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9 settembre - Design: Mobili d'avanguardia

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Lotto 2 - OSVALDO BORSANI (Varedo 1911 - Milano 1985) per Tecno. Chaise-longue P40, design 1955. Struttura in metallo nero, rivestimento originale in tessuto rosso. Dettagli e maniglie in ottone. Con logo Tecno. Misure: 90 x 70 x 129 cm; 40 cm (altezza della seduta). La versatile e confortevole poltrona P40 è stata disegnata da Osvaldo Borsani nel 1955 per Tecno. È dotata di una moltitudine di comodità: la poltrona può essere regolata in più di 400 posizioni; lo schienale può essere reclinato in diverse angolazioni, il poggiatesta si muove verso l'alto e verso il basso, i braccioli in gomma flessibile possono essere ripiegati e la poltrona ha un poggiagambe pieghevole con poggiapiedi in metallo estensibile. Formatosi fin da giovanissimo nell'azienda di mobili di famiglia, Osvaldo Borsani partecipò nel 1933 alla V Triennale di Milano, con il progetto "Casa minima", che fu premiato con la medaglia d'argento. Dopo la laurea al Politecnico di Milano, incontra e collabora con importanti artisti come Lucio Fontana, Agenore Fabbri, Aligi Sassu, Roberto Crippa, Fausto Melotti e Arnaldo Pomodoro. Nel 1953, insieme al fratello Fulgencio, fonda la Tecno, un progetto al quale dedicherà tutta la sua vita. I suoi primi lavori di design industriale sono la poltrona ad inclinazione variabile P40 (1953) e il divano D70 con seduta invertibile. Nel 1968 crea il sistema per ufficio Graphis (insieme a Eugenio Gerli, distribuito in tutto il mondo in un milione di copie), grazie al quale Tecno diventa un produttore di prodotti di design per ufficio di fama internazionale. Alla fine degli anni Sessanta, Osvaldo Borsani crea il Tecno Project Center con Marco Fantoni e Valeria Borsani.

Stima 4 500 - 4 700 EUR

Lotto 3 - HARRY BERTOIA (Italia, 1915 - USA, 1978) per Knoll. Coppia di sedie "Diamond". Base cromata e rivestimento in tessuto. Buone condizioni. Con timbro Knoll inciso. Misure: 75 x 85 x 75 cm. La struttura della sedia Diamond ha un design traforato che le conferisce un'estetica leggera e ariosa. La seduta è caratterizzata da lati leggermente ribaltati che completano le linee leggermente appuntite dello schienale, creando la forma di un diamante. Le sottili gambe in metallo contribuiscono al look minimalista. Pittore, grafico, scultore, professore universitario e designer di mobili, Harry Bertoia emigrò negli Stati Uniti all'età di quindici anni, dove sviluppò la sua formazione e la sua carriera. Studia alla Detroit Society of Arts and Crafts e successivamente alla Cranbrook Academy of Art di Bloomfield, nel Michigan, dove diventa insegnante e crea il dipartimento di lavorazione dei metalli. In questi anni inizia a sperimentare le forme della gioielleria e a esplorare idee che in seguito emergeranno nella scultura e nel design. Nel 1943 inizia la collaborazione con il designer Charles Eames, con il quale lavorerà fino al 1946. Dopo un periodo di lavoro presso la Point Loma Navel Electronics come creatore di manuali di apparecchiature, nel 1949 si unisce a Hans Knoll presso la Knoll Associates. La sua prima mostra di scultura ha luogo presso lo showroom Knoll di New York nel 1951 e l'anno successivo Knoll brevetta il suo progetto di mobili più famoso, la sedia "Diamond" in tondino saldato. I progetti di Bertoia sono oggi presenti nelle collezioni dei principali musei di design e di arte contemporanea, tra cui il MoMA di New York e molti altri.

Stima 3 000 - 3 200 EUR

Lotto 6 - VLADIMIR KAGAN (Worms, 1927-Florida, 2016). Set di quattro sedie modello VK 101A, anni '50. Schienale in pelle. Con lievi segni d'uso ma in ottime condizioni. Misure: 63 x 62 x 95 cm; 45 cm (altezza della seduta). Queste sedie, dalla struttura elegantemente arcuata, presentano uno schienale in pelle che scorre dalla parte superiore dello schienale fino alla seduta in pelle imbottita. La leggera inclinazione all'indietro delle gambe e l'elegante scolpitura di sedile e braccioli accentuano il comfort e lo stile di design "less is more" tipico di Kagan. Pur essendo di origine tedesca, Vladimir Kagan è cresciuto negli Stati Uniti. Ha studiato architettura alla Columbia University prima di entrare nella falegnameria di New York del padre, maestro ebanista e collezionista d'arte Illi Kagan. Tra il 1950 e il 1960, Kagan ha collaborato con il designer tessile e stampatore Hugo Dreyfuss. I mobili di Kagan, decisamente moderni e scultorei, ebbero rapidamente successo. Tra i suoi progetti figurano i cocktail lounge per i delegati della prima sede delle Nazioni Unite a Lake Success, New York (1947-48), il sinuoso divano Serpentine (1949) e l'iconica collezione di sedute Omnibus (1970 circa). Dal 1990 al 1992 è stato presidente della sezione di New York dell'American Society of Interior Designers (ASID). Nel 1998 ha riproposto alcuni dei suoi progetti classici all'International Contemporary Furniture Fair (ICFF) di New York, rilanciando formalmente la sua carriera. Nel 2008 ha lanciato la Vladimir Kagan Couture Collection, che comprende una selezione di progetti dagli anni '50 al XXI secolo. Nel 2015, Kagan ha progettato una collezione di mobili d'arte in edizione limitata per Carpenters Workshop. Le opere del designer sono presenti in numerose collezioni pubbliche e private, tra cui il Vitra Design Museum di Weil am Rhein, in Germania, il Metropolitan Museum of Art di New York, Die Neue Sammlung di Monaco, il San Francisco Museum of Modern Art e il Victoria and Albert Museum di Londra. Nel 1980, il Fashion Institute of Technology di New York ha reso omaggio a Kagan con una mostra retrospettiva trentennale: Vladimir Kagan: Three Decades of Design. Nel 2002 il Brooklyn Museum of Art gli ha conferito un premio alla carriera; nel 2001 il Pinnacle Award dell'American Society of Furniture Designers e nel 2000 il Lifetime Achievement Award dell'American Society of Furniture Designers.

