25th June - Private Collection; The Road to Modernity

Lot 1 - ISMAEL GONZÁLEZ DE LA SERNA (Guadix, Grenade, 1898 - Paris, 1968). "Paysage côtier, Nice". 1928. Huile sur toile. Signée et datée dans la marge inférieure. Dimensions : 84 x 98 cm ; 100 x 112 cm (cadre). La côte de la Côte d'Azur est imprégnée dans cette composition d'un caractère presque surréaliste, non pas par la présence d'un élément onirique manifeste mais par la cadence métaphysique de l'atmosphère. La mer est une langue bleu cobalt sillonnée de voiliers dont la blancheur est infectée par la balustrade de pierre. Elle marque le périmètre d'un jardin peuplé de pins de pierre et de terre de sienne. Un fragment de ciel bleu turquoise se découpe derrière la dense canopée des arbres. Ismael De la Serna combine ici un coup de pinceau d'héritage cézannien avec une grande capacité à synthétiser les formes (ce qui indique son passage par le cubisme). Cependant, à cette époque, il explore également le surréalisme, dont une partie est palpable dans ce paysage. Sans s'inscrire dans un mouvement particulier, il ne reste fidèle qu'à sa versatilité, ce qui se traduit par une manière de faire très personnelle. Ismael González de la Serna a commencé ses études d'art à Grenade et les a terminées à Madrid, à l'école des beaux-arts de San Fernando. Dès ses premières années, il développe un style pictural éclectique, qui puise dans les sources impressionnistes, symbolistes et modernistes. L'un des premiers exemples de son langage juvénile se trouve dans les illustrations qu'il réalise pour son ami d'enfance Federico García Lorca, dans ce qui sera son premier livre, "Impresiones y paisajes" (1918). La même année, Ismael de la Serna organise sa première exposition à Grenade et, peu après, il présente ses œuvres à l'Ateneo de Madrid. En 1921, il s'installe à Paris afin d'élargir ses horizons artistiques et rejoint les cercles de l'École de Paris. Parmi ses amis parisiens, il y a Pablo Picasso, qui a influencé son travail, mais qui a surtout été le protecteur du peintre grenadin. Le style de De la Serna est, à cette époque, perméable aux influences de l'avant-garde, principalement le cubisme et l'expressionnisme, qu'il travaille de manière très personnelle. De même, l'influence initiale de l'impressionnisme est toujours présente dans son œuvre. L'année 1927 marque le début d'une période de forte projection de son œuvre, qui commence avec l'exposition personnelle que le peintre réalise dans l'influente galerie parisienne de Paul Guillaume. Cette exposition est suivie de nombreuses autres, tant à Paris qu'à Berlin, Bruxelles, Copenhague, Grenade et Mexico. En 1928, le directeur des Cahiers d'Art, Christian Zervos, lui demande d'illustrer une édition spéciale de vingt sonnets de Góngora. La clé de sa reconnaissance se trouve dans sa lecture sensuelle des formes du cubisme, basée sur la pertinence d'un dessin aux lignes sinueuses et très décoratives, combinées à de fortes marques chromatiques. Avec un sens spatial marqué et sans jamais abandonner la figuration, De la Serna a surtout représenté des natures mortes, où il a accentué le côté sensoriel de sa peinture avec des références sensorielles métaphoriques, telles que la musique, les fruits ou les fenêtres ouvertes. Il a également travaillé sur des paysages et des portraits. Après avoir inauguré par une exposition personnelle les activités de l'Association des artistes ibériques à Madrid en 1932, le peintre entreprend de nouvelles voies d'expérimentation plastique qui aboutiront, après la Seconde Guerre mondiale, à une peinture plus schématique et simplifiée, proche des solutions abstraites contemporaines. Ismael de la Serna est représenté au musée Patio Herreriano de Valladolid, au Reina Sofía de Madrid, aux musées des beaux-arts de Grenade et de Séville, à l'ARTIUM, etc.

Estim. 8 000 - 10 000 EUR

Lot 2 - ALEXANDER CALDER (États-Unis, 1898 - 1976). "Taches de Rousseur". Lithographie, exemplaire 81/100. Signée et justifiée au crayon. Dimensions : 53 x 72 cm ; 68 x 87 cm (cadre). Calder a été formé à l'Art Students League de New York, et en 1926 il réalise sa première exposition de peinture, à la New York The Artist's Gallery. Avant la fin de l'année, il entame son voyage en Europe, qui lui permet de rencontrer les grandes figures de l'époque, telles que Miró, Duchamp et Mondrian. Calder est l'un des artistes les plus renommés du XXe siècle, avec des œuvres dans toutes les grandes collections du monde. Du MoMA de New York, où l'une de ses sculptures orne l'escalier principal, au siège de l'UNESCO à Paris. Il est également représenté au musée Guggenheim de New York, à la Peggy Guggenheim Collection de Venise, au Städel de Francfort, au Kunstmuseum de Bâle, à la Reina Sofía de Madrid et à la Tate Gallery de Londres.

Estim. 2 500 - 3 000 EUR

Lot 3 - JOAN MIRÓ I FERRÀ (Barcelone, 1893 - Palma de Majorque, 1983). "Message, 1977. Encre sur papier. Signé dans le coin inférieur droit. Signé, daté et titré au dos. Dimensions : 23,5 x 27,5 cm : 55 x 62 cm (cadre). En 1977, Miró se trouve dans une période de consolidation de sa carrière artistique, ayant reçu la même année la Médaille d'or du mérite pour son œuvre. Au cours de cette période, la décennie des années soixante-dix, sa peinture s'oriente vers une esthétique plus évocatrice, peuplée de formes éthérées réduites à des lignes et à des points qui parviennent à conceptualiser et à capturer des corps organiques, typiques de la nature. Cette ligne fluide que l'on peut voir dans ce tableau est caractéristique de cette période, et on la retrouve d'ailleurs dans plusieurs de ses œuvres, comme par exemple dans l'œuvre intitulée "Femme, oiseau", qui fait partie de la collection du Centre Pompidou à Paris. Joan Miró a été l'une des grandes figures de l'art du XXe siècle au niveau international. Il a été formé à Barcelone, d'abord à la Escuela de la Lonja, puis à l'Academia Galí, à l'esprit plus novateur. C'est dans cette école et au Cercle artistique de Sant Lluc, également à Barcelone, que le jeune Miró rencontre certains de ses grands amis, comme le critique Sebastià Gasch, le poète J.V. Foix, le peintre Josep Llorens Artigas et le promoteur artistique Joan Prats. Ainsi, depuis ses années de formation, il est directement lié aux cercles les plus avant-gardistes de Barcelone et, dès le début de l'année 1918, il organise sa première exposition dans les galeries Dalmau de Barcelone. En 1920, il s'installe à Paris et rencontre Picasso, Raynal, Max Jacob, Tzara et les dadaïstes. Ce seront les années cruciales de sa carrière artistique, au cours desquelles Miró découvrira son langage personnel. À Paris, il se lie d'amitié avec André Masson, autour duquel se constitue le groupe dit de la rue Blomet, futur noyau du surréalisme. Ainsi, sous l'influence des poètes et des peintres surréalistes, avec lesquels il partage de nombreuses approches théoriques, son style mûrit ; il tente de transposer la poésie surréaliste au visuel, en se basant sur la mémoire, la fantaisie et l'irrationnel. À partir de ce moment, son style entame une évolution qui le conduit à des œuvres plus éthérées, dans lesquelles les formes et les figures organiques sont réduites à des points, des lignes et des taches de couleur abstraits. En 1924, il signe le premier manifeste surréaliste, bien que l'évolution de son œuvre, trop complexe, ne permette pas de l'inscrire dans une orthodoxie particulière. Sa troisième exposition à Paris, en 1928, est son premier grand triomphe : le Museum of Modern Art de New York acquiert deux de ses œuvres. À partir des années trente, Miró devient l'une des figures les plus marquantes de la scène artistique internationale et l'un des principaux créateurs du XXe siècle. C'est précisément à cette époque que l'artiste, anticonformiste par nature, entre dans une phase qu'il appelle le "meurtre de la peinture", au cours de laquelle il renonce volontairement à être peintre et expérimente d'autres techniques, comme le collage, le dessin sur papier de différentes textures ou la construction d'"objets" avec des éléments trouvés, sa première approche de la sculpture. Ainsi, s'il reprend rapidement la pratique de la peinture, Miró n'abandonne jamais son désir d'expérimenter toutes sortes de matériaux et de techniques, comme la céramique, le bronze, la pierre, les techniques graphiques et même, depuis 1970, la tapisserie. Il rentre en Espagne en 1941 et, la même année, le Museum of Modern Art de New York lui consacre une rétrospective qui sera sa consécration internationale définitive. De 1956 à sa mort en 1983, il vit à Palma de Majorque dans une sorte d'exil intérieur, tandis que sa renommée internationale grandit. Tout au long de sa vie, il a reçu de nombreuses récompenses, comme les grands prix de la Biennale de Venise en 1954 et de la Fondation Guggenheim en 1959, le prix Carnegie de peinture en 1966, les médailles d'or de la Generalitat de Catalunya (1978) et des Beaux-Arts (1980), et a été nommé docteur honoris causa par les universités de Harvard et de Barcelone. Aujourd'hui, son œuvre est exposée à la Fondation Joan Miró de Barcelone, inaugurée en 1975, ainsi que dans les principaux musées d'art contemporain du monde entier, tels que la Thyssen-Bornemisza, le MoMA de New York, le musée Reina Sofia de Madrid, la National Gallery de Washington ou le MNAM de Paris.

Estim. 9 000 - 10 000 EUR

Lot 4 - BALDOMERO GALOFRE JIMÉNEZ (Reus, Tarragone, 1846 - Barcelone, 1902). "Repos". Huile sur toile. Signée et située ("Roma") dans le coin inférieur droit. Certificat de la galerie Barbier joint. Provenance : Galerie Bernat. Dimensions : 77 x 43 cm ; 106 x 72 cm (cadre). Exquise scène d'intérieur, dans laquelle une jeune femme allongée sur une chaise longue contemple sa perruche qui vient de s'échapper d'une cage suspendue au haut plafond de la pièce. La robe de satin de la dame déborde du tapis persan, laissant apparaître son petit pied droit, perché sur un coussin rembourré de velours. Ses cheveux noirs contrastent avec la blancheur des perles qui les bordent. Des boucles d'oreilles et des pendentifs en or sertis de pierres précieuses scintillent sur sa peau claire et nacrée. Dans sa main gauche, elle tient une mandoline, et la partition reste sur la table ornée d'un immense vase de porcelaine qui contient une plante à grandes feuilles. Un rideau de soie brille de reflets dorés. La préciosité de l'ensemble est rendue par un coup de pinceau serré et une maîtrise des tons. Baldomero Galofre a commencé sa formation à la Escuela de La Lonja de Barcelone, où il a été le disciple de Martí Alsina, et a ensuite terminé ses études à Madrid. Il se fait connaître en 1866 à l'exposition des beaux-arts de Barcelone, où il participera à nouveau en 1870, et en 1868, il participe avec des paysages et des études à l'exposition aragonaise de Saragosse. En 1874, il obtient une pension pour poursuivre ses études à Rome, où il vit pendant dix ans. Il y fréquente l'Académie Chigi et le Cercle international d'art, et rencontre Mariano Fortuny dans les derniers mois de sa vie, suivant les orientations stylistiques de son compatriote. De retour à Barcelone, il organise en 1884 une exposition personnelle qui est très bien accueillie ; Narciso Oller fait l'éloge de son grand naturalisme et le présente comme un exemple contre la peinture d'histoire. Quatre ans plus tard, lors d'une nouvelle exposition personnelle, cette fois à Madrid, l'une de ses œuvres est acquise par la reine régente. En 1903, dans une salle spéciale du musée de Barcelone, Galofre présente une importante exposition de son œuvre. Il développe un style lumineux et détaillé, et peint des paysages et des scènes populaires dans l'orbite de Fortuny. Il était également un dessinateur extraordinaire. Il est actuellement représenté au MACBA et au musée d'art et d'histoire de Reus, entre autres collections publiques et privées.

Estim. 24 000 - 26 000 EUR

Lot 5 - JOAQUIN MIR TRINXET (Barcelone, 1873 - 1940). "Miravet". Huile sur toile. Signée dans le coin inférieur droit. Avec étiquette Barrachina & Ramoneda au dos. Certificat d'authenticité joint, délivré par Barrachina. Dimensions : 54 x 70 cm ; 80 x 94 cm (cadre). Joaquim Mir a dédié à Miravet, le beau village de la Ribera del Ebro, quelques-unes de ses peintures les plus appréciées. Le château templier qui dessine la colline semble se confondre avec la roche dans cette magnifique composition. De même, les autres maisons qui adhèrent comme des mollusques à la pierre semblent l'imiter grâce à l'utilisation d'un coup de pinceau synthétique et emphatique qui disperse ses reflets sur la rivière aux eaux transparentes. Le maître impressionniste fait dialoguer le ciel avec la mer, le feuillage avec la terre ferme. Les nuages glissent sur la surface réfléchissante de l'eau. De même, les buissons vert émeraude contournent la prééminence des ocres, des siennois et des fauves qui vibrent de leur propre lumière. Mir déploie dans ce paysage toute sa personnalité. Joaquim Mir a étudié à l'école des beaux-arts de San Jordi à Barcelone et dans l'atelier du peintre Luis Graner. Son style est également influencé par l'école d'Olot, la ville natale de son père. En 1893, il fonde avec d'autres collègues (Nonell, Canals, Pichot, Vallmitjana et Gual) la "Colla del Safrà", afin d'étudier ensemble les initiatives picturales de la fin du siècle. En 1896, ils participèrent en tant que groupe à la IIIe Exposition des beaux-arts et des industries artistiques, à laquelle Mir présenta deux œuvres qui nous donnent une idée claire des idéaux du groupe : "La huerta del rector et El vendedor de naranjas. En outre, à partir de 1897, il fréquente le milieu artistique de "Els Quatre Gats", où se réunissent tous les artistes qui connaissent l'avant-garde européenne, ce qui l'aide à mûrir dans l'étude compositionnelle des paysages avec des figures dans différents plans de profondeur. De cette période datent "Les pentes de Montjuic" (1897) et "La cathédrale des pauvres" (1898), les deux chefs-d'œuvre de sa jeunesse. Au cours de ces années, il participe aux expositions des beaux-arts de Barcelone, dans leurs éditions de 1894, 1896 et 1898. Lauréat d'une deuxième médaille à l'exposition de Madrid en 1899, il s'installe la même année dans la capitale afin de concourir pour une bourse d'études à Rome. N'ayant pas réussi, il part avec Santiago Rusiñol à Majorque, pour un voyage qui marquera un tournant définitif dans sa carrière. Mir est ébloui par le paysage majorquin, notamment par Sa Calobra, qui est pour lui une source d'inspiration inépuisable. Dès lors, l'artiste déploie toute une combinaison de couleurs impossibles, fruit de son interprétation personnelle de la nature majestueuse de l'île. Les coups de pinceau s'allongent et deviennent des taches qui font presque disparaître les objets et les repères spatiaux. En 1901, il expose individuellement le fruit de cette première étape majorquine à la Sala Parés de Barcelone, et obtient à nouveau une deuxième médaille à l'Exposition nationale. Après une période de maladie qui l'oblige à s'installer à Reus, il remporte en 1907 la première médaille de l'Exposition internationale des beaux-arts de Barcelone. Dès lors, installé au Camp de Tarragone, il ne s'éloignera plus du genre paysager, mais les villages environnants seront désormais les protagonistes de sa peinture. Déjà consolidé comme une figure marquante du panorama catalan, il acquiert la reconnaissance nationale définitive en 1917, lorsqu'il reçoit le prix national des beaux-arts. Quatre ans plus tard, il se marie et s'installe définitivement à Vilanova i la Geltrú. Les succès se succèdent et, en 1929, il remporte la première médaille à l'exposition internationale de Barcelone. L'année suivante, il remporte la médaille d'honneur de l'exposition nationale de Madrid, récompense qu'il convoite depuis 1922. Bien qu'il soit principalement un peintre autochtone, il a participé à des expositions individuelles et collectives à Washington, Paris, Pittsburg, New York, Philadelphie, Amsterdam, Buenos Aires et Venise. Mir est aujourd'hui considéré comme le représentant le plus remarquable de la peinture de paysage post-impressionniste espagnole. Son œuvre est conservée au musée national d'art de Catalogne, au musée du Prado, au musée Thyssen-Bornemisza et au musée Reina Sofia de Madrid, entre autres.

Estim. 6 000 - 8 000 EUR

Lot 6 - OSCAR DOMÍNGUEZ PALAZÓN (La Laguna, Tenerife, 1906 - Paris, 1957). "Nature morte aux fruits", 1945. Huile sur toile. Signée dans le coin inférieur droit. Avec l'étiquette de la Sala Parés au dos. Certificat ci-joint délivré par Ana Mª Vázquez de Parga. Dimensions : 30 x 40,5 cm ; 58 x 68 cm (cadre). Nature morte d'Óscar Domínguez, appartenant à sa phase de maturité. Avec audace, le peintre canarien réduit le monde à un puzzle de fragments découpés, réduits à des formes élémentaires et à des applications de couleurs par plans. Ainsi, assiettes et fontaines sont réduites à des cercles et des ovales, sur lesquels reposent des cerises et des oranges arrondies. La fenêtre est un rectangle qui accueille un morceau de mer et un morceau de ciel. Un rideau tombe avec des lignes verticales comme des piquets. La netteté des formes est renforcée par l'utilisation d'un trait noir épais. Il convient de mentionner que l'œuvre est certifiée par Ana Vázquez de Parga, qui a réalisé une étude approfondie de l'œuvre d'Oscar Domínguez, en soulignant sa participation en tant que commissaire de l'exposition "Oscar Domínguez 1926-1957, une rétrospective". Domínguez appartient à la génération de 1927 et a inventé la décalcomanie, une technique picturale qui consiste à appliquer de la gouache noire sur une feuille de papier, qui est placée sur une autre feuille sur laquelle on exerce une légère pression, pour finalement décoller les deux papiers avant qu'ils ne sèchent. En 1927, Domínguez se rend pour la première fois à Paris dans le cadre d'une affaire familiale. Il y retourne l'année suivante et entre en contact avec le mouvement surréaliste, et plus particulièrement avec sa figure centrale, André Breton. Ce groupe marquera sa carrière jusqu'à ce qu'il soit exclu pour s'être approché de la peinture de Picasso. Il fait ses débuts individuels en 1933, au Círculo de Bellas Artes de Santa Cruz de Tenerife et à Las Palmas de Gran Canaria. En 1935, il participe à l'exposition surréaliste de Santa Cruz de Tenerife, où il signe le manifeste "Du temps que les surréalistes avaient raison". Ses objets surréalistes sont également importants, certains d'entre eux ayant été exposés à Paris, lors de l'Exposition surréaliste d'objets de la Galerie Charles Ratton en 1936. En raison de la guerre civile, il s'exile en France et passe pratiquement le reste de sa vie dans la capitale. L'artiste a vécu les dernières années de sa vie comme un prisonnier de la folie après avoir souffert d'acromégalie, une maladie dégénérative qui a déformé son physique et fait grossir son crâne de façon extraordinaire. Le soir du Nouvel An 1957, il se suicide à Paris, complètement ivre, en s'ouvrant les veines dans les toilettes d'une fête donnée par son amie, la vicomtesse de Noaffles. Domínguez est aujourd'hui considéré comme l'un des plus grands représentants de l'avant-garde historique espagnole qui s'est développée à Paris au cours des premières décennies du XXe siècle. En général, les figures et les objets qui composent ses œuvres surréalistes contiennent des références magiques, mécaniques et sexuelles, et nombre d'entre elles se situent dans le paysage des îles Canaries, bien qu'il ait vécu la plus grande partie de sa vie à Paris. La contribution la plus importante d'Óscar Domínguez au surréalisme a été l'invention de la décalcomanie, une technique dans laquelle l'automatisme psychique joue un rôle de premier plan. Ce procédé a été magnifiquement accepté par les surréalistes, qui l'ont rapidement adopté et ont ensuite influencé la peinture expressionniste abstraite. La décalcomanie consiste à introduire de la gouache noire liquide entre deux feuilles de papier en les pressant de manière incontrôlée. Une autre de ses contributions au mouvement surréaliste est la théorie de la pétrification du temps grâce à laquelle il commence à introduire dans ses compositions des formes cristallisées et des structures de réseaux angulaires. On retrouve des pétrifications de ce style dans les peintures de René Magritte.

Estim. 28 000 - 30 000 EUR

Lot 7 - CARLES NADAL FARRERAS (Paris, 1917 - Sitges, Barcelone, 1998). "Rue de Paris". Acrylique sur toile. Signée dans le coin inférieur droit. Dimensions : 65 x 54 cm ; 80 x 90 cm (cadre). Dans cette œuvre, l'artiste nous présente un paysage urbain selon une esthétique naïve, en raison de la grande prépondérance de la couleur, du synthétisme et de la rotondité des lignes et de l'utilisation d'une perspective légèrement déformée par rapport à la tradition. Grâce à ces éléments, l'artiste compose une image où les éléments forment un paysage à l'esthétique avant-gardiste, où le naturel et l'urbain convergent. En ce qui concerne la perspective, mentionnée précédemment, le peintre utilise un point de vue apparemment frontal, mais il évite le point de fuite, réduisant ainsi une sensation de spatialité avec laquelle il parvient à une monumentalisation des formes. Cela permet une vision détaillée du volume des bâtiments, en construisant un scénario évocateur plutôt que représentatif, dans une composition où la tache fluide et libre de la couleur prend une proéminence inhabituelle, remplissant l'espace et évoquant des changements de lumière et d'ombre, ainsi qu'une atmosphère humide et claire. Fils de Santiago Nadal, peintre et décorateur installé à Paris, Carles Nadal vit depuis l'enfance à Barcelone, où la famille a déménagé en raison de la maladie de son père. À l'âge de treize ans, il commence à travailler comme apprenti dans un atelier de peinture décorative et, en 1936, il reçoit une bourse de la mairie de Barcelone pour étudier à l'École des beaux-arts de Sant Jordi. Au début de la guerre civile, il est recruté dans l'armée républicaine, avec laquelle il combat sur les fronts d'Aragon et de Tremp. Au début de l'année 1939, il franchit la frontière française et est interné dans le camp de réfugiés de Saint Cyprien, où il reste plusieurs mois. Il parvient à s'échapper et à repasser la frontière, mais il est arrêté et emprisonné à Figueras. En liberté conditionnelle, il retourne à Barcelone, où il poursuit sa carrière artistique tout en travaillant comme décorateur et en étudiant les beaux-arts. En 1941, il fait ses débuts dans une exposition collective à la galerie Dalmau, où il obtient de bonnes critiques. Il termine ses études avec de bonnes notes et obtient la reconnaissance de ses professeurs, dont certains deviendront des amis et des collaborateurs du jeune Nadal. C'est d'ailleurs l'un d'entre eux, Luis Muntané, qui lui permet de réaliser sa première exposition individuelle en 1944, à la Pinacothèque de Barcelone. Deux ans plus tard, il s'installe à Paris, toujours grâce à une bourse de la mairie de Barcelone. Il y travaille et expose avec le groupe Présence de l'Homme, tout en participant aux Salons d'Automne. Plus tard, grâce à une bourse de l'État français, il entre à l'École des beaux-arts de Paris. En 1948, il épouse Flore Joris et s'installe à Bruxelles, où il restera jusqu'au milieu des années soixante-dix. C'est en Belgique qu'il découvre, comme il le répète lui-même, la lumière et la couleur. Au cours de ces années, il continuera à exposer ses œuvres en Espagne et en Belgique, ainsi qu'en France, en Allemagne, aux Pays-Bas, en Suisse, au Royaume-Uni et aux États-Unis. La peinture de Nadal est post-impressionniste, intensément colorée et basée sur la recherche de la force chromatique comme moyen de communication le plus direct. Il a notamment reçu le Grand Prix de Spa, en Belgique, et a été nommé membre de la Royal Academy of London. Ses œuvres sont exposées au MACBA, au musée de Spa en Belgique et au musée royal de Bruxelles.

