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277 résultats

mar. 18 juin

Montre ROLEX Oyster Perpetual Datejust Lady. Année 1994 - 1995. Modèle 69178 Numéro de série W2655XX. En or jaune 18 carats. Cadran de couleur champagne avec chiffres appliqués et aiguilles bâton luminescentes. Trotteuse centrale. Quantième auxiliaire à guichet avec lentille cyclope à 3 heures. Lunette cannelée et couronne cannelée à 3 heures. Bracelet président avec boucle déployante cachée en or 18 carats. Mouvement automatique. Il fonctionne. La documentation est jointe. Dimensions : 26 mm (diamètre du boîtier) ; 33 x 28 mm (boîtier total avec couronne) ; 14,5 cm (diamètre du poignet). La montre Datejust symbolise la définition Rolex de l'élégance classique. Lancée en 1945, elle a été la première montre-bracelet chronomètre, à remontage automatique et étanche à introduire la date dans un guichet situé à 3 heures. L'effet de loupe de cette lentille cyclope rappelle que "24 heures ne constituent pas seulement un jour, mais marquent aussi une date à retenir", déclare Rolex. Hans Wilsdorf, le fondateur de Rolex, l'a décrite comme une prouesse technique, allant jusqu'à déclarer en 1945 que la Datejust était "l'apogée de l'horlogerie". Elle synthétise toutes les découvertes faites à ce jour". Une version féminine, l'Oyster Perpetual Lady Datejust, a été lancée en 1957. "Aussi fiable que la Datejust, elle concentre tous les attributs du modèle original", explique la marque. Dans la description des montres, la mention "en état de marche" signifie que la montre est en état de fonctionnement. Les montres de collection ayant souvent des mécanismes délicats et complexes, l'acheteur est responsable de tout entretien général, révision, changement de pile, réglage ou réparation qui pourrait s'avérer nécessaire. Nous ne garantissons pas le fonctionnement parfait d'une montre. Toutes les photographies de nos montres sont originales et ont été prises par nos photographes, c'est-à-dire que nous ne travaillons pas avec des photos de stock et c'est pourquoi les photographies sont considérées comme faisant partie du catalogue.

Estim. 7 500 - 8 000 EUR

ven. 14 juin

ROLEX - ROLEX Oyster Perpetual, Cosmograph Daytona, cadran "Patrizzi", Réf. 16520, mouvement no. 75852, boîtier no. S455335, circa 1993 Une très belle et très attrayante montre-bracelet étanche, de forme tonneau, automatique, en acier inoxydable, certifiée chronomètre et chronographe, avec cadran noir brillant, registres "tropical" de 12 heures et 30 minutes et seconde constante, lunette inclinée en acier avec échelle tachymétrique, poussoirs et couronne vissés, bracelet Oyster en acier inoxydable, Réf. 78390, avec fermoir déployant sécurisé. Équipée d'un calibre 4030, base Zenith, rhodié, certifié chronomètre, 31 rubis, amortisseurs, balancier monométallique avec vis de chronométrage Microstella, spiral Breguet auto-compensateur, vis en acier bleui, mécanisme de chronographe à roue à colonnes, à remontage automatique. Cadran, boîtier et mouvement signés. Diamètre 40 mm. Epaisseur 12,40 mm. Longueur totale du bracelet 200 mm environ. Accompagnée d'un coffret de présentation ajusté avec boîte extérieure, carte de garantie du service après-vente Rolex datée de 2012. La présente montre appartient aux lots dits " cadran Patrizzi ", lorsque les anneaux des sous-cadrans ont pris une couleur brun-beige en raison de l'oxydation naturelle. Passant de leur couleur argentée d'origine à une couleur brune, ce changement n'est observé que sur les Réf. 16520 entre les séries S et les premières séries T (1993-1996). Cet exemple se situe parfaitement dans cette fourchette avec son numéro de série S (1993). L'exposition à la lumière UV provoque cet effet qui est très recherché par les collectionneurs, probablement en raison de l'utilisation d'une couche de laque protectrice plus fine sur le cadran. La série S actuelle présente également un cadran tritium patiné naturellement et un registre de 12 heures avec le fameux "6 inversé", ainsi que le logo Daytona rouge. Un chronographe de collection, assurément.

Estim. 20 000 - 30 000 CHF

mer. 12 juin

George Reeves Signed Photograph as Superman to his "Bottle Buddy" - Superbe photo 7 x 9 vintage sur papier glacé de George Reeves debout, les bras en l'air dans le rôle de Superman, signée et portant l'inscription au stylo plume en espagnol, "A me querido amigo Roberto-siempre sus compache de la botella, Jorge Reeves [A mon cher ami Roberto-toujours ton compagnon de bouteille, George Reeves]". Magnifiquement recouvert d'un passe-partout en tissu (légèrement décentré pour montrer l'intégralité de l'inscription) et encadré d'une plaque biographique et d'un emblème de "Superman" encastré, pour un format total de 37 x 24. L'œuvre est en très bon état. L'inscription de Reeves est particulièrement intéressante, compte tenu des circonstances de sa mort - notoirement gros buveur, son taux d'alcoolémie était de 0,27 la nuit de sa mort tragique et mystérieuse. Accompagné d'une lettre d'authenticité complète de PSA/DNA. Plus connu pour avoir incarné "l'homme d'acier" au cinéma et à la télévision, George Reeves (1914-1959), né George Keefer Brewer, a fait ses débuts au cinéma en 1939. Il joue le rôle de Stuart Tarleton, l'un des prétendants de Scarlett O'Hara, dans Autant en emporte le vent, l'épopée de la guerre de Sécession de David O. Selznick. Après avoir fait une excellente impression dans ce rôle, Reeves a joué dans 17 films en 1940, dont Knute Rockne, All American, Virginia City, The Fighting 69th, 'Til We Meet Again, Pony Express Days et Meet the Fleet. La carrière de Reeves a pris un tournant décisif lorsqu'il a été choisi pour incarner Superman/Clark Kent dans Superman and the Mole Men (1951), un rôle qu'il a repris dans la série télévisée de 1953 à 1957. La mort de Reeves par balle le 16 juin 1959 a été officiellement considérée comme un suicide, mais des soupçons de meurtre ont persisté.

Estim. 3 000 - 5 000 USD

ven. 14 juin

ROLEX - ROLEX "Light Cappuccino", Oyster Perpetual, Cosmograph Daytona, Réf. 16523, mouvement no. 97139, boîtier no. W458877, circa 1995 Une très belle et attrayante montre-bracelet, probablement unique, étanche, de forme tonneau, automatique, en acier inoxydable et en or jaune 18 carats, certifiée chronomètre et chronographe, avec un cadran bicolore très inhabituel, brun clair et registres argentés, chiffres arabes appliqués en or, aiguilles lumineuses, registres 12 heures et 30 minutes, seconde constante, lunette inclinée en or avec échelle tachymétrique, poussoirs et couronne en or vissés, bracelet Oyster en or jaune 18 carats et en acier inoxydable, Réf. 78393, avec boucle déployante. Équipée d'un calibre 4030, base Zenith, rhodié, certifié chronomètre, 31 rubis, amortisseurs, balancier monométallique avec vis de chronométrage Microstella, spiral Breguet auto-compensateur, vis en acier bleui, mécanisme de chronographe à roue à colonnes, à remontage automatique. Cadran, boîtier et mouvement signés. Diamètre 40 mm. Epaisseur 12,40 mm. Longueur totale approx. du bracelet 180 mm. Accompagnée d'un coffret de présentation. A notre connaissance, la présente Daytona en acier et or présente une configuration de cadran inédite, un cadran de couleur cappuccino brun clair avec des anneaux de registre argentés et des chiffres arabes dorés appliqués. Au moment de l'établissement du catalogue, nous n'avons pas été en mesure de trouver sur le marché un autre exemplaire présentant la même configuration.

Estim. 15 000 - 25 000 CHF

mar. 18 juin

Montre ROLEX Lady Oyster Perpetual, année 1973 - 1974. Numéro de série 39758XX En acier et or jaune 18 carats. Cadran circulaire blanc avec chiffres romains appliqués. Aiguilles de type bâton avec lumeix et trotteuse centrale. Guichet auxiliaire avec lentille cyclope à 3 heures pour le calendrier de la date. Verre en plexiglas. Lunette cannelée en or. Couronne avec le logo de la marque à 3 heures. Bracelet Rolex Jubilee en acier et or avec boucle déployante. Mouvement automatique. Dimensions : 24 mm (diamètre du boîtier) ; 30 x 26 mm (total du boîtier). **Dans la description des montres, la mention "en état de marche" signifie que la montre est en état de marche. Les montres de collection ayant souvent des mécanismes délicats et complexes, l'acheteur est responsable de tout entretien général, révision, changement de pile, réglage ou réparation qui pourrait s'avérer nécessaire. Nous ne garantissons pas le fonctionnement parfait d'une montre. Toutes les photographies de nos montres sont originales et ont été prises par nos photographes, c'est-à-dire que nous ne travaillons pas avec des photos de stock et c'est pourquoi les photographies sont considérées comme faisant partie du catalogue. **Dans la description des montres, lorsqu'il est indiqué "en état de marche", cela signifie que la montre est en état de fonctionnement. Les montres de collection ayant souvent des mécanismes délicats et complexes, l'acheteur est responsable de tout entretien général, révision, changement de pile, réglage ou réparation qui pourrait s'avérer nécessaire. Nous ne garantissons pas le fonctionnement parfait d'une montre. Toutes les photographies de nos montres sont originales et ont été prises par nos photographes, c'est-à-dire que nous ne travaillons pas avec des photos de stock et c'est pourquoi les photographies sont considérées comme faisant partie du catalogue.