Stima 18 000 - 20 000 EUR

Lotto 8 - ILMARI TAPIOVAARA (Finlandia, 1914-1999) per La Permanente Mobili Cantù. Set di quattro sedie. Legno di faggio scuro e pelle color cognac. In buone condizioni, con segni d'uso e d'età. Misure: 48 x 60 x 92 cm. Queste robuste sedie di Ilmari Tapiovaara presentano strutture geometriche marcate per la seduta e lo schienale. Le giunture sono ben visibili, il che ne esalta il carattere artigianale. Ilmari Tapiovaara è stato un pioniere del nuovo design emerso dopo la Seconda Guerra Mondiale, che ha smesso di essere un lusso culturale e si è diffuso nella società nel suo complesso. Ha studiato alla Scuola di Arti Applicate di Helsinki, dove è entrato in contatto con il Funzionalismo, i mobili di Alvar Aalto e il Movimento Moderno. In seguito, il tirocinio presso lo studio di Le Corbusier ha completato la sua formazione. Lo stretto contatto con la natura, di cui ha goduto in gioventù, influenzerà anche il suo orientamento: "La natura è il manuale migliore e più vicino per il designer industriale". Tapiovaara dovette affrontare le nuove sfide pragmatiche poste dal moderno design industriale: assemblaggio di parti serializzate, imballaggio razionale per il trasporto e l'esportazione, solidità, ergonomia ed esplorazione di tecniche e materiali. Il risultato è stato un design ironico e persuasivo, che alludeva sottilmente alla tradizione e allo stesso tempo era trasgressivo e senza tempo, alla ricerca della poetica della forma. Ilmari Tapiovaara morì dopo aver gettato le basi per lo sviluppo dell'incipiente design industriale. Una caratteristica di Tapiovaara era l'esplorazione del suo lavoro attraverso la molteplicità: di ogni pezzo importante creava numerose versioni e riedizioni multiformi. È il caso di pezzi come la sedia Fanett-Mademoiselle (1957); la famosa sedia Domus (betulla massiccia e compensato laccato), creata nel 1946 per far parte dell'arredamento della residenza studentesca Domus Académica, poi prodotta da Knoll come FinnChair e di cui sono state realizzate molteplici versioni nel corso dei decenni, o il tavolo Trienna (1954); la sedia Lukki, realizzata in tubolare d'acciaio curvato e compensato, impilabile in diverse versioni nel 1954 e nel 1956; le posate Otto (1986) o la lampada Maija Mehiläinen per Asko (1957), poi pubblicata da Santa & Cole.I suoi progetti di interior design in Finlandia, negli Stati Uniti e in Europa, come la Banca OKO di Helsinki, gli showroom Olivetti, l'Hotel Intercontinental, ecc. Tapiovaara ha anche dedicato parte della sua carriera professionale all'insegnamento (negli Stati Uniti e in Finlandia). Credeva che ai designer si dovesse insegnare la filosofia, perché senza idee non c'è design, e riteneva che "Leonardo fosse il più famoso e forse il miglior product designer della storia".

Stima 3 200 - 3 400 EUR

Lotto 17 - ÖRNI HALLOWEEN; ERNESTO GISMONDI (Italia, 1931) per Artemide. Lampada a sospensione Minosse. Metallo laccato bianco all'interno e rosso all'esterno. Sistema di sospensione che permette di orientarla in diverse direzioni. Ottime condizioni, senza uso precedente. Misure: 20 x 80 x 80 cm. Örni Halloween è lo pseudonimo utilizzato da Ernesto Gismondi dal 1974 alla metà degli anni Novanta per firmare i suoi primi progetti di lampade e mobili per Artemide, preferendo tenere separata la propria figura di imprenditore da quella di designer, per sviluppare contemporaneamente queste due attività e potersi esprimere liberamente nei suoi progetti. Ingegnere e designer industriale italiano, Ernesto Gismondi ha studiato scienze aeronautiche e aerospaziali a Milano e a Roma, e dopo la laurea nel 1959 ha fondato l'azienda Artemide, specializzata nella produzione di pezzi di illuminazione insieme a Sergio Mazza. Dal 1970 in poi Gismondi ha progettato numerose lampade pubblicate da Artemide, come la "Tholos" (1979), la "Zen" (1988) e la "Tebe". È stato anche attivamente coinvolto nelle tendenze progressiste del design italiano, sponsorizzando e presiedendo il gruppo Memphis e ricoprendo la carica di vicepresidente dell'ADI (Associazione per il Design Intrustiale). È anche membro del Consiglio della Triennale di Milano, tra le altre cariche e funzioni legate a vari aspetti del design. Il suo lavoro è attualmente rappresentato in diversi musei dedicati al design industriale.

Stima 1 100 - 1 200 EUR

Lotto 24 - JULES WABBES (Belgio, 1919-1974). Tavolino da caffè, anni '60. Bronzo e vetro. Presenta una leggera usura dovuta all'uso e all'età. Misure: 43 x 120 cm (con vetro); 40 x 79 cm (senza vetro). Per tutta la vita Wabbes ha mostrato un grande interesse per l'arte e il design. Studia architettura all'Accademia di Belle Arti di Bruxelles e si laurea nel 1943. Tuttavia, dopo aver completato gli studi, l'artista decise di concentrarsi sul design di mobili e oggetti, lasciando da parte l'architettura. Agli esordi, Jules Wabbes lavora come designer di interni e scenografo teatrale. Ma, negli anni Cinquanta, iniziò a distinguersi nella progettazione di mobili e illuminazione, creando pezzi di grande qualità e bellezza estetica. Le sue creazioni, caratterizzate da linee pulite e funzionali, erano molto popolari sia in Belgio che in altri Paesi. Wabbes sfruttò la sua capacità di lavorare con legni pregiati e altri materiali di alta qualità, che gli permisero di creare mobili e lampade che combinavano eleganza e funzionalità. I suoi progetti erano senza tempo e si adattavano perfettamente a diversi stili e spazi. Nel corso della sua carriera, Jules Wabbes ha avuto anche l'opportunità di lavorare a diversi progetti su larga scala, come la creazione di mobili per le ambasciate belghe in diversi Paesi e per alcuni edifici emblematici del Belgio. Nonostante il successo e il riconoscimento nel mondo del design, Wabbes mantenne un profilo basso ed era noto per la sua umiltà e dedizione al lavoro. Si è spento il 10 maggio 1974, lasciando un'importante eredità nel campo del design dei mobili e dell'illuminazione e venendo ricordato come uno dei grandi maestri del design belga.

Stima 6 000 - 7 000 EUR

Lotto 25 - PIERRE JEANNERET (Ginevra, 1896-1967). Sedia a scatola o modello PJ-SI-53A, 1960. Struttura in teak indiano massiccio. Seduta e schienale in canna. Numerata. Misure: 75 x 51 x 51 cm. La Box Chair era nota anche come "Sedia da ufficio con sedile e schienale a canne" quando faceva parte dell'arredamento della Panjab University di Chandigarh intorno al 1960. Il suo nome è dovuto alla caratteristica distintiva di questo design: l'insieme di gambe asimmetriche a doppia scatola che fungono anche da braccioli e basi. Vale la pena notare che lo schienale, leggermente inclinato e curvo, è separato dalla seduta. Nato a Ginevra nel 1896, Pierre Jeanneret ha studiato all'Ecole des Beaux-Arts. Nel 1922 inizia a lavorare nel suo nuovo laboratorio di rue de Sèvres, a Parigi, con il cugino, il collega designer Le Corbusier, con il quale condivide progetti di ricerca e criteri di design grazie a un profondo rapporto professionale. Nell'ottobre del 1927, i due decidono di integrare nel loro progetto una giovane architetto che aveva già iniziato a farsi conoscere sulla scena architettonica dell'epoca: Charlotte Perriand. La collaborazione delle tre personalità durò fino al 1937 e fu estremamente fruttuosa, soprattutto nel campo del design dei mobili. Fu una collaborazione molto significativa, sia per l'interesse culturale delle loro realizzazioni sia per il successo professionale. Insieme a Charlotte Perriand affrontarono il progetto innovativo de "l'équipement de la maison", il cui risultato fu di grande valore intellettuale e di notevole successo commerciale. Nel 1951, Le Corbusier propose un nuovo progetto per celebrare l'indipendenza dell'India e l'apertura della nazione alla modernità, che consisteva nella progettazione di una città, Chandigarh, capitale del Punjab. Chandigarh, nel nord dell'India, è una città costruita dal nulla. Progettata da Le Corbusier, nasce come icona di libertà dal colonialismo del passato. Pierre Jeanneret è considerato - nonostante l'assenza di documenti che lo dimostrino - l'autore della maggior parte degli arredi di Chandigarh. Il risultato è un design universalmente conosciuto, realizzato nel rispetto delle tecniche utilizzate nei prodotti originali, prodotti in India da artigiani locali. L'esperienza di Pierre Jeanneret in India è durata fino alla fine dei suoi giorni, nel 1967, e il suo stretto e continuo contatto con il territorio locale ha portato i suoi mobili a incorporare forme essenziali con materiali semplici. Oggi le opere di Jeanneret si trovano in musei come il Museum of Modern Art (MoMA), il Vitra Designs Museum, il Museum Boijmans van Beuningen, il Museum for Gestaktung di Zurigo, i Musei dell'India e il Perre Jeanneret Museum.