Estim. 18 000 - 20 000 EUR

Lot 8 - MARGARET MURRAY COOKESLEY (1844-1927) "Les chéris du sultan". 1894. Huile sur panneau. Signée et datée dans la marge inférieure. Dimensions : 38 x 59 cm ; 55 x 76 cm (cadre). Le thème du harem a été abondamment traité par ce peintre britannique, qui a visité Constantinople, et où le sultan a commandé un portrait de son fils et de ses épouses, selon l'historienne Clara Erskine Clement. Avec une technique précieuse, l'auteur transmet la somptuosité soyeuse des vêtements et la langueur des jeunes filles, bercées par le tabac à narguilé. Margaret Murray Cookesley était une peintre anglaise. Elle a voyagé au Moyen-Orient et a peint des scènes orientales à l'huile et à l'aquarelle. Elle a exposé à la Royal Academy et à la Society of Women Artists. Elle a reçu l'ordre du Chefakat et la médaille des beaux-arts de l'Empire ottoman. Son œuvre "Circe resplendens" (1913) fait partie de la collection des musées de Glasgow. Certaines de ses peintures font partie de collections telles que la Victoria Art Gallery, Bath (Frederick Harrison, Author) ; Towneley Hall, Burnley (The Gambler's Wife) ; la Walker Art Gallery, Liverpool (Cleopatra) ; la Graves Art Gallery, Sheffield (The Egg Seller) ; et Cartwright Hall, Bradford (Rich and Rare Were the Gems She Wore).

Estim. 7 000 - 8 000 EUR

Lot 9 - École anglaise, XIXe siècle "Portrait d'une dame". Huile sur toile. Dimensions : 54 x 41 cm ; 48 x 62 cm (cadre). Portrait d'une impératrice ou d'une dame de cour du XIXe siècle. Le peintre suit les modèles français du baroque tardif ou du rococo, ce qui s'apprécie dans les gammes chromatiques juteuses qui définissent les qualités soyeuses des étoffes, le somptueux brocart en fil d'argent du corsage rouge et la douceur ambrée de la jupe plissée. Une lumière filtrée traverse la fenêtre qui découpe un fragment de ciel aux nuages cotonneux.

Estim. 1 000 - 1 200 EUR

Lot 10 - École française ; XIXe siècle. "Le Bal Pare à Monsieur de Villemorien Fila" et "Le concert au Madame La Comtesse de Saint Brisson" Gravures enluminées à la main. Graveur : L. Provost. Dimensions : 32 x 43 cm (x2) ; 48 x 60 cm (cadres, x2). Les fêtes galantes sont un thème récurrent dans la peinture française du XVIIIe siècle, surtout au milieu du siècle, en relation directe avec le style de vie rococo, mais aussi dans la première moitié. En fait, le genre connu sous le nom de "fêtes galantes" a été créé par le peintre français Jean-Antontonine Watteau avec son tableau "Embarquement pour l'île de Cythère", datant de 1712. Dans ce cas précis, les deux gravures enluminées du XIXe siècle reproduisent cette atmosphère du XVIIIe siècle.

Estim. 300 - 400 EUR

Lot 11 - École italienne du XIXe siècle. "Vue de Cadix". Huile sur toile. Dimensions : 54 x 91 cm ; 77 x 108 cm (cadre). Peinture du XIXe siècle, attribuée au genre des "veduti". On y reconnaît une facture de l'école italienne, probablement du cercle de Carlo Bossini (Lugano, 1815-Turin, 1884). Ce peintre a immortalisé la ville de Cadix avec différentes vues de ses marchés, de ses places et de ses habitants. Dans cette scène, autour d'une colonne commémorative, différents groupes humains s'agitent : des femmes avec des mantilles accompagnées de leurs enfants, des messieurs portant de hauts chapeaux, des soldats marchant deux par deux, un général napoléonien avec un tricorne... L'architecture qui encadre la place présente des façades majestueuses, dont les fenêtres sont protégées par des treillis en fer forgé. Sur la droite, on aperçoit la digue.

Estim. 1 000 - 12 000 EUR

Lot 12 - École espagnole, fin du XIXe siècle. "Marine avec bateaux". Huile sur toile. Signée avec les initiales "E.S.". Présente une restauration visible au dos. Dimensions : 55 x 87 cm ; 75 x 105 cm (cadre). Peinture à thème naval résolue avec un coup de pinceau méticuleux et un trait serré, comme il était habituel dans la représentation détaillée des navires militaires ou qui ont joué un rôle important dans l'histoire maritime du pays. Les drapeaux flottant sur les mâts identifient un modèle de cuirassé de l'industrie navale espagnole. Les voiles sont abaissées dans l'alignement des grands navires. De petits voiliers longent la mer et, au loin, de nombreux navires se découpent sur la brume. Le cadrage est large et abonde l'horizon en une large vue panoramique. L'eau ondule avec une cadence rythmée.

Estim. 800 - 1 000 EUR

Lot 13 - École hollandaise ; XIXe siècle. "Le peintre et le modèle". Huile sur toile (x2). Elles présentent des craquelures et l'une des pièces a des restaurations visibles au dos. Dimensions : 33 x 24 cm (x2) ; 45 x 37 cm (cadres, x2). Paire de toiles dans lesquelles l'atelier de l'artiste est représenté dans les deux cas, dominé par la présence d'un grand tableau inachevé, d'une jeune femme et de l'artiste lui-même. Bien que dans les deux cas les protagonistes de la scène soient les mêmes, les images semblent correspondre à un ensemble qui véhicule l'idée de l'amour, réciproque et rejeté. Dans l'un des cas, la jeune femme, habillée de manière classique, embrasse le peintre, tandis que dans l'autre scène, la jeune fille, habillée de manière anachronique, rejette l'artiste. Ce sont les vêtements des protagonistes qui inscrivent les deux images dans le courant de l'historicisme. Le thème historique du même, se situe dans un passé glorieux lié à l'histoire du pays du peintre, il peut être rapproché, comme commenté, de l'historicisme pictural du XIXe siècle, principal courant de l'époque, lié aux Académies des Beaux-Arts. Le terme "historicisme" (Historismus) a été inventé par le philosophe allemand Karl Wilhelm Friedrich Schlegel. Au fil du temps, ce qu'est l'historicisme et la manière dont il est pratiqué ont pris des significations différentes et divergentes. Des éléments de l'historicisme apparaissent dans les écrits de l'essayiste français Michel de Montaigne (1533-1592) et du philosophe italien GB Vico (1668-1744), et ont été plus amplement développés avec la dialectique de Georg Wilhelm Friedrich Hegel (1770-1831), influente dans l'Europe du XIXe siècle. Ils présentent des craquelures et l'une des pièces présente des restaurations visibles au dos.

Estim. 2 000 - 2 500 EUR

Lot 14 - FRANCESC GIMENO I ARASA (Tortosa, Tarragone, 1858 - Barcelone, 1927). "Paysage. Huile sur toile. Signée dans la marge inférieure. Dimensions : 42 x 63 cm ; 59 x 79 cm (cadre). Peintre et dessinateur, Francesc Gimeno commence sa formation à Tortosa à l'âge de quatorze ans. En 1880, il s'installe à Barcelone et alterne son travail de peintre et de décorateur avec celui d'une académie qu'il crée avec plusieurs amis. En 1884, il se rend à Madrid et entre à l'École supérieure des beaux-arts de San Fernando, où il est le disciple de Carlos de Haes. Au musée du Prado, il admire les grands maîtres du XVIIe siècle, en particulier Vélasquez. De retour à Barcelone en 1889, il refuse brusquement les contrats qui lui sont proposés et se consacre à nouveau à la peinture décorative. Il participe néanmoins à quelques expositions et remporte des prix tels que des diplômes d'honneur à l'exposition de Barcelone de 1894 et à l'exposition nationale de Madrid en 1904. En 1915, sur l'insistance de Dalmau, Mallol et Jori, il organise sa première exposition individuelle, dans la galerie que le premier dirige à Barcelone. Francesc Gimeno est représenté au musée du Prado, au musée d'art contemporain de Barcelone, au musée national d'art de Catalogne et dans la collection J. Sala.

Estim. 1 000 - 1 200 EUR

Lot 15 - FEDERICO ARMANDO BELTRÁN MASSES (Güira de Melena, Cuba, 1885 - Barcelone, 1949). "La prairie". Huile sur toile. Signée dans le coin inférieur droit. Dimensions : 79 x 97 cm ; 101 x 115 cm (cadre). L'œuvre présente un champ ouvert, peuplé d'un grand nombre de personnes, habillées à la mode des classes populaires madrilènes du XIXe siècle en vacances. On peut donc en déduire que l'œuvre dépeint l'une des principales célébrations du saint patron de la ville, qui se déroule dans ce que l'on appelle la "prairie de San Isidro" et qui a été immortalisée, entre autres, par Goya. Beltrán Masses, malgré son origine cubaine, a étudié l'art en Espagne. Il a commencé sa formation à l'école La Llotja de Barcelone et a été le disciple de Joaquín Sorolla. En 1905, il s'installe à Madrid pour étudier de près les œuvres des maîtres du musée du Prado. En 1916, il s'installe à Paris, où il connaît un grand succès commercial, recevant des commandes d'illustres personnalités aux États-Unis, en Belgique, en Italie et en Inde. Il est membre des académies royales de Madrid, Barcelone, Saragosse, Lisbonne, Cordoue et Malaga. Il était également membre de la Hispanic Society of New York, de l'Institut de France, de l'Académie des Beaux-Arts de Paris, chevalier de l'Ordre de Malte et de la Légion d'honneur française, et commissaire général de l'Exposition internationale d'art de Bordeaux en 1928. Il participe à de nombreuses expositions et salons, comme celui de la Sala Parés à Barcelone en 1910, l'exposition hispano-française des beaux-arts à Paris en 1919 et la Biennale de Venise en 1921. En 1924, il reçoit le Cordon d'Isabelle la Catholique et, en 1934, il expose ses œuvres à la Royal Watercolour Society de Londres. Parmi ses commandes officielles, le portrait qu'il a peint du roi Alphonse XIII se distingue. En 2007, une rétrospective de Federico Beltrán Masses a été organisée au musée Casa Lis d'art nouveau et d'art déco. Beltrán Masses s'est consacré à la fois à la peinture de paysages et à la peinture de figures, bien que vers la fin de sa carrière, il se soit entièrement consacré à l'art du portrait. Il a développé un style tout à fait unique, influencé par les grands maîtres espagnols mais résolument moderne. Les œuvres de Beltrán Masses sont actuellement conservées au musée du Prado, au musée du Jeu de Paume à Paris, à la Casa Lis à Salamanque et au Reina Sofía à Madrid.

Estim. 7 000 - 8 000 EUR

Lot 16 - CARLES NADAL FARRERAS (Paris, 1917 - Sitges, 1998). "Le vinyet". Technique mixte sur carton. Signé dans le coin inférieur droit. Dimensions : 28 x 35 cm ; 40 x 47 cm (cadre). Fils de Santiago Nadal, peintre-décorateur installé à Paris, Carles Nadal vit dès l'enfance à Barcelone, où la famille déménage en raison d'une maladie du père. À l'âge de treize ans, il commence à travailler comme apprenti dans un atelier de peinture décorative et, en 1936, il reçoit une bourse de la mairie de Barcelone pour étudier à l'École des beaux-arts de Sant Jordi. Au début de la guerre civile, il est enrôlé dans l'armée républicaine, avec laquelle il combat sur les fronts d'Aragon et de Tremp. Après avoir été arrêté, il revient à Barcelone en liberté et y poursuit sa carrière artistique, tout en travaillant comme décorateur et en étudiant les beaux-arts. En 1941, il fait ses débuts dans une exposition collective à la galerie Dalmau, où il obtient de bonnes critiques. Il termine ses études et expose individuellement pour la première fois en 1944, à la galerie Pinacoteca de Barcelone. Deux ans plus tard, il s'installe à Paris, toujours grâce à une bourse de la mairie de Barcelone. Il y travaille et expose avec le groupe Présence de l'Homme, tout en participant aux Salons d'Automne. Plus tard, grâce à une bourse de l'État français, il fréquente l'École des beaux-arts de Paris. En 1948, il épouse Flore Joris et s'installe à Bruxelles, où il restera jusqu'au milieu des années soixante-dix. C'est en Belgique qu'il découvre, comme il le répète lui-même, la lumière et la couleur. Au cours de ces années, il continuera à exposer ses œuvres en Espagne et en Belgique, ainsi qu'en France, en Allemagne, aux Pays-Bas, en Suisse, au Royaume-Uni et aux États-Unis. La peinture de Nadal est post-impressionniste, intensément colorée et basée sur la recherche de la force chromatique comme moyen de communication le plus direct. Il a notamment reçu le Grand Prix de Spa, en Belgique, et a été nommé membre de la Royal Academy of London. Ses œuvres sont conservées au musée d'art contemporain de Barcelone, au musée de Spa en Belgique et au musée royal de Bruxelles.

Estim. 2 000 - 3 000 EUR

Lot 17 - JAUME MERCADÉ QUERALT (Valls, Tarragone, 1887/89 - Barcelone, 1967). "Paysage. 1954. Huile sur toile. Signée et datée dans la marge inférieure. Dimensions : 56 x 70 cm ; 81 x 96 cm (cadre). Peintre, orfèvre et bijoutier, Jaume Mercadé a été formé à l'école de Francesc Galí. Il s'installe définitivement à Barcelone en 1916 et, la même année, il réalise sa première exposition individuelle dans les galeries Layetanas. Au cours des deux années suivantes, il entreprend un voyage qui le conduit à Paris et dans plusieurs villes allemandes. À son retour, en 1919, il est nommé professeur de bijouterie et d'orfèvrerie à l'École des arts et métiers de Barcelone. Travailleur infatigable, il participe à de nombreux concours et est récompensé à de multiples reprises, notamment en tant que bijoutier. Son travail d'orfèvre, décisif pour le renouveau de cet art, lui vaut un diplôme d'honneur et une médaille d'or à l'Exposition des arts décoratifs de Paris en 1924, le grand prix et la médaille d'or à l'Internationale de Barcelone (1929), la médaille d'or aux VIe et IXe Triennales de Milan, et le grand prix à la IIIe Biennale hispano-américaine. Sa peinture le place, à un degré encore plus élevé, parmi les meilleurs artistes catalans de l'époque. L'un de ses tableaux les plus célèbres, "Le Zeppelin", a remporté un prix important dans le cadre du concours "Barcelone vue par ses artistes". Entre autres distinctions, il remporte le grand prix Juan Gris en 1957, la médaille de bronze de peinture à la Biennale d'Alexandrie en 1959 et la deuxième médaille à l'Exposition nationale des beaux-arts en 1960. D'abord formé au fauvisme, il est ensuite influencé par le noucentisme, qui tempère la sensualité de sa palette. Mercadé a su évoluer jusqu'à ses dernières années, axant sa peinture sur une modernité que l'on peut qualifier de mesurée. Son univers à lui est celui des terres rudes de la région de Tarragone, qu'il structure dans ses tableaux avec sérénité et équilibre. Bien que cela ait toujours été son thème principal, il a également abordé le portrait, le nu et la nature morte. Sa peinture est très personnelle, tant sur le plan plastique que technique, et il a en effet utilisé du sable et de la poussière de marbre pour obtenir la rugosité de la terre et celle des troncs des caroubiers, si abondants dans les champs de Tarragone. Son fils, Jordi Mercadé Farrés, était également peintre et a commencé à se former auprès de son père. Jaume Mercadé est représenté au MACBA, le musée d'art contemporain de Madrid, au musée d'art de Vilanova i la Geltrú, aux musées de Tossa, Mollet del Vallès et Hospitalet de Llobregat et, surtout, au musée de sa ville natale, Valls, où une salle lui a été consacrée.

Estim. 3 000 - 3 500 EUR

Lot 18 - JOAQUIN MIR TRINXET (Barcelone, 1873 - 1940). "Barques al sol". Huile sur toile. Étude jointe de Doña Teresa Campas et certificat d'authenticité délivré par Miralles. Signé et daté dans le coin inférieur droit. Dimensions : 55,3 x 60,3 cm ; 82 x 87 cm (cadre). Cette œuvre est caractéristique du langage hédoniste et audacieux de Joaquim Mir dans son interprétation de la peinture. Il la réduit à ses éléments de base grâce à une excellente manipulation de la lumière et de la couleur, mais en même temps il évite l'abstraction pure, suggérant toujours le pouls qui bat sous les formes. Ainsi, les formes sont flamboyantes, l'agitation chromatique pure et les lumières changeantes du jour se conjuguent en cadences symphoniques. Joaquim Mir a étudié à l'école des beaux-arts de San Jordi à Barcelone et dans l'atelier du peintre Luis Graner. Il s'est vite senti mal à l'aise avec l'enseignement officiel, ancré dans une conception de la peinture réaliste, si bien qu'en 1893, il a fondé avec d'autres collègues la "Colla del Safrà", pour enquêter ensemble sur les initiatives picturales de la fin du siècle. En 1896, ils participent même en tant que groupe à la IIIe Exposition des beaux-arts et des industries artistiques, à laquelle Mir présente deux œuvres : "La huerta del rector et El vendedor de naranjas. En outre, à partir de 1897, il fréquente le milieu artistique de "Els Quatre Gats", qui l'aide à mûrir dans l'étude compositionnelle de paysages avec des personnages dans différents plans de profondeur. Au cours de ces années, il participe aux expositions des beaux-arts de Barcelone, dans leurs éditions de 1894, 1896 et 1898. Lauréat d'une deuxième médaille à l'exposition de Madrid en 1899, il s'installe la même année dans la capitale afin de concourir pour une bourse d'études à Rome. N'ayant pas réussi, il part avec Santiago Rusiñol à Majorque, pour un voyage qui marquera un tournant définitif dans sa carrière. Mir est ébloui par les paysages majorquins, qui sont pour lui une source d'inspiration inépuisable. Dès lors, l'artiste déploie toute une combinaison de couleurs impossibles, fruit de son interprétation personnelle de la nature majestueuse de l'île. Les coups de pinceau s'allongent et deviennent des taches qui font presque disparaître les objets et les repères spatiaux. En 1901, il expose individuellement le fruit de cette première étape majorquine à la Sala Parés de Barcelone, et obtient à nouveau une deuxième médaille à l'Exposition nationale. En 1907, il obtient la première médaille à l'Exposition internationale des beaux-arts de Barcelone. Dès lors, installé au Camp de Tarragone, il ne s'éloignera plus du genre du paysage, mais les villages environnants seront désormais les protagonistes de sa peinture. En 1917, lorsqu'il reçoit le prix national des beaux-arts, il obtient la reconnaissance nationale définitive. En 1929, il remporte la première médaille à l'exposition internationale de Barcelone. L'année suivante, il remporte la médaille d'honneur de l'Exposition nationale de Madrid, récompense qu'il convoite depuis 1922. Bien qu'il soit principalement un peintre autochtone, il a participé à des expositions individuelles et collectives à Washington, Paris, Pittsburg, New York, Philadelphie, Amsterdam, Buenos Aires et Venise. Mir est aujourd'hui considéré comme le représentant le plus remarquable de la peinture de paysage post-impressionniste espagnole. Son œuvre est conservée au musée national d'art de Catalogne, au musée du Prado, au musée Thyssen-Bornemisza et au musée Reina Sofia de Madrid, entre autres.

Estim. 6 000 - 7 000 EUR

Lot 19 - OLGA SACHAROFF (Tiflis, Géorgie, 1889 - Barcelone, 1967). "Vase". Huile sur carton. Certificat ci-joint délivré par Barrachina & Ramoneda. Dimensions : 40 x 38 cm ; 70 x 60 cm (cadre). Malgré son origine géorgienne, Olga Sacharoff a réussi à devenir une représentante importante du noucentisme catalan. Dès son séjour parisien, avant sa période barcelonaise, elle adopte son propre style dans lequel la nature et les animaux jouent un rôle symbolique important. Sacharoff construit dans ce panneau un vase évocateur déterminé par l'influence cézannienne qui a marqué le cours de sa production. La combinaison calme de couleurs vives nous plonge dans une image lumineuse, basée sur des compositions réduites à l'essentiel. Cette impression de silence, associée au caractère résolument géométrique du dessin de l'artiste, crée dans l'œuvre un air d'intemporalité, d'image éternelle, immortelle grâce à la touche géniale de l'artiste. Après avoir étudié à l'école des beaux-arts de Tiflis, Sacharoff s'installe à Munich en 1910, où elle entre en contact avec l'expressionnisme allemand. L'année suivante, il s'installe à Paris, où son travail est d'abord influencé par Cézanne, puis évolue vers le cubisme synthétique. Au début de la Première Guerre mondiale, Sacharoff se rend en Espagne, où il s'installe en 1915, passant d'abord par Majorque pour finalement s'installer à Barcelone l'année suivante. En fait, certains historiens soulignent qu'elle a été l'introducteur du cubisme à Barcelone. À partir de là, elle collabore à la revue "391" de Francis Picabia, considérée comme le porte-voix du dadaïsme et publiée à Barcelone. Il expose aux Salons d'Automne de Paris en 1920, 1921, 1922 et 1928, obtenant d'importants éloges de la presse et parvenant à organiser, en 1929, une exposition personnelle à la galerie parisienne Bernheim Jeune, l'une des plus importantes de l'époque. Au cours de ces années, elle expose aux galeries Layetanas de Barcelone (1934) et participe au salon de Montjuic, dont elle est nommée membre en 1935. Au début de la guerre civile, Sacharoff retourne à Paris et, en 1939, elle expose à la galerie Perls de New York. Après la guerre, il retourne à Barcelone et abandonne l'avant-garde pour se plonger dans un goût naïf proche du noucentisme catalan. Son style adopte des traits lyriques et aimables, et il se met au service d'une vision idéalisée de la Catalogne : paysages, coutumes, types populaires, etc. En général, ce sont les compositions à personnages multiples qui prédominent à cette époque, représentées avec des traits schématiques et des couleurs vives. Choisi par Camón Aznar, il participe au Ier Salón de los Once de Eugenio D'Ors (1943), qui se tient à la galerie Biosca de Madrid. Deux ans plus tard, il organise une rétrospective de son œuvre parisienne et, en 1960, la Direction générale des beaux-arts lui consacre une exposition anthologique. En 1964, il reçoit la médaille de la ville de Barcelone. Sacharoff a également illustré des livres, notamment "La casa de Claudine" de Colette (1944) et "Netochka Nezvanova" de Dostoïevski (1949). Récemment, une anthologie lui a été consacrée en duo avec María Blanchard à Bilbao (BBK Exhibition Hall, 2002). Olga Sacharoff est représentée à la Fondation Mapfre de Madrid, au Centre national Reina Sofia, au musée Thyssen-Bornemisza, au musée d'art nouveau et d'art déco Casa Lis, au musée Marés, au musée Pablo Gargallo de Saragosse et au monastère de Montserrat, entre autres.

