10th July - Contemporary Art and latest trends II

Los 1 - JO DELAHAUT (Vottem, 1911 - Schaerbeek, 1992). "Carrés monochromes", 1986. Acryl auf Leinwand. Signiert und datiert am unteren Rand. Auf der Rückseite betitelt, signiert und datiert. Maße: 91 x 72 cm. Der belgische Maler Jo Delahaut näherte sich in den vierziger Jahren der geometrischen Abstraktion mit einer damals in seinem künstlerischen Umfeld unbekannten Radikalität. Das hier gezeigte Werk gehört zu seiner Reifezeit, in der der Künstler einen extremen formalen und chromatischen Purismus entwickelt, der mit den amerikanischen Werken des "Hard Edge" und "Minimalismus" verglichen werden kann. Gleichzeitig nimmt er aber auch das Erbe Mondrians auf. Seine geometrische Abstraktion war ein Mittel, um die Mechanismen der intellektuellen Aktivität zu wecken, eine an den Geist gerichtete Metasprache. Er nährt die uralte dialektische Beziehung zwischen Form und Farbe und verwendet in seinem Werk die flache Geometrie, weil er sie als "die repräsentativste des Menschen" betrachtet. Er unterstreicht diesen Gedanken, wenn er schreibt: "Sie bringt Klarheit in die Darstellung; sie ist lesbar, intuitiv verständlich, auch für diejenigen, die die Theorie nicht kennen". Jo Delahaut ist eine der führenden Persönlichkeiten der geometrischen Abstraktion in Belgien. Ausgebildet an der Akademie der Schönen Künste in Lüttich, war er Schüler von Auguste Mambour (1928-1934). Er promovierte in Kunstgeschichte an der Universität Lüttich und begann 1940, expressionistische Gemälde zu malen. Beeinflusst vom Stil des Malers Auguste Herbin, konstruiert er statische geometrische Formen, bei denen zunächst die Farbe der Oberflächen die Hauptrolle spielt. Er war 1946 Mitglied des Salon des Réalités Nouvelles in Paris und 1947 der Jeune Peinture Belge in Brüssel, neben Mig Quinet (1906-2001), Louis Van Lint (1909-1986), Gaston Bertrand (1910-1994), Marc Mendelson (1915-2013) und Anne Bonnet (1908-1960). Er war 1952 Gründungsmitglied der belgischen Gruppe Art Abstrait und 1954 Mitverfasser des Manifeste Spatialiste, unter anderem mit Pol Bury (1922). Werke: Tafeln für das Universitätsklinikum von Lüttich (Siebdruck auf emaillierten Stahlplatten, 1978-1985), Sammlung des Musée en plein air du Sart Tilman (Universität Lüttich). "Esplanade" (1987), im Musée en plein air du Sart-Tilman, Universität Lüttich (2011 restauriertes Werk). Dekoration der Station Montgomery der Brüsseler U-Bahn. Symphonie n°2, 1986 (Université libre de Bruxelles - Archives, patrimoine, réserve précieuse).

Schätzw. 9 000 - 10 000 EUR

Los 2 - NEDKO SOLAKOV (Cherven Briag, Bulgarien, 1957). "Naturmenschen I", 2002. Tinte auf Fotografie. Einzigartiges Stück. Maße: 120 x 150 cm. Zeichnungen, Gemälde, Installationen, Videos und Performances bilden das Werk von Nedko Solakov (Cherven Briag, Bulgarien, 1957), der seine Ausstellungen oft mit handgeschriebenen Texten und kleinen Kritzeleien bevölkert, die in jeder Ecke zu entdecken sind oder sich auffällig an den Wänden entlang ziehen. Seine persönlichen Reflexionen über das Leben, die Kunst, die Politik oder die Gesellschaft sind oft von Humor, Ironie und poetischem Atem durchdrungen. Solakov lacht über alles, vor allem über das, was ihm am meisten Angst macht, so als wolle er seine eigenen Ängste und Peinlichkeiten verjagen. Seine Werke sind unter anderem in öffentlichen und privaten Sammlungen vertreten, wie zum Beispiel: Le Centre Pompidou, Paris; Museum für Moderne Kunst, Frankfurt am Main; Tate Modern, London; The Museum of Modern Art, New York; Kunsthaus Zürich, Zürich.

Schätzw. 8 000 - 10 000 EUR

Los 3 - CUNDO BERMÚDEZ (Havanna, Kuba, 1914- Florida, USA, 2008). Ohne Titel. Öl auf Leinwand. Beigefügtes Echtheitszertifikat von Don Conrado Basulto ausgestellt. Es stellt Schmutz und nicht Keilrahmen zu erhalten. Abmessungen: 49,5 x 60 cm. Die von Glasfenstern inspirierte Malerei war in der kubanischen Malerei weit verbreitet. Ein Beispiel dafür ist das vorliegende Werk, das sich durch seine brillant einfachen Kompositionen auszeichnet, in denen der synthetische Kubismus und die Glasfenster der Kolonialzeit miteinander verschmolzen sind. Bermúdez vergrößerte die Glasmalerei zu einem traumhaften Theater, in dem träge Musiker und geschmückte Frauen kaleidoskopische Schachbretter bevölkern. Die Atmosphäre der gläsernen Sinnlichkeit in Bermúdez' Gemälden ist vieldeutig. Ennui verwandelt sich in eingeatmeten Luxus, Vergnügen geliert im Bernstein eines verträumten Bildes. Don Conrado Basulto, kubanischer Künstler, verließ 1994 sein Land und ging in die Vereinigten Staaten. Bei seiner Einreise nach Amerika wurde er in Guantanamo inhaftiert, wo er Cundo Bermudez traf und eine Galerie gründete. Secundino Bermúdez y Delgado, bekannt als Cundo Bermúdez, war ein kubanischer Maler. 1926 trat Bermúdez in das Instituto de La Habana und 1930 in die Escuela Nacional de Bellas Artes San Alejandro in derselben Stadt ein, wo er zwei Jahre lang Malerei studierte. Zusammen mit anderen Malern und als Protest gegen das Fehlen von Kunstgalerien stellte Bermudez seine Werke in den Bäumen des Albear-Parks aus und nahm 1938 an einer Ausstellung im Castillo de la Fuerza teil. Dort erlangte er eine gewisse Anerkennung. Später reiste er nach Mexiko, um an der Akademie San Carlos zu studieren, wo er die Arbeit der Wandmaler aus nächster Nähe beobachten konnte, was einen großen Eindruck auf den Maler machte. Jahre später reist er in die Dominikanische Republik, wo er sein erstes Gemälde verkauft und auch seine erste Einzelausstellung veranstaltet. 1943 wird die von José Gómez Sicre organisierte "Ausstellung moderner kubanischer Malerei und Bildhauerei" im Instituto Hispano Cubana de Cultura in Havanna eröffnet. Der Mexikaner David Alfaro Siqueiros ist anwesend und sagt über Bermudez folgendes: "Cundo Bermudez steht für Kühnheit in der bildenden Kunst. Er versteht es, synchron zu bauen. Mit Tönen und Nahaufnahmen, die er in die Tiefe des Bildes setzt, baut er auf und organisiert, manchmal auf fast wundersame Weise. Ich glaube, dass dieser Künstler eine große Bedeutung für die Farbpalette der modernen kubanischen Malerei hat". Ein Jahr später wurde die Ausstellung kubanischer Malerei im Museum of Modern Art in New York (MOMA) eröffnet, die einen großen Impuls für sein Werk darstellte, und er stellte in San Francisco, Buenos Aires und Mexiko aus. Im Jahr 1949 gründete er unter anderem die Vereinigung der Maler und Bildhauer Kubas (APEC). Er stellte in mehreren Ländern Amerikas und Europas aus. Seine Werke wurden 1951 im Museum für Moderne Kunst in Paris und 1952 in München ausgestellt. Vier Jahre später, 1956, stellte er auf der Biennale von Sao Paulo aus und gewann den ersten Preis bei der "International Caribbean Art Exhibition" im Museum of Art in Houston, Texas. Als Fidel Castro 1959 an die Macht kam, beteiligte sich Cundo an den Bemühungen um die Freilassung politischer Gefangener. In Kuba ist er, wie andere Künstler auch, einer irrationalen Isolation unterworfen. Journalisten und Intellektuelle, die die Insel besuchen, fragen nach ihm. Man verweigert ihm Material zum Arbeiten. Er wird nicht zu nationalen Ausstellungen eingeladen. Ende der 1960er Jahre gelingt es ihm, Kuba zu verlassen und in die Vereinigten Staaten zu gehen. Das beigefügte Echtheitszertifikat wurde von Don Conrado Basulto ausgestellt. Es ist verschmutzt und hat keinen Keilrahmen.

Schätzw. 16 000 - 18 000 EUR

Los 4 - MANOLO VALDÉS (Valencia, 1942). "Eva III", 1993. Radierung und Collage auf Papier. Exemplar 4/51. Am unteren Rand mit Bleistift signiert und gerechtfertigt. Maße: 165 x 65,5 cm, 183 x 84 cm. (Rahmen). Auf diesem vom Künstler ausgeführten Stich ist die Figur der Eva zu sehen, die sich an dem gleichnamigen Gemälde von Durero aus dem Jahr 1507 orientiert, das sich in der Sammlung des Prado-Museums befindet. Valdés rettet diese Figur aus dem Alten Testament, indem er ihren Körper in die Gegenwart holt und ihn auf eine ästhetische Sprache synthetischer und schematischer Formen reduziert, die den andächtigen und ikonografischen Ausdruck der religiösen Figur bewahren, die ihren Nimbus der Heiligkeit und ihre bescheidene Haltung beibehält. Valdés verzichtet auf den ikonischen Apfel und führt stattdessen das Bild einer Blume ein, die er über das Geschlecht der Protagonistin legt. Dieser Verweis spielt auch auf das Werk von Dürer an, der zahlreiche von Flora und Fauna inspirierte Zeichnungen anfertigte, aber das Bild der Blume fügt dem Werk auch eine konzeptionelle und metaphorische Lesart hinzu, die auf verschleierte Weise die Idee der Geburt vermittelt. Manolo Valdés führte in Spanien eine Form des künstlerischen Ausdrucks ein, die politisches und soziales Engagement mit Humor und Ironie verbindet. Er begann seine Ausbildung 1957 mit dem Eintritt in die Schule der Schönen Künste San Carlos in Valencia. Zwei Jahre später brach er jedoch sein Studium ab, um sich ganz der Malerei zu widmen. Im Jahr 1964 gründete er zusammen mit Juan Antonio Toledo und Rafael Solbes die Künstlergruppe Equipo Crónica, der er bis zu deren Tod 1981 angehörte, obwohl Toledo die Gruppe zwei Jahre nach ihrer Gründung verlassen hatte. Seitdem hat er sich in New York niedergelassen, wo er heute lebt und weiterhin mit neuen Ausdrucksformen experimentiert, unter anderem mit der Bildhauerei. Zu den zahlreichen Auszeichnungen, die Manolo Valdés erhalten hat, gehören der Lissone und der Biella von Mailand (1965), die Silbermedaille der II. Internationalen Biennale der Gravuren von Tokio (1979), der Preis des Bridgestone Art Museum in Lissabon (1979), der Nationale Preis für plastische Kunst (1983), die Medaille des Internationalen Festivals plastischer Künstler in Bagdad (1986), die Auszeichnung des Ordens von Andres Bello in Venezuela (1993), der Preis des Nationalrats von Monaco (1997), die Goldmedaille für Verdienste in der bildenden Kunst (1998), der Preis des Spanischen Verbands der Kunstkritiker (2000) und der Preis für den besten Grafiker (2002), um nur einige zu nennen. Mit Equipo Crónica nutzte Valdés die Figuration als Ausdrucksmittel für seine Ansätze, für seine Kritik an Kunst, Gesellschaft und Politik, wobei er dem reinen Akt des Malens den Vorrang vor allen anderen Inhalten einräumte. In thematischer Hinsicht lässt sich Valdés von der Kunst der großen Meister der Malerei inspirieren: Goya, Velázquez, El Greco, Ribera oder Zurbarán, und er verbirgt seine Vorbilder nie, sondern hebt sie hervor, sogar in den Titeln seiner Werke. Formal schafft er ein großformatiges Werk, in dem Licht und Farben durch die Behandlung der Materialien taktile Werte ausdrücken. Sein Werk zwingt den Betrachter, sich in die Erinnerung zu vertiefen und nach bedeutenden Bildern aus der Kunstgeschichte zu suchen. Valdés ist in einigen der bedeutendsten Museen der Welt vertreten, wie dem Reina Sofía in Madrid, dem Metropolitan, dem MoMA und dem Guggenheim in New York, dem Centre Georges Pompidou und dem Fons National d'Arts Plastiques in Paris, der Kusnthalle in Hamburg, dem Kunstmuseum in Berlin und dem Museo de Bellas Artes in Bilbao, neben vielen anderen.

Schätzw. 10 000 - 12 000 EUR

Los 5 - JOSEP GUINOVART (Barcelona, 1927 - 2007). "Pelaires", 1989. Gemischte Medien auf Leinwand. Signiert und datiert in der linken unteren Ecke. Maße: 145 x 114 cm. In diesem Gemälde aus den achtziger Jahren bricht Guinovart visuell mit der Zweidimensionalität der Bildfläche und lässt Formen, Farben und Texturen aufeinanderprallen. Ohne die Grenzen der Abstraktion zu überschreiten, gewinnen die organischen Andeutungen an Relief zwischen den Rottönen und dem Hell-Dunkel von Schwarz und Weiß, eingebettet in großzügige Materie. Guinovart beschwört das materielle Chaos und unterwirft es gleichzeitig durch eine intuitiv orchestrierte Komposition. Der Autor gibt dem Betrachter ein Bild, das von Lyrik durchdrungen ist. Der materielle und gestische Impuls ist einer großen plastischen Kohärenz unterworfen. Josep Guinovart wurde an der Escuela de Maestros Pintores, an der Escuela de Artes y Oficios und in den Klassen der FAD ausgebildet. Seine erste Einzelausstellung hatte er 1948 in den Galerien Syra in Barcelona. Bald erwarb er sich ein hohes Ansehen, arbeitete mit Dau al Set zusammen und nahm an den Salons October, Jazz und Eleven teil. In den fünfziger Jahren lebte er dank eines Stipendiums in Paris, wo er die Werke von Cézanne und Matisse kennenlernte, die neben Miró und Gaudí zu seinen wichtigsten Einflüssen zählen sollten. 1955 gründete er zusammen mit Aleu, Cuixart, Muxart, Mercadé, Tàpies und Tharrats die Gruppe Taüll, in der sich die Avantgarde-Künstler der damaligen Zeit zusammenfanden. Gegen 1957 begann er eine informelle und abstrakte Tendenz, mit einer starken materiellen Präsenz sowohl durch die Einbeziehung verschiedener Elemente und Gegenstände (verbranntes Holz, Kisten, Abfallgegenstände) als auch durch die Anwendung von Techniken wie Collage und Assemblage. Ab den 1960er Jahren wendet er sich von der informellen Poetik ab und beginnt, Werke voller Zeichen und Gesten zu schaffen, die eine starke expressive Ladung in den Linien und Farben enthalten. In den siebziger Jahren verwendete er systematisch Materialien wie Sand, Erde, Schlamm, Stroh oder Faserzement, und im folgenden Jahrzehnt konzentrierte er sich auf das Experimentieren mit der dreidimensionalen Projektion seiner Werke, die die Form der Schaffung von Environments oder räumlichen Umgebungen annahm, wie das Werk mit dem Titel Contorn-extorn (1978). Guinovart hat ein sehr vielseitiges künstlerisches Schaffen: Wandmalereien, Bühnenbilder und Theaterkulissen, wie die für Federico García Lorcas Bluthochzeit, Buchillustrationen, Plakatgestaltung, Wandteppiche und Skulpturen. Er nahm an den Biennalen von São Paulo (1952 und 1957), Alexandria (1955) und Venedig (1958, 1962 und 1982) teil und erhielt unter anderem 1981 den Preis der Stadt Barcelona, 1990 den Nationalen Preis für plastische Kunst und 1990 den Preis für plastische Kunst der Generalitat. Im Jahr 1994 wurde der Guinovart Space in Agramunt, Lérida, eröffnet, eine private Stiftung, die eine ständige Ausstellung des Künstlers zeigt. Guinovart ist in den Museen für zeitgenössische Kunst in Barcelona, Madrid und Mexiko-Stadt, im Museum für Skulpturen im Freien in Santa Cruz de Tenerife, im Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, im Museo de Bellas Artes in Bilbao, im Museo San Telmo in San Sebastián, das Museo Eusebio Sempere in Alicante, das Museo de Navarra in Tafalla, die Casa de las Américas in Havanna, das Bocchum Museum in Deutschland, das Museo de Bellas Artes in Long Island, New York, und das Museo Patio Herreriano in Valladolid.

Schätzw. 7 000 - 8 000 EUR

Los 6 - FERRÁN GARCÍA SEVILLA (Palma de Mallorca, 1949). "Bol 16", 2005. Acryl auf Leinwand. Signiert auf der Rückseite. Provenienz: Galerie Joan Prats in Barcelona. Beiliegend ein Etikett der Galerie Joan Prats. Maße: 152 x 172 cm. In dieser Komposition mit festlichem Charakter, die nicht aufhört, konzeptionell und intellektuell zu sein (wie die meisten seiner bildnerischen Experimente), führt García Sevilla einen Dialog mit dem Erbe des abstrakten Expressionismus und sogar mit dem Pointillismus, um dieses Erbe in chromatischen Supernovas auszubrüten. Ursprünglich mit Kunsttheorie und -kritik verbunden, war García Sevilla Professor für Bildende Kunst an mehreren Universitäten. Sein persönliches Debüt gab er 1972. Nachdem er seine künstlerische Laufbahn in der Konzeptkunst begonnen hatte, landete er in der Malerei und Grafik, die in der so genannten postmodernen Kunst angesiedelt ist. In der Regel arrangiert er klar umrissene, oft anthropomorphe Figuren auf neutralen Hintergründen oder mit sich eindringlich wiederholenden Motiven. Er verwendet reiche, lebendige und kontrastreiche Farbpaletten, mit einer vereinfachten Sprache, die manchmal der primitiven Kunst nahe kommt. García Sevillas riesige Gemälde, seine eindringlichen Bilder, sein oft brutaler Humor, die Texte, die einen Teil der Oberfläche dieser Gemälde einnehmen, seine Ausdruckskraft sind dem spanischen Betrachter ebenso vertraut wie dem in anderen Ländern. Mit einer Vorstellungskraft ausgestattet, die fast so gewaltig ist wie sein Wille, ist García Sevilla eine wahre Maschine zur Herstellung von Bildern, zum Verschlingen und Umwandeln von Bildern. All dies findet seine Übersetzung auf der verbalen Ebene: Seit seinem berühmten Interview mit Kevin Power, das in dessen Buch "Conversations with..." (1985) gesammelt wurde, zweifelt niemand mehr daran, dass García Sevilla zu den spanischen Malern gehört, die mehr zu sagen haben und die unter dem Anschein der Improvisation und, wenn nötig, des Deliriums, mehr Wendungen in der Bedeutung ihrer Arbeit geben. In dieser Hinsicht erinnert sein Fall an den von Miró, den er immer sehr bewundert hat. Er hatte Einzelausstellungen in Europa und den Vereinigten Staaten und nahm an Gruppenausstellungen in Hamburg, Wien, München, St. Petersburg, Lissabon und mehreren spanischen Städten sowie an der Documenta in Kassel (1987) und den Biennalen von Istanbul (1989) und São Paulo (1996) teil. Zu den persönlichen Ausstellungen der letzten Jahre gehören die der Elga Wimmer Gallery in New York (1992), des Thomas Netusil Kunsthandels in Wien (2000) und der Galerie Fúcares in Madrid (2008). García Sevilla ist im Centre Pompidou in Paris - Nationalmuseum für moderne Kunst, im Nationalmuseum Reina Sofía, im MACBA in Barcelona, im Atlantic Center of Modern Art in Las Palmas, im CaixaForum in Barcelona, in der Stiftung Suñol, im Museum Ico Collections, im Es Baluard in Palma de Mallorca, im IVAM in Valencia, in der Stiftung Juan March, im Museum Patio Herreriano in Valladolid, im ARTIUM in Vitoria und im MuHKA in Antwerpen vertreten.

Schätzw. 8 000 - 10 000 EUR

Los 7 - ANTONI CLAVÉ I SANMARTÍ (Barcelona, 1913 - Saint Tropez, Frankreich, 2005). "Hommage an Doménikos Theotokópoulos", 1964. Öl auf geklebtes Papier. Provenienz: Sala Gaspar in Barcelona / Galerie Tamenaga in Tokio. Mit Etiketten der beiden Galerien auf der Rückseite. Maße: 110 x 75 cm; 125 x 90 cm (Rahmen). Die Figur von El Greco nimmt einen entscheidenden Platz im Werk von Antoni Clavé ein. Es war keine bloße Hommage, die er in Zeichnungen, Stichen und in einer Reihe von Gemälden der sechziger Jahre vollzog, zu denen das hervorragende Ölgemälde, das uns beschäftigt, gehört, sondern ein Weg der plastischen und konzeptionellen Selbsterkundung. "Der Herr mit der Hand auf der Brust" und "Porträt eines Malers" scheinen die Bezugspunkte dieses Gemäldes zu sein. Die Figur erscheint hier in höchstem Maße verklärt, und doch ist die Essenz von El Greco sehr präsent. Der Autor hat die Schwarz- und Ockertöne des kretischen Malers beibehalten, und die Silhouette ist uns weiterhin zugewandt. In seiner Hand scheint er einen Pinsel zu halten, wie im Porträt von Jorge Manuel Theotocópuli, der in El Grecos Gemälde die Palette in der anderen Hand hält. Die Halskrause hat sich in eine Art blasse Girlande verwandelt, die den gesamten Kopf umgibt. Das Ganze suggeriert eine gespenstische Präsenz, die als Hommage an einen Künstler verstanden werden kann, der unauslöschliche Spuren bei künftigen Generationen hinterlassen hat. Antoni Clavé ist eine der bedeutendsten Figuren der spanischen Gegenwartskunst. Ausgebildet an der Escuela de Bellas Artes de San Jordi in Barcelona, widmete sich Clavé zunächst der Werbegrafik, der Illustration und der dekorativen Kunst. Im Jahr 1936 nahm er aktiv am Bürgerkrieg in den Reihen der Republikaner teil, was dazu führte, dass er nach Kriegsende nach Frankreich ins Exil ging. Im selben Jahr, 1939, stellt er die Zeichnungen aus, die er auf den Schlachtfeldern angefertigt hat. Er lässt sich in Paris nieder, wo er Vuillard, Bonnard und Picasso kennenlernt. Er genoss bereits großes internationales Ansehen, als er nach seiner Ausstellung in der Galerie Gaspar in Barcelona im Jahr 1956 auch in Spanien bekannt wurde. Zur gleichen Zeit fertigte er Illustrationen für das Werk "Gargantua und Pantagruel" an, die ihn mit der mittelalterlichen Ikonographie vertraut machten. Er wurde 1948 auf der Hallimark in New York, 1954 auf der Biennale in Venedig und 1957 auf der Internationalen Biennale in Tokio ausgezeichnet. 1984 würdigte der spanische Staat seinen künstlerischen Wert mit der Ausstellung von mehr als hundert seiner Werke im spanischen Pavillon auf der Biennale von Venedig. Im selben Jahr wurde er mit der Goldmedaille der Generalitat de Catalunya ausgezeichnet. Clavés Werke befinden sich unter anderem im Museum der Schönen Künste in Bilbao, in der Tate Gallery, im Museum für Moderne Kunst in Paris, im British Museum in London, im Museum für Moderne Kunst in Tokio und im Museum Reina Sofía in Madrid.

Schätzw. 18 000 - 20 000 EUR

Los 8 - ESTEBAN VICENTE PÉREZ (Turégano, Segovia, 1903 - New York, 2001). "Blaues Grau", Long Island, 1963. Öl auf Leinwand, auf Karton aufgeklebt. Signiert und datiert in der oberen rechten Ecke. Signiert, datiert, lokalisiert und betitelt auf der Rückseite. Maße: 26 x 33 cm; 42 x 50 cm (Rahmen). Esteban Vicente tritt 1921 in die Schule der Schönen Künste von San Fernando in Madrid ein, mit dem Ziel, sich als Bildhauer ausbilden zu lassen, aber bald beschließt er, sich der Malerei zu widmen. Im Jahr 1928 hat er seine erste Ausstellung, nach der er nach Paris geht, wo er bis 1930 bleibt. Er kehrt nach Spanien zurück und stellt in Barcelona und Madrid aus, und nach dem Ausbruch des Bürgerkriegs arbeitet er versteckt in den Bergen um die Hauptstadt. Doch noch im selben Jahr 1936 beschließt er, nach New York zu gehen, dem Herkunftsort seiner Frau. Dort stellt er 1937 zum ersten Mal in der Kleeman Gallery aus. Vier Jahre später erhält er die amerikanische Staatsbürgerschaft, da er als Anhänger der republikanischen Seite nicht nach Spanien zurückkehren möchte. In den folgenden Jahren führte er zahlreiche Aufträge und Ausstellungen durch und war von 1947 bis 1947 Professor für Malerei an der Universität von Puerto Rico. Nach seiner Rückkehr in die Vereinigten Staaten knüpfte er Beziehungen zur aufstrebenden New Yorker Schule und nahm an seinen Ausstellungen in der Kootz Gallery (1950), der Ninth Street Art Exhibition (1951) und in den Sidney Janis und Egan Galleries teil. Er war Gründungsmitglied der New York Studio School, wo er sechsunddreißig Jahre lang unterrichtete. Ab den achtziger Jahren wurde sein Werk in Spanien bekannt, ihm wurden Retrospektiven gewidmet (Banco Exterior, 1987, und Museo Reina Sofía, 1997) und er erhielt Auszeichnungen wie die Goldmedaille für Verdienste um die schönen Künste (1990) und das Großkreuz Alfons X. des Weisen (1999). 1998 wurde in Segovia das Museum für zeitgenössische Kunst Esteban Vicente eröffnet, in dem heute ein großer Teil seiner Werke aufbewahrt wird. Vicentes Werke befinden sich in den wichtigsten Museen für zeitgenössische Kunst in der ganzen Welt, wie dem Metropolitan, dem Guggenheim und dem MOMA in New York, dem Museo Nacional Reina Sofia in Madrid, dem Smithsonian in Washington D.C., dem Withney Museum of American Art oder dem Indianapolis Museum of Art, um nur einige zu nennen.

Schätzw. 5 000 - 6 000 EUR

Los 9 - FERMÍN AGUAYO (Sotillo de la Ribera, Burgos, 1926 - Paris, 1977). "Komposition", 1949. Aquarell auf Papier mit Wasserzeichen. Signiert und datiert in der rechten unteren Ecke. Maße: 22 x 28 cm. Fermín Aguayo war als Mitglied der Grupo Pórtico de Zaragoza ein Pionier der Abstraktion. Sein Werk beginnt im Postkubismus und entwickelt sich sehr bald zur Abstraktion und später, nach seiner Abreise nach Paris im September 1952, zur figurativen Malerei. Das ausgeschriebene Werk entstand in dieser Zeit, 1953, ein Jahr bevor er von Jean-François Jaeger von der Galerie Jeanne Bucher als professioneller Maler mit einem monatlichen Gehalt eingestellt wurde, was ihm eine große Stabilität in seinem malerischen Werk gab, das sich zu einem wesentlichen, intimen und poetischen Figurativismus entwickelte.

Schätzw. 1 000 - 1 200 EUR

Los 10 - SUSANA CRUZ (Madrid, 1992). "Der Traum", Reihe Equilibrium, 2023. Öl auf Leinwand. Signiert und datiert in der unteren rechten Ecke. Signiert und datiert auf der Rückseite. Maße: 180 x 150 cm. Auf dem Gemälde zeigt das Mädchen die Unschuld vor dem Gemälde, das Glück, sich mit Öl zu beschmieren und sich an der Leinwand zu erfreuen. Dahinter die Frau, bereits erwachsen, die das Bild betrachtet und sich daran erinnert, warum sie Tag für Tag weitermacht, begleitet von der Skulptur, die sie eine unendliche Welt der Kreationen entdecken ließ. Der Löwe wacht gelassen über die Szene und bildet eine schützende Barriere. Alle Figuren mit einem gewissen barocken Flair sind in meiner Vorstellung die verschiedenen Emotionen, die mich dazu bringen, in aller Ruhe und mit viel Gefühl zu malen. Es handelt sich um ein Ölgemälde, das mit einem Spachtel gemalt wurde, mit Ausnahme des glatten Hintergrunds, der mit einer Rolle und einem Spachtel bearbeitet wurde. Dieser Kontrast der Texturen, zusammen mit dem Kontrast von Schwarz, Hellbraun und Weiß, spiegelt Stärke und Ausdruckskraft wider, wodurch die Figuren die Hauptrolle spielen und die Aufmerksamkeit des Betrachters auf sich ziehen. Susana Cruz wurde an der Polytechnischen Universität von Madrid ausgebildet, wo sie Werkstofftechnik und später einen Master in Unternehmensberatung studierte. Ihr Interesse und ihr Wissen über die Malerei hat sie sich autodidaktisch angeeignet, so die Künstlerin: "Die Malerei ermöglicht es mir, mich auszudrücken und in meine Welt einzutauchen. Ich habe beim Malen sogar schon geweint, und meistens kriecht meine Haut, wenn ich im Hintergrund gute Musik höre, während ich mich von dem Ölgemälde mitreißen lasse". Die Zeit, in der er in Italien lebte, hat ihn dazu gebracht, meinen Stil zu definieren. Gegenwärtig ist sein Werk von der Barockmalerei inspiriert, und die Leidenschaft für den dramatischen Einsatz von Hell-Dunkel-Malerei wird auf ein persönlicheres Terrain übertragen.