Stima 5 000 - 6 000 EUR

Lotto 30 - PERE COSP (Barcellona, 1907-2007). Coppia di sedie a calzascarpe, 1948-1949. Legno di noce. Segni d'uso. Tappezzeria danneggiata e sporca. Necessitano di una rifinitura. Vecchi xilofagi. Provenienza: Casa a Llavaneras (Barcellona) con interni interamente progettati da Pere Cosp nel 1948-1949, di cui si parla nel sito web dedicato all'autore, perecosp.wordpress.com, che elenca i più importanti progetti di interni da lui realizzati per privati e aziende. Misure: 72 x 43 x 47 cm. Coppia di sedie a spondina disegnate da Pere Cosp, con gambe a sciabola e schienale traforato. La finitura artigianale si combina con un concetto moderno, caratteristico dell'autore. Pere Cosp era un interior designer di Barcellona. Con una formazione in gran parte da autodidatta, Pere Cosp ha indirizzato il laboratorio artigianale di famiglia verso la progettazione di interni e la decorazione integrale. La professione gli servì per dare libero sfogo al suo talento creativo, volutamente distante dalle mode e dalle tendenze dell'epoca. A riprova della personalità anticonformista e inquieta che lo contraddistingueva sono i disegni dei suoi mobili, che ancora oggi conservano uno spirito innovativo e trasgressivo. Cosp frequentò la Escuela de Artes y Bellos Oficios (Scuola di Arti e Mestieri) e le lezioni di prospettiva del professor Arola. Ma la cosa più importante per lui è stata la parte pratica: entrare nella bottega di famiglia e sperimentare in prima persona tutti i mestieri che vi si svolgevano: dorature, modanature e ogni tipo di restauro. Lavorò anche con il mobiliere Alonso e il decoratore Parcerises. Pere Cosp fu un pioniere nell'uso di materiali che potevano essere definiti umili, come il legno di pino, il truciolato, la rafia, ecc. che elevò a un livello superiore grazie al loro trattamento e al loro utilizzo. Spesso collabora con altri mestieri: nel campo del metallo, lavora con Biosca y Botey e Pere Peronella. In questa linea di collaborazioni, ha prodotto piedini per paraventi, appliques, mobili da esterno per giardini, una vasta collezione di pomelli e maniglie. La decorazione di questi elementi o la finitura finale veniva sempre eseguita in laboratorio. Realizzava combinazioni di grande bellezza: pietra, marmo - Terra Passani era il principale fornitore - mosaico, in collaborazione con Bru, vetro, Granell, smalto, Morató, lacche. Nel corso dei suoi 50 anni di carriera, ha trasformato un centinaio di case private in abitazioni moderne, spesso in anticipo sui tempi. La sua impronta personale impregnava ogni angolo della casa: distribuiva gli spazi, disegnava i mobili e decideva anche il più piccolo dettaglio decorativo.

Stima 300 - 400 EUR

Lotto 33 - SERGIO ASTI (Milano, 1926-2021) per Zanotta. Coppia di sedie pieghevoli Navy, 1969. Struttura in legno chiaro. Rivestimento imbottito in pelle naturale di alta qualità. Misure: 87 x 57 x 60 cm. Coppia di poltrone pieghevoli con struttura a giorno in legno con seduta e schienale rivestiti in pelle naturale di alta qualità. Le gambe a forbice a forma di X si piegano in modo da facilitare lo stoccaggio delle poltrone e allo stesso tempo conferiscono loro un aspetto distintivo. Sergio Asti ha studiato al Politecnico di Milano e ha iniziato la sua carriera negli anni Cinquanta lavorando per aziende di design industriale come Kartell, Cassina, Knoll, Poltronova, Gabbianelli e Olivetti. Asti è noto per il suo stile minimalista ed elegante e per l'uso di forme geometriche semplici e colori vivaci. Aprì il suo studio nel 1953, diventando uno dei primi designer industriali italiani e uno dei membri fondatori dell'ADI (Associazione per il Disegno Industriale). Tra i suoi progetti più famosi ricordiamo la lampada "Daruma" per FontanaArte, la sedia "Siesta" per Gabbianelli, la lampada "Cobra" per Martinelli Luce e la macchina da scrivere "Valentine" per Olivetti. Fin dagli esordi è stato attivo anche nella progettazione di edifici, interni e attrezzature pubbliche e private, tra cui: lo showroom Fiat (Milano, 1964), gli uffici della presidenza FISI (Milano, 1976). Ha insegnato anche all'Istituto Superiore d'Arte di Venezia e all'Istituto Sperimentale Superiore di Shizuoka (Giappone). Nel 1956 e nel 1960 gli è stato assegnato il Compasso d'Oro. Le sue opere sono attualmente conservate al MoMA di New York e al Musée des Arts Décoratifs di Parigi, oltre che in altre collezioni pubbliche e private.

Stima 1 100 - 1 200 EUR

Lotto 35 - Attribuito a PIETRO CHIESA (Milano, 1892-1948) per Fontana Arte. Lampada, anni '50. Paralume in ottone e metallo traforato. Due punti luce. In buone condizioni vintage. Misure: 42 x 32 x 32 cm. Questa lampada risponde al design e alle proporzioni italiane di metà secolo, con tocchi raffinati come il piccolo pomello sulla parte superiore. La patina acquisita nel tempo è magnifica e valorizza il pezzo. Si erge su un piede circolare levigato su cui poggia il fusto tubolare, rinforzato al centro da una struttura scanalata. Lo schermo perforato e a forma di cupola copre completamente le fonti di luce. Considerato uno dei maggiori esponenti dell'art déco italiana, Pietro Chiesa lavorò come apprendista nello studio del designer di mobili e decoratore d'interni Giovan Battista Gianotti a Milano. Nel 1921 apre la Botega di Pietro Chiesa a Milano. Nel 1925 il designer milanese espone le sue opere all'"Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes" di Parigi. Nel 1927 si unisce a Gio Ponti, Michele Marelli, Tomaso Buzzi, Emilio Lancia e Paolo Venini per fondare Il Labirinto, dove vengono prodotti mobili di alta qualità in stile Novecento. Lì si concentra soprattutto sul design del vetro. Nel 1933 Chiesa divenne direttore artistico di Fontana Arte, l'azienda fondata da Gio Ponti e Luigi Fontana. Fontana Arte iniziò concentrandosi su mobili e vetri, ma in seguito divenne nota per l'illuminazione. Pietro Chiesa tratta il vetro come un materiale prezioso, frammentandolo e utilizzando speciali tecniche di taglio. Allo stesso tempo crea forme pure, come il tavolo in vetro del 1932, realizzato con un'unica striscia di vetro trasparente ripiegata. Nel 1933 progettò "Luminator", un'elegante lampada da terra a forma di flauto in tubo di ottone laccato, che forniva luce indiretta.