Estim. 6 000 - 7 000 EUR

Lot 20 - ALLEN CULPEPPER SEALY (Angleterre, 1850 -1927). "Common, vainqueur de la triple couronne en 1891 monté par G.Barrat", 1891. Huile sur toile. Signée et datée dans le coin inférieur droit. Provenance : Galerie Bernat. Dimensions : 71 x 92 cm : 86,5 x 107 cm (cadre). Le tableau de chasse combine la contemplation du paysage avec la narration, le portrait et la peinture animalière, reflétant de manière très précise le goût esthétique et la pensée de la bourgeoisie du XIXe siècle. Le mécène voit sa propre réalité représentée dans le tableau, son mode de vie, ses valeurs justifiées par l'art. Ce qui est certain, en revanche, c'est qu'il s'agit d'un genre particulièrement important en Angleterre, en raison de la grande tradition de ses concours. Les Anglais appréciaient beaucoup la représentation naturaliste des animaux et les œuvres devenaient ainsi de véritables portraits de ces héros des courses qui rassemblaient (et rassemblent) la monarchie et l'aristocratie britanniques. Allen Culpepper Sealy est né à Field Grove House, Bitton, Keynsham, Somerset, a fait ses études à Elm Grove House, Manchester Street, Littleham St Thomas, Devon, un pensionnat, mais est retourné chez lui à Bitton en 1871, d'où il a étudié à l'école d'art de Bristol. Peintre paysagiste et équestre, il voyage beaucoup pour répondre à des commandes ; en 1891, il se trouve à Doncaster, dans le Yorkshire du Sud, en 1901 à Rochester, dans le Kent, et en 1911 à Exmouth, dans le Devon. Il devait également se trouver à Newmarket, dans le Suffolk, où il reçut plusieurs commandes, et son "Kingwood" se trouve au National Horseracing Museum de Newmarket. Il expose à la Royal Academy entre 1875 et 1886, ainsi qu'à la Royal Society of Artists de Birmingham, à la Fine Art Society, à la Walker Art Gallery, à la Manchester City Art Gallery, à la Royal Society of British Artists, à la Royal Hibernian Academy et au Royal Institute of Oil Painters. Allen Culpepper Sealy est décédé à Park Cottage, Parkstone, Poole, Dorset, le 11 novembre 1927.

Estim. 6 000 - 8 000 EUR

Lot 21 - MARIANO ANDREU ESTANY (Mataró, Barcelone, 1888 - Biarritz, France, 1976). "Nature morte et figure", 1932. Huile sur táblex. Signé et daté dans la marge inférieure. Dimensions : 23 x 26 cm ; 54 x 62 cm (cadre). Mariano Andreu a exploré les possibilités plastiques et conceptuelles d'un classicisme moderne de nature méditerranéenne. Ici, au premier plan, il a développé une nature morte de fruits d'été et de vins frais dans laquelle chaque élément est souligné par des formes et des couleurs enfermées en elles-mêmes, de sorte que l'ensemble semble dériver en un collage visuel. À l'arrière-plan, un jeune éphèbe adopte une posture gracieuse qui souligne la grâce de son anatomie, résolue par des traits courbes et une volonté synthétique. Une certaine cadence intemporelle et mythique enveloppe la scène, comme à l'accoutumée dans les compositions de l'artiste, qui puise à de multiples sources et époques, de la Renaissance au fauvisme. Peintre, dessinateur, graveur, sculpteur, décorateur et scénographe, Mariano Andreu a commencé sa carrière dans le monde de l'art, attiré par les arts plastiques du spectacle. Principalement autodidacte, il fréquente sporadiquement l'académie de Francesc A. Galí. Il étudie à Londres à la Municipal School of Arts & Crafts, où il est fasciné par le style d'Aubrey Beardsley et par la peinture préraphaélite. À son retour à Barcelone, il rejoint le groupe décadentiste, première manifestation du noucentisme. En 1911, Andreu expose pour la première fois ses œuvres dans une exposition collective organisée à la Faianç Català. L'année suivante, il s'installe à Paris, ville où il connaît toujours un grand succès auprès de la critique et du public, même s'il retourne par intermittence à Barcelone. Plus tard, il se rend en Italie pour étudier les œuvres de la Renaissance, ce qui marquera définitivement son œuvre. Il a organisé plusieurs expositions à Barcelone, Paris, Munich, Tokyo, Osaka, Londres, Bruxelles, New York, Los Angeles et Buenos Aires. Il est représenté dans les musées de théâtre et d'art contemporain de Barcelone, ainsi que dans diverses entités internationales publiques et privées.

Estim. 12 000 - 14 000 EUR

Lot 22 - CELSO LAGAR ARROYO (Ciudad Rodrigo, Salamanque, 1891 - Séville, 1966). "Procession". Huile sur panneau. Signée dans la marge inférieure. Œuvre certifiée par Narciso Alba. Dimensions : 18,5 x 16 cm ; 41 x 38 cm (cadre). Celso Lagar a commencé sa formation dans le domaine de la sculpture avec Miguel Blay à Madrid. Son professeur lui conseille de se rendre à Paris pour compléter ses études et, après avoir passé un an à Barcelone, il se rend pour la première fois dans la capitale française en 1911. La carrière personnelle et artistique de Lagar peut être divisée en quatre étapes distinctes, marquées par les deux guerres mondiales. La première de ces périodes est celle de l'apprentissage, à Madrid, Barcelone et Paris, au contact d'artistes comme Amadeo Modigliani. Cette étape s'achève lorsqu'il est contraint de quitter Paris au début de la Grande Guerre. Il s'installe à Barcelone, mais réalise plusieurs expositions dans la capitale française, qui lui serviront de lettre d'introduction lors de son retour dans la ville après la guerre, en 1919. Lagar est alors déjà un artiste confirmé et s'installe définitivement à Paris. Il expose régulièrement dans les meilleures galeries parisiennes (Berthe Weil, Percier, Zborowski, Barreiro, Brouant, Druet), son style atteint sa maturité personnelle et il se consacre pleinement à la peinture, délaissant la sculpture. Il développe une peinture axée sur des thèmes très précis : natures mortes, thèmes espagnols, paysages et scènes de cirque. Après la période des influences avant-gardistes (cubistes, fauves, etc.), Lagar atteint son propre style, marqué par les influences de Goya et de Picasso. Peu à peu, sa palette se refroidit, mais ses thèmes de prédilection restent les mêmes, et sa reconnaissance par le public et la critique s'accroît. Le début de la Seconde Guerre mondiale marque la fin de l'âge d'or de Lagar. Il émigre dans les Pyrénées françaises et son retour dans la ville de Paris récemment libérée n'a pas les répercussions qu'il espérait, le public de collectionneurs exigeant de nouveaux contenus et de nouveaux modes. Après la maladie de sa femme en 1956, Lagar tombe dans une profonde dépression et est admis dans un hôpital psychiatrique. Il cesse définitivement de peindre et, en 1964, il retourne en Espagne, où il passe ses dernières années dans la maison de sa sœur à Séville. Lagar est représenté au Musée d'art contemporain de Madrid, au Musée d'art nouveau et d'art déco Casa Lis, au Patio Herreriano de Valladolid, au Petit Palais de Genève, aux Beaux-Arts de La Rochelle, Castres et Honfleur (France) et dans des collections prestigieuses telles que Crane Kallman (Londres), le Zborowski (Paris) ou le Mapfre (Madrid).

Estim. 3 500 - 4 000 EUR

Lot 23 - CELSO LAGAR ARROYO (Ciudad Rodrigo, Salamanque, 1891 - Séville, 1966). "Arlequin". Huile sur carton. Signée dans la marge inférieure. Œuvre certifiée par Narciso Alba. Dimensions : 18,5 x 16 cm ; 41 x 38 cm (cadre). Celso Lagar a commencé sa formation dans le domaine de la sculpture avec Miguel Blay à Madrid. Son professeur lui conseille de se rendre à Paris pour compléter ses études et, après avoir passé un an à Barcelone, il se rend pour la première fois dans la capitale française en 1911. La carrière personnelle et artistique de Lagar peut être divisée en quatre étapes distinctes, marquées par les deux guerres mondiales. La première de ces périodes est celle de l'apprentissage, à Madrid, Barcelone et Paris, au contact d'artistes comme Amadeo Modigliani. Cette étape s'achève lorsqu'il est contraint de quitter Paris au début de la Grande Guerre. Il s'installe à Barcelone, mais réalise plusieurs expositions dans la capitale française, qui lui serviront de lettre d'introduction lors de son retour dans la ville après la guerre, en 1919. Lagar est alors déjà un artiste confirmé et s'installe définitivement à Paris. Il expose régulièrement dans les meilleures galeries parisiennes (Berthe Weil, Percier, Zborowski, Barreiro, Brouant, Druet), son style atteint sa maturité personnelle et il se consacre pleinement à la peinture, délaissant la sculpture. Il développe une peinture axée sur des thèmes très précis : natures mortes, thèmes espagnols, paysages et scènes de cirque. Après la période des influences avant-gardistes (cubistes, fauves, etc.), Lagar atteint son propre style, marqué par les influences de Goya et de Picasso. Peu à peu, sa palette se refroidit, mais ses thèmes de prédilection restent les mêmes, et sa reconnaissance par le public et la critique s'accroît. Le début de la Seconde Guerre mondiale marque la fin de l'âge d'or de Lagar. Il émigre dans les Pyrénées françaises et son retour dans la ville de Paris récemment libérée n'a pas les répercussions qu'il espérait, le public de collectionneurs exigeant de nouveaux contenus et de nouveaux modes. Après la maladie de sa femme en 1956, Lagar tombe dans une profonde dépression et est admis dans un hôpital psychiatrique. Il cesse définitivement de peindre et, en 1964, il retourne en Espagne, où il passe ses dernières années dans la maison de sa sœur à Séville. Lagar est représenté au Musée d'art contemporain de Madrid, au Musée d'art nouveau et d'art déco Casa Lis, au Patio Herreriano de Valladolid, au Petit Palais de Genève, aux Beaux-Arts de La Rochelle, Castres et Honfleur (France) et dans des collections prestigieuses telles que Crane Kallman (Londres), le Zborowski (Paris) ou le Mapfre (Madrid).

Estim. 4 000 - 5 000 EUR

Lot 24 - JOSEP DE TOGORES LLACH (Cerdanyola del Vallès, 1893 - Barcelone, 1970). "Vase". Huile sur toile. Signée dans le coin inférieur. Dimensions : 65 x 54 cm ; 101 x 89 cm (cadre). Né au sein d'une famille aisée et cultivée, qui fréquente les milieux intellectuels, son intérêt pour la peinture naît à l'âge de treize ans, lorsqu'il perd l'ouïe à la suite d'une méningite. Il voyage en France et en Belgique, où il découvre les tableaux de Rembrandt, et à l'exposition internationale d'art de 1907 à Barcelone, il est fasciné par l'œuvre de Monet. À l'âge de dix-huit ans, il est déjà un artiste important à Barcelone et, en 1913, il est chargé de décorer la chapelle d'Anna Girona à Poblet. Grâce à une bourse de la mairie de Barcelone, il part étudier à Paris, où il fait la connaissance de la peinture de Cézanne, qui aura une influence décisive sur son travail à partir de ce moment-là. En 1917, il rencontre Picasso et entre en contact avec les théories et les cercles cubistes. Dans les années 1920, il entame une relation avec le galeriste Kahnweiler, qui deviendra plus tard le marchand de Picasso. Il travaille exclusivement avec lui entre 1921 et 1931, lorsque sa peinture connaît sa période la plus expérimentale, se rapprochant de l'automatisme et du surréalisme. Sous la direction de Kahnweiler, il devient un artiste à succès. En 1932, sa peinture prend un nouveau tournant, un retour à la figuration. Il s'installe à Barcelone et travaille avec un nouveau marchand, Francesc Cambó. Pendant cette période, il peint de nombreux portraits des personnalités les plus importantes de la société catalane et devient l'un des peintres les plus recherchés de l'époque. Pendant la guerre civile, il s'installe en France, mais revient en 1939, où il continue à travailler, sans rien perdre de son prestige. Son œuvre est présente au Museo Patio Herreriano de Valladolid, au Museo Nacional Reina Sofía, au Museo Nacional del Arte de Cataluña, au Getty Museum (Los Angeles), au Museo de Arte de Sabadell, au Städtisches Gelsenkirchen Museum (Allemagne), au Thyssen-Bornemisza Museum (Madrid), au Palacio Nacional de Montjuic et au Centre Georges Pompidou (Paris), entre autres.

Estim. 10 000 - 15 000 EUR

Lot 25 - FRANCISCO BORÉS LÓPEZ (Madrid, 1898 - Paris, 1972). "Nu féminin", 1944. Huile sur toile. Signée et datée en bas à droite. Dimensions : 27 x 35 cm ; 49 x 57 cm (cadre). Avec une grande versatilité, Francisco Borés est passé librement de l'expressionnisme au cubisme. Nous nous trouvons devant la représentation d'un corps féminin résolu avec une impulsion impétueuse, d'un trait épais, avec des échos primitivistes et de Picasso et qui, en même temps, établit des clins d'œil avec le mouvement allemand Die Brücke. La couleur carreau, ainsi qu'une gamme contrastée de tons orange et terre de sienne, dominent la palette. Borés dialogue également avec toute une généalogie d'odalisques, de Goya à Manet. Francisco Borés s'est formé à l'académie de peinture de Cecilio Pla, où il a rencontré Pancho Cossío, Manuel Ángeles Ortiz et Joaquín Peinado, entre autres. Il fréquente également les réunions littéraires madrilènes liées à l'ultraïsme. Durant cette période, il réalise des gravures pour un grand nombre de revues, telles que "Horizonte" ou "Revista de Occidente", et fréquente l'Academia Libre de Julio Moisés, où il coïncide avec Dalí et Benjamín Palencia. En 1922, il participe pour la première fois à l'Exposition nationale des beaux-arts et, trois ans plus tard, il expose ses œuvres à la première exposition de la Société des artistes ibériques, mais le manque d'intérêt du public madrilène pour le jeune art le pousse à se rendre à Paris. Dans la capitale française, il entre en contact avec Picasso et Juan Gris, et fait ses débuts individuels en 1927. L'année suivante, il réalise sa première exposition personnelle aux États-Unis et, en 1930, il expose à nouveau, cette fois dans le cadre d'une exposition collective au Museum of Modern Art de New York. Au cours des années suivantes, il continue à organiser des expositions personnelles dans des galeries réputées à Paris et à Londres, notamment Georges Petit et Zwemmer. Après la Seconde Guerre mondiale, il reprend ses activités d'exposition et, en 1947, l'État français acquiert pour la première fois une œuvre de Borés. En 1949, le Museum of Modern Art de New York achète ses peintures. En 1969, il expose à la galerie Theo de Madrid, ce qui marque son entrée dans le public espagnol, qui ignore pratiquement tout de son travail, sauf dans les milieux professionnels où, en revanche, il est très apprécié. En 1971, il expose à nouveau à la même galerie Theo et meurt à Paris en 1972. Le critique Joaquín de la Puente distingue plusieurs étapes dans la production de Borés : classicisme renouvelé (1923-25), néo-cubisme (1925-29), peinture de fruits (1929-33), scènes d'intérieur (1934-1949) et style blanc (1949-69). Francisco Borés est représenté dans les plus grands musées du monde, dont le Centre Georges Pompidou à Paris, les musées des beaux-arts de Bilbao, Buenos Aires, Jérusalem, Gotemborg et Baltimore, le MOMA de New York, le Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, les galeries nationales d'Athènes, Brno et Édimbourg, le Museo Patio Herreriano de Valladolid et les musées d'art moderne de Stockholm, Turin et Madrid.

Estim. 7 000 - 8 000 EUR

Lot 26 - HERNANDO VIÑES SOTO (Paris, 1904 - 1993). Sans titre, 1932. Huile sur toile. Signée et datée dans le coin inférieur gauche. Dimensions : 130 x 86 cm ; 147 x 107 cm (cadre). En 1932, Viñes a passé une saison à Palma de Majorque, un séjour qui a influencé le choix des thèmes, puisqu'il s'agit d'un thème d'inspiration. Dans cette œuvre, l'artiste présente une image d'inspiration méditerranéenne évidente, tant dans les formes que dans les tonalités qu'il utilise. L'artiste nous montre un couple protagoniste, situé au centre de la composition. L'un d'eux fait face au spectateur et l'autre est de profil. Derrière eux, le grand espace laisse place à la mer qui se confond avec le ciel, créant une atmosphère de rêve. Issu d'une famille de la haute bourgeoisie, Hernando Viñes Soto est introduit dans le milieu artistique parisien par son oncle, le pianiste et compositeur Ricardo Viñes. Pendant la Première Guerre mondiale, il s'installe à Madrid et revient à Paris en 1918. C'est là que Pablo Picasso, un ami de son oncle, après avoir vu ses premiers dessins, lui conseille de poursuivre dans la même voie et de se perfectionner en tant qu'autodidacte. Viñes suit les conseils de Picasso en entrant d'abord à l'Académie d'art sacré de Paris, où il est le disciple de Maurice Denis et de Georges Desvallieres, puis, en 1922, en complétant sa formation auprès d'André Lothe et de Gino Severini. L'année suivante, il participe en tant que décorateur à "El retablo de Maese Pedro", de Manuel de Falla, et expose pour la première fois au Salon d'Automne. Cette même année 1923, il entre en contact, par l'intermédiaire de son ami Manuel Ángeles Ortiz, avec le cercle des jeunes artistes espagnols vivant à Paris : Francisco Bores, Luis Buñuel, Joaquín Peinado, Francisco García Lorca, Pancho Cossío, Rafael Alberti, Ismael de la Serna, etc. À l'âge de vingt ans, il décide de se consacrer entièrement à la peinture et obtient immédiatement l'appui de deux critiques importants, Tériade et Zervos, ce dernier étant le directeur des "Cahiers d'Art". Dès lors, il expose régulièrement dans les galeries Percier et Max Berger à Paris. Après la Seconde Guerre mondiale, s'ouvre pour le peintre une période très dure où, malgré de nombreuses expositions collectives et individuelles, il n'atteint pas la notoriété que lui promettaient ses brillants débuts. Il faut attendre 1965 et la grande rétrospective que lui consacre le Musée d'art moderne de Madrid pour qu'il soit enfin reconnu comme l'un des peintres les plus brillants de sa génération. À partir de ce moment, les expositions se succèdent dans des galeries remarquables de toute l'Espagne, comme Théo (Madrid et Valence), Dalmau (Barcelone) ou Ruiz (Santander). Au début des années 80, d'importantes rétrospectives lui sont consacrées à la Casa de España à Paris, au Musée des Beaux-Arts de Santander et au Musée Bonnat de Bayonne. En 1988, il reçoit la médaille d'or des arts et des lettres des mains du roi Juan Carlos I. Parallèlement, sa renommée internationale s'accroît grâce aux expositions organisées en Allemagne, au Danemark, aux États-Unis, en Tchécoslovaquie, en Angleterre et au Japon. Loin des écoles et de toute forfanterie, l'œuvre de Viñes poursuit son chemin en France et les musées du monde entier commencent à acquérir ses œuvres. Il est actuellement représenté au musée Reina Sofía de Madrid, au centre Georges Pompidou de Paris, aux musées d'Albi, de Castres et de Saint-Ouen en France, aux musées des beaux-arts de Tel-Aviv, de Buenos Aires et de Prague, au musée d'art contemporain Patio Herreriano de Valladolid et à l'ARTIUM de Vitoria, entre autres.

