DROUOT
Donnerstag 18 Jul a : 16:30 (CEST)

#Nr. 105: Eklektisch

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Lote 1 - Biagio Betti - Biagio Betti (1535-1605) - Jesus vor Gericht vor dem Sanhedrin cm 66 x106 Öl auf Leinwand Ungerahmt. Biagio Betti war ein Schüler von Daniele da Volterra, einem Laienbruder des Theatinerordens. Als eklektische Persönlichkeit stand er in Kontakt mit der römischen Kunstwelt, aber auch jenseits der Alpen. Er lernte die Stiche von Dürer kennen, die ihn in seinen Kompositionen beeinflussten. Stilistisch vertritt er einen späten römischen Manierismus des letzten Teils des 16. Jahrhunderts. Atelier ASOR Gutachten von Professor Claudio Strinati Biagio Betti (Cutigliano um 1545 - Rom 1615) Jesus im Verhör des Sanhedrins (Öl auf Leinwand 64 x 104 cm) Das Gemälde stellt den entscheidenden Moment in der Passionsgeschichte Christi dar, als der Erlöser nach seiner Gefangennahme im Garten Gethsemane zum Sanhedrin, dem von den Sadduzäern und Pharisäern geführten jüdischen Gericht, gebracht wird, um über seine angeblichen Sünden verhört und anschließend verurteilt zu werden, obwohl das eigentliche Urteil von Pilatus ausgesprochen wurde. Die Szene ist in unserem Gemälde mit bemerkenswertem Geschick und malerischer Raffinesse ausgeführt, mit einem tadellosen Stil, der in seiner Definition der Perspektive streng und in den Figuren eher prägnant und zusammengefasst ist, als ob der Autor des Werks in erster Linie ein spezialisierter Miniaturist gewesen wäre, der seine ganze Lehre in die analytische Definition der Bilder steckte und ihre verschiedenen Stimmungen hervorhob, von der traurigen Traurigkeit Christi bis zur bürokratischen Arroganz der großen Priester, die auf dem Gemälde in großer Zahl erscheinen und nach antiken Quellen etwa siebzig waren und alle sehr aggressiv. Unser Gemälde scheint aus rein stilistischen Gründen auf das Ende des 16. Jahrhunderts zu datieren und genau in jenes Umfeld der Miniaturenkultur einzuordnen zu sein, das zu dieser Zeit namhafte italienische und flämische Vertreter hatte. Unter ihnen war ein Maler, der auch ein bedeutender religiöser Mann war, der Theatinerpater Biagio Betti, über den Giovanni Baglione eine ausführliche und gelehrte Biographie schrieb, in der er ihn als kultivierte, maßgebliche Persönlichkeit beschreibt, die in der Debatte über die religiöse Kunst sehr einflussreich war und selbst ein geschickter Maler, Bildhauer und Miniaturist. In dieser Biografie (veröffentlicht in seinem Buch Le Vite de' pittori, scultori e architetti, Roma 1642 (jetzt in der modernen Ausgabe, herausgegeben von Barbara Agosti und Patrizia Tosini, Officina Libraria 2023, Bd. 1, S.632 ff.) ist die theologische Absicht offensichtlich und vor allem die lehrhafte Absicht der von dem theatinischen Maler ausgeführten Werke, aber mit einem beachtlichen Schwerpunkt auf die eigentliche Qualität und ikonographische Originalität der Gemälde. Von den Werken, die von Baglione zitierten Werke sind heute nur noch wenige erhalten, aber genug, um Biagio Betti das Gemälde das hier untersucht wird. Tatsächlich bewahrt die Kirche San Silvestro al Quirinale in Rom ein große Leinwand, die mit Sicherheit von diesem Künstler signiert ist und den Disput Jesu darstellt mit den Ärzten (ein ähnliches, wenn auch anderes Thema als das des vorliegenden Werks das im Gegensatz zu unserem Gemälde ein echtes Altarbild ist, das in ikonografischer Hinsicht auf den zu Bettis Zeiten viel studierten und bekannten Dürer-Drucken dargestellt ist. Und ähnlich ist der Rahmen unseres Gemäldes, der demnach dem Betti aufgrund eines direkten Vergleichs mit der oben erwähnten Disputa, die einen ähnlichen "nordischen" Stil erkennen lässt, wenn auch in monumentalem Maßstab, während unser Gemälde, wie erwähnt, absolut miniaturhaft ist. Außerdem stellt Baglione klar, dass der Maler Biagio Betti "ebenfalls ein Buchmaler war, und zwar auf Pergamentpapier und in allen anderen Dingen, die er vorzüglich kolorierte". Dies scheint bei unserem Gemälde der Fall zu sein, einem bemerkenswerten Beispiel für eine Miniaturmalerei von großer intrinsischer Bedeutung und feiner zeichnerischer Qualität, die trotz einiger konservatorischer Probleme, die das Werk gehabt haben muss, heute noch wahrnehmbar ist, die aber der Würdigung und der daraus folgenden kritischen Beurteilung nicht im Geringsten schaden. Ich halte es für möglich, dass dieses Gemälde anlässlich der Jubiläumsfeierlichkeiten des Jahres 1600 entstanden ist, als Pater Biagio Betti auf dem Höhepunkt seines Könnens und seines Ruhmes als bedeutender Miniaturist und Maler war. Es handelt sich also um ein sowohl künstlerisch als auch historisch und lehrmäßig bemerkenswertes Gemälde, dem ich einen beachtlichen Wert von 25.000,00 E zuschreibe. Im Glauben, Claudio Strinati