Stima 700 - 750 EUR

Lotto 38 - JUUL KRISTENSEN (Danimarca) per Glostrup Møbelfabrik. Poltrona, anni '60. Teak, rivestimento in lana fine. Con etichetta della ditta. Misure: 100 x 80 x 79 cm. Poltrona disegnata da Juul Kristensen e prodotta in Danimarca da Glostrup Møbelfabrik negli anni Sessanta. La struttura in legno di teak, con i braccioli e le gambe (le ultime oblique) intagliati in forma organica, così come lo schienale traforato, mostrano un lavoro eccezionale, genuinamente nordico nel trattamento artigianale delle finiture. Nel complesso della struttura sono stati evitati gli spigoli, il che conferisce fluidità alle linee e calore all'aspetto. I cuscini della seduta e dello schienale sono rivestiti in tessuto di lana fine. Juul Kristensen ha iniziato la sua carriera lavorando per aziende danesi di design e arredamento come Fritz Hansen e Rosendahl A/S. Nel 1969 ha fondato la sua azienda di design, Juul Kristensen Design, che produceva mobili, illuminazione e accessori per la casa. Nel corso della sua carriera, Kristensen ha ricevuto numerosi premi e riconoscimenti per le sue realizzazioni di design, tra cui il Prix d'Excellence della Danish Design Foundation nel 1974 e il Grand Danish Design Award nel 1987. I suoi progetti sono spesso caratterizzati da semplicità e funzionalità e dall'uso di materiali naturali come il legno e la pelle. Tra le sue creazioni più note, la poltrona "Kilin" per Fritz Hansen e la lampada da tavolo "Diva" per Le Klint. Juul Kristensen è considerato uno dei designer danesi più influenti e ha contribuito a plasmare la moderna estetica del design scandinavo. È scomparso nel 2016 all'età di 79 anni.

Stima 1 900 - 2 200 EUR

Lotto 39 - ALFRED ALTHERR JUNIOR (Wuppertal, 1911-1972). Credenza, Svizzera, anni '50. Legno parzialmente policromato in rosso e blu ceruleo. Gambe in metallo. Oggetto da collezione. Originale. Misure: 120 x 45 x 72 cm. Credenza disegnata negli anni Cinquanta da Alfred Altherr. Si tratta di un pezzo originale e vintage. Il minimalismo funzionale, il suo ingegnoso approccio alla semplicità strutturale e il buon gusto delle finiture riuniscono elementi caratteristici del lavoro di questo architetto e designer svizzero. La credenza è dotata di ante scorrevoli con maniglie a forma di modanature a profilo obliquo. Il legno naturale del corpo rettangolare e delle maniglie si abbina al rosso e al malva o al blu ceruleo delle ante. L'interno è a scomparti con ripiani. La struttura poggia su gambe a forcina in metallo nero, tipiche dell'estetica degli anni Cinquanta. Da notare anche l'ottima finitura grazie all'utilizzo di materiali di alta qualità. Il design di questo pezzo è in linea con lo stile sostenuto da figure stellari dell'epoca, come Charlotte Perriand e Jean Prouvé: l'eliminazione di ogni ornamento superfluo, con il risultato di un design minimalista e pratico; adattabilità, artigianalità, funzionalità e pulizia delle forme. Alfred Altherr è stato professore alla Schule für Gestaltung di Zurigo, dove ha insegnato design d'interni e architettura. Il suo approccio educativo promuoveva la combinazione di funzionalità ed estetica, una caratteristica essenziale del moderno design svizzero. È noto anche per il design dei suoi mobili, che si distinguono per la semplicità, la funzionalità e l'uso di materiali di alta qualità. Molti dei suoi progetti riflettono l'influenza del movimento moderno, con linee pulite e un'attenta cura dell'ergonomia. Nel corso della sua carriera, Altherr ha lavorato a diversi progetti di architettura e interior design. Il suo lavoro spaziava dalla progettazione di spazi residenziali alla creazione di mobili innovativi. I mobili di Altherr: Panca Landi, con Charles Hoch, per l'Esposizione Nazionale Svizzera del 1939; Mobili per FREBA. Pubblicazioni: Nuova architettura svizzera. Nuova architettura svizzera. Gerd Hatje, Stoccarda 1965; Tre architetti giapponesi. Mayekawa. Tange. Sakakura. Pubblicato da Niggli, Teufen 1968. Alfred Altherr ha lasciato un segno indelebile nel design svizzero ed europeo. Il suo contributo è visibile nell'adozione diffusa dei principi del design moderno nell'arredamento e nell'architettura in Svizzera. Inoltre, la sua influenza come educatore ha contribuito a formare nuove generazioni di designer e architetti, che hanno continuato a sviluppare i principi del design funzionale ed estetico.

Stima 5 000 - 6 000 EUR

Lotto 40 - VINCENT MARTINEZ BURJASSOT (Valencia, 1949) per Punt Mobles. Tavolo "Halley". Metallo nero e legno. Il piano in legno è stato realizzato su ordinazione. In ottime condizioni. Questo produttore vintage non ha difetti, ma può presentare lievi segni di usura. Liero usura commisurata all'uso e all'età. Misure: 72 x 90 x 90 cm. Il tavolo Halley si distingue per la sua geometria precisa e lineare che cerca, nella sua contraddizione costruttiva, di ricordare la proiezione di un aquilone. La sua materialità è plasmata dalla combinazione di legno e metallo. Ha ricevuto il riconoscimento dello Staatliches Museum für Angewandte di Monaco, Germania. "Il momento in cui il pensiero diventa oggetto è emozionante, i progetti sono prima di tutto idee. Le idee sono irreali finché l'azione non le inserisce nel reale. L'utente come referente. Progettare per un mondo in cui la qualità della vita di tutte le persone sia migliore", afferma Vicent Martínez. L'importanza di Vicent Martínez si riflette nella sua presenza in musei come il Museu d'Arts Decoratives. Barcellona, Spagna: Libreria La Torre, tavolo Anaconda, collezione modulare Concert e libreria Literatura Classic. 1994; l'archivio personale e professionale 1965-2010 depositato presso l'Arxiu Valencià del Disseny. 2019; il Museum Fur Musem fur Angewandte Kunst. Colonia, Germania: Scaffali Literatura Classic e La Torre. 1992 e lo Staatliches Museum für Angewandte. Monaco, Germania: Halley e Tavole Magiche. 1992. Nel corso della sua carriera artistica ha partecipato all'IVAM. Design Valenciano 2009-2019 Alcoi Venue. 2020; 30 anni di letteratura classica. Scuola d'Arte e Design di Valencia. 2015 e ad altre importanti mostre.

Stima 500 - 600 EUR

Lotto 41 - AFRA SCARPA (Montebelluna, 1937 - Treviso, 2011) & TOBIA SCARPA (Venezia, 1935). Scrivania Artona. Legno di radica e pelle. Misure: 83 x 250 x 43 cm. La serie "Artona" è una delle più ambite e ricercate dalla coppia Scarpa. Si caratterizza per la magnifica finitura dei suoi legni, oltre che per il delicato trattamento della pelle marrone che riveste e completa i pezzi. Questa scrivania ha una struttura marcatamente orizzontale con volumi semplici e arrotondati. Nella parte anteriore, è organizzata in due ante laterali verticali collegate da due cassetti. Tobia Scarpa ha iniziato come designer di vetri nella vetreria Venini di Murano, finché nel 1960 Tobia e Afra, sua moglie, hanno deciso di aprire il loro studio. Tra i loro clienti ci sono Gavina, B&B Italia, Cassina e Meritalia. Nel 1964 collaborarono con l'azienda di abbigliamento Benetton per progettare la prima fabbrica tessile dell'azienda. Afra e Tobia Scarpa sono stati responsabili degli interni degli uffici dell'azienda a Parigi, Friburgo e New York. Afra e Tobia Scarpa hanno ricevuto il Compasso d'Oro nel 1969 e l'International Forum Design nel 1992. I loro mobili sono stati pubblicati in articoli di riviste come L'ŒIL e dal 2004 al 2007 la coppia ha collaborato a numerosi progetti di restauro di edifici storici come il Palazzo della Ragione di Verona. Dal 2002 Tobia insegna presso il Dipartimento di Design dell'Università Iuav di Venezia. Alcuni dei progetti di Afra e Tobia Scarpa si trovano in istituzioni come il MOMA, il National Museum of Design di New York, il Philadelphia Art Museum, il Museo del Louvre o il Victoria and Albert Museum.