Estim. 15 000 - 18 000 EUR

Lot 27 - MANUEL ANGELES ORTIZ (Jaén, 1895 - Paris, 1984). Sans titre, 1958. Huile sur toile. Signée et datée dans le coin inférieur droit. Dimensions : 132 x 98 cm ; 156 x 121 cm (cadre). En 1957, un an avant de créer cette œuvre, Manuel Ángeles Ortiz est retourné à Grenade après 32 ans de séjour et, dans un nouveau contact avec le paysage et la culture de la ville, sa peinture a été fortement influencée par ce changement. Dans ce cas particulier, cette œuvre se situe à un moment fondamental de sa carrière, créée juste avant sa série mythique consacrée à l'Albaicin. Dans l'exposition organisée par le musée et centre d'art Reina Sofía de Madrid, il a été souligné que l'œuvre de Manuel Ángeles Ortiz est difficile à classer. Cette difficulté peut être appréciée même dans cette œuvre où une alternance de langages est évidente (cubisme tardif, dessin au trait et volumes ronds et monumentaux d'inspiration classique, etc.), symptôme des différentes approches d'un retour à l'ordre, promulguées par différentes voix, des Cahiers d'Art à Jean Cocteau ou Amédée Ozenfant. Ángeles Ortiz est un artiste indépendant, difficile à classer stylistiquement, car il n'a cessé d'expérimenter tout au long de sa carrière. Représentant de l'École espagnole de Paris, Manuel Ángeles Ortiz commence sa formation à Grenade, dans l'atelier de José Larrocha. Il termine ensuite ses études à la Escuela Superior de Artes Industriales de la ville, puis s'installe à Madrid, où il poursuit sa formation dans l'atelier de Cecilio Plá. En 1915, il fait ses débuts dans une exposition collective et reçoit de très bonnes critiques dans la presse locale. Parallèlement, il commence à réaliser des dessins pour différentes publications. Au début des années vingt, après la mort de sa femme, le peintre s'installe à Paris. Il y peint frénétiquement et trouve en Picasso son principal soutien et son premier enthousiaste. Sa peinture abandonne les formes cubiques pour se concentrer sur des images pleinement oniriques, qu'il présentera à Paris lors de sa première exposition personnelle, à la galerie des Quatre Chemins, en 1926. En 1932, il retourne en Espagne, mais ses positions antifascistes l'amènent à se réfugier, une fois de plus, en France, à la fin de la guerre civile. Après un bref séjour à Paris, il se rend à Buenos Aires, où il s'intègre pleinement au milieu artistique et y vit jusqu'en 1948, date à laquelle il retourne définitivement à Paris. Il est actuellement représenté au musée national Reina Sofía de Madrid, à l'ARTIUM de Vitoria, au Patio Herreriano de Valladolid, au musée d'art contemporain de Séville, au musée des beaux-arts de Grenoble, aux fondations Federico García Lorca, Mapfre et Telefónica et à la galerie Bargera de Cologne, entre autres collections publiques et privées.

Estim. 40 000 - 45 000 EUR

Lot 28 - ALBERT GLEIZES (Paris, 8 décembre 1881 - Avignon, 23 juin 1953). "Lumière Jeune", 1933. Huile sur toile. Signée et datée au dos. Avec l'étiquette du Museum Ostwall, Dortmund, au verso. Hist : Collection Juliette Roche-Gleizes ; Passedoit Gallery, New York ( ?); Marlborough Fine Art Ltd, Londres ; galerie Suzanne Feigel, Båle ; galerie Françoise Tournié, Paris ; galerie Félix Vercel, Paris ; vente Paris, Drouot- Montaigne, 11 octobre 1989, no. 131 (repr.). Exp. : 1936-1937 New York, no. 51 ; 1943 Paris, n° 26 ( ?): 1947 Lyon, n° 27 ( ?); 1949 New York, n° 19 ; 1956 Londres, n° 31 ; 1964 New York, n° 20 ( ?); 1964 New York, n° 20 ( ?); 1964 New York, n° 20 ( ?). 31 ; 1964 New York, n° 153 (repr.) : 1964-1965 Paris, n° 70 (repr.) ; 1965 Dortmund, n° 70 (repr.) : 1969 Bâle, no. 40 (repr.) ; 1971 Courbevoie, n° 86 ; 1972 Paris, n° 14 (repr.). Expositions et publications : Rene Gimpel Galerie, New York, 1937, no. 51. Passedoit Gallery, New York, 1949, n° 19. Musée Ostwell, 1965. Mentionné en 1933 dans le numéro 18 de Porza Nouvelles Briefes, p. 5, sous le titre Composition rythmique, les jaunes. La peinture à l'huile n'étant pas reproduite dans les catalogues de 1943 à Paris et de 1947 à Lyon, ces références restent hypothétiques. Œuvre cataloguée dans la monographie "Albert Gleizes", Guggenheim Museum, New York, p. 95. Certificat d'authenticité joint. Dimensions : 89,5 x 114 cm ; 114 x 138 cm (cadre). "Jeune lumière" est le titre de cette œuvre importante d'Albert Gleizes, qui appartient à sa période de maturité. La lumière est le grand thème de cet artiste qui a écrit un jour : "le problème de la lumière est un problème de foi". Car la lumière n'est pas concrète mais parfaitement métaphysique, ineffable". L'artiste a poussé les expériences cubistes au-delà de la décomposition des formes et des objets en plans géométriques, considérant l'espace, le temps et la lumière comme une seule et même chose. Cette intégration entre la réalité matérielle et immatérielle est capturée dans "Lumière jeune", un titre qui fait allusion au soleil levant et à l'ouverture du spectre chromatique d'un arc-en-ciel. Les cercles évoquent l'idée d'absolu, émettant des ondes concentriques sur une nature morte qui reçoit les premiers rayons de l'aube. Durant ses premières années, Gleizes travaille dans l'atelier de dessin industriel de son père à Paris. Enfin, après avoir terminé ses études secondaires, il passe quatre ans dans l'armée, puis commence sa carrière de peintre, d'abord en réalisant des paysages. Ses premières œuvres s'inscrivent dans le cadre de l'impressionnisme, avec des œuvres comme "La Seine à Asnières", exposée à la Société nationale des beaux-arts en 1902. L'année suivante, il participe au premier Salon d'Automne à Paris, et entre rapidement en contact avec Fernand Léger, Robert Delaunay, Jean Metzinger et Heri Le Fauconnier. En 1910, il adhère au cubisme, dont il est l'un des premiers et plus importants théoriciens, avec Metzinger. La même année, il expose au Salon des Indépendants. Trois ans plus tard, il participe au collectif de l'Armory Show, à New York. Pendant la guerre, il s'engage à nouveau dans l'armée et, après la guerre, il s'installe à New York. Il voyage également à Barcelone et aux Bermudes et, en 1916, il organise sa première exposition individuelle dans les galeries Dalmau de Barcelone. Deux ans plus tard, il s'engage pleinement dans la recherche de valeurs spirituelles, qui se refléteront tant dans sa peinture que dans ses textes. En 1927, il fonde à Sablons Moly-Sabata, une communauté utopique d'artistes et d'artisans, prolongeant en quelque sorte l'Abbaye de Créteil qu'il avait formée, avec d'autres artistes et écrivains, aux portes de Paris en 1906. En 1931, Gleizes participe au comité Abstraction-Création qui sert de forum à l'art non-figuratif international. Son œuvre reflète alors le renforcement de ses convictions religieuses et, en 1932, dans son livre "La Forme et l'histoire", il examine l'art celtique, roman et oriental. Au cours de ces années, il donne des conférences en Pologne et en Allemagne et est engagé pour peindre des peintures murales pour l'Exposition universelle de Paris en 1937. Presque dix ans plus tard, entre 1949 et 1950, il travaille à l'illustration du livre de Blaise Pascal "Pensées sur l'homme et Dieu". En 1951, Gleizes est nommé jury du Prix de Rome et le gouvernement français lui décerne la Légion d'honneur. Considéré comme un grand rénovateur de l'art religieux, il réalise en 1951 sa dernière grande œuvre, une fresque intitulée "Eucharistie" qu'il peint pour la chapelle des Jésuites à Chantilly. Albert Gleizes est actuellement représenté dans les musées Guggenheim de Venise et de New York, le Centre Georges Pompidou de Paris, la Albright-Knox Gallery de Buffalo, le MoMA et le Metropolitan de New York, le National Museum of Western Art de Tokyo, le Reina Sofia de Madrid, la Tate Gallery et le Thyssen-Bornemisza, parmi d'autres collections dans le monde.

Estim. 140 000 - 160 000 EUR

Lot 29 - ANTONI TÀPIES PUIG (Barcelone, 1923 - 2012). "Suite Catalana". 1972. Aquatinte, peinture et collage sur carton. Signé et dédicacé à la main. Elle figure dans les archives des Œuvres complètes de Tàpies, numéro de photo T-9685. Certificat ci-joint délivré par la Comissió Tàpies (Antoni Tàpies Barba, 2015). Dimensions : 80 x 105 cm ; 100 x 124 cm (cadre). Cette gravure mêlée de peinture et de collage fait partie du dossier "Suite Catalana", que Tàpies a réalisé en 1972, un an avant la mort de Franco. Elle s'inscrit donc dans le contexte de la revendication de la culture et de l'identité catalanes, alors qu'elles étaient fortement réprimées. Dans cette aquatinte à la peinture, les quatre barres sont exprimées par des empreintes digitales symboliquement "sanglantes" ; la croix grecque (autre élément omniprésent dans l'œuvre de Tàpies) symbolise le triomphe de la spiritualité et de la résistance face à la violence institutionnalisée. D'épais traits noirs convergent vers la calligraphie. Les lettres, pour Tàpies, dépassent leur fonction de composition de mots significatifs, car pour lui, les graphiques sont imprégnés de messages cryptiques. La "Suite catalane" est une série de 34 gravures réalisées par Antoni Tàpies en 1972 et publiées par Editorial Gustavo Gili à Barcelone. Elle est considérée comme l'une des œuvres les plus importantes et les plus représentatives de Tàpies. Elles constituent un commentaire courageux sur les dures réalités de la vie en Catalogne sous le régime franquiste. Cofondateur de "Dau al Set" en 1948, Tàpies commence à exposer aux Salones de Octubre à Barcelone, ainsi qu'au Salón de los Once à Madrid en 1949. Après sa première exposition personnelle aux galeries Layetanas, il se rend à Paris en 1950, grâce à une bourse de l'Institut français. En 1953, il expose en solo à la galerie new-yorkaise de Martha Jackson. Dès lors, ses expositions, tant collectives qu'individuelles, sont organisées dans le monde entier, dans des galeries et des musées prestigieux tels que le Guggenheim de New York ou le Musée d'art moderne de Paris. Depuis les années 70, des anthologies lui ont été consacrées à Tokyo (1976), New York (1977 et 2005), Rome (1980), Amsterdam (1980), Madrid (1980), Venise (1982), Milan (1985), Vienne (1986) et Bruxelles (1986). Autodidacte, Tàpies a créé son propre style au sein de l'art d'avant-garde du XXe siècle, combinant tradition et innovation dans un style abstrait mais plein de symbolisme, accordant une grande importance au substrat matériel de l'œuvre. Il convient de noter le sens spirituel marqué que l'artiste donne à son œuvre, où le support matériel transcende son état pour signifier une analyse profonde de la condition humaine. L'œuvre de Tàpies a été très appréciée au niveau international et a été exposée dans les musées les plus prestigieux du monde. Tout au long de sa carrière, il a reçu de nombreux prix et distinctions, dont le Praemium Imperiale du Japon, le Prix national de la culture, le Grand Prix de peinture de France, la Fondation Wolf des arts (1981), la Médaille d'or de la Generalitat de Catalunya (1983), le Prix du Prince des Asturies pour les arts (1990), la Médaille Picasso de l'Unesco (1993) et le Prix Velázquez pour les arts plastiques (2003). Grand défenseur de la culture catalane, dont il est profondément imprégné, Tàpies est un grand admirateur de l'écrivain mystique Ramón Llull, ainsi que de l'art roman catalan et de l'architecture de Gaudí. Parallèlement, il apprécie l'art et la philosophie orientaux qui, à l'instar de son propre travail, brouillent la frontière entre la matière et l'esprit, entre l'homme et la nature. Influencé par le bouddhisme, il montre dans ses peintures comment la douleur, physique et spirituelle, est inhérente à la vie. Antoni Tàpies est représenté dans les plus grands musées du monde, tels que la fondation qui porte son nom à Barcelone, le Reina Sofía à Madrid, le Guggenheim à Berlin, Bilbao et New York, le Fukoka Art Museum au Japon, le MoMA à New York et la Tate Gallery à Londres.

Estim. 22 000 - 24 000 EUR

Lot 30 - ANTONI TÀPIES PUIG (Barcelone, 1923 - 2012). "Roig y Negre V", 1985. Aquatinte et carborundum, copie H.C.. Signée et justifiée à la main. Dimensions : 96 x 123 cm ; 117 x 147 cm (cadre). La vie et la mort (rouge et noir) sont le fil conducteur de la série intitulée avec ces deux couleurs. Symbolisme graphique, tache et texture s'allient dans cette phase d'introspection extrême (les années 80), qui se traduit plastiquement par la conception de la surface picturale dans son ensemble, comme un champ ouvert, sans limites ni hiérarchie. Cofondateur de "Dau al Set" en 1948, Tàpies commence à exposer dans les Salones de Octubre à Barcelone, ainsi qu'au Salón de los Once à Madrid en 1949. Après sa première exposition personnelle aux galeries Layetanas, il se rend à Paris en 1950, grâce à une bourse de l'Institut français. En 1953, il expose en solo à la galerie new-yorkaise de Martha Jackson. Dès lors, ses expositions, tant collectives qu'individuelles, sont organisées dans le monde entier, dans des galeries et des musées prestigieux tels que le Guggenheim de New York ou le Musée d'art moderne de Paris. Depuis les années 70, des anthologies lui ont été consacrées à Tokyo, New York, Rome, Amsterdam, Madrid, Venise, Milan, Vienne et Bruxelles. Autodidacte, Tàpies a créé son propre style au sein de l'art d'avant-garde du XXe siècle, alliant tradition et innovation dans un style abstrait mais plein de symbolisme, accordant une grande importance au substrat matériel de l'œuvre. Il convient de mentionner le sens spirituel marqué que l'artiste donne à son œuvre, où le support matériel transcende son état pour signifier une analyse profonde de la condition humaine. L'œuvre de Tàpies a été très appréciée au niveau international et a été exposée dans les musées les plus prestigieux du monde. Tout au long de sa carrière, il a reçu de nombreux prix et distinctions, dont le Praemium Imperiale du Japon, le Prix national de la culture, le Grand Prix de peinture en France, la Wolf Foundation of the Arts (1981), la Médaille d'or de la Generalitat de Catalunya (1983), le Prix du Prince des Asturies pour les arts (1990), la Médaille Picasso de l'Unesco (1993) et le Prix Velázquez pour les arts plastiques (2003). Antoni Tàpies est représenté dans les plus grands musées du monde, comme la fondation qui porte son nom à Barcelone, le Reina Sofía à Madrid, le Guggenheim à Berlin, Bilbao et New York, le Fukoka Art Museum au Japon, le MoMA à New York et la Tate Gallery à Londres.

Estim. 7 000 - 9 000 EUR

Lot 31 - JOAN PONÇ BONET (Barcelone, 1927 - Saint-Paul, France, 1984). "Composition", 1956. Huile sur toile. Présente l'étiquette au dos de la galerie Dau al Set (Barcelone). Signée, datée et localisée (Brésil) dans le coin inférieur droit. Dimensions : 61,5 x 39,5 cm ; 87 x 65 cm (cadre). En 1953, Joan Ponç est arrivé au Brésil, s'établissant complètement dans la scène culturelle de Sao Paulo. En effet, l'année où cette œuvre a été réalisée, il a participé à l'exposition "50 anos de Paisagem Brasileira" (50 ans de paysage brésilien). Cette peinture abstraite surprend le spectateur grâce au contraste des couleurs et à l'étude minutieuse du trait. L'expression de l'œuvre est facilitée par la palette chromatique, puisque chez l'auteur prédominent toujours les couleurs de tons froids, qui contrastent généralement avec une autre couleur, comme dans ce cas le rouge et le blanc. De cette manière, il apporte de la profondeur et plus de dynamisme au résultat. Peintre et dessinateur, il a été formé à Barcelone, dans l'atelier de Ramón Rogent et à l'Académie des arts plastiques avec Ángel López-Obrero. Après s'être consacré à la peinture et au dessin dans l'anonymat, il organise sa première exposition individuelle en 1946, à la galerie d'art de Bilbao, qui marquera sa consolidation définitive dans le panorama artistique national. En 1948, il fonde, avec Tharrats, Puig, Cuixart, Tàpies et Brossa, entre autres, le groupe d'avant-garde Dau al Set. Sélectionné par Eugenio D'Ors, il participe au Salón de los Once de Madrid en 1951 et 1952. En 1952, il participe à la Biennale hispano-américaine et, l'année suivante, il séjourne à Paris, où il rencontre Joan Miró et peut exposer au Musée de la Villa. Sur la recommandation de ce dernier, Ponç accède aux milieux artistiques brésiliens et s'installe à São Paulo de 1953 à 1962. En 1954, année de la dissolution de Dau al Set, il organise une exposition au Musée d'art moderne de la ville, dont le succès est tel que l'organisation acquiert toutes les œuvres. Au Brésil, il visite les jungles équatoriales, où il est impressionné par la faune, en particulier les insectes, qu'il intègre à son imagerie. En 1955, il fonde le groupe Taüll avec Marc Aleu, Modest Cuixart, Jaume Guinovart, Jaume Muxart, Mercadé, Tàpies et Tharrats. Après être rentré en Catalogne pour cause de maladie, en tant qu'artiste pleinement consacré, il expose ses œuvres à New York, Rio de Janeiro, Bonn, Paris, Francfort, Genève, Antibes et dans plusieurs villes espagnoles. En 1965, il remporte le grand prix international de dessin à la biennale de São Paulo. Les peintures de Ponç présentent des images fantasmagoriques, à la fois douloureuses et torturées, dans lesquelles le subconscient est le protagoniste. Pour le peintre, l'art n'est rien d'autre qu'une introduction au mystère et aux secrets de l'esprit. Plus dessinateur que peintre, son travail est extrêmement détaillé et minutieux. La production de Ponç peut être divisée en six périodes : la période Dau al Set (1947), la période brésilienne (1958), la période métaphysico-géométrique (1969), la période des personnages métaphysiques (1970), la période de l'acupuncture (1971) et une dernière période de synthèse (1972). Dans son œuvre, Ponç se manifeste comme un artiste sorcier, qui conçoit l'art comme une magie, un pouvoir extraordinaire, un sortilège, quelque chose de surnaturel.

Estim. 5 000 - 6 000 EUR

Lot 32 - JOAN MIRÓ I FERRÀ (Barcelone, 1893 - Palma de Majorque, 1983). "Affiche pour l'exposition Sculptures, Galerie Maeght, Paris, 1970". Lithographie sur papier. Exemplaire 93/150. Signé et justifié à la main. Dimensions : 79 x 59,5 cm ; 95 x 75 cm (cadre). Lithographie réalisée pour l'affiche de l'exposition "Sculptures" de Joan Miró célébrée en 1970, à la Galerie Maeght de Paris. Joan Miró se forme à Barcelone, et débute individuellement en 1918, dans les galeries Dalmau. En 1920, il s'installe à Paris et rencontre Picasso, Raynal, Max Jacob, Tzara et les dadaïstes. C'est là, sous l'influence des poètes et des peintres surréalistes, qu'il mûrit son style ; il tente de transposer la poésie surréaliste dans le domaine visuel, en se basant sur la mémoire, la fantaisie et l'irrationnel. Sa troisième exposition à Paris, en 1928, est son premier grand triomphe : le Museum of Modern Art de New York acquiert deux de ses œuvres. Il retourne en Espagne en 1941 et, la même année, le musée lui consacre une rétrospective qui sera sa consécration internationale définitive. Tout au long de sa vie, il reçoit de nombreuses récompenses, telles que les grands prix de la Biennale de Venise et de la Fondation Guggenheim, le prix Carnegie de peinture, les médailles d'or de la Generalitat de Catalunya et des Beaux-Arts, et est nommé docteur honoris causa par les universités de Harvard et de Barcelone. Son œuvre est actuellement exposée à la Fondation Joan Miró à Barcelone, ainsi qu'au musée Thyssen-Bornemisza, au MoMA de New York, au musée Reina Sofía de Madrid, à la National Gallery de Washington, au MNAM de Paris et à l'Albright-Knox Art Gallery de Buffalo. Cette lithographie nous montre le Miró le plus essentialiste dans sa recherche de formes minimales et suggestives. Les gammes limitées à quelques couleurs appliquées sur des surfaces planes et brillantes, se combinent pour évoquer la communion lyrique de l'homme et de l'environnement.

Estim. 3 500 - 4 000 EUR

Lot 33 - JOAN MIRÓ I FERRÀ (Barcelone, 1893 - Palma de Majorque, 1983). "Aspect monumental". Stylo à bille sur papier. Certificat ci-joint délivré par ADOM. Dimensions : 37,5 x 24 cm ; 55 x 47 cm (cadre). Dessin original de Joan Miró, réalisé au stylo à bille bleu, représentant avec quelques annotations certains de ses attachants personnages aux grands yeux. Joan Miró se forme à Barcelone, entre l'École de la Lonja et l'Académie Galí. Dès le début de l'année 1918, il expose pour la première fois dans les galeries Dalmau de Barcelone. En 1920, il s'installe à Paris et rencontre Picasso, Raynal, Max Jacob, Tzara et les dadaïstes. C'est là, sous l'influence des poètes et des peintres surréalistes, qu'il mûrit son style ; il tente de transposer la poésie surréaliste sur le plan visuel, en se basant sur la mémoire, la fantaisie et l'irrationnel. À partir de ce moment, son style entame une évolution qui le conduit à des œuvres plus éthérées, dans lesquelles les formes et les figures organiques sont réduites à des points, des lignes et des taches de couleur abstraits. En 1924, il signe le premier manifeste surréaliste, bien que l'évolution de son œuvre, trop complexe, ne permette pas de l'inscrire dans une orthodoxie particulière. Sa troisième exposition à Paris, en 1928, est son premier grand triomphe : le Museum of Modern Art de New York acquiert deux de ses œuvres. Il retourne en Espagne en 1941 et, la même année, le musée lui consacre une rétrospective qui marquera sa consécration internationale définitive. Au cours des années cinquante, il expérimente d'autres supports artistiques, tels que la gravure, la lithographie et la céramique. De 1956 à sa mort en 1983, il vit à Palma de Majorque dans une sorte d'exil intérieur, tandis que sa renommée internationale grandit. Tout au long de sa vie, il a reçu de nombreuses récompenses, telles que les grands prix de la Biennale de Venise en 1954 et de la Fondation Guggenheim en 1959, le prix Carnegie de peinture en 1966, les médailles d'or de la Generalitat de Catalunya (1978) et des Beaux-Arts (1980), et a été nommé docteur honoris causa par les universités de Harvard et de Barcelone. Aujourd'hui, son œuvre est exposée à la Fondation Joan Miró de Barcelone, inaugurée en 1975, ainsi que dans les principaux musées d'art contemporain du monde entier, tels que la Thyssen-Bornemisza, le MoMA de New York, le musée Reina Sofia de Madrid, la National Gallery de Washington, le MNAM de Paris et l'Albright-Knox Art Gallery de Buffalo.

