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Sculptures en plâtre

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Deutsch oder Dänisch - vers 1817/18. dans l'atelier romain de Bertel Thorvaldsen. Huile sur papier, contrecollée sur bois. 43,8 x 41,3 cm. Le sculpteur danois Bertel Thorvaldsen était venu à Rome en 1797 avec une bourse de voyage de l'Académie de Copenhague, où il s'est établi avec des œuvres qui sont encore considérées aujourd'hui comme des icônes de la sculpture néoclassique. La visite de ses ateliers faisait donc partie du programme obligatoire de tous ceux qui visitaient la ville des papes au cours des trois premières décennies du XIXe siècle et qui se présentaient comme des amateurs d'art. Les ateliers de la Piazza Barberini, que Thorvaldsen loua en 1803 et qu'il agrandit progressivement, constituaient le centre de son activité. C'est là que se déroulait la majeure partie de la production de sculptures, du modelage au moulage en plâtre et à la taille du marbre. Parallèlement, les ateliers ouverts au public servaient également de salles d'exposition et de vente où les visiteurs de toute l'Europe pouvaient non seulement admirer les œuvres exposées, mais aussi les commander. Aujourd'hui, ces lieux d'activité intense ne sont plus visibles qu'à travers quelques rares représentations qui nous sont parvenues. Les deux seules vues d'intérieur connues à ce jour sont un tableau de Ditlev Martens (Statens Museum for Kunst, Copenhague, inv. KMS196) et un dessin de Luigi Ricciardelli (Thorvaldsen Museum, Copenhague, inv. D1771). Tous deux ont été réalisés vers 1829 et montrent la grande salle d'exposition dans les anciennes écuries du Palazzo Barberini, que Thorvaldsen avait louées en 1822 lorsque le volume de son entreprise et de ses œuvres picturales nécessitait un agrandissement dans des locaux plus spacieux. Toutefois, notre représentation concerne probablement les petits ateliers plus anciens du Vicolo della Catena, une ruelle latérale de la Piazza Barberini. La vue montre un collaborateur, voire le maître lui-même, de dos en train de travailler. Concentré, il apporte la touche finale à un relief répétant un modèle à gauche de l'image, à l'aide d'un outil fin. Réparties dans la pièce, d'autres œuvres sont visibles, dont la statue de Cupidon et Psyché, réalisée entre 1804 et 1807. Devant, à droite, est assise dans un fauteuil une Romaine avec un enfant, que l'on retrouve curieusement comme accessoire folklorique similaire dans la représentation de l'atelier de Martens. La datation du tableau, rendue possible par la reproduction précise du relief, permet de conclure qu'il s'agit des ateliers du Vicolo della Catena. Le sculpteur est en effet en train de travailler sur le relief principal du cénotaphe d'Anna Maria Porro Lambertenghi Serbelloni, décédée en 1813, que son mari, le comte Luigi Porro Lambertenghi, lui avait commandé après sa mort. Un dessin d'ébauche daté de 1817 et conservé à la Biblioteca Ambrosiana suggère que le modèle en plâtre, aujourd'hui conservé au musée Thorvaldsen (inv. A619), a été réalisé cette année-là ; la version en marbre a été achevée au plus tard en juillet 1818 et placée par le comte dans le jardin de sa villa milanaise (aujourd'hui : Galleria d'Arte Moderna, Milan, inv. GAM 4374). Les années 1817 et 1818 peuvent donc être considérées comme la période de réalisation de cette vue, ce qui confère à l'œuvre une valeur documentaire importante, d'autant plus qu'il s'agirait de la seule représentation connue du petit atelier de Thorvaldsen au Vicolo della Catena. L'auteur est probablement l'un des nombreux artistes, principalement nordiques, qui, à leur arrivée à Rome, ont trouvé en Thorvaldsens un ami, un soutien et un professeur accueillant.