Stima 3 200 - 3 500 EUR

Lotto 42 - HANS J. WEGNER (Danimarca, 1914-2007) per ANDREAS TUCK. Tavolo modello "at10", anni '60. Legno di teak e quercia. Misure: 50 x 160 x 50 cm. Tavolo basso in teak e rovere, tranne il ripiano inferiore, traforato, in griglia. È un design leggero, con radici geometriche e linee rette e pulite, ammorbidite da angoli curvi, tipico del design danese degli anni Cinquanta e Sessanta. È costituito da un piano rettangolare modellato sul perimetro esterno e da quattro gambe cilindriche. Hans J. Wegner è stato una figura di spicco del design del mobile, le cui idee hanno contribuito alla popolarità internazionale del design danese a metà del XX secolo. Il suo lavoro appartiene alla scuola moderna, caratterizzata da una particolare enfasi sulla funzionalità. Iniziò la sua formazione in giovane età, come apprendista dell'ebanista H. F. Stahlberg. Ben presto scopre un gusto particolare per l'uso del legno e il lavoro nell'ebanisteria gli permette di sperimentare diversi tipi e design. All'età di diciassette anni termina l'apprendistato, ma rimane in bottega per altri tre anni, fino all'arruolamento nell'esercito. Dopo il servizio militare entrò in una scuola tecnica, poi alla Danmarks Designskole, dove ebbe come insegnante O. Mølgaard Nielsen, e all'Accademia di Architettura di Copenaghen. Nella capitale danese entra in contatto con le mostre di mobili della Corporazione dei falegnami, dove inizia a esporre le sue creazioni nel 1927. In questi anni Wegner collaborò con maestri ebanisti come J. Hansen, L. Pontoppidan, N. Vodder, J. Kjaer, A. J. Iversen, Moos e R. Rasmussen, nonché con i più importanti architetti danesi dell'epoca, tra cui K. Klint, V. Lauritzen e V. Lauritzen. Klint, V. Lauritzen. O. Wanscher e M. Voltelen. Le esposizioni annuali fanno sperimentare al giovane ebanista cosa si può ottenere con la combinazione di design e artigianato, cosa che lo porta a dedicarsi completamente al design. Già nei suoi primi lavori, Wegner mostra il suo interesse per il concetto di "spogliare le sedie antiche del loro stile esterno e mostrarle nella loro struttura pura". Nel corso della sua carriera, il designer è stato insignito di premi come il Premio Lunning nel 1951, il Grand Prix de Milan alla Triennale di Milano dello stesso anno, la Medaglia del Principe Eugenio in Svezia e la Medaglia danese di Exkersberg. Nel 1959 è stato nominato designer reale onorario per l'industria dalla Royal Society of Arts di Londra. Attualmente i suoi progetti sono presenti in collezioni come il MoMA di New York o Die Neue Samlung di Monaco.

Stima 1 800 - 2 000 EUR

Lotto 43 - JORDI VILANOVA (Barcellona, 1925-1998). Tavolino da caffè, anni '60. Impiallacciatura di noce e gesso. Incorpora ruote, nascoste. Misure: 100 x 100 x 43 cm. Nei pezzi più significativi di Jordi Vilanova è evidente la sua ammirazione per il design nordico. In questo tavolino con cassettiera e ripiano interno, ottiene una combinazione paradossale di robustezza e leggerezza: il volume, smussato agli angoli e sollevato da terra (nasconde delle rotelle), si alleggerisce in modo naturale. Inoltre, stabilisce un gioco geometrico che essenzializza le forme e integra nel suo design le maniglie quadrate (metalliche) e il tappetino circolare in gesso nero che protegge il piano. Designer d'interni ed ebanista catalano, Jordi Vilanova è entrato alla Escuela de Trabajo y Oficios Artísticos de la Lonja nel 1939. Ha completato la sua formazione nel laboratorio di Busquets e tra il 1940 e il 1953 ha collaborato nello studio di Lluís Gili. Jordi Vilanova è stato fondatore e promotore della rivista d'arte catalana "Questions d'Art" (1967-74). Nel 1974 ha aperto una sede con un'esposizione permanente di mobili e tappezzerie di sua progettazione, facendo parte del Collegio ufficiale dei decoratori e designer d'interni di Barcellona e del SAD. I suoi mobili moderni e il suo modo di risolvere gli spazi si rivolgevano inizialmente a un vasto pubblico dalle risorse economiche limitate e, di conseguenza, alle case con meno spazio vitale. Tuttavia, questa grande maggioranza non comprese la sua proposta. Fu invece la borghesia catalana, desiderosa di rompere con canoni stilistici superati, ad accogliere il suo lavoro. La sua specialità erano i mobili per bambini, come lo sgabello Delta, che vinse il Premio Delta de Plata assegnato dall'ADI/FAD nel 1964. Ha tenuto mostre del suo lavoro in Scandinavia. Tra i suoi progetti più rappresentativi vi sono le sedie Tiracord e Billar (1961), il letto a castello Montseny MP (1961), le sedie a dondolo Tartera (1966) e Petit (1978) e il portariviste Z (1987) progettato insieme al figlio Pau Vilanova Vila-Abadal. Attualmente è rappresentato al Museo del Design di Barcellona.

Stima 1 800 - 2 200 EUR

Lotto 45 - YRJÖ KUKKAPURO (Finlandia, 1933) per Haimi. Coppia di poltrone "Pressu", design 1972. Tela ricoperta di poliuretano. Struttura tubolare in acciaio cromato. Misure: 66 x 72 x 72 cm. Yrjö Kukkapuro ha progettato la sedia Pressu per Haimi nel 1972. Il nome del modello si riferisce al materiale tessile utilizzato, una tela rivestita di poliuretano altamente resistente e impermeabile. I conoscitori del design della metà del secolo scorso potranno collegare il modello in offerta alla sedia Paimio di Alvar Aalto. Considerato una delle figure più importanti del design scandinavo di tutti i tempi, Yrjö Kukkapuro ha lavorato come creatore freelance e architetto d'interni dai suoi primi lavori del 1957 ai più recenti del 2007. Le sue opere sono caratterizzate da un rigoroso controllo delle forme e da un'estrema attenzione ai dettagli, oltre che dalla ricerca di forme ergonomiche. Dal 1974 al 1980 ha lavorato anche come professore di Arte e Design. Tra le sue creazioni figurano la sedia da ufficio "Sirkus", la sedia "Remmi", la sedia da ufficio "Fysio" (che ha vinto numerosi premi internazionali) e la poltrona "Karuselli" (1965). È stato anche designer capo per aziende come Haimi, Lepokalusto e Avarte. Oggi Yrjö Kukkapuro continua a lavorare e progetta principalmente per l'azienda Avarte. Uno dei suoi lavori più recenti è la collezione Element del 2007. Attualmente le sue opere fanno parte di collezioni come il Victoria & Albert Museum di Londra, il MoMA di New York e il Vitra Design Museum di Weil am Rhein (Germania).

Stima 2 000 - 2 200 EUR

Lotto 51 - FOLKE OHLSSON (Svezia, 1919 - 2003) per Dux Möbel AB. Coppia di poltrone USA 75. Struttura in noce americano. Velluto beige. Manca un bottone da un cuscino. Misure: 70 x 77 x 73 cm. Folke Ohlsson è stato autore di prestigiosi modelli di sedie e poltrone che rispondono al gusto della scuola di metà secolo del dopoguerra per le linee morbide, l'aspetto leggero, organico e confortevole. Quelle che presentiamo ora sono una coppia di poltrone con una solida struttura in legno di noce americano e seduta e schienale rivestiti in velluto beige, in contrasto con questa struttura dalle linee morbide e fluide. L'assenza di rigore e l'uso di materiali nobili come il legno di noce sono elementi inestricabili del carattere scandinavo e dell'ambiente naturale di questi Paesi. Il designer svedese Folke Ohlsson, residente negli Stati Uniti dal 1953, è stato molto popolare a partire dalla fine degli anni Cinquanta e soprattutto negli anni Sessanta, e nel corso della sua carriera è stato insignito di oltre trenta premi, tra cui la Triennale di Milano e la mostra "Good Design" al Museum of Modern Art di New York. Fondatore dell'azienda DUX, riconosciuta a livello internazionale, è stato autore di progetti senza tempo ma allo stesso tempo un vero e proprio riflesso del suo tempo, e infatti i suoi pezzi sono tra i più copiati ancora oggi. Ohlsson ha dato un importante contributo alla diffusione e alla popolarità dell'arredamento moderno scandinavo negli Stati Uniti e nel 1964 è stato insignito del Royal Order of Vasa dal re Gustavo VI Adolfo di Svezia come riconoscimento del suo lavoro.