Estim. 9 000 - 10 000 EUR

Lot 34 - SALVADOR DALÍ I DOMÈNECH (Figueres, Gérone, 1904 - 1989). "Nu féminin", 1976. Fusain et plomb sur papier. Signé dans le coin inférieur droit. Avec le cachet de la Collection Perrot-Moure. Certificat joint délivré par Nicolas R. et Olivier M. Descharnes. Dimensions : 59,3 x 87,8 cm. Tous les mardis de l'été 1976, Dalí donne un cours de dessin à Figueras. Dans le nu féminin que nous présentons, les experts reconnaissent des corrections et des finitions de son auteur sur un dessin antérieur de l'une de ses élèves. Une jeune femme allongée se couvre le pubis de la main gauche, imitant partiellement le geste archétypal du Vanus pudica. Cependant, elle ne cache pas son torse nu, et ses longues jambes ne cherchent pas à être proportionnelles au reste du corps. Au contraire, elles présentent une longueur irréelle et délibérée, de nature maniériste. Sous la main de Dalí, les corps deviennent élastiques et métamorphiques, car même dans les études apparemment académiques, ils acquièrent une délicatesse subtilement onirique. Dans ses jeunes années, Dalí découvre la peinture contemporaine lors d'une visite familiale à Cadaqués, où il rencontre la famille de Ramon Pichot, un artiste qui se rend régulièrement à Paris. Sur les conseils de Pichot, Dalí commence à étudier la peinture avec Juan Núñez. En 1922, Dalí s'installe à la célèbre Residencia de Estudiantes de Madrid pour commencer à étudier les beaux-arts à l'Académie San Fernando. Cependant, avant ses examens finaux en 1926, il est renvoyé pour avoir prétendu qu'il n'y avait personne en mesure de l'examiner. La même année, Dalí se rend pour la première fois à Paris. Il y rencontre Picasso et établit certaines caractéristiques formelles qui deviendront distinctives de toute son œuvre à partir de ce moment-là. Son langage absorbe les influences de nombreux styles artistiques, de l'académisme classique à l'avant-garde la plus novatrice. À cette époque, le peintre se laisse pousser une moustache accrocheuse, imitant celle de Vélasquez, qui deviendra sa marque personnelle pour le reste de sa vie. En 1929, Dalí collabore avec Luis Buñuel à la réalisation d'"Un chien andalou", qui présente des scènes de l'imaginaire surréaliste. En août de la même année, il rencontre sa muse et future épouse Gala. Pendant cette période, Dalí expose régulièrement à Barcelone et à Paris, et rejoint le groupe surréaliste basé dans le quartier parisien de Montparnasse. Son travail influence grandement l'orientation du surréalisme pour les deux années suivantes, et il est salué comme le créateur de la méthode paranoïaque-critique, qui aiderait à accéder au subconscient en libérant des énergies artistiques créatives. Le peintre débarque en Amérique en 1934, grâce au marchand d'art Julian Levy. À la suite de sa première exposition individuelle à New York, sa projection internationale s'est définitivement consolidée et, depuis lors, il expose ses œuvres et donne des conférences dans le monde entier. La majeure partie de sa production est rassemblée au Théâtre-musée Dalí de Figueras, puis dans les collections du Salvador Dalí Museum de St. Petersburg (Floride), du Reina Sofía de Madrid, de la Salvador Dalí Gallery de Pacific Palisades (Californie), de l'Espace Dalí de Montmartre (Paris) ou du Dalí Universe de Londres.

Estim. 24 000 - 26 000 EUR

Lot 35 - MODEST CUIXART I TÀPIES (Barcelone, 1925 - Palafrugell, Gérone, 2007). Sans titre, 1963. Huile sur toile. Signée et datée au dos. Dimensions : 130 x 97 cm ; 135 x 101 cm (cadre). Comme le souligne la Fondation Juan March, "à partir de 1958, (Cuixart) recourt à son caractéristique dripping d'irisations métalliques sur des fonds sombres qui évolueront vers une sorte de spatialisme. Au début des années 60, la matière et la texture de l'informalisme lyonnais s'hybrident avec le graphisme magique et symbolique de Dau al Set. Sa préoccupation plastique pour la condition humaine fait que son intérêt pour la matière est progressivement remplacé par une irruption intense de l'existentiel". Cuixart étudie d'abord la médecine, mais abandonne rapidement ses études pour se consacrer à la peinture et entre à l'Academia Libre de Pintura de Barcelone. En 1948, il participe à la fondation du groupe Dau al Set, avec Brossa, Ponç, Tàpies et Tharrats, entre autres. Préoccupé par la valeur plastique du signe, son travail présente dès le début une forte parenté avec le surréalisme, ainsi qu'une grande sensibilité au pouvoir expressif de la couleur. Vers 1955, il se plonge dans l'informalisme matériel, ce qui l'amène à utiliser le "grattage" dans des œuvres ayant une certaine saveur orientaliste. En 1959, il remporte le premier prix de la Biennale de São Paulo et expose à la Documenta de Kassel. L'année suivante, il participe à une exposition d'art espagnol d'avant-garde à la Tate Gallery de Londres et au musée Guggenheim de New York. Cuixart introduit le collage dans son œuvre en 1962, ce qui le conduira progressivement vers le pop-art. Enrichi par toutes ces expériences, il revient à la peinture plate, atteignant un réalisme critique très personnel, qui synthétise l'expressionnisme avec une figuration dramatiquement transformée, en valorisant toujours les qualités chromatiques. Dans les années soixante-dix, il expose dans de nombreuses capitales nationales et internationales, telles que Paris, Madrid, São Paulo, Amsterdam, Tokyo, Bâle, Barcelone et Milan, entre autres. Au cours de la décennie suivante, Cuixart libère progressivement sa peinture de ses aspects agressifs pour lui donner un ton plus lyrique. En outre, il participe à une exposition collective au Palais de l'UNESCO à Paris, reçoit la Croix de Saint-Georges de la Généralité de Catalogne et la Croix d'Isabelle la Catholique. En 1988, il organise une exposition anthologique au Japon, dans les villes de Kobe et de Tokyo. Il continue à travailler avec des couleurs et des formes exubérantes, et réincorpore une figuration plus matérielle dans son travail. En 1998, la fondation qui porte son nom a été créée à Palafrugell et, l'année suivante, le ministère de la culture lui a décerné la médaille d'or du mérite des beaux-arts. Il est représenté au Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, à la Tate Gallery de Londres, au Museo Nacional de Arte de Cataluña, au Museo de Arte Contemporáneo de Madrid, de Barcelone et de Saint-Étienne (France), le Patio Herreriano de Valladolid, le Museo de Grabado Español Contemporáneo de Marbella, le Museo de Arte de la Universidad de São Paulo, le Museo de Arte Abstracto de Cuenca et le Museo del Ampurdán, entre autres.

Estim. 5 000 - 6 000 EUR

Lot 36 - JORGE CASTILLO CASALDERREY (Pontevedra, 1933). Sans titre, 1983. Huile sur toile. Signée et datée dans le coin supérieur gauche. Dimensions : 134 x 108 cm. Les œuvres de Castillo sont des images imprégnées de fantaisie et d'un sens de la décoration qui découle de Matisse. Sa peinture est construite avec des formes qui se déploient dans l'espace avec des effets d'une grande originalité plastique. La scène s'intègre dans une composition énigmatique où coexistent différents niveaux de réalité. Depuis son enfance, Jorge Castillo est passionné par le dessin et, à l'âge de dix ans seulement, il a réalisé sa première copie de Rubens avec des crayons de couleur. Selon lui, la peinture de Rubens lui a permis de comprendre le cubisme de Braque et de Picasso. Il a vécu en Argentine, en Espagne, en France, en Italie, en Allemagne, aux États-Unis et, depuis 2008, à Ibiza. Il a grandi à Buenos Aires, où il passait de longues heures sur le port, tout en se consacrant à la peinture et à l'écriture. C'est au cours de ces années qu'il a commencé à exposer ses peintures, notamment au Salón de Mayo. Il publie également des poèmes et des nouvelles dans des revues. Cependant, à l'âge de vingt-deux ans, il décide de quitter sa ville et de se rendre à Paris. Mais pour des raisons économiques, il s'installe en Espagne, plus précisément à Madrid, où il passe six ans, entre 1957 et 1963, dont les trois premiers en tant que vagabond. Mais le contact avec Viola et Jorge Cela, impressionnés par ses dessins, va changer le cours de sa vie. Au cours de ces années, il opte progressivement pour la technique de la gravure, qui sera désormais l'un de ses principaux moyens d'expression. Il commence alors à émerger en tant qu'artiste, à vendre ses premières œuvres et à nouer des contacts importants, protégé par Luis González Robles qui, en 1960, l'emmène à la Biennale de São Paulo. Au cours de ces années, il expose également à Madrid et à Barcelone, ainsi qu'à San Francisco, Lisbonne, Pittsburgh et Tokyo. C'est en 1964, année de sa participation à la Biennale de Venise, que les portes de Paris s'ouvrent enfin à lui, grâce au contrat qu'il signe avec le marchand d'art André Schoeller. Il s'installe dans la capitale française pendant près de quatre ans, jusqu'en 1967, et y fréquente assidûment le musée du Louvre, tout en continuant à organiser des expositions qui rencontrent un succès croissant. En 1967, Castillo quitte Paris et s'installe à Genève, Schoeller ayant vendu son contrat au Suisse Jan Krugier, alors l'un des plus importants galeristes d'Europe. Mais la ville ne lui plaît pas et il s'installe à Boissano, en Italie. Dans ce pays, il s'imprègne de l'art italien classique, en particulier du Trecento et du Quattrocento, et en 1969, il est invité par le gouvernement allemand à travailler à Berlin, où il vit jusqu'en 1975. En 1970, il expose à la Nationalgalerie de la capitale allemande, première grande exposition muséale consacrée à une période spécifique de sa carrière, puis dans de nombreuses galeries berlinoises. Lorsqu'il quitte Berlin, Castillo s'installe à Barcelone, où il est alors un peintre reconnu en Europe et en Amérique. Il y expose régulièrement à la galerie Joan Prats et rencontre Salvador Dalí. Au cours de ces années, il commence à visiter New York et s'y installe finalement en 1981, restant dans la ville jusqu'en 1992. Il est alors engagé par la prestigieuse Marlborough Gallery, et ses succès se poursuivent. Tout au long de sa carrière, Castillo a reçu des prix tels que les prix internationaux de dessin (1964) et de peinture (1975) à Darmstadt, la ville de Pontevedra (1994), etc.

Estim. 4 500 - 5 000 EUR

Lot 37 - JORGE CASTILLO (Pontevedra, 1933). Sans titre. Gravure à l'eau-forte. Exemplaire 65/75. Signé et justifié au crayon. Dimensions : 56 x 76 cm (épreuve) ; 70 x 100 cm (papier) ; 83 x 114 cm (cadre). Fils d'émigrés espagnols en Argentine, Jorge Castillo retourne en Espagne en 1957. Introduit dans les milieux artistiques madrilènes, il commence à vendre ses dessins à la galerie Biosca en 1958. Peu à peu, il opte pour la technique de la gravure, qui deviendra finalement son principal moyen d'expression, bien qu'il l'alterne avec la peinture. En 1960, il est sélectionné pour la Biennale de São Paulo au Brésil. Dès lors, il expose ses œuvres au niveau international, dans des galeries et des musées à New York, San Francisco, Tokyo, Paris, Lisbonne, Turin, Hanovre, Düsseldorf et Genève. Il a participé à la Biennale de Venise en 1964 et 1976 et, en 1970, il a organisé une exposition personnelle à la Nationalgalerie de Berlin, la première grande exposition muséale consacrée à une période spécifique de sa carrière. Il a remporté des prix tels que l'International Drawing and Painting of Darmstadt, la ville de Pontevedra et la Cultura Viva de las Artes Plásticas. Il est représenté au musée des beaux-arts de Lausanne, à la fondation Juan March, aux galeries nationales d'Édimbourg et de Berlin, aux musées d'art moderne de San Francisco et de Vitoria, à la Kunsthalle de Brême, à l'Albertina de Vienne, à la bibliothèque nationale d'Espagne et au Guggenheim de New York, entre autres.

Estim. 200 - 250 EUR

Lot 38 - JOAN ABELLÓ PRAT (Mollet del Vallés, Barcelone, 1922 - Barcelone, 2008). "Bar des sports". Technique mixte sur toile. Signé dans le coin inférieur droit. Titre dans le coin inférieur gauche. Dimensions : 82 x 100 cm ; 95 x 115 cm (cadre). Peintre et graveur, Joan Abelló commence sa formation de manière autodidacte, ayant dans ses premières peintures une grande influence sur les œuvres que Joaquín Mir réalise à Mollet. Il étudie ensuite à l'Académie Baixas et au Cercle royal artistique de Barcelone (1941), puis devient le disciple de Pere Pruna, travaillant pendant deux ans dans son atelier (1944-46). Pruna lui enseigne les techniques de la peinture murale et de la gravure, et il apprend également la restauration dans l'atelier de Miracle. En 1945, il expose pour la première fois à Barcelone et, l'année suivante, il commence à travailler dans l'atelier de Carlos Pellicer, avec qui il travaillera pendant quatorze ans. Il complète ses études par des voyages à Londres, en Belgique, à Paris et à l'île de Man, entre autres. Dans les années soixante, il retourne dans sa ville natale, où il s'intéresse à nouveau aux paysages des Vallées et de la Méditerranée, sans pour autant abandonner ses nombreux voyages en Europe, en Afrique, en Côte d'Ivoire, au Maroc et au Brésil. Collectionneur hors pair, il a fait don en 1996 de sa collection d'œuvres d'art à la mairie de Mollet, qui a créé le musée municipal Joan Abelló trois ans plus tard. La maison natale de l'artiste, qui abrite depuis 2002 un atelier de restauration et un centre d'études artistiques, est rattachée au musée. À partir de 1940, année de sa première exposition dans sa ville natale, et avant même de partir étudier à Barcelone, Abelló a exposé en Espagne ainsi qu'à Londres, Paris, New York et Moscou. En 2002, il a été nommé membre de l'Académie royale des beaux-arts de Sant Jordi. Il est représenté au musée qui porte son nom, ainsi qu'au MACBA de Barcelone, à la Courtauld Collection de Londres, à l'Ashmolean Museum d'Oxford, au musée du Vatican, au Poldersmuseum de Belgique et au legs Francesc Galí.

Estim. 1 200 - 1 400 EUR

Lot 39 - RAMÓN AGUILAR MORÉ (Barcelone, 1924 - 2015). "Scène de cirque". Technique mixte sur panneau. Signé dans le coin inférieur gauche. Dimensions : 34 x 51 cm ; 58 x 75 cm (cadre). Les scènes de cirque, très en vogue au début du XXe siècle, sont devenues un motif clé du vaste imaginaire de l'époque. Auparavant, de grands maîtres comme Edgar Degás, George Seurat ou Henri de Toulouse-Lautrec, s'étaient intéressés à ce spectacle excentrique, immortalisant sur leurs toiles la vie bohème et libre, loin des conventions sociales, qui entourait le monde du cirque. Né à Barcelone, il commence sa formation comme disciple d'Oleguer Junyent, avec qui il apprend le dessin, bien qu'il se considère comme un peintre autodidacte. Il travaille dans son atelier entre 1945 et 1948, et c'est également au cours de ces années qu'il réalise de nombreuses esquisses de thèmes de "music-hall" et de ballets dans les théâtres Rigalt et Liceo. Il a organisé sa première exposition à la galerie Rovira de Barcelone en 1949 et, depuis lors, il n'a cessé d'exposer ses œuvres dans diverses galeries de Barcelone et des principales villes espagnoles. Il a également exposé à l'étranger, à la Omell Gallery de Londres, à la Barbizon de Paris, à la Palmer House de Chicago, au Forum et à l'Hôtel Paris de Monte-Carlo, ainsi qu'à Arts et Culture de Genève, à Artexpo de New York, à Art Expo West de Los Angeles et au Cercle Munster de Luxembourg. À Barcelone, elle a réitéré sa présence dans les galeries Gaspar, Grifé & Escoda, Novell et Rusiñol. Cette dernière a célébré son XXIe anniversaire en 2007 avec une exposition rétrospective de ce peintre. En dehors de Barcelone, il a également exposé ses œuvres dans des galeries d'art prestigieuses, notamment Àgora 3 à Sitges, Alcolea à Madrid et Garbí à Valence. Il a reçu de nombreux prix et distinctions, comme la médaille d'or de la mairie de Palma de Majorque, le prix Sant Jordi de la Diputació de Barcelone et les prix de peinture Miquel Carbonell et IIe Jeux méditerranéens. Aguilar Moré cultive un expressionnisme décoratif, des arabesques fortes et des couleurs vives. Ses œuvres sont exposées au musée d'art contemporain de Madrid, aux musées des beaux-arts et Perrot-Moore de Cadaqués, au conseil provincial de Barcelone, au musée Reina Sofía d'Athènes, au Fons d'Art d'Olot et à la galerie d'art municipale de Palamós.

Estim. 450 - 500 EUR

Lot 40 - JOSE LUIS FLORIT RODERO (Madrid, 1909 - Paris, 2000). "Promenade équestre". Huile sur toile. Signée dans le coin inférieur gauche. Dimensions : 44 x 45 cm ; 70 x 78 cm (cadre). Peintre, dessinateur et illustrateur, José Luis Florit commence ses études entre Olot et Figueras, sous la direction du peintre Juan Núñez. Après cette première période, il s'installe à Madrid, où il étudie les beaux-arts à l'école San Fernando. Afin de compléter sa formation, il s'installe à Paris en 1935, où il entre en contact avec les différentes avant-gardes en vigueur, tout en conservant un style très personnel. À son retour, il s'installe à Barcelone. Il est l'un des membres fondateurs du groupe Artistes en action et réalise plusieurs expositions, tant individuelles que collectives. Parmi celles-ci, citons celles organisées au Musée d'art moderne de Madrid (1935) et à la Biennale de Venise. Il a également participé aux expositions nationales des beaux-arts, obtenant une médaille en 1934. Il est représenté au musée d'art moderne de Madrid.

Estim. 500 - 600 EUR

Lot 41 - MIQUEL VILÀ (Barcelone, 1940). "Ibiza", 1942. Huile sur carton. Signée et datée au dos. Dimensions : 22 x 30 cm ; 43 x 52 cm (cadre). Peintre passionné par le quartier barcelonais de Poblenou, Miquel Vilá a été formé à l'école des beaux-arts de Sant Jordi et a poursuivi ses études au conservatoire des arts du livre de Barcelone. Son œuvre est actuellement conservée au Musée d'art moderne de New York, ainsi qu'au Musée d'art contemporain de Madrid. Sur le plan stylistique, Vilá se distingue par son coup de pinceau extrêmement expressif, qui lui a permis de capturer les ateliers et la géographie industrielle et sans frontières du quartier de Poblenou. Il vit et travaille actuellement à Barcelone et à Minorque.

Estim. 1 000 - 1 200 EUR

Lot 42 - PASCUAL BUENO FERRER (Barcelone, 1930) "La bouillie". Huile sur toile. Signée dans le coin inférieur droit. Dimensions : 55 x 46 cm ; 83 x 73 cm (cadre). Pascual Bueno remporte son premier prix de peinture en 1948, ce qui l'incitera à se consacrer pleinement à sa vocation. En 1956, il remporte le premier prix d'un concours organisé par le musée d'art de Barcelone et, la même année, il reçoit la médaille d'argent Masriera pour le paysage de l'Académie royale des beaux-arts de Saint-Georges à Barcelone, ainsi qu'un prix de la Diputació de Barcelona consistant en une bourse d'études pour poursuivre sa formation à Paris. De retour à Barcelone, il fait ses débuts individuels et commence une intense activité d'exposition qui l'amènera à présenter ses œuvres à Madrid, Bilbao et Valence, ainsi qu'à Barcelone. En 1957, il entre à l'École supérieure des beaux-arts de Sant Jordi, à Barcelone, où il obtient le titre de professeur de dessin et de peinture et, quelques années plus tard, celui de licencié ès lettres. Il continue à participer à des concours et obtient des prix : deuxième prix de peinture Arenys de Mar (1958), première mention d'honneur à la Biennale de Montblanc (1959), premier prix national au concours d'orientation artistique et de peinture de Madrid (1959) et médaille d'or de paysage de l'Académie royale des beaux-arts de Barcelone (1960). En 1968, il réalise sa première exposition personnelle aux États-Unis, notamment dans les galeries Lido (Californie) et Park Bennet (New York), où il continuera d'exposer par la suite. Cependant, depuis plusieurs années, ses peintures sont vendues par les artistes les plus prestigieux et font partie des meilleures collections d'Europe et d'Amérique, ayant participé à des expositions collectives en Suisse (1956), à Madrid (1964) et au Museum of Modern Art de New York, ainsi qu'à la Biennale de Salzbourg. Ses œuvres se trouvent au musée de Montecantini (Florence), au Grand Central Moderns (New York), au College Oakland (Californie), à la Diputación de Barcelona, à la Fondation Estrada Saladich et au musée d'art contemporain de Montevideo (Uruguay), ainsi que dans diverses collections espagnoles.

Estim. 400 - 500 EUR

Lot 43 - JORDI CURÓS I VENTURA (Olot, Gérone, 1930-Barcelone, 2017). "Vase de fleurs". 1952. Huile sur toile. Signée et datée dans le coin inférieur droit. Dimensions : 72 x 60 cm. Formé à l'École des arts et métiers d'Olot, Jordi Curós se rend à Paris grâce à une bourse de l'Institut français de Barcelone. Il fait partie du groupe de la Sala Parés, où il expose successivement entre 1965 et 1989, et reçoit en 1967 le prix de dessin Ynglada-Guillot. Il est représenté au MACBA, aux archives historiques de la ville de Barcelone, au musée Zabaleta de Jaén, au musée d'art moderne d'Olot, au musée Balaguer de Vilanova i la Geltrú, au musée de peinture de Sant Pol, au conseil provincial de Gérone, aux musées provinciaux de Pontevedra et de Lugo, au musée municipal de Badalona, au musée Camón Aznar de Saragosse et au musée de l'Empordà.

Estim. 400 - 500 EUR

Lot 44 - EUGÈNE BAUDIN (France, 1853 - 1918). "Paysage avec figure". Huile sur panneau. Signé. Elle présente la surface craquelée. Dimensions : 20 x 34 cm ; 44 x 58 cm (cadre). Une paysanne solitaire s'avance vers nous le long d'un chemin qui traverse le tableau en diagonale. À sa gauche, un groupe de vieilles barques posées sur la terre ferme nous offre une image mélancolique. À l'arrière-plan se dessinent les premières maisons du village et, de l'autre côté, de grands arbres feuillus. Eugène Baudin était un homme politique et un céramiste Art nouveau, bien qu'il ait également peint des paysages, des fleurs et des personnages. Eugène Baudin se consacre entièrement à l'art à partir de 1898, année de son retrait de la vie politique. Il travaille d'abord à Paris, puis s'installe sur la côte bretonne et enfin à Monaco (1906). Il participe à l'Exposition universelle de Paris en 1900 et à l'Exposition universelle de Saint-Louis (États-Unis) en 1904.