Estim. 3 500 - 3 500 EUR

Rembrandt Bugatti - Rembrandt Bugatti Bouledogue français (Bouledogue Français) Vers 1905 Bronze sur socle en bois (2,2 x 15,7 x 10,5 cm). Hauteur 13,2 cm. Sur la plinthe, signature 'R Bugatti' (ligature) à l'avant et dédicace 'A madame Valsuani-Panni' sur le côté. A gauche sur la plinthe, le cachet du fondeur "CIRE PERDUE AA HEBRARD". Un des 50 exemplaires. - Avec une belle patine brunâtre. En très bon état. Des Cordes/Fromanger-Des Cordes 107 Provenance Collection privée Belgique Littérature Cf. Rembrandt Bugatti. Félins et figures. An Exhibition of Bronze Sculpture, Londres 1993, n° 6 ; Edward Horswell, Rembrandt Bugatti. Life in Sculpture, Londres 2004, p. 84 ; Rembrandt Bugatti. Le sculpteur 1884-1916, ex. Cat. Nationalgalerie Berlin, Munich 2014, p. 70-71. Rembrandt Bugatti, le frère cadet du célèbre constructeur automobile et bon vivant Ettore Bugatti, est né en 1884 à Milan dans une famille de designers et de peintres aussi sensible à l'art que peu conventionnelle. Comme son grand-père, Bugatti a suivi une formation de sculpteur et s'est rendu à Paris, la métropole artistique de l'époque. Mais contrairement aux artistes d'avant-garde Picasso et Modigliani, qui avaient à peu près le même âge que lui, il quitta l'atelier pour travailler au zoo, d'abord à Paris, puis dans le plus important parc animalier de l'époque, à Anvers. L'exposition réussie de l'"Eléphant qui se cabre" (1903) lui a ouvert la voie vers la sculpture animalière. Son style développé très tôt, avec des surfaces impressionnistes réfringentes, et la collaboration congéniale avec le galeriste et meilleur fondeur de bronze Adrien-Aurélien Hebrard font de lui, vers 1905, un sculpteur animalier de premier plan au niveau international. Avec le "Bouledogue français", Bugatti a fait le portrait du chien de sa mère Teresa Lorioli. Dans sa posture d'attente, avec son collier et son regard fidèle, il interprétait le bouledogue comme un chien domestique tourné vers l'homme. Avec ses oreilles dressées, il semble être à l'écoute de sa maîtresse. Après que Bugatti eut conçu le bouledogue sous forme de modèle en plâtre de 29 centimètres, Hebrard fit fondre une édition limitée à 50 exemplaires du modèle pour ses meilleurs clients. Alors que l'un de ces exemplaires avait déjà été acquis par Hugo von Tschudi en 1906 pour la Galerie nationale, une autre version entièrement signée et dédiée à Madame Valsuani, la mère d'un ami fondeur, est proposée ici.