Valorac. 4 300 EUR

Lote 3 - Simone de Wobreck - Simone de Wobreck (Haarlem 1557) - Aufstieg zum Kalvarienberg H cm 53 x 40, im Rahmen 63 x 48 Öl auf Tafel Gutachten von Professor Claudio Strinati: "Der Aufstieg zum Kalvarienberg trägt auf der Rückseite (die teilweise von einem Parkett bedeckt ist, das vermutlich erst vor kurzem angebracht wurde, um die Stabilität des Holzes zu verstärken) die folgende Inschrift: Martin de Vos Antwerpen 1532-1603. Es handelt sich also um einen Verweis auf den berühmten flämischen Maler, der sich auch in Italien aufhielt und in unserem Land bedeutende Werke und eine florierende Werkstatt hinterließ, die meines Erachtens ebenfalls in jüngerer Zeit entstanden ist. Und genau dieser Punkt muss in Bezug auf unsere Malerei behandelt werden. Das Werk, das wir hier untersuchen, ist zwar absolut flämisch und kann mit absoluter Sicherheit in die zweite Hälfte des 16. Jahrhunderts datiert werden, aber es weist keineswegs den unverwechselbaren Stil von Martin de Vos auf. Im Gegenteil, unser Werk gehört zu einer Sphäre der flämischen Malerei in Italien, die nicht direkt auf de Vos zurückgeht, sondern mit einer anderen, aber eigenständigen Schule seiner Landsleute zusammenfällt. Charakteristisch für das hier untersuchte Gemälde ist das Gewimmel von Figuren um den gefallenen Erlöser, das ein doppeltes Gefühl widerspiegelt: ethisch und ästhetisch. Einerseits schildert der Maler bei näherer Betrachtung energisch und mit harten, fast volkstümlichen Akzenten den Schmerz und die Traurigkeit der Menge, die sich konzentriert und ausdünnt, mit einer sehr eindrucksvollen und fesselnden szenischen Wirkung; andererseits kann man in dem Werk ein allgemeines Gefühl von Spott und Hohn lesen, das mit der dargestellten Geschichte übereinstimmt. Diese Art der Darstellung ist typisch für die flämische Kultur, die in vielen Autoren, die auch in Italien tätig sind, sogar entfernt mit der Kultur von Hieronymus Bosch verbunden ist, die jedoch auf die erste Hälfte des 16. Aber all dies gehört nicht zur Kultur von de Vos, der sich vielmehr an einem strengen und edlen Klassizismus orientiert. Hier, in unserem Werk, sieht man das genaue Gegenteil von Klassizismus. Im Gegenteil, man sieht eine absolut manieristische Haltung des Malers, der das Bild ausgeführt hat, die dem entspricht, was wir hier festgestellt haben. Die stilistischen Merkmale unseres Gemäldes sind also eng mit einem anderen flämischen Meister verwandt, der in der zweiten Hälfte des 16. Jahrhunderts in Süditalien tätig war: Simone De Wobreck. Jahrhunderts in Süditalien tätig war, Simone De Wobreck. Dieser Name ist heute vielleicht weniger bekannt als der eines de Vos, aber Simone De Wobreck war ein herausragender Meister, der vor allem in Sizilien tätig war, wo er eine bedeutende Gruppe von Schülern und Anhängern schuf. Vergleicht man unser Gemälde mit einem authentischen Meisterwerk De Wobrecks wie dem majestätischen Altarbild der Beschneidung in der Kirche San Domenico in Castelvetrano, so ist meines Erachtens klar, dass wir es mit derselben Hand zu tun haben. Analytisch und scharf, lebendig und wuchernd, wurde unser Gemälde von einem Künstler mit der gleichen Mentalität und figurativen Kultur geschaffen, die wir im Altarbild von Castelvetrano zum Ausdruck kommen sehen. Darüber hinaus hat sich Simone De Wobreck immer wieder mit dem Thema des Aufstiegs zum Kalvarienberg beschäftigt, wie mindestens zwei Altarbilder belegen, die ihm in den Quellen zugeschrieben werden, eines in San Francesco in Caccamo und ein anderes in der Kirche Santa Maria Maddalena in Ciminna. Unser Gemälde muss also als ein bemerkenswertes Werk des flämischen Manierismus in Italien angesehen werden, das wahrscheinlich zwischen dem neunten und zehnten Jahrzehnt des 16. Jahrhunderts datiert werden kann, in den letzten Lebensjahren von De Wobreck, der zu einem nicht näher bestimmten Zeitpunkt in Haarlem geboren wurde, aber in das vierte Jahrzehnt einzuordnen ist und aus dokumentarischen Gründen um 1596/97 verschwand".