Stima 3 200 - 3 500 EUR

Lotto 53 - JOAN ANTONI BLANC (Tortosa, 1940) per Tramo. Lampada da tavolo "Seta/Tulipano", 1968. Doppio paralume in plastica giallo e bianco all'interno che produce una luce spettacolare. Condizioni generali molto buone, con alcuni segni dell'età. Selezione adi fad. Misure: 56 cm (altezza) x 36 cm (diametro del paralume). La lampada "Seta/Tulipano" si distingue per il paralume semi-ovale che ricorda il cappello di un fungo e per il piede circolare che si alza leggermente nella zona centrale per unirsi al fusto cilindrico. È stata pubblicata da Tramo (Trabajos molestos), azienda fondata dall'iconico designer catalano Miguel Milá. Joan Antoni Blanc fu uno dei fondatori della scuola Eina e uno dei principali sostenitori della necessità di incorporare le conoscenze tecnologiche e di orientare il design verso le applicazioni industriali. Si è specializzato nel campo del design, specializzandosi in mobili e illuminazione applicati all'ambiente domestico, urbano e d'ufficio, pur avendo sviluppato anche diversi progetti legati alla nautica, all'automobilismo e al motociclismo. Nel 1972 ha creato "Estudi de Disseny Blanc", incorporando come assistente Pau Joan Vidal, un designer industriale formatosi alle scuole Massana ed Elisava, che in seguito è diventato suo socio. È stato anche presidente dell'Associazione dei designer professionisti tra il 1986 e il 1989 e ha partecipato alla creazione del BCD. Tra i prodotti sviluppati da Blanc, la lampada "Cónica" (Delta de Oro ADI-FAD nel 1965), il sistema di armadi e cassetti "Cubiform", la lampada "semisferica" (Delta de Oro ADI-FAD nel 1966), la serie di elementi espandibili "Torre de Babel", la lampada "globo" (Delta de Oro ADI-FAD nel 1966), e la serie di elementi espandibili "Torre de Babel" (Delta de Oro ADI-FAD nel 1966), la lampada "Globe" (Delta de plata ADI-FAD nel 1968), il sistema di scaffali e contenitori "Perfils", la lampada "Sinclina" (Delta de plata ADI-FAD e premio per il miglior design spagnolo alla fiera di Madrid del 1991), il sistema di scaffali "Prima 1000" e la lampada "Escala". Il Museo del Design di Barcellona è depositario di parte delle sue collezioni documentarie e di tre pezzi progettati da Joan Antoni Blanc: il mobile "Cubiform" e le lampade da terra "Escala" e "Sinclina". La lampada "Seta/Tulipano" si distingue per il paralume semi-ovale che ricorda il cappello di un fungo e per il piede circolare che si alza leggermente nella zona centrale per unirsi al fusto cilindrico. È stata pubblicata da Tramo (Trabajos molestos), azienda fondata dall'iconico designer catalano Miguel Milá. Joan Antoni Blanc è stato uno dei fondatori della scuola Eina e uno dei principali sostenitori della necessità di incorporare le conoscenze tecnologiche e di orientare il design verso le applicazioni industriali. Si è specializzato nel campo del design, specializzandosi in mobili e illuminazione applicati all'ambiente domestico, urbano e d'ufficio, pur avendo sviluppato anche diversi progetti legati alla nautica, all'automobilismo e al motociclismo. Nel 1972 ha creato "Estudi de Disseny Blanc", incorporando come assistente Pau Joan Vidal, un designer industriale formatosi alle scuole Massana ed Elisava, che in seguito è diventato suo socio. È stato anche presidente dell'Associazione dei designer professionisti tra il 1986 e il 1989 e ha partecipato alla creazione del BCD. Tra i prodotti sviluppati da Blanc, la lampada "Cónica" (Delta de Oro ADI-FAD nel 1965), il sistema di armadi e cassetti "Cubiform", la lampada "semisferica" (Delta de Oro ADI-FAD nel 1966), la serie di elementi espandibili "Torre de Babel", la lampada "globo" (Delta de Oro ADI-FAD nel 1966), e la serie di elementi espandibili "Torre de Babel" (Delta de Oro ADI-FAD nel 1966), la lampada "Globe" (Delta de plata ADI-FAD nel 1968), il sistema di scaffali e contenitori "Perfils", la lampada "Sinclina" (Delta de plata ADI-FAD e premio per il miglior design spagnolo alla fiera di Madrid del 1991), il sistema di scaffali "Prima 1000" e la lampada "Escala". Il Museo del Design di Barcellona è depositario di parte delle sue collezioni documentarie e di tre pezzi progettati da Joan Antoni Blanc: il mobile "Cubiform" e le lampade da terra "Escala" e "Sinclina".

Stima 800 - 900 EUR

Lotto 55 - JOAN ANTONI BLANC (Tortosa, 1940) per Tramo. Lampada da terra "Cigüeñal", 1968. Metallo cromato. Paralume in metacrilato bianco. Cigüeñal di piede adi-fad (estensibile si alza e si abbassa). Misure: 150 cm (altezza minima); 195 cm (altezza massima); 36 cm (diametro del paralume). La lampada "Cigüeñal" si distingue per il suo ingegnoso sistema di rotazione che le permette di essere fissata in più posizioni, nonché per il delicato equilibrio raggiunto tra il sottile fusto in metallo cromato e l'ampio paralume in metacrilato bianco. È stata pubblicata da Tramo (Trabajos molestos), azienda fondata dall'iconico designer catalano Miguel Milá. Joan Antoni Blanc è stato uno dei fondatori della scuola Eina e uno dei principali sostenitori della necessità di incorporare le conoscenze tecnologiche e di orientare il design verso le applicazioni industriali. Si è specializzato nel campo del design, specializzandosi in mobili e illuminazione applicati all'ambiente domestico, urbano e d'ufficio, pur avendo sviluppato anche diversi progetti legati alla nautica, all'automobilismo e al motociclismo. Nel 1972 ha creato "Estudi de Disseny Blanc", incorporando come assistente Pau Joan Vidal, un designer industriale formatosi alle scuole Massana ed Elisava, che in seguito è diventato suo socio. È stato anche presidente dell'Associazione dei designer professionisti tra il 1986 e il 1989 e ha partecipato alla creazione del BCD. Tra i prodotti sviluppati da Blanc, la lampada "Cónica" (Delta de Oro ADI-FAD nel 1965), il sistema di armadi e cassetti "Cubiform", la lampada "semisferica" (Delta de Oro ADI-FAD nel 1966), la serie di elementi espandibili "Torre de Babel", la lampada "globo" (Delta de Oro ADI-FAD nel 1966), la serie di elementi espandibili "Torre de Babel", la lampada "globe" (Delta de Oro ADI-FAD nel 1966) e il sistema di armadi e cassetti "Torre de Babel", la lampada "Globe" (Delta de plata ADI-FAD nel 1968), il sistema di scaffali e contenitori "Perfils", la lampada "Sinclina" (Delta de plata ADI-FAD e premio per il miglior design spagnolo alla fiera di Madrid del 1991), il sistema di scaffali "Prima 1000" e la lampada "Escala". Il Museo del Design di Barcellona è depositario di parte delle sue collezioni documentarie e di tre pezzi progettati da Joan Antoni Blanc: il mobile "Cubiform" e le lampade da terra "Escala" e "Sinclina".