Estim. 25 000 - 35 000 EUR

Germaine RICHIER 1902- 1959 Don Quichotte à l'aile de moulin - 1949 Bronze naturel Signé et numéroté sur la terrasse "G. Richier 7/8", cachet du fondeur sur la tranche de la terrasse "L.THINOT.fondeur. PARIS" 52,50 cm (20,67 in.) Provenance : Galerie Creuzevault, Paris Acquis auprès de cette dernière par l'actuel propriétaire Expositions : Venise, XXVIè Biennale Internazionale d'Arte, 1952 (un exemplaire similaire) Paris, Musée national d’Art moderne, Germaine Richier, octobre-décembre 1956, n°12 p.10 (un exemplaire similaire) Minneapolis, Walker Art Center, "Sculpture by Germaine Richier", septembre-novembre 1958, N° 14 , reproduit (un exemplaire similaire) Kassel, "Documenta II, Kunst nach 1945", juillet - octobre 1959, (un exemplaire similaire) Antibes, Musée Picasso, "Germaine Richier", juillet - septembre 1959, N° 96, reproduit (un exemplaire similaire) Le Havre, Maison de la Culture, "Sculpture Contemporaine", mai - juin 1962, N° 145 (un exemplaire similaire) Zürich, Kunsthaus, "Germaine Richier", 1963, (un exemplaire similaire) Arles, Musée Réattu, "Germaine Richier", 1964, (un exemplaire similaire) Annecy, Château des Ducs de Nemours, "Germaine Richier", 1967, (un exemplaire similaire) St Paul de Vence, Fondation Maeght, "Germaine Richier, rétrospective", avril - juin 1996, N° 34, reproduit en couleur p. 87, (un exemplaire similaire) Berne, Kunstmuseum, Germaine Richier : retrospektive, novembre 2013 - avril 2014, n°44 p. 178, reproduit en noir et blanc p.104 (un exemplaire similaire) Genève, Galerie Jacques de la Béraudière, Germaine Richier, Rétrospective, novembre 2014- février 2015, reproduit en couleur p.26 (un exemplaire similaire) Bibliographie : J.Grenier, "Germaine Richier, Sculpteur du Terrible", in L'Oeil, Paris 1955, N° 9, p.26-31 (un exemplaire similaire) D. Chevalier, "Un grand sculpteur: Germaine Richier", in Prestige Français et Mondanités, Paris 1956, N° 19, p.60-65 (le platre original) A. Chastel, "Au Musée d'Art Moderne: Germaine Richier, La Puissance et le Malaise", in Le Monde, Paris 1956 (un exemplaire similaire) C. Roger-Marx, "Cette héritiaire inspirée des Grands Maîtres", Le Figaro Littéraire, Paris 1959 (un exemplaire similaire) R. Charmet, "Germaine Richier: une oeuvre d'une humanité déchirée", Arts, Paris 1959 (un exemplaire similaire) E. Crispoliti, "Germaine Richier", in I maestri della scultura, Editions Fratelli Fabres, Milan 1968, N° 65, p.50-52 (un exemplaire similaire) I.Jianou, G. Xurigura et A. Lardra, "Richier Germaine", in La Sculpture moderne, Edition Arted Editions d'Art, Paris, 1982, p.178 (un exemplaire similaire) P. Restany, "Germaine Richier le grand art de la statuaire", in catalogue de l'exposition "Germaine Richier", Humlebaek, Louisiana Museum of Modern Art, août-septembre 1988, p.8-17 (un exemplaire similaire) Commentaire : Natural bronze; signed and numbered on the base; foundry mark, on the edge of the base

Estim. 80 000 - 120 000 EUR

Germaine RICHIER 1902- 1959 L'Homme qui marche - 1945 Bronze à patine brun noir Signé et numéroté sur la terrasse "G.Richier 7/8, marque du fondeur sur la tranche arrière de la terrasse "L.THINOT.fondeur.PARIS" 88,50 cm (34,84 in.) Provenance : Collection particulière, Paris Expositions : Londres, Anglo French Art Center, Sculptures of Germaine Richier, Engravings Studio of Roger Lacourière, septembre 1947, n°10 (plâtre original) Berne, Kunsthalle, Sculpteurs contemporains de l'Ecole de Paris, février-mars 1948, n°118 (plâtre original) Amsterdam, Stedelijk Museum, 13 sculpteurs de Paris, novembre 1948 - février 1949 (un exemplaire similaire) Bâle, Kunsthalle, Arp, Germaine Richier, Laurens, 1948 (plâtre original) Paris, Musée national d'Art moderne, Germaine Richier, octobre-décembre 1956, n°3 (un exemplaire similaire) Zurich, Kunsthaus, Germaine Richier, juin-juillet 1963, n°22, reproduit pl.IV (un exemplaire similaire) Humlebaeck, Louisiana Museum of Modern Art, Germaine Richier, août-septembre 1988, n°3 p. 33 et reproduit en couleur p. 31 (un exemplaire similaire) Paris, Musée d'Art Moderne de la Ville, Passions privées, décembre 1995 - mars 1996, A27 / n°6 (un exemplaire similaire) Saint Paul de Vence, Fondation Maeght, Germaine Richier, Rétrospective, avril-juin 1996, n°16 p.48 reproduit en couleur p.49 (un exemplaire similaire) Berlin, Akadémie der Künste, Germaine Richier, septembre-novembre 1997, n°21, reproduit en noir et blanc p.88 (un exemplaire similaire) Berne, Kunstmuseum, Germaine Richier : retrospektive, novembre 2013 - avril 2014, n°22 p. 177, reproduit en couleur p.95, reproduit en noir et blanc p. 94 (un exemplaire similaire) Paris, Centre Pompidou, Montpellier, Musée Fabre, Germaine Richier, mars - novembre 2023, reproduit en couleur p.109 (un exemplaire similiaire) Bibliographie : R.Barotte, "Le journal des arts : "Germaine Richier...a mêlé la réalité à l'imaginaire", in Paris-Presse - L'Intransigeant, Paris, 4 août 1959, p.6E (un exemplaire similaire) Brassaï, "Germaine Richier", in Les Artistes de ma vie, Denoël, Paris, 1982, p.194-197 P.Dagen, "Près de cent collectionneurs privés envahissent le musée", in Le Monde, Paris, 22 décembre 1995, reproduit p.24 (un exemplaire similaire) Commentaire : Bronze with black brown patina; signed and numbered on the base, foundry mark on the back edge of the base