Estim. 2 200 - 2 400 EUR

mar. 18 juin

Montre ROLEX Oyster Perpetual Date. Homme/Unisexe. En acier. Cadran argenté avec chiffres point appliqués, aiguilles bâton traitées au luminophore et seconde au centre. Guichet date à 3 heures. Verre en plexiglas avec lentille cyclope. Bracelet Oyster avec boucle déployante. Automatique. Fonctionne. Dimensions : 35 mm (diamètre du boîtier) ; 42 x 38 mm (boîtier total avec couronne). Dans la description des montres, lorsqu'il est indiqué "en état de marche", cela signifie que la montre fonctionne. Les montres de collection ayant souvent des mécanismes délicats et complexes, l'acheteur est responsable de tout entretien général, révision, changement de pile, réglage ou réparation qui pourrait s'avérer nécessaire. Nous ne garantissons pas le fonctionnement parfait d'une montre. Toutes les photographies de nos montres sont originales et ont été prises par nos photographes, c'est-à-dire que nous ne travaillons pas avec des photographies de stock et c'est pourquoi les photographies sont considérées comme faisant partie du catalogue. Dans la description des montres, lorsqu'il est indiqué "en état de marche", cela signifie que la montre est en état de marche. Les montres de collection ayant souvent des mécanismes délicats et complexes, l'acheteur est responsable de tout entretien général, révision, changement de pile, réglage ou réparation qui pourrait s'avérer nécessaire. Nous ne garantissons pas le fonctionnement parfait d'une montre. Toutes les photographies de nos montres sont originales et ont été prises par nos photographes, c'est-à-dire que nous ne travaillons pas avec des photos de stock et c'est pourquoi les photographies sont considérées comme faisant partie du catalogue.

Estim. 3 200 - 3 400 EUR

ven. 14 juin

HEUER - HEUER Autavia GMT, Réf. 2446-C, Seconde exécution Mark 2, boîtier no. 129980, circa 1969 Une très belle et très séduisante montre-bracelet, précoce, étanche, de forme tonneau, en acier inoxydable, à remontage manuel, chronographe à double temps, avec cadran bicolore, noir mat avec registres argentés, aiguilles lumineuses, registres 12 heures et 30 minutes, lunette bidirectionnelle 24 heures en acier bleu et rouge, bracelet Gay Frères en acier inoxydable avec fermoir déployant gravé 4,67. Équipée d'un calibre Valjoux 724, remontage manuel, mécanisme de chronographe à roue à colonnes, 17 rubis, amortisseurs. Construction de type compresseur avec fond de boîte encliquetable, poussoirs de chronographe ronds, glace en hésalite. Cadran, boîtier et mouvement signés. Diamètre 40,50 mm. Epaisseur 14,10 mm. Longueur totale approx. du bracelet 190 mm. La présente montre est un très bel exemple de l'Autavia GMT dotée d'un mouvement Valjoux 72 modifié ainsi que de la charismatique lunette rouge et bleue "Pepsi", que l'on retrouve également sur la Rolex GMT-Master ¬(voir lot 58). La présente montre est une Mark 2, deuxième exécution, référence 2446 C GMT, avec une aiguille de chronographe blanche, des poussoirs ronds et lisses, des registres étagés et plus grands. Les premiers modèles étaient dotés de boîtiers à fond vissé, puis, peu après, en 1969, de boîtiers à compresseur à fond cassant fabriqués par E. Piquerez SA (EPSA), comme la présente montre. Avec son deuxième fuseau horaire, cette Autavia GMT est une superbe montre-outil aux proportions et à l'esthétique remarquables. Avec le numéro de boîtier 129.980, la présente montre appartient parfaitement à la deuxième exécution du modèle, allant de 129.XXX à 131.XXX. Elle comprend également le rare bracelet Gay Frères d'origine qui rehausse l'attrait esthétique et l'élégance de la montre.

Estim. 5 000 - 10 000 CHF

mar. 18 juin

Montre ROLEX Oysterdate Precision pour hommes/Unisexe. En acier. Boîtier circulaire avec cadran couleur perle et indication des heures en applique, avec aiguille centrale des secondes. Guichet auxiliaire pour le calendrier de la date à 3 heures avec lentille cyclope. Lunette lisse. Couronne cannelée à 3 heures. Verre en plexiglas. Mouvement automatique. Révision précise. Dimensions : 35 mm (diamètre du boîtier) ; 42 x 37 mm (total du boîtier). Dans la description des montres, la mention "en état de marche" signifie que la montre est en état de marche. Les montres de collection ayant souvent des mécanismes délicats et complexes, l'acheteur est responsable de tout entretien général, révision, changement de pile, réglage ou réparation qui pourrait s'avérer nécessaire. Nous ne garantissons pas le fonctionnement parfait d'une montre. Toutes les photographies de nos montres sont originales et ont été prises par nos photographes, c'est-à-dire que nous ne travaillons pas avec des photographies de stock et c'est pourquoi les photographies sont considérées comme faisant partie du catalogue. Dans la description des montres, lorsqu'il est indiqué "en état de marche", cela signifie que la montre est en état de marche. Les montres de collection ayant souvent des mécanismes délicats et complexes, l'acheteur est responsable de tout entretien général, révision, changement de pile, réglage ou réparation qui pourrait s'avérer nécessaire. Nous ne garantissons pas le fonctionnement parfait d'une montre. Toutes les photographies de nos montres sont originales et ont été prises par nos photographes, c'est-à-dire que nous ne travaillons pas avec des photos de stock et c'est pourquoi les photographies sont considérées comme faisant partie du catalogue.

Estim. 2 500 - 2 700 EUR

ven. 14 juin

BREITLING - BREITLING Urgence I, Réf. E56121.1, cas no. 50019, vendu en 1997 Une belle et inhabituelle montre-bracelet d'aviateur à quartz en titane, entièrement sertie, étanche, grande et légère, multifonction et chronomètre, avec cadran orange, aiguilles lumineuses, affichage numérique pour le chronographe, calendrier perpétuel avec date, jour, mois et année, indication de l'heure universelle, alarme, micro-antenne avec fréquence d'urgence pour l'aviation, intégrée à la corne inférieure, bracelet en cuir et fermoir déployant Breitling en acier. Équipée d'un calibre 988 431/332, quartz, 7 rubis, base Eta 958.332. Module électronique pour l'émetteur. Cadran, boîtier et mouvement signés. Diamètre 42,5 mm. Epaisseur 15,80 mm. Longueur totale approximative pour le bracelet en titane 200 mm. Accompagnée d'un coffret de présentation ajusté, d'un manuel d'utilisation, d'un testeur de fréquence, d'un tournevis, d'un chiffon doux, d'une cassette vidéo VHS d'urgence, d'un livret des distributeurs agréés, d'une carte de garantie de service après-vente datée de mars 2006, d'une garantie internationale datée de février 1997. Breitling a réaffirmé son rôle de pionnier dans le domaine des montres et instruments techniques destinés aux professionnels en créant la toute première montre-bracelet dotée d'un instrument de survie personnel. Les parties "montre" et "émetteur" ont été conçues comme deux éléments distincts, totalement indépendants tant au niveau du fonctionnement que de la source d'énergie, assurant ainsi une sécurité accrue. Le modèle n'est plus en production, remplacé par l'Emergency II en 2013. Sur terre, en mer et dans les airs, l'Emergency est non seulement un instrument de sécurité et de survie, mais aussi un compagnon de luxe high-tech !