Stima 1 300 - 1 500 EUR

Lotto 56 - JAVIER MARISCAL (Almazora, Castellón, 1950) per Akaba. Sedia "Garriris", 1987. Telaio in tubo quadrato d'acciaio cromato e alluminio, sedile in compensato e rivestimento in pelle rossa. In ottime condizioni. Questo modello è presente in importanti collezioni e musei come il Victoria & Albert Museum di Londra e il Museu del Disseny di Barcellona. È stato esposto al George Pompidou di Parigi per la mostra Nouvelles Tendances nel 1987. Misure: 97 x 44 x 60 cm. La sedia Garriris assimila il personaggio animato Topolino con le iconiche orecchie sullo schienale e le sue caratteristiche scarpe. Rinomato designer industriale, disegnatore e fumettista, Javier Mariscal vive e lavora a Barcellona dal 1970. Ha studiato design alla Scuola Elisava di Barcellona, ma ha presto abbandonato gli studi per imparare direttamente da ciò che lo circondava e seguire i propri impulsi creativi. Inizia la sua carriera nel mondo del fumetto underground in pubblicazioni come "El Rrollo Enmascarado" o "Star", insieme a Farry, Nazario e Pepichek. Dopo aver realizzato i suoi primi fumetti a metà degli anni Settanta, nel 1979 disegna il logo del Bar Cel Ona, opera per la quale inizia a farsi conoscere dal grande pubblico. L'anno successivo apre a Valencia il Dúplex, il primo bar firmato da Mariscal insieme a Fernando Salas, per il quale disegna uno dei suoi pezzi più famosi, lo sgabello Dúplex, vera e propria icona del design degli anni Ottanta sia all'interno che all'esterno dei nostri confini. Nel 1981 la sua attività di designer di mobili lo porta a partecipare alla mostra del Gruppo Memphis a Milano. Nel 1987 espone al Centro Georges Pompidou di Parigi e partecipa alla Documenta di Kassel. Due anni dopo il suo disegno Cobi viene scelto come mascotte per i Giochi Olimpici di Barcellona del 1992, inizialmente controverso ma oggi riconosciuto come la mascotte più redditizia nella storia dei Giochi moderni. Nel 1989 crea l'Estudio Mariscal e collabora a diversi progetti con designer e architetti come Arata Isozaki, Alfredo Arribas, Fernando Salas, Fernando Amat e Pepe Cortés. Tra i suoi lavori più importanti ci sono le identità visive per il Partito Socialista Svedese, la stazione radio Onda Cero, lo Zoo di Barcellona, l'Università di Valencia, il centro di design e architettura Lighthouse di Glasgow, il centro culturale GranShip in Giappone e la società di post-produzione londinese Framestore. Nel 1999 ha ricevuto il Premio Nazionale di Design, assegnato dal Ministero dell'Industria spagnolo e dalla Fondazione BCD come riconoscimento per la sua intera carriera professionale.

Stima 1 600 - 1 800 EUR

Lotto 57 - MICHEL DUCAROY (Lione, 1925 - 2009) per Ligne Roset. Divano "Togo", Francia, 1970 circa. Pelle nera. Composto da tre moduli e un pouff. Fodera interna con stampa Ligne Roset. Presenta strappi e uno dei pezzi ha una lacerazione. Misure: 70 x 174 x 110 cm (angolo); 70 x 110 x 110 x 110 cm (normale); 70 x 85 x 110 x 110 cm (piccolo); 33,5 x 90 x 95 cm (pouff). Ducaroy ha disegnato pezzi diventati leggendari, come il divano Togo, la cui composizione gli conferisce un comfort unico. Formatosi all'Ecole Nationale Supérieure des Beaux-Arts di Lione, dopo gli studi Ducaroy entra nell'azienda di famiglia che produce mobili contemporanei. Nel 1954 inizia a lavorare per l'azienda Ligne Roset, situata nella regione di Ain, dove dirige il dipartimento di design fino alla fine della sua carriera. Negli anni '60 e '70, Ducaroy si interessa a nuovi materiali: schiuma, ovatta, plastica termoformata, nuovi materiali che gli permettono di dare vita a nuovi progetti, realizzando creazioni moderne e senza tempo. Il leggendario divano Togo fu presentato l'anno del suo lancio al Salon des Arts Ménagers di Parigi, vincendo il Premio Renè-Gabriel nel 1973. Di origine francese, fu fondata da Antoine Roset nel 1860 a Montagnieu. Nel 1936 l'azienda ha iniziato a produrre mobili imbottiti e oggi progetta e produce arredi per la casa, illuminazione, accessori e tessuti con un team di 50 designer europei. Oggi Ligne Roset è riconosciuta a livello internazionale grazie al suo sconfinato mondo di ispirazione e alla collaborazione con designer come Didier Gomez, Pascal Mourgue, Peter Maly o Pierre Paulin. Presenta strappi e uno dei pezzi ha una lacerazione.

Stima 8 000 - 9 000 EUR

Lotto 60 - Lampada da tavolo; modello Fase President di GEI (Gabinete de Estudios Industriales), anni 1960. Metallo e laccato grigio. Elettrificata. Funzionante. In buone condizioni. Con firma sulla base. Misure: 46 x 54 x 30 cm. Il produttore spagnolo di lampade Fase è stato fondato a Madrid nel 1964 dal designer industriale Pedro Martín. Martín vendette le sue lampade autoprodotte dapprima nei mercati, prima di stabilire con successo una fabbrica a Torrejón de Ardoz, alla periferia di Madrid. Negli anni Settanta, Fase fu uno dei principali attori dell'industria manifatturiera spagnola, contribuendo a un'economia alle prese con le crisi petrolifere e con una difficile transizione alla democrazia. Per oltre tre decenni Fase ha venduto lampade a 32 Paesi diversi, con i mercati più importanti rappresentati da Regno Unito, Francia, Italia, Germania, Emirati Arabi Uniti, Giappone, Canada e Stati Uniti. Nonostante il successo commerciale di Fase, le informazioni sull'azienda e sulla sua storia sono scarse e le fonti spesso contraddittorie. I primi progetti Fase sono considerati moderni, con combinazioni originali di metalli come il cromo e l'acciaio, con marmo e legno, in una gamma di colori vivaci. Spesso gli apparecchi potevano anche essere spostati grazie a un sofisticato sistema girevole ideato dai primi designer Fase, che divenne presto un marchio di fabbrica insieme ai diffusori in vetro. Tra i modelli più importanti di Fase figurano Boomerang 64, Boomerang 2000, 520, Faro e President, tutti progettati negli anni Sessanta. A partire dagli anni '70, Fase introdusse il design moderno italiano e ispirato al Bauhaus a un pubblico spagnolo che, uscendo dal periodo franchista, non aveva familiarità con gli stili più iconici del XX secolo. Oltre a combinare materiali tradizionali come il legno con un'estetica modernista, Fase creò molte lampade in uno stile assolutamente modernista. Tra le lampade di questo periodo ricordiamo la Tharsis e la Babylon, entrambe cromate ma con lampade singole e doppie rispettivamente, nonché la Harpoon e la Impala in acciaio inossidabile (tutte degli anni Settanta). I progettisti e gli addetti all'illuminazione di Fase sono rimasti in gran parte anonimi, tanto che molte lampade sono state falsamente pubblicizzate come prodotte dal produttore spagnolo, dando origine a un intero genere di illuminazione "tipo Fase", che può essere visto nelle lampade prodotte dai produttori di illuminazione madrileni Lupela, GEI (Gabinete Estudios Industriales) e Ma-Of. Le lampade Fase autentiche possono essere identificate dal nome o dal logo dell'azienda, solitamente presente sulla base o sull'attacco della lampada. Negli anni '80, Fase ha iniziato a produrre lampade alogene. Sebbene queste lampade fossero molto popolari e innovative all'epoca, la rottura con la tradizione non ebbe successo e contribuì alla fine alla scomparsa dell'azienda. Elettrificata. In funzione. In buono stato di conservazione.