Valorac. 6 900 EUR

Lote 5 - () - Madonna mit Kind, Engeln und dem heiligen Joseph, 16. Jahrhundert 104X78 cm im Rahmen 124X99 Öl auf Tafel Das vorliegende Gemälde, das die Heilige Familie und die beiden Engel darstellt, spiegelt eine Ikonographie wider, die im 16. Jahrhundert sowohl in italienischen als auch in ausländischen Malschulen weit verbreitet war. Das Gemälde kann in die zweite Hälfte des 16. Jahrhunderts und wahrscheinlich um 1570/80 eingeordnet werden. Es ist insofern historisch interessant, als es repräsentativ für die flämische Stilrichtung ist, die sich über Spanien und Portugal bis zu einigen Schülern der neapolitanischen Schule ausbreitete. Insbesondere scheint das Gemälde in Komposition und Stil eng mit der Tätigkeit der spanischen Malerwerkstätten und insbesondere derjenigen in Palma de Mallorca verbunden zu sein. Flämische Einflüsse in diesen Werkstätten tauchen bereits in der zweiten Hälfte des 15. Jahrhunderts auf und bleiben bis zum Ende des 16. Jahrhunderts aktiv, eine Periode, für die unser Werk repräsentativ ist. Jahrhunderts, für die unser Werk repräsentativ ist. Es ist in der Tat ein auffälliges historisches Zeugnis für den Moment der Konvergenz der hispano-flämischen letio mit der europäischen im Allgemeinen und der neapolitanischen Schule im Besonderen, die bereits in der zweiten Hälfte des 15. Von besonderem Interesse ist die Ikonographie des Kindes, das aus der Bildkomposition herauszuspringen scheint und Freude und Zuneigung gegenüber seiner Mutter bekundet. Diese Ikonographie findet sich häufig, vor allem in der katalanischen Schule. Atelier ASOR.