Estim. 120 000 - 180 000 EUR

LOUIS ETIENNÉ COCHERET (Amsterdam, 1829 - Rotterdam, 1882). "Sculpture française d'une jeune fille avec un livre, 1859. Marbre de Carrare. Signée et datée. Dimensions : 85 x 71 x 43 cm. La sculpture, réalisée en marbre de Carrare, nous montre une jeune fille, assise sur ses jambes croisées, caressant délicatement les pages d'un livre ouvert. Elle est présentée avec une grande sensibilité, contrastant les plis délicats de sa robe avec une base non polie, mettant ainsi en valeur la beauté de la figure. L'aspect esthétique de cette sculpture entre en dialogue avec sa possible signification symbolique, car sa figure angélique et le livre qu'elle porte suggèrent que l'auteur a cherché la représentation idéale d'une muse dédiée à la lecture et à la connaissance. Ainsi, l'admiration pour les maîtres de la Renaissance italienne se conjugue avec le respect des lignes directrices fixées par les grands sculpteurs français du XIXe siècle, ce qui fait de cette œuvre une fidèle adepte du mouvement romantique. L'état de conservation impeccable de l'œuvre ne doit pas être négligé, car elle n'a été ni abîmée ni cassée. Le sculpteur, Louis Etienné Cocheret, est né à Amsterdam en 1829 et décédé à Rotterdam en 1882 (un avis de décès signé par son fils le 2 août 1882 atteste de la dernière localisation connue du sculpteur avant sa mort). Il a été formé au style multiforme du Second Empire, rappelant l'antiquité classique, les leçons de la Renaissance et le caractère symboliste et romantique d'autres mouvements de son époque. Nous connaissons la participation de L. Etienné Cocheret à l'exposition annuelle de peintures et autres œuvres d'artistes vivants à Amsterdam, concours d'une grande importance à l'époque (l'exposition s'est tenue pendant près d'un siècle dans la capitale hollandaise). Il a participé à ce concours en 1860, un an après avoir réalisé la sculpture en marbre en question. Selon le catalogue de l'exposition, L. Cocheret a présenté un buste en marbre personnifiant le printemps et un autre l'automne ; enfin, il a également exposé une statuette en plâtre au moyen d'une photographie, élément novateur dans un concours où certains concurrents critiquaient la présence de moyens aussi modernes. Une sculpture en bronze de la déesse du destin par Myray, aujourd'hui conservée à la galerie Lermontov en Russie, situe E. Cocheret à Paris, car sa signature sur la sculpture est accompagnée du cachet de l'atelier de Barbedienne, bronzier et ébéniste français qui excellait dans le style Second Empire. Nous savons ainsi que l'artiste, bien que d'origine amstellodamoise, a exercé une influence française prédominante sur ses sculptures. La présence de plusieurs bronzes profondément symboliques signés par L. Cocheret, comme celui mentionné ci-dessus (aujourd'hui en Russie) ou deux bustes classés dans la sculpture française du XIXe siècle, personnifications du printemps et de l'automne (aujourd'hui dans une collection privée), indique que l'artiste aimait créer des sculptures ayant une signification symbolique, dans certains cas avec des références au monde antique transposées dans sa contemporanéité.

