Null [Fluxus] Intermedia 69 et Projects Concepts Actionen 1971 (1) Intermedia 69…

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[Fluxus] Intermedia 69 et Projects Concepts Actionen 1971 (1) Intermedia 69. Heidelberg, Edition Tangente, 1969. Couverture souple, 26 x 20,5 cm, 200 p. Première édition. Catalogue d'exposition avec une introduction de Dick Higgins. Parmi les artistes figurent J.F. Bory, Manfred Mohr, Jochen Gerz, Dietrich Albrecht, Joseph Beuys, Robert Filliou et bien d'autres. Textes en allemand et en anglais. Le dos est frotté, mais l'ouvrage est très bon. (2) Walter Aue, P.C.A. Projecte, Concepte & Actionen. Cologne, Verlag M. Dumont Schauberg, 1971. Couverture souple, 29,5 x 21 cm, environ 600 pages. Première édition. Texte en allemand. Documente les œuvres des principaux artistes Fluxus, conceptuels et de performance des années 1960 et 1970. Légère usure de la couverture, bel exemplaire.

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[Fluxus] Intermedia 69 et Projects Concepts Actionen 1971 (1) Intermedia 69. Heidelberg, Edition Tangente, 1969. Couverture souple, 26 x 20,5 cm, 200 p. Première édition. Catalogue d'exposition avec une introduction de Dick Higgins. Parmi les artistes figurent J.F. Bory, Manfred Mohr, Jochen Gerz, Dietrich Albrecht, Joseph Beuys, Robert Filliou et bien d'autres. Textes en allemand et en anglais. Le dos est frotté, mais l'ouvrage est très bon. (2) Walter Aue, P.C.A. Projecte, Concepte & Actionen. Cologne, Verlag M. Dumont Schauberg, 1971. Couverture souple, 29,5 x 21 cm, environ 600 pages. Première édition. Texte en allemand. Documente les œuvres des principaux artistes Fluxus, conceptuels et de performance des années 1960 et 1970. Légère usure de la couverture, bel exemplaire.

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起始价格 10 EUR

DRAGIJE (XXe) "Paysage maritime" 1971 Huile sur toile Signée et datée en bas à droite H 49 x L 69 cm Usures

估价 26 000 - 27 000 EUR

PER BARCLAY (Oslo, 1955). "L'abattoir", 1996. Photographie de type C de l'installation réalisée. Provenance : collection privée. Anciennement Oliva Arauna Gallery (Inver-Kalis SA). Dimensions : 205 x 165 cm. Avec l'installation "The Slaughterhouse", Per Barclay a joué avec l'effet réfléchissant du sang du bétail, faisant briller le sol. De même que dans d'autres installations, il a déployé des symbolismes sur les effets inquiétants du pétrole déversé dans des espaces inhabités, ici les références sont multipliées : clins d'œil à l'histoire de l'art, mais aussi à l'idée de sacrifice et de violence. Per Barclay est sculpteur, photographe et historien de l'art. Ses installations artistiques ont été exposées dans des musées du monde entier. L'œuvre de Per Barclay combine les concepts de tension et de drame, qu'il travaille sous l'influence de l'artiste norvégien Edvard Munch. Après avoir étudié l'histoire de l'art à Bergen, il quitte la Norvège en 1979 pour trouver de nouvelles références artistiques en Italie. À Florence, il étudie le design et la photographie, puis s'inscrit à l'Académie de Bologne en 1981 et, deux ans plus tard, à Rome. Après un séjour à Naples, il s'installe à Turin, où il entre en contact direct avec les artistes de l'Arte Povera. Dès lors, l'artiste utilise l'huile et l'eau comme éléments picturaux, et l'acier et le verre comme matériaux structurels pour ses œuvres. En 1994, il s'installe à Paris, où il vit et développe ses projets. Ses œuvres sont exposées, entre autres, au Musée national d'art, d'architecture et de design, au Centre d'art Henie-Onstad, au musée d'art contemporain "Kiasma" à Helsinki et dans différents musées en Espagne (Koldo Mitxelena Kulturunea, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía), en Italie et en France (Centre de Création Contemporaine). Il a participé à la Biennale de Venise en 1990, au Musée d'art de Lillehammer pendant les Jeux olympiques d'hiver de Lillehammer en 1994, au Festival international de Bergen en 2001 et au Festival de Norvège du Nord en 2009, et a contribué au projet international Skulpturlandskap Nordland.