Estim. 800 - 1 000 EUR

Lot 45 - JOSÉ MARÍA MALLOL SUAZO (Barcelone, 1910 - 1986). "Amsterdam". Huile sur toile. Signée dans le coin inférieur. Présente sur la contre-étiquette de la salle Parés (Barcelone). Dimensions : 23 x 27 cm ; 27 x 51 cm (cadre). Né au sein d'une famille très religieuse, Mallol Suazo se forme à l'école de La Lonja, à Barcelone, où il est le disciple de Félix Mestres et de Ramón Calsina entre 1929 et 1935. Dessinateur et peintre, il publie des illustrations humoristiques dans "En Patufet", "Virolet" et "L'Esquitx", revues auxquelles il collabore depuis ses années d'études. Une malformation congénitale des pieds, qui le fait marcher difficilement, l'empêche de développer le thème du paysage, car il ne peut pas bouger pour faire la copie d'après nature. C'est pourquoi il opte pour d'autres thèmes, comme la nature morte ou le portrait. La première exposition de son œuvre a lieu au Salon d'art contemporain de Barcelone en 1936, quelques mois avant le début de la guerre civile. La même année, il reçoit un prix à l'exposition de printemps de Barcelone. La guerre oblige sa famille à se disperser, mais Mallol reste à Barcelone, où il se consacre entièrement à la peinture et obtient, en 1938, le prix de peinture Nonell, décerné par la Sala Tardor. En 1945, il devient membre du groupe d'artistes de la Sala Parés, une galerie où il rencontre le collectionneur Josep Omar Gelpi, qui deviendra son marchand d'art. Considéré comme l'un des jeunes peintres catalans les plus prometteurs, il participe en 1953 à l'exposition nationale des beaux-arts de Barcelone avec un nu et, en 1959, il visite pour la première fois le Brésil, pays d'où est originaire sa femme et où il se rendra à plusieurs reprises tout au long de sa vie. Loin du sentiment de "risque et d'aventure" au sens plastique du terme, Mallol ne s'est pas laissé entraîner par les courants artistiques dominants, restant toujours fidèle à son propre langage réaliste et poétique. En 1987, un an après sa mort, la Sala Parés lui a consacré une grande exposition hommage, une anthologie de son œuvre. Mallol est représenté au musée national d'art de Catalogne, au musée de Valls, au musée Deu Font d'El Vendrell, aux archives historiques de la ville de Barcelone et à l'abbaye de Montserrat, ainsi que dans d'importantes collections comme celles de Caixa Terrassa, Caixa de Catalunya, Marta María Millet et Modest Rodríguez Cruells.

Estim. 400 - 450 EUR

Lot 46 - RAMÓN AGUILAR MORÉ (Barcelone, 1924 - 2015). "Nature morte". Huile sur panneau. Signée dans le coin supérieur droit. Dimensions : 25 x 34 cm ; 33,5 x 43,5 cm (cadre). Né à Barcelone, il commence sa formation comme disciple d'Oleguer Junyent, avec qui il apprend le dessin, bien qu'il se considère comme un peintre autodidacte. Il travaille dans son atelier entre 1945 et 1948, et c'est également au cours de ces années qu'il réalise de nombreuses esquisses de thèmes de "music-hall" et de ballets dans les théâtres Rigalt et Liceo. Il a organisé sa première exposition à la galerie Rovira de Barcelone en 1949 et, depuis lors, il n'a cessé d'exposer ses œuvres dans diverses galeries de Barcelone et des principales villes espagnoles. Il a également exposé à l'étranger, à la Omell Gallery de Londres, à la Barbizon de Paris, à la Palmer House de Chicago, au Forum et à l'Hôtel Paris de Monte-Carlo, ainsi qu'à l'Arts and Culture de Genève, à Artexpo de New York, à Art Expo West de Los Angeles et au Munster Circle de Luxembourg. À Barcelone, elle a réitéré sa présence dans les galeries Gaspar, Grifé & Escoda, Novell et Rusiñol. Cette dernière a célébré son XXIe anniversaire en 2007 avec une exposition rétrospective de ce peintre. En dehors de Barcelone, il a également exposé ses œuvres dans des galeries d'art prestigieuses, notamment Àgora 3 à Sitges, Alcolea à Madrid et Garbí à Valence. Il a reçu de nombreux prix et distinctions, tels que la médaille d'or de la mairie de Palma de Majorque, le prix Sant Jordi de la Diputació de Barcelone et les prix de peinture Miquel Carbonell et IIe Jeux méditerranéens. Aguilar Moré cultive un expressionnisme décoratif, des arabesques fortes et des couleurs vives. Ses œuvres sont exposées au musée d'art contemporain de Madrid, aux musées des beaux-arts et Perrot-Moore de Cadaqués, au conseil provincial de Barcelone, au musée Reina Sofía d'Athènes, au Fons d'Art d'Olot et à la galerie d'art municipale de Palamós.

Estim. 300 - 400 EUR

Lot 47 - JEAN BAPTISTE ÉDOUARD DETAILLE (France, 1848-1912). "Les victimes du Devoir". Photogravure. Publié par Goupil & Cie. Dimensions : 54 x 46 cm ; 61 x 53 cm (cadre). Cette gravure éditée par Goupil & Cie, est basée sur le tableau Les Victimes du Devoir" de l'artiste Édouard Detaille. Peintre académique et militaire français, il se distingue par sa précision et son réalisme. Il était considéré comme le "peintre semi-officiel de l'armée française". Detaille est né à Paris et a grandi en Picardie. Sa famille était une famille militaire prospère ; son grand-père avait été le fournisseur d'armes de Napoléon. Artiste amateur, ami de plusieurs collectionneurs et peintres, dont Horace Vernet, le père de Detaille encourage son fils dans sa démarche artistique. Il commence ses études artistiques à l'âge de dix-sept ans avec le célèbre peintre militaire Jean-Louis-Ernest Meissonier ; il était initialement venu lui demander de l'introduire auprès du célèbre Alexandre Cabanel, mais Meissonier décida d'enseigner lui-même à Detaille. Meissonier a une grande influence sur le style de Detaille et c'est lui qui lui inculque le sens de l'exactitude et de la précision. Detaille fait ses débuts en tant qu'artiste au Salon - l'exposition officielle de l'Académie des Beaux-Arts - de 1867 avec un tableau provenant de l'atelier de Meissonier.

Estim. 150 - 200 EUR

Lot 48 - DIDIER LOURENÇO (Barcelone, 1968). Sans titre. Huile sur toile. Signée en bas à gauche. Dimensions : 70 x 70 cm ; 83 x 83 cm (cadre). Didier Lourenço a commencé à travailler dans l'atelier de lithographie de son père, où il a appris le métier de lithographe. Plus tard, il a commencé à se faire connaître dans le domaine de la peinture au début des années 90, remportant en 1991 le deuxième prix du XXXIIIe concours de la jeune peinture de la Sala Parés de Barcelone. L'année suivante, il a remporté le prix Talens du même concours, ainsi que le Joan Font de Premià de Mar. Il a fait ses débuts individuels en 1988 à la Sala Hemisferi Sud de Vilassar de Dalt, à Barcelone, et depuis lors, il a organisé des expositions personnelles dans des galeries de Barcelone et d'autres villes catalanes. Il a également participé à de nombreuses expositions collectives, dont les "Rencontres Atlàntiques de l'Art" à Guérande (France). En 2000, une prestigieuse maison d'édition et distributeur d'affiches a fait connaître son travail dans le monde entier. Cette présence mondiale suscite rapidement l'intérêt des galeries qui présentent ses œuvres originales. Didier a exposé en solo à New York, Seattle, Los Angeles, Hong Kong, Porto Rico, la Nouvelle-Orléans, Nashville, l'Afrique du Sud, Las Vegas, Miami, Singapour, parmi beaucoup d'autres villes. Son style, proche et quotidien, montre des scènes de la vie de tous les jours à travers un coup de pinceau coloré et émouvant : des femmes à vélo, des promeneurs déambulant dans les rues, des personnages dans des intérieurs, etc. sont quelques-unes des images qui composent son imagerie artistique.

Estim. 1 500 - 1 800 EUR

Lot 49 - SALVADOR DALÍ I DOMÈNECH (Figueras, Gérone, 1904 - 1989) "Le front de Minerve (série "Don Quichotte"), Lithographie, exemplaire 57/300. Signée et justifiée à la main. Dimensions : 69 x 50 cm ; 88 x 69 cm (cadre). Peintre et sculpteur, Salvador Dalí fut l'un des plus grands représentants du mouvement surréaliste. Son œuvre a grandement influencé le cours du surréalisme au cours des années vingt et trente, étant reconnu comme le créateur de la méthode paranoïaque-critique, une combinaison essentielle du réel et de l'imaginaire. La majeure partie de sa production est rassemblée au Théâtre-musée Dalí de Figueras, puis dans les collections du Salvador Dalí Museum de St. Petersburg (Floride), du Reina Sofía de Madrid, de la Salvador Dalí Gallery de Pacific Palisades (Californie), de l'Espace Dalí de Montmartre (Paris) ou du Dalí Universe de Londres.

Estim. 400 - 500 EUR

Lot 50 - SALVADOR DALÍ I DOMÈNECH (Figueras, Gérone, 1904 - 1989) "L'art d'aimer, D'Ovide". Lithographie, exemplaire E/A. Signée et justifiée à la main. Dimensions : 54 x 74 cm ; 73 x 92 cm (cadre). Peintre et sculpteur, Salvador Dalí fut l'un des plus grands représentants du mouvement surréaliste. Son œuvre a fortement influencé le cours du surréalisme au cours des années vingt et trente, étant reconnu comme le créateur de la méthode paranoïaque-critique, une combinaison essentielle du réel et de l'imaginaire. La majeure partie de sa production est rassemblée au Théâtre-musée Dalí de Figueras, puis dans les collections du Salvador Dalí Museum de St. Petersburg (Floride), du Reina Sofía de Madrid, de la Salvador Dalí Gallery de Pacific Palisades (Californie), de l'Espace Dalí de Montmartre (Paris) ou du Dalí Universe de Londres.

Estim. 500 - 600 EUR

Lot 51 - SALVADOR DALÍ I DOMÈNECH (Figueras, Gérone, 1904 - 1989) "L'aube". Lithographie, exemplaire 36/300. Signée et justifiée à la main. Œuvre appartenant à la série "Don Quichotte de la Mancha". Dimensions : 68 x 51 cm ; 35,5 x 27 cm (cadre). Peintre et sculpteur, Salvador Dalí fut l'un des plus grands représentants du mouvement surréaliste. Son œuvre a grandement influencé le cours du surréalisme au cours des années vingt et trente, étant reconnu comme le créateur de la méthode paranoïaque-critique, une combinaison essentielle du réel et de l'imaginaire. La majeure partie de sa production est rassemblée au Théâtre-musée Dalí de Figueras, puis dans les collections du Salvador Dalí Museum de St. Petersburg (Floride), du Reina Sofía de Madrid, de la Salvador Dalí Gallery de Pacific Palisades (Californie), de l'Espace Dalí de Montmartre (Paris) ou du Dalí Universe de Londres.

Estim. 500 - 600 EUR

Lot 52 - SALVADOR DALÍ I DOMÈNECH (Figueras, Gérone, 1904 - 1989) Appartient à la série "La conquête du cosmos I". 1974 Lithographie, exemplaire 159/195. Signée et justifiée à la main. Dimensions : 84 x 59 cm ; 106 x 78 cm (cadre). Peintre et sculpteur, Salvador Dalí fut l'un des plus grands représentants du mouvement surréaliste. Son œuvre a grandement influencé le cours du surréalisme au cours des années vingt et trente, étant reconnu comme le créateur de la méthode paranoïaque-critique, une combinaison essentielle du réel et de l'imaginaire. La majeure partie de sa production est rassemblée au Théâtre-musée Dalí de Figueras, puis dans les collections du Salvador Dalí Museum de St. Petersburg (Floride), du Reina Sofía de Madrid, de la Salvador Dalí Gallery de Pacific Palisades (Californie), de l'Espace Dalí de Montmartre (Paris) ou du Dalí Universe de Londres.

Estim. 600 - 700 EUR

Lot 53 - KAREL APPEL (Pays-Bas, 1921 - Suisse, 2006). "Baiser argenté". 1978. Lithographie, exemplaire 48/128. Signée et justifiée au crayon. Dimensions : 75 x 103 cm ; 80 x 110 cm (cadre). Karel Appel était peintre, sculpteur et graphiste. Il est actuellement considéré comme l'artiste le plus dynamique de la génération d'après-guerre dans son pays. En 1948, il a fondé, avec Corneille, Jorn et Alechinsku, le groupe international CoBrA, qui a joué un rôle décisif dans le développement et l'expansion de l'automatisme européen entre les années 1940 et 1950. Pendant l'occupation nazie de la Hollande, Apple a erré dans le pays pour éviter d'être envoyé travailler en Allemagne. En 1946, il présente sa première exposition personnelle à Groningue, où l'empreinte de Dubuffet, avec qui il partagera certains concepts théoriques, est déjà visible. Ses premières sculptures, pionnières dans l'assemblage de matériaux de récupération, datent de 1947. Certains artistes, rejetant la rigueur et le sectarisme de l'organisation surréaliste, fondent le groupe CoBrA (abréviation de Copenhague, Bruxelles et Amsterdam, villes dont sont originaires Appel, Corneille et Constant, qui signent le manifeste inaugural avec Jorn, Noiret et Dotremont). Les peintres de CoBrA poursuivent un travail plus spontané, s'inspirant des traditions culturelles locales et collectant des images fantastiques. Le groupe se dissout rapidement en 1951, mais certains de ses membres, notamment Appel, Jorn et Alechinsky, en conservent l'esprit au cours des décennies suivantes. Leur peinture se caractérise par une grande charge expressionniste liée aux figures de Max Pechstein et d'Edward Munich, deux des grands expressionnistes nordiques. Son travail est fait d'empâtements denses et de jeux de couleurs violents, qui dénotent le caractère agité de l'expressionnisme nordique. Plus tard, son langage a évolué vers une ligne plus douce, se rapprochant de la peinture à la main. Appel était un artiste infatigable qui a exploré de multiples langages, de la sculpture à la céramique, en passant par la peinture murale, le vitrail ou la gravure. Au cours de sa longue carrière artistique, il a reçu de nombreux prix et a collaboré avec des artistes d'autres disciplines tels que le poète Allen Ginsberg ou le chorégraphe Min Tanaka. Il connaît ses premiers succès en 1953, avec l'exposition au Palais des Beaux-Arts de Bruxelles et sa participation à la Biennale de Sao Paulo (il y reviendra en 1959 et remportera le prix international de peinture), et en 1954, lorsqu'il reçoit le prix de l'UNESCO à la Biennale de Venise et expose à Paris et à New York. Appel est représenté au Guggenheim Museum et au MoMA de New York, au Bilbao Fine Arts Museum, à la Tate Gallery de Londres, à l'Albertina de Vienne, à la Thyssen-Bornemisza, à la Peggy Guggenheim Collection de Venise et au Fine Arts Museum de Dordrecht, entre autres.

Estim. 1 000 - 1 200 EUR

Lot 54 - KAREL APPEL (Pays-Bas, 1921 - Suisse, 2006). "Les mains qui chantent". Lithographie sur papier. Exemplaire 61/100. Signé et justifié à la main. Dimensions : 107 x 75 cm ; 124 x 94 cm (cadre). Singing hands est une série créée par l'artiste en 1978, dans laquelle il répète la même figure comme protagoniste, un homme jouant de la guitare. Ce portrait est répété tout au long de la série, ne variant que dans la gamme chromatique choisie par l'auteur. L'œuvre de Karel Appel se distingue par sa violence chromatique et sa matérialité passéiste. Il a souvent créé des créatures pseudo-humaines ou mythologiques comme celle qui nous occupe, qui peuvent être lues comme des allégories phobiques. Le primitivisme et l'art infantile ou naïf sont réaffirmés par l'artiste et son groupe CoBrA (formé dans les années cinquante) pour rejeter la raison civilisatrice qui a conduit l'Europe à la dévastation. Le langage d'Appel repose sur la conjugaison de l'agressivité expressionniste et de la simplicité enfantine liée au surréalisme. Il est toujours resté dans les limites de la figuration. Peintre, sculpteur et graphiste, Karel Appel est actuellement considéré comme l'artiste le plus vigoureux de la génération d'après-guerre dans son pays. En 1948, il a fondé, avec Corneille, Jorn et Alechinsku, le groupe international CoBrA, qui a joué un rôle décisif dans le développement et l'expansion de l'automatisme européen entre les années 1940 et 1950. Pendant l'occupation nazie de la Hollande, Apple a erré dans le pays pour éviter d'être envoyé travailler en Allemagne. En 1946, il présente sa première exposition personnelle à Groningue, où l'empreinte de Dubuffet, avec qui il partagera certains concepts théoriques, est déjà visible. Ses premières sculptures, pionnières dans l'assemblage de matériaux de récupération, datent de 1947. Certains artistes, rejetant la rigueur et le sectarisme de l'organisation surréaliste, fondent le groupe CoBrA (abréviation de Copenhague, Bruxelles et Amsterdam, villes dont sont originaires Appel, Corneille et Constant, qui signent le manifeste inaugural avec Jorn, Noiret et Dotremont). Les peintres de CoBrA poursuivent un travail plus spontané, s'inspirant des traditions culturelles locales et collectant des images fantastiques. Le groupe se dissout rapidement en 1951, mais certains de ses membres, notamment Appel, Jorn et Alechinsky, en conservent l'esprit au cours des décennies suivantes. Leur peinture se caractérise par une grande charge expressionniste liée aux figures de Max Pechstein et d'Edward Munich, deux des grands expressionnistes nordiques. Son œuvre est faite d'empâtements denses et de jeux de couleurs violents, qui dénotent le caractère agité de l'expressionnisme nordique. Plus tard, son langage a évolué vers une ligne plus douce, se rapprochant de la peinture à la main. Appel était un artiste infatigable qui a exploré de multiples langages, de la sculpture à la céramique, en passant par la peinture murale, le vitrail ou la gravure. Au cours de sa longue carrière artistique, il a reçu de nombreux prix et a collaboré avec des artistes d'autres disciplines tels que le poète Allen Ginsberg ou le chorégraphe Min Tanaka. Il connaît ses premiers succès en 1953, avec l'exposition au Palais des Beaux-Arts de Bruxelles et sa participation à la Biennale de Sao Paulo (il y reviendra en 1959 et remportera le prix international de peinture), et en 1954, lorsqu'il reçoit le prix de l'UNESCO à la Biennale de Venise et expose à Paris et à New York. Appel est représenté au Guggenheim Museum et au MoMA de New York, au Bilbao Fine Arts Museum, à la Tate Gallery de Londres, à l'Albertina de Vienne, à la Thyssen-Bornemisza, à la Peggy Guggenheim Collection de Venise et au Fine Arts Museum de Dordrecht, entre autres.

Estim. 800 - 1 000 EUR

Lot 55 - ANTONI CLAVÉ I SANMARTÍ (Barcelone, 1913 - Saint-Tropez, France, 2005). Sans titre. Eau-forte, copie 12/35. Signée et justifiée à la main. Dimensions : 77 x 57 cm ; 93 x 73 cm (cadre). Antoni Clavé est l'une des figures les plus importantes de l'art contemporain espagnol. Formé à l'école des beaux-arts de San Jordi de Barcelone, Clavé se consacre dans un premier temps au graphisme publicitaire, à l'illustration et aux arts décoratifs. En 1936, il participe activement à la guerre civile, dans les rangs républicains, ce qui l'amène à s'exiler en France à la fin de la guerre. Cette même année 1939, il expose les dessins qu'il a réalisés sur les champs de bataille. Il s'installe à Paris, où il rencontre Vuillard, Bonnard et Picasso. Il jouit déjà d'un grand prestige international au moment où il commence à être reconnu en Espagne, après son exposition à la galerie Gaspar de Barcelone en 1956. À la même époque, il réalise des illustrations pour l'œuvre "Gargantua et Pantagruel", ce qui l'amène à se familiariser avec l'iconographie médiévale. Il reçoit des prix au Hallimark de New York en 1948, à la Biennale de Venise en 1954 et à la Biennale internationale de Tokyo en 1957. En 1984, l'État espagnol a reconnu sa valeur artistique en exposant plus d'une centaine de ses œuvres dans le pavillon espagnol de la Biennale de Venise. La même année, il reçoit la médaille d'or de la Generalitat de Catalunya. L'œuvre de Clavé se trouve, entre autres, au musée des beaux-arts de Bilbao, à la Tate Gallery, au musée d'art moderne de Paris, au British Museum de Londres, au musée d'art moderne de Tokyo et au musée Reina Sofía de Madrid.

Estim. 600 - 700 EUR

Lot 56 - ANTONI CLAVÉ I SANMARTÍ (Barcelone, 1913 - Saint-Tropez, France, 2005). "Hommage à la pipe", 1977. Lithographie, exemplaire 55/75. Signée et justifiée à la main. Dimensions : 76 x 56 cm ; 93 x 73 cm (cadre). Antoni Clavé est l'une des figures les plus importantes de l'art contemporain espagnol. Formé à l'école des beaux-arts de San Jordi de Barcelone, Clavé se consacre dans un premier temps au graphisme publicitaire, à l'illustration et aux arts décoratifs. En 1936, il participe activement à la guerre civile, dans les rangs républicains, ce qui l'amène à s'exiler en France à la fin de la guerre. Cette même année 1939, il expose les dessins qu'il a réalisés sur les champs de bataille. Il s'installe à Paris, où il rencontre Vuillard, Bonnard et Picasso. Il jouit déjà d'un grand prestige international au moment où il commence à être reconnu en Espagne, après son exposition à la galerie Gaspar de Barcelone en 1956. À la même époque, il réalise des illustrations pour l'œuvre "Gargantua et Pantagruel", ce qui l'amène à se familiariser avec l'iconographie médiévale. Il reçoit des prix au Hallimark de New York en 1948, à la Biennale de Venise en 1954 et à la Biennale internationale de Tokyo en 1957. En 1984, l'État espagnol a reconnu sa valeur artistique en exposant plus d'une centaine de ses œuvres dans le pavillon espagnol de la Biennale de Venise. La même année, il reçoit la médaille d'or de la Generalitat de Catalunya. L'œuvre de Clavé se trouve, entre autres, au musée des beaux-arts de Bilbao, à la Tate Gallery, au musée d'art moderne de Paris, au British Museum de Londres, au musée d'art moderne de Tokyo et au musée Reina Sofía de Madrid.