Schätzw. 2 400 - 2 600 EUR

Los 11 - PABLO PICASSO (Malaga, 1881 - Mougins, Frankreich, 1973). "Visage larvé". Aus der Sammlung "Goldmedaillon".1967. Gold 23 kts, 6/20. Auflage limitiert auf 20 Exemplare. Verlag Pierre Hugo. Signatur des Künstlers und eingravierten Zahlen auf der Rückseite. In seiner ursprünglichen Holzkiste. Abmessungen: 5 cm. Durchmesser (Medaillon); 13 x 13 x 3 cm. (Schatulle). Jedes der fünfzehn Anhänger-Medaillons der Serie "Goldmedaillon" trägt die Signatur des Künstlers sowie die Referenz- und Editionsnummer von François Hugo. Konzipiert 1956 und hergestellt nach 1967, in einer nummerierten Auflage von 20 Exemplaren, plus 2 Künstler- und 2 Autorenexemplare. Picassos Faszination für die Erforschung neuer Medien führt uns zu seiner Darstellung eines beliebten Motivs: ein Fisch, der in einem anderen Fisch ruht. Das Thema taucht in seinen keramischen Werken auf, wie z. B. "Grand Poisson (Big Fish), 1956", aber erst in Gold wird die Zartheit und Komplexität der beiden Fische lebendig. Die Linienführung ist wunderschön und die Launenhaftigkeit kommt in diesem seltenen Medium wunderbar zum Ausdruck. In den 1950er und 1960er Jahren beauftragte Picasso Francois Victor-Hugo, einen der fähigsten Goldschmiede Frankreichs, mit der Ausführung einer Reihe von Brunnen, Tellern und Medaillons aus Gold und Silber nach von ihm entworfenen Originalmodellen. Diese Brunnen und Medaillons wurden von Picasso zu Lebzeiten einzeln ausgewählt, entworfen, angesehen, genehmigt und geschätzt, und zwar mit einer solchen Leidenschaft, dass er zunächst nie die Absicht hatte, sie gewinnbringend zu verkaufen. Daher war ihre Existenz zunächst geheimnisumwittert. Picasso weigerte sich, sie an Galerien und Museen zu verleihen, und verbarg sie vor den Besuchern seines Hauses, um sie stattdessen als privaten Schatz zu bewahren. Picasso gab jedoch Hugos Drängen nach und ermächtigte ihn 1967, von jedem Bild eine kleine "nummerierte Auflage" für den Verkauf herzustellen. Da sie nicht öffentlich verkauft, sondern an die jeweiligen Käufer verschickt wurden, fanden sie kaum Beachtung in der Öffentlichkeit, was sie recht selten machte. In den nächsten zehn Jahren schufen Picasso und Hugo gemeinsam neunzehn Goldmedaillen, von denen in jeder Serie zwanzig vollständige Exemplare hergestellt wurden, plus zwei für den Künstler reservierte Exemplare, wobei jede Serie aus neunzehn Goldmedaillen bestand.

Schätzw. 15 000 - 18 000 EUR

Los 12 - DAVID SHRIGLEY (Macclesfield, England, 1968). "Ungeöffneter Kopf", 2004. Tinte auf Papier. Einzigartiges Stück. Maße: 42 x 34 cm; 48 x 40 cm (Rahmen). Shrigley, der sich selbst als Außenseiter in der Kunstwelt betrachtet, ist bekannt für seine flächigen Kompositionen, die scheinbar naiv, aber voller Ironie und Satire die belanglosen, seltsamen und beunruhigenden Elemente des Alltagslebens thematisieren. Seine Sprache basiert auf der Verwendung von durchgestrichenen Wörtern, Kritzeleien und unregelmäßigen Linien. Shrigleys Werke wurden unter anderem im Yerba Buena Center for the Arts in San Francisco, im Statens Museum of Art in Kopenhagen, in der Kelvingrove Art Gallery and Museum in Glasgow und im Hammer Museum in Los Angeles ausgestellt. Im Jahr 2013 wurde er für den renommierten Turner Prize für seine Einzelausstellung David Shrigley: Brain Activity in der Hayward Gallery in London nominiert. Er ist auch in den Bereichen Film, Skulptur, Fotografie und Illustration tätig.

Schätzw. 2 400 - 2 800 EUR

Los 13 - Keine Beschreibung

Schätzw. 1 500 - 1 800 EUR

Los 14 - MATÍAS SÁNCHEZ (Deutschland, 1972). "Maler", 2010. Öl auf Leinwand. Signiert in der unteren linken Ecke. Auf der Rückseite signiert, datiert, betitelt und lokalisiert. Maße: 97 x 130 cm. In diesem Werk verwendet der Autor eine abstrakte Sprache, die auf einer unregelmäßigen Geometrie basiert, die sowohl in ihrer Anordnung als auch in ihren Farben organisch ist. Es handelt sich um einen offenen Stil, dessen grundlegendes Merkmal die Konzeption der Bildfläche als Ganzes ist, als offenes Feld, ohne Grenzen und ohne Hierarchie. So sind die Bildformen, wie wir hier sehen, das Ergebnis einer durchdachten Komposition und des Experimentierens, mit einem Bild von gestischem Charakter, das sich nicht auf eine abstrakte Komposition beschränkt, sondern darüber hinausgeht und dem Betrachter anzeigt, dass es sich um Formen, Ideen oder Vorschläge handelt, die die Grenzen des rein Malerischen überschreiten und uns etwas über das eigene Handwerk des Malers erzählen. Matias Sanchez wurde 1972 in Deutschland geboren und ist Autodidakt. Er verspürte schon immer einen Drang zur Kunst, der ihn dazu brachte, eine künstlerische Laufbahn einzuschlagen. Matias Sanchez hatte 2001 seine erste Ausstellung in Cavecanem, und ein Jahr später wurden seine Werke im Arco ausgestellt, wo er von den Kritikern herzlich empfangen wurde. Im Jahr 2003 wiederholte er diese Erfahrung auf der Messe für zeitgenössische Kunst in Madrid, wo seine Werke gesammelt und in der Zeitung El País veröffentlicht wurden. Dies war ein Wendepunkt in seiner Karriere, der zu zahlreichen Einzel- und Gruppenausstellungen im In- und Ausland führte. Dazu gehören die Ausstellungen in den Galerien Begoña Mallone (Madrid), Javier Marín (Málaga), Valle Ortí (Valencia), Espacio Liquido (Gijón), "Christopher Cutts Gallery" (Toronto - Kanada) und Costantini Art Gallery (Mailand - Italien). Seine Arbeiten wurden in verschiedenen Referenzzentren für zeitgenössische Kunst ausgestellt, wie dem CAAM - Centro Atlántico de Arte Moderno (Las Palmas de Gran Canaria) oder dem CAC Malaga. Zusätzlich zu ARCO, MACO 2013 - Mexico Arte Contemporáneo, Art Stage Singapore 2013, Art Monaco 2013, India Art Fair 2013, Contemporary Istanbul 2012, Art Toronto 2012, Art Moscovo 2012 und Beirut Art Fair 2012.

Schätzw. 14 000 - 15 000 EUR

Los 15 - MODEST CUIXART I TÀPIES, (Barcelona, 1925 - Palafrugell, Girona, 2007). Ohne Titel, 1959. Öl auf Leinwand. Maße: 100 x 81 cm; 102,5 x 83,5 cm (Rahmen). Dieses Werk ist Teil der von Cuixart in den fünfziger Jahren entwickelten Phase, die durch einen tiefen und reichen Informalismus gekennzeichnet ist. In diesen Jahren arbeitet der Maler mit der Kraft der dicken Materialien und der "Grattage" (ab 1957) und schafft dichte und barocke Werke, in denen er alle Arten von Objekten einführt. Sein Werk aus dieser Zeit wird 1959 mit dem Großen Preis für Malerei auf der V. Biennale von São Paulo ausgezeichnet. Diese tiefgründigen, komplexen Werke spiegeln eine dunklere und kritischere Vision der damaligen Gesellschaft wider als das, was wir in seiner nächsten, der Pop Art nahen Phase sehen werden. Auch in diesem Werk finden wir zentrale Motive seiner Sprache, wie den Kreis, die Spirale und konzentrische Formen. Er verwendet auch schnelltrocknende Plastikfarben, eine Neuheit zu dieser Zeit, für die er ein Pionier war, um Reliefeffekte in Ockertönen zu schaffen, eine Konstante in seinem Werk zu dieser Zeit. Cuixart studiert zunächst Medizin, bricht sein Studium aber bald ab, um sich der Malerei zu widmen, und tritt in die Academia Libre de Pintura in Barcelona ein. Im Jahr 1948 beteiligt er sich an der Gründung der Gruppe Dau al Set, zusammen mit Brossa, Ponç, Tàpies und Tharrats, um nur einige zu nennen. Sein Werk, das sich mit dem plastischen Wert des Zeichens befasst, weist von Anfang an eine starke Verwandtschaft mit dem Surrealismus sowie eine große Sensibilität für die Ausdruckskraft der Farbe auf. Gegen 1955 taucht er in den materiellen Informalismus ein, was ihn dazu bringt, die "Grattage" in Werken mit einem gewissen orientalischen Touch zu verwenden. 1959 gewinnt er den ersten Preis der Biennale von São Paulo und stellt auf der Documenta in Kassel aus. Im folgenden Jahr nimmt er an einer Ausstellung spanischer Avantgarde-Kunst teil, die in der Tate Gallery in London und im Guggenheim Museum in New York gezeigt wird. 1962 führt Cuixart die Collage in sein Werk ein, die ihn allmählich in Richtung Pop-Art führen wird. Durch all diese Erfahrungen bereichert, kehrt er zur flächigen Malerei zurück und erreicht einen sehr persönlichen kritischen Realismus, der den Expressionismus mit einer dramatisch veränderten Figuration verbindet, wobei er stets die chromatischen Qualitäten schätzt. In den siebziger Jahren stellt er in zahlreichen nationalen und internationalen Hauptstädten aus, unter anderem in Paris, Madrid, São Paulo, Amsterdam, Tokio, Basel, Barcelona und Mailand. In den folgenden zehn Jahren befreit Cuixart seine Malerei allmählich von ihren aggressiven Aspekten, um ihr einen lyrischeren Ton zu verleihen. Außerdem nimmt er an einer Gruppenausstellung im UNESCO-Palast in Paris teil, erhält das Georgskreuz der Generalitat von Katalonien und das Kreuz von Isabella der Katholischen. 1988 findet eine anthologische Ausstellung in Japan statt, in den Städten Kobe und Tokio. Er arbeitet weiterhin mit überschwänglichen Farben und Formen und bringt wieder eine materiellere Figuration in sein Werk ein. Im Jahr 1998 wurde in Palafrugell eine Stiftung gegründet, die seinen Namen trägt, und im darauf folgenden Jahr wurde er vom Kulturministerium mit der Goldmedaille für Verdienste um die schönen Künste ausgezeichnet. Er ist im Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, in der Tate Gallery in London, im Museo Nacional de Arte de Cataluña, im Museo de Arte Contemporáneo in Madrid, Barcelona und Saint-Etienne (Frankreich) vertreten, das Patio Herreriano in Valladolid, das Museo de Grabado Español Contemporáneo in Marbella, das Museo de Arte de la Universidad de São Paulo, das Museo de Arte Abstracto in Cuenca und das Museo del Ampurdán, neben vielen anderen.

Schätzw. 15 000 - 16 000 EUR

Los 16 - ANTONI TÀPIES PUIG (Barcelona, 1923 - 2012). "Das Brot im Boot nºVI", 1963. Farbe, Bleistift und Frottage auf Papier. Signiert in der unteren rechten Ecke. Arbeit ausgestellt bei: Galerie Börgeson. Malmö: 1971: Kat. # 1. Werk katalogisiert in: VV.AA. "Tàpies. Gesamtwerk. Band 2. 1961-1968". Barcelona: Ediciones Polígrafa, 1990 S. 159, Abb. 1180. Maße: 38 x 55 cm; 64 x 81 cm (Rahmen).

Schätzw. 10 000 - 12 000 EUR

Los 17 - ROBERT LLIMÓS ORIOL (Barcelona, 1943). "Bombollín y globulín". 2005. Öl auf Leinwand. Signiert und datiert in der unteren Ecke, betitelt auf der Rückseite. Maße: 130 x 162 cm; 133,5 x 165,5 cm (Rahmen). Bekannt wurde Llimós 1964 mit einer gemeinsamen Ausstellung u. a. mit Arranz Bravo, Bartolozzi und Gerard Sala, mit denen er bis 1969 als Team arbeitete. Seine Werke befinden sich in herausragenden Sammlungen wie dem Nationalen Kunstmuseum von Katalonien, dem Espirito Santo Museum für Moderne Kunst in Brasilien, der Sammlung für Zeitgenössische Kunst in Madrid, den Museen der Schönen Künste von Alava und Sevilla, der Fondazione Lucio Amelio in Neapel, dem Salvador Allende International Museum of Resistance in Santiago de Chile, der Peter Stuyvesant Foundation in Amsterdam, dem Palau Solleric in Palma de Mallorca und dem MACBA in Barcelona, um nur einige zu nennen. Sein Werk, das sich durch einen ausdrucksstarken und intensiven Strich auszeichnet, schwankt zwischen Figuration und symbolischer Abstraktion, mit einer starken Anziehungskraft für die Tierwelt, die oft Gegenstand seiner Arbeit ist, wie in dem Gemälde, das wir jetzt vorstellen, zu sehen ist.

Schätzw. 2 000 - 2 500 EUR

Los 18 - ROBERT LLIMÓS ORIOL (Barcelona, 1943). "Homenatge a Paolo Uccello". 2005. Öl auf Leinwand. Signiert und datiert in der unteren Ecke, betitelt auf der Rückseite. Maße: 130 x 162 cm; 133,5 x 165,5 cm (Rahmen). Bekannt wurde Llimós 1964 mit einer gemeinsamen Ausstellung u. a. mit Arranz Bravo, Bartolozzi und Gerard Sala, mit denen er bis 1969 als Team arbeitete. Seine Werke befinden sich in herausragenden Sammlungen wie dem Nationalen Kunstmuseum von Katalonien, dem Espirito Santo Museum für Moderne Kunst in Brasilien, der Sammlung für Zeitgenössische Kunst in Madrid, den Museen der Schönen Künste von Alava und Sevilla, der Fondazione Lucio Amelio in Neapel, dem Salvador Allende International Museum of Resistance in Santiago de Chile, der Peter Stuyvesant Foundation in Amsterdam, dem Palau Solleric in Palma de Mallorca und dem MACBA in Barcelona, um nur einige zu nennen. Sein Werk, das sich durch einen ausdrucksstarken und intensiven Strich auszeichnet, schwankt zwischen Figuration und symbolischer Abstraktion, mit einer starken Anziehungskraft für die Tierwelt, die oft Gegenstand seiner Arbeit ist, wie in dem Gemälde, das wir jetzt vorstellen, zu sehen ist.

Schätzw. 2 000 - 2 500 EUR

Los 19 - JOSEP ROCA SASTRE (Terrassa, 1928 - Barcelona, 1997). "El retorn del fill pródig", 1952. Öl, Wachs, Pastell und Gouache auf Karton. Signiert, datiert und betitelt auf der Rückseite. Mit Etikett der Oriol Galeria d'Art auf der Rückseite. Maße: 74,5 x 103,5 cm; 94 x 123 cm (Rahmen). Bei dem nun zur Versteigerung stehenden Gemälde handelt es sich um ein Frühwerk des Malers Josep Roca Sastre, das einer Phase vor der Realisierung seiner intimen Innenraumszenen entspricht. Das Gemälde ist von einer gewissen Mystik und magischen Selbstversunkenheit geprägt, mit einem scheinbar geistlichen Führer mit Stock und einer Figur, die ihn verehrt. Ausgebildet in Barcelona, entwickelte Roca ab den sechziger Jahren einen persönlichen, unabhängigen Stil und schuf seine eigene Sprache. Sein Vorschlag konzentrierte sich darauf, den Blick für das Naheliegende und Alltägliche, das Bekannte wiederzugewinnen. Er stellte vierzig Jahre lang in der Sala Parés in Barcelona aus und zeigte seine Werke auch in anderen spanischen Städten und in den Vereinigten Staaten. 1966 erhielt er den Sant-Jordi-Preis der Diputació de Barcelona und zwei Jahre später die Ehrenmedaille des Salon des Artistes Français in Paris. Im Jahr 1980 wurde er Mitglied der Königlichen Akademie der Schönen Künste von Sant Jordi, und 1993 erhielt er den Quadern-Preis der Fundació Amics de les Arts i de les Lletres de Sabadell. Roca Sastre entwickelte einen figurativen Stil mit intimen Themen und wandte einen persönlichen und subjektiven Blick auf seine Innenszenen sowie auf seine Stadt- und Naturlandschaften an. Seit seinem Tod wurden Retrospektiven des Werks von Josep Roca in der La Pedrera und den Galerien Muncunill (Terrassa), Oriol (Barcelona) und Juan Oliver Maneu (Palma de Mallorca) veranstaltet. Sein Werk wird im Nationalen Kunstmuseum von Katalonien aufbewahrt.

Schätzw. 2 000 - 2 500 EUR

Los 20 - JEAN-MARC BUSTAMANTE (Touluse, 1952). "Barcelona 6", 1997. Fotografie, ed. 3/6 Maße: 40 x 60 cm; 67 x 85 cm (Rahmen). Der französische Künstler mit ecuadorianischem Vater und englischer Mutter (Toulouse, 1952) gehört zu den herausragenden Vertretern der zeitgenössischen europäischen Kunst. Nach einem Wirtschaftsstudium in seiner Heimatstadt zwischen 1969 und 1972 studierte er zwischen 1973 und 1975 Fotografie bei Denis Brihat. 1977 entsteht seine erste Site, eine Fotografie, die zu der Serie gehört, die in Tableaux ihren endgültigen Titel findet und 1994 in der Kunsthalle Bern zum ersten Mal als Gruppe präsentiert wird. Fast gleichzeitig, im Jahr 1978, begann er als Assistent des Fotografen und Filmemachers William Klein zu arbeiten, eine Tätigkeit, die er bis 1981 ausübte, als er beschloss, sich ganz seiner künstlerischen Tätigkeit zu widmen. Zwischen 1983 und 1987 begann er eine Phase der Zusammenarbeit mit Bernard Bazile und erregte unter dem Namen BAZILEBUSTAMANTE die Aufmerksamkeit der Kunstwelt mit seinen Projekten über visuelle Codes und Zeichensysteme, die in mehreren Galerien und 1986 im Musée Saint-Pierre in Lyon ausgestellt wurden. Seit 1987 setzt er sein besonderes fotografisches Werk allein fort, unter dem sich Skulpturen, Installationen und Siebdrucke auf Methacrylat zu einem scheinbar unsystematischen Projekt entwickeln, das in seiner Heterogenität eines der solidesten, kohärentesten und einheitlichsten künstlerischen Programme der Gegenwart darstellt. Mit diesem hat er Frankreich auf der Biennale von Venedig (2003) vertreten und an der Biennale von Paris (1980), der Biennale von São Paulo (1994) und den Documentas VIII, IX und X in Kassel (1987, 1992 und 1997) teilgenommen. Sein Werk war Gegenstand von monografischen Präsentationen in einigen der wichtigsten internationalen Museen, darunter die Kunsthalle Bern (1989 und 1994), das Musée d'art moderne de la Ville de Paris (1990), das Stedelijk van Abbemuseum, Eindhoven (1992), die Galerie National du Jeu de Paume, Paris (1996), Tate Gallery, London (1998), Yokohama Museum of Art (2002), Kunsthaus Bregenz und Musée d'art moderne et contemporain, Saint-Etienne (2006), Musée d'art moderne et contemporain, Strasbourg (mit Ed Ruscha) (2007), Palais des Beaux-Arts, Brüssel (2008) und Villa Medici, Rom (2011). In den 10er Jahren begannen Retrospektiven zu seinem Werk, die in Moskau in der Ekaterina Cultural Foundation (2010) eröffnet wurden, gefolgt von der vom Henry Moore Institute, Leeds (2011) und Sala Alcalá 31, Madrid (2012) organisierten. Im Jahr 2008 wurde Jean-Marc Bustamante mit dem Orden des Chevaliers der französischen Ehrenlegion ausgezeichnet, und zwischen 2012 und 2015 war er Direktor des Internationalen Kunstfestivals von Toulouse. Nach langjähriger Lehrtätigkeit als Professor für Bildhauerei, zunächst an der Rijksakademie in Amsterdam (1990-1995) und an der École Superieur Nationale de Beaux-Arts in Paris (seit 1996) und dann als Professor für Malerei an der Kunstakademie in München (seit 2010), wurde er kürzlich zum Direktor der École Nationale Supérieure des Beaux-Arts in Paris ernannt.

Schätzw. 2 000 - 2 400 EUR

Los 21 - THOMAS RUFF (Zell am Harmersbach, Deutschland, 1958) "Interieur 6 E", 1983. Fotografie C-Print. Ed. 8/20. Maße: 21 x 28 cm; 47 x 57 cm (Rahmen). Thomas Ruff (Zell am Harmersbach, Deutschland, 1958) begann seine Karriere mit der Landschaftsfotografie, bevor er sich der Fotografie von Innenräumen und nichtssagenden Porträts seiner Freunde zuwandte, da er zu der Generation gehörte, die die politischen und sozialen Veränderungen nach dem Fall der Berliner Mauer miterlebte. Zwischen 1977 und 1985 studierte Ruff Fotografie an der Kunstakademie in Düsseldorf, zusammen mit anderen, heute anerkannten Fotografen wie Candida Höfer, Andreas Gursky und Thomas Struth, die zur so genannten Düsseldorfer Schule gehören, deren Eltern Hilla und Bernd Becher sind. Seine ersten Porträts sind kleinformatig und in Schwarz-Weiß, doch schon bald geht er zur Farbe über. 1986 beginnt er mit Großformaten zu experimentieren. Mit seiner Serie Haus (1987-91) erkundet er Themen jenseits des Porträts. Weitere relevante Serien aus dieser Zeit sind Zeitungsfotos (1990-91) oder BlaueAugen (1991). Während des Golfkriegs benutzt Ruff einen Nachtsucher, um in seiner Serie Nacht (1992-96) düstere Bilder von den Straßen Düsseldorfs zu machen. In seinen späteren Arbeiten erforscht er weiterhin die digitale Manipulation von Bildern, in diesem Zusammenhang führt er seine Aktserien, die Substrat-Serie (2002-03) und die Machine-Serie (2003) aus. Ruff hatte seit 1981 Einzelausstellungen in verschiedenen internationalen Zentren und Museen. Er lebt und arbeitet in Düsseldorf.

Schätzw. 1 800 - 2 200 EUR

Los 22 - FRANCISCO VIDAL (Lissabon, 1978). "Zeitlauf". 2009 Öl auf Leinwand (Diptychon). Signiert in der unteren linken Ecke. Signiert und datiert auf der Rückseite. Maße: 134 x 308 cm; 138 x 312 cm (Rahmen). Nach einem Standbild aus dem Kultfilm "Pulp Fiction" von Tarantino platziert Francisco Vidal die von John Travolta und Samuel L. Jackson gespielten Gangster auf einem knallroten Hintergrund und ersetzt eine der Pistolen durch eine Banane. Ein intensiver gelber Fleck breitet sich aus und deutet eine Explosion an. Es handelt sich um ein Gemälde, das aus zwei Leinwänden besteht, was zu einer ausgedehnten Szene führt, die von Frische und Unbeschwertheit durchdrungen ist. Der Maler Francisco Vidal lebt zwischen Luanda (Angola) und Lissabon (Porturgal). Nach seinem Abschluss in plastischer Kunst an der Escola Superior de Artes e Design das Caldas da Rainha absolvierte er einen Aufbaukurs in Bildender Kunst an der Escola de Artes Visuais Maumaus in Lissabon. Sie lebte einige Zeit in den Vereinigten Staaten und erwarb einen Master of Fine Arts an der School of Visual Arts der Columbia University, New York. Seit 2005 stellt sie regelmäßig aus. Im Jahr 2014 präsentierte sie das Malereiprojekt "Utopia Luanda Machine" auf der 56. Biennale von Venedig im angolanischen Pavillon, kuratiert von António Ole, und auf der Expo Mailand, kuratiert von Suzana Sousa. Im Jahr 2016 wurde das Projekt "ESCOLA DE PAPEL" in Luanda und 2017 in São Tomé und Príncipe präsentiert. Francisco Vidal beschäftigt sich in seiner Praxis mit Ideen rund um Arbeit und internationale Mobilität. Er ist bekannt für seine großen Bildinstallationen und zeichnet kraftvolle kalligrafische Linien auf Siebdruckleinwände in lebhaften Farben und vielfältigen chromatischen Kombinationen. Er praktiziert auch eine Figuration, die in der Sprache der Comics verwurzelt ist. Seine Werke befinden sich in nationalen Sammlungen wie der Stiftung EDP, der Stiftung Calouste Gulbenkian und der Stiftung Cachola sowie in internationalen Sammlungen.

Schätzw. 8 000 - 10 000 EUR

Los 23 - KARIMOKU CASE STUDY (Japan) für Medicom Toy. "Medicom Toy 10-jähriges Jubiläum, 1996-2006", 2006. 400% Be@rbrick. Natürliches Holz. Limitierte Auflage von 100 Stück. Im Originalkarton. In gutem Zustand. Abmessungen: 28 cm (Höhe). Die Zusammenarbeit zwischen Karimoku Case Study und Medicom Toy erfolgte anlässlich des 10-jährigen Bestehens der japanischen Spielzeugfirma. Das verwendete Material, Holz, demonstriert das Wissen und die echte Liebe zu diesem Material, die Karimoku, ein Unternehmen, das als der führende Hersteller von Möbeln in Japan gilt, ausstrahlt. Karimoku selbst sagt: "Mit der Karimoku Case Study möchten wir eine durchdachte Marke präsentieren, die als Hüterin des Natürlichen und Zeitlosen dient und Materialien verwendet, die einen inhärenten Reichtum besitzen und mit der Zeit und dem Alter an Schönheit gewinnen". Die Art Toys-Revolution erreicht mit dem Be@rbrick einen ihrer größten Vertreter. Sein einfaches, aber attraktives Erscheinungsbild in Form eines gelenkigen Bären (ähnlich einem Ziegelstein, daher der Name) und seine unerschöpfliche Vielfalt an Motiven verschiedener und berühmter Künstler machen ihn zu einem Objekt der Begierde für neue und alteingesessene Sammler. Der von der japanischen Firma MediCom Toy Incomporated entworfene und produzierte Be@rbrick, der 2001 als Geschenk für die Besucher der World Character Convention 12 in Tokio auf den Markt kam, besteht aus neun verschiedenen Teilen (in der Spielzeugindustrie als "Werkzeuge" bezeichnet), die acht verschiedene Gelenkpunkte ermöglichen: einen drehbaren Kopf, eine drehbare Taille, kugelgelagerte Arme, drehbare Handgelenke und kugelgelagerte Beine. Die Größen reichen von 7 cm Höhe (bekannt als 100% Be@rbrick, Standardgröße), gefolgt von 400% Be@rbrick (28 cm hoch) oder 1000% Be@rbrick (70 cm hoch). Andere Größen sind kleiner als die Standardgröße, wie z. B. 50% Be@rbrick (4 cm) oder 70% Be@rbrick (5 cm). Zu den bekanntesten Kooperationen gehören die mit Kaws, der Andy Warhol Foundation, Jean-Michel Basquiat, Keith Haring, Disney, Looney Tunes, DC Comics und sogar dem Louvre Museum und Chanel. Auch viele Prominente sammeln Be@rbrick, vom Musikproduzenten Pharrell Williams bis zur ehemaligen Kreativdirektorin von Vogue, Grace Coddington. In gutem Zustand.

Schätzw. 7 000 - 8 000 EUR

Los 24 - HAVE A GOOD TIME (Tokyio) für Medicom Toy. 400% & 100% Be@rbrick. Produziert von Medicom Toy. Im Originalkarton. In gutem Zustand. Maße: 28 cm und 7 cm; 30 x 20 x 11 cm (Schachtel). Medicom Toy kooperiert mit der in Tokio ansässigen Modemarke Have A Good Time, um den Fans ihre neueste Zusammenarbeit zu präsentieren. Seit ihrer Gründung hat Have A Good Time durch eine Reihe von internationalen Kooperationen mit Adidas, Vans und BEAMS an Popularität gewonnen. Die Revolution der Art Toys erreicht mit dem Be@rbrick einen ihrer größten Vertreter. Sein einfaches, aber attraktives Erscheinungsbild in Form eines gelenkigen Bären (ähnlich einem Ziegelstein, daher der Name) und seine unerschöpfliche Vielfalt an Motiven verschiedener berühmter Künstler machen ihn zu einem Objekt der Begierde für neue und etablierte Sammler. Der von der japanischen Firma MediCom Toy Incomporated entworfene und produzierte Be@rbrick, der 2001 als Geschenk für die Besucher der World Character Convention 12 in Tokio auf den Markt kam, besteht aus neun verschiedenen Teilen (in der Spielzeugindustrie als "Werkzeuge" bezeichnet), die acht verschiedene Gelenkpunkte ermöglichen: einen drehbaren Kopf, eine drehbare Taille, kugelgelagerte Arme, drehbare Handgelenke und kugelgelagerte Beine. Die Größen reichen von 7 cm Höhe (bekannt als 100% Be@rbrick, Standardgröße), gefolgt von 400% Be@rbrick (28 cm hoch) oder 1000% Be@rbrick (70 cm hoch). Andere Größen sind kleiner als die Standardgröße, wie z. B. 50% Be@rbrick (4 cm) oder 70% Be@rbrick (5 cm). Zu den bekanntesten Kooperationen gehören die mit Kaws, der Andy Warhol Foundation, Jean-Michel Basquiat, Keith Haring, Disney, Looney Tunes, DC Comics und sogar dem Louvre Museum und Chanel. Auch viele Prominente sammeln Be@rbrick, vom Musikproduzenten Pharrell Williams bis zur ehemaligen Kreativdirektorin von Vogue, Grace Coddington. In gutem Zustand.

Schätzw. 500 - 550 EUR

Los 25 - FERRAN GARCIA SEVILLA (Palma de Mallorca, 1949). Ohne Titel. Gemischte Medien auf hartem Karton. Signiert auf der Rückseite. Maße: 75 x 53 cm; 95 x 72 cm (Rahmen). Ferran Garcia Sevilla war eine der wichtigsten Figuren der Konzeptkunst der siebziger Jahre und erfand sich später immer wieder neu, um einer rastlosen und vielseitigen Natur gerecht zu werden. Der ikonographische Synkretismus seines symbolischen Universums spiegelt sich in diesem Gemälde wider. Ursprünglich mit Kunsttheorie und -kritik verbunden, war García Sevilla Professor für Bildende Kunst an mehreren Universitäten. Sein Einzeldebüt gab er 1972. Er hatte Einzelausstellungen in Europa und den Vereinigten Staaten und nahm an Gruppenausstellungen in Hamburg, Wien, München, St. Petersburg, Lissabon und mehreren spanischen Städten sowie an der Documenta in Kassel (1987) und den Biennalen von Istanbul (1989) und São Paulo (1996) teil. Zu den Einzelausstellungen der letzten Jahre gehören die Elga Wimmer Gallery in New York (1992), der Thomas Netusil Kunsthandel in Wien (2000) und die Galerie Fúcares in Madrid (2008). García Sevilla ist im Centre Pompidou in Paris - Nationalmuseum für moderne Kunst, im Museo Nacional Reina Sofía, das MACBA in Barcelona, das Centro Atlántico de Arte Moderno in Las Palmas, das CaixaForum in Barcelona, die Fundación Suñol, das Museo Colecciones Ico, das Es Baluard in Palma de Mallorca, das IVAM in Valencia, die Fundación Juan March, das Museo Patio Herreriano in Valladolid, das ARTIUM in Vitoria und das MuHKA in Antwerpen.