估价 1 800 - 2 000 EUR

ORLAN (Saint-Étienne, France, 1947). "Défiguration-Refiguration, l'auto-hybridation précolombienne" n° 12, 1999. Photographie. Spécimen 2/7. Humidité et dommages au cadre. Signée, justifiée et titrée au dos. Dimensions : 100 x 100 cm ; 104 x 104 cm (cadre). Dans cette photographie, Orlan continue de s'interroger sur les pressions sociales et culturelles exercées sur le corps et sa représentation dans les médias. Orlan a créé une nouvelle image dans cette œuvre, en combinant littéralement des icônes précolombiennes et africaines avec sa propre image ; les hybridations qui en résultent créent une narration complexe qui brouille les distinctions entre le temps et le lieu, le réel et l'irréel. Il a créé une nouvelle image pour produire de nouvelles images : Self-Hybridizations. L'œuvre contient des preuves de rites tribaux passés et de rituels associés à l'embellissement qui, avec ses propres modifications par le biais de la chirurgie plastique, discutent de questions importantes dans l'histoire récente telles que l'identité collective, la tragédie et l'exclusivité. Les auto-hybridations sont également des portraits d'une humanité future potentielle, dans laquelle le métissage entre humains d'origines diverses donne naissance à de nouveaux corps, avec des identités nomades et mutantes. La carrière d'ORLAN en tant qu'artiste performeur a commencé en 1964, lorsqu'il a réalisé des Marches au ralenti dans sa ville natale de Saint-Étienne. Lors de ces performances, il marche le plus lentement possible entre deux quartiers centraux de la ville. En 1965, ORLAN réalise MesuRages, dans lequel il utilise son propre corps comme instrument de mesure. Avec son "corps ORLAN" comme unité de mesure, il évalue combien de personnes peuvent tenir dans un espace architectural donné. C'était la première fois qu'il utilisait son corps dans une performance. ORLAN a réutilisé ce concept dans plusieurs projets ultérieurs. Entre 1964 et 1966, ORLAN a produit Vintages, une série d'œuvres photographiques en noir et blanc. Elle a détruit les négatifs originaux de ces œuvres et il ne reste aujourd'hui qu'une copie de chaque photographie. Dans cette série, elle pose nue dans diverses positions proches du yoga. L'une des images les plus célèbres de cette série est ORLAN accouche d'elle m'aime.Entre 1967 et 1975, ORLAN a produit un ensemble d'œuvres intitulé Tableaux Vivants. Il s'inspire des œuvres d'artistes baroques tels que le Greco et Géricault. Il utilise des détenus comme modèles, porte des costumes baroques exagérés et s'inspire des stéréotypes caravagesques. En 1971, ORLAN se "baptise" Sainte-ORLAN et se pare de vinyle ondulé noir et de faux cuir blanc. Des photographies en couleur de Sainte-ORLAN sont ensuite incorporées dans des photo-collages, des vidéos et des films retraçant une hagiographie fictive. En 1977, lors de la Foire internationale d'art contemporain (FIAC) à Paris, ORLAN réalise la performance controversée Le baiser de l'artiste (The Artist's Kiss). À l'extérieur du Grand Palais, à Paris, une photo grandeur nature de son torse a été transformée en machine à sous. Les spectateurs pouvaient voir la pièce insérée dans le torse descendre dans une aine avant de recevoir un baiser de l'artiste.ORLAN a fondé le Symposium international de la performance à Lyon. En 1982, il collabore avec l'artiste Frédéric Develay pour créer la première revue d'art contemporain en ligne, Art-Accès-Revue, sur le précurseur français d'Internet, le Minitel. En 1990, ORLAN initie la Réincarnation de Sainte-ORLAN. Il s'agit d'une série de chirurgies plastiques par lesquelles l'artiste se transforme en éléments de célèbres peintures et sculptures de femmes. Dans le cadre de son manifeste "Carnal Art", ces œuvres ont été filmées et présentées dans des institutions du monde entier, telles que le Centre Georges Pompidou à Paris et la Sandra Gehring Gallery à New York. Le but d'ORLAN dans ces opérations est d'acquérir l'idéal de beauté féminine tel qu'il est représenté par les artistes masculins. Lorsqu'elle est satisfaite Il présente de l'humidité et des dommages dans le cadre.