Estim. 2 000 - 3 000 CHF

mar. 18 juin

ROLEX Lady Oyster Perpetual Date Superlative Chronometer Officially Certified, pour cadet/unisexe. En acier et or. Cadran circulaire blanc avec chiffres luminescents. Aiguilles de type bâton également luminescentes, avec trotteuse centrale. Guichet auxiliaire à 3 heures avec calendrier de la date. Lentille cyclope pour le calendrier. Boîtier avec lunette cannelée et couronne cannelée à 3 heures décorée du logo de la signature. Bracelet Jubilé avec boucle déployante. Mouvement automatique. Il fonctionne. Présente l'étui et la documentation d'origine. Dimensions : 36 mm (diamètre du boîtier) ; 33 x 28 mm (boîtier total avec couronne). Dans la description des montres, la mention "en état de marche" signifie que la montre est en état de marche. Les montres de collection ayant souvent des mécanismes délicats et complexes, l'acheteur est responsable de tout entretien général, révision, changement de pile, réglage ou réparation qui pourrait s'avérer nécessaire. Nous ne garantissons pas le fonctionnement parfait d'une montre. Toutes les photographies de nos montres sont originales et ont été prises par nos photographes, c'est-à-dire que nous ne travaillons pas avec des photographies de stock et c'est pourquoi les photographies sont considérées comme faisant partie du catalogue. Présente la boîte et la documentation originale. **Dans la description des montres, lorsqu'il est indiqué "en état de marche", cela signifie que la montre est en état de fonctionnement. Les montres de collection ayant souvent des mécanismes délicats et complexes, l'acheteur est responsable de tout entretien général, révision, changement de pile, réglage ou réparation qui pourrait s'avérer nécessaire. Nous ne garantissons pas le fonctionnement parfait d'une montre. Toutes les photographies de nos montres sont originales et ont été prises par nos photographes, c'est-à-dire que nous ne travaillons pas avec des photographies de stock et c'est pourquoi les photographies sont considérées comme faisant partie du catalogue.

Estim. 3 200 - 3 400 EUR

mer. 26 juin

École allemande ; 15e siècle. "Memento Mori". Bois sculpté polychrome. Présente des restaurations. Dimensions : 17 x 36 x 12 cm. Sculpture ronde dans laquelle on peut apprécier la figure d'un petit enfant aux volumes délicats et arrondis, appuyé sur un crâne. L'auteur réussit à créer un grand impact sur le spectateur en combinant la présence d'un enfant avec celle du crâne, qui représente la mort. Il montre ainsi une sculpture dans laquelle se rejoignent le concept de la vie, qui dort paisiblement en s'appuyant sur la mort sans en avoir conscience, et la façon dont le danger guette dès la plus tendre enfance. Cette sculpture s'inscrit dans le genre des vanités, si important pour lui. Le caractère éphémère de la vie est l'un des thèmes qui préoccupent le plus les artistes baroques. Les vanités dénoncent la relativité du savoir et la vanité du genre humain soumis au temps et à la mort. Son titre et sa conception sont liés à un passage de l'Ecclésiaste : "vanitas vanitatum omnia vanitas" ("vanité des vanités, tout est vanité"). Comme dans le reste de l'Europe, la sculpture a joué un rôle important en Allemagne au cours du XVIIe siècle. Elle apparaît dans les espaces publics, dans les palais et les résidences privées, dans les églises et les cathédrales, dans les bâtiments gouvernementaux, etc., et reflète une grande variété de sujets, allant des héros religieux, mythologiques et historiques traditionnels aux personnages célèbres, aux hommes d'État, etc. Sur le plan formel, il s'agit d'œuvres aux compositions très libres, toujours marquées par leur dynamisme et par une tendance marquée à l'instabilité de la représentation, en accord avec le goût pour la ligne courbe si typiquement baroque. C'est pourquoi les figures, comme on le voit ici, se caractérisent par des plis larges, des gestes ou des compositions théâtrales, une rupture de la frontalité compositionnelle, des lignes dynamiques déterminées par l'anatomie et le mouvement, etc.

Estim. 5 000 - 6 000 EUR

jeu. 13 juin

ANTONIO SAURA (Huesca, 1930 - Cuenca, 1998). Appartenant au dossier "Aphorismes", 1972. Sérigraphie, exemplaire 38/45. Signé et justifié à la main. Dimensions : 70 x 50 cm ; 83 x 61,5 cm (cadre). Autodidacte, Antonio Saura commence à peindre et à écrire à Madrid en 1947. Trois ans plus tard, il réalise sa première exposition individuelle à la librairie Libros de Saragosse, où il présente une série d'œuvres expérimentales ("Constelaciones" et "Rayogramas"), créées pendant la longue maladie qui l'a immobilisé à partir de 1943, pendant cinq ans. En 1952, il organise sa première exposition à Madrid, à la librairie Buchholz, où il présente ses œuvres juvéniles, oniriques et surréalistes. La même année, il visite Paris pour la première fois et s'y installe. Là, son travail est influencé par des artistes tels que Miró et Man Ray, et il se consacre à la réalisation de peintures sur toile et sur papier de nature organique, en utilisant diverses techniques. La rupture avec le groupe surréaliste lui permet de s'ouvrir à d'autres modes de création, où il commence à montrer l'évolution de son travail, qui évolue vers une peinture instantanée de traits gestuels et une palette réduite de caractère sélectif, où l'informalisme joue le rôle de trompe-l'œil entre les expressions suggestives de la ligne et de la couleur. Il débute à Paris en 1957, à la galerie Stadler, la même année où il fonde le groupe El Paso. L'année suivante, il participe à la Biennale de Venise en compagnie de Chillida et de Tàpies, et en 1960, il reçoit le prix Guggenheim à New York. En 1963, les premières rétrospectives lui sont consacrées, au Stedelijk Museum d'Eindhoven, au Rotterdamsche Kunstring et dans les musées de Buenos Aires et de Rio de Janeiro (œuvres sur papier). Les expositions rétrospectives de Saura se répètent tout au long de sa carrière, tant en Espagne qu'en Europe et en Amérique. En 1966, il expose à l'Institute of Contemporary Arts de Londres et participe à la Biennale de gravure "Bianco e Nero" de Lugano, où il obtient le Grand Prix. L'année suivante, il s'installe à Paris, bien qu'il travaille et passe tous ses étés à Cuenca, pilier fondamental de sa production depuis ses premières années. En 1968, il abandonne la peinture à l'huile pour se consacrer exclusivement aux œuvres sur papier. En 1979, il reçoit un prix à la première biennale de gravure de Heidelberg, en 1981, il est nommé chevalier de l'ordre des Arts et des Lettres en France et, l'année suivante, il reçoit la médaille d'or des Beaux-Arts. Il a exposé dans le monde entier et est représenté dans les plus importants musées d'art contemporain nationaux et internationaux, notamment la Neue Nationalgalierie de Berlin, le Guggenheim de Bilbao, le Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, l'Albright-Knox Art Gallery de Buffalo, le Guggenheim et le Metropolitan de New York, le Centre Georges Pompidou de Paris et la Tate Gallery de Londres.

Estim. 1 600 - 2 000 EUR

jeu. 13 juin

ANTONIO SAURA (Huesca, 1930 - Cuenca, 1998). "Lady in Technicolor II", 1970. Sérigraphie, exemplaire 172/200. Signé et justifié au crayon. Dimensions : 56 x 76 cm. Autodidacte, Antonio Saura commence à peindre et à écrire à Madrid en 1947. Trois ans plus tard, il réalise sa première exposition individuelle à la librairie Libros de Saragosse, où il présente une série d'œuvres expérimentales ("Constelaciones" et "Rayogramas"), réalisées pendant la longue maladie qui l'a immobilisé à partir de 1943, pendant une période de cinq ans. En 1952, il organise sa première exposition à Madrid, à la librairie Buchholz, où il présente ses œuvres juvéniles, oniriques et surréalistes. La même année, il visite Paris pour la première fois et s'y installe. Là, son travail est influencé par des artistes tels que Miró et Man Ray, et il se consacre à la création de peintures sur toile et sur papier de nature organique, en utilisant diverses techniques. La rupture avec le groupe surréaliste lui permet de s'ouvrir à d'autres modes de création, où il commence à montrer l'évolution de son travail, qui évolue vers une peinture instantanée de traits gestuels et une palette réduite de caractère sélectif, où l'informalisme joue le rôle de trompe-l'œil entre les expressions suggestives de la ligne et de la couleur. Il débute à Paris en 1957, à la galerie Stadler, la même année où il fonde le groupe El Paso. L'année suivante, il participe à la Biennale de Venise en compagnie de Chillida et de Tàpies, et en 1960, il reçoit le prix Guggenheim à New York. En 1963, les premières rétrospectives lui sont consacrées, au Stedelijk Museum d'Eindhoven, au Rotterdamsche Kunstring et dans les musées de Buenos Aires et de Rio de Janeiro (œuvres sur papier). Les expositions rétrospectives de Saura se répètent tout au long de sa carrière, tant en Espagne qu'en Europe et en Amérique. En 1966, il expose à l'Institute of Contemporary Arts de Londres et participe à la Biennale de gravure "Bianco e Nero" de Lugano, où il obtient le Grand Prix. L'année suivante, il s'installe à Paris, bien qu'il travaille et passe tous ses étés à Cuenca, pilier fondamental de sa production depuis ses premières années. En 1968, il abandonne la peinture à l'huile pour se consacrer exclusivement aux œuvres sur papier. En 1979, il reçoit un prix à la première biennale de gravure de Heidelberg, en 1981, il est nommé chevalier de l'ordre des Arts et des Lettres en France et, l'année suivante, il reçoit la médaille d'or des Beaux-Arts. Il a exposé dans le monde entier et est représenté dans les plus importants musées d'art contemporain nationaux et internationaux, notamment la Neue Nationalgalierie de Berlin, le Guggenheim de Bilbao, le Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, l'Albright-Knox Art Gallery de Buffalo, le Guggenheim et le Metropolitan de New York, le Centre Georges Pompidou de Paris et la Tate Gallery de Londres.