Schätzw. 1 800 - 2 000 EUR

Los 26 - KAWS (New Jersey, 1974) für Medicom Toy. "Snoopy Peanuts", 2010. Vinyl. Stempel auf der Basis. Auf 500 Exemplare limitierte Auflage. In der Originalverpackung. Abmessungen: 20 x 10 x 14 cm. Kaws macht sich Ikonen der Popkultur wie Micky Maus, das Michelin-Männchen, die Schlümpfe, Snoopy oder SpongeBob Schwammkopf zu eigen. Seine Figuren sind im Allgemeinen in einer ängstlichen oder hilflosen Pose dargestellt, oft mit den Händen über den Augen oder, wie hier, mit der wiederholten Verwendung von "X" in Händen und Augen. Das Werk des amerikanischen Designers und Künstlers, der im Volksmund als Kaws bekannt ist, umfasst die wiederholte Verwendung einer Reihe von figurativen Charakteren und Motiven, von denen einige auf den Beginn seiner Karriere in den 1990er Jahren zurückgehen und zunächst in 2D gemalt und später in 3D realisiert wurden. Kaws' Skulpturen sind zwischen wenigen Zentimetern und zehn Metern groß und bestehen aus verschiedenen Materialien wie Glasfaser, Aluminium, Holz, Bronze und einem aufblasbaren Stahlponton-Floß. Seine Werke werden in Galerien und Museen ausgestellt, befinden sich in ständigen Sammlungen öffentlicher Einrichtungen und werden von Privatpersonen wie dem Musikproduzenten Swizz Beatz und dem Rapper Pharrell Williams eifrig gesammelt. Es wurden mehrere Bücher mit Illustrationen zu seinen Arbeiten veröffentlicht. Er lebt und arbeitet in Brooklyn, New York, wo er Skulpturen, Acrylbilder auf Leinwand und Siebdrucke herstellt, aber auch kommerziell mitarbeitet, vor allem an Spielzeug in limitierter Auflage, aber auch an Kleidung, Skateboards und anderen Produkten.

Schätzw. 2 400 - 2 600 EUR

Los 27 - Ciro SALOMON ODUBER (Panama, 1921 - Barcelona, 2002). "Don Quijote". Signiert in der unteren rechten Ecke. Maße: 45 x 34 cm; 74 x 60 cm (Rahmen). Seine ersten Studien absolvierte er bei Roberto Lewis an der Nationalen Schule für Malerei und setzte sie zwischen 1940 und 1945 bei Humberto Ivaldy fort. Er reiste nach Buenos Aires, um dort zu studieren, und erwarb an der Academia Superior de Bellas Artes "Ernesto de la Córdoba" seinen Abschluss als Professor für Malerei. Er kehrte in sein Heimatland zurück und unterrichtete an der Nationalen Schule für plastische Künste und an weiterführenden Schulen in der Hauptstadt. Er beteiligte sich aktiv an der panamaischen bildenden Kunst; er stellte kollektiv und individuell aus und malte Wandbilder in öffentlichen und privaten Einrichtungen. Er lebte in Barcelona, Spanien, wo er als Maler, Illustrator und Lehrer arbeitete. Seine Werke befinden sich in Museen und Sammlungen in Panama, Washington, Sao Paulo, New York und Bogota.

Schätzw. 1 000 - 1 200 EUR

Los 28 - JOAN JOSEP THARRATS VIDAL (Girona, 1918 - Barcelona, 2001). Ohne Titel, 1993 Gemischte Medien und Collage auf Papier. Signiert und datiert am unteren Rand. Maße: 50 x 35 cm; 81,5 x 66,5 cm (Rahmen). In diesem Gemälde mit Collage auf Papier, das Tharrats in den neunziger Jahren, gegen Ende seines Lebens, schuf, können wir die Konsolidierung einer Sprache mit informellen Wurzeln betrachten, die bei dieser Gelegenheit den symbolischen Kampf zwischen Energiefeldern inszeniert, die sich in Form von chaotischen Strichen mit kalligrafischen Anklängen und gestischen Impulsen materialisieren. Nachdem er seine Ausbildung in Béziers (Frankreich) begonnen hat, kehrt Tharrats 1935 nach Barcelona zurück und tritt in die Massana-Schule ein. Er beginnt seine künstlerische Tätigkeit nach dem Bürgerkrieg mit einem Stil, der sich von einem gewissen anfänglichen Impressionismus zu einer fortschreitenden Abstraktion unter dem Einfluss von Mondrian und Kandinsky entwickelt. Als Mitbegründer von Dau al Set zusammen mit Brossa, Ponç, Cuixart und Tàpies debütierte Tharrats 1949 in den Galerien El Jardín in Barcelona. Ab 1954 stellte er regelmäßig in der Sala Gaspar in Barcelona aus, sowie 1955 in Stockholm und New York, 1959 auf der Biennale von São Paulo und in Venedig auf den Biennalen von 1960 und 1964. Nach der Auflösung von Dau al Set beteiligte er sich 1955 an der Gründung der Gruppe Taüll zusammen mit Muxart, Guinovart und seinen ehemaligen Kollegen Cuixart und Tàpies. Elf Jahre später, 1966, war er auch Mitbegründer der Vereinigung zeitgenössischer Künstler. Als Pionier des katalanischen Avantgardismus der Nachkriegszeit entwickelte sich Tharrats von der surrealistisch geprägten linearen Abstraktion seiner Dau al Set-Periode zu einem reich strukturierten, farbenfrohen, frei geformten Informalismus. Neben der Staffeleimalerei entwickelte er seine eigene Version von Drucktechniken ("Maculaturas") und schuf außerdem Plakate, Buchillustrationen, Wandmalereien, Glasmalereien, Mosaike, Schmuck und Opernszenografien. 1983 wurde er mit dem Kreuz von Sant Jordi und 1994 mit dem Nationalpreis für plastische Künste ausgezeichnet. Im selben Jahr wurde er Mitglied der Königlichen Akademie der Schönen Künste von San Jordi. Seine Werke befinden sich in verschiedenen Museen und Sammlungen auf der ganzen Welt, wie dem MoMA und dem Guggenheim in New York, der Tate Gallery in London, dem MACBA oder dem Reina Sofia Museum in Madrid.

Schätzw. 2 800 - 3 000 EUR

Los 29 - RICARD COMMELERAN (Barcelona, 1970) Unbetitelt. 2002 Öl auf Leinwand. Signiert und datiert am unteren Rand. Maße: 130 x 110 cm. Modernes Konzeptgemälde, in dem eine Reihe von Kaffee- oder Schokoladentassen aufgereiht sind, ausgeschnitten auf einem schwarzen Hintergrund, der weiß wird. Die Komposition setzt sich mit Themen wie Sehnsucht und Minimalismus auseinander. Sie bezieht sich gleichzeitig auf die Pop Art und den Konzeptualismus. Durch die Behandlung der Figur und des Hintergrunds lädt sie den Betrachter dazu ein, sich nicht auf die dargestellten Motive zu konzentrieren, sondern auf das malerische Experiment, das sich in ihnen widerspiegelt. Ricard Commeleran studierte Malerei und Bildhauerei in La Llotja de Barcelona. Er hat in der Galerie The Weave Chiang Mai (2022), in der Galerie Artara in Maó ("Flors del desert", 2010, "La pell de l''aigua II", 2008) und in der Kunstgalerie VidrART in Ciutadella de Menorca (Flors negres, 2007) ausgestellt.

Schätzw. 3 500 - 3 700 EUR

Los 30 - ERVIN MURANSZKY (20. Jahrhundert). Ohne Titel. Skulptur aus Marmor. Signiert "E. Muranszky". Eisensockel. Maße: 75 x 50 x 50 cm (Skulptur); 102 x 32 x 32 x 32 cm (Sockel). Diese Skulptur von minimalistischer Ästhetik und exquisiter Technik vereint zwei scheinbar unvereinbare Traditionen: Sie steht einerseits in Verbindung mit der Kunst mit konstruktivistischen Wurzeln, wie dem Art Deco und der Konzeptkunst, und andererseits stellt sie ein modernes Augenzwinkern mit der jahrtausendealten Tradition des opus sectile her, die mesopotamischen Ursprungs ist (und in der römischen und byzantinischen Kunst beliebt). Eine perfekte Kugel wurde durch die Kombination von kleinen Mosaiksteinen aus verschiedenen Marmorsorten konstruiert, was zu kontrastreichen Texturen und Marmorierungen führt. Die Kugel, die an eine Erdkugel oder einen unbekannten Planeten erinnert, ruht in einem einzigen Punkt und in perfektem Gleichgewicht auf einem quadratischen Volumen, das mit abwechselnden Platten aus verschiedenen Marmorsorten bearbeitet wurde. Die Kombination von Natursteinen und reinen Formen, die auf Vollkommenheit verweisen, beschwört symbolisch die den Materialien innewohnenden Energien.

Schätzw. 15 000 - 17 000 EUR

Los 31 - ALAIN JOSSEAU (Nantes, 1968). "JFK Zyklus nº1", 2000. Öl auf Leinwand. Präsentiert informatives Etikett auf der Rückseite der Galerie Sollertis, Toulouse. Signiert auf der Rückseite. Signiert, datiert und betitelt auf dem Keilrahmen. Maße: 89 x 129 cm. Alain Josseau schloss 1992 sein Studium an der Hochschule der Schönen Künste in Nantes ab. Seine Gemälde, Zeichnungen, Videos und Installationen erinnern seither an viele wichtige historische Ereignisse: den Angriff auf das World Trade Center, das Kennedy-Attentat, den Irak-Krieg usw. Seit Anfang der 2000er Jahre hinterfragt Alain Josseau, inspiriert durch das Kino (Hitchcock, Antonioni, Lars von Trier oder Ridley Scott) oder durch Videos von realen und aktuellen Ereignissen, die Bilder, ihre Realitäten, ihre Entstehung, ihre Verbreitung und ihre Rezeption. Von diesem Künstler, der sich für die Ermordung von John F. Kennedy, einem "Knotenpunkt in der Geschichte des Bildes", begeisterte und die Mondlandung in einer Performance nachstellte, hat das Thema einen großen Teil seiner künstlerischen Produktion eingenommen. Seine Werke wurden in zahlreichen Museen und öffentlichen Sammlungen ausgestellt, darunter Fond National d'Art Contemporain, Paris; Marta Herford Museum, Deutschland; Les abattoirs, Toulouse; Cité des Science et de l'Industrie, La Villette; Frac Auvergne; Métro de Toulouse; Centre d'Art Contemporain, Meymac; Fondation EDF; Fondation Boghossian; Fondation Francès, Senlis; Photology, Mailand.

Schätzw. 1 000 - 1 200 EUR

Los 32 - CHEN YIFEI (Ningbo, China 1946 - Shanghai, China 2005) "Brücke des Friedens", 1985. Lithographie auf Arches-Papier. Exemplar 312/1000. Beigefügtes Echtheitszertifikat, ausgestellt vom Weltbund der Vereinten Nationen im Jahr 1985. Mit Trockenstempeln des Emiliano Sorini Studio of New York und des Weltbundes der Vereinten Nationen. Gerahmt in Museumsglas. Signiert und nummeriert. Maße: 28,5 x 21,7 cm. Chen Yifei ist einer der bekanntesten Ölmaler in China und mit größerer Wirkung im Westen. Als vielseitige Persönlichkeit ist er auch für seine Arbeit als Filmregisseur, Geschäftsmann, Designer und Dekorateur bekannt. Er begann sein Kunststudium 1965 in Shanghai, wo er sich in einem Land, das von der Tradition der chinesischen Tuschemalerei geprägt ist, auf die Ölmalerei konzentrierte. Die Qualität seines Pinselstrichs wird ihn zu einem der berühmtesten Künstler der Kulturrevolution machen (obwohl er einige kleine Pannen nicht vermeiden konnte); er malte Porträts, die Mao Zedong verherrlichten, und große revolutionäre Leinwände. Er war einer der ersten Künstler, die von der kommunistischen Regierung die Genehmigung erhielten, in die Vereinigten Staaten zu reisen, wo er von 1980 bis 1990 lebte. Dort machte er sein Glück und verfeinerte die Qualität seines Stils. 1990 kehrte er nach Shanghai zurück, wo er den Rest seines Lebens verbrachte. Beeinflusst von seiner Ausbildung in der sowjetischen Kunst und konzentriert auf die revolutionären Themen, die seine Umgebung umgaben, entwickelte sich seine Pinselführung zu romantischeren Themen, Genreszenen, einer realistischen Ikonographie mit melancholischem Einschlag und modernen Details. Seine charakteristischsten Szenen zeigen chinesische Frauen bei alltäglichen Handlungen, gekleidet in traditionelle Kostüme mit einer Vielzahl von Details und dichten Farben, die sich von dunklen und neutralen Hintergründen abheben. Echtheitszertifikat ausgestellt von der World Federation of United Nations 1985. Gerahmt in Museumsglas.

Schätzw. 800 - 900 EUR

Los 33 - MANOLO VALDÉS (Valencia, 1942). "Matisse als Vorwand", 2001. Siebdruck auf Leinwand. Exemplar H.C II/III. Die Echtheit dieses Loses wurde durch das Atelier von Manolo Valdés bestätigt. Signiert und datiert im unteren mittleren Bereich. In der rechten unteren Ecke gerechtfertigt. Maße: 148 x 122 cm. Dieses Werk ist ein klares Beispiel für Valdés' Antwort auf den Meister Matisse, indem er dessen Odalisken rettet und sie in eine Pop-Ästhetik hüllt. Wie immer in seinem Schaffen greift Valdés auf das Werk eines großen Meisters zurück, um ein neues Bild zu schaffen, das in seiner völligen Originalität und Zeitgemäßheit dazu anregt, das Erbe der Kunstgeschichte selbst zu überdenken. In einem Interview, das der Künstler 2016 der Zeitung ABC gab, wies Valdés auf seine künstlerische Verbindung zu Matisse und sein Interesse an der Interpretation seines Werks hin. Außerdem stellte er im selben Jahr in der Galerie Marlborough Fine Art in London aus, die Schau mit dem Titel "Recent Work. Gemälde und Skulpturen", eine Auswahl von elf Werken, die dem künstlerischen Werk von Henri Matisse Tribut zollten. Als der valencianische Maler zu dieser Ausstellung befragt wurde, antwortete Valdés: "Ich antworte auf seine Bilder mit anderen Bildern". Manolo Valdés führte in Spanien eine Form des künstlerischen Ausdrucks ein, die politisches und soziales Engagement mit Humor und Ironie verbindet. Er begann seine Ausbildung 1957, als er in die Schule der Schönen Künste San Carlos in Valencia eintrat. Zwei Jahre später brach er jedoch sein Studium ab, um sich ganz der Malerei zu widmen. Im Jahr 1964 gründete er zusammen mit Juan Antonio Toledo und Rafael Solbes die Künstlergruppe Equipo Crónica, der er bis zu deren Tod 1981 angehörte, obwohl Toledo die Gruppe zwei Jahre nach ihrer Gründung verlassen hatte. Seitdem hat er sich in New York niedergelassen, wo er derzeit lebt und weiterhin mit neuen Ausdrucksformen experimentiert, unter anderem mit der Bildhauerei. Zu den zahlreichen Auszeichnungen, die Manolo Valdés erhalten hat, gehören der Lissone und der Biella von Mailand, die Silbermedaille der II. Internationalen Biennale der Gravuren von Tokio, der Preis des Bridgestone Art Museum in Lissabon, der Nationale Preis für plastische Kunst, die Medaille des Internationalen Festivals der plastischen Künstler in Bagdad, die Auszeichnung des Ordens von Andres Bello in Venezuela, die Auszeichnung des Nationalrats von Monaco, die Goldmedaille für Verdienste in der bildenden Kunst, den Preis des spanischen Verbands der Kunstkritiker und den Preis für den besten Grafiker, um nur einige zu nennen. Formal schafft Valdés ein großformatiges Werk, in dem Lichter und Farben aufgrund der Behandlung der Materialien taktile Werte ausdrücken. Seine Arbeiten zwingen den Betrachter dazu, sich in die Erinnerung zu vertiefen und nach bedeutenden Bildern der Kunstgeschichte zu suchen. Er ist in einigen der bedeutendsten Museen der Welt vertreten, wie dem Reina Sofía in Madrid, dem Metropolitan, dem MoMA und dem Guggenheim in New York, dem Centre Georges Pompidou und dem Fons National d'Arts Plastiques in Paris, der Kusnthalle in Hamburg, dem Kunstmuseum in Berlin und dem Museo de Bellas Artes in Bilbao, neben vielen anderen. Die Echtheit dieses Loses wurde vom Atelier Manolo Valdés bestätigt.

Schätzw. 15 000 - 18 000 EUR

Los 34 - EUDALD SERRA GÜELL (Barcelona, 1911-2002). Unbetitelt. 1961 Skulptur aus Steingut. Exemplarisch 1/5. Sockel aus Marmor. Signiert und nummeriert Maße: 60 x 30 x 7 cm. In den fünfziger und sechziger Jahren kultivierte Eudald Serra eine nicht-figurative Skulptur organischer Natur, mit gekrümmten Oberflächen und einer Fülle von Hohlräumen. Die hier gezeigte Arbeit von 1961 gehört zu dieser für den Autor besonders fruchtbaren Periode. Diese Skulptur aus Steingut ist mit einer großen Suggestionskraft ausgestattet. Sie ist inspiriert von prähistorischen Bildnissen und der ethnischen Skulptur der alten Kulturen und steht gleichzeitig im Dialog mit Künstlern der Moderne wie Brancusi und Jean Arp. Der Bildhauer und Maler Eudald Serra begann seine Ausbildung als Schüler von Angel Ferrant und studierte an den Schulen La Llotja und Fine Arts in Barcelona. Während seiner Studienzeit arbeitete er auch in einer Schmuckwerkstatt und in einer Schifffahrtsgesellschaft, was vielleicht die Wurzel seiner Reiselust ist, die ihn 1932 zu seiner ersten Europareise führte. Sein Einzeldebüt gab er 1934 in der Busquets-Halle in Barcelona und arbeitete mit der Gruppe ADLAN zusammen. 1935 unternahm er eine Studienreise nach Japan und war von der dortigen Kultur so fasziniert, dass er sich in der Stadt Kobe niederließ, wo er mehrere Jahre lang lebte. Während dieser Zeit widmete er sich hauptsächlich der Keramik und stellte in Tokio, Osaka und Kobe aus. Im Jahr 1939 gewann er den Preis der Hyogo-Ausstellung und kehrte nach einem kurzen Aufenthalt in den Vereinigten Staaten 1948 nach Spanien zurück. Zwischen Ende der fünfziger und Anfang der sechziger Jahre unternahm er ausgedehnte Reisen nach Südostasien und in den Nahen Osten, und in den achtziger Jahren besuchte er Mittelamerika, Australien, China und Marokko. Zu seinen Auszeichnungen gehören unter anderem der Große Preis der Alexandria-Biennale, der Preis des Madrider Provinzrats der Hispanoamerikanischen Biennale, der Nationale Skulpturenpreis und der Preis des Jazzsalons von Barcelona. Er gehörte der Gruppe Altamira an und war Professor an der Massana-Schule und der Schule der Schönen Künste in Barcelona. Derzeit ist er u. a. im Centro Nacional de Arte Reina Sofía, im MACBA in Barcelona und im Museum von Alexandria vertreten.

Schätzw. 7 000 - 7 500 EUR

Los 35 - OSAMU TEZUKA (Toyonaka, 1928-Tokio, 1989). "Plus aus dem Film Dschungelkaiser Leo". Zelluloid und Zeichnung auf der Rückseite. Maße: 46 x 35 cm; 51 x 41 cm (Rahmen). Osamu Tezuka, der als "der Gott des Manga" gilt, war ein japanischer Mangaka (japanisches Wort für den Schöpfer eines Comics) und Zeichner. Dank seiner Arbeit als Zeichner hat Tezuka die Lektüre und den Konsum von Manga als Mittel der populären Unterhaltung ausgeweitet und massiv verbreitet und erreicht, dass Mangas einen tiefgreifenden Einfluss auf die japanische Nachkriegsgesellschaft hatten. Er beeinflusste die Art und Weise, wie die meisten späteren Autoren Comics zeichnen, und seine Werke wurden in viele Sprachen übersetzt, darunter auch ins Spanische. Seine Art, Comics zu machen, basierte auf den kinematografischen Techniken von Walt Disney und führte den Story-Manga ein, einen Manga von langer Dauer, mit einer viel ausgefeilteren und komplexeren Handlung als die Comics, die bis dahin von anderen Künstlern geschaffen wurden. Zu seinen berühmtesten Werken gehören Jungle Taitei ("Kimba, der weiße Löwe"), Tetsuwan Atom ("Astroboy") und Ribbon No Kishi ("Die Ritterprinzessin"), die als die ersten Shojo-Manga der Geschichte gelten. Der Erfolg setzte sich in den folgenden Jahrzehnten mit Serien wie Hi no Tori ("Phoenix", 1954), Black Jack (1973-84), Buddha (1972-83) und Adolf (1983) fort und nahm mit dem Höhepunkt der MW-Serie (1976-1978) eine tiefe Wendung, in der er für die Manga der damaligen Zeit sehr ungewöhnliche Themen wie Homosexualität, politische Korruption oder chemische Waffen behandelte.

Schätzw. 300 - 400 EUR

Los 36 - EDUARDO ARRANZ BRAVO (Barcelona, 1941). "Soire noire I", 1988. Goache auf Papier. Etikett der Galerie Arteunido auf der Rückseite. Maße: 15 x 22 cm; 27 x 33 cm. Arranz, der zwischen Barcelona, Paris, Madrid und Italien lebt, debütiert 1961 als Einzelkünstler im Universitätsclub von Barcelona. Im Jahr 1967 verlässt er den Lyrismus seiner ersten Periode und nähert sich der Neuen Figuration. In den siebziger Jahren geht er eine künstlerische Partnerschaft mit Rafael Lozano Bartolozzi ein, mit dem er künstlerische Projekte durchführt, die die Geschichte der zeitgenössischen spanischen Kunst für mehr als ein Jahrzehnt prägen werden. Sie hat in der ganzen Welt ausgestellt und wurde unter anderem mit dem Großen Preis und der Goldmedaille der Internationalen Biennale von Ibiza (1964), dem Preis der II. Biennale des Sports (1964), dem Figurenpreis der Biennale Estrada Saladich (1967) und dem Zeichenpreis Ynglada Guillot (1968) ausgezeichnet. Seine Werke sind im MoMA in New York, im Museum von São Paulo, im Museum für zeitgenössische Kunst in Madrid und im Museum der Schönen Künste in Vitoria und Sevilla ausgestellt.

Schätzw. 600 - 700 EUR

Los 37 - JOAN GARDY ARTIGAS (Boulogne, Paris, 1938). Ohne Titel. Gemischte Medien auf Papier. Am unteren Rand signiert. Maße: 74 x 92 cm; 102 x 124 cm (Rahmen). Der Maler und Bildhauer Joan Gardy Artigas arbeitete während seiner Jugend als Assistent von Joan Miró und ging dann nach Paris, um an der Hochschule der Schönen Künste zu studieren. In den sechziger Jahren begann er mit Miró zu arbeiten, eine Zusammenarbeit, die zwanzig Jahre andauern sollte. Allein schuf Gardy Artigas monumentale Skulpturen in Frankreich, Spanien, den Vereinigten Staaten, dem Vereinigten Königreich und Japan sowie kleinformatige Werke, Lithografien und Gravuren. Er ist in der Fundación Artigas in Barcelona und seit den 1960er Jahren in den wichtigsten Galerien in Spanien, Frankreich, Deutschland, Japan und der Schweiz vertreten.

Schätzw. 600 - 800 EUR

Los 38 - ANTONI TÀPIES PUIG (Barcelona, 1923 - 2012). "U no es ningú". Lithographie, Kopie XII/LXXXII. Mit Bleistift signiert und nummeriert. Tàpies Galfetti III, S. 37, Abb. 723. Maße: 56 x 73 cm. Antoni Tàpies beginnt mit der Kunst während seiner langen Rekonvaleszenz von einer Lungenkrankheit. Nach und nach widmet er sich immer intensiver dem Zeichnen und Malen, und schließlich gibt er sein Jurastudium auf, um sich ganz der Kunst zu widmen. Als Mitbegründer von "Dau al Set" im Jahr 1948 beginnt er, in den Salones de Octubre in Barcelona sowie im Salón de los Once in Madrid 1949 auszustellen. Nach seiner ersten Einzelausstellung in den Layetanas-Galerien reist er 1950 mit einem Stipendium des Französischen Instituts nach Paris. In diesen Jahren begann er seine Teilnahme an der Biennale von Venedig, stellte erneut in den Layetanas aus und hatte nach einer Ausstellung in Chicago 1953 eine Einzelausstellung in der New Yorker Galerie von Martha Jackson. Von da an fanden seine Gruppen- und Einzelausstellungen in der ganzen Welt statt, in führenden Galerien und Museen wie dem Guggenheim in New York und dem Museum of Modern Art in Paris. Seit den siebziger Jahren wurden ihm Anthologien in Tokio (1976), New York (1977 und 2005), Rom (1980), Amsterdam (1980), Madrid (1980), Venedig (1982), Mailand (1985), Wien (1986) und Brüssel (1986) gewidmet. Als Autodidakt hat Tàpies seinen eigenen Stil innerhalb der Avantgarde-Kunst des 20. Jahrhunderts geschaffen, der Tradition und Innovation in einem abstrakten, aber symbolträchtigen Stil verbindet und dem materiellen Substrat des Werks große Bedeutung beimisst. Bemerkenswert ist der ausgeprägte spirituelle Sinn, den der Künstler seinem Werk verleiht, in dem der materielle Träger über seinen Zustand hinausgeht und eine tiefgreifende Analyse des menschlichen Daseins bedeutet. Das Werk von Tàpies wird international hoch geschätzt und in den renommiertesten Museen der Welt ausgestellt. Im Laufe seiner Karriere hat er zahlreiche Preise und Auszeichnungen erhalten, darunter den Praemium Imperiale von Japan, den Nationalen Kulturpreis, den Großen Preis für Malerei in Frankreich, die Wolf-Stiftung der Künste (1981), die Goldmedaille der Generalitat de Catalunya (1983), den Prinz-von-Asturien-Preis für die Künste (1990), die Picasso-Medaille der Unesco (1993) und den Velázquez-Preis für plastische Kunst (2003). Als großer Verfechter der katalanischen Kultur, von der er zutiefst überzeugt ist, ist Tàpies ein großer Bewunderer des mystischen Schriftstellers Ramón Llull sowie der katalanischen Romanik und der Architektur Gaudís. Gleichzeitig schätzt er die östliche Kunst und Philosophie, die wie sein eigenes Werk die Grenze zwischen Materie und Geist, zwischen Mensch und Natur verwischen. Beeinflusst vom Buddhismus zeigt er in seinen Gemälden, wie der Schmerz, sowohl der körperliche als auch der geistige, dem Leben innewohnt. Antoni Tàpies ist in bedeutenden Museen auf der ganzen Welt vertreten, so in der nach ihm benannten Stiftung in Barcelona, im Reina Sofía in Madrid, im Guggenheim in Berlin, Bilbao und New York, im Fukoka Art Museum in Japan, im MoMA in New York und in der Tate Gallery in London.

Schätzw. 1 000 - 1 100 EUR

Los 39 - ANTONI TÀPIES PUIG (Barcelona, 1923 - 2012). "Komposition", 1976. Lithographie auf Guarro-Papier, H.C. Kopie. Handsigniert und gerechtfertigt. Polygraphische Ausgabe. Tàpies Galfetti II, S. 208, Abb. 636. Maße: 56 x 76 cm. Antoni Tàpies beginnt mit der Kunst während seiner langen Rekonvaleszenz von einer Lungenkrankheit. Nach und nach widmet er sich immer intensiver dem Zeichnen und der Malerei, und schließlich gibt er sein Jurastudium auf, um sich ganz der Kunst zu widmen. Als Mitbegründer von "Dau al Set" im Jahr 1948 beginnt er, in den Salones de Octubre in Barcelona sowie im Salón de los Once in Madrid 1949 auszustellen. Nach seiner ersten Einzelausstellung in den Layetanas-Galerien reist er 1950 mit einem Stipendium des Französischen Instituts nach Paris. In diesen Jahren begann er seine Teilnahme an der Biennale von Venedig, stellte erneut in den Layetanas aus und hatte nach einer Ausstellung in Chicago 1953 eine Einzelausstellung in der New Yorker Galerie von Martha Jackson. Von da an fanden seine Gruppen- und Einzelausstellungen in der ganzen Welt statt, in führenden Galerien und Museen wie dem Guggenheim in New York und dem Museum of Modern Art in Paris. Seit den siebziger Jahren wurden ihm Anthologien in Tokio (1976), New York (1977 und 2005), Rom (1980), Amsterdam (1980), Madrid (1980), Venedig (1982), Mailand (1985), Wien (1986) und Brüssel (1986) gewidmet. Als Autodidakt hat Tàpies seinen eigenen Stil innerhalb der Avantgarde-Kunst des 20. Jahrhunderts geschaffen, der Tradition und Innovation in einem abstrakten, aber symbolträchtigen Stil verbindet und dem materiellen Substrat des Werks große Bedeutung beimisst. Erwähnenswert ist der ausgeprägte spirituelle Sinn, den der Künstler seinem Werk verleiht, in dem der materielle Träger über seinen Zustand hinausgeht und eine tiefgreifende Analyse der menschlichen Existenz bedeutet. Das Werk von Tàpies wurde international hoch geschätzt und in den renommiertesten Museen der Welt ausgestellt. Im Laufe seiner Karriere hat er zahlreiche Preise und Auszeichnungen erhalten, darunter den Praemium Imperiale von Japan, den Nationalen Kulturpreis, den Großen Preis für Malerei in Frankreich, die Wolf-Stiftung der Künste (1981), die Goldmedaille der Generalitat de Catalunya (1983), den Prinz-von-Asturien-Preis für die Künste (1990), die Picasso-Medaille der Unesco (1993) und den Velázquez-Preis für plastische Kunst (2003). Als großer Verfechter der katalanischen Kultur, von der er zutiefst überzeugt ist, ist Tàpies ein großer Bewunderer des mystischen Schriftstellers Ramón Llull sowie der katalanischen Romanik und der Architektur Gaudís. Gleichzeitig schätzt er die östliche Kunst und Philosophie, die wie sein eigenes Werk die Grenze zwischen Materie und Geist, zwischen Mensch und Natur verwischen. Beeinflusst vom Buddhismus zeigt er in seinen Gemälden, wie der Schmerz, sowohl der körperliche als auch der geistige, dem Leben innewohnt. Antoni Tàpies ist in bedeutenden Museen auf der ganzen Welt vertreten, so in der nach ihm benannten Stiftung in Barcelona, im Reina Sofía in Madrid, im Guggenheim in Berlin, Bilbao und New York, im Fukoka Art Museum in Japan, im MoMA in New York und in der Tate Gallery in London.