Estim. 500 - 600 EUR

Lot 57 - ANTONI CLAVÉ I SANMARTÍ (Barcelone, 1913 - Saint-Tropez, France, 2005). "Don Felipe", 1965. Lithographie, exemplaire 43/60. Signée et justifiée à la main. Dimensions : 75 x 56,5 cm. Antoni Clavé est l'une des figures les plus importantes de l'art contemporain espagnol. Formé à l'école des beaux-arts de San Jordi de Barcelone, Clavé se consacre dans un premier temps au graphisme publicitaire, à l'illustration et aux arts décoratifs. En 1936, il participe activement à la guerre civile, dans les rangs républicains, ce qui l'amène à s'exiler en France à la fin de la guerre. Cette même année 1939, il expose les dessins qu'il a réalisés sur les champs de bataille. Il s'installe à Paris, où il rencontre Vuillard, Bonnard et Picasso. Il jouit déjà d'un grand prestige international au moment où il commence à être reconnu en Espagne, après son exposition à la galerie Gaspar de Barcelone en 1956. À la même époque, il réalise des illustrations pour l'œuvre "Gargantua et Pantagruel", ce qui l'amène à se familiariser avec l'iconographie médiévale. Il reçoit des prix au Hallimark de New York en 1948, à la Biennale de Venise en 1954 et à la Biennale internationale de Tokyo en 1957. En 1984, l'État espagnol a reconnu sa valeur artistique en exposant plus d'une centaine de ses œuvres dans le pavillon espagnol de la Biennale de Venise. La même année, il reçoit la médaille d'or de la Generalitat de Catalunya. L'œuvre de Clavé se trouve, entre autres, au musée des beaux-arts de Bilbao, à la Tate Gallery, au musée d'art moderne de Paris, au British Museum de Londres, au musée d'art moderne de Tokyo et au musée Reina Sofía de Madrid.

Estim. 600 - 700 EUR

Lot 58 - ANTONI CLAVÉ I SANMARTÍ (Barcelone, 1913 - Saint-Tropez, France, 2005). Sans titre, vers 1970. Lithographie, copie P.A. Signée et justifiée à la main. Dimensions : 56,5 x 76,5 cm. Antoni Clavé est l'une des figures les plus importantes de l'art contemporain espagnol. Formé à l'école des beaux-arts de San Jordi de Barcelone, Clavé se consacre dans un premier temps au graphisme publicitaire, à l'illustration et aux arts décoratifs. En 1936, il participe activement à la guerre civile, dans les rangs républicains, ce qui l'amène à s'exiler en France à la fin de la guerre. Cette même année 1939, il expose les dessins qu'il a réalisés sur les champs de bataille. Il s'installe à Paris, où il rencontre Vuillard, Bonnard et Picasso. Il jouit déjà d'un grand prestige international au moment où il commence à être reconnu en Espagne, après son exposition à la galerie Gaspar de Barcelone en 1956. À la même époque, il réalise des illustrations pour l'œuvre "Gargantua et Pantagruel", ce qui l'amène à se familiariser avec l'iconographie médiévale. Il reçoit des prix au Hallimark de New York en 1948, à la Biennale de Venise en 1954 et à la Biennale internationale de Tokyo en 1957. En 1984, l'État espagnol a reconnu sa valeur artistique en exposant plus d'une centaine de ses œuvres dans le pavillon espagnol de la Biennale de Venise. La même année, il reçoit la médaille d'or de la Generalitat de Catalunya. L'œuvre de Clavé se trouve, entre autres, au musée des beaux-arts de Bilbao, à la Tate Gallery, au musée d'art moderne de Paris, au British Museum de Londres, au musée d'art moderne de Tokyo et au musée Reina Sofía de Madrid.

Estim. 600 - 700 EUR

Lot 59 - ANTONI CLAVÉ I SANMARTÍ (Barcelone, 1913 - Saint-Tropez, France, 2005). "C'est du roi que je parle", 1976. Lithographie, exemplaire 45/75 Signée et justifiée à la main. Dimensions : 76,5 x 56,5 cm. Antoni Clavé est l'une des figures les plus importantes de l'art contemporain espagnol. Formé à l'école des beaux-arts de San Jordi de Barcelone, Clavé se consacre dans un premier temps au graphisme publicitaire, à l'illustration et aux arts décoratifs. En 1936, il participe activement à la guerre civile, dans les rangs républicains, ce qui l'amène à s'exiler en France à la fin de la guerre. Cette même année 1939, il expose les dessins qu'il a réalisés sur les champs de bataille. Il s'installe à Paris, où il rencontre Vuillard, Bonnard et Picasso. Il jouit déjà d'un grand prestige international au moment où il commence à être reconnu en Espagne, après son exposition à la galerie Gaspar de Barcelone en 1956. À la même époque, il réalise des illustrations pour l'œuvre "Gargantua et Pantagruel", ce qui l'amène à se familiariser avec l'iconographie médiévale. Il reçoit des prix au Hallimark de New York en 1948, à la Biennale de Venise en 1954 et à la Biennale internationale de Tokyo en 1957. En 1984, l'État espagnol a reconnu sa valeur artistique en exposant plus d'une centaine de ses œuvres dans le pavillon espagnol de la Biennale de Venise. La même année, il reçoit la médaille d'or de la Generalitat de Catalunya. L'œuvre de Clavé se trouve, entre autres, au musée des beaux-arts de Bilbao, à la Tate Gallery, au musée d'art moderne de Paris, au British Museum de Londres, au musée d'art moderne de Tokyo et au musée Reina Sofía de Madrid.

Estim. 600 - 700 EUR

Lot 60 - ANTONI CLAVÉ I SANMARTÍ (Barcelone, 1913 - Saint-Tropez, France, 2005). "D'aprés Rembrandt III". 1966. Eau-forte, copie E.A. Signé et justifié à la main. Présente des taches de rouille. Dimensions : 29,5 x 39,5 cm ; 50 x 60 cm (cadre). Antoni Clavé est l'une des figures les plus importantes de l'art contemporain espagnol. Formé à l'école des beaux-arts de San Jordi de Barcelone, Clavé se consacre dans un premier temps au graphisme publicitaire, à l'illustration et aux arts décoratifs. En 1936, il participe activement à la guerre civile, dans les rangs républicains, ce qui l'amène à s'exiler en France à la fin de la guerre. Cette même année 1939, il expose les dessins qu'il a réalisés sur les champs de bataille. Il s'installe à Paris, où il rencontre Vuillard, Bonnard et Picasso. Il jouit déjà d'un grand prestige international au moment où il commence à être reconnu en Espagne, après son exposition à la galerie Gaspar de Barcelone en 1956. À la même époque, il réalise des illustrations pour l'œuvre "Gargantua et Pantagruel", ce qui l'amène à se familiariser avec l'iconographie médiévale. Il reçoit des prix au Hallimark de New York en 1948, à la Biennale de Venise en 1954 et à la Biennale internationale de Tokyo en 1957. En 1984, l'État espagnol a reconnu sa valeur artistique en exposant plus d'une centaine de ses œuvres dans le pavillon espagnol de la Biennale de Venise. La même année, il reçoit la médaille d'or de la Generalitat de Catalunya. L'œuvre de Clavé se trouve, entre autres, au musée des beaux-arts de Bilbao, à la Tate Gallery, au musée d'art moderne de Paris, au British Museum de Londres, au musée d'art moderne de Tokyo et au musée Reina Sofía de Madrid.

Estim. 600 - 700 EUR

Lot 61 - ANTONI CLAVÉ I SANMARTÍ (Barcelone, 1913 - Saint-Tropez, France, 2005). "Hommage au Greco. Cadre Noir", 1965. Lithographie, exemplaire 25/40. Signée et justifiée à la main. Dimensions : 65 x 50,5 cm. Antoni Clavé est l'une des figures les plus importantes de l'art contemporain espagnol. Formé à l'école des beaux-arts de San Jordi de Barcelone, Clavé se consacre dans un premier temps au graphisme publicitaire, à l'illustration et aux arts décoratifs. En 1936, il participe activement à la guerre civile, dans les rangs républicains, ce qui l'amène à s'exiler en France à la fin de la guerre. Cette même année 1939, il expose les dessins qu'il a réalisés sur les champs de bataille. Il s'installe à Paris, où il rencontre Vuillard, Bonnard et Picasso. Il jouit déjà d'un grand prestige international au moment où il commence à être reconnu en Espagne, après son exposition à la galerie Gaspar de Barcelone en 1956. À la même époque, il réalise des illustrations pour l'œuvre "Gargantua et Pantagruel", ce qui l'amène à se familiariser avec l'iconographie médiévale. Il reçoit des prix au Hallimark de New York en 1948, à la Biennale de Venise en 1954 et à la Biennale internationale de Tokyo en 1957. En 1984, l'État espagnol a reconnu sa valeur artistique en exposant plus d'une centaine de ses œuvres dans le pavillon espagnol de la Biennale de Venise. La même année, il reçoit la médaille d'or de la Generalitat de Catalunya. L'œuvre de Clavé se trouve, entre autres, au musée des beaux-arts de Bilbao, à la Tate Gallery, au musée d'art moderne de Paris, au British Museum de Londres, au musée d'art moderne de Tokyo et au musée Reina Sofía de Madrid.

Estim. 600 - 700 EUR

Lot 62 - ANTONI CLAVÉ I SANMARTÍ (Barcelone, 1913 - Saint-Tropez, France, 2005). "Poisson, 1959. Lithographie, exemplaire 11/100. Signée et justifiée à la main. Dimensions : 56,5 x 76 cm. Antoni Clavé est l'une des figures les plus importantes de l'art contemporain espagnol. Formé à l'école des beaux-arts de San Jordi de Barcelone, Clavé se consacre dans un premier temps au graphisme publicitaire, à l'illustration et aux arts décoratifs. En 1936, il participe activement à la guerre civile, dans les rangs républicains, ce qui l'amène à s'exiler en France à la fin de la guerre. Cette même année 1939, il expose les dessins qu'il a réalisés sur les champs de bataille. Il s'installe à Paris, où il rencontre Vuillard, Bonnard et Picasso. Il jouit déjà d'un grand prestige international au moment où il commence à être reconnu en Espagne, après son exposition à la galerie Gaspar de Barcelone en 1956. À la même époque, il réalise des illustrations pour l'œuvre "Gargantua et Pantagruel", ce qui l'amène à se familiariser avec l'iconographie médiévale. Il reçoit des prix au Hallimark de New York en 1948, à la Biennale de Venise en 1954 et à la Biennale internationale de Tokyo en 1957. En 1984, l'État espagnol a reconnu sa valeur artistique en exposant plus d'une centaine de ses œuvres dans le pavillon espagnol de la Biennale de Venise. La même année, il reçoit la médaille d'or de la Generalitat de Catalunya. L'œuvre de Clavé se trouve, entre autres, au musée des beaux-arts de Bilbao, à la Tate Gallery, au musée d'art moderne de Paris, au British Museum de Londres, au musée d'art moderne de Tokyo et au musée Reina Sofía de Madrid.

Estim. 700 - 800 EUR

Lot 63 - ANTONI CLAVÉ I SANMARTÍ (Barcelone, 1913 - Saint-Tropez, France, 2005). Sans titre. 1990. Gravure, exemplaire 9/25 Signé et justifié à la main. Dimensions : 24,5 x 32 cm ; 50 x 66 cm (cadre). Antoni Clavé est l'une des figures les plus importantes de l'art contemporain espagnol. Formé à l'école des beaux-arts de San Jordi de Barcelone, Clavé se consacre dans un premier temps au graphisme publicitaire, à l'illustration et aux arts décoratifs. En 1936, il participe activement à la guerre civile, dans les rangs républicains, ce qui l'amène à s'exiler en France à la fin de la guerre. Cette même année 1939, il expose les dessins qu'il a réalisés sur les champs de bataille. Il s'installe à Paris, où il rencontre Vuillard, Bonnard et Picasso. Il jouit déjà d'un grand prestige international au moment où il commence à être reconnu en Espagne, après son exposition à la galerie Gaspar de Barcelone en 1956. À la même époque, il réalise des illustrations pour l'œuvre "Gargantua et Pantagruel", ce qui l'amène à se familiariser avec l'iconographie médiévale. Il reçoit des prix au Hallimark de New York en 1948, à la Biennale de Venise en 1954 et à la Biennale internationale de Tokyo en 1957. En 1984, l'État espagnol a reconnu sa valeur artistique en exposant plus d'une centaine de ses œuvres dans le pavillon espagnol de la Biennale de Venise. La même année, il reçoit la médaille d'or de la Generalitat de Catalunya. L'œuvre de Clavé se trouve, entre autres, au musée des beaux-arts de Bilbao, à la Tate Gallery, au musée d'art moderne de Paris, au British Museum de Londres, au musée d'art moderne de Tokyo et au musée Reina Sofía de Madrid.

Estim. 600 - 700 EUR

Lot 64 - ANTONI CLAVÉ I SANMARTÍ (Barcelone, 1913 - Saint-Tropez, France, 2005). "Pochoirs", 1969. Lithographie, exemplaire 27/45 Signée et justifiée à la main. Dimensions : 76,5 x 56,5 cm. Antoni Clavé est l'une des figures les plus importantes de l'art contemporain espagnol. Formé à l'école des beaux-arts de San Jordi de Barcelone, Clavé se consacre dans un premier temps au graphisme publicitaire, à l'illustration et aux arts décoratifs. En 1936, il participe activement à la guerre civile, dans les rangs républicains, ce qui l'amène à s'exiler en France à la fin de la guerre. Cette même année 1939, il expose les dessins qu'il a réalisés sur les champs de bataille. Il s'installe à Paris, où il rencontre Vuillard, Bonnard et Picasso. Il jouit déjà d'un grand prestige international au moment où il commence à être reconnu en Espagne, après son exposition à la galerie Gaspar de Barcelone en 1956. À la même époque, il réalise des illustrations pour l'œuvre "Gargantua et Pantagruel", ce qui l'amène à se familiariser avec l'iconographie médiévale. Il reçoit des prix au Hallimark de New York en 1948, à la Biennale de Venise en 1954 et à la Biennale internationale de Tokyo en 1957. En 1984, l'État espagnol a reconnu sa valeur artistique en exposant plus d'une centaine de ses œuvres dans le pavillon espagnol de la Biennale de Venise. La même année, il reçoit la médaille d'or de la Generalitat de Catalunya. L'œuvre de Clavé se trouve, entre autres, au musée des beaux-arts de Bilbao, à la Tate Gallery, au musée d'art moderne de Paris, au British Museum de Londres, au musée d'art moderne de Tokyo et au musée Reina Sofía de Madrid.

Estim. 600 - 700 EUR

Lot 65 - ANTONI CLAVÉ I SANMARTÍ (Barcelone, 1913 - Saint-Tropez, France, 2005). "D'aprés Rembrandt III". 1966. Eau-forte, copie E.A. Signé et justifié à la main. Présente des taches de rouille. Dimensions : 39,5 x 29,5 cm ; 66 x 50 cm (cadre). Antoni Clavé est l'une des figures les plus importantes de l'art contemporain espagnol. Formé à l'école des beaux-arts de San Jordi de Barcelone, Clavé se consacre dans un premier temps au graphisme publicitaire, à l'illustration et aux arts décoratifs. En 1936, il participe activement à la guerre civile, dans les rangs républicains, ce qui l'amène à s'exiler en France à la fin de la guerre. Cette même année 1939, il expose les dessins qu'il a réalisés sur les champs de bataille. Il s'installe à Paris, où il rencontre Vuillard, Bonnard et Picasso. Il jouit déjà d'un grand prestige international au moment où il commence à être reconnu en Espagne, après son exposition à la galerie Gaspar de Barcelone en 1956. À la même époque, il réalise des illustrations pour l'œuvre "Gargantua et Pantagruel", ce qui l'amène à se familiariser avec l'iconographie médiévale. Il reçoit des prix au Hallimark de New York en 1948, à la Biennale de Venise en 1954 et à la Biennale internationale de Tokyo en 1957. En 1984, l'État espagnol a reconnu sa valeur artistique en exposant plus d'une centaine de ses œuvres dans le pavillon espagnol de la Biennale de Venise. La même année, il reçoit la médaille d'or de la Generalitat de Catalunya. L'œuvre de Clavé se trouve, entre autres, au musée des beaux-arts de Bilbao, à la Tate Gallery, au musée d'art moderne de Paris, au British Museum de Londres, au musée d'art moderne de Tokyo et au musée Reina Sofía de Madrid.

Estim. 600 - 700 EUR

Lot 66 - ANTONI CLAVÉ I SANMARTÍ (Barcelone, 1913 - Saint-Tropez, France, 2005). Sans titre. 1966. Lithographie, copie H.C. Signée et justifiée à la main. Édité par Sala Gaspar, Barcelone. Dimensions : 66 × 50 cm. Antoni Clavé est l'une des figures les plus importantes de l'art contemporain espagnol. Formé à l'École des beaux-arts de San Jordi de Barcelone, Clavé se consacre dans un premier temps au graphisme publicitaire, à l'illustration et aux arts décoratifs. En 1936, il participe activement à la guerre civile, dans les rangs républicains, ce qui l'amène à s'exiler en France à la fin de la guerre. Cette même année 1939, il expose les dessins qu'il a réalisés sur les champs de bataille. Il s'installe à Paris, où il rencontre Vuillard, Bonnard et Picasso. Il jouit déjà d'un grand prestige international au moment où il commence à être reconnu en Espagne, après son exposition à la galerie Gaspar de Barcelone en 1956. À la même époque, il réalise des illustrations pour l'œuvre "Gargantua et Pantagruel", ce qui l'amène à se familiariser avec l'iconographie médiévale. Il reçoit des prix au Hallimark de New York en 1948, à la Biennale de Venise en 1954 et à la Biennale internationale de Tokyo en 1957. En 1984, l'État espagnol a reconnu sa valeur artistique en exposant plus d'une centaine de ses œuvres dans le pavillon espagnol de la Biennale de Venise. La même année, il reçoit la médaille d'or de la Generalitat de Catalunya. L'œuvre de Clavé se trouve, entre autres, au musée des beaux-arts de Bilbao, à la Tate Gallery, au musée d'art moderne de Paris, au British Museum de Londres, au musée d'art moderne de Tokyo et au musée Reina Sofía de Madrid.

Estim. 600 - 700 EUR

Lot 67 - ANTONI CLAVÉ I SANMARTÍ (Barcelone, 1913 - Saint-Tropez, France, 2005). "Guerrier noir", 1970. Gravure, exemplaire 68/75 Signé et justifié à la main. Dimensions : 60 x 39,5 cm ; 76 x 57 cm (cadre). Antoni Clavé est l'une des figures les plus importantes de l'art contemporain espagnol. Formé à l'école des beaux-arts de San Jordi de Barcelone, Clavé se consacre dans un premier temps au graphisme publicitaire, à l'illustration et aux arts décoratifs. En 1936, il participe activement à la guerre civile, dans les rangs républicains, ce qui l'amène à s'exiler en France à la fin de la guerre. Cette même année 1939, il expose les dessins qu'il a réalisés sur les champs de bataille. Il s'installe à Paris, où il rencontre Vuillard, Bonnard et Picasso. Il jouit déjà d'un grand prestige international au moment où il commence à être reconnu en Espagne, après son exposition à la galerie Gaspar de Barcelone en 1956. À la même époque, il réalise des illustrations pour l'œuvre "Gargantua et Pantagruel", ce qui l'amène à se familiariser avec l'iconographie médiévale. Il reçoit des prix au Hallimark de New York en 1948, à la Biennale de Venise en 1954 et à la Biennale internationale de Tokyo en 1957. En 1984, l'État espagnol a reconnu sa valeur artistique en exposant plus d'une centaine de ses œuvres dans le pavillon espagnol de la Biennale de Venise. La même année, il reçoit la médaille d'or de la Generalitat de Catalunya. L'œuvre de Clavé se trouve, entre autres, au musée des beaux-arts de Bilbao, à la Tate Gallery, au musée d'art moderne de Paris, au British Museum de Londres, au musée d'art moderne de Tokyo et au musée Reina Sofía de Madrid.

Estim. 600 - 700 EUR

Lot 68 - JOAN MIRÓ I FERRÀ (Barcelone, 1893 - Palma de Majorque, 1983). "La Fiesta (Espagne). Coupe du monde de football", 1982. Affiche lithographique. Signée dans la plaque. Dimensions : 95,5 x 60,5 cm. En 1982, à l'occasion de la célébration de la Coupe du monde en Espagne, plusieurs artistes ont été chargés par la fédération d'immortaliser l'événement. Miró a configuré l'image officielle de ce tournoi, le transformant en un symbole international. Joan Miró s'est formé à Barcelone et a fait ses débuts individuels en 1918, aux galeries Dalmau. En 1920, il s'installe à Paris et rencontre Picasso, Raynal, Max Jacob, Tzara et les dadaïstes. C'est là, sous l'influence des poètes et des peintres surréalistes, qu'il mûrit son style ; il tente de transposer la poésie surréaliste sur le plan visuel, en se basant sur la mémoire, la fantaisie et l'irrationnel. Sa troisième exposition à Paris, en 1928, est son premier grand triomphe : le Museum of Modern Art de New York acquiert deux de ses œuvres. Il retourne en Espagne en 1941 et, la même année, le musée lui consacre une rétrospective qui sera sa consécration internationale définitive. Tout au long de sa vie, il reçoit de nombreuses récompenses, telles que les grands prix de la Biennale de Venise et de la Fondation Guggenheim, le prix Carnegie de peinture, les médailles d'or de la Generalitat de Catalunya et des Beaux-Arts, et est nommé docteur honoris causa par les universités de Harvard et de Barcelone. Son œuvre est actuellement exposée à la Fondation Joan Miró à Barcelone, ainsi qu'au musée Thyssen-Bornemisza, au MoMA de New York, au musée Reina Sofía de Madrid, à la National Gallery de Washington, au MNAM de Paris et à l'Albright-Knox Art Gallery de Buffalo. Cette lithographie nous montre le Miró le plus essentialiste dans sa recherche de formes minimales et suggestives. Les gammes limitées à quelques couleurs appliquées sur des surfaces planes et brillantes, se combinent pour évoquer la communion lyrique de l'homme et de l'environnement.