Estim. 900 - 1 200 EUR

mer. 26 juin

École italienne ; fin du XVIIe siècle. "Vierge à l'enfant". Huile sur toile. Dimensions : 27 x 23 cm. Dans cette toile, l'auteur représente une scène très répétée dans l'histoire de l'art, surtout depuis la Renaissance : la Vierge avec l'Enfant Jésus dans les bras. Il s'agit d'un thème largement traité pendant la Renaissance et le Baroque, car il met en valeur l'aspect humain du Christ, dans l'innocence et le bonheur de son enfance, en contraste dramatique avec son destin de sacrifice. Ainsi, le Sauveur apparaît représenté comme un enfant à la beauté délicate et à l'anatomie douce, protégé par la figure maternelle de Marie, dont le visage montre, dans sa gravité, la connaissance du destin amer de son fils. Depuis la fin du Moyen-Âge, les artistes ont tenu à représenter, de manière de plus en plus intense, le lien d'affection qui unissait le Christ à sa Mère et la relation étroite entre les deux, ce qui a été encouragé à la Renaissance et, naturellement, à l'époque baroque, où l'exacerbation des émotions caractérise une grande partie de la production artistique. Le thème de la Vierge représentée avec l'Enfant Jésus, et plus précisément avec lui sur ses genoux, assise ou debout, trouve son origine dans les religions orientales de l'Antiquité, dans des images telles que celle d'Isis avec son fils Horus, mais la référence la plus directe est celle de la Vierge en tant que "Sedes Sapientiae", ou trône de Dieu, dans l'art chrétien médiéval. Progressivement, avec l'avancée du naturalisme, la Vierge passera du simple "trône" de l'Enfant à la révélation d'une relation d'affection, à partir de l'époque gothique. Dès lors, les personnages acquièrent du mouvement, se rapprochent l'un de l'autre, et finalement le concept de trône disparaît et avec lui le rôle secondaire de la Vierge. Ainsi, l'image deviendra un exemple de l'amour entre Marie et son Fils, une image de tendresse, proche, destinée à émouvoir l'esprit des fidèles.

Estim. 2 000 - 2 500 EUR

mer. 12 juin

Richard Nixon Typed Letter Signed as President - TLS en tant que président signé "RN", une page, 7 x 10,5, papier à en-tête de la Maison Blanche, 11 novembre 1971. Lettre à l'éditeur milliardaire Richard Mellon Scaife, en entier : Le succès retentissant du "Salute to the President Dinner" à Pittsburgh et d'autres événements similaires dans vingt villes du pays démontre clairement la vitalité et l'unité du Parti républicain. Il établit non seulement une base financière solide pour notre Comité national, mais sert également d'inspiration aux républicains du monde entier. Rien n'est plus important, à l'approche des élections de 1972, que de faire comprendre à tous les Américains la force de nos convictions républicaines et l'ampleur de nos réalisations au sein de cette administration. Le rôle que vous jouez dans le dîner du 9 novembre est un pas important vers la réalisation de cet objectif et m'a valu ma profonde admiration et ma gratitude. Grâce à vos efforts, nous serons en mesure d'organiser une campagne efficace qui aura certainement un impact énorme sur l'avenir du Parti républicain et de la nation que nous servons. La carte est collée sur un support cartonné légèrement plus grand et est en très bon état, avec des bords ternis par l'exposition antérieure. Accompagné de sept photos originales de Scaife et d'autres personnes lors d'événements liés à la campagne de Nixon, dont l'une montre Nixon tenant la main d'un groupe de personnes, et d'un programme original pour "The Illinois Dinner of the Salute to the President", présenté par le United Republican Fund of Illinois et le Republican National Finance Committee, qui s'est tenu à l'hôtel Conrad Hilton de Chicago le 9 novembre 1971 ; Scaife est mentionné dans le programme en tant que représentant de Pittsburgh. Richard Mellon Scaife (1932-2014) était un milliardaire américain, l'un des principaux héritiers de la fortune Mellon dans les domaines de la banque, du pétrole et de l'aluminium, et le propriétaire et éditeur du Pittsburgh Tribune-Review. Au cours de sa vie, M. Scaife s'est fait connaître pour le soutien financier qu'il a apporté à des organisations conservatrices de politique publique au cours des quatre dernières décennies. Dès 1968, Scaife a participé activement aux plus hauts niveaux de la campagne de Nixon, et il a été nommé à la tête de l'United Citizens for Nixon-Agnew au cours de l'automne 1968. Scaife s'est fait connaître pour avoir contourné les lois peu contraignantes sur le financement des campagnes électorales en faisant don de 990 000 dollars à la campagne de réélection du président Nixon en 1972. Scaife n'a pas été inculpé, mais environ 45 000 dollars ont été versés à un fonds lié au scandale du Watergate. Scaife a déclaré plus tard que le scandale l'avait répugné et qu'il avait refusé de parler à Nixon après 1973.

Estim. 200 - 400 USD

jeu. 13 juin

EDGAR PLANS (Madrid, 1977). "Human Domator", 2007. Technique mixte sur toile et bois. Signée dans le coin inférieur droit. Titrée dans la partie centrale. Dimensions : 114 x 100 cm. La palette d'Edgar Plans, ainsi que son trait brisé et impétueux, débordent de fraîcheur naïve et de l'empreinte des graffitis new-yorkais. Ses peintures sont spontanées et colorées, simples dans leur trait mais profondes dans l'empreinte qu'elles laissent dans notre mémoire, sauvant de nos souvenirs des scènes partagées de notre enfance. Dans cette œuvre, l'auteur nous montre un protagoniste schématique sur "un cheval bleu", peut-être en allusion au groupe expressionniste mythique du cavalier bleu, fondé par Wassily Kandinsky et Franz Marc. Fait remarquable, Plans esquisse sur le visage du protagoniste un masque qui reproduit le visage d'un équidé, créant ainsi une métaphore visuelle autour du rôle de chacun des personnages du tableau. Il s'agit d'un peintre qui connaît un grand succès dans les manifestations internationales et sur le marché de l'art, étant l'un des jeunes artistes les plus recherchés. Selon les mots de l'artiste lui-même : "Dès mon enfance, j'ai gravé dans ma mémoire le bruit des touches de la machine à écrire de mon père (Juan José Plans, 1943-2014). Dans son atelier, il avait une table basse avec des sièges, quatre, et autour d'elle, pendant qu'il écrivait, je me souviens d'avoir dessiné avec mes frères". Sa formation académique a commencé à l'âge de 15 ans, lorsqu'il a commencé à étudier dans l'atelier de l'artiste José María Ramos. Deux ans plus tard, il ouvre son propre atelier, qui avait été celui de l'artiste Nicanor Piñole. Tout au long de sa carrière, il a participé à de nombreuses expositions individuelles et collectives, dont Art Notes 019, Ainori Gallery, Lisbonne, Wall Art Notes, Miquel Alzueta Gallery, Barcelone, ArtWynwood. Casa Cuadrada Gallery, Art Paris Art Fair. Galerie Miquel Alzueta, Art New York. Galerie Cuadrada, Busan, Corée. Pigment Gallery en collaboration avec Miquel Alzueta Gallery, Kiaf Art Fair. Pigment Gallery en collaboration avec Miquel Alzueta Gallery, Art Taipei, Ting Ting art Space, London Art Fair. Galerie Miquel Alzueta, sélection du magazine Juxtapoz, Galerie Tales of art, Imola, Italie, Kiaf Art Fair. Galerie Pigment en collaboration avec la galerie Miquel Alzueta, Art Miami. Galerie Miquel Alzueta. Actuellement, son œuvre fait partie de nombreuses collections d'une grande importance artistique et d'un caractère particulier, et d'institutions pertinentes telles que le musée d'art contemporain de La Havane, Cuba, le musée des beaux-arts des Asturies, la pinacothèque Eduardo Úrculo, la fondation Illuro, Masters of Contemporary Art, le Laboral, Contemporary Art Center, la fondation La Caixa, la fondation Cristina Peterson, la fondation Masaveu et le conseil du gouvernement de la principauté des Asturies, parmi beaucoup d'autres.