Schätzw. 1 000 - 1 100 EUR

Los 40 - PABLO RUIZ PICASSO (Malaga, 1881 - Mougins, Frankreich, 1973). "Étude pour l'Homme au Mouton, 1967. Lithographie auf Arches-Papier. Signiert mit grünem Stempel. Auflage von 200 Exemplaren auf einem einzigen Blatt. Deluxe-Edition außer denen für die Serie "La Flute Double" veröffentlicht. Katalog Raissonné "Moderne illustrierte Bücher", Referenz 8860. Maße: 96,7 x 41 cm. Picasso begann seine künstlerischen Studien in Barcelona, an der Provinzialschule der Schönen Künste (1895). Nur zwei Jahre später, 1897, hatte Picasso seine erste Einzelausstellung im Café "Els Quatre Gats". Paris sollte Pablos großes Ziel werden, und im Jahr 1900 zog er für kurze Zeit in die französische Hauptstadt. Nach seiner Rückkehr nach Barcelona begann er mit der Arbeit an einer Reihe von Werken, in denen die Einflüsse aller Künstler, die er kannte oder deren Werke er gesehen hatte, zu erkennen waren. Er ist ein Schwamm, der alles aufsaugt, aber nichts festhält; er ist auf der Suche nach einem persönlichen Stil. Zwischen 1901 und 1907 entwickelt er die blaue und die rosafarbene Phase, die sich durch die Verwendung dieser Farben und durch ihre Thematik mit schäbigen, isolierten Figuren, mit Gesten der Trauer und des Leidens auszeichnen. Die Malerei dieser ersten Jahre des zwanzigsten Jahrhunderts ist einem ständigen Wandel unterworfen, und Picasso kann sich nicht zurücklehnen. Er interessiert sich für Cézanne und entwickelt nach dessen Vorbild zusammen mit seinem Freund Braque eine neue Bildformel: Den Kubismus. Aber Picasso bleibt nicht dabei stehen und praktiziert 1912 die Collage in der Malerei; von diesem Moment an ist alles möglich, die Fantasie wird zum Meister der Kunst. Picasso ist der große Revolutionär, und während sich alle Maler für den Kubismus interessieren, setzt er sich mit dem Klassizismus von Ingres auseinander. Die surrealistische Bewegung von 1925 trifft ihn nicht unvorbereitet, und obwohl er nicht offen daran teilnimmt, dient sie als ein Element des Bruchs mit dem Vorhergehenden, indem sie in seinem Werk verzerrte Figuren mit großer Kraft einführt, die von Wut und Zorn nicht frei sind. Wie bei Goya wurde auch Picasso stark von seiner persönlichen und sozialen Situation zur Zeit seiner Arbeit beeinflusst. Seine Beziehungen zu Frauen, die oft stürmisch waren, werden sein Werk stark beeinflussen. Den größten Einfluss auf Picasso hatte jedoch der Ausbruch des Spanischen Bürgerkriegs und die Bombardierung von Guernica, die zur Schaffung des berühmtesten Werks der zeitgenössischen Kunst führte. Paris war lange Zeit sein Zufluchtsort, aber die letzten Jahre seines Lebens verbrachte er in Südfrankreich, wo er in einem sehr persönlichen Stil, mit lebhaften Farben und seltsamen Formen arbeitete. Picasso ist in den wichtigsten Museen der Welt vertreten, darunter das Metropolitan, das MOMA und das Guggenheim in New York, die Eremitage in St. Petersburg, die National Gallery in London oder die Reina Sofia in Madrid.

Schätzw. 1 000 - 1 100 EUR

Los 41 - ANTONI TÀPIES PUIG (Barcelona, 1923 - 2012). "Suite Berlin", 1974. Lithographie auf Arches-Papier, Exemplar 144/150. Mit Bleistift signiert und nummeriert. Tàpies Galfetti II, S. 105, Abb. 476. Maße: 56 x 76 cm. Antoni Tàpies beginnt mit der Kunst während seiner langen Rekonvaleszenz von einer Lungenkrankheit. Nach und nach widmet er sich immer intensiver dem Zeichnen und der Malerei, und schließlich gibt er sein Jurastudium auf, um sich ganz der Kunst zu widmen. Als Mitbegründer von "Dau al Set" im Jahr 1948 beginnt er, in den Salones de Octubre in Barcelona sowie im Salón de los Once in Madrid 1949 auszustellen. Nach seiner ersten Einzelausstellung in den Layetanas-Galerien reist er 1950 mit einem Stipendium des Französischen Instituts nach Paris. In diesen Jahren begann er seine Teilnahme an der Biennale von Venedig, stellte erneut in den Layetanas aus und hatte nach einer Ausstellung in Chicago 1953 eine Einzelausstellung in der Galerie von Martha Jackson in New York. Von da an fanden seine Gruppen- und Einzelausstellungen in der ganzen Welt statt, in führenden Galerien und Museen wie dem Guggenheim in New York und dem Museum of Modern Art in Paris. Er wurde mit Preisen wie dem Prinz-von-Asturien-Preis, dem Praemium Imperiale der Japanischen Kunstvereinigung, dem Nationalen Kulturpreis, dem Grand Prix de Painting von Frankreich usw. ausgezeichnet. Anthologien wurden ihm in Tokio (1976), New York (1977 und 2005), Rom (1980), Amsterdam (1980), Madrid (1980), Venedig (1982), Mailand (1985), Wien (1986) und Brüssel (1986) gewidmet. Er ist in bedeutenden Museen auf der ganzen Welt vertreten, so in der nach ihm benannten Stiftung in Barcelona, im Reina Sofia in Madrid, im Guggenheim in Berlin, Bilbao und New York, im Fukoka Art Museum in Japan, im MoMA in New York und in der Tate Gallery in London.

Schätzw. 1 200 - 1 500 EUR

Los 42 - ANTONI TÀPIES PUIG (Barcelona, 1923 - 2012). "70", 1979. Radierung, Aquatinta, Karborundum und Reliefprägung auf Guarro-Papier, Kopie 10/75. Mit Bleistift signiert und nummeriert. Tàpies Galfetti III, pag. 31, Abb. 714 Maße: 19 x 20,5 cm (Platte); 56 x 73 cm (Papier). Antoni Tàpies beginnt während seiner langen Rekonvaleszenz von einer Lungenkrankheit mit der Kunst. Er widmet sich nach und nach immer intensiver dem Zeichnen und Malen und gibt schließlich sein Jurastudium auf, um sich ganz der Kunst zu widmen. 1948 ist er Mitbegründer von "Dau al Set" und beginnt, in den Salones de Octubre in Barcelona sowie im Salón de los Once in Madrid 1949 auszustellen. Nach seiner ersten Einzelausstellung in den Layetanas-Galerien reist er 1950 mit einem Stipendium des Französischen Instituts nach Paris. In diesen Jahren begann er seine Teilnahme an der Biennale von Venedig, stellte erneut in den Layetanas aus und hatte nach einer Ausstellung in Chicago 1953 eine Einzelausstellung in der Galerie von Martha Jackson in New York. Von da an fanden seine Gruppen- und Einzelausstellungen in der ganzen Welt statt, in führenden Galerien und Museen wie dem Guggenheim in New York und dem Museum of Modern Art in Paris. Er wurde mit Preisen wie dem Prinz-von-Asturien-Preis, dem Praemium Imperiale der Japanischen Kunstvereinigung, dem Nationalen Kulturpreis, dem Grand Prix de Painting von Frankreich usw. ausgezeichnet. Anthologien wurden ihm in Tokio (1976), New York (1977 und 2005), Rom (1980), Amsterdam (1980), Madrid (1980), Venedig (1982), Mailand (1985), Wien (1986) und Brüssel (1986) gewidmet. Er ist in bedeutenden Museen auf der ganzen Welt vertreten, so in der nach ihm benannten Stiftung in Barcelona, im Reina Sofia in Madrid, im Guggenheim in Berlin, Bilbao und New York, im Fukoka Art Museum in Japan, im MoMA in New York und in der Tate Gallery in London.

Schätzw. 1 200 - 1 500 EUR

Los 43 - ALBERTO KORDA (Havanna, 1928- 2001). "Che Guevara", ca. 1960. Fotografie, Originalnegativ. Signiert und gewidmet oben links. Maße: 30 x 21 cm. Korda, der mit bürgerlichem Namen Alberto Díaz Gutiérrez hieß, kam zum ersten Mal mit der Fotografie in Berührung, als er die 35-mm-Kodak seines Vaters nahm und begann, Fotos von seiner Freundin zu machen. Korda begann seine Karriere als Fotograf und fotografierte zunächst Bankette, Taufen und Hochzeiten. Die Qualität von Kordas Arbeit als Anfänger war sehr schlecht und seine Fotos wurden schnell schlechter. 1953 eröffnete Korda sein erstes Studio zusammen mit einem Fotografen namens Luis Pierce. Anfänglich machten Korda und Pierce eine Vielzahl von Arbeiten, die von Mode bis zu Werbung reichten. Durch die Eröffnung seines ersten Studios hatte Korda jedoch die Möglichkeit, aus seinen Fehlern zu lernen und den Prozess durch die Verwendung der richtigen Chemikalien zu stoppen. Die meisten Arbeiten wurden von seinem Studiopartner fotografiert, um sein Geschäft am Laufen zu halten. Das Geld, das er mit diesen Aufträgen verdiente, ermöglichte es Korda, seinen einzigartigen Stil zu entwickeln, bei dem er ein Bild aus einem anderen Blickwinkel betrachtete als die traditionellen Studiofotografen. Es war dieser Stil, der die in den Korda Studios entstandenen Fotografien definierte und populär machte. In den ersten Jahren interessierte sich Korda mehr für die Mode und wurde zum führenden Modefotografen Kubas. Korda lehnte künstliches Licht ab, da es "eine Parodie der Realität" sei, und verwendete in seinem Studio nur natürliches Licht. Er war ein Meister der Schwarz-Weiß-Fotografie und suchte bei seinen Arbeiten nach der perfekten Komposition und dem perfekten Bildausschnitt. Korda hatte einen einzigartigen kreativen Ehrgeiz, der sich oft von der einfallslosen kulturellen Perspektive der traditionellen kubanischen Fotografie abhob. Diese einzigartige Kreativität machte aus dem Korda Studio mehr als nur ein florierendes Geschäft; es wurde zu einem Kunststudio.

Schätzw. 4 000 - 4 500 EUR

Los 44 - ZAO WOU-KI (Peking, 1921 - Nyon, Schweiz, 2013). "Zoo-4", 1986. Aquatintaradierung, Kopie H.C. 4/15. Handsigniert und gerechtfertigt. Maße: 40,5 x 56 cm (Druck); 48 x 63 cm (Papier); 70 x 86 cm (Rahmen). Auch in seinen Stichen arbeitet Zao Wou-Ki mit großen, satinierten Farbmassen, die implodieren und keimhafte Big Bangs, erhabene und ursprüngliche Landschaften bilden, wie in diesem Fall. Zao Wou-Ki wurde in einer französisch-chinesischen Familie geboren und wuchs in einem sehr kultivierten Umfeld auf, das sich für Kunst und Wissenschaft interessierte. In seiner Kindheit lernte er Kalligrafie, ein Aspekt, der sein reifes Werk beeinflussen sollte, und später studierte er von 1935 bis 1941 Malerei an der Fakultät für Schöne Künste in Hangzhou. Einige Jahre später, 1948, lässt er sich in Paris im Viertel Montparnasse nieder, wo er die künstlerischen Kurse von Émile Othon Friesz besucht und mit der zeitgenössischen künstlerischen Avantgarde in Kontakt kommt. Er beginnt, mit der Lithografie zu experimentieren, eine Technik, die er dank seines Kontakts mit Desjobert schließlich beherrscht. Im Mai 1949 hat er eine Einzelausstellung in der Galerie Creuze mit einem Vortrag von Bernard Dorival, dem Kurator des Nationalmuseums für moderne Kunst. Im Januar 1951 besucht Pierre Loeb zusammen mit Henri Michaux das Atelier von Wou-Ki und organisiert für Juni eine Ausstellung in der Galerie Pierre, womit der Grundstein für eine enge Zusammenarbeit gelegt wird, die sechs Jahre andauern sollte. Er stellt regelmäßig in der Galerie Pierre aus, lernt I. M. Pei und dessen Frau Eileen kennen und weitet seinen Ausstellungsradius auf die Schweiz, London, Basel und Lausanne sowie New York, Washington und Chicago aus. Michaux schreibt den Katalog für seine erste New Yorker Ausstellung in der Cadly-Birch Gallery.

Schätzw. 4 000 - 5 000 EUR

Los 45 - LUIS FEITO (Madrid, 1929-2021). "Komposition. Lithographie. Exemplar 42/99. Mit Bleistift signiert und gerechtfertigt. Maße: 76 x 57 cm; 93 x 73 cm (Rahmen). Luís Feito, geboren und aufgewachsen in Madrid, war eines der Gründungsmitglieder der Gruppe El Paso. Im Jahr 1954 hatte er seine erste Einzelausstellung mit nicht-figurativen Werken in der Galerie Buchholz in Madrid. Von diesem Zeitpunkt an stellte Feito regelmäßig in den wichtigsten Städten der Welt aus, wie Paris, Mailand, New York, Helsinki, Tokio und Rom. 1954 wurde er zum Professor an der Hochschule für Bildende Künste in San Fernando ernannt. Zwei Jahre später verließ er den Lehrstuhl und ging mit einem Stipendium nach Paris, um die aktuellen Avantgarde-Bewegungen zu studieren. In dieser Zeit wurde er vom Automatismus und der Materiemalerei beeinflusst. 1962 wurde er Gründungsmitglied der Gruppe El Paso, zu der er während seiner Jahre in Paris den Kontakt verloren hatte. Seine ersten Werke sind der figurativen Malerei zuzuordnen, um dann eine Phase zu durchlaufen, in der er mit dem Kubismus experimentiert, um schließlich ganz in die Abstraktion einzutreten. Zu Beginn verwendet er nur schwarze, ockerfarbene und weiße Farben, aber als er das Potenzial des Lichts entdeckt, beginnt er, lebhaftere Farben und glatte Flächen zu verwenden. Er entwickelte sich dazu, Rot als Kontrapunkt in seinen Kompositionen zu verwenden (seit 1962) und im Allgemeinen intensivere Farben. In seiner abstrakten Phase, die die 1970er Jahre umfasst, zeigt Feito eine deutliche Tendenz zur Vereinfachung, wobei der Kreis als geometrische Form in seinen Kompositionen vorherrscht. Möglicherweise zeigt sich der Einfluss der japanischen Kunst in seiner Vorliebe für große schwarze Flächen. Die meisten seiner Werke sind unbetitelt, so dass man sie in der Regel an einer ihnen zugewiesenen Nummer erkennt. Zu seinen Auszeichnungen gehört die Ernennung zum Offizier des französischen Ordens der Künste und des Schrifttums im Jahr 1985. Im Jahr 1998 erhielt er die Goldmedaille der Schönen Künste in Madrid und wurde zum Vollmitglied der Königlichen Akademie der Schönen Künste von San Fernando ernannt. Im Jahr 2000 erhielt er den Preis des Spanischen Verbandes der Kunstkritiker auf dem Salon Estampa, 2002 den Großen Preis der AECA für den besten internationalen Künstler auf der ARCO, 2003 den Preis für den bedeutendsten Künstler auf der Kunstmesse in Osaka (Japan), 2004 den Preis für die Kultur der plastischen Künste der Gemeinde Madrid, 2005 den Preis Francisco Tomás Prieto der Fábrica Nacional de Moneda y Timbre und 2008 den Preis der Stiftung Jorge Alió und den Großen Preis für zeitgenössische spanische Kunst CESMAI. Luis Feito ist in den wichtigsten Museen der Welt vertreten.

Schätzw. 500 - 600 EUR

Los 46 - JOAN MIRÓ I FERRÀ (Barcelona, 1893 - Palma de Mallorca, 1983). "Barça". Lithographie, Kopie 50/50 . Mit Bleistift signiert und nummeriert, Maße: 100 x 70 cm; 116 x 87 cm (Rahmen). Joan Miró wird in Barcelona ausgebildet und debütiert 1918 in den Galerien von Dalmau. 1920 zieht er nach Paris und lernt Picasso, Raynal, Max Jacob, Tzara und die Dadaisten kennen. Dort entwickelt er unter dem Einfluss surrealistischer Dichter und Maler seinen Stil weiter; er versucht, die surrealistische Poesie, die auf Erinnerung, Fantasie und dem Irrationalen beruht, auf das Visuelle zu übertragen. Seine dritte Ausstellung in Paris im Jahr 1928 ist sein erster großer Erfolg: das Museum of Modern Art in New York erwirbt zwei seiner Werke. 1941 kehrte er nach Spanien zurück, und noch im selben Jahr widmete ihm das Museum eine Retrospektive, die seine endgültige internationale Anerkennung finden sollte. Im Laufe seines Lebens erhielt er zahlreiche Auszeichnungen, darunter die Großen Preise der Biennale von Venedig und der Guggenheim-Stiftung, den Carnegie-Preis für Malerei, die Goldmedaillen der Generalitat de Catalunya und der Schönen Künste, und wurde von den Universitäten Harvard und Barcelona zum Doctor Honoris Causa ernannt. Seine Werke sind derzeit in der Stiftung Joan Miró in Barcelona, im Museum Thyssen-Bornemisza, im MoMA in New York, im Museum Reina Sofía in Madrid, in der National Gallery in Washington, im MNAM in Paris und in der Albright-Knox Art Gallery in Buffalo zu sehen.

Schätzw. 2 000 - 2 400 EUR

Los 47 - MAX NEUMANN (Saarbrücken, Deutschland, 1949) Ohne Titel, 1990 Öl auf Papier, auf Leinwand aufgeklebt. Signiert und datiert in der rechten unteren Ecke. Mit Etikett der Galerie Maeght in Barcelona. Maße: 220 x 180 cm. Das gezeigte Werk taucht in eine dunkle Atmosphäre ein, die eine latente Gewalt vermuten lässt. Max Neumann hat einen persönlichen Stil von großer Eindringlichkeit entwickelt. Er ist ein Künstler, der sich bereits in seinem eigenen Universum befindet, das zwischen Abstraktion und einer rätselhaften Figuration gleitet. Der deutsche Maler Max Neumann hat an zahlreichen Einzelausstellungen in deutschen und ausländischen Galerien teilgenommen sowie an Ausstellungen im Saarland-Museum, Saarbrücken, und im Folkwang-Museum, Essen, zwei der renommiertesten deutschen Museen für zeitgenössische Kunst, was zeigt, dass Max Neumann ein anerkannter Künstler ist, dessen Werke in bedeutenden institutionellen, öffentlichen und privaten Sammlungen in der ganzen Welt vertreten sind. Er lebt derzeit in Berlin. Seine Ausbildung erhielt er von 1969 bis 1977 an den Kunsthochschulen in Saarbrücken, Karlsruhe und Berlin. Ausgewählte Einzelausstellungen: 2015 -Galerie Bruce Silverstein, New York 2014 Galerie Thomas Levy, Hambourg Galerie Xenon, Bordeaux Galerie Vidal-Saint Phalle, Paris 2013- Galerie Stefan Röpke, Köln? Mimmo Scognamiglio artecontemporanea, Mailand. Galerie Clairefontaine, Luxemburg 2012 -Galerie Vidal-Saint Phalle, Paris Bruce Silverstein Gallery, New York 2011-Levy, Hamburg 2010- Fondation Antonio Pérez, Centro de Arte Contemporáneo, Cuenca. Museo de Obra Gráfica, San Clemente, Cuenca Galerie Vidal-Saint Phalle, Paris. AUP Galerie der Schönen Künste, Amerikanische Universität von Paris. Galerie Arnes und Röpke, Madrid. Galerie Stefan Röpke, Köln. Kunstverein Niebüll, Richard-Haizmann-Museum, Niebüll 2009 -Villa Wessel, Iserlohn. Centre Cultural Contemporani Pelaires, Palma de Mallorca Ronchini Arte Contemporanea, Terni. Freie Akademie der Künste in Hamburg 2008-Galerie Stefan Röpke, Köln.

Schätzw. 7 000 - 8 000 EUR

Los 48 - MANUEL MARÍN (Cieza, Murcia, 1942 - Málaga, 2007). "Mobile Deckenskulptur. Polychromer Stahl. Beigefügtes Echtheitszertifikat, ausgestellt von Frau Mónika Rabassa, Witwe des Künstlers. Signiert auf dem Sockel. Maße: 167 x 225 x 0,5 cm. Mobile Skulptur aus Metall, die der Künstler in verschiedenen Tönen einer primären Farbskala polychromiert hat. Der Künstler hat verschiedene Töne einer primären Farbskala verwendet. Dies bringt das Design in die Nähe einer neoplastischen Ästhetik, in der die Verwendung dieser Farbpalette und das Experimentieren mit ihrer Darstellung in dieser ästhetischen Strömung sehr verbreitet waren. Erwähnenswert ist das Werk von Manuel Marín, das seine klare Verbindung zu den Avantgarde-Strömungen und deren Anwendung und Weiterentwicklung in seiner eigenen Produktion durch eine einzigartige und persönliche Sprache zeigt. Manuel Marín begann im Alter von zehn Jahren mit dem Stierkampf und bestritt seinen ersten Stierkampf im Alter von sechzehn Jahren. Im Alter von zwanzig Jahren reiste er nach London und begann in einer Kunstgalerie zu arbeiten, wo er endgültig in die Welt der Bildhauerei eintrat. Dort lernte er den britischen Künstler Henry Moore kennen, der ihn als Assistenten für die Realisierung seiner Bronzeskulpturen einstellte. 1964 zog er nach New York, wo er als Kunstrestaurator arbeitete, bis er seine eigene Galerie, The American Indian Art Gallery, eröffnete, die Warhol, Basquiat, De Kooning, Keith Haring und andere zu ihren Kunden zählte. Von beweglichen Skulpturen angezogen, begann er 1969, seine eigenen Werke zu schaffen, und im folgenden Jahr hatte er seine erste Ausstellung in der Alan Brown Gallery in Scardele, New York. Seitdem hat er seine Werke an verschiedenen Orten in New York sowie in Kanada, Italien, Mexiko, China, Puerto Rico, Japan und Spanien gezeigt. Gegenwärtig besitzt er öffentliche Denkmäler in verschiedenen Teilen der Vereinigten Staaten und Spaniens und ist in spanischen und ausländischen Sammlungen vertreten, nachdem er für sein künstlerisches Schaffen kritische und öffentliche Anerkennung erhalten hat.

Schätzw. 9 000 - 10 000 EUR

Los 49 - CECILIA CASTELLI (Varese, Italien, 1991). "Playlist", 2023. Fine Art Giclée Druck. Limitierte Auflage von 5 Drucken. Signiert und nummeriert. Echtheitszertifikat liegt bei. Das Kunstwerk wird 15 Tage nach Zahlungseingang geliefert. Abmessungen: 59,5 x 42 cm. Cecilia Castelli hat Produktdesign an der NABA in Mailand studiert, bevor sie das Grafikdesign und vor allem die Illustration für sich entdeckte, die zu ihrem Vollzeitjob geworden ist. Sie hat bereits für Kunden wie Adobe Facebook, IKEA und Polaroid gearbeitet und mit verschiedenen Zeitschriften wie Cosmopolitan, Vogue Italia, TIME Magazine oder The Daily Telegraph zusammengearbeitet. Ihre Illustrationen sind voller Leidenschaft und einem Hauch von Ironie und stellen die weibliche menschliche Komödie mit minimalen Formen und lebhaften Farben dar. Ob es sich nun um Frauen handelt, die gerade Mutter werden, oder um Mädchen mit erwachsenen Träumen, die Protagonistinnen von Cecilias Geschichten bleiben in jedem Alter im Herzen "gute Mädchen", optimistisch und voller Hoffnung. Sie schafft faszinierende Bilder sowohl für redaktionelle als auch für kommerzielle Zwecke mit dem Ziel, eine Geschichte auf einfache Weise zu erzählen. Ihre Arbeit wird als hell, optimistisch und voller Menschlichkeit beschrieben.

Schätzw. 600 - 700 EUR

Los 50 - CECILIA CASTELLI (Varese, Italien, 1991). "Der Kuss", 2024. Fine Art Giclée Druck. Limitierte Auflage von 5 Drucken. Signiert und nummeriert. Echtheitszertifikat liegt bei. Das Werk wird 15 Tage nach Zahlungseingang geliefert. Abmessungen: 59,5 x 42 cm. Cecilia Castelli hat Produktdesign an der NABA in Mailand studiert, bevor sie das Grafikdesign und vor allem die Illustration für sich entdeckte, die zu ihrem Vollzeitjob geworden ist. Sie hat bereits für Kunden wie Adobe Facebook, IKEA und Polaroid gearbeitet und mit verschiedenen Zeitschriften wie Cosmopolitan, Vogue Italia, TIME Magazine oder The Daily Telegraph zusammengearbeitet. Ihre Illustrationen sind voller Leidenschaft und einem Hauch von Ironie und stellen die weibliche menschliche Komödie mit minimalen Formen und lebhaften Farben dar. Ob es sich nun um Frauen handelt, die gerade Mutter werden, oder um Mädchen mit erwachsenen Träumen, die Protagonistinnen von Cecilias Geschichten bleiben in jedem Alter im Herzen "gute Mädchen", optimistisch und voller Hoffnung. Sie schafft faszinierende Bilder sowohl für redaktionelle als auch für kommerzielle Zwecke mit dem Ziel, eine Geschichte auf einfache Weise zu erzählen. Ihre Arbeit wird als hell, optimistisch und voller Menschlichkeit beschrieben.

Schätzw. 600 - 700 EUR

Los 51 - LLUÍS CLARAMUNT (Barcelona, 1951 - Zarautz, Gipuzkoa, 2000). "Auf allen Vieren", 1986. Öl auf Leinwand. Mit Etikett der Galerie Dau al Set auf der Rückseite. Signiert und datiert in der oberen rechten Ecke. Maße: 145x 180 cm. Der Maler, Zeichner, Fotograf und Graveur Lluís Claramunt, der sein Leben zwischen Barcelona, Madrid, Sevilla, Bilbao und Marrakesch verbrachte, entwickelte ein Werk, das von Isidre Nonell beeinflusst wurde und in seinen Anfängen von einem Expressionismus geprägt war, der sich nach und nach auflöste, bis er sich in eine minimale Kalligrafie verwandelte. Seit den siebziger Jahren hatte er Einzelausstellungen in bekannten Galerien wie Dau al Set in Barcelona, Quatre Gats in Palma de Mallorca, Juana de Aizpuru in Sevilla oder Buades in Madrid und nahm auch an Arco (1984, 1988) teil. Außerdem hatte er Einzelausstellungen in New York, Amsterdam, Graz (Österreich) und Lissabon. Im Jahr 2012 wurde sein Werk in der Einzelausstellung "El viatge vertical" im MACBA in Barcelona gezeigt. Derzeit ist er in diesem Museum, der Fundació Vila Casas, der Sammlung La Caixa, dem Museo de Bellas Artes de Álava, der Asociación Colección de Arte Contemporáneo de Madrid, dem Consejo Superior de Deportes und dem Ministerio de Cultura in derselben Stadt sowie in der Colección Caja Madrid vertreten. Kürzlich hat Claramunt in der renommierten Galerie Marc Domenech in Barcelona ausgestellt, der seine Ausstellung "Luis Claramunt. Años 80" ganz dem Werk des Künstlers widmete. Die Ausstellung, die im Mai 2016 stattfand, zeigte mehr als siebzig Werke, die die Vorliebe des Künstlers für urbane Räume demonstrierten, dargestellt durch eine völlig expressionistische Palette, in der eine dynamische und lebendige Farbpalette vorherrscht.

Schätzw. 3 500 - 4 000 EUR

Los 52 - RANMA ½ Zelluloid. Zelluloid und Zeichnung. Maße: 23 x 27 cm; 24,5 x 27 cm. Ranma ist eine japanische Manga-Serie, geschrieben und illustriert von Rumiko Takahashi. Sie wurde von August 1987 bis März 1996 in Weekly Sh?nen Sunday fortlaufend veröffentlicht, wobei die Kapitel in 38 Tank?bon-Bänden von Shogakukan gesammelt wurden. Die Geschichte dreht sich um einen Teenager namens Ranma Saotome, der seit seiner frühen Kindheit Kampfsport trainiert hat. Durch einen Unfall während eines Trainingsausflugs erleidet er den Fluch, sich in ein Mädchen zu verwandeln, wenn er mit kaltem Wasser in Berührung kommt, während heißes Wasser ihn wieder in einen Jungen verwandelt. Während der gesamten Serie sucht Ranma nach einem Weg, um seinen Fluch loszuwerden, während seine Freunde, Feinde und viele Verlobte sich ständig einmischen und ihn daran hindern, dies zu tun.

Schätzw. 150 - 200 EUR

Los 53 - DR SLUMP Zelluloid Zelluloid und aufgeklebte Zeichnung. Maße: 23 x 27 cm (Zelluloid); 24,5 x 27 cm (Zeichnung). Dr. Slump ist ein japanischer Manga und Anime von Akira Toriyama. Der Manga erschien erstmals im Dezember 1979 auf den Seiten des Shueisha-Magazins Shonen Jump. Die Akzeptanz des Mangas war so groß, dass 1981 die erste Episode der Zeichentrickserie veröffentlicht wurde.

Schätzw. 150 - 200 EUR

Los 54 - BASTARD!! celluloids Satz von zwei Zelluloiden und beigefügten Zeichnungen. Maße: 23 x 27 cm; 24,5 x 27 cm. Bastard! Heavy Metal, Dark Fantasy, ist eine japanische Manga-Serie, geschrieben und illustriert von Kazushi Hagiwara. Sie begann 1988 in der Shueisha-Zeitschrift Weekly Sh?nen Jump und wird seit 2000 in unregelmäßigen Abständen in Ultra Jump fortgesetzt, wobei das letzte Kapitel 2010 veröffentlicht wurde. Hagiwara ist ein begeisterter Fan von Heavy-Metal-Musik und Dungeons and Dragons und verwendet Ideen aus beiden Genres in der Bastard!!! Geschichte. Viele Charaktere und Orte in der Geschichte sind beispielsweise nach Mitgliedern von Hagiwaras Lieblingsbands benannt. Der Manga wurde von AIC in eine sechs Episoden umfassende Original-Video-Animationsserie (OVA) umgewandelt, die zwischen 1992 und 1993 veröffentlicht wurde.

Schätzw. 300 - 400 EUR

Los 55 - KINNIKUMAN Zelluloide Satz mit fünf Zelluloidfiguren und einer Zeichnung. Maße: 24 x 26,5 cm (Zelluloid, x5); 24,5 x 27 cm (Zeichnung). Kinnikuman, wörtlich übersetzt "Muskelmann", ist eine japanische Manga-Serie des Duos Yoshinori Nakai und Takashi Shimada, bekannt als Yudetamago. Die Serie folgt Suguru Kinniku, einem Superhelden, der ein Wrestling-Turnier gewinnen muss, um den Titel des Prinzen des Planeten Kinniku zu behalten. Nakai und Takashi planten die Serie, als sie ursprünglich die High School besuchten, als Parodie auf Ultraman.

Schätzw. 300 - 400 EUR

Los 56 - OLIVER UND BENJI Zelluloid. Zelluloid. Dimensionen: 23 x 26,5 cm. Captain Tsubasa in Japan, Oliver und Benji in Spanien ist eine japanische Manga-Serie, geschrieben und illustriert von Y?ichi Takahashi. Die Serie dreht sich hauptsächlich um den Vereinssport Fußball und konzentriert sich auf Tsubasa Oozora und seine Beziehung zu seinen Freunden, Rivalitäten mit seinen Gegnern, Training, Wettkämpfe und die Action und den Ausgang jedes Fußballspiels. Im Laufe der verschiedenen Captain Tsubasa-Serien zeigt die Handlung die Entwicklung von Tsubasa und seinen Freunden, während sie sich neuen Rivalen stellen. Die Manga-Serie Captain Tsubasa wurde ursprünglich zwischen 1981 und 1988 im Shueisha-Magazin Weekly Sh?nen Jump sh?nen manga serialisiert, wobei die Kapitel in 37 Tank?bon-Bänden gesammelt wurden. Es folgten mehrere Manga-Fortsetzungen. Die ursprüngliche Manga-Serie wurde von Tsuchida Production in eine Anime-Fernsehserie umgewandelt und von 1983 bis 1986 auf TV Tokyo ausgestrahlt.