估价 25 000 - 30 000 EUR

ROBERT MOTHERWELL (États-Unis, 1915-États-Unis 1991). "Samouraï, 1971 Lithographie sur papier Japan Suzuki. Signée à la main par l'artiste. Étiquette de Brooke Alexander au dos. Dimensions : 200 x 160 cm ; 216 x 124 cm (cadre). "Samurai" est un paradigme de l'œuvre de Motherwell : une forme noire agressive d'où rayonnent des explosions et des taillades. C'est l'une des images les plus puissantes de Motherwell, qui invoque des éléments de sexualité dans la forme abstraite phallique et de violence dans le titre. Bien qu'il soit difficile de déchiffrer les traces de figuration dans l'œuvre de Motherwell, il s'inspirait de la littérature, de la vie, de la politique et y faisait référence. Artiste pluridisciplinaire, il s'est formé à Stanford et Harvard en philosophie et à Columbia en histoire et en art, sous la direction de Meyer Schapiro. Il a été l'un des principaux représentants de l'expressionnisme abstrait américain, dont il est l'un des fondateurs avec Pollock, Arshile Gorky et Rothko. Il a également excellé en tant que critique d'art. Il a écrit de nombreux articles dans des revues d'avant-garde et a édité des livres tels que "Documents of Modern Art" (1944-1961) ou "Documents of 20th Century Art" (1971). Il était membre du comité de rédaction de la publication "VVVV", liée au surréalisme. L'objectif principal de Motherwell était de montrer au spectateur l'engagement mental et physique de l'artiste avec la toile. Il utilise la dureté de la couleur noire comme élément de base ; l'une de ses techniques les plus connues consiste à diluer la peinture avec de l'essence de térébenthine pour créer un effet d'ombre. Sa série de peintures connue sous le nom d'"Élégies à la République espagnole" (Elegy to the Spanish Republic) est considérée comme son projet le plus important. Parmi ses nombreuses expositions, on peut souligner sa participation à la plus importante exposition surréaliste aux États-Unis, organisée par André Breton, Marcel Duchamp et le galeriste Sidney Janis au Whitelaw Reid Mansion (Manhattan-1942). Citons également l'exposition organisée à la galerie "Art of this Century" (New York) en 1943 sous la direction de Peggy Guggenheim, à laquelle il participe aux côtés de Jackson Pollock et de Baziotes. L'année suivante, le Museum of Modern Art de New York acquiert l'une de ses œuvres ; il participera par la suite à plusieurs expositions du même musée. En 1980, Robert Motherwell expose pour la première fois en Espagne à la Fundación Juan March (Madrid). En 1986, il reçoit la médaille d'or du mérite des beaux-arts, la plus haute distinction culturelle espagnole. En 1989, la National Medal of Arts des États-Unis, le Museum of Modern Art de Fort Worth (USA) abrite la plus grande collection d'œuvres de Motherwell. L'Empire State Plaza (New York) abrite également certaines de ses œuvres. Le Walker Art Center (Minneapolis, États-Unis) possède une collection presque exhaustive de ses gravures. En outre, ses œuvres sont représentées dans de nombreux musées, collections publiques et privées et dans les galeries les plus prestigieuses du monde entier.

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