Estim. 24 000 - 28 000 EUR

jeu. 13 juin

ANTONIO SAURA (Huesca, 1930 - Cuenca, 1998). Sans titre, 1992. Technique mixte sur panneau. Signé et daté dans le coin inférieur droit. Dimensions : 68 x 48 cm ; 90 x 76 cm (cadre). Les portraits réalisés par Saura au cours de la décennie des années 90 montrent l'évolution que connaît son œuvre, qui avance vers une peinture instantanée de traits gestuels et de palette réduite de caractère sélectif, où l'informalisme joue à l'étourderie entre les expressions suggestives de la ligne et de la couleur. Ses réflexions plastiques portent toujours sur l'impossibilité de capturer un visage dans ses portraits, et c'est en eux que le vertige de l'identité, l'insaisissabilité de l'expression, la difficile appréhension d'un regard... deviennent une obsession pour un artiste comme Saura. Autodidacte, Antonio Saura commence à peindre et à écrire à Madrid en 1947. Trois ans plus tard, il réalise sa première exposition individuelle à la librairie Libros de Saragosse, où il présente une série d'œuvres expérimentales ("Constelaciones" et "Rayogramas"), créées pendant la longue maladie qui l'a immobilisé pendant cinq ans à partir de 1943. En 1952, il réalise sa première exposition à Madrid, à la librairie Buchholz, où il présente ses œuvres juvéniles, oniriques et surréalistes. La même année, il visite Paris pour la première fois et s'y installe. Là, son travail est influencé par des artistes tels que Miró et Man Ray, et il se consacre à la réalisation de peintures sur toile et sur papier de nature organique, en utilisant diverses techniques. La rupture avec le groupe surréaliste lui permet de s'ouvrir à d'autres modes de création, où il commence à montrer l'évolution de son travail, qui évolue vers une peinture instantanée de traits gestuels et une palette réduite de caractère sélectif, où l'informalisme joue le rôle de trompe-l'œil entre les expressions suggestives de la ligne et de la couleur. Il débute à Paris en 1957, à la galerie Stadler, la même année où il fonde le groupe El Paso. L'année suivante, il participe à la Biennale de Venise en compagnie de Chillida et de Tàpies. En 1960, il reçoit le prix Guggenheim à New York et, en 1963, ses premières rétrospectives ont lieu au Stedelijk Museum d'Eindhoven, au Rotterdamsche Kunstring et dans les musées de Buenos Aires et de Rio de Janeiro (œuvres sur papier). Les expositions rétrospectives de Saura se répètent tout au long de sa carrière, tant en Espagne qu'en Europe et en Amérique. En 1966, il expose à l'Institute of Contemporary Arts de Londres et participe à la Biennale de gravure "Bianco e Nero" de Lugano, où il remporte le Grand Prix. L'année suivante, il s'installe à Paris, tout en travaillant et en passant tous ses étés à Cuenca, pilier fondamental de sa production depuis ses premières années. Il est représenté dans les plus importants musées d'art contemporain nationaux et internationaux, dont la Neue Nationalgalierie de Berlin, le Guggenheim de Bilbao, le Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, l'Albright-Knox Art Gallery de Buffalo, le Guggenheim et le Metropolitan de New York, le Centre Georges Pompidou de Paris et la Tate Gallery de Londres.

Estim. 35 000 - 40 000 EUR

mer. 26 juin

École italienne ; fin du XVIe siècle. "Vierge à l'enfant". Huile sur toile. Relié. Dimensions : 121 x 94 cm ; 123 x 105 cm (cadre). Dans cette toile, l'auteur représente une scène très répétée dans l'histoire de l'art, surtout depuis la Renaissance : la Vierge avec l'Enfant Jésus dans les bras. Il s'agit d'un thème largement traité à la Renaissance et à l'époque baroque, car il met en valeur l'aspect humain du Christ, dans l'innocence et le bonheur de son enfance, en contraste dramatique avec son destin de sacrifice. Ainsi, le Sauveur apparaît représenté comme un enfant à la beauté délicate et à l'anatomie douce, protégé par la figure maternelle de Marie, dont le visage montre, dans sa gravité, la connaissance du destin amer de son fils. Depuis la fin du Moyen-Âge, les artistes ont tenu à représenter, de manière de plus en plus intense, le lien d'affection qui unissait le Christ à sa Mère et la relation étroite entre les deux, ce qui a été encouragé à la Renaissance et, naturellement, à l'époque baroque, où l'exacerbation des émotions caractérise une grande partie de la production artistique. Le thème de la Vierge représentée avec l'Enfant Jésus, et plus précisément avec lui sur ses genoux, assise ou debout, trouve son origine dans les religions orientales de l'Antiquité, dans des images telles que celle d'Isis avec son fils Horus, mais la référence la plus directe est celle de la Vierge en tant que "Sedes Sapientiae", ou trône de Dieu, dans l'art chrétien médiéval. Progressivement, avec l'avancée du naturalisme, la Vierge passera du simple "trône" de l'Enfant à la révélation d'une relation d'affection, à partir de l'époque gothique. Dès lors, les personnages acquièrent du mouvement, se rapprochent l'un de l'autre, et finalement le concept de trône disparaît et avec lui le rôle secondaire de la Vierge. Ainsi, l'image deviendra un exemple de l'amour entre Marie et son Fils, une image de tendresse, proche, destinée à émouvoir l'esprit des fidèles.

Estim. 8 500 - 9 000 EUR

jeu. 06 juin

Greville, Robert Kaye, Scottish Cryptogamic Flora, or Coloured Figures and Descriptions of - Greville, Robert Kaye, Scottish Cryptogamic Flora, or Coloured Figures and Descriptions of Cryptogamic Plants, Greville, Robert Kaye, Scottish Cryptogamic Flora, or Coloured Figures and Descriptions of Cryptogamic Plants belonging mainly to the Order Fungi ; and Intended to Serve as a Continuation of English Botany, Printed for Maclachlan & Stewart, Edinburgh ; and Baldwin, Cradock & Joy, London, 1823, 6Vol. en 3 livres, reliure de la fin du 19e siècle( ?) en demi-veau vert avec lettrage doré au dos, avec 360 planches colorées à la main, Robert Kaye Greville, figure éminente de la botanique du 19e siècle, a laissé une marque indélébile sur le monde scientifique avec ses travaux novateurs sur la flore cryptogamique. Né à Bishop Auckland, dans le comté de Durham, Greville a vécu ses premières années sous l'influence de ses parents, Dorothy et Robert Greville, ce dernier étant recteur de l'église paroissiale d'Edlaston, dans le Derbyshire. La fascination de son enfance pour l'histoire naturelle s'est transformée en un engagement de toute une vie, bien que son chemin l'ait d'abord conduit à l'étude de la médecine. Cependant, réalisant que sa passion pour la botanique l'emportait sur la poursuite d'une carrière médicale, Greville a pris la décision audacieuse d'abandonner quatre années d'études médicales à Londres et à Édimbourg, pour se concentrer sur sa véritable vocation. En 1816, Greville épouse Charlotte Eden, la nièce de William Eden, 1er baron d'Auckland. Le dévouement de Greville à la botanique devient plus évident en 1823, lorsqu'il se lance dans l'ambitieux projet d'illustrer et de publier la "Scottish Cryptogamic Flora" (Flore cryptogamique écossaise). Cet ouvrage monumental a été publié en plusieurs parties mensuelles et visait à compléter le catalogue de la flore figurant dans l'ouvrage de Smith et Sowerby intitulé "English Botany" (Botanique anglaise). Greville a méticuleusement dessiné lui-même chaque spécimen, accompagné d'un texte détaillé, créant ainsi une représentation complète de la flore cryptogamique écossaise au début du 19e siècle. L'année suivante, en 1824, Greville a élargi ses contributions botaniques en publiant "Flora Edinensis", un guide de la flore d'Édimbourg. Son dévouement et ses contributions scientifiques ne sont pas passés inaperçus, comme en témoigne le fait que l'université de Glasgow lui a décerné un doctorat en 1826. L'influence de Greville ne s'est pas limitée aux publications ; il a donné de nombreuses conférences sur les sciences naturelles et a amassé des collections qui ont ensuite été acquises par l'université d'Édimbourg, conservant ses spécimens de plantes et de champignons dans l'herbier du Jardin botanique royal d'Édimbourg. Parmi les aventures de Greville, on peut citer un voyage en bateau vers l'île de May à la fin de 1826 ou au début de 1827, en compagnie des étudiants William Ainsworth et Charles Darwin. Malgré son éminence en tant que cryptogamiste, le rire contagieux de Greville à l'égard des oiseaux de mer l'amène à s'allonger sur la grève, créant ainsi un moment mémorable pour ses compagnons. En 1828, Greville a reçu un honneur important lorsque le mont Greville, dans le Queensland, a été nommé en son honneur par son collègue botaniste Allan Cunningham. Cette montagne, qui fait aujourd'hui partie du parc national de Moogerah Peaks, témoigne de l'impact mondial de Greville sur la botanique. Au-delà de ses activités botaniques, Greville s'est illustré par la diversité de ses centres d'intérêt. En 1835, il publie une musique de piano pour une mélodie sacrée et, en 1839-1840, il est pour la première fois président de la Botanical Society of Edinburgh (Société botanique d'Édimbourg). L'engagement de Greville dans des causes politiques, telles que l'abolitionnisme, la peine capitale, l'observation du dimanche et le mouvement de tempérance, reflète son attachement aux questions sociales. En 1840, Greville joue un rôle clé en tant que l'un des vice-présidents de la Convention mondiale contre l'esclavage à Londres, illustrant son dévouement aux causes humanitaires. Sa participation à diverses sociétés savantes, dont la Biological Society et la Royal Society of Edinburgh, montre qu'il est une figure respectée de la communauté scientifique. L'influence de Greville s'est étendue à l'échelle internationale, puisqu'il était membre honoraire de l'Académie royale irlandaise et de la Société Howard, ainsi que membre correspondant des sociétés d'histoire naturelle de Bruxelles, de Paris, de Leipzig et de Philadelphie. Il a notamment été secrétaire de la Sabbath Alliance et a contribué à la compilation du livre de cantiques de 1838 de l'Église d'Angleterre. Vers la fin de sa vie, Greville est confronté à des difficultés financières, ce qui l'incite à se reconvertir dans l'art professionnel, en créant des peintures de paysages qui sont exposées. Malgré les difficultés financières, il continue à se consacrer à ses travaux botaniques. En 1865-66, Greville est président de la Botanical Society of Edinburgh pour la deuxième et dernière fois. Il continue à s'impliquer activement dans ses recherches jusqu'à sa mort, le 4 juin 1866, dans sa maison de Murrayfield, à Édimbourg. L'héritage de Greville perdure grâce à ses contributions à la botanique, à son dévouement aux causes sociales et à son impact sur la communauté scientifique. Son enterrement au cimetière Dean d'Édimbourg marque la dernière demeure d'un homme dont la passion pour la nature et l'humanité a laissé une empreinte indélébile sur le monde de la science et au-delà.