Schätzw. 200 - 300 EUR

Los 57 - TERÁN (Chile, 1974). "Picasso geht mit dem Hund von Jeff Koons spazieren", Serie Fantasien von Picasso, 2022. Öl auf Leinwand. Signiert in der unteren linken Ecke. Signiert, datiert und betitelt auf der Rückseite. Maße: 80 x 60 cm. In diesem Werk zeigt uns Terán Picasso, gekleidet in sein ikonisches gestreiftes Hemd. In einer seiner Hände hält er eine Leine, an der ein Ballon in Form eines Hundes befestigt ist - eine Anspielung auf den Künstler Jeff Koons. Die Verwendung von Figuren aus Comics oder der urbanen Kultur als Protagonisten bringt uns dem Pop näher. Terán bietet jedoch eine neue Perspektive, da er mit Elementen der Hoch- und Niedrigkultur spielt und so eine radikal neue Vision schafft. Der in Spanien lebende chilenische Künstler Manuel Terán, der einen Abschluss in Bildender Kunst besitzt, hat sein kreatives Schaffen im Bereich der plastischen Künste und der auf die Kunst angewandten neuen Technologien entwickelt. Seit er 1995 auf dem Salón de Otoño del Círculo de Bellas Artes in Santiago de Chile bekannt wurde, hat er Einzelausstellungen durchgeführt und an Gruppenausstellungen und Messen in Lateinamerika und Europa teilgenommen. Er wurde mit Preisen wie dem der Real Academia de San Carlos de Valencia (2004) ausgezeichnet.

Schätzw. 1 200 - 1 400 EUR

Los 58 - TERÁN (Chile, 1974). "Tribute to Banksy", Tribute to Genius Series, 2022. Öl auf Leinwand. Signiert in der unteren rechten Ecke. Signiert, datiert und betitelt auf der Rückseite. Maße: 60 x 60 cm. Im Katalog zur Ausstellung "Tribut an die Genies" wird darauf hingewiesen, dass "Terán versucht, die Rückkehr der Malerei als symbolische Strategie zu postulieren. Seine Hommagen, die die Form von Pastiches annehmen, sind aber keine. Die Künstler, denen er Tribut zollt, werden von ihm bewundert (Francis Bacon, Banksy, Marc Chagall, Jean Dubuffet, Lucio Fontana, Francisco de Goya, Lucian Freud, Keith Haring, David Hockney, Robert Indiana, Jaspers Johns, Yves Klein, Kusama-Velázquez, Roy Lichtenstein, René Magritte, Roberto Matta, Joan Miró, Pablo Picasso, Jackson Pollock, Joaquín Sorolla und Andy Warhol). Die Liste könnte nicht heterogener sein. Sie folgt keiner Reihenfolge. Er huldigt den Künstlern, die er bewundert, auch wenn sein eigenes Werk nichts mit ihnen zu tun hat. Die Heterogenität seiner Vorlieben ist offensichtlich und gibt E. Gombrich recht, für den es keine Kunst gibt, sondern nur Künstler. Dieser extreme Nominalismus führt dazu, dass er sowohl ästhetische Kategorien als auch Chronologien überspringt". Der in Spanien lebende chilenische Künstler Manuel Terán, der einen Abschluss in Bildender Kunst besitzt, hat sein kreatives Schaffen im Bereich der plastischen Kunst und der auf die Kunst angewandten neuen Technologien entwickelt. Seit er 1995 auf dem Salón de Otoño del Círculo de Bellas Artes in Santiago de Chile bekannt wurde, hat er Einzelausstellungen durchgeführt und an Gruppenausstellungen und Messen in Lateinamerika und Europa teilgenommen. Er wurde mit Preisen wie dem der Königlichen Akademie der Schönen Künste von Chile ausgezeichnet.

Schätzw. 800 - 1 000 EUR

Los 59 - TERÁN (Chile, 1974). "Tribute to Warhol", Tribute to Genius Series, 2022. Öl auf Leinwand. Signiert in der unteren rechten Ecke. Signiert, datiert und betitelt auf der Rückseite. Maße: 60 x 60 cm. Im Katalog zur Ausstellung "Tribut an die Genies" wird darauf hingewiesen, dass "Terán versucht, die Rückkehr der Malerei als symbolische Strategie zu postulieren. Seine Hommagen, die die Form von Pastiches annehmen, sind aber keine. Die Künstler, denen er Tribut zollt, werden von ihm bewundert (Francis Bacon, Banksy, Marc Chagall, Jean Dubuffet, Lucio Fontana, Francisco de Goya, Lucian Freud, Keith Haring, David Hockney, Robert Indiana, Jaspers Johns, Yves Klein, Kusama-Velázquez, Roy Lichtenstein, René Magritte, Roberto Matta, Joan Miró, Pablo Picasso, Jackson Pollock, Joaquín Sorolla und Andy Warhol). Die Liste könnte nicht heterogener sein. Sie folgt keiner Reihenfolge. Er huldigt den Künstlern, die er bewundert, auch wenn sein eigenes Werk nichts mit ihnen zu tun hat. Die Heterogenität seiner Vorlieben ist offensichtlich und gibt E. Gombrich recht, für den es keine Kunst gibt, sondern nur Künstler. Dieser extreme Nominalismus führt dazu, dass er sowohl ästhetische Kategorien als auch Chronologien überspringt". Der in Spanien lebende chilenische Künstler Manuel Terán, der einen Abschluss in Bildender Kunst hat, hat sein Schaffen im Bereich der plastischen Kunst und der neuen, auf die Kunst angewandten Technologien entwickelt. Seit er 1995 auf dem Salón de Otoño del Círculo de Bellas Artes in Santiago de Chile bekannt wurde, hat er Einzelausstellungen durchgeführt und an Gruppenausstellungen und Messen in Lateinamerika und Europa teilgenommen. Er wurde mit Preisen wie dem der Real Academia de San Carlos de Valencia (2004) ausgezeichnet.

Schätzw. 800 - 1 000 EUR

Los 60 - TERÁN (Chile, 1974). "Tribute to Pollock", Tribute to genius series, 2022. Öl auf Leinwand. Signiert in der unteren rechten Ecke. Maße: 60 x 60 cm. Im Katalog der Ausstellung "Tribut an die Genies" heißt es, dass "Terán versucht, die Rückkehr der Malerei als symbolische Strategie zu postulieren. Seine Hommagen, die die Form von Pastiches annehmen, sind aber keine. Die Künstler, denen er Tribut zollt, werden von ihm bewundert (Francis Bacon, Banksy, Marc Chagall, Jean Dubuffet, Lucio Fontana, Francisco de Goya, Lucian Freud, Keith Haring, David Hockney, Robert Indiana, Jaspers Johns, Yves Klein, Kusama-Velázquez, Roy Lichtenstein, René Magritte, Roberto Matta, Joan Miró, Pablo Picasso, Jackson Pollock, Joaquín Sorolla und Andy Warhol). Die Liste könnte nicht heterogener sein. Sie folgt keiner Reihenfolge. Er huldigt den Künstlern, die er bewundert, auch wenn sein eigenes Werk nichts mit ihnen zu tun hat. Die Heterogenität seiner Vorlieben ist offensichtlich und gibt E. Gombrich recht, für den es keine Kunst gibt, sondern nur Künstler. Dieser extreme Nominalismus führt dazu, dass er sowohl ästhetische Kategorien als auch Chronologien überspringt". Der in Spanien lebende chilenische Künstler Manuel Terán, der einen Abschluss in Bildender Kunst hat, hat sein Schaffen im Bereich der plastischen Kunst und der neuen, auf die Kunst angewandten Technologien entwickelt. Seit er 1995 auf dem Salón de Otoño del Círculo de Bellas Artes in Santiago de Chile bekannt wurde, hat er Einzelausstellungen durchgeführt und an Gruppenausstellungen und Messen in Lateinamerika und Europa teilgenommen. Er wurde mit Preisen wie dem der Real Academia de San Carlos de Valencia (2004) ausgezeichnet.

Schätzw. 800 - 1 000 EUR

Los 61 - CHRIS OFILI (Manchester, 1968). Ohne Titel, 1997. Aquarell und Bleistift auf Papier. Signiert und datiert auf der Rückseite der Zeichnung. Größe: 24 x 15,5 cm; 40 x 30 cm (Rahmen). Chris Ofili schafft komplizierte, kaleidoskopische Gemälde und Arbeiten auf Papier, die Abstraktion und Figuration miteinander verbinden. Ofili wurde in den 1990er Jahren durch seine komplexen und verspielten Gemälde berühmt, die er mit einer unverwechselbaren Mischung aus Harz, Glitter und Collagen verziert. Seine lebendigen, symbolischen und oft rätselhaften Werke basieren auf den üppigen Landschaften und lokalen Traditionen der Insel Trinidad, wo er seit 2005 lebt. Er bedient sich einer Vielzahl ästhetischer und kultureller Quellen, darunter Höhlenmalereien aus Simbabwe, Blaxploitation-Filme, Ovids Metamorphosen und modernistische Malerei. Ofili untersucht in seinen Arbeiten die Überschneidung von Begehren, Identität und Darstellung. Der 1968 in Manchester, England, geborene Ofili erwarb 1991 seinen BFA an der Chelsea School of Art in London und 1993 seinen MFA am Royal College of Art in London. Im Jahr 2005 kam der Künstler zu David Zwirner, wo er vier Einzelausstellungen in der New Yorker Galerie hatte. Das Institute of Contemporary Art Miami gab anlässlich der Eröffnung seines neuen Gebäudes Ofilis Arbeit für eine Langzeitinstallation in Auftrag, die von 2017 bis 2019 zu sehen war. Im Jahr 2017 präsentierte die National Gallery in London "Chris Ofili: Weaving Magic", mit der der Künstler zum ersten Mal im Medium der Tapisserie arbeitete. Im selben Jahr schuf Ofili ein ortsspezifisches Kunstwerk mit einer Wandmalerei für Marisol, das neu gestaltete Restaurant im Museum of Contemporary Art Chicago. Im Jahr 2015 wurde eine Gruppe von Ofilis Gemälden in "All The World's Futures", der 56. Internationalen Kunstausstellung der Biennale von Venedig, die von Okwui Enwezor kuratiert wurde, gezeigt. Das Werk des Künstlers war Gegenstand von Einzelausstellungen in der ganzen Welt, darunter "Chris Ofili: Night and Day", die erste große Einzelausstellung des Künstlers in einem Museum in den Vereinigten Staaten. Die Ausstellung wurde vom New Museum in New York organisiert, wo sie 2014 zum ersten Mal gezeigt wurde, und ging 2015 an das Aspen Art Museum in Colorado weiter. Weitere monografische Ausstellungen fanden im Arts Club of Chicago (2010), in der Tate Britain, London (2010 und 2005), in der kestnergesellschaft, Hannover (2006), im Studio Museum in Harlem, New York (2005) und im Britischen Pavillon der 50. Biennale in Venedig (2003) statt. Im Jahr 2017 wurde Ofili von der Queen mit dem Titel Commander of the Most Excellent Order of the British Empire (CBE) ausgezeichnet, und 1998 erhielt er den renommierten Turner Prize. Die Werke des Künstlers sind in führenden internationalen Sammlungen vertreten, darunter das British Museum, London; das Carnegie Museum of Art, Pittsburgh, Pennsylvania; das Museum of Contemporary Art, Los Angeles; das Museum of Modern Art, New York; die National Gallery of Canada, Ottawa; die Tate Gallery, London; das Victoria and Albert Museum, London; und das Walker Art Center, Minneapolis, Minnesota.

Schätzw. 9 000 - 10 000 EUR

Los 62 - ÁNGEL MATEO CHARRIS (Cartagena, Murcia, 1962). "Das Jahr der Maus" 1999.Acryl auf Leinwand.Signiert in der linken unteren Ecke.Maße: 97 x 146 cm.Als neometaphysischer Künstler eingestuft, zeigen seine Werke Porträts des zeitgenössischen amerikanischen Lebens. Die Werke von Charris sind stark von Comics und der Pop Art beeinflusst, so dass Werke mit völlig figurativem Charakter entstehen, die sich durch die Synthese ihrer Formen und die Verwendung intensiver und vielfältiger Farben auszeichnen.Nach seinem Abschluss an der Fakultät der Schönen Künste von San Carlos de Valencia unternahm er seine erste Reise nach New York, wo er die Gemälde von Edward Hopper und die Künstler der Hudson River School kennenlernte. Im Laufe seiner Karriere als Maler hatte er zahlreiche Ausstellungen im In- und Ausland, unter anderem im Centro de Arte Contemporáneo de Málaga (2010), im ARTIUM (Vitoria, 2010), in der Sammlung Ivam (Valencia, 2011) und in der Nationalbibliothek von Madrid (Madrid, 2014) sowie in den Städten Peking und New York. Seine Arbeiten befinden sich derzeit unter anderem in der Fundación Argentaria, der Fundación Coca-Cola, der Sammlung Bancaixa, der Colecció Testimoni La Caixa, dem Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, dem IVAM und dem Artium de Vitoria.

Schätzw. 1 800 - 2 000 EUR

Los 63 - SAM FRANCIS (San Mateo, Kalifornien, 1923 - Santa Monica, Kalifornien 1994). Ohne Titel, 1984 (SFF.1099 alias SFP84-46). Acryl auf Leinwand. Verso in Kursivschrift vom Künstler signiert: "Sam Francis" mit der Inschrift "SFP84-45" in blauer Markierung und 1984 in grauem Bleistift. Provenienz: -Galerie Nantenshi, Tokio (1985). -Privatsammlung, Japan. Beigefügtes Echtheitszertifikat der Sam Francis Foundation. Aufgeführt im Werkverzeichnis unter der Nr. SFF. 1099. Maße: 5,08 x 7,62 cm; 33 x 40 cm (Rahmen). Mit dieser Leinwand präsentiert uns San Francis eine Komposition, die dem Studium des Rhythmus und der linearen Zerlegung abstrakter Formen gewidmet ist. Stile wie der Neo-Plastizismus und der Konstruktivismus wurden auf persönliche Weise assimiliert; der Kalifornier geht jedoch weiter und bricht mit der Idee der reinen Linien, überlässt den Raum dem Zufall und der Ausdruckskraft des Bildmaterials selbst, wie man an den verschütteten Farbtropfen sehen kann. San Francis studierte zwischen 1941 und 1943 Botanik, Medizin und Psychologie an der Universität Berkeley in Kalifornien und diente während des Zweiten Weltkriegs von 1943 bis 1945 in der US-Luftwaffe, bevor er bei einem Flugzeugabsturz verletzt wurde. Er verbrachte mehrere Jahre im Krankenhaus und begann in dieser Zeit auf Drängen seines Freundes David Parks, eines Professors an der San Francisco School of Fine Arts, zu malen. Nach seiner Entlassung aus dem Krankenhaus kehrte er nach Berkeley zurück, diesmal um Kunst zu studieren. Sein Studium der Malerei und Kunstgeschichte dauerte von 1948 bis 1950. Francis' Frühwerk ist direkt von den abstrakten Expressionisten wie Rothko, Gorki und Still beeinflusst. In den 1950er Jahren lebte er in Paris, wo er 1952 seine erste Einzelausstellung in der Galerie Nida Dausset hatte. In den fünfziger und sechziger Jahren hatte er wichtige Einzelausstellungen und nahm an Gruppenausstellungen im Ribe Droite (Paris, 1955), Martha Jackson (New York, 1956), Gimpel Fils (London, 1957), der Ausstellung "New American Painting", die durch acht europäische Städte tourte (1958), der Documenta in Kassel (1959 und 1964) und der Kunsthalle in Bern und Düsseldorf teil. 1963 ließ er sich in Santa Monica, Kalifornien, nieder, und sechs Jahre später wurde ihm die Ehrendoktorwürde der Universität Berkeley verliehen. In dieser Zeit, zwischen 1960 und 1963, schuf er mehrere Werkserien, darunter die "Blue Balls"-Serie. Diese Werke, die überwiegend aus biomorphen blauen Formen und Tropfen bestehen, verweisen auf den Schmerz, den die Nierentuberkulose, an der er 1961 erkrankte, verursachte. Er malte weiter, vor allem in Los Angeles, aber auch in Tokio, wo er vor allem in den Jahren 1973-4 lebte. 1965 begann Francis mit einer Reihe von Gemälden, die sich durch große offene Flächen, minimale Farben und starke Linien auszeichnen. Sein Werk entwickelte sich weiter, nachdem er 1971 eine intensive jungianische Analyse bei Dr. James Kirsch begonnen hatte. Zu diesem Zeitpunkt begann er, sich intensiv mit seinen Träumen und den darin enthaltenen unbewussten Bildern zu befassen. Francis' Werke aus den frühen 1970er Jahren wurden als Frischluftbilder bezeichnet. Diese Werke, die durch das Hinzufügen von Lachen, Tropfen und Farbspritzern zu nassen, mit einer Rolle aufgetragenen Farbstreifen entstanden, bekräftigten das Interesse des Künstlers an Farbe. In den Jahren 1973-4 weisen viele von Francis' Gemälden ein formales Raster oder eine Matrix auf, die aus kreuzweise schraffierten Farbspuren besteht. Viele dieser Matrizenbilder sind großformatig und messen bis zu drei Meter in der Länge. Nach 1980 verschwand die formale Gitterstruktur allmählich aus Francis' Werk. Er war als Grafiker äußerst aktiv und schuf zahlreiche Radierungen, Lithografien und Monotypien, von denen viele in Santa Monica in Francis' eigenem Litho Shop ausgeführt wurden. 1984 gründete Francis The Lapis Press mit dem Ziel, ungewöhnliche und aktuelle Texte in visuell ansprechenden Formaten zu produzieren.

Schätzw. 10 000 - 12 000 EUR

Los 64 - SALVADOR DALÍ I DOMÈNECH (Figueres, Girona, 1904 - 1989). Ohne Titel. 1963. Tuschezeichnung auf Papier (Buchseite). Signiert, datiert und handschriftlich gewidmet. Das Buch ist eine Sammlung von Interviews des Journalisten Manuel Del Arco. "Dalí in the Nude". Ed. José Yanes. Barcelona, 1952. Provenienz: Sammlung Rafael Gorgot Ribas. Anschließend Swann Auction Galleries, Lot. 535. Größe: 24 x 34 cm (Zeichnung). Mit dieser doppelseitigen Originalzeichnung kehrt Dalí zu dem Thema zurück, das ihn zeitlebens so sehr faszinierte. Salvador Dalís Faszination für Don Quijote manifestiert sich in den zahlreichen Zeichnungen, Skizzen, Stichen und Skulpturen, die das surrealistische Genie der Figur von Cervantes widmet. Angezogen von der glühenden Persönlichkeit des genialen Hidalgo und beeinflusst durch den Rat seines Vaters, der ihm versichert hatte, dass "Don Quijote ein Werk ist, in dem sich die Fakultäten leicht hervortun können", fertigte er 1945 38 Zeichnungen und Aquarelle zur Illustration des ersten Teils von Cervantes' Text an. Dieses Originalexemplar, das heute im Dalí-Theater-Museum aufbewahrt wird, erzählt die Heldentaten, die Miguel de Cervantes im Jahr 1605 schrieb und aus denen der moderne Roman hervorging, der noch immer die Liste der besten literarischen Werke der Geschichte anführt.

Schätzw. 10 000 - 12 000 EUR

Los 65 - AIIROH (Narbonne, Frankreich, 1987). "Street Dollar, 2023. Mischtechnik-Lithografie auf Acrylharzplatte. Kopie 1/1. Rückseitig beigefügtes Zertifikat. Maße: 75 x 75 cm. Aiiroh definiert sich selbst als Straßenkünstler, aber auch als Pop-Artist "im ursprünglichen Sinne von "populär", der die Straßenkultur zum Leben erweckt", wie der Künstler selbst sagt. Sein Werk ist inspiriert von Künstlern wie Raymond Hains (dessen berühmte Ausstellung "France in Shreds" aus dem Jahr 1961 ihn als jungen Straßenkünstler besessen hat), Villeglé, Dufrêne, Rotella und Robert Indiana. In seiner Sprache bezieht Aiiroh Elemente der Populärkultur ein, wie zum Beispiel weltbekannte internationale Marken, die uns an die Abhängigkeit der Gesellschaft von Konsumgütern erinnern. Optisch sind seine Werke aufgrund des Kontrasts zwischen dem schwarzen Hintergrund und der Vielzahl von Farben, die die Embleme bilden, sehr ästhetisch. Sein Werk ist nicht mehr politisch, sondern optimistisch: Er bietet heitere Botschaften, darunter ikonische Cartoonfiguren und Porträts von Prominenten. Er hat in rund zwanzig Galerien in Frankreich und im Ausland ausgestellt (Schweiz, Italien, Vereinigtes Königreich, Griechenland, Israel, Vereinigte Staaten, Singapur, Hongkong, Japan).

Schätzw. 1 200 - 1 400 EUR

Los 66 - VICTOR MIRA (Zaragoza, 1949 - München, 2003). "Bachcantata". 1992 Acryl auf Karton. Signiert in der linken unteren Ecke. Beiliegendes Echtheitszertifikat ausgestellt von Esther Romero Fajardo. Maße: 54 x 53 cm; 74 x 74 cm (Rahmen) Der Maler, Bildhauer, Graveur und Schriftsteller bildete sich im Wesentlichen autodidaktisch aus. Im Alter von achtzehn Jahren hatte er seine erste Einzelausstellung in der Galerie N'Art in Zaragoza, die zugleich die erste Skulpturenausstellung unter freiem Himmel in dieser Stadt war. Kurze Zeit später zog er nach Madrid, wo er 1973 in der Galerie Pol Verdié ausstellte. Während seiner Zeit in der Hauptstadt nahm er an den Encuentros de Pamplona teil, wo er John Cage kennenlernte. Zwei Jahre später, 1974, veröffentlicht Ana María Canales ihr Buch "Víctor Mira, eres mi pintor preferido" (Victor Mira, du bist mein Lieblingsmaler). 1975 reiste sie nach Heidelberg, wo sie fünf Monate lang lebte, und veröffentlichte im selben Jahr "El libro de las dos hojas". 1976 begann er in Deutschland an seinen Serien "Spanische Haltung" und "Manos" zu arbeiten. Nachdem er einige Zeit zwischen Madrid und Deutschland verbracht hatte, ließ er sich 1977 in Barcelona nieder. Dort begann er seinen Gemäldezyklus "Interiores catalanes con tomate", und 1979 veröffentlichte er seinen ersten Gedichtband "El bienestar de los demonios". Im selben Jahr hatte er seine erste Einzelausstellung in München in der Galerie Tanit, und im Jahr darauf stellte er seine Werke in den Vereinigten Staaten in der Galerie George Staempfli in New York aus. Von da an begann seine internationale Karriere mit Ausstellungen in Deutschland, den Vereinigten Staaten, den Niederlanden, der Schweiz, Schweden, Norwegen, Kolumbien, Frankreich, Belgien und Österreich, während er weiterhin regelmäßig in Spanien ausstellte. Im Jahr 1983 reiste er auf Einladung des Meadows Museum in Dallas zum ersten Mal in die Vereinigten Staaten. Im selben Jahr arbeitete er in den Werkstätten für Druckgrafik der Southern Methodist University in Dallas und verbrachte fünf Monate in New York. Ebenfalls 1983 schuf er in Barcelona seine ersten Serien von Eisenskulpturen, "Cultura del arco" und "Mediodías". 1997 wurde er von Amy Chaiklin zur Teilnahme an der Kunstbiennale in New York eingeladen, und sechs Jahre später, kurz vor seinem Tod, wurde er auf der ARCO-Messe mit dem Preis für den besten lebenden spanischen Künstler ausgezeichnet. Die letzte Retrospektive, die dem Künstler gewidmet war, fand in Düsseldorf (Deutschland) in der Galerie Beck & Eggeling statt. Werke von Mira befinden sich in Museen und Privatsammlungen auf der ganzen Welt, darunter das Museum of Modern Art in New York, das Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, das MACBA in Barcelona, die Museen der Schönen Künste von Vitoria und Zaragoza, die Beulas-Stiftung in Huesca und das Museo Colecciones ICO in Madrid.

Schätzw. 1 400 - 1 500 EUR

Los 67 - JOSEP PUIGMARTI VALLS (Monistrol de Calders, 1932-2020). "Figuraçio platejada oxidada", 1996. Öl und Collage auf Leinwand. Signiert in der unteren Mitte. Auf der Rückseite betitelt, signiert und datiert. Der Rahmen hat ein paar Mängel. Größe: 60 x 73 cm; 74 x 88 cm (Rahmen). Josep Puigmartí war ein autodidaktischer spanischer Maler und Bildhauer, der seinen Stil außerhalb der Konventionen und künstlerischen Trends der jeweiligen Epoche entwickelte. In den 60er, 70er und 80er Jahren führte er in seinen surrealistischen Gemälden eine ganze Ikonographie des erotischen Stils ein, die ihm bei den Kritikern der damaligen Zeit die Bezeichnung eines Grenzgängers einbrachte, der einen provokativen Stil praktizierte. Im Jahr 2007 erklärte ihn der Stadtrat der Grenzstadt Bourg-Madame (Frankreich) zu seinem Lieblingssohn, übergab ihm die Schlüssel der Stadt und widmete ihm ein ständiges Museum namens Espace d'art Puigmartí. Als Ergebnis seiner zahlreichen Reisen um die Welt stellte er in Spanien, Andorra, Frankreich, Monaco, Schweden, Dänemark, Japan, Abu Dhabi, Kolumbien, den Vereinigten Staaten und im China Millennium Monument Contemporary Art Museum in Peking aus.

Schätzw. 1 500 - 1 800 EUR

Los 68 - RON ENGLISH (Chicago, 1959) für Made by Monsters Toys. "Mausmaske Murphy". Limitierte Auflage, Exemplar 63/300. Vinyl. Mit Verlagsstempeln und nummeriert. Mit Originalkarton. Produziert von Made by Monsters Toys. In gutem Zustand. Abmessungen: 22 cm (Höhe); 26 x 28,5 x 14,5 cm (Schachtel). Ron English x Made by Monsters JPS hat diese "Bondage Shaved Mouse Mask Murphy" herausgebracht, die mit einem von Englishs charakteristischen Designs, dem "Bondage Smiley Grin", verbunden ist. Ron Englishs Art Toys sind eine Mischung aus Pop Art und Propaganda, die dem Konzept des "Culture Jamming" folgen, was mit kultureller Sabotage oder Ablenkung übersetzt werden kann, in dem er Ikonographie aus Superhelden-Comics, Kunstgeschichte, Werbung oder Politik einbezieht. So spielt English mit der Ikonografie multinationaler Unternehmen, der Populärkultur oder der Kunstgeschichte, wie Joe Camel, McDonalds, Vincent vanGogh oder Mickey Mouse, indem er sie versioniert und persifliert, um das Gegenteil der Werte zu symbolisieren, die sie repräsentieren. Englishs Name ist in den wichtigsten Magazinen der Welt erschienen (The New York Times, The Wall Street Journal, USA Today, The Miami Herald, The Washington Post, The Los Angeles Times, LA Weekly, Art News, Time Magazine, Rolling Stone, Creem, Juxtapoz Magazine, Hi Fructosa, Mad Magazine, u.a.). Zu seinen Auftritten in Film und Fernsehen gehören Exit Through the Gift Shop, Supersize Me, The Simpsons, Work of Art, Street Art Throwdown, CNN, BBC, Sky TV und viele andere. Neben seiner Kunstpraxis und seinen Wandmalereien hat English auch Albumcover für Musiker wie Dandy Warhols und Slash, Kunst für den Dokumentarfilm Super Size Me und verschiedene Art Toys produziert. In gutem Zustand.

Schätzw. 800 - 900 EUR

Los 69 - "KAWS", BRIAN DONNELLY (New Jersey, 1974) für Medicom Toy China. "Companion Five Years Later", 2004. PVC, schwarz lackiert. Signiert auf den Fußsohlen. Produziert von Medicom Toy China. Mit Originalverpackung. In gutem Zustand. Maße: 38 cm (Höhe); 43 x 22 x 15 mm (Schachtel). Aus der breiten Palette von Kaws' Entwürfen ragen die "Companions" heraus, Figuren, die von der Figur der Mickey Mouse inspiriert sind, einer Ikone, die der Künstler gut kennt, da er seine Karriere in den Disney-Studios als Animator begann. Seine Companions tragen ebenfalls weiße Handschuhe und die Schuhe der Maus, haben aber anstelle von Augen zwei Kreuze. Seine auf der Populärkultur basierende Ikonografie konzentriert sich nicht nur auf die Figur von Mickey, sondern es gibt auch Companions, die auf Star Wars, SpongeBob Schwammkopf oder Sesamstraßenfiguren basieren. Der amerikanische Künstler und Designer Kaws zeichnet sich durch sein unverwechselbares Werk aus, das sich über mehrere Jahrzehnte erstreckt. Sein Repertoire an Charakteren und figurativen Motiven, die er zum Teil selbst geschaffen hat, zum Teil aber auch aus bestehenden Ikonen neu interpretiert, hat der zeitgenössischen Kunstwelt einen einzigartigen Stempel aufgedrückt. Kaws' Skulpturen weisen eine beeindruckende Vielfalt auf, die von winzigen Dimensionen bis zu einer Höhe von zehn Metern reicht. Mit Materialien wie Fiberglas, Aluminium, Holz, Bronze und sogar einem genialen aufblasbaren Pontonfloß aus Stahl sind seine Kreationen eine Verschmelzung von technischer Innovation und künstlerischem Ausdruck. Kaws' Arbeiten haben sich einen Platz in Galerien und Museen sowie in den ständigen Sammlungen öffentlicher Einrichtungen verdient. Sie haben auch die Aufmerksamkeit leidenschaftlicher Sammler auf sich gezogen, darunter der Musikproduzent Swizz Beatz und der bekannte Rapper Pharrell Williams. Es wurden zahlreiche Bücher veröffentlicht, die sein kraftvolles Werk illustrieren und analysieren. Der in Brooklyn, New York, ansässige Kaws schafft nicht nur Skulpturen, sondern beschäftigt sich auch mit anderen Kunstformen wie Acrylbildern auf Leinwand und Siebdrucken. Sein Einfluss erstreckt sich auch auf den kommerziellen Bereich, wo er vor allem an der Produktion von Spielzeug in limitierter Auflage sowie an der Gestaltung von Kleidung, Skateboards und anderen Produkten mitgewirkt hat. Kaws' unverwechselbarer Stil zeichnet sich durch eine lebendige Betonung von Farbe und Linie sowie durch ikonische Grafiken aus, wie z. B. die wiederholte Einbeziehung des "x" in den Händen und Augen. Seine Arbeiten zeichnen sich auch durch die geschickte Wiederverwendung von Ikonen der Popkultur aus, wie Mickey Mouse, das Michelin-Männchen, die Schlümpfe, Snoopy und SpongeBob Schwammkopf. In gutem Zustand.

