle pagine dell'album. Ritraggono principalmente città cinesi e indocinesi, porti, porti, navi da guerra (tra cui la Dumont d'Urville), scene di bombardamento a Shanghai, edifici, case, strade, templi, monumenti, persone in costume, scene di gruppo, piccole imbarcazioni, luoghi pittoreschi, ecc. Alcune delle fotografie che ritraggono i bombardamenti sono state scattate su uno sfondo rosso, per enfatizzare la drammaticità degli eventi. Alcune fotografie riguardano il Giappone, l'India, le Filippine, l'Australia e le Nuove Ebridi. La Cina è rappresentata da 196 fotografie (compreso il conflitto sino-giapponese), l'Indocina da 114 fotografie e vari altri Paesi da 98 fotografie (Giappone, Singapore, India, Filippine, Indonesia, Australia e Nuove Ebridi). Fotografie in ottime condizioni. Angoli usurati, dorso parzialmente staccato.

Stima 800 - 1 000 EUR

mar 10 set

JAUME PITARCH (Barcellona, 1963). Dalla serie "Matches", n.11. 1999-2000. Fotografia su carta baritata. Provenienza: Galleria dels Àngels di Barcellona. Misure: 80 x 80 cm; 81 x 81 cm (cornice). Artista attualmente residente a Barcellona, Jaume Pitarch ha studiato Belle Arti al Chelsea College of Art e al Royal College of Art di Londra. Il suo linguaggio si basa sulla decontestualizzazione degli elementi creati dall'uomo, che smonta e ricostruisce in modo completamente diverso, privandoli del loro significato e valore originario. Nel corso della sua carriera artistica, Jaume Pitarch ha realizzato numerose mostre a livello nazionale e internazionale, tra cui ricordiamo: Àngels Barcelona (2013, 2009, 2004,1997); Galería Fúcares, Madrid (2013, 2008); Spencer Brownstone Gallery, New York (2013, 2009, 2006) o nella Galerija Vartai, Lituania, 2011. Allo stesso modo, il suo lavoro è stato selezionato per mostre collettive in gallerie e istituzioni internazionali. Le sue opere fanno parte di collezioni pubbliche e private come la collezione del MACBA, la Fondazione Vila Casas, la collezione La Caixa, Artium, la collezione Bergé, il Museo Patio Herreriano o la collezione del Royal College of Art di Londra, tra le altre. Pitarch afferma che il suo lavoro "si concentra sul modo in cui la produttività ha influenzato la nostra nozione di tempo. Mercato, lavoro, valore o tempo libero ne sono solo espressioni complementari. Sembra che la pratica artistica contemporanea, la partecipazione e il consumo siano attività basate sul tempo e quindi soggette a un sistema di produzione". E continua: "Parte della mia pratica consiste nel salvare e riorganizzare oggetti, azioni o semplici episodi che appartengono a questi contesti per fornire loro una nuova lettura al di fuori dei limiti che il tempo programmato o produttivo determina. Questi oggetti, la riproduzione di queste azioni ed episodi devono essere letti come dispositivi critici e poetici che rendono possibile una revisione decelerata della realtà".

Stima 1 200 - 1 600 EUR

mar 10 set

MIQUEL BARCELÓ ARTIGUES (Felanitx, Mallorca, 1957). "Chauvet. Cahier de félins". Libro d'arte, libro d'artista e lastra numerata firmata dall'artista. Copia 423/2998. Editore: Artika Custodia in legno d'acero. Misure: 43 x 33 cm (libro d'arte e libro di studio); 88 x 33 cm (cartella con piatto); 49 x 37 x 5,5 cm (scatola). Il "Cahier de félins" è un omaggio alle grotte Chauvet. Edizione unica, limitata e numerata a 2998 esemplari, questo è il numero 1932 firmato dall'artista. L'opera è composta da un cofanetto in legno d'acero con la riproduzione di un originale di Miguel Barceló in tecnica pirografica, una riproduzione facsimile del Cahier de félins di proprietà dell'artista, un libro sulla scoperta della grotta Chauvet e una placca numerata con la riproduzione di uno dei felini del Cahier. Carta Tintoretto Gesso da 200 gr. Copertina in tela di cotone con un originale stampato in esclusiva da Barceló. Pittore e scultore, Barceló inizia la sua formazione presso la Scuola di Arti e Mestieri di Palma di Maiorca, dove studia tra il 1972 e il 1973. Nel 1974 fa il suo debutto individuale, all'età di diciassette anni, presso la Galleria Picarol di Maiorca. Nello stesso anno si trasferisce a Barcellona, dove si iscrive alla Scuola di Belle Arti Sant Jordi, e compie il suo primo viaggio a Parigi. Nella capitale francese scopre l'opera di Paul Klee, Fautrier, Wols e Dubuffet, nonché l'"art brut", uno stile che eserciterà un'importante influenza sui suoi primi dipinti. In questi anni legge molto e si arricchisce di opere diverse come gli scritti di Breton e dei surrealisti, il "Manifesto bianco" di Lucio Fontana o la "Storia sociale della letteratura e dell'arte" di Arnold Hauser. Nel 1976 tiene la sua prima mostra personale in un museo: "Cadaverina 15" al Museo di Maiorca, che consiste in un montaggio di 225 scatole di legno con coperchio di vetro, con all'interno materiali organici in decomposizione. Nello stesso anno, di nuovo a Maiorca, entra a far parte del gruppo Taller Lunàtic e partecipa ai suoi eventi sociali, politici e culturali. Nel 1977 compie un secondo viaggio a Parigi e visita anche Londra e Amsterdam. Nello stesso anno espone per la prima volta a Barcellona e incontra Javier Mariscal, che diventerà uno dei suoi migliori amici in città. Insieme a lui e al fotografo Antoni Catany partecipa, come membro del gruppo "Neón de Suro", a mostre in Canada e California e collabora alla pubblicazione dell'omonima rivista. È sempre nel 1977 che riceve la sua prima commissione pittorica di grande formato: un murale per la sala da pranzo di un hotel di Cala Millor, a Maiorca. L'anno successivo, all'età di ventuno anni, vende le sue prime opere ad alcuni collezionisti e gallerie e si trasferisce finalmente a Barcellona. Il riconoscimento internazionale inizia nei primi anni Ottanta, dando un impulso definitivo alla sua carriera dopo la partecipazione alla Biennale di San Paolo (1981) e alla Documenta di Kassel (1982). Nel 1986 ha ricevuto il Premio Nacional de Artes Plásticas e da allora il suo lavoro è stato riconosciuto attraverso i premi più importanti, come il Premio Príncipe de Asturias de las Artes (2003) o il Premio Sorolla della Hispanic Society of America di New York (2007). Barceló è attualmente rappresentato nei più importanti musei d'arte contemporanea del mondo, come il MoMA di New York, il Centre Pompidou di Parigi, il Guggenheim di Bilbao, il Marugami Hirai in Giappone, il Reina Sofía di Madrid, il Patio Herreriano di Valladolid, il CAPC di Bordeaux, il Carré d'Art di Nimes, il Museum of Contemporary Art di Caracas e il Museum of Fine Arts di Boston, tra gli altri.

Stima 900 - 1 000 EUR
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