Estim. 26 000 - 28 000 EUR

Kollwitz, Käthe - La plainte (en mémoire d'Ernst Barlachs/ Autoportrait) Bronze à patine brun foncé. 1938-41. 26,6 x 25,5 x 9,7 cm. Signé sur le côté gauche "KOLLWITZ", là en bas avec le cachet du fondeur en deux parties "H. Noack Berlin". Seeler 38 II.A, Timm 59. La sculpture la plus connue de Kollwitz tire son effet particulier d'une immense complexité et d'une grande concision. Dans la découpe fragmentaire et étroite apparaît un visage qui a des traits d'autoportrait. La main gauche est posée sur la moitié gauche du visage et la main droite recouvre à peine les lèvres, le pouce est posé verticalement sur la mâchoire. L'œil droit fermé renforce l'impression d'une forte séparation avec l'extérieur. Celle-ci correspond en même temps à une vie intérieure active. Une concentration sur l'intérieur prend ici forme de manière exemplaire. La fermeture n'apparaît pas ici comme un retrait volontaire, mais comme le résultat de l'action d'une force extérieure. La main posée sur la bouche montre que rien ne doit passer de l'intérieur vers l'extérieur. Avec le pouce dressé, qui ressemble à un point d'exclamation, il semble en outre interdit de parler. Si la main gauche posée sur la joue est un geste de deuil transmis depuis l'Antiquité, le silence forcé s'y ajoute avec la main droite qui ferme la bouche. L'artiste a travaillé avec la droite, et comme celle-ci est liée à la bouche, Kollwitz se montre en quelque sorte elle-même comme condamnée à l'inaction. "La plainte" est d'une part une prise de position impressionnante sur sa propre situation en tant qu'artiste à l'époque de la Seconde Guerre mondiale. Représentant tous ceux qui ont dû souffrir de la dictature, Kollwitz montre de manière éloquente, à travers son visage, ce que signifie être condamné au silence et devoir fermer les yeux devant une injustice que l'on ne peut pourtant pas bannir de son esprit. D'autre part, le bronze est un monument à son collègue artiste Barlach, créé sous l'influence de sa mort et de la terrible injustice qu'il a dû subir sous le règne des nationaux-socialistes. Notre relief, d'une excellente fonte à la patine merveilleusement uniforme, a été diffusé sous le manteau du vivant de Kollwitz par le biais de photographies ainsi que de moulages en plâtre et en métal. Il s'agit aujourd'hui encore de l'œuvre plastique de l'artiste la plus convoitée par les institutions et les collectionneurs. Annette Seeler, auteur du catalogue de l'œuvre plastique de Kollwitz, considère notre exemplaire comme l'un des rares moulages posthumes autorisés du modèle II, réalisés dans les années 1960 par Noack pour la Marlborough Gallery de Londres, et plus précisément comme l'un des deux moulages réalisés en 1967 pour l'exposition Barlach-Kollwitz à la Marlborough Gallery. Le modèle II a été moulé en 1960/61 à partir du bronze appartenant à Hans Kollwitz (Seeler 38 I.B.3) ; il se trouve aujourd'hui au Käthe Kollwitz Museum, Cologne. Le modèle original I (Seeler 38 I.A.), utilisé depuis 1945, n'était plus utilisable à cette époque et n'existe plus. Lors de la prochaine mise à jour du catalogue en ligne qui accompagne le catalogue raisonné, notre relief sera, selon les connaissances actuelles, inclus parmi les reproductions de la section II.B. Nous remercions le Dr. Annette Seeler, Berlin, pour la confirmation de l'authenticité de l'œuvre et ses aimables renseignements du 06.04.2023. Provenance : Marlborough Gallery, Londres (acquise là-bas en 1968, facture disponible). Collection David Finn, New Rochelle Nye & Co, Bloomfield, NJ, vente aux enchères 09.03.2023, lot 343 Propriété privée Berlin

Estim. 20 000 - 20 000 EUR