Estim. 300 - 500 GBP

mer. 12 juin

Albert James Myer’s Colt Model 1849 Pocket Revolver - Chirurgien et général de l'armée américaine (1828-1880) connu comme le père du corps des transmissions de l'armée américaine, comme son premier chef des transmissions juste avant la guerre de Sécession, comme l'inventeur de la signalisation par wig-wag (ou télégraphie aérienne), et comme le père du bureau météorologique américain. Revolver de poche Colt Model 1849 d'Albert James Myer, numéro de série 28353, calibre .31, canon octogonal de 4 pouces avec un bon alésage présentant de légères piqûres dans les rainures. Ce revolver a été fabriqué en 1852 et possède tous les numéros correspondants, y compris le barillet, le levier de chargement, le coin et l'arbre. Le métal conserve 90-92% d'une finition bleue ajoutée ultérieurement sur le barillet et la carcasse, tandis que le canon présente une patine générale brun prune avec une décoloration le long des bords supérieurs et des zones de piqûres d'épingle des deux côtés ; d'autres piqûres sont présentes sur le bord du bouclier de recul du côté gauche, ainsi que quelques zones de décoloration grise sur le barillet. La poignée en noyer est en très bon état, avec quelques marques mineures de manipulation dans l'excellente finition vernie réappliquée. Les poignées conservent environ 60 à 70 % de la finition argentée d'origine, avec une patine jaune-ocre pâle sur le laiton sous-jacent exposé du balancier. Le dos de la crosse est gravé en écriture fluide, "Col. A.J. Myer S.C." (Signal Corps). (Signal Corps). Le revolver est bien serré et le verrouillage est bon, l'action fonctionnant parfaitement. Un petit Colt d'avant-guerre attrayant, qui est lié à l'une des figures les plus importantes de l'histoire de l'US Army Signal Corps, et qui constituerait un ajout splendide à toute collection. Accompagné d'une copie imprimée du dossier du médecin militaire de Myers (1851-1859) provenant des Archives Nationales de Washington, D.C. Myer s'est montré très tôt prometteur en tant que télégraphiste avant de poursuivre ses études au Geneva College et d'obtenir un doctorat en médecine au Buffalo Medical College en 1851. Sa thèse de doctorat, intitulée A New Sign Language for Deaf Mutes (Une nouvelle langue des signes pour les sourds-muets), présente des concepts qu'il utilisera plus tard pour son invention de la télégraphie aérienne. Après s'être installé en Floride, Myer devient chirurgien dans l'armée régulière, où il met au point un système de signalisation codé s'inspirant de son expérience en télégraphie et devient, en 1860, le premier officier des transmissions de l'armée américaine. Pendant la guerre de Sécession, il organise et commande le corps des transmissions et sert d'abord sous les ordres du général Benjamin Butler à Fort Monroe, en Virginie, où il établit un camp d'instruction, puis en tant qu'officier en chef des transmissions pour l'armée du Potomac du général George B. McClellan. Malgré des revers, notamment l'annonce de la révocation de sa nomination en tant que colonel et chef des transmissions, Myer a été réintégré après la guerre avec le grade permanent de colonel et a supervisé des avancées significatives, notamment des brevets pour la "télégraphie aérienne" et un disque de chiffrement. Myer a également joué un rôle crucial dans l'introduction de l'héliographie et la création du Bureau météorologique américain. Il est décédé en 1880, après avoir obtenu le grade de général de brigade.

Estim. 3 000 - 6 000 USD

mer. 26 juin

École novo-hispanique ; XVIIe siècle. "Vierge à l'enfant". Huile sur panneau. Présente un cadre d'époque. Dimensions : 66 x 48 cm ; 83 x 55 cm (cadre). Dans cette toile, l'auteur représente une scène très répétée dans l'histoire de l'art, surtout depuis la Renaissance : la Vierge avec l'Enfant Jésus dans les bras. Il s'agit d'un thème largement traité à la Renaissance et à l'époque baroque, car il met en valeur l'aspect humain du Christ, dans l'innocence et le bonheur de son enfance, en contraste dramatique avec son destin de sacrifice. Ainsi, le Sauveur apparaît représenté comme un enfant à la beauté délicate et à l'anatomie douce, protégé par la figure maternelle de Marie, dont le visage montre, dans sa gravité, la connaissance du destin amer de son fils. Depuis la fin du Moyen-Âge, les artistes ont tenu à représenter, de manière de plus en plus intense, le lien d'affection qui unissait le Christ à sa Mère et la relation étroite qui existait entre eux, ce qui a été encouragé à la Renaissance et, naturellement, à l'époque baroque, où l'exacerbation des émotions caractérise une grande partie de la production artistique. Le thème de la Vierge représentée avec l'Enfant Jésus, et plus précisément avec lui sur ses genoux, assis ou debout, trouve son origine dans les religions orientales de l'Antiquité, dans des images telles que celle d'Isis avec son fils Horus, mais la référence la plus directe est celle de la Vierge en tant que "Sedes Sapientiae", ou trône de Dieu, dans l'art chrétien médiéval. Progressivement, avec l'avancée du naturalisme, la Vierge passera du simple "trône" de l'Enfant à la révélation d'une relation d'affection, à partir de l'époque gothique. Dès lors, les personnages acquièrent du mouvement, se rapprochent l'un de l'autre, et finalement le concept de trône disparaît et avec lui le rôle secondaire de la Vierge. Ainsi, l'image deviendra un exemple de l'amour entre Marie et son Fils, une image de tendresse, proche, destinée à émouvoir l'esprit des fidèles. Il convient de mentionner que, pendant la domination coloniale espagnole, une peinture essentiellement religieuse s'est développée, visant à christianiser les peuples indigènes. Les peintres locaux se sont inspirés des œuvres espagnoles, qu'ils ont suivies à la lettre en termes de types et d'iconographie. Les modèles les plus fréquents étaient les anges arquebusiers et les vierges triangulaires, mais ce n'est que dans les premières années du XIXe siècle, à l'époque de l'indépendance et de l'ouverture politique de certaines colonies, que plusieurs artistes ont commencé à représenter un nouveau modèle de peinture doté d'une identité propre.