Valorac. 3 400 EUR

Lote 11 - Elena Recco - Elena Recco (Neapel 1654-Madrid 1715) - Fischstillleben, 17. Jahrhundert cm 40 x cm 48, im Rahmen cm 52 x cm 60 Öl auf Leinwand Vorhanden Gutachten von Prof. Strinati. "Das Fischstillleben (Öl auf Leinwand, 37 x 47 cm, gerahmt 50 x 62 cm) ist ein Werk, das sich gut in die Produktion von Elena Recco einfügt, einer bedeutenden, auf dieses Genre spezialisierten Malerin, Tochter des großen neapolitanischen Meisters Giuseppe Recco, die lange Zeit an der Seite ihres Vaters (sowie ihres wenig bekannten Bruders Nicola Maria) zwischen Neapel und dem spanischen Königshof tätig war, an den sie sich, ihrem Vater folgend, gegen Ende des 17. Jahrhunderts begab und wo sie lange Zeit blieb und mit sehr wichtigen und vorrangigen Aufträgen geehrt wurde. Ausgehend von Reccos bekanntem und historiographisch belegtem Alter (Neapel 1654, Madrid 1715), scheint das hier untersuchte Gemälde stilistisch und materiell zweifellos in das erste Jahrzehnt des 18. Ich komme zu dieser Überlegung, indem ich unser Werk vor allem mit einer Reihe von Gemälden aus der alten Orsini-Sammlung in Gravina di Puglia vergleiche (die heute auf verschiedene Besitztümer verteilt ist), in der sich tatsächlich bemerkenswerte Fischsterben von Elena Recco befanden, auch wenn die Inventare sie manchmal fälschlicherweise unter dem Namen des großen Vaters Giuseppe ausweisen. In diesem Zusammenhang möchte ich als Schulbeispiel von großem historischen und künstlerischen Interesse ein Fischstillleben anführen, das unserem sehr ähnlich ist und von Lucio Galante in La Natura Morta in Italia, tomo secondo, Electa Milano 1989, S. 971, Nr. 1183, unter dem Namen von Giuseppe Recco veröffentlicht wurde, aber in Wirklichkeit ein absolutes Meisterwerk seiner Tochter Elena ist. Recco hat sich sehr auf das Genre der Fischmalerei spezialisiert, und unser Gemälde ist sehr bezeichnend für die typische und unverwechselbare Methode des Künstlers, Bilder von Fischen so zu mischen, als ob sie durcheinander auf die Theke eines Fischhändlers geworfen worden wären und darauf warteten, an verschiedene Kunden und Gönner verteilt zu werden. Das Bildmaterial ist in unserem Fall dick und voll, und auch dies ist ein besonderes Element, das die Produktion dieser großen Malerin charakterisiert, die einen eigenen und absolut herausragenden Platz in der großen und erhabenen Geschichte des Stilllebens in Neapel zwischen dem 17. und 18. Jahrhundert verdient. Ich schließe mit der Feststellung, dass der Erhaltungszustand des hier untersuchten Gemäldes sehr gut ist und somit seine ziemlich hohe intrinsische Qualität bestätigt. Im Vertrauen, Claudio Strinati".