Estim. 300 - 400 EUR

Lot 69 - JOAN MIRÓ I FERRÁ (Barcelone, 1893 - Palma de Majorque, 1983). Appartenant à la série "Proverbes à la main", 1970. Lithographie, exemplaire 96/100. Signée avec monogramme et justifiée au crayon. Dimensions : 62 x 82 cm (plié) ; 75 x 95 cm (ouvert). Joan Miró se forme à Barcelone, entre l'École du marché aux poissons et l'Académie Galí. Dès le début de l'année 1918, il expose pour la première fois dans les galeries Dalmau de Barcelone. En 1920, il s'installe à Paris et rencontre Picasso, Raynal, Max Jacob, Tzara et les dadaïstes. C'est là, sous l'influence des poètes et des peintres surréalistes, qu'il mûrit son style ; il tente de transposer la poésie surréaliste sur le plan visuel, en se basant sur la mémoire, la fantaisie et l'irrationnel. À partir de ce moment, son style entame une évolution qui le conduit à des œuvres plus éthérées, dans lesquelles les formes et les figures organiques sont réduites à des points, des lignes et des taches de couleur abstraits. En 1924, il signe le premier manifeste surréaliste, bien que l'évolution de son œuvre, trop complexe, ne permette pas de l'inscrire dans une orthodoxie particulière. Sa troisième exposition à Paris, en 1928, est son premier grand triomphe : le Museum of Modern Art de New York acquiert deux de ses œuvres. Il retourne en Espagne en 1941 et, la même année, le musée lui consacre une rétrospective qui sera sa consécration internationale définitive. Au cours des années cinquante, il expérimente d'autres supports artistiques, tels que la gravure, la lithographie et la céramique. De 1956 à sa mort en 1983, il vit à Palma de Majorque dans une sorte d'exil intérieur, tandis que sa renommée internationale grandit. Tout au long de sa vie, il a reçu de nombreuses récompenses, telles que les grands prix de la Biennale de Venise en 1954 et de la Fondation Guggenheim en 1959, le prix Carnegie de peinture en 1966, les médailles d'or de la Generalitat de Catalunya (1978) et des Beaux-Arts (1980), et a été nommé docteur honoris causa par les universités de Harvard et de Barcelone. Aujourd'hui, son œuvre est exposée à la Fondation Joan Miró de Barcelone, inaugurée en 1975, ainsi que dans les principaux musées d'art contemporain du monde entier, tels que la Thyssen-Bornemisza, le MoMA de New York, le musée Reina Sofia de Madrid, la National Gallery de Washington, le MNAM de Paris et l'Albright-Knox Art Gallery de Buffalo.

Estim. 400 - 500 EUR

Lot 70 - ANTONI TÀPIES PUIG (Barcelone, 1923 - 2012). "Barcelone 82 Affiche lithographique. Signé. Dimensions : 95 x 60 cm ; 96 x 61 cm (cadre). L'affiche de Tapiés se concentre sur le thème de la Coupe du monde 82 et fait allusion à ce qui reste de la fête en utilisant un vieux journal, un pied prêt à frapper et un ballon barré d'une croix. Le tout accompagné d'une représentation graphique symbolique de Barcelone. Antoni Tàpies débute dans l'art pendant sa longue convalescence d'une maladie pulmonaire. Il se consacre progressivement et plus intensément au dessin et à la peinture, et abandonne finalement ses études de droit pour se consacrer entièrement à l'art. Cofondateur de "Dau al Set" en 1948, il commence à exposer aux Salones de Octubre à Barcelone, ainsi qu'au Salón de los Once à Madrid en 1949. Après sa première exposition individuelle dans les galeries Layetanas, il se rend à Paris en 1950, grâce à une bourse de l'Institut français. Au cours de ces années, il commence à participer à la Biennale de Venise, expose à nouveau dans les galeries Layetanas et, après une exposition à Chicago, en 1953, il présente une exposition individuelle dans la galerie de Martha Jackson à New York. Dès lors, ses expositions, tant collectives que personnelles, ont eu lieu dans le monde entier, dans des galeries et des musées de premier plan tels que le Guggenheim de New York et le Musée d'art moderne de Paris. Il a reçu des prix tels que le Prince des Asturies, le Praemium Imperiale de la Japan Art Association, le Prix national de la culture, le Grand Prix de peinture de France, etc., et des anthologies lui ont été consacrées à Tokyo (1976), New York (1977 et 2005), Rome (1980), Amsterdam (1980), Madrid (1980), Venise (1982), Milan (1985), Vienne (1986) et Bruxelles (1986). Il est représenté dans les plus grands musées du monde, comme la fondation qui porte son nom à Barcelone, le Reina Sofia à Madrid, le Guggenheim à Berlin, Bilbao et New York, le Fukoka Art Museum au Japon, le MoMA à New York et la Tate Gallery à Londres.

Estim. 500 - 600 EUR

Lot 71 - ANTONI TÀPIES PUIG (Barcelone, 1923 - 2012). Sans titre. Inclus dans le " matériel de Llambrec ", 1975. Lithographie, copie P.A. Signée et justifiée au crayon. Œuvre publiée dans "Tàpies. Œuvre graphique. 1973 - 1978", par Mariuccia Galfetti, nº 539 (Barcelone ; Gustavo Gili, 1990). Dimensions : 76 x 54,5 cm. Tàpies débute dans l'art pendant sa longue convalescence d'une maladie pulmonaire. Il se consacre progressivement et plus intensément au dessin et à la peinture, et finit par abandonner ses études de droit pour se consacrer entièrement à l'art. Cofondateur de "Dau al Set" en 1948, il commence à exposer aux Salones de Octubre à Barcelone, ainsi qu'au Salón de los Once à Madrid en 1949. Après sa première exposition individuelle dans les galeries Layetanas, il se rend à Paris en 1950, avec une bourse de l'Institut français. Son exposition individuelle à la galerie new-yorkaise de Martha Jackson en 1953 renforce sa projection internationale. Il reçoit des prix tels que le Prince des Asturies, le Praemium Imperiale de la Japan Art Association, le Prix National de la Culture, le Grand Prix de Peinture de France, etc., et des anthologies lui sont consacrées à Tokyo, New York, Rome, Amsterdam, Madrid, Venise, Milan, Vienne et Bruxelles. Il est représenté dans les plus grands musées du monde, comme la fondation qui porte son nom à Barcelone, le Reina Sofia à Madrid, le Guggenheim à Berlin, Bilbao et New York, le Fukoka Art Museum au Japon, le MoMA à New York et la Tate Gallery à Londres.

Estim. 600 - 700 EUR

Lot 72 - ANTONI TÀPIES PUIG (Barcelone, 1923 - 2012). "Als mestres de Catalunya", 1974. Lithographie, copie P.A. Signée et justifiée à la main. Éditeur Sala Gaspar, imprimeur Damià Caus, Barcelone. Œuvre publiée dans "Tàpies. Œuvre graphique. 1973 - 1978", par Mariuccia Galfetti (Barcelone ; Gustavo Gili, 1990), nº 493, p. 115. Dimensions : 100 x 69 cm. Tàpies débute dans l'art pendant sa longue convalescence d'une maladie pulmonaire. Il se consacre progressivement et plus intensément au dessin et à la peinture, et finit par abandonner ses études de droit pour se consacrer entièrement à l'art. Cofondateur de "Dau al Set" en 1948, il commence à exposer aux Salones de Octubre à Barcelone, ainsi qu'au Salón de los Once à Madrid en 1949. Après sa première exposition individuelle dans les galeries Layetanas, il se rend à Paris en 1950, avec une bourse de l'Institut français. Son exposition individuelle à la galerie new-yorkaise de Martha Jackson en 1953 renforce sa projection internationale. Il reçoit des prix tels que le Prince des Asturies, le Praemium Imperiale de la Japan Art Association, le Prix National de la Culture, le Grand Prix de Peinture de France, etc., et des anthologies lui sont consacrées à Tokyo, New York, Rome, Amsterdam, Madrid, Venise, Milan, Vienne et Bruxelles. Il est représenté dans les plus grands musées du monde, comme la fondation qui porte son nom à Barcelone, le Reina Sofia à Madrid, le Guggenheim à Berlin, Bilbao et New York, le Fukoka Art Museum au Japon, le MoMA à New York et la Tate Gallery à Londres.

Estim. 600 - 700 EUR

Lot 73 - ANTONI TÀPIES PUIG (Barcelone, 1923 - 2012). "Als mestres de Catalunya", 1974. Lithographie, copie P.A. Éditeur Sala Gaspar, imprimeur Damià Caus, Barcelone. Signé et justifié à la main. Œuvre publiée dans "Tàpies. Œuvre graphique. 1973 - 1978", par Mariuccia Galfetti, nº 488 (Barcelone ; Gustavo Gili, 1990). Dimensions : 100 x 69 cm. Elle fait partie de l'album "Als mestres de Catalunya", composé de huit lithographies et d'une sérigraphie, dont celle de la couverture, édité par Sala Gaspar à Barcelone et imprimé par Damià Caus (Barcelone, lithographies) et Alexandre Tornabell (Gérone, sérigraphie). Sur papier Guarro avec le filigrane de l'éditeur, et sur papier Kraft pour la sérigraphie de la couverture extérieure de l'album. L'album contient également deux poèmes de Joan Brossa, imprimés séparément. Tàpies s'est initié à l'art pendant sa longue convalescence à la suite d'une maladie pulmonaire. Il s'est progressivement consacré de manière plus intense au dessin et à la peinture, et a finalement abandonné ses études de droit pour se consacrer entièrement à l'art. Cofondateur de "Dau al Set" en 1948, il commence à exposer aux Salones de Octubre à Barcelone, ainsi qu'au Salón de los Once à Madrid en 1949. Après sa première exposition individuelle dans les galeries Layetanas, il se rend à Paris en 1950, avec une bourse de l'Institut français. Son exposition individuelle à la galerie new-yorkaise de Martha Jackson en 1953 renforce sa projection internationale. Il reçoit des prix tels que le Prince des Asturies, le Praemium Imperiale de la Japan Art Association, le Prix National de la Culture, le Grand Prix de Peinture de France, etc., et des anthologies lui sont consacrées à Tokyo, New York, Rome, Amsterdam, Madrid, Venise, Milan, Vienne et Bruxelles. Il est représenté dans les plus grands musées du monde, comme la fondation qui porte son nom à Barcelone, le Reina Sofia à Madrid, le Guggenheim à Berlin, Bilbao et New York, le Fukoka Art Museum au Japon, le MoMA à New York et la Tate Gallery à Londres.

Estim. 600 - 700 EUR

Lot 74 - ANTONI TÀPIES PUIG (Barcelone, 1923 - 2012). "Als Mestres de Catanlunya". Lithographie, copie P.A. Signée et justifiée au crayon. Dimensions : 100 x 70 cm. Cofondateur de "Dau al Set" en 1948, Tàpies commence à exposer dans les Salones de Octubre à Barcelone, ainsi que dans le Salón de los Once à Madrid en 1949. Après sa première exposition personnelle aux galeries Layetanas, il se rend à Paris en 1950, grâce à une bourse de l'Institut français. En 1953, il expose en solo à la galerie new-yorkaise de Martha Jackson. Dès lors, ses expositions, tant collectives qu'individuelles, sont organisées dans le monde entier, dans des galeries et des musées prestigieux tels que le Guggenheim de New York ou le Musée d'art moderne de Paris. Depuis les années 70, des anthologies lui sont consacrées à Tokyo, New York, Rome, Amsterdam, Madrid, Venise, Milan, Vienne et Bruxelles. Autodidacte, Tàpies a créé son propre style au sein de l'art d'avant-garde du XXe siècle, alliant tradition et innovation dans un style abstrait mais plein de symbolisme, accordant une grande importance au substrat matériel de l'œuvre. Il convient de mentionner le sens spirituel marqué que l'artiste donne à son œuvre, où le support matériel transcende son état pour signifier une analyse profonde de la condition humaine. L'œuvre de Tàpies a été très appréciée au niveau international et a été exposée dans les musées les plus prestigieux du monde. Tout au long de sa carrière, il a reçu de nombreux prix et distinctions, dont le Praemium Imperiale du Japon, le Prix national de la culture, le Grand Prix de peinture en France, la Wolf Foundation of the Arts (1981), la Médaille d'or de la Generalitat de Catalunya (1983), le Prix du Prince des Asturies pour les arts (1990), la Médaille Picasso de l'Unesco (1993) et le Prix Velázquez pour les arts plastiques (2003). Antoni Tàpies est représenté dans les plus grands musées du monde, comme la fondation qui porte son nom à Barcelone, le Reina Sofía à Madrid, le Guggenheim à Berlin, Bilbao et New York, le Fukoka Art Museum au Japon, le MoMA à New York et la Tate Gallery à Londres.

Estim. 600 - 700 EUR

Lot 75 - ANTONI TÀPIES PUIG (Barcelone, 1923 - 2012). "Als Mestres de Catanlunya". Lithographie. Exemplar P.A. Signé et justifié au crayon. Dimensions : 100 x 70 cm. Cette œuvre fait partie de l'album "Als mestres de Catalunya", composé de huit lithographies et d'une sérigraphie, dont celle de la couverture, publié par Sala Gaspar à Barcelone et imprimé par Damià Caus (Barcelone, lithographies) et Alexandre Tornabell (Gérone, sérigraphies). Cofondateur de "Dau al Set" en 1948, Tàpies commence à exposer dans les Salones de Octubre à Barcelone, ainsi que dans le Salón de los Once qui se tient à Madrid en 1949. Après sa première exposition personnelle aux galeries Layetanas, il se rend à Paris en 1950, grâce à une bourse de l'Institut français. En 1953, il expose en solo à la galerie new-yorkaise de Martha Jackson. Dès lors, ses expositions, tant collectives qu'individuelles, sont organisées dans le monde entier, dans des galeries et des musées prestigieux tels que le Guggenheim de New York ou le Musée d'art moderne de Paris. Depuis les années 70, des anthologies lui sont consacrées à Tokyo, New York, Rome, Amsterdam, Madrid, Venise, Milan, Vienne et Bruxelles. Autodidacte, Tàpies a créé son propre style au sein de l'art d'avant-garde du XXe siècle, alliant tradition et innovation dans un style abstrait mais plein de symbolisme, accordant une grande importance au substrat matériel de l'œuvre. Il convient de mentionner le sens spirituel marqué que l'artiste donne à son œuvre, où le support matériel transcende son état pour signifier une analyse profonde de la condition humaine. L'œuvre de Tàpies a été très appréciée au niveau international et a été exposée dans les musées les plus prestigieux du monde. Tout au long de sa carrière, il a reçu de nombreux prix et distinctions, dont le Praemium Imperiale du Japon, le Prix national de la culture, le Grand Prix de peinture en France, la Wolf Foundation of the Arts (1981), la Médaille d'or de la Generalitat de Catalunya (1983), le Prix du Prince des Asturies pour les arts (1990), la Médaille Picasso de l'Unesco (1993) et le Prix Velázquez pour les arts plastiques (2003). Antoni Tàpies est représenté dans les plus grands musées du monde, comme la fondation qui porte son nom à Barcelone, le Reina Sofía à Madrid, le Guggenheim à Berlin, Bilbao et New York, le Fukoka Art Museum au Japon, le MoMA à New York et la Tate Gallery à Londres.

Estim. 600 - 700 EUR

Lot 76 - ANTONI TÁPIES PUIG (Barcelone, 1923 - 2012). "Als Mestres de Catalunya", 1973. Lithographie sur papier. Exemplaire P.A. Publié par Sala Gaspar. Signé et justifié au crayon. Dimensions : 78 x 60 cm. Cofondateur de "Dau al Set" en 1948, Tàpies commence à exposer dans les Salones de Octubre à Barcelone, ainsi que dans le Salón de los Once à Madrid en 1949. Après sa première exposition personnelle aux galeries Layetanas, il se rend à Paris en 1950, grâce à une bourse de l'Institut français. En 1953, il expose en solo à la galerie new-yorkaise de Martha Jackson. Dès lors, ses expositions, tant collectives qu'individuelles, sont organisées dans le monde entier, dans des galeries et des musées prestigieux tels que le Guggenheim de New York ou le Musée d'art moderne de Paris. Depuis les années 70, des anthologies lui sont consacrées à Tokyo, New York, Rome, Amsterdam, Madrid, Venise, Milan, Vienne et Bruxelles. Autodidacte, Tàpies a créé son propre style au sein de l'art d'avant-garde du XXe siècle, alliant tradition et innovation dans un style abstrait mais plein de symbolisme, accordant une grande importance au substrat matériel de l'œuvre. Il convient de mentionner le sens spirituel marqué que l'artiste donne à son œuvre, où le support matériel transcende son état pour signifier une analyse profonde de la condition humaine. L'œuvre de Tàpies a été très appréciée au niveau international et a été exposée dans les musées les plus prestigieux du monde. Tout au long de sa carrière, il a reçu de nombreux prix et distinctions, dont le Praemium Imperiale du Japon, le Prix national de la culture, le Grand Prix de peinture en France, la Wolf Foundation of the Arts (1981), la Médaille d'or de la Generalitat de Catalunya (1983), le Prix du Prince des Asturies pour les arts (1990), la Médaille Picasso de l'Unesco (1993) et le Prix Velázquez pour les arts plastiques (2003). Antoni Tàpies est représenté dans les plus grands musées du monde, comme la fondation qui porte son nom à Barcelone, le Reina Sofía à Madrid, le Guggenheim à Berlin, Bilbao et New York, le Fukoka Art Museum au Japon, le MoMA à New York et la Tate Gallery à Londres.

Estim. 600 - 700 EUR

Lot 77 - ANTONI TÀPIES PUIG (Barcelone, 1923 - 2012). "Als Mestres de Catanlunya". Lithographie, copie P.A. Signée et justifiée au crayon. Dimensions : 100 x 69 cm. Cette œuvre fait partie de l'album "Als mestres de Catalunya", composé de huit lithographies et d'une sérigraphie, dont celle de la couverture, édité par Sala Gaspar à Barcelone et imprimé par Damià Caus (Barcelone, lithographies) et Alexandre Tornabell (Gérone, sérigraphies). Cofondateur de "Dau al Set" en 1948, Tàpies commence à exposer dans les Salones de Octubre à Barcelone, ainsi que dans le Salón de los Once qui se tient à Madrid en 1949. Après sa première exposition personnelle aux galeries Layetanas, il se rend à Paris en 1950, grâce à une bourse de l'Institut français. En 1953, il expose en solo à la galerie new-yorkaise de Martha Jackson. Dès lors, ses expositions, tant collectives qu'individuelles, sont organisées dans le monde entier, dans des galeries et des musées prestigieux tels que le Guggenheim de New York ou le Musée d'art moderne de Paris. Depuis les années 70, des anthologies lui sont consacrées à Tokyo, New York, Rome, Amsterdam, Madrid, Venise, Milan, Vienne et Bruxelles. Autodidacte, Tàpies a créé son propre style au sein de l'art d'avant-garde du XXe siècle, alliant tradition et innovation dans un style abstrait mais plein de symbolisme, accordant une grande importance au substrat matériel de l'œuvre. Il convient de mentionner le sens spirituel marqué que l'artiste donne à son œuvre, où le support matériel transcende son état pour signifier une analyse profonde de la condition humaine. L'œuvre de Tàpies a été très appréciée au niveau international et a été exposée dans les musées les plus prestigieux du monde. Tout au long de sa carrière, il a reçu de nombreux prix et distinctions, dont le Praemium Imperiale du Japon, le Prix national de la culture, le Grand Prix de peinture en France, la Wolf Foundation of the Arts (1981), la Médaille d'or de la Generalitat de Catalunya (1983), le Prix du Prince des Asturies pour les arts (1990), la Médaille Picasso de l'Unesco (1993) et le Prix Velázquez pour les arts plastiques (2003). Antoni Tàpies est représenté dans les plus grands musées du monde, comme la fondation qui porte son nom à Barcelone, le Reina Sofía à Madrid, le Guggenheim à Berlin, Bilbao et New York, le Fukoka Art Museum au Japon, le MoMA à New York et la Tate Gallery à Londres.

Estim. 600 - 700 EUR

Lot 78 - ANTONI TÀPIES PUIG (Barcelone, 1923 - 2012). "Als mestres de Catalunya", 1974. Lithographie Éditeur Sala Gaspar, imprimeur Damià Caus, Barcelone. Signée et dédicacée à la main. Œuvre publiée dans "Tàpies. Œuvre graphique. 1973 - 1978", par Mariuccia Galfetti, nº 488 (Barcelone ; Gustavo Gili, 1990). Dimensions : 100 x 69 cm. Elle fait partie de l'album "Als mestres de Catalunya", composé de huit lithographies et d'une sérigraphie, dont celle de la couverture, édité par Sala Gaspar à Barcelone et imprimé par Damià Caus (Barcelone, lithographies) et Alexandre Tornabell (Gérone, sérigraphie). Sur papier Guarro avec le filigrane de l'éditeur, et sur papier Kraft pour la sérigraphie de la couverture extérieure de l'album. L'album contient également deux poèmes de Joan Brossa, imprimés séparément. Tàpies s'est initié à l'art pendant sa longue convalescence à la suite d'une maladie pulmonaire. Il s'est progressivement consacré de manière plus intense au dessin et à la peinture, et a finalement abandonné ses études de droit pour se consacrer entièrement à l'art. Cofondateur de "Dau al Set" en 1948, il commence à exposer aux Salones de Octubre à Barcelone, ainsi qu'au Salón de los Once à Madrid en 1949. Après sa première exposition individuelle dans les galeries Layetanas, il se rend à Paris en 1950, avec une bourse de l'Institut français. Son exposition individuelle à la galerie new-yorkaise de Martha Jackson en 1953 renforce sa projection internationale. Il reçoit des prix tels que le Prince des Asturies, le Praemium Imperiale de la Japan Art Association, le Prix National de la Culture, le Grand Prix de Peinture de France, etc., et des anthologies lui sont consacrées à Tokyo, New York, Rome, Amsterdam, Madrid, Venise, Milan, Vienne et Bruxelles. Il est représenté dans les plus grands musées du monde, comme la fondation qui porte son nom à Barcelone, le Reina Sofia à Madrid, le Guggenheim à Berlin, Bilbao et New York, le Fukoka Art Museum au Japon, le MoMA à New York et la Tate Gallery à Londres.

Estim. 1 200 - 1 400 EUR

Lot 79 - ANTONI TÀPIES PUIG (Barcelone, 1923 - 2012). "Als mestres de Catalunya", 1974. Lithographie, copie P.A. Signée et justifiée au crayon. Dimensions : 100 x 70 cm. Fait partie de l'album "Als mestres de Catalunya", composé de huit lithographies et d'une sérigraphie, dont celle de la couverture, édité par Sala Gaspar à Barcelone et imprimé par Damià Caus (Barcelone, lithographies) et Alexandre Tornabell (Gérone, sérigraphie). Sur papier Guarro avec le filigrane de l'éditeur, et sur papier Kraft pour la sérigraphie de la couverture extérieure de l'album. L'album contient également deux poèmes de Joan Brossa, imprimés séparément.

Estim. 600 - 700 EUR

25 juin - Collection privée ; La route de la modernité

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