Estim. 4 500 - 5 000 EUR

jeu. 13 juin

KEITH HARING (Pennsylvanie, 1958- New York, 1990). "Journée internationale des volontaires", 1988. Lithographie sur papier Arches. Exemplaire 198/1000. Certificat joint, délivré par la Fédération mondiale des Nations unies. Encadré dans un verre de musée. Présente des timbres secs d'Emiliano Sorini Studio de New York et de la Fédération mondiale des Nations unies. Signée et numérotée dans le coin inférieur gauche. Dimensions : 28,5 x 21,7 cm ; 42 x 48,5 cm (cadre). International Volunteer Day 1988 est une lithographie de Keith Haring en édition limitée à 1000 exemplaires. Cette lithographie a été créée pour célébrer l'instauration de la Journée internationale des volontaires, proclamée par les Nations unies pour être célébrée chaque année le 5 décembre. Adoptée par les Nations unies pour célébrer la contribution des volontaires et leur rôle dans la concrétisation de la paix et du développement durable, la philosophie de cette journée correspond tout à fait à l'approche de la vie de Keith Haring. Dès le début de sa carrière, il a été un fervent activiste social, parfaitement conscient des questions politiques qui entourent son travail. L'estampe, publiée à l'origine par la Fédération mondiale des associations pour les Nations unies à New York, montre une image abstraite de deux têtes avec deux grands bras dans une composition symétrique aux couleurs vives, témoignant de l'esprit de collaboration et d'ouverture qui caractérise l'œuvre de Haring. Considéré comme la figure de proue de l'art urbain des années 1980, Haring a connu une carrière professionnelle fulgurante, qui l'a conduit à devenir un collègue de Warhol et une superstar des médias, en commençant par son travail dans le métro de New York. L'énorme popularité de l'œuvre urbaine de Haring auprès de la population new-yorkaise a immédiatement attiré l'attention de l'establishment artistique. Andy Warhol l'adopte dans son cercle et le galeriste Tony Shafrazi, alors débutant, organise pour lui une exposition solo retentissante en 1982, qui sera la rampe de lancement de son succès irrésistible. Il expose bientôt ses œuvres à la galerie de l'influent Leo Castelli et s'impose comme une star de l'art professionnel. Keith Haring est un artiste américain dont le pop art et les graffitis sont nés de la culture de la rue à New York dans les années 1980. L'œuvre de Haring a gagné en popularité grâce à ses dessins spontanés réalisés à la craie dans le métro de New York sur des fonds d'espaces publicitaires en noir et blanc. Par la suite, il a souvent abordé des questions politiques et sociales, en particulier l'homosexualité et le sida, à travers sa propre iconographie. Aujourd'hui, les œuvres de Haring sont réparties entre de grandes collections privées et publiques, notamment le Museum of Modern Art et le Whitney Museum of American Art à New York, le Los Angeles County Museum of Art, l'Art Institute of Chicago, le Bass Museum à Miami, le Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris, le Ludwig Museum à Cologne et le Stedelijk Museum à Amsterdam. Il a également créé une grande variété d'œuvres publiques, notamment l'infirmerie du Children's Village à Dobbs Ferry (New York) et la salle des hommes du deuxième étage du Lesbian, Gay, Bisexual & Transgender Community Center à Manhattan, qui a ensuite été transformée en bureau et est connue sous le nom de Keith Haring Room. En janvier 2019, une exposition intitulée "Keith Haring New York" a été inaugurée à la New York Law School dans le bâtiment principal de son campus de Tribeca. Certificat ci-joint délivré par la Fédération mondiale des Nations unies. Encadré dans un verre de musée.

Estim. 7 000 - 8 000 EUR

mer. 12 juin

SLATER BRADLEY (San Francisco, Californie, 1975). "Empathie parfaite (Alina Melancholina), 2012. Impression en fibre noire et blanche froissée et stylo marqueur argenté. Pièce unique. Certificat joint signé par l'artiste. Dimensions : 200 x 145 x 11 cm. S'inspirant d'expériences intimes, Slater Bradley explore le récit universel de l'amour perdu dans un corpus photographique et vidéo mettant en scène Alina. Dans un brillant jeu de miroirs entre réalité et fiction, Alina est assimilée à des personnages cinématographiques, tels que la femme rêvée dans "La Jetée" de Chris Marker ou le mystérieux protagoniste de "Vertigo" d'Hitchcock. Bradley parvient à l'image de la femme idéalisée et inaccessible qu'ils incarnent en manipulant les arrière-plans avec des techniques minutieuses et en obtenant des qualités intemporelles. Slater Bradley a obtenu son diplôme à l'université de Californie à Los Angeles en 1998. Sa série photographique Don't Let Me Disappear (1997-2003), nommée d'après une phrase de l'Attrape-cœurs de Holden Caulfield, est truffée de références autobiographiques, de symboles personnels et d'influences artistiques et musicales. Dans JFK Jr. (1999), la caméra suit de manière voyeuriste une jeune femme qui attend son tour pour déposer une fleur à la mémoire de John F. Kennedy Jr. et de Carolyn Bessette Kennedy ; la personne en deuil ne remarque le regard du cinéaste que dans l'image finale. Bradley compare son art à la collection de papillons dans la vidéo I Was Rooting For You (Butterfly Catcher at Home) (2000). Dans The Laurel Tree (Beach) (2000), l'actrice Chloë Sevigny récite un passage sur l'art du roman Tonio Krögor de Thomas Mann. Female Gargoyle (2000) présente une femme se tenant de manière précaire près de la corniche d'un bâtiment. La vidéo Theory and Observation (2002) réfléchit à la relation entre la raison et la foi à travers des images d'une chorale chantant dans la cathédrale Notre-Dame et des extraits de l'ouvrage de Stephen Hawking Une brève histoire du temps. Pour "The Doppelganger Trilogy" (2001-04), Bradley a mis en scène des concerts de trois héros déchus de la musique pop - Ian Curtis de Joy Division, Kurt Cobain de Nirvana et Michael Jackson - interprétés par son double dans la vie réelle, Benjamin Brock. Depuis que l'artiste a rencontré Brock dans une boîte de nuit en 1999, il l'a employé à plusieurs reprises sous diverses formes dans ses photographies, ses vidéos et ses dessins, réfléchissant ainsi aux notions complexes d'identités dupliquées et effacées. Dans la vidéo The Year of the Doppelganger (2005), Bradley donne à Brock le rôle d'un musicien de rock maigre qui joue de la batterie si intensément qu'il ne se rend pas compte que son terrain de football est vide et qu'il est usurpé pour l'entraînement de l'équipe. Dans Uncharted Settlements (2005), Bradley, Brock et une pléthore de fans sont méconnaissables sous leurs costumes Star Wars, une situation caractérisée à la fois par l'anonymat et la communauté. Le film My Conclusion/My Necessity (2005-2006) fait le tour du cimetière du Père-Lachaise à Paris et montre une jeune femme en train d'appliquer un baiser au rouge à lèvres sur la pierre tombale d'Oscar Wilde. Brock apparaît dans une combinaison d'astronaute déambulant dans le Musée d'histoire naturelle de New York au son de la "Sonate au clair de lune" de Beethoven dans Dark Night of the Soul (2005-06), qui rappelle 2001 : L'Odyssée de l'espace de Stanley Kubrick. Bradley a participé à des expositions individuelles au P.S.1 Contemporary Art Center de New York (2000), au Solomon R. Guggenheim Museum de New York (2005), au Berkeley Art Museum et à la Pacific Film Archive (2005), ainsi qu'au Contemporary Art Museum de Saint-Louis (2007), entre autres. Son travail a également été inclus dans d'importantes expositions collectives telles que la Biennale du Whitney (2004), vidéo-musique-vidéo au Museo Reina Sofia de Madrid (2005), et Sympathy for the Devil : Art and Rock and Roll since 1967 au Musée d'art contemporain de Chicago (2007). En 2005, il a reçu le prix vidéo de la Fondation Louis Comfort Tiffany. Bradley vit et travaille à New York.