Valorac. 3 900 EUR

Lote 13 - Antonio Cifrondi - Antonio Cifrondi (Clusone 1656-Brescia 1730) - Frau mit Henne, 1700-1730 84x105 cm Ölgemälde auf Leinwand Werk ohne Rahmen. "Vor einem kahlen und flachen bläulichen Hintergrund, dem einzigen Hinweis auf eine äußere Räumlichkeit, taucht aus dem Halbdunkel die Figur einer gebückten älteren Frau auf, deren von Falten zerfurchte Stirn und kräftige, von harter Landarbeit abgenutzte Arme ihre Rolle als Bäuerin verdeutlichen. Mit ihrer nüchternen, naturalistischen Komposition kann die Frau als die eigentliche Protagonistin des Gemäldes betrachtet werden, auch wenn der Betrachter beim Lesen ihres schlaffen, von Müdigkeit und Alter gezeichneten Blicks aufgefordert wird, sich auf den weißen Vogel zu konzentrieren, der zart auf einer mit Heu gefüllten Stange sitzt. Das Bild der Frau ist mit breiten, materiellen Pinselstrichen modelliert, die von spärlichen, warmen Farben durchdrungen sind, die sich deutlich in den rosigen Tönen ihres Teints abzeichnen und die erdigen Schatten teilen, die zur Plastizität der Figur beitragen. Die formalen Merkmale des Werks sind von der lombardischen Malerei beeinflusst, so dass es den profanen Motiven, die in den letzten Jahrzehnten des 17. Das stilistische Merkmal, das sich in der farblichen Nüchternheit zeigt, erlaubt es uns jedoch, das Werk Antonio Cifrondi aus Bergamo zuzuordnen und es in den ersten dreißig Jahren des 18. Jahrhunderts anzusiedeln". Tatsächlich ließ er sich, nachdem er in Frankreich gewesen war, endgültig in Brescia nieder, da er die Bekanntschaft mit Le Brun und die unmittelbare Vision der Natur und des Alltagslebens, die die transalpine Malerei des 17. Jahrhunderts inspirierte. Er widmete sich daher der Komposition von Gemälden, in denen die einfachsten Schichten die Protagonisten sind: Figuren der Armen, der Pitocchi, der Bauern, usw. Das vorliegende Gemälde ist ein Ausdruck dieser Zeit, ausgeführt mit einer schnellen Technik, mit breiten Pinselstrichen, entschlossen und selbstbewusst. ASORstudio

Valorac. 2 000 EUR

Lote 29 - Francesco Conti - Francesco Conti (Florenz 1681-1760) - Verkündigung 88x55 cm im Rahmen 101,5x69 cm Öl auf Leinwand Gutachten von Professor Claudio Strinati. Verkündigung (Öl auf Leinwand, cm. 101 x 69 mit Rahmen) Es handelt sich um ein Werk, das aufgrund seines Stils (die wellenförmige und bewegte Zeichnung der Figuren und des Faltenwurfs) und seiner Ikonographie (der Erzengel Gabriel und die Jungfrau stehen beide und sind von gleicher Größe und Präsenz im Raum) auf den Beginn des 18. Jahrhunderts zu datieren ist und zum Teil die malerische Kultur der römischen Schule von Carlo Maratta widerspiegelt, die zur Zeit der Entstehung des hier untersuchten Gemäldes wahrscheinlich noch lebendig war; zum anderen das Erbe der florentinischen Barockschule, die heute weniger bekannt ist, aber äußerst blühend und reich an Persönlichkeiten ist, vor allem nach dem Durchgang durch die Stadt von Pietro da Cortona und Ciro Ferri, die bedeutende Meisterwerke hinterließen, deren Echo auch in unserem Gemälde wahrgenommen werden kann. Aus stilistischen Gründen bin ich der Meinung, dass der Autor dieses schönen Gemäldes als der Florentiner Francesco Conti identifiziert werden muss, der in seiner Jugend in engem Kontakt mit der Marattesca-Schule in Rom stand (wo er Schüler des bedeutenden Giovanni Maria Morandi war), dann aber seinen eigenen Weg verfolgte, der ihn, nachdem er rechtzeitig nach Florenz zurückgekehrt war, zu brillanten Ergebnissen im Bereich der toskanischen Barockmalerei führte, die von jenen Merkmalen des Witzes, der formalen Eleganz und der sanften Dynamik geprägt sind, die mir in unserem Werk allgegenwärtig zu sein scheinen. Ein Vergleich mit einem der frühen Meisterwerke Contis, dem Altarbild der Dreifaltigkeit in der Florentiner Kirche San Jacopo sopr' Arno, das vor dem Ende des ersten Jahrzehnts des 18. Unter anderem ist es merkwürdig, dass das Modell des Ewigen Vaters, mit einer einzigartigen Glatze und einem spärlichen, nervösen Bart, sowohl in dem erwähnten Altarbild als auch in unserem Gemälde, wo er kanonisch dargestellt wird, indem er auf die Erde geschickt wird, genau dasselbe sein soll. den Heiligen Geist in Form einer Taube auf die Erde sendet. Ich komme zu dem Schluss, dass unser Gemälde ein interessantes und sehr schönes Zeugnis der Anfänge eines Künstlers ist, der heute sicherlich weniger gefeiert wird als einige seiner bedeutenden Landsleute und Zeitgenossen, aber von beträchtlichem Interesse und als solcher mit Verdienst sowohl in den Schriften von alten Kunsthistorikern, aber auch in den Schriften einiger Meister der Geschichtsschreibung des 20. wie Matteo Marangoni, der in einem seiner wichtigen Aufsätze Settecentisti (aber nicht Florentiner, in seinem Band Arte barocca, Firenze Vallecchi 1973 (2. Aufl.) Contis Relevanz mit Argumenten untermauerte, die auch heute noch gültig sind. Es handelt sich also um ein Werk von bemerkenswerter historischer Bedeutung und hoher künstlerischer Qualität, die durch den hervorragenden Erhaltungszustand gewährleistet wird. Ich bin daher der Ansicht, dass der Wert des hier untersuchten Gemäldes auf der Grundlage der zum Zeitpunkt dieser Bewertung herrschenden Marktbedingungen bei etwa 25.000 Euro liegt. Im Vertrauen, Claudio Strinati

