Terrakottaskulpturen

Empfohlene Lose

Jacques LIPCHITZ (1891-1973) - Mann mit Gitarre, 1920 Abguss aus Terrakotta, mit den Initialen auf der Basis signiert, datiert XII-20 und nummeriert 4/7. H. 46,5 cm Sockel: 22,6 x 21,6 cm. Wir danken Prof. Dr. Kosme de Barañano für die Bestätigung, dass es sich hierbei um eine Original-Terrakotta von Jacques Lipchitz handelt. Sein Gutachten vom 9. April 2024 wird dem Käufer ausgehändigt. Herkunft : - Privatsammlung Bibliografie : - A.G. Wilkinson, The Sculpture of Jacques Lipchitz, A Catalogue Raisonné, volume one, the Paris Years, 1910-1940, Thames and Hudson, London, 1996, S. 212, Nr. 112 bis 114 (Exemplare aus rekonstruiertem Stein, Bronze und Marmor, abgebildet). - Kosme de Barañano, Jacques Lipchitz, The plasters, A Catalogue Raisonné, 1911-1973, Fundación BBK Fundazioa, Bilbao, 2009, S. 130, Nr. 58 (reproduzierter Gips) Der aus Litauen stammende Jacques Lipchitz ließ sich 1909 in Paris nieder. Er wird einer der Pioniere der kubistischen Skulptur mit geometrischen Formen, die sich am Primitivismus der afrikanischen Skulptur orientieren. Musiker sind in seinem Werk zwischen 1915 und 1920 sehr präsent und die Themen von Harlequin, Pierrot und Musiker spiegeln seine Ikonografie wider, die vom Nachtleben der Pariser Kabaretts wie Le Boeuf sur le toit inspiriert ist. Ein erster Vertrag verband ihn ab 1916 mit dem Kunsthändler Léonce Rosenberg. Dieser widmete ihm im Januar 1920 eine erste Einzelausstellung in der Galerie L'Effort Moderne, doch noch im selben Jahr nahm Lipchitz seine Freiheit wieder in Anspruch, um "das zu schaffen, was er will und nicht das, was man ihm aufzwingt". Mit der Hilfe einiger Freunde kaufte er dem Kunsthändler seine Werke ab. Der Mann mit der Gitarre wurde im Dezember 1920 geschaffen und der Künstler beschreibt diese Skulptur als ein Übergangswerk, das eine Rückkehr zu einem gewissen Klassizismus ankündigt. In My Life in sculpture (Jacques Lipchitz und H.H. Arnason, USA, Viking Press, 1972) schreibt Lipchitz: "Ich wurde mir des negativen Raums bewusst und (...) begann, seine Wirkung zu nutzen. Es ging ganz einfach darum, feste Formen um eine Leere zu wickeln, um diese einzurahmen, indem man tatsächlich die Leere statt des Volumens des Steins nutzte, um die Form eines Kopfes oder einen Teil des Torsos anzudeuten." Dieser Homme à la guitare wird auch Homme assis à la guitare (Musée National d'Art Moderne Paris, Centre Pompidou) oder Pierrot à la clarinette (Maurice Raynal, Jacques Lipchitz, Paris 1947) genannt. Der Originalgips wird im Musée National d'Art Moderne Paris, Centre Pompidou aufbewahrt (Schenkung Jacques und Yulla Lipchitz Foundation, New York, 1976). Von dieser Skulptur gibt es ein Exemplar aus rekonstruiertem Stein (Kunstmuseum, Basel, Schweiz) und eines aus Marmor (Rijksmuseum Kröller-Muller, Otterlo, Niederlande) sowie zwei Editionen von je sieben Exemplaren, eine aus Bronze und eine aus Terrakotta. Für diese Terrakotta-Serie des Mannes mit der Gitarre sind insbesondere verzeichnet: - Ein Exemplar, das Jean Cocteau vom Künstler geschenkt wurde, (im Mai 1982 in New York verkauft). - Die Nummer 2/7, Sammlung Martin und Rena Blackman (aufgelöst im November 2021). - Die Nummer 5/7, Sammlung Hubert de Givenchy (aufgelöst in Paris im Juni 2022). - Das hier abgebildete Exemplar mit der Nummer 4/7.

Schätzw. 400.000 - 450.000 EUR

PIERRE LE FAGUAYS (1892-1962). "Vaslav Nijinsky", ca. 1930. Skulptur aus patinierter und teilweise kalt emaillierter Bronze auf Marmorsockel. Signiert: P. LE FAGUAYS. Maße: 51 x 48 x 16 cm. Obwohl Le Faguays in Nantes geboren wurde, erhielt er seine höhere Ausbildung in der Schweiz, wo er ein Schüler von James Vibert war. In den zwanziger Jahren nahm er aktiv an den Pariser Salons de l'Automne teil und schloss Freundschaft mit prominenten Künstlern der Zeit wie Max Le Verrier oder den Brüdern Susse. Dank seiner Vielseitigkeit arbeitete er erfolgreich mit verschiedenen Materialien, darunter Glaspaste, Bronze und Terrakotta. Gerade letztere Komponente katapultierte ihn zum Ruhm, denn dank ihrer Formbarkeit und inspiriert von den Figuren von Tanagra, gelang es ihm, seiner künstlerischen Produktion eine unvergleichliche Geschmeidigkeit zu verleihen, indem er das Ballett als Vorwand nutzte. In diesem Zusammenhang könnte die Skulptur entstanden sein, die uns beschäftigt und möglicherweise Vaslav Nijinsky, einen der berühmtesten Tänzer der Geschichte, darstellt. Die von Sergey Diáguilev gegründete Kompanie "Ballets Russes" brachte die besten Mitglieder des kaiserlichen russischen Balletts des Mariinski-Theaters in St. Petersburg zusammen, darunter auch Nijinsky. Die Philosophie der Kompanie war ein Bruch mit dem traditionellen Tanz, der in Frankreich gepflegt wurde, und setzte auf Innovation in verschiedenen Strömungen und Genres. Ihr Erfolg war unmittelbar, und im ersten Drittel des zwanzigsten Jahrhunderts war ihr Einfluss so groß, dass sie einen unauslöschlichen Eindruck in der Kunst und der westlichen Kultur hinterließen.