Estim. 45 000 - 50 000 EUR

mer. 12 juin

JAMES ABBOTT MCNEILL WHISTLER (AMERICAN 1834- 1903), NUDE MODEL RECLINING (M.1606) - JAMES ABBOTT MCNEILL WHISTLER (AMERICAIN 1834- 1903) NUDE MODEL RECLINING (M.1606))Craie et pastel sur papier brun Signé avec un monogramme de papillon (en bas au centre)17,5 x 28cm (6¾ x 11 in.) Exécuté en 1900.Provenance:Dans l'atelier de l'artiste à sa mort et légué à sa belle-sœur Miss R. PhilipMiss Rosalind Birnie Philip (1873-1958)P & D Colnaghi & Co Ltd.., Londres, 1943Collection de Sir Bruce S. Ingram (1877 - 1963) O.B.E., M.C., né le 2 juin 1943Collection du professeur Luke Herrmann (1933-2016)Thomas Agnew & Son Ltd, Londres, 1974Provenant d'une collection privéeExposé:Londres, Thomas Agnew & Son Ltd, Liverpool, Walker Art Gallery, Glasgow, Glasgow Art Gallery and Museum, Whistler : L'œuvre graphique : Amsterdam, Liverpool, Londres, Venise, 1976, no. 55New York, M. Knoedler & Co, Inc, Notes, Harmonies and Nocturnes : Small Works by James McNeill Whistler, 29 novembre - 27 décembre 1984, n° 60Londres, Tate Britain, Degas, Lautrec and Britain, 6 octobre 2005 - 15 janvier 2006, exposition itinérante à Washington, The Phillips Collection, 18 février - 14 mai 2006, n° 86.Littérature : M. MacDonald, Whistler : The Graphic Work : Amsterdam, Liverpool, Londres, Venise, Agnew's, Londres, Walker Art Gallery, Liverpool, et Glasgow Art Gallery and Museum, Glasgow, 1976, cat. No. 55M. MacDonald, Notes, Harmonies, and Nocturnes : Small Works by James McNeill Whistler, M. Knoedler and Co, New York, 1984, cat. No. 60, illustréM. MacDonald, Whistler Pastels and Related Works in the Hunterian Art Gallery, Hunterian Art Gallery, University of Glasgow, 1984, p. 30M. MacDonald, James McNeill Whistler, Drawings, Pastels and Watercolours, New Haven, 1995, n° 1606A. Gruetzner Robins et R. Thomson, Degas, Sickert et Toulouse-Lautrec. London and Paris, 1870-1910, Tate Britain, Londres, 2005-2006, n° 86, pp. 159,160, illustréM. MacDonald, G. Petri, James McNeill Whistler : The paintings, a catalogue raisonné, University of Glasgow, 2020, site web à ., no. M.1606.La présente œuvre est l'un des trois pastels représentant Ethel Warwick, tous dessinés le 4 juin 1900 dans l'atelier de l'artiste, 8 Fitzroy Street, selon Birnie Philip. Il n'a pas été possible d'identifier Ethel Warwick, bien qu'elle ait également servi de modèle à Philip Wilson Steer (1860-1942), posant pour ses tableaux Hydrangeas, 1901 (Fitzwilliam Museum, Cambridge) et Portrait of Miss Ethel Warwick, 1902 (South African National Gallery, Cape Town)Cette étude est plus travaillée que les autres études d'Ethel réalisées par Whistler, toutes deux conservées au Hunterian Museum and Art Gallery. Dans l'une d'elles, le modèle semble dormir, un bras replié sous la tête (M.1604). Il semble avoir été exécuté rapidement, principalement en noir, avec quelques rehauts de couleur. Le troisième pastel montre Ethel dans une pose plus provocante, tenant une pomme dans sa main gauche, le bras drapé sur le dossier du canapé (M.1605). Sa silhouette a été travaillée au pastel coloré, de même que les détails de la pomme, tandis que l'arrière-plan est légèrement esquissé. Il existe une autre étude similaire d'un modèle non identifié endormi, au Terra Museum of American Art, Chicago, qui se trouvait également chez Rosalind Birnie Philip et chez Agnew à la même époque en 1974. Comme pour beaucoup de ses pastels, il a travaillé sur un autre dessin dont il n'était pas satisfait. La présente étude est réalisée sur une étude d'une femme en bleu sur fond jaune, dessinée dans le sens de la longueur. Le présent dessin est signé du monogramme papillon de Whistler, basé sur un dessin stylisé de ses initiales, que l'artiste a développé à la fin des années 1860, à la suite de critiques sur sa signature trop voyante. Ce monogramme est devenu tellement synonyme de son travail que les collectionneurs qui possédaient des œuvres antérieures à l'utilisation du papillon lui ont envoyé leurs œuvres pour qu'il l'ajoute rétrospectivement. Sa fascination pour l'esthétique japonaise a dû jouer un rôle dans la formation du papillon, qui a été soigneusement positionné comme un élément de la composition globale et non comme une simple marque de fabrique. Les amis et biographes de l'artiste, Joseph et Elizabeth Pennell, se souviennent d'avoir vu des œuvres inachevées dans lesquelles figurait un papillon très bien fini, ce qui souligne l'importance du monogramme dans l'ensemble de la composition. L'élève de Whistler, Mortimer Mempes, se souvient qu'il discutait si régulièrement de l'endroit où il devait être placé que c'était une petite plaisanterie entre nous et, après quelques mois d'habitude, j'étais invariablement capable de mettre mon doigt sur l'endroit où le papillon devait être placé pour créer l'équilibre du tableau (M. Mempes, Reminiscences of Whistler, Londres, 1903, p..254). Le dessin de son monogramme a évolué au fil des ans et a été modifié pour refléter l'humeur de l'artiste ou des événements spécifiques, par exemple au moment de son procès contre Ruskin, le papillon avait un dard dans sa queue. Lorsqu'il s'est marié en 1888, le papillon était surmonté d'un trèfle stylisé qui ressemblait aux initiales de sa femme et symbolisait la chance. La présente feuille a fait partie de plusieurs collections remarquables. Rosalind Birnie Philip (1873-1958) était une joueuse de whist.

Estim. 80 000 - 120 000 GBP

mer. 12 juin

GILBERT STUART (Saunderstown, 1755-Boston, 1828) PORTRAIT DE WILLIAM BINGHAM (1752-1804) Toile Cadre français du XIXe siècle en bois doré Porte une étiquette XXe au revers du cadre avec une inscription à l'encre "Gilbert Stuart / (Portr)ait . de . William / (Bingh)am . en . habit / (de) chasse" Porte deux fois le numéro, probablement d'inventaire, au crayon au revers du châssis "6760" ; porte un numéro au crayon au revers du châssis et du cadre "x3" Portrait of William Bingham (1752-1804), canvas, 19th century French giltwood frame 45 x 46,5 CM - 17,7 x 18,3 IN. Provenance Peint en 1784 pour William Bingham et son épouse Anne Willing ; Collection Mary Willing Clymer et Henry Clymer (sœur et beau-frère d'Anne Willing Bingham) ; Par descendance Mis et Mise de Bryas, à la fin du XIXe siècle. Puis par descendance, jusqu’au propriétaire actuel. Bibliographie G. C. Mason, The Life and Works of Gilbert Stuart, New York, 1879, pp. 137-139 ; L. Park, Gilbert Stuart : An Illustrated Descriptive List of His Works, with an Account of His Life bu John Hill Morgan and an Appreciation by Royal Cortissoz, New York, 1926, pp. 151, 152, 154, 155, n° 80, 81, 84 (date le tableau de 1784 probablement grâce à l'âge de la plus jeune fille née un an auparavant à Londres) ; M. L. Brown, Mr. and Mrs. William Bingham of Philadelphia, dans The Pennsylvania Magazine of History and Biography, juillet 1937, cité p. 289, reproduit (daté 1784) ; R. C. Alberts, The Golden Voyage. The Life and Times of William Bingham 1752-1804, Boston, 1969, cité pp. 149, 150, reproduit ; Catalogue de l'Exposition Gilbert Stuart, New York, Metropolitan Museum of Art, 21 octobre 2004-16 janvier 2005, Washington, National Portrait Gallery, Smithsonian Institution, 27 mars-31 juillet 2005, cité p. 198, p. 203 sous le n° 53 et note 5 ("Anne and William Bingham commissioned a family portait ; the picture was left unfinished…" ; "In London in 1784 or 1785 Stuart began a group portrait of Bingham and his wife, Anne, with theirs daughters Ann Louisa and Maria Matilda, leaving it unfinished, possibly because of a disagreement with Mrs. Bingham about the composition") Gilbert Stuart compte parmi les tout premiers peintres américains à la fin du XVIIIe siècle. Sa jeunesse est itinérante entre la Côte Est des États-Unis et le Royaume-Uni. Il complète sa formation en Écosse en 1771, à Londres entre 1775 et 1787, où il assiste Benjamin West et devient proche de Joshua Reynolds. Il obtient un grand succès avec son portrait de William Grant en Patineur, exposé en 1782, à la Royal Academy de Londres. Il continue sa carrière à Dublin avant de retourner à Philadelphie en 1794, où il peint George Washington, premier portrait officiel d'un président américain. Il s'impose ensuite comme le principal portraitiste des grandes villes de la Côte Est. Il s'installe à Washington en 1803, devenue capitale officielle des États-Unis et brosse l'effigie des premiers pères fondateurs et des membres de l'administration fédérale. Anne Willing et William Bingham incarnent deux personnalités marquantes du début de l'histoire des États-Unis. Bingham est d'abord émissaire de l'assemblée législative des treize colonies britanniques. Il joue un rôle crucial dans les relations diplomatiques qui ont conduit à l'Indépendance Américaine. À seulement 40 ans, il devient l'homme le plus riche du pays grâce à ses investissements pendant la Révolution Américaine, incluant l'acquisition de terres dans l'État de New York et la négociation avec la France pour l'achat de la Louisiane. Son épouse, Anne Willing, correspondante de Thomas Jefferson, est connue pour être le modèle de la Lady Liberty sur les premières pièces de monnaie américaines. A l'âge de 16 ans, Anne Willing se marie avec William Bingham, de douze ans son aîné. Ils donnent naissance à trois enfants : l'aînée, Ann Louisa (1782-1848), la cadette, Maria Matilda, représentée ici avec sa mère tirant sa robe jalouse du regard portée à sa grande sœur et le benjamin, William (1800-1852), qui est né seize ans après la réalisation de notre portrait de famille. Nos deux toiles datent de 1784 au moment où Bingham et Willing séjournent à Londres. Stuart avait conçu un grand portrait de famille réunissant les parents et leurs deux filles, à la manière de ce type de composition chez Van Dyck et Reynolds. Anne tenait sa fille assise devant elle, jetant un regard réfléchi sur son aînée (le Portrait d'Ann Louisa Bingham se trouve dans une collection particulière, ill.1). William se tient derrière elles, en habit de chasse rouge. Inachevée, la toile est ensuite découpée en trois portraits indépendants par le peintre Thomas Sully. Nos tableaux sont un rare témoignage des débuts de la peinture américaine de la fin du XVIIIe siècle. La technique libre, esquissée par endroits, enlevée montre le haut niveau de qualité atteint par les premiers peintres

Estim. 40 000 - 60 000 EUR
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