Valorac. 3 400 EUR

Lote 31 - Angelo Inganni - Angelo Inganni (Brescia 1807-Gussago 1880) - Ansicht der Piazza dei Mercanti oder Der Durchgang von der Piazza dei Mercanti zur Pescheria Vecchia H cm 46,5x36 - im Rahmen H cm 57x45 Öl auf Leinwand Signiert und datiert unten rechts Gutachten von Professor Claudio Strinati: "Das sehr schöne Gemälde ist von Angelo Inganni signiert und ist ein typisches Werk seiner späten Periode, d.h. ausgeführt im achten Jahrzehnt des 19. Jahrhunderts, als der Meister sich nach verschiedenen interessanten Ereignissen zwischen Mailand und Wien mit großem Engagement und Eifer der Darstellung des täglichen Lebens in der Stadt widmete, mit einem gelungenen Sinn für Perspektive und einer großartigen Begabung für erzählende Malerei mit stets stark charakterisierten Figuren, die seine Bilder mit Anekdoten und Episoden aller Art durchsetzt, die den Tumult eines lebendigen und wimmelnden Lebens so gut wie möglich wiedergeben. Seit seiner frühen Jugend hatte Inganni, um die Wahrheit zu sagen, diese Art von Herangehensweise verfolgt, aber mit der Zeit wurde sein Stil feiner und delikater, und unser Gemälde, das wir hier untersuchen, spiegelt diese extreme stilistische Veränderung vollständig wider. Der in seiner frühen Phase entscheidende Einfluss der großen "Stadtmaler" der Generation vor ihm, wie des Piemontesen Giovanni Migliara oder des Venezianers Giuseppe Canella, ist in diesem Werk noch sehr deutlich zu spüren. Von diesen Künstlern bezog Inganni genau jene Vorliebe für die städtische Erzählung, die so viele denkwürdige Momente der europäischen Malerei in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts prägte. Aber im Vergleich zu seinen Vorgängern ist Inganni mehr denn je berechtigt, als der Maler par excellence des popolo minuto und des Kleinbürgertums zu gelten (wie unser Bild hinreichend beweist). In unserem Gemälde steht das eine neben dem anderen, mit Natürlichkeit und einfacher Spontaneität, aber gleichzeitig ist das Auge des Künstlers freundschaftlich mit den Freuden und Leiden des täglichen Lebens verbunden. All dies ist in eine sehr präzise perspektivische Struktur eingebettet, in der der Blick zu fernen Horizonten schweift, die sich über dem geschlossenen Gewirr von Gassen und kleinen Plätzen abzeichnen. Die Gegend von Mailand, die auf dem hier untersuchten Gemälde dargestellt ist, ist diejenige, in der der Maler jahrzehntelang seinen Beruf ausübte, die Gegend um die Kirche San Marco, die immer noch existiert, auch wenn sie durch die moderne Stadtplanung tiefgreifend verändert wurde. Ein wunderschönes Zeugnis eines wirklich bedeutenden Malers, dessen Werk zudem perfekt erhalten ist".

Valorac. 8 500 EUR