Schätzw. 4.500 - 5.000 EUR

Büste einer jungen Frau. Römische Kultur. 2. bis 4. Jahrhundert n. Chr. Bronze und Silber. Provenienz: Privatsammlung, Herr S. D., Frankreich, erworben im Jahrzehnt von 1980 bis 1990 - Galerie Ghezelbash, Paris. Erhaltungszustand: Guter Zustand; präsentiert eine ausgezeichnete Oberfläche der Bronze. Keine Restaurierungsarbeiten. Maße: 6,6 cm hoch + 6,7 x 6 x 6 cm. Kopf einer Frau in Bronze, mit silbernen Details. In den Zügen ist es der Wille, mit Treue den Körperbau des Modells zu erfassen geschätzt. Das gewellte Haar ist zu einem Dutt zusammengefasst und mit einem Diadem geschmückt. Es könnte sich um eine Votivgabe handeln. Die sorgfältige Beobachtung der menschlichen Anatomie und der Gesichtszüge war häufig bei privaten Aufträgen zu beobachten, so dass die Idealisierung für die Darstellung von Göttern, Helden und manchmal auch von Kaisern übrig blieb. Der Realismus der römischen Porträts spiegelt die Mode und den Schönheitskanon der Frauen in der römischen Gesellschaft wider. Die Römer brachten zwei wichtige Neuerungen in die Welt der Bildhauerei ein: das Porträt und das historische Relief, die beide in der griechischen Welt nicht existierten. Allerdings orientierten sie sich bei einem Großteil ihrer bildhauerischen Produktion an griechischen Vorbildern, die in Rom mit der etruskischen Tradition kombiniert wurden. Nach den ersten Kontakten mit dem klassizistischen Griechenland über die Kolonien der Magna Graecia eroberten die Römer 212 v. Chr. Syrakus, eine reiche und bedeutende griechische Kolonie auf Sizilien, die mit zahlreichen hellenistischen Werken geschmückt war. Die Stadt wurde geplündert und ihre Kunstschätze nach Rom gebracht, wo der neue Stil dieser Werke bald die bis dahin vorherrschende etruskisch-römische Tradition ersetzte. Cato selbst prangerte die Plünderung und Ausschmückung Roms mit hellenistischen Werken an, die er als gefährlichen Einfluss auf die einheimische Kultur betrachtete, und bedauerte, dass die Römer Statuen aus Korinth und Athen bewunderten, während sie die dekorative Terrakotta-Tradition der antiken römischen Tempel verhöhnten. Die griechische Kunst hatte die etruskisch-römische Kunst im Allgemeinen so weit verdrängt, dass griechische Statuen zu den begehrtesten Kriegsbeuten gehörten und bei den Triumphzügen der siegreichen Feldherren ausgestellt wurden.

Schätzw. 12.000 - 14.000 EUR

Wird PEDRO MILLÁN (Sevilla, XVI. Jahrhundert) zugeschrieben. "Christus". Polychromer Ton. Maße: 24 x 31 x 15 cm. Polychrome Terrakotta-Skulptur, die das Gesicht von Christus darstellt. Die Skulptur zeichnet sich durch ihre zurückhaltende Emotionalität aus, die besonders in der Geste zum Ausdruck kommt. Die geschlossenen Augenlider und der halbgeöffnete Mund, die zu der Gelassenheit hinzukommen, zeigen uns den letzten Atemzug Jesu. Die Ikonographie des Werks ist zweifelhaft, da die Krone darauf hinweist, dass es sich um einen Moment der Passion handelt, obwohl es sich auch um die Darstellung des Heiligen Antlitzes handeln könnte, die ihren Ursprung in der Episode hat, die sich während der Passion Christi ereignete, als eine Frau auf dem Weg zum Kalvarienberg ihren Schleier abnahm, um damit das Gesicht des Messias zu trocknen. Das Bild des Antlitzes Jesu Christi wurde auf dem Leinentuch eingeprägt, das auf wundersame Weise durch die Jahrhunderte hindurch erhalten blieb und zu einem Gegenstand der Verehrung wurde. Die Frau wurde später Veronika genannt, deren Etymologie sich vom lateinischen "verum" (wahr) und dem griechischen "eikon" (Bild) ableitet. Das Heilige Antlitz ist eine der berühmtesten Reliquien des Christentums und wurde erstmals 1137 beschrieben. Stilistisch weist das Werk von Pedro Millán leichte Anklänge an die Gotik auf, obwohl in seiner Bildhauerei die Vorgaben der Renaissance vorherrschen. Sein Werk zeichnete sich in hohem Maße durch die Beherrschung der Terrakottamodellierung aus, wie man an Werken wie der Grablegung Christi im Museum der Schönen Künste in Sevilla oder der Beweinung Christi in der Eremitage in St. Petersburg sehen kann.

Schätzw. 18.000 - 19.000 EUR