Schätzw. 6 000 - 7 000 EUR

Los 70 - ROBERT INDIANA (Indiana, USA, 1928 - Maine, USA, 2018). "Liebe Rot Blau Grün". Bemalter Polystone, Exemplar 356/500. Beigefügtes Echtheitszertifikat und Originalverpackung. Abmessungen: 15 x 15 cm. Die LOVE-Serie ist eine Sammlung von Skulpturen, die der amerikanische Künstler Robert Indiana geschaffen hat. Die erste LOVE-Skulptur wurde 1970 geschaffen, doch ihr Ursprung liegt sechs Jahre früher, als das Museum of Modern Art in New York Indiana mit der Gestaltung einer Weihnachtskarte beauftragte. Für diese Weihnachtsdrucke entwarf Indiana das berühmte Design, das wir bis heute kennen: die Buchstaben L, O, V und E in einer Serifenschrift und übereinander gestapelt. Die ursprüngliche LOVE-Skulptur, die sich heute im Indianapolis Museum of Art befindet, war bei ihrer Enthüllung im Jahr 1970 ein sofortiger Erfolg. Im Laufe der Jahrzehnte schuf Indiana mehr als 50 Ausgaben der Skulptur für Standorte auf der ganzen Welt, von New York City und Philadelphia bis Singapur und Taipeh. Robert Indiana war ein amerikanischer Kostümbildner, Maler, Bildhauer und Briefmarkendesigner, der mit der Pop-Art-Bewegung in Verbindung gebracht wird. Indiana hat auch Bühnenbilder und Kostüme für Theaterstücke entworfen. In seinen Werken verwendet er Symbole und Wörter aus dem täglichen Leben, die er in den leuchtenden Farben der Pop Art malt, und stellt die amerikanische Kultur und das Leben auf ironische Weise dar, wobei er oft auch politische Kritik an der amerikanischen Gesellschaft übt. Echtheitszertifikat und Originalverpackung liegen bei.

Schätzw. 900 - 1 000 EUR

Los 71 - ROBERT INDIANA (New Castle, Indiana, USA, 1938 - Vinalhaven, Maine, USA, 2018). Serie LOVE . 100% handgefertigter Wandteppich aus indianischer Wolle. Nummerierte Exemplare. Mit Zertifikat in Platte signiert und handnummeriert auf der Rückseite. Maße: 60 x 60 cm (die kleinen), 78 x 78 cm (die großen). Alle "LOVE"-Teppiche der unbegrenzten Auflage werden in der Stadt Varasani handgefertigt. Bei der Herstellung wird auf den Schutz der Umwelt und der Arbeiter geachtet, und es wird keine Kinderarbeit eingesetzt. Die Herstellung dieser Teppiche erfordert ein hohes Maß an handwerklichem Können, da jeder Teppich von Anfang bis Ende von einem einzigen Handwerker gefertigt wird. Robert Indiana ist eine der herausragenden Persönlichkeiten der amerikanischen Kunstszene seit den 1960er Jahren. Er ist führend in der Entwicklung der Assemblage-Technik, der Hard Edge- und der amerikanischen Pop Art-Bewegung. Indiana studierte am Art Institute of Chicago, an der Skowhegan School of Painting and Sculpture und an der Edinburgh School of Art. Neben seiner Tätigkeit als Maler war Robert Indiana auch als Bühnen- und Kostümbildner für Theaterproduktionen wie The Mother of Us All an der Santa Fe Opera tätig und spielte in dem Film Eat unter der Regie von Andy Warhol mit. Er bezeichnete sich selbst als "amerikanischer Maler der Zeichen" und erforschte während seiner langen Karriere die amerikanische Identität durch eine vielfältige Ikonografie und konstruierte sie gleichzeitig. Seine besondere Bildsprache, die man als "Lyrik" bezeichnen könnte, ist geprägt von Slogans wie HUG, EAT und dem berühmten "LOVE". Sie ist zu einem Emblem geworden, das viele Künstlergenerationen vereint und heute Teil des kollektiven Unterbewusstseins weltweit ist. Die ikonische LOVE-Reihe, erkennbar an den übereinander gestapelten und quadratisch angeordneten LO und VE, zu der auch unser Werk gehört, wurde erstmals 1958 in einer Reihe von Gedichten verwendet. Im Sommer 1965 beauftragte das MoMA Indiana mit der Gestaltung von Weihnachtskarten und genehmigte schließlich dieses rote, blaue und grüne Design. Seine wahre semantische Übersetzung ist eng mit dem Christentum und der Kindheit des Künstlers verbunden, der in der Church of Christ, Scientist erzogen wurde. In einem Brief an den Sammler Larry Aldrich erzählt Indiana, dass die Gründerin dieser Kirche, Mary Baker Eddy, den Satz "Gott ist Liebe" geschrieben hat, der ein inoffizielles Motto des scientistischen Christentums war. Daraus entstand die Idee der höheren Liebe, die Indiana schließlich in all seinen Werken von den 1960er Jahren bis zu seinem Tod vermitteln wollte. Im Jahr 2008 schuf Indiana ein sehr ähnliches Bild für die Präsidentschaftskampagne von Barack Obama, bei der dieses Symbol für verschiedene Propagandaartikel verwendet wurde. Robert Indiana hatte weltweit Hunderte von Einzel- und Gruppenausstellungen. Insbesondere in Spanien stellte er dreimal aus, 1992 in der Galería 57, 2009 in der Galería Barcelona und schließlich 2012 im Museo de Pasión in Valladolid. Mit in Platte signiertem und auf der Rückseite handnummeriertem Zertifikat.

Schätzw. 2 000 - 2 200 EUR

Los 72 - SALVADOR DALÍ I DOMÈNECH (Figueras, Girona, 1904 - 1989). "Die zehn Gebote", 1975. Sammlung von 10 Silbermedaillen und Etui aus Methacrylat mit gedruckter Unterschrift. Vom Künstler signiert. Abmessungen: 5 cm Durchmesser pro Medaille. Sammlung bestehend aus zehn Münzen, die die 10 Gebote symbolisieren. Exemplarisch für einige der Münzen zeigt diejenige, die dem zehnten Gebot entspricht (Du sollst nicht nach den Gütern anderer begehren), einen Palast von monumentalen Ausmaßen, dessen Bau und Dekoration von großem Reichtum zeugen, sowie einen Ritter, der die prächtigen Säle des Palastes betritt. Entsprechend dem neunten Gebot (Du sollst nicht die Frau deines Nächsten begehren) wird auf der Münze die gewünschte symbolische Bedeutung durch die Umkehrung eines Bildes erreicht, das von rechts nach links gesehen die Frömmigkeit eines Sklaven mit auf dem Rücken gefesselten Händen darstellt. Umgekehrt betrachtet, von links nach rechts, ändert sich die Bedeutung des Bildes. Die Frömmigkeit verwandelt sich in ein Verlangen nach erotischer Konkupiszenz, da auf diese Weise der Kopf der Figur zum Hinterteil wird. Der Maler und Bildhauer Salvador Dalí war einer der größten Vertreter der surrealistischen Bewegung. Sein Werk hatte großen Einfluss auf die Entwicklung des Surrealismus in den zwanziger und dreißiger Jahren. Er gilt als Schöpfer der paranoisch-kritischen Methode, einer wesentlichen Verbindung des Realen mit dem Imaginären. Der größte Teil seines Werks befindet sich im Dalí-Theater-Museum in Figueras, gefolgt von den Sammlungen des Salvador-Dalí-Museums in St. Petersburg (Florida), der Reina Sofía in Madrid, der Salvador-Dalí-Galerie in Pacific Palisades (Kalifornien), des Espace Dalí in Montmartre (Paris) oder des Dalí Universe in London.

Schätzw. 1 000 - 1 200 EUR

Los 73 - SALVADOR DALÍ I DOMÈNECH (Figueras, Girona, 1904 - 1989). "Madonne au serpent", 1966. Vergoldeter Gips. Die Auflage besteht zum einen aus drei Gipsstücken, die an drei katalanische Restaurants in Barcelona, Tarragona und Figueres verschenkt wurden, und zum anderen aus einigen weiteren Exemplaren aus demselben Material, die für Freunde und Verwandte von Joan Duran, dem Schöpfer des Rahmens, der die Skulptur umgibt, angefertigt wurden (zu dieser letzten Gruppe gehört das ausgeschriebene Werk). Ein letztes Exemplar in vergoldeter Bronze ist ebenfalls Teil der Edition. Signiert und datiert in der linken unteren Ecke. Der Rahmen wurde von Joan Durán angefertigt. Katalogisiert in: "Le dur et le mou", Eccart, R&N Descharnes, S. 204, Abb. 496. Maße: 49,5 x 33 x 6,5 cm (Gips); 62,7 x 46,5 x 12,5 cm (Rahmen). Typische Dalí-Elemente schmücken den Rahmen dieses Reliefs der Unbefleckten Empfängnis: eine Reihe von Schnecken, die auf die Begegnung des surrealistischen Meisters mit Sigmund Freud anspielen, werden von zwei Eiern flankiert, die die Fruchtbarkeit symbolisieren - ein Motiv, das sich in Dalís Repertoire mehrfach wiederholt und sogar das Dach des Salvador-Dali-Museums in Figueras ziert, In seinen frühen Jahren entdeckte Dalí die zeitgenössische Malerei bei einem Familienbesuch in Cadaqués, wo er die Familie von Ramon Pichot kennenlernte, einem Künstler, der regelmäßig nach Paris reiste. Auf Anraten von Pichot begann Dalí, bei Juan Núñez Malerei zu studieren. Im Jahr 1922 wohnte Dalí in der berühmten Residencia de Estudiantes in Madrid, um ein Studium der Schönen Künste an der Akademie San Fernando zu beginnen. Vor seiner Abschlussprüfung im Jahr 1926 wurde er jedoch von der Schule verwiesen, weil er behauptete, dass es dort niemanden gab, der ihn hätte prüfen können. Im selben Jahr reiste Dalí zum ersten Mal nach Paris. Dort lernte er Picasso kennen und legte einige formale Merkmale fest, die von da an für sein gesamtes Werk charakteristisch sein sollten. Während dieser Zeit stellte Dalí regelmäßig in Barcelona und Paris aus und schloss sich der surrealistischen Gruppe im Pariser Viertel Montparnasse an. Dank des Kunsthändlers Julian Levy landet der Maler 1934 in Amerika. Mit seiner ersten Einzelausstellung in New York wurde sein internationaler Ruf endgültig gefestigt, und seither stellt er seine Werke in der ganzen Welt aus und hält Vorträge. Der größte Teil seines Werks befindet sich im Dalí-Theater-Museum in Figueras, gefolgt von der Sammlung des Salvador-Dalí-Museums in St. Petersburg (Florida), der Reina Sofía in Madrid, der Salvador-Dalí-Galerie in Pacific Palisades (Kalifornien), dem Espace Dalí in Montmartre (Paris) oder dem Dalí Universe in London.

Schätzw. 10 000 - 12 000 EUR

Los 74 - ANTONI CLAVÉ I SANMARTÍ (Barcelona, 1913 - Saint Tropez, Frankreich, 2005). "In Jaumet Pirouli", 1962. Bronze, Kopie P.A. Signiert und gerechtfertigt im unteren Rand. Mit Stempel der Gießerei Parellada. Maße: 17 x 8 cm; 32 x 8 cm (mit Ständer). Der spielerische Titel dieses Bronzereliefs von Clavé verleiht der Bronze einen gewissen ironischen Ton, in dem der Künstler Gesichter dargestellt hat, die aus dem Material hervortreten, ausdrucksstark und von primitiven Bildnissen inspiriert. Antoni Clavé ist eine der bedeutendsten Persönlichkeiten der zeitgenössischen spanischen Kunst. Ausgebildet an der Escuela de Bellas Artes de San Jordi in Barcelona, widmete sich Clavé zunächst der Werbegrafik, der Illustration und der dekorativen Kunst. Im Jahr 1936 nahm er aktiv am Bürgerkrieg in den Reihen der Republikaner teil, was dazu führte, dass er nach Kriegsende nach Frankreich ins Exil ging. Im selben Jahr, 1939, stellt er die Zeichnungen aus, die er auf den Schlachtfeldern angefertigt hat. Er lässt sich in Paris nieder, wo er Vuillard, Bonnard und Picasso kennenlernt. Er genoss bereits großes internationales Ansehen, als er nach seiner Ausstellung in der Galerie Gaspar in Barcelona im Jahr 1956 auch in Spanien bekannt wurde. Zur gleichen Zeit fertigte er Illustrationen für das Werk "Gargantua und Pantagruel" an, die ihn mit der mittelalterlichen Ikonographie vertraut machten. Er wurde 1948 auf der Hallimark in New York, 1954 auf der Biennale in Venedig und 1957 auf der Internationalen Biennale in Tokio ausgezeichnet. 1984 würdigte der spanische Staat seinen künstlerischen Wert mit der Ausstellung von mehr als hundert seiner Werke im spanischen Pavillon auf der Biennale von Venedig. Im selben Jahr wurde er mit der Goldmedaille der Generalitat de Catalunya ausgezeichnet. Clavés Werke befinden sich unter anderem im Museum der Schönen Künste in Bilbao, in der Tate Gallery, im Museum für Moderne Kunst in Paris, im British Museum in London, im Museum für Moderne Kunst in Tokio und im Museum Reina Sofía in Madrid.

Schätzw. 1 500 - 1 800 EUR

Los 75 - JOAN HERNÁNDEZ PIJUAN (Barcelona, 1931 - 2005). "Stilleben", 1969. Öl auf Leinwand. Mit Etikett von Sala Gaspar auf der Rückseite. Maße: 46 x 55,5 cm; 48 x 57 cm (Rahmen). In diesem Werk greift Hernández Pijuan das klassische Genre des Stilllebens auf und gibt ihm eine scheinbar figurative Behandlung. Er essentialisiert das Thema jedoch und vergeistigt es, indem er ihm einen metaphysischen Tonfall verleiht. Die beiden Eier scheinen in der Leere zu schweben, obwohl das Regal, auf dem sie stehen, etwas dunkler ist als der Hintergrund. Pijuan knüpft hier an die symbolische Aufladung barocker Stillleben an. Die Eier könnten den Kreislauf von Leben und Tod darstellen. Aufgrund ihrer Zerbrechlichkeit sind sie eine Metapher für die Zerbrechlichkeit des Lebens. Sie symbolisieren auch die Vollkommenheit, aber auch die Dualität der menschlichen Natur. Das Gemälde könnte auch als ein Kommentar zum Wesen der Kunst und ihrer Macht gesehen werden. Dieses Werk kann mit "Espai marró amb ou" (1970) aus der Sammlung des Reina Sofía Museums in Verbindung gebracht werden. Joan Hernández Pijuan begann seine Ausbildung in Barcelona an der Schule La Lonja und an der Schule der Schönen Künste Sant Jordi und vervollständigte sie dann an der Hochschule der Schönen Künste in Paris. Hernández Pijuan, der 1981 zum Professor an der Fakultät der Schönen Künste in Barcelona ernannt wurde, nimmt unter den spanischen Künstlern der letzten Jahrzehnte eine Sonderstellung ein. Die Stärke seiner schöpferischen Individualität stellt ihn an den Rand der aufeinanderfolgenden vorherrschenden Trends und Moden, hindert uns aber nicht daran, in seinem Werk eine tiefe Identifikation mit den ästhetischen Anliegen seiner Zeit zu erkennen. Hernández Pijuan begann seine Karriere mit einem tragischen Expressionismus von großer sozialer Tragweite und bildete in dieser Zeit zusammen mit den übrigen Mitgliedern der Sílex-Gruppe die so genannte Barcelona-Schule. In den siebziger Jahren vereinfachte er seinen Ausdruck bis hin zu einer geometrischen Figuration, ein Stil, den er im folgenden Jahrzehnt hinter sich ließ, um sich dem Informalismus zuzuwenden. Das Interesse und die Faszination für den Werdegang dieses Malers sind heute größer denn je und werden durch neue Ausstellungen und öffentliche Präsentationen seines Werks untermauert. Zu seinen Lebzeiten stellte er unter anderem in mehreren spanischen Städten sowie in Zürich, Mailand, Johannesburg, Köln, Genf, New York, Paris und Osaka aus. 2003 wurde ihm eine bedeutende Retrospektive im MACBA in Barcelona gewidmet, die später auch im Musée d'Art et Histoire de Neuchatel (Frankreich), in der Konsthalle von Malmö (Schweden) und in der Galleria Comunale d'Arte Moderna in Bologna (Italien) gezeigt wurde. Auch nach seinem Tod wurde sein Werk weiterhin international gezeigt, wie die ihm gewidmeten Ausstellungen in der Flowers Gallery in London (2006), in den Cervantes-Instituten in New York, Chicago und Lissabon (2007), im Museum für Abstrakte Spanische Kunst in Cuenca (2008), in der Galerie Andres Thalmann in Zürich (2009), in der Baukunst in Köln (2010), in der Altana Kulturstiftung in Bad Homburg (Deutschland, 2011) und im Museum für Moderne Kunst in Moskau (2012) und vielen anderen belegen. Hernández Pijuan war Dekan der Fakultät der Schönen Künste an der Universität von Barcelona und wurde im Jahr 2000 zum Akademiemitglied der Real Academia de San Fernando in Madrid ernannt. 1981 erhielt er den Nationalpreis für plastische Kunst, 1985 das Kreuz von Sant Jordi und 2004 den Preis der Stadt Barcelona. Außerdem erhielt er den Preis der Generaldirektion der Schönen Künste auf der Nationalen Ausstellung von Alicante (1957), den Ersten Preis für Malerei "Peintres Residents" in Paris (1958), den Preis "Malibor" auf der Biennale der Gravur in Ljubljana (1965), die Internationale Biennale der Gravur in Krakau (1966) und den Preis der Redaktion "Vijesnik u Srijedu" in Zagreb (1970). Hernández Pijuán ist im MACBA, dem Museum für Abstrakte Spanische Kunst in Cuenca, dem Reina Sofía in Madrid, dem Patio Herreriano Museum in Valladolid und dem Baskischen Museum für Zeitgenössische Kunst vertreten, sowie in ausländischen Zentren wie dem Guggenheim Museum in New York, dem Liaunig (Österreich) die Museen für zeitgenössische Kunst in Helsinki und Luxemburg, die Kulturstiftung in Bad Homburg (Österreich), die Yamaguchi-Galerie in Osaka (Japan), der Palast der schönen Künste in Brüssel, die Nationalgalerie in Montreal, das Museum für moderne Kunst in Buenos Aires und das Sztuki-Museum in Lodz (Polen).

Schätzw. 6 000 - 7 000 EUR

Los 76 - EDUARDO ARRANZ BRAVO (Barcelona, 1941-2023). "Susa II", 2006. Öl auf Leinwand. Signiert und datiert in der rechten unteren Ecke. Signiert, datiert, lokalisiert und betitelt auf der Rückseite. Maße: 61 x 46 cm; 63,5 x 47,5 cm (Rahmen). Bei dieser Gelegenheit ordnet Arranz Bravo die Darstellung einer humanoiden Figur der Abstraktion unter, deren metallisch gefärbter Körper mit Formen zwischen mechanisch und organisch eine gewisse metaphysische Ambivalenz suggeriert. Arranz Bravo war ein Gesamtkünstler, Theoretiker und Ausführender, der für die Entwicklung der katalanischen und spanischen Avantgarde in der zweiten Hälfte des 20. Sein Werk und seine Persönlichkeit sind Teil der Geschichte des Kampfes und des Bruchs der spanischen Künstler in den letzten Jahrzehnten des Franco-Regimes. Arranz Bravo war eine Speerspitze dieser Öffnung, dieser Ablehnung des traditionalistischen Manichäismus, die zu einer vollständigen Erneuerung der spanischen Kunst führte und sie wieder in die europäische Avantgarde einreihte. Eduardo Arranz Bravo wurde zwischen 1959 und 1962 an der Schule der Schönen Künste von Sant Jordi in Barcelona ausgebildet. Sein Einzeldebüt gab er 1961 im Universitätsclub von Barcelona, aber die Ausstellung, die ihn bei den Kritikern in Barcelona bekannt machte, war die vom Ateneo von Barcelona 1961 organisierte. Zwischen 1968 und 1970 gehörte er zu der von Gerard Sala, Robert Llimós und Rafael Lozano Bartolozzi gebildeten Gruppe. Mit letzteren arbeitete er bis 1982 zusammen, wobei sich gemeinsame Ausstellungen mit Einzelausstellungen abwechselten. Der Kontakt mit diesen Künstlern beeinflusste seinen anfänglich abstrakten Stil, der sich der neuen Figuration und der Pop Art annäherte. Er hatte Ausstellungen in ganz Spanien, aber auch in Paris, Amsterdam, Venedig, São Paulo und Rio de Janeiro. Im Jahr 1983 veranstaltete er eine anthologische Ausstellung seiner Werke in der Sala Gaspar in Barcelona, und zwischen 1986 und 1988 war er mit der künstlerischen Leitung der Filme "El balcón abierto" und "Luces y sombras" von Jaime Camino betraut. Er nahm am VIII. Salón de Mayo in Barcelona und an den Ausstellungen "Muestra de Arte Nuevo" (Barcelona, 1971), "Picasso 90" (Louvre Museum, 1971), "Experiencias conceptuales" (Barcelona, 1971-72) und anderen teil. Im Jahr 1989 präsentierte er eine Ausstellung seiner Arbeiten der letzten drei Jahre im Museum für Moderne Kunst in São Paulo und eine anthologische Ausstellung im Palau Robert in Barcelona. Zu seinen Auszeichnungen gehören die II. Internationale Sportbiennale, der Figurenpreis der Biennale Estrada Saladich und der Ynglada-Guillot-Zeichenpreis. Seine Werke befinden sich im Reina Sofia Museum in Madrid, in den Museen der Schönen Künste von Vitoria und Sevilla, im Museum von São Paulo und im Museum of Modern Art in New York.

Schätzw. 1 400 - 1 600 EUR

Los 77 - XAVIER MEDINA CAMPENY (Barcelona, 1943). "Venus von Brooklyn. Modell nach der monumentalen Skulptur von 1971. Skulptur aus Bronze. Signiert und gerechtfertigt, Kopie A.P. Maße: 88 x 25,5 x 25,5 cm. Seit den 70er Jahren, in denen der menschliche Körper den absoluten Protagonisten darstellte, spricht das Werk von Xavier Medina Campeny vom Dualismus zwischen dem Geometrischen und dem Organischen (dem Konzeptuellen und dem Natürlichen) und von der Revision der klassischen Kunst und der Avantgarde. Xavier Medina Campeny, Enkel des Bildhauers Josep Campeny und Urenkel von Damià Campeny, ist ein autodidaktischer Bildhauer, der seine künstlerische Stimmung in Richtung eines sehr persönlichen Stils entwickelt hat. Er begann ein Architekturstudium in Barcelona, brach es aber ab, um sich der Bildhauerei zuzuwenden. In dieser Zeit widmete er sich dieser Kunst als Autodidakt. In seiner langen künstlerischen Laufbahn als Bildhauer hat er mit verschiedenen Techniken und Materialien gearbeitet. Seine erste Ausstellung fand im Jahr 1964 statt. Nach zehn Jahren zog er nach New York, wo er den größten Teil seiner künstlerischen Produktion schuf. Nach ein paar Jahren kehrte er nach Spanien zurück, um dort zu bleiben. Sein Stil ist eng mit der Avantgarde verbunden, genauer gesagt mit dem Dadaismus. Seine Meisterschaft in der Zeichnung hat ihm auch geholfen, organische Elemente mit geometrischen Formen zu verbinden. In den Jahren 1975 bis 1989 entwickelte er eine plastische Sprache des menschlichen Körpers, eine Mischung aus Anatomie und Geometrie, die er selbst "Fragmentierungen" nannte. Bei der Herstellung dieser Körper zerbröselt, zerteilt und geometrisiert Medina die Teile des menschlichen Körpers, um sie später wieder zusammenzufügen, um einige Teile hervorzuheben, die er leer lässt. Das Werk Conversación (1979) reflektiert und erzählt uns vom Kontrast zwischen dem Abwesenden und dem Gegenwärtigen. Das Werk The mirror in Atlantic Ocean (Der Spiegel im Atlantik) hingegen bringt die Form mit dem Hintergrund ins Gleichgewicht und bearbeitet den Körper, ohne ihn zu fragmentieren. Medinas Werk kann mit surrealistischen Vorschlägen in Verbindung gebracht werden. In der Gruppe Mimetismo animal (Tiermimikry) sind zum Beispiel menschliche Haltungen mit ironischen Ausdrücken in den Tieren zu sehen. Seit 2003 hat sich der Stil des Künstlers in Bezug auf den menschlichen Körper verändert, indem er die Formen vereinfacht und sie in längliche Zylinder verwandelt, die für ihn "Stücke" mit einer symbolischen Bedeutung sind. Die Werke von Medina und Campeny wurden sowohl in Europa als auch in Amerika ausgestellt, wo er mehrere Werke in Museen und wichtigen Institutionen besitzt, wie z. B.: Museo Nacional de Arte Reina Sofia in Madrid, MACBA in Barcelona, Pagani Foundation in Legnano, Italien, Everson Museum in Syracuse (USA), Jimmy Carter Library & Museum in Atlanta, Georgia (USA), Bears Foundation in New York (USA), North Carolina Museum of Art (USA) und andere.

Schätzw. 1 500 - 1 600 EUR

Los 78 - ROBERT LLIMÓS ORIOL (Barcelona, 1943). "Dompteur". Öl auf Leinwand. Signiert, datiert und betitelt auf der Rückseite. Maße: 183 x 200 cm. Llimós wurde 1964 mit einer gemeinsamen Ausstellung mit u. a. Arranz Bravo, Bartolozzi und Gerard Sala bekannt, mit denen er bis 1969 als Team arbeitete. Seine Werke befinden sich in herausragenden Sammlungen wie dem Nationalen Kunstmuseum von Katalonien, dem Espirito Santo Museum für Moderne Kunst in Brasilien, der Sammlung für Zeitgenössische Kunst in Madrid, den Museen der Schönen Künste von Alava und Sevilla, der Fondazione Lucio Amelio in Neapel, dem Salvador Allende International Museum of Resistance in Santiago de Chile, der Peter Stuyvesant Foundation in Amsterdam, dem Palau Solleric in Palma de Mallorca und dem MACBA in Barcelona, um nur einige zu nennen. Sein Werk, das sich durch einen ausdrucksstarken und intensiven Strich auszeichnet, schwankt zwischen Figuration und symbolischer Abstraktion, mit einer starken Anziehungskraft für die Tierwelt, die oft Gegenstand seiner Arbeit ist, wie in dem Gemälde, das wir jetzt vorstellen, zu sehen ist.

Schätzw. 2 000 - 2 500 EUR

Los 79 - ROBERT LLIMÓS ORIOL (Barcelona, 1943). "Gaukler", 1990. Öl auf Leinwand. Rückseitig datiert, betitelt und signiert. Maße: 138 x 200 cm; 202 x 204 cm (Rahmen). Llimós wurde 1964 mit einer gemeinsamen Ausstellung mit u. a. Arranz Bravo, Bartolozzi und Gerard Sala bekannt, mit denen er bis 1969 als Team arbeitete. Seine Werke befinden sich in herausragenden Sammlungen wie dem Nationalen Kunstmuseum von Katalonien, dem Espirito Santo Museum für Moderne Kunst in Brasilien, der Sammlung für Zeitgenössische Kunst in Madrid, den Museen der Schönen Künste von Alava und Sevilla, der Fondazione Lucio Amelio in Neapel, dem Salvador Allende International Museum of Resistance in Santiago de Chile, der Peter Stuyvesant Foundation in Amsterdam, dem Palau Solleric in Palma de Mallorca und dem MACBA in Barcelona, um nur einige zu nennen. Sein Werk, das sich durch einen ausdrucksstarken und intensiven Strich auszeichnet, schwankt zwischen Figuration und symbolischer Abstraktion, mit einer starken Anziehungskraft für die Tierwelt, die oft Gegenstand seiner Arbeit ist, wie in dem Gemälde, das wir jetzt vorstellen, zu sehen ist.

Schätzw. 2 000 - 2 500 EUR

Los 80 - Zelluloid von KIMBA THE EMPEROR OF THE JUNGLE. "Elefant. Acetat und Zeichnung auf der Rückseite. Maße: 27 x 40 cm; 40,5 x 51 cm (Rahmen). Kimba, der Herrscher des Dschungels ist eine japanische Manga-Serie, die von Osamu Tezuka geschrieben und illustriert wurde und von November 1950 bis April 1954 in der Zeitschrift Manga Shonen erschien. Mushi Production schuf einen Anime, der auf dem Manga basiert und von 1965 bis 1967 auf Fuji Television ausgestrahlt wurde. Es war die erste in Japan produzierte farbige Zeichentrickserie. In Nordamerika wurde sie ab 1966 ausgestrahlt. Die spätere Serie wurde von Tezuka Productions produziert.

Schätzw. 200 - 300 EUR

Los 81 - BLACK JACK Zelluloid. "Herr Armando. Acetat und Zeichnung auf der Rückseite. Maße: 22,5 x 34 cm; 40,5 x 51 cm (Rahmen). Kuroo Hazama, auch bekannt als "Black Jack", ist eine Legende in der Welt der Medizin. Hazama und seine Assistentin Pinoko sind berühmt dafür, dass sie zu den Besten gehören und keine Lizenz haben. Sie retten unzählige Leben, die andere Ärzte nicht retten können ... gegen einen Preis, einen exorbitanten Preis, der viele dazu veranlasst, das Genie als gierig und herzlos zu betrachten. Doch trotz dieser Behauptungen kann niemand sein Können und die Mühe, die er für die Behandlung seiner Patienten auf sich nimmt, leugnen. Dieses düstere Medizindrama erzählt die Geschichte der ominösen und geheimnisvollen Welt der Untergrundmedizin, in der Black Jack sein Leben riskiert, um einige der seltsamsten Krankheiten zu heilen, selbst wenn er dafür alle Gesetze brechen muss.

Schätzw. 200 - 300 EUR

Los 82 - TERÁN (Chile, 1974). "Hommage an die Genies: Kusama und Velázquez", 2022. Öl auf Leinwand. Signiert in der rechten unteren Ecke. Signiert, datiert und betitelt auf der Rückseite. Maße: 30 x 30 cm; 35,5 x 35,5 cm (Rahmen). Im Katalog zur Ausstellung "Tribut an die Genies" wird darauf hingewiesen, dass "Terán versucht, die Rückkehr der Malerei als symbolische Strategie zu postulieren. Seine Hommagen, die die Form von Pastiches annehmen, sind aber keine. Die Künstler, denen er Tribut zollt, werden von ihm bewundert (Francis Bacon, Banksy, Marc Chagall, Jean Dubuffet, Lucio Fontana, Francisco de Goya, Lucian Freud, Keith Haring, David Hockney, Robert Indiana, Jaspers Johns, Yves Klein, Kusama-Velázquez, Roy Lichtenstein, René Magritte, Roberto Matta, Joan Miró, Pablo Picasso, Jackson Pollock, Joaquín Sorolla und Andy Warhol). Die Liste könnte nicht heterogener sein. Sie folgt keiner Reihenfolge. Er huldigt den Künstlern, die er bewundert, auch wenn sein eigenes Werk nichts mit ihnen zu tun hat. Die Heterogenität seiner Vorlieben ist offensichtlich und gibt E. Gombrich recht, für den es keine Kunst gibt, sondern nur Künstler. Dieser extreme Nominalismus führt dazu, dass er sowohl ästhetische Kategorien als auch Chronologien überspringt". Der in Spanien lebende chilenische Künstler Manuel Terán, der einen Abschluss in Bildender Kunst hat, hat sein Schaffen im Bereich der plastischen Kunst und der neuen, auf die Kunst angewandten Technologien entwickelt. Seit er 1995 auf dem Salón de Otoño del Círculo de Bellas Artes in Santiago de Chile bekannt wurde, hat er Einzelausstellungen durchgeführt und an Gruppenausstellungen und Messen in Lateinamerika und Europa teilgenommen. Er wurde mit Preisen wie dem der Real Academia de San Carlos de Valencia (2004) ausgezeichnet.

Schätzw. 400 - 500 EUR

Los 83 - TERÁN (Chile, 1974). "Hommage an die Genies Kusama und Velázquez", 2022. Öl auf Leinwand. Signiert in der rechten unteren Ecke. Signiert, datiert und betitelt auf der Rückseite. Maße: 30 x 30 cm; 35,5 x 35,5 cm (Rahmen). Im Katalog der Ausstellung "Tribut an die Genies" wird darauf hingewiesen, dass "Terán versucht, die Rückkehr der Malerei als symbolische Strategie zu postulieren. Seine Hommagen, die die Form von Pastiches annehmen, sind aber keine. Die Künstler, denen er Tribut zollt, werden von ihm bewundert (Francis Bacon, Banksy, Marc Chagall, Jean Dubuffet, Lucio Fontana, Francisco de Goya, Lucian Freud, Keith Haring, David Hockney, Robert Indiana, Jaspers Johns, Yves Klein, Kusama-Velázquez, Roy Lichtenstein, René Magritte, Roberto Matta, Joan Miró, Pablo Picasso, Jackson Pollock, Joaquín Sorolla und Andy Warhol). Die Liste könnte nicht heterogener sein. Sie folgt keiner Reihenfolge. Er huldigt den Künstlern, die er bewundert, auch wenn sein eigenes Werk nichts mit ihnen zu tun hat. Die Heterogenität seiner Vorlieben ist offensichtlich und gibt E. Gombrich recht, für den es keine Kunst gibt, sondern nur Künstler. Dieser extreme Nominalismus führt dazu, dass er sowohl ästhetische Kategorien als auch Chronologien überspringt". Der in Spanien lebende chilenische Künstler Manuel Terán, der einen Abschluss in Bildender Kunst hat, hat sein Schaffen im Bereich der plastischen Kunst und der neuen, auf die Kunst angewandten Technologien entwickelt. Seit er 1995 auf dem Salón de Otoño del Círculo de Bellas Artes in Santiago de Chile bekannt wurde, hat er Einzelausstellungen durchgeführt und an Gruppenausstellungen und Messen in Lateinamerika und Europa teilgenommen. Er wurde mit Preisen wie dem der Real Academia de San Carlos de Valencia (2004) ausgezeichnet.

Schätzw. 400 - 500 EUR

Los 84 - XURXO ORO CLARO ( Loeda, Ourense, 12. Oktober 1955 ). "Nadelkissen". Glas und Stahl. Präsentiert Klebefleck auf dem Stahl. Abmessungen: 242 x 17 x 2 cm. Monumentale Skulptur aus Glas mit Stahlverstärkungen, die einen alltäglichen Gegenstand darstellt. Durch die Vergrößerung der Dimensionen und die Veränderung der üblichen Materialien spielt der Künstler mit dem alltäglichen Leben und dekontextualisiert es, indem er die Regelmäßigkeit in Kunst verwandelt. Er zwingt den Betrachter, das zu betrachten, was normalerweise unbemerkt bleibt. Xurxo Oro Claro hatte seine erste Einzelausstellung in der Galerie El Rincón del Arte in Ourense im Jahr 1982. Ein Jahr später zog er nach London, wo er mit dem Werk der amerikanischen abstrakten Expressionisten in Kontakt kam. Während seines Aufenthalts stellte er in der Mall Gallery und in der Harrow Art Society aus. 1985 begann er, sich mit der Bildhauerei zu befassen und arbeitete mit Stein, Eisen, Holz, Edelstahl und industriellen Elementen. Ab den neunziger Jahren belebte er seine Ausstellungskarriere wieder und stellte sowohl in Gruppen- als auch in Einzelausstellungen international aus. Klebefleck auf dem Stahl.

Schätzw. 900 - 1 000 EUR

Los 85 - SALVADOR DALÍ I DOMÈNECH (Figueras, Girona, 1904 - 1989). "Geflügelter Triton", ca. 1972. Bronzeskulptur auf Marmorsockel, Kopie 242/300. Signiert und gerechtfertigt am Boden. Maße: 22 x 11 x 11 cm. Dalí stellte den Meeresgott, Sohn des Poseidon, über das Wasser gleitend dar und verzichtete dabei auf die Begleitung, mit der wir ihn in der klassischen Ikonographie zu sehen gewohnt sind (in Begleitung von Pferden und Nereiden, umgeben von Delphinen und mit dem Muschelhorn spielend, mit dem er Stürme ankündigte). Triton besaß die Gabe der Prophezeiung, und so waren sie oft die Führer der großen mythologischen Helden. Dalí konzentrierte sich stattdessen auf die Verletzlichkeit der Figur und betonte das Gefühl der Instabilität, das die Wellen auf dem Fleisch des Helden hervorrufen. In seinen frühen Jahren entdeckte Dalí die zeitgenössische Malerei bei einem Familienbesuch in Cadaqués, wo er die Familie von Ramon Pichot kennenlernte, einem Künstler, der regelmäßig nach Paris reiste. Auf Anraten von Pichot begann Dalí, bei Juan Núñez Malerei zu studieren. Im Jahr 1922 wohnte Dalí in der berühmten Residencia de Estudiantes in Madrid, um ein Studium der Schönen Künste an der Akademie San Fernando zu beginnen. Vor seiner Abschlussprüfung im Jahr 1926 wurde er jedoch von der Schule verwiesen, weil er behauptete, dass es dort niemanden gab, der ihn hätte prüfen können. Im selben Jahr reiste Dalí zum ersten Mal nach Paris. Dort lernte er Picasso kennen und legte einige formale Merkmale fest, die von da an für sein gesamtes Werk charakteristisch sein sollten. Seine Sprache nahm die Einflüsse vieler künstlerischer Stile auf, vom klassischen Akademismus bis hin zur bahnbrechenden Avantgarde. Zu dieser Zeit ließ sich der Maler einen auffälligen Schnurrbart wachsen, der dem von Velázquez nachempfunden war und für den Rest seines Lebens zu seinem persönlichen Markenzeichen werden sollte. 1929 arbeitete Dalí mit Luis Buñuel an dem Film "Ein andalusischer Hund" zusammen, in dem Szenen aus der surrealistischen Fantasie gezeigt wurden. Im August desselben Jahres lernte er seine Muse und zukünftige Frau Gala kennen. Während dieser Zeit stellte Dalí regelmäßig in Barcelona und Paris aus und schloss sich der surrealistischen Gruppe im Pariser Viertel Montparnasse an. Sein Werk beeinflusste die Richtung des Surrealismus in den folgenden zwei Jahren stark, und er wurde als Erfinder der paranoisch-kritischen Methode gefeiert, die den Zugang zum Unterbewusstsein erleichtern sollte, indem sie kreative künstlerische Energien freisetzte. Dank des Kunsthändlers Julian Levy landet der Maler 1934 in Amerika. Mit seiner ersten Einzelausstellung in New York wurde seine internationale Ausstrahlung endgültig gefestigt, und seither zeigt er seine Werke und hält Vorträge in der ganzen Welt. Der größte Teil seines Werks befindet sich im Dalí-Theater-Museum in Figueras, gefolgt von der Sammlung des Salvador-Dalí-Museums in St. Petersburg (Florida), der Reina Sofía in Madrid, der Salvador-Dalí-Galerie in Pacific Palisades (Kalifornien), dem Espace Dalí in Montmartre (Paris) oder dem Dalí Universe in London.

Schätzw. 1 600 - 2 000 EUR

Los 86 - SALVADOR DALÍ I DOMÈNECH (Figueres, Girona, 1904 - 1989). "Die Seele des Don Quijote. Skulptur in Bronze, Kopie 242/300. Sockel aus Marmor. Signiert und gerechtfertigt. Maße: 33 x 16 x 15 cm. Das hier vorgestellte Werk, das im Wachsausschmelzverfahren hergestellt wurde, zeigt Don Quijote von La Mancha aus einer neuen, traumhaften und phantasmagorischen Perspektive. Obwohl die Figur weder eine Lanze noch ein Pferd trägt, deuten ihr Arm und ihre bewegliche Haltung darauf hin, dass der fahrende Ritter im Begriff ist, einige der Kunststücke zu vollbringen, die Miguel de Cervantes 1605 schrieb und aus denen der moderne Roman hervorging, der allen bekannt ist und der noch heute die Liste der besten literarischen Werke der Geschichte anführt. Wie das geschriebene Werk gestaltet Dalí ein surreales Werk, in dem der Künstler mit der Materie und der Bewegung spielt. Das Ergebnis ist ein Werk mit fließenden und dampfenden Formen, die den surrealistischen Stil des katalanischen Malers fortsetzen. In seinen frühen Jahren entdeckte Dalí die zeitgenössische Malerei bei einem Familienbesuch in Cadaqués, wo er die Familie von Ramon Pichot kennenlernte, einem Künstler, der regelmäßig nach Paris reiste. Auf Anraten von Pichot begann Dalí, bei Juan Núñez Malerei zu studieren. Im Jahr 1922 wohnte Dalí in der berühmten Residencia de Estudiantes in Madrid, um ein Studium der Schönen Künste an der Akademie San Fernando zu beginnen. Vor seiner Abschlussprüfung im Jahr 1926 wurde er jedoch von der Schule verwiesen, weil er behauptete, dass es dort niemanden gab, der ihn hätte prüfen können. Im selben Jahr reiste Dalí zum ersten Mal nach Paris. Dort lernte er Picasso kennen und legte einige formale Merkmale fest, die von da an für sein gesamtes Werk charakteristisch sein sollten. Seine Sprache nahm die Einflüsse vieler künstlerischer Stile auf, vom klassischen Akademismus bis hin zur bahnbrechenden Avantgarde. Zu dieser Zeit ließ sich der Maler einen auffälligen Schnurrbart wachsen, der dem von Velázquez nachempfunden war und für den Rest seines Lebens zu seinem persönlichen Markenzeichen werden sollte. 1929 arbeitete Dalí mit Luis Buñuel an dem Film "Un perro andaluz" (Ein andalusischer Hund) zusammen, der Szenen aus der surrealistischen Fantasie zeigte. Im August desselben Jahres lernte er seine Muse und zukünftige Frau Gala kennen. Während dieser Zeit stellte Dalí regelmäßig in Barcelona und Paris aus und schloss sich der surrealistischen Gruppe im Pariser Viertel Montparnasse an. Sein Werk beeinflusste die Richtung des Surrealismus in den folgenden zwei Jahren stark, und er wurde als Erfinder der paranoisch-kritischen Methode gefeiert, die den Zugang zum Unterbewusstsein erleichtern sollte, indem sie kreative künstlerische Energien freisetzte. Dank des Kunsthändlers Julian Levy landet der Maler 1934 in Amerika. Durch seine erste Einzelausstellung in New York wurde seine internationale Ausstrahlung endgültig gefestigt, und von da an zeigte er seine Werke und hielt Vorträge in der ganzen Welt. Der größte Teil seines Werks befindet sich im Dalí-Theater-Museum in Figueras, gefolgt von den Sammlungen des Salvador-Dalí-Museums in St. Petersburg (Florida), der Reina Sofía in Madrid, der Salvador-Dalí-Galerie in Pacific Palisades (Kalifornien), dem Espace Dalí in Montmartre (Paris) oder dem Dalí Universe in London.

Schätzw. 2 000 - 2 500 EUR

Los 87 - "dEmo"; ELADIO DE MORA (Mora, Toledo, 1960). "Blaubär". Glasfaser, Harz und Polyester. Signiert mit Anagramm. Maße: 75 x 23 x 28 cm.

Schätzw. 5 000 - 6 000 EUR

Los 88 - MARCELLO CASTELLANI (Kolumbien, 1989). "Peonia". 2023. Acryl auf Leinwand. Echtheitszertifikat beigefügt. Maße: 175 x 140 cm. Marcello Castellani, geboren in Cali, Kolumbien, lebt derzeit in Berlin. Während seiner gesamten künstlerischen Laufbahn, die 2014 begann, hat er versucht, die tiefen Emotionen einzufangen, die durch den menschlichen Ausdruck vermittelt werden, wobei das Porträt ein wiederkehrendes Thema in seinem Werk ist. Die Quelle seiner Inspiration liegt in der Verschmelzung von zwei gegensätzlichen Kräften: Chaos und Schönheit. Diese Kombination ist ein Fenster zur fortwährenden Erforschung der universellen Dualität und lädt den Betrachter ein, in die Tiefen der menschlichen Erfahrung einzutauchen. Castellani verwendet diese Elemente auf symbolische Weise, um die inhärente Koexistenz von Licht und Dunkelheit in unserem Inneren hervorzuheben und zu unterstreichen, dass beide wesentliche Komponenten sind, die sich gegenseitig ergänzen. Mit einem breiten Spektrum an Fähigkeiten, das von klassischen Techniken wie Malerei und Zeichnung bis hin zu avantgardistischen und experimentellen Techniken wie Fotografie, Experimenten mit künstlicher Intelligenz und Mapping reicht, schlägt Castellani eine Brücke zwischen künstlerischer Tradition und zeitgenössischen Möglichkeiten. Sein künstlerisches Können hat ihm Anerkennung in berühmten Kunstzentren wie New York, Berlin, Tokio, Barcelona, Prag und Brüssel eingebracht, wo er seine einzigartigen und anregenden Kunstwerke ausgestellt hat. Ausgewählte Ausstellungen: 2014 - Behance Portfolio Review, Bogotá Chamber of Commerce, Kolumbien; 2014 - We Art Festival, Transforma BCN - Barcelona; 2014 - MalEntendidos - leun'un Arte Habitación, Monterrey Nuevo León, Mexiko; 2013 - Issue # 7 - La Puerta Grande - Bogotá; 2013 - Exposición 4 ángulos - C.C Palatino - Bogotá; 2013 - Imagen palabra, Cuarto salón de ilustración - Universidad Los Libertadores - Bogotá; 2013 - ModusOperandi - Fusionario - Bogotá. Arbeiten in Publikationen: 2014 - Peppersoul - Bogotá; 2014 - Diners Magazine; 2014 - Indigo Magazine Ausgabe # 15. Castellanis Porträts beziehen sich auf das Erbe Giacomettis (das in einem Gesicht konzentrierte existenzielle Drama) und den Umsturz des Ideals einer einheitlichen Identität, das sich aus der digitalen Revolution ergibt. Castellani bringt die Durchlässigkeit zwischen dem inneren und dem äußeren Selbst zum Ausdruck sowie das paradoxe Spiel zwischen individuellem Ausdruck und dem Ballast der Werbemaske, zwischen dem öffentlichen Image und dem wankelmütigen, porösen Wesen des Menschen.

Schätzw. 8 500 - 9 500 EUR

Los 89 - PABLO RUIZ PICASSO (Malaga, 1881 - Mougins, Frankreich, 1973). "Bouteille de vieux marc, verre et "le journal", 1966. Aus der Serie "Papiers Collés". Lithographie auf Vélinpapier von Rives. Erschienen bei Au Pont des Arts, Paris. In der Platte signiert. Maße: 64 x 48 cm, 70 x 55 cm (Rahmen). Diese Lithografie gehört zu der Serie "Papiers Collés" von Picasso, die von Pont des Arts herausgegeben wurde. Diese Serie wurde 1966 anlässlich der großzügigen Schenkung von Picassos Collagen an das Musée d'Art Moderne in Paris herausgegeben. Pablo Ruiz Picasso ist das große Genie der zeitgenössischen Malerei. Als Schöpfer des Kubismus zusammen mit Braque steht er mit seiner Erfindungs- und Schaffenskraft an der Spitze der Weltmalerei. Er wurde in Málaga geboren, wo sein Vater Professor für Zeichnen und Direktor des Stadtmuseums war. Die Familie Ruiz Picasso zog bald nach La Coruña und von dort nach Barcelona, wo der junge Pablo seine künstlerischen Studien an der Provinzialschule der Schönen Künste begann (1895). Obwohl der Stil der Schule völlig akademisch ist, kommt der Maler bald in Kontakt mit modernistischen Gruppen, die seine Ausdrucksform verändern. Nur zwei Jahre später, 1897, hat Picasso seine erste Einzelausstellung im Café "Els Quatre Gats". Paris sollte zu Pablos großem Ziel werden, und im Jahr 1900 zog er für kurze Zeit in die französische Hauptstadt. Nach seiner Rückkehr nach Barcelona begann er mit der Arbeit an einer Reihe von Werken, in denen die Einflüsse aller Künstler, die er kannte oder deren Werke er gesehen hatte, zu erkennen waren. Er ist ein Schwamm, der alles aufsaugt, aber nichts festhält; er ist auf der Suche nach einem persönlichen Stil. Zwischen 1901 und 1907 entwickelt er die blaue und die rosafarbene Phase, die sich durch die Verwendung dieser Farben und durch ihre Thematik mit schäbigen, isolierten Figuren, mit Gesten der Trauer und des Leidens auszeichnen. Die Malerei dieser ersten Jahre des zwanzigsten Jahrhunderts ist in ständigem Wandel begriffen, und Picasso kann sich nicht zurücklehnen. Er interessiert sich für Cézanne und entwickelt nach dessen Vorbild zusammen mit seinem Freund Braque eine neue Bildformel: Den Kubismus. Aber Picasso bleibt nicht dabei stehen und praktiziert 1912 die Collage in der Malerei; von diesem Moment an ist alles möglich, die Fantasie wird zum Meister der Kunst. Picasso ist der große Revolutionär, und während sich alle Maler für den Kubismus interessieren, setzt er sich mit dem Klassizismus von Ingres auseinander. Die surrealistische Bewegung von 1925 trifft ihn nicht unvorbereitet, und obwohl er nicht offen daran teilnimmt, dient sie als ein Element des Bruchs mit dem Vorhergehenden, indem sie in seinem Werk verzerrte Figuren mit großer Kraft einführt, die nicht frei von Wut und Zorn sind. Wie bei Goya wurde auch Picasso stark von seiner persönlichen und sozialen Situation zur Zeit seiner Arbeit beeinflusst. Seine Beziehungen zu Frauen, die oft turbulent waren, werden sein Werk stark beeinflussen. Den größten Einfluss auf Picasso hatte jedoch der Ausbruch des Spanischen Bürgerkriegs und die Bombardierung von Guernica, die zur Schaffung des berühmtesten Werks der zeitgenössischen Kunst führte. Paris war lange Zeit sein Zufluchtsort, aber die letzten Jahre seines Lebens verbrachte er in Südfrankreich, wo er in einem sehr persönlichen Stil, mit lebhaften Farben und seltsamen Formen arbeitete. Picasso ist in den wichtigsten Museen der Welt vertreten, darunter das Metropolitan, das MOMA und das Guggenheim in New York, die Eremitage in St. Petersburg, die National Gallery in London oder die Reina Sofia in Madrid.

Schätzw. 1 600 - 1 800 EUR

Los 90 - PABLO RUIZ PICASSO (Malaga, 1881 - Mougins, Frankreich, 1973). "Sitzende Frau". Fototypie auf Papier. Auflage von 1200 Exemplaren. Ed. Cahiers d'Art. Paris, 1948. Datiert und lokalisiert auf der Platte. Maße: 40 x 28 cm; 54,5 x 42,5 cm (Rahmen). Picasso ließ sich im September 1939 in Royan nieder, einer französischen Stadt im Departement Charente-Maritime und in der Region New Aquitaine. Zwei Jahre nach der Verwirklichung des erstaunlichen Guernica und zeitgleich mit dem Konflikt des Zweiten Weltkriegs wählte Picasso die freie Zone und nutzte die Anwesenheit seiner Lebensgefährtin Marie-Thérese und seiner Tochter Maya, um sich dort niederzulassen. Er mietete ein Atelier im dritten Stock der Villa "Les Voiliers" und begann zwischen dem 30. Mai und dem 22. August 1940 mit der Realisierung eines Carnet de Dessins. Später fügte Picasso einige Studien von Paris aus dem Jahr 1942 hinzu. Die Serie wurde 1948 vom Verlag Cahiers d'Art als Faksimile in einem Leineneinband veröffentlicht. Picasso begann seine künstlerischen Studien in Barcelona, an der Provinzialschule der Schönen Künste (1895). Nur zwei Jahre später, 1897, hatte Picasso seine erste Einzelausstellung im Café "Els Quatre Gats". Paris sollte Pablos großes Ziel werden, und im Jahr 1900 zog er für kurze Zeit in die französische Hauptstadt. Nach seiner Rückkehr nach Barcelona begann er mit der Arbeit an einer Reihe von Werken, in denen die Einflüsse aller Künstler, die er kannte oder deren Werke er gesehen hatte, zu erkennen waren. Er ist ein Schwamm, der alles aufsaugt, aber nichts festhält; er ist auf der Suche nach einem persönlichen Stil. Zwischen 1901 und 1907 entwickelt er die blaue und die rosafarbene Phase, die sich durch die Verwendung dieser Farben und durch ihre Thematik mit schäbigen, isolierten Figuren, mit Gesten der Trauer und des Leidens auszeichnen. Die Malerei dieser ersten Jahre des zwanzigsten Jahrhunderts ist einem ständigen Wandel unterworfen, und Picasso kann sich nicht zurücklehnen. Er interessiert sich für Cézanne und entwickelt nach dessen Vorbild zusammen mit seinem Freund Braque eine neue Bildformel: Den Kubismus. Aber Picasso bleibt nicht dabei stehen und praktiziert 1912 die Collage in der Malerei; von diesem Moment an ist alles möglich, die Fantasie wird zum Meister der Kunst. Picasso ist der große Revolutionär, und während sich alle Maler für den Kubismus interessieren, beschäftigt er sich mit dem Klassizismus von Ingres. Die surrealistische Bewegung von 1925 trifft ihn nicht unvorbereitet, und obwohl er nicht offen daran teilnimmt, dient sie als ein Element des Bruchs mit dem Vorhergehenden, indem sie in seinem Werk verzerrte Figuren mit großer Kraft einführt, die von Wut und Zorn nicht frei sind. Wie bei Goya wurde auch Picasso stark von seiner persönlichen und sozialen Situation zur Zeit seiner Arbeit beeinflusst. Seine Beziehungen zu Frauen, die oft stürmisch waren, werden sein Werk stark beeinflussen. Den größten Einfluss auf Picasso hatte jedoch der Ausbruch des Spanischen Bürgerkriegs und die Bombardierung von Guernica, die zur Schaffung des berühmtesten Werks der zeitgenössischen Kunst führte. Paris war lange Zeit sein Zufluchtsort, aber die letzten Jahre seines Lebens verbrachte er in Südfrankreich, wo er in einem sehr persönlichen Stil, mit lebhaften Farben und seltsamen Formen arbeitete. Picasso ist in den wichtigsten Museen der Welt vertreten, darunter das Metropolitan, das MOMA und das Guggenheim in New York, die Eremitage in St. Petersburg, die National Gallery in London oder die Reina Sofia in Madrid.

Schätzw. 700 - 750 EUR

Los 91 - PABLO RUIZ PICASSO (Malaga, 1881 - Mougins, Frankreich, 1973). "Weiblicher Akt". Fototypie auf Papier. Auflage von 1200 Exemplaren. Ed. Cahiers d'Art. Paris, 1948. Datiert und lokalisiert auf der Platte. Maße: 40 x 28 cm; 54,5 x 42,5 cm (Rahmen). Picasso ließ sich im September 1939 in Royan nieder, einer französischen Stadt im Departement Charente-Maritime und in der Region New Aquitaine. Zwei Jahre nach der Verwirklichung des erstaunlichen Guernica und zeitgleich mit dem Konflikt des Zweiten Weltkriegs wählte Picasso die freie Zone und nutzte die Anwesenheit seiner Lebensgefährtin Marie-Thérese und seiner Tochter Maya, um sich dort niederzulassen. Er mietete ein Atelier im dritten Stock der Villa "Les Voiliers" und begann zwischen dem 30. Mai und dem 22. August 1940 mit der Realisierung eines Carnet de Dessins. Später fügte Picasso einige Studien von Paris aus dem Jahr 1942 hinzu. Die Serie wurde 1948 vom Verlag Cahiers d'Art als Faksimile in einem Leineneinband veröffentlicht. Picasso begann seine künstlerischen Studien in Barcelona, an der Provinzialschule der Schönen Künste (1895). Nur zwei Jahre später, 1897, hatte Picasso seine erste Einzelausstellung im Café "Els Quatre Gats". Paris sollte Pablos großes Ziel werden, und im Jahr 1900 zog er für kurze Zeit in die französische Hauptstadt. Nach seiner Rückkehr nach Barcelona begann er mit der Arbeit an einer Reihe von Werken, in denen die Einflüsse aller Künstler, die er kannte oder deren Werke er gesehen hatte, zu erkennen waren. Er ist ein Schwamm, der alles aufsaugt, aber nichts festhält; er ist auf der Suche nach einem persönlichen Stil. Zwischen 1901 und 1907 entwickelt er die blaue und die rosafarbene Phase, die sich durch die Verwendung dieser Farben und durch ihre Thematik mit schäbigen, isolierten Figuren, mit Gesten der Trauer und des Leidens auszeichnen. Die Malerei dieser ersten Jahre des zwanzigsten Jahrhunderts ist einem ständigen Wandel unterworfen, und Picasso kann sich nicht zurücklehnen. Er interessiert sich für Cézanne und entwickelt nach dessen Vorbild zusammen mit seinem Freund Braque eine neue Bildformel: Den Kubismus. Aber Picasso bleibt nicht dabei stehen und praktiziert 1912 die Collage in der Malerei; von diesem Moment an ist alles möglich, die Fantasie wird zum Meister der Kunst. Picasso ist der große Revolutionär, und während sich alle Maler für den Kubismus interessieren, beschäftigt er sich mit dem Klassizismus von Ingres. Die surrealistische Bewegung von 1925 trifft ihn nicht unvorbereitet, und obwohl er nicht offen daran teilnimmt, dient sie als ein Element des Bruchs mit dem Vorhergehenden, indem sie in seinem Werk verzerrte Figuren mit großer Kraft einführt, die von Wut und Zorn nicht frei sind. Wie bei Goya wurde auch Picasso stark von seiner persönlichen und sozialen Situation zur Zeit seiner Arbeit beeinflusst. Seine Beziehungen zu Frauen, die oft stürmisch waren, werden sein Werk stark beeinflussen. Den größten Einfluss auf Picasso hatte jedoch der Ausbruch des Spanischen Bürgerkriegs und die Bombardierung von Guernica, die zur Schaffung des berühmtesten Werks der zeitgenössischen Kunst führte. Paris war lange Zeit sein Zufluchtsort, aber die letzten Jahre seines Lebens verbrachte er in Südfrankreich, wo er in einem sehr persönlichen Stil, mit lebhaften Farben und seltsamen Formen arbeitete. Picasso ist in den wichtigsten Museen der Welt vertreten, darunter das Metropolitan, das MOMA und das Guggenheim in New York, die Eremitage in St. Petersburg, die National Gallery in London oder die Reina Sofia in Madrid.

Schätzw. 700 - 750 EUR

Los 92 - PABLO RUIZ PICASSO (Malaga, 1881 - Mougins, Frankreich, 1973). "Modell im Atelier des Malers". Fototypie auf Papier. Auflage von 1200 Exemplaren. Datiert und lokalisiert. Ed. Cahiers d'Art. Paris, 1948. Maße: 40 x 28 cm; 54,5 x 42,5 cm (Rahmen). Picasso ließ sich im September 1939 in Royan nieder, einer französischen Stadt im Departement Charente-Maritime und in der Region New Aquitaine. Zwei Jahre nach der Verwirklichung des erstaunlichen Guernica und zeitgleich mit dem Konflikt des Zweiten Weltkriegs wählte Picasso die freie Zone und nutzte die Anwesenheit seiner Lebensgefährtin Marie-Thérese und seiner Tochter Maya, um sich dort niederzulassen. Er mietete ein Atelier im dritten Stock der Villa "Les Voiliers" und begann zwischen dem 30. Mai und dem 22. August 1940 mit der Realisierung eines Carnet de Dessins. Später fügte Picasso einige Studien von Paris aus dem Jahr 1942 hinzu. Die Serie wurde 1948 vom Verlag Cahiers d'Art als Faksimile in einem Leineneinband veröffentlicht. Picasso begann seine künstlerischen Studien in Barcelona, an der Provinzialschule der Schönen Künste (1895). Nur zwei Jahre später, 1897, hatte Picasso seine erste Einzelausstellung im Café "Els Quatre Gats". Paris sollte Pablos großes Ziel werden, und im Jahr 1900 zog er für kurze Zeit in die französische Hauptstadt. Nach seiner Rückkehr nach Barcelona begann er mit der Arbeit an einer Reihe von Werken, in denen die Einflüsse aller Künstler, die er kannte oder deren Werke er gesehen hatte, zu erkennen waren. Er ist ein Schwamm, der alles aufsaugt, aber nichts festhält; er ist auf der Suche nach einem persönlichen Stil. Zwischen 1901 und 1907 entwickelt er die blaue und die rosafarbene Phase, die sich durch die Verwendung dieser Farben und durch ihre Thematik mit schäbigen, isolierten Figuren, mit Gesten der Trauer und des Leidens auszeichnen. Die Malerei dieser ersten Jahre des zwanzigsten Jahrhunderts ist einem ständigen Wandel unterworfen, und Picasso kann sich nicht zurücklehnen. Er interessiert sich für Cézanne und entwickelt nach dessen Vorbild zusammen mit seinem Freund Braque eine neue Bildformel: Den Kubismus. Aber Picasso bleibt nicht dabei stehen und praktiziert 1912 die Collage in der Malerei; von diesem Moment an ist alles möglich, die Fantasie wird zum Meister der Kunst. Picasso ist der große Revolutionär, und während sich alle Maler für den Kubismus interessieren, beschäftigt er sich mit dem Klassizismus von Ingres. Die surrealistische Bewegung von 1925 trifft ihn nicht unvorbereitet, und obwohl er nicht offen daran teilnimmt, dient sie als ein Element des Bruchs mit dem Vorhergehenden, indem sie in seinem Werk verzerrte Figuren mit großer Kraft einführt, die von Wut und Zorn nicht frei sind. Wie bei Goya wurde auch Picasso stark von seiner persönlichen und sozialen Situation zur Zeit seiner Arbeit beeinflusst. Seine Beziehungen zu Frauen, die oft stürmisch waren, werden sein Werk stark beeinflussen. Den größten Einfluss auf Picasso hatte jedoch der Ausbruch des Spanischen Bürgerkriegs und die Bombardierung von Guernica, die zur Schaffung des berühmtesten Werks der zeitgenössischen Kunst führte. Paris war lange Zeit sein Zufluchtsort, aber die letzten Jahre seines Lebens verbrachte er in Südfrankreich, wo er in einem sehr persönlichen Stil, mit lebhaften Farben und seltsamen Formen arbeitete. Picasso ist in den wichtigsten Museen der Welt vertreten, darunter das Metropolitan, das MOMA und das Guggenheim in New York, die Eremitage in St. Petersburg, die National Gallery in London oder die Reina Sofia in Madrid.

Schätzw. 700 - 750 EUR

Los 93 - PABLO RUIZ PICASSO (Malaga, 1881 - Mougins, Frankreich, 1973). Ohne Titel. Fototypie auf Papier. Auflage von 1200 Exemplaren. Ed. Cahiers d'Art. Paris, 1948. Datiert und lokalisiert auf der Platte. Maße: 40 x 28 cm; 54,5 x 42,5 cm (Rahmen). Picasso ließ sich im September 1939 in Royan nieder, einer französischen Stadt im Departement Charente-Maritime und in der Region New Aquitaine. Zwei Jahre nach der Verwirklichung des erstaunlichen Guernica und zeitgleich mit dem Konflikt des Zweiten Weltkriegs wählte Picasso die freie Zone und nutzte die Anwesenheit seiner Lebensgefährtin Marie-Thérese und seiner Tochter Maya, um sich dort niederzulassen. Er mietete ein Atelier im dritten Stock der Villa "Les Voiliers" und begann zwischen dem 30. Mai und dem 22. August 1940 mit der Realisierung eines Carnet de Dessins. Später fügte Picasso einige Studien von Paris aus dem Jahr 1942 hinzu. Die Serie wurde 1948 vom Verlag Cahiers d'Art als Faksimile in einem Leineneinband veröffentlicht. Picasso begann seine künstlerischen Studien in Barcelona, an der Provinzialschule der Schönen Künste (1895). Nur zwei Jahre später, 1897, hatte Picasso seine erste Einzelausstellung im Café "Els Quatre Gats". Paris sollte Pablos großes Ziel werden, und im Jahr 1900 zog er für kurze Zeit in die französische Hauptstadt. Nach seiner Rückkehr nach Barcelona begann er mit der Arbeit an einer Reihe von Werken, in denen die Einflüsse aller Künstler, die er kannte oder deren Werke er gesehen hatte, zu erkennen waren. Er ist ein Schwamm, der alles aufsaugt, aber nichts festhält; er ist auf der Suche nach einem persönlichen Stil. Zwischen 1901 und 1907 entwickelt er die blaue und die rosafarbene Phase, die sich durch die Verwendung dieser Farben und durch ihre Thematik mit schäbigen, isolierten Figuren, mit Gesten der Trauer und des Leidens auszeichnen. Die Malerei dieser ersten Jahre des zwanzigsten Jahrhunderts ist einem ständigen Wandel unterworfen, und Picasso kann sich nicht zurücklehnen. Er interessiert sich für Cézanne und entwickelt nach dessen Vorbild zusammen mit seinem Freund Braque eine neue Bildformel: Den Kubismus. Aber Picasso bleibt nicht dabei stehen und praktiziert 1912 die Collage in der Malerei; von diesem Moment an ist alles möglich, die Fantasie wird zum Meister der Kunst. Picasso ist der große Revolutionär, und während sich alle Maler für den Kubismus interessieren, beschäftigt er sich mit dem Klassizismus von Ingres. Die surrealistische Bewegung von 1925 trifft ihn nicht unvorbereitet, und obwohl er nicht offen daran teilnimmt, dient sie als ein Element des Bruchs mit dem Vorhergehenden, indem sie in seinem Werk verzerrte Figuren mit großer Kraft einführt, die von Wut und Zorn nicht frei sind. Wie bei Goya wurde auch Picasso stark von seiner persönlichen und sozialen Situation zur Zeit seiner Arbeit beeinflusst. Seine Beziehungen zu Frauen, die oft stürmisch waren, werden sein Werk stark beeinflussen. Den größten Einfluss auf Picasso hatte jedoch der Ausbruch des Spanischen Bürgerkriegs und die Bombardierung von Guernica, die zur Schaffung des berühmtesten Werks der zeitgenössischen Kunst führte. Paris war lange Zeit sein Zufluchtsort, aber die letzten Jahre seines Lebens verbrachte er in Südfrankreich, wo er in einem sehr persönlichen Stil, mit lebhaften Farben und seltsamen Formen arbeitete. Picasso ist in den wichtigsten Museen der Welt vertreten, darunter das Metropolitan, das MOMA und das Guggenheim in New York, die Eremitage in St. Petersburg, die National Gallery in London oder die Reina Sofia in Madrid.

Schätzw. 700 - 750 EUR

Los 94 - PABLO RUIZ PICASSO (Malaga, 1881 - Mougins, Frankreich, 1973). "Weibliches Profil". Fototypie auf Papier. Auflage von 1200 Exemplaren. Ed. Cahiers d'Art. Paris, 1948. Datiert und lokalisiert auf der Platte. Maße: 40 x 28 cm; 54,5 x 42,5 cm (Rahmen). Picasso ließ sich im September 1939 in Royan nieder, einer französischen Stadt im Departement Charente-Maritime und in der Region New Aquitaine. Zwei Jahre nach der Verwirklichung des erstaunlichen Guernica und zeitgleich mit dem Konflikt des Zweiten Weltkriegs wählte Picasso die freie Zone und nutzte die Anwesenheit seiner Lebensgefährtin Marie-Thérese und seiner Tochter Maya, um sich dort niederzulassen. Er mietete ein Atelier im dritten Stock der Villa "Les Voiliers" und begann zwischen dem 30. Mai und dem 22. August 1940 mit der Realisierung eines Carnet de Dessins. Später fügte Picasso einige Studien von Paris aus dem Jahr 1942 hinzu. Die Serie wurde 1948 vom Verlag Cahiers d'Art als Faksimile in einem Leineneinband veröffentlicht. Picasso begann seine künstlerischen Studien in Barcelona, an der Provinzialschule der Schönen Künste (1895). Nur zwei Jahre später, 1897, hatte Picasso seine erste Einzelausstellung im Café "Els Quatre Gats". Paris sollte Pablos großes Ziel werden, und im Jahr 1900 zog er für kurze Zeit in die französische Hauptstadt. Nach seiner Rückkehr nach Barcelona begann er mit der Arbeit an einer Reihe von Werken, in denen die Einflüsse aller Künstler, die er kannte oder deren Werke er gesehen hatte, zu erkennen waren. Er ist ein Schwamm, der alles aufsaugt, aber nichts festhält; er ist auf der Suche nach einem persönlichen Stil. Zwischen 1901 und 1907 entwickelt er die blaue und die rosafarbene Phase, die sich durch die Verwendung dieser Farben und durch ihre Thematik mit schäbigen, isolierten Figuren, mit Gesten der Trauer und des Leidens auszeichnen. Die Malerei dieser ersten Jahre des zwanzigsten Jahrhunderts ist einem ständigen Wandel unterworfen, und Picasso kann sich nicht zurücklehnen. Er interessiert sich für Cézanne und entwickelt nach dessen Vorbild zusammen mit seinem Freund Braque eine neue Bildformel: Den Kubismus. Aber Picasso bleibt nicht dabei stehen und praktiziert 1912 die Collage in der Malerei; von diesem Moment an ist alles möglich, die Fantasie wird zum Meister der Kunst. Picasso ist der große Revolutionär, und während sich alle Maler für den Kubismus interessieren, beschäftigt er sich mit dem Klassizismus von Ingres. Die surrealistische Bewegung von 1925 trifft ihn nicht unvorbereitet, und obwohl er nicht offen daran teilnimmt, dient sie als ein Element des Bruchs mit dem Vorhergehenden, indem sie in seinem Werk verzerrte Figuren mit großer Kraft einführt, die von Wut und Zorn nicht frei sind. Wie bei Goya wurde auch Picasso stark von seiner persönlichen und sozialen Situation zur Zeit seiner Arbeit beeinflusst. Seine Beziehungen zu Frauen, die oft stürmisch waren, werden sein Werk stark beeinflussen. Den größten Einfluss auf Picasso hatte jedoch der Ausbruch des Spanischen Bürgerkriegs und die Bombardierung von Guernica, die zur Schaffung des berühmtesten Werks der zeitgenössischen Kunst führte. Paris war lange Zeit sein Zufluchtsort, aber die letzten Jahre seines Lebens verbrachte er in Südfrankreich, wo er in einem sehr persönlichen Stil, mit lebhaften Farben und seltsamen Formen arbeitete. Picasso ist in den wichtigsten Museen der Welt vertreten, darunter das Metropolitan, das MOMA und das Guggenheim in New York, die Eremitage in St. Petersburg, die National Gallery in London oder die Reina Sofia in Madrid.

Schätzw. 700 - 750 EUR

Los 95 - PABLO RUIZ PICASSO (Malaga, 1881 - Mougins, Frankreich, 1973). "Kubistische Figur". Fototypie auf Papier. Auflage von 1200 Exemplaren. Datiert und befindet sich auf der Platte. Ed. Cahiers d'Art. Paris, 1948. Maße: 40 x 28 cm; 54,5 x 42,5 cm (Rahmen). Picasso ließ sich im September 1939 in Royan nieder, einer französischen Stadt im Departement Charente-Maritime und in der Region New Aquitaine. Zwei Jahre nach der Verwirklichung des erstaunlichen Guernica und zeitgleich mit dem Konflikt des Zweiten Weltkriegs wählte Picasso die freie Zone und nutzte die Anwesenheit seiner Lebensgefährtin Marie-Thérese und seiner Tochter Maya, um sich dort niederzulassen. Er mietete ein Atelier im dritten Stock der Villa "Les Voiliers" und begann zwischen dem 30. Mai und dem 22. August 1940 mit der Realisierung eines Carnet de Dessins. Später fügte Picasso einige Studien von Paris aus dem Jahr 1942 hinzu. Die Serie wurde 1948 vom Verlag Cahiers d'Art als Faksimile in einem Leineneinband veröffentlicht. Picasso begann seine künstlerischen Studien in Barcelona, an der Provinzialschule der Schönen Künste (1895). Nur zwei Jahre später, 1897, hatte Picasso seine erste Einzelausstellung im Café "Els Quatre Gats". Paris sollte Pablos großes Ziel werden, und im Jahr 1900 zog er für kurze Zeit in die französische Hauptstadt. Nach seiner Rückkehr nach Barcelona begann er mit der Arbeit an einer Reihe von Werken, in denen die Einflüsse aller Künstler, die er kannte oder deren Werke er gesehen hatte, zu erkennen waren. Er ist ein Schwamm, der alles aufsaugt, aber nichts festhält; er ist auf der Suche nach einem persönlichen Stil. Zwischen 1901 und 1907 entwickelt er die blaue und die rosafarbene Phase, die sich durch die Verwendung dieser Farben und durch ihre Thematik mit schäbigen, isolierten Figuren, mit Gesten der Trauer und des Leidens auszeichnen. Die Malerei dieser ersten Jahre des zwanzigsten Jahrhunderts ist einem ständigen Wandel unterworfen, und Picasso kann sich nicht zurücklehnen. Er interessiert sich für Cézanne und entwickelt nach dessen Vorbild zusammen mit seinem Freund Braque eine neue Bildformel: Den Kubismus. Aber Picasso bleibt nicht dabei stehen und praktiziert 1912 die Collage in der Malerei; von diesem Moment an ist alles möglich, die Fantasie wird zum Meister der Kunst. Picasso ist der große Revolutionär, und während sich alle Maler für den Kubismus interessieren, beschäftigt er sich mit dem Klassizismus von Ingres. Die surrealistische Bewegung von 1925 trifft ihn nicht unvorbereitet, und obwohl er nicht offen daran teilnimmt, dient sie als ein Element des Bruchs mit dem Vorhergehenden, indem sie in seinem Werk verzerrte Figuren mit großer Kraft einführt, die von Wut und Zorn nicht frei sind. Wie bei Goya wurde auch Picasso stark von seiner persönlichen und sozialen Situation zur Zeit seiner Arbeit beeinflusst. Seine Beziehungen zu Frauen, die oft stürmisch waren, werden sein Werk stark beeinflussen. Den größten Einfluss auf Picasso hatte jedoch der Ausbruch des Spanischen Bürgerkriegs und die Bombardierung von Guernica, die zur Schaffung des berühmtesten Werks der zeitgenössischen Kunst führte. Paris war lange Zeit sein Zufluchtsort, aber die letzten Jahre seines Lebens verbrachte er in Südfrankreich, wo er in einem sehr persönlichen Stil, mit lebhaften Farben und seltsamen Formen arbeitete. Picasso ist in den wichtigsten Museen der Welt vertreten, darunter das Metropolitan, das MOMA und das Guggenheim in New York, die Eremitage in St. Petersburg, die National Gallery in London oder die Reina Sofia in Madrid.

Schätzw. 700 - 750 EUR

Los 96 - PABLO RUIZ PICASSO (Malaga, 1881 - Mougins, Frankreich, 1973). "Kubistische Frauenfiguren". Fototypie auf Papier. Auflage von 1200 Exemplaren. Ed. Cahiers d'Art. Paris, 1948. Datiert und lokalisiert auf der Platte. Maße: 40 x 28 cm; 54,5 x 42,5 cm (Rahmen). Picasso ließ sich im September 1939 in Royan nieder, einer französischen Stadt im Departement Charente-Maritime und in der Region New Aquitaine. Zwei Jahre nach der Verwirklichung des erstaunlichen Guernica und zeitgleich mit dem Konflikt des Zweiten Weltkriegs wählte Picasso die freie Zone und nutzte die Anwesenheit seiner Lebensgefährtin Marie-Thérese und seiner Tochter Maya, um sich dort niederzulassen. Er mietete ein Atelier im dritten Stock der Villa "Les Voiliers" und begann zwischen dem 30. Mai und dem 22. August 1940 mit der Realisierung eines Carnet de Dessins. Später fügte Picasso einige Studien von Paris aus dem Jahr 1942 hinzu. Die Serie wurde 1948 vom Verlag Cahiers d'Art als Faksimile in einem Leineneinband veröffentlicht. Picasso begann seine künstlerischen Studien in Barcelona, an der Provinzialschule der Schönen Künste (1895). Nur zwei Jahre später, 1897, hatte Picasso seine erste Einzelausstellung im Café "Els Quatre Gats". Paris sollte Pablos großes Ziel werden, und im Jahr 1900 zog er für kurze Zeit in die französische Hauptstadt. Nach seiner Rückkehr nach Barcelona begann er mit der Arbeit an einer Reihe von Werken, in denen die Einflüsse aller Künstler, die er kannte oder deren Werke er gesehen hatte, zu erkennen waren. Er ist ein Schwamm, der alles aufsaugt, aber nichts festhält; er ist auf der Suche nach einem persönlichen Stil. Zwischen 1901 und 1907 entwickelt er die blaue und die rosafarbene Phase, die sich durch die Verwendung dieser Farben und durch ihre Thematik mit schäbigen, isolierten Figuren, mit Gesten der Trauer und des Leidens auszeichnen. Die Malerei dieser ersten Jahre des zwanzigsten Jahrhunderts ist einem ständigen Wandel unterworfen, und Picasso kann sich nicht zurücklehnen. Er interessiert sich für Cézanne und entwickelt nach dessen Vorbild zusammen mit seinem Freund Braque eine neue Bildformel: Den Kubismus. Aber Picasso bleibt nicht dabei stehen und praktiziert 1912 die Collage in der Malerei; von diesem Moment an ist alles möglich, die Fantasie wird zum Meister der Kunst. Picasso ist der große Revolutionär, und während sich alle Maler für den Kubismus interessieren, beschäftigt er sich mit dem Klassizismus von Ingres. Die surrealistische Bewegung von 1925 trifft ihn nicht unvorbereitet, und obwohl er nicht offen daran teilnimmt, dient sie als ein Element des Bruchs mit dem Vorhergehenden, indem sie in seinem Werk verzerrte Figuren mit großer Kraft einführt, die von Wut und Zorn nicht frei sind. Wie bei Goya wurde auch Picasso stark von seiner persönlichen und sozialen Situation zur Zeit seiner Arbeit beeinflusst. Seine Beziehungen zu Frauen, die oft stürmisch waren, werden sein Werk stark beeinflussen. Den größten Einfluss auf Picasso hatte jedoch der Ausbruch des Spanischen Bürgerkriegs und die Bombardierung von Guernica, die zur Schaffung des berühmtesten Werks der zeitgenössischen Kunst führte. Paris war lange Zeit sein Zufluchtsort, aber die letzten Jahre seines Lebens verbrachte er in Südfrankreich, wo er in einem sehr persönlichen Stil, mit lebhaften Farben und seltsamen Formen arbeitete. Picasso ist in den wichtigsten Museen der Welt vertreten, darunter das Metropolitan, das MOMA und das Guggenheim in New York, die Eremitage in St. Petersburg, die National Gallery in London oder die Reina Sofia in Madrid.

Schätzw. 700 - 750 EUR

Los 97 - PABLO RUIZ PICASSO (Malaga, 1881 - Mougins, Frankreich, 1973). "Weibliche Figur". Fototypie auf Papier. Auflage von 1200 Exemplaren. Ed. Cahiers d'Art. Paris, 1948. Auf Platte datiert. Maße: 40 x 28 cm; 54,5 x 42,5 cm (Rahmen). Picasso ließ sich im September 1939 in Royan nieder, einer französischen Stadt im Departement Charente-Maritime und in der Region New Aquitaine. Zwei Jahre nach der Verwirklichung des erstaunlichen Guernica und zeitgleich mit dem Konflikt des Zweiten Weltkriegs wählte Picasso die freie Zone und nutzte die Anwesenheit seiner Lebensgefährtin Marie-Thérese und seiner Tochter Maya, um sich dort niederzulassen. Er mietete ein Atelier im dritten Stock der Villa "Les Voiliers" und begann zwischen dem 30. Mai und dem 22. August 1940 mit der Realisierung eines Carnet de Dessins. Später fügte Picasso einige Studien von Paris aus dem Jahr 1942 hinzu. Die Serie wurde 1948 vom Verlag Cahiers d'Art als Faksimile in einem Leineneinband veröffentlicht. Picasso begann seine künstlerischen Studien in Barcelona, an der Provinzialschule der Schönen Künste (1895). Nur zwei Jahre später, 1897, hatte Picasso seine erste Einzelausstellung im Café "Els Quatre Gats". Paris sollte Pablos großes Ziel werden, und im Jahr 1900 zog er für kurze Zeit in die französische Hauptstadt. Nach seiner Rückkehr nach Barcelona begann er mit der Arbeit an einer Reihe von Werken, in denen die Einflüsse aller Künstler, die er kannte oder deren Werke er gesehen hatte, zu erkennen waren. Er ist ein Schwamm, der alles aufsaugt, aber nichts festhält; er ist auf der Suche nach einem persönlichen Stil. Zwischen 1901 und 1907 entwickelt er die blaue und die rosafarbene Phase, die sich durch die Verwendung dieser Farben und durch ihre Thematik mit schäbigen, isolierten Figuren, mit Gesten der Trauer und des Leidens auszeichnen. Die Malerei dieser ersten Jahre des zwanzigsten Jahrhunderts ist einem ständigen Wandel unterworfen, und Picasso kann sich nicht zurücklehnen. Er interessiert sich für Cézanne und entwickelt nach dessen Vorbild zusammen mit seinem Freund Braque eine neue Bildformel: Den Kubismus. Aber Picasso bleibt nicht dabei stehen und praktiziert 1912 die Collage in der Malerei; von diesem Moment an ist alles möglich, die Fantasie wird zum Meister der Kunst. Picasso ist der große Revolutionär, und während sich alle Maler für den Kubismus interessieren, beschäftigt er sich mit dem Klassizismus von Ingres. Die surrealistische Bewegung von 1925 trifft ihn nicht unvorbereitet, und obwohl er nicht offen daran teilnimmt, dient sie als ein Element des Bruchs mit dem Vorhergehenden, indem sie in seinem Werk verzerrte Figuren mit großer Kraft einführt, die von Wut und Zorn nicht frei sind. Wie bei Goya wurde auch Picasso stark von seiner persönlichen und sozialen Situation zur Zeit seiner Arbeit beeinflusst. Seine Beziehungen zu Frauen, die oft stürmisch waren, werden sein Werk stark beeinflussen. Den größten Einfluss auf Picasso hatte jedoch der Ausbruch des Spanischen Bürgerkriegs und die Bombardierung von Guernica, die zur Schaffung des berühmtesten Werks der zeitgenössischen Kunst führte. Paris war lange Zeit sein Zufluchtsort, aber die letzten Jahre seines Lebens verbrachte er in Südfrankreich, wo er in einem sehr persönlichen Stil, mit lebhaften Farben und seltsamen Formen arbeitete. Picasso ist in den wichtigsten Museen der Welt vertreten, darunter das Metropolitan, das MOMA und das Guggenheim in New York, die Eremitage in St. Petersburg, die National Gallery in London oder die Reina Sofia in Madrid.

Schätzw. 700 - 750 EUR

Los 98 - PABLO RUIZ PICASSO (Malaga, 1881 - Mougins, Frankreich, 1973). "Sitzende Frau". Fototypie auf Papier. Auflage von 1200 Exemplaren. Ed. Cahiers d'Art. Paris, 1948. Datiert, lokalisiert und beschriftet auf der Platte. Maße: 40 x 28 cm; 54,5 x 42,5 cm (Rahmen). Picasso ließ sich im September 1939 in Royan nieder, einer französischen Stadt im Departement Charente-Maritime und in der Region New Aquitaine. Zwei Jahre nach der Verwirklichung des erstaunlichen Guernica und zeitgleich mit dem Konflikt des Zweiten Weltkriegs wählte Picasso die freie Zone und nutzte die Anwesenheit seiner Lebensgefährtin Marie-Thérese und seiner Tochter Maya, um sich dort niederzulassen. Er mietete ein Atelier im dritten Stock der Villa "Les Voiliers" und begann zwischen dem 30. Mai und dem 22. August 1940 mit der Realisierung eines Carnet de Dessins. Später fügte Picasso einige Studien von Paris aus dem Jahr 1942 hinzu. Die Serie wurde 1948 vom Verlag Cahiers d'Art als Faksimile in einem Leineneinband veröffentlicht. Picasso begann seine künstlerischen Studien in Barcelona, an der Provinzialschule der Schönen Künste (1895). Nur zwei Jahre später, 1897, hatte Picasso seine erste Einzelausstellung im Café "Els Quatre Gats". Paris sollte Pablos großes Ziel werden, und im Jahr 1900 zog er für kurze Zeit in die französische Hauptstadt. Nach seiner Rückkehr nach Barcelona begann er mit der Arbeit an einer Reihe von Werken, in denen die Einflüsse aller Künstler, die er kannte oder deren Werke er gesehen hatte, zu erkennen waren. Er ist ein Schwamm, der alles aufsaugt, aber nichts festhält; er ist auf der Suche nach einem persönlichen Stil. Zwischen 1901 und 1907 entwickelt er die blaue und die rosafarbene Phase, die sich durch die Verwendung dieser Farben und durch ihre Thematik mit schäbigen, isolierten Figuren, mit Gesten der Trauer und des Leidens auszeichnen. Die Malerei dieser ersten Jahre des zwanzigsten Jahrhunderts ist einem ständigen Wandel unterworfen, und Picasso kann sich nicht zurücklehnen. Er interessiert sich für Cézanne und entwickelt nach dessen Vorbild zusammen mit seinem Freund Braque eine neue Bildformel: Den Kubismus. Aber Picasso bleibt nicht dabei stehen und praktiziert 1912 die Collage in der Malerei; von diesem Moment an ist alles möglich, die Fantasie wird zum Meister der Kunst. Picasso ist der große Revolutionär, und während sich alle Maler für den Kubismus interessieren, beschäftigt er sich mit dem Klassizismus von Ingres. Die surrealistische Bewegung von 1925 trifft ihn nicht unvorbereitet, und obwohl er nicht offen daran teilnimmt, dient sie als ein Element des Bruchs mit dem Vorhergehenden, indem sie in seinem Werk verzerrte Figuren mit großer Kraft einführt, die von Wut und Zorn nicht frei sind. Wie bei Goya wurde auch Picasso stark von seiner persönlichen und sozialen Situation zur Zeit seiner Arbeit beeinflusst. Seine Beziehungen zu Frauen, die oft stürmisch waren, werden sein Werk stark beeinflussen. Den größten Einfluss auf Picasso hatte jedoch der Ausbruch des Spanischen Bürgerkriegs und die Bombardierung von Guernica, die zur Schaffung des berühmtesten Werks der zeitgenössischen Kunst führte. Paris war lange Zeit sein Zufluchtsort, aber die letzten Jahre seines Lebens verbrachte er in Südfrankreich, wo er in einem sehr persönlichen Stil, mit lebhaften Farben und seltsamen Formen arbeitete. Picasso ist in den wichtigsten Museen der Welt vertreten, darunter das Metropolitan, das MOMA und das Guggenheim in New York, die Eremitage in St. Petersburg, die National Gallery in London oder die Reina Sofia in Madrid.

Schätzw. 700 - 750 EUR

Los 99 - ANTONI CLAVÉ I SANMARTÍ (Barcelona, 1913 - Saint Tropez, Frankreich, 2005). "Paar", Saint Tropez 1977. Gemischte Medien und Collage auf Papier. Signiert. Maße: 29 x 20 cm; 37 x 28 cm (Rahmen). Antoni Clavé ist eine der bedeutendsten Persönlichkeiten der zeitgenössischen spanischen Kunst. Clavé wurde in der Schule der Schönen Künste von San Jordi in Barcelona ausgebildet und widmete sich in einer ersten Phase der Werbegrafik, der Illustration und der dekorativen Kunst. 1936 nimmt er aktiv am Bürgerkrieg in den Reihen der Republikaner teil, was dazu führt, dass er am Ende des Krieges nach Frankreich ins Exil geht. Im selben Jahr, 1939, stellt er die Zeichnungen aus, die er auf den Schlachtfeldern angefertigt hat. Er lässt sich in Paris nieder, wo er Vuillard, Bonnard und Picasso kennenlernt. Er genoss bereits großes internationales Ansehen, als er nach seiner Ausstellung in der Galerie Gaspar in Barcelona im Jahr 1956 auch in Spanien bekannt wurde. Zur gleichen Zeit fertigte er Illustrationen für das Werk "Gargantua und Pantagruel" an, die ihn mit der mittelalterlichen Ikonographie vertraut machten. Im selben Jahrzehnt der fünfziger Jahre begann er seine intensive Arbeit in der Welt des Balletts und des Theaters und erlangte großen Ruhm in der Welt der internationalen Szenografie. Im Jahr 1952 entwirft er die Kulissen für den Film "Hans Christian Andersen" von Charles Vidor und wird für einen Oscar nominiert. 1954 gab er das Bühnenbild auf, um sich der Malerei zu widmen. Er wurde 1948 auf der Hallimark in New York, 1954 auf der Biennale in Venedig und 1957 auf der Internationalen Biennale in Tokio ausgezeichnet. 1984 würdigte der spanische Staat seinen künstlerischen Wert mit der Ausstellung von mehr als hundert seiner Werke im spanischen Pavillon auf der Biennale von Venedig. Im selben Jahr wurde er mit der Goldmedaille der Generalitat de Catalunya ausgezeichnet. Clavés Werke befinden sich unter anderem im Museum der Schönen Künste in Bilbao, in der Tate Gallery, im Museum für Moderne Kunst in Paris, im British Museum in London, im Museum für Moderne Kunst in Tokio und im Museum Reina Sofía in Madrid.

Schätzw. 1 000 - 1 200 EUR

Los 100 - SALVADOR DALÍ I DOMÈNECH (Figueres, Girona, 1904 - 1989). Ohne Titel, 1969. Tinte auf einer Seite des Buches "Conversations with Dalí". Signiert und datiert. Begleitet von dem Buch, aus dem die ausgeschriebene Zeichnung entnommen wurde. Maße: 20 x 13 cm; 50 x 41 (Rahmen). In seinen frühen Jahren entdeckte Dalí die zeitgenössische Malerei bei einem Familienbesuch in Cadaqués, wo er die Familie von Ramon Pichot kennenlernte, einem Künstler, der regelmäßig nach Paris reiste. Auf Anraten von Pichot begann Dalí, bei Juan Núñez Malerei zu studieren. Im Jahr 1922 wohnte Dalí in der berühmten Residencia de Estudiantes in Madrid, um ein Studium der Schönen Künste an der Akademie San Fernando zu beginnen. Vor seiner Abschlussprüfung im Jahr 1926 wurde er jedoch von der Schule verwiesen, weil er behauptete, dass es dort niemanden gab, der ihn hätte prüfen können. Im selben Jahr reiste Dalí zum ersten Mal nach Paris. Dort lernte er Picasso kennen und legte einige formale Merkmale fest, die von da an für sein gesamtes Werk charakteristisch sein sollten. Seine Sprache nahm die Einflüsse vieler künstlerischer Stile auf, vom klassischen Akademismus bis hin zur bahnbrechenden Avantgarde. Zu dieser Zeit ließ sich der Maler einen auffälligen Schnurrbart wachsen, der dem von Velázquez nachempfunden war und für den Rest seines Lebens zu seinem persönlichen Markenzeichen werden sollte. 1929 arbeitete Dalí mit Luis Buñuel an dem Film "Ein andalusischer Hund" zusammen, in dem Szenen aus der surrealistischen Fantasie gezeigt wurden. Im August desselben Jahres lernte er seine Muse und zukünftige Frau Gala kennen. Während dieser Zeit stellte Dalí regelmäßig in Barcelona und Paris aus und schloss sich der surrealistischen Gruppe im Pariser Viertel Montparnasse an. Sein Werk beeinflusste die Richtung des Surrealismus in den folgenden zwei Jahren stark, und er wurde als Erfinder der paranoisch-kritischen Methode gefeiert, die den Zugang zum Unterbewusstsein erleichtern und kreative künstlerische Energien freisetzen sollte. Dank des Kunsthändlers Julian Levy landet der Maler 1934 in Amerika. Durch seine erste Einzelausstellung in New York wurde seine internationale Ausstrahlung endgültig gefestigt, und von da an zeigte er seine Werke und hielt Vorträge in der ganzen Welt. Der größte Teil seines Werks befindet sich im Dalí-Theater-Museum in Figueras, gefolgt von der Sammlung des Salvador-Dalí-Museums in St. Petersburg (Florida), der Reina Sofía in Madrid, der Salvador-Dalí-Galerie in Pacific Palisades (Kalifornien), dem Espace Dalí in Montmartre (Paris) oder dem Dalí Universe in London.

Schätzw. 2 000 - 2 400 EUR

10. Juli - Zeitgenössische Kunst und neueste Trends II

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Los 13 - Keine Beschreibung

Los 87 - "dEmo"; ELADIO DE MORA (Mora, Toledo, 1960). "Blaubär". Glasfaser, Harz und Polyester. Signiert mit Anagramm. Maße: 75 x 23 x 28 cm.