Stima 800 - 1 000 EUR

Lotto 61 - WILLY RIZZO, (Napoli, 1928-Parigi, 2013). Lampada da tavolo; Italia, 1970 circa. Disegnata per Luminica. Base in ottone laccato nero e paralume in tessuto color nudo. Può contenere tre lampadine. Elettrificata. Funzionante. In buono stato di conservazione. Misure: 70 x 15 x 15 cm (base), 85 x 76 x 75 cm (lampada completa di paralume). Designer e fotografo, Willy Rizzo ha iniziato la sua carriera a Parigi, ritagliandosi da allora una solida carriera nel mondo della fotografia. La sua attività di designer inizia nel 1966, quando si trasferisce con la moglie in un piccolo appartamento nel centro di Roma, che ristruttura personalmente, disegnando anche i mobili. Sebbene la sua intenzione non fosse mai stata quella di diventare un designer, i suoi amici cominciarono presto a commissionargli lavori dopo aver visto la sua casa. Infatti, ha annoverato tra i suoi clienti personaggi di spicco come Salvador Dalì e Brigitte Bardot. Rizzo ha sempre ammirato le cose belle, sia moderne che antiche, così ha concentrato la sua sperimentazione estetica sulla creazione di mobili moderni che si adattassero perfettamente all'antico. Il suo stile segnò un'epoca all'interno del design italiano, venendo riconosciuto come il designer della Dolce Vita. La richiesta dei suoi pezzi raggiunse una tale ampiezza che nel 1968 decise di creare la propria azienda, con la quale da allora ha realizzato numerosi pezzi, sempre fatti a mano, combinando materiali nobili come il travertino o il bronzo con altri decisamente moderni come l'acciaio. Alla fine apre negozi a Parigi e in altre città europee, oltre che a New York, Miami e Los Angeles. Nel 1978 Rizzo vendette la sua azienda e si concentrò sulla fotografia, stanco della vita commerciale. Nei dieci anni in cui ha disegnato mobili, Rizzo, grande ammiratore di Mies van der Rohe, Le Corbusier e Ruhlmann, ha sviluppato uno stile che è facilmente riconoscibile ancora oggi. I suoi sono pezzi dalle linee pulite e dalle forme geometriche, realizzati con materiali accuratamente selezionati. È sempre rimasto fedele all'uso tradizionale e artigianale dei materiali, rifiutando il sistema di produzione di massa e l'uso della plastica. Alcuni dei suoi progetti sono stati esposti al Metropolitan Museum di New York e, più recentemente, alla Madison Mallet Gallery di Londra. Elettrificato. In funzione. In buono stato di conservazione.

Stima 800 - 1 000 EUR

Lotto 62 - Lampada da tavolo; modello Fase President di GEI (Gabinete de Estudios Industriales), anni 1960. Metallo e laccato in grigio e beige. Non funzionante. Necessita di essere rilavorata. In buone condizioni. Con firma sulla base. Misure: 46 x 54 x 30 cm. Il produttore spagnolo di lampade Fase è stato fondato a Madrid nel 1964 dal designer industriale Pedro Martín. Martín vendette le sue lampade autoprodotte dapprima nei mercati, prima di stabilire con successo una fabbrica a Torrejón de Ardoz, alla periferia di Madrid. Negli anni Settanta, Fase fu uno dei principali attori dell'industria manifatturiera spagnola, contribuendo a un'economia alle prese con le crisi petrolifere e con una difficile transizione alla democrazia. Per oltre tre decenni Fase ha venduto lampade a 32 Paesi diversi, con i mercati più importanti rappresentati da Regno Unito, Francia, Italia, Germania, Emirati Arabi Uniti, Giappone, Canada e Stati Uniti. Nonostante il successo commerciale di Fase, le informazioni sull'azienda e sulla sua storia sono scarse e le fonti spesso contraddittorie. I primi progetti Fase sono considerati moderni, con combinazioni originali di metalli come il cromo e l'acciaio, con marmo e legno, in una gamma di colori vivaci. Spesso gli apparecchi potevano anche essere spostati grazie a un sofisticato sistema girevole ideato dai primi designer Fase, che divenne presto un marchio di fabbrica insieme ai diffusori in vetro. Tra i modelli più importanti di Fase figurano Boomerang 64, Boomerang 2000, 520, Faro e President, tutti progettati negli anni Sessanta. A partire dagli anni '70, Fase introdusse il design moderno italiano e ispirato al Bauhaus a un pubblico spagnolo che, uscendo dal periodo franchista, non aveva familiarità con gli stili più iconici del XX secolo. Oltre a combinare materiali tradizionali come il legno con un'estetica modernista, Fase creò molte lampade in uno stile assolutamente modernista. Tra le lampade di questo periodo ricordiamo la Tharsis e la Babylon, entrambe cromate ma con lampade singole e doppie rispettivamente, nonché la Harpoon e la Impala in acciaio inossidabile (tutte degli anni Settanta). I progettisti e gli addetti all'illuminazione di Fase sono rimasti in gran parte anonimi, tanto che molte lampade sono state falsamente pubblicizzate come prodotte dal produttore spagnolo, dando origine a un intero genere di illuminazione "tipo Fase", che può essere visto nelle lampade prodotte dai produttori di illuminazione madrileni Lupela, GEI (Gabinete Estudios Industriales) e Ma-Of. Le lampade Fase autentiche possono essere identificate dal nome o dal logo dell'azienda, solitamente presente sulla base o sull'attacco della lampada. Negli anni '80, Fase ha iniziato a produrre lampade alogene. Sebbene queste lampade fossero molto popolari e innovative all'epoca, la rottura con la tradizione non ebbe successo e contribuì alla fine alla scomparsa dell'azienda. Non funziona. Necessita di una revisione. In buono stato di conservazione.

Stima 800 - 900 EUR

Lotto 63 - Lampada da tavolo; modello Fase President di GEI (Gabinete de Estudios Industriales), anni 1960. Metallo e laccato nero. Elettrificata. Funzionante. In buone condizioni. Con firma sulla base. Misure: 46 x 54 x 30 cm. Il produttore spagnolo di lampade Fase è stato fondato a Madrid nel 1964 dal designer industriale Pedro Martín. Martín vendette le sue lampade autoprodotte dapprima nei mercati, prima di stabilire con successo una fabbrica a Torrejón de Ardoz, alla periferia di Madrid. Negli anni Settanta, Fase fu uno dei principali attori dell'industria manifatturiera spagnola, contribuendo a un'economia alle prese con le crisi petrolifere e con una difficile transizione alla democrazia. Per oltre tre decenni Fase ha venduto lampade a 32 Paesi diversi, con i mercati più importanti rappresentati da Regno Unito, Francia, Italia, Germania, Emirati Arabi Uniti, Giappone, Canada e Stati Uniti. Nonostante il successo commerciale di Fase, le informazioni sull'azienda e sulla sua storia sono scarse e le fonti spesso contraddittorie. I primi progetti Fase sono considerati moderni, con combinazioni originali di metalli come il cromo e l'acciaio, con marmo e legno, in una gamma di colori vivaci. Spesso gli apparecchi potevano anche essere spostati grazie a un sofisticato sistema girevole ideato dai primi designer Fase, che divenne presto un marchio di fabbrica insieme ai diffusori in vetro. Tra i modelli più importanti di Fase figurano Boomerang 64, Boomerang 2000, 520, Faro e President, tutti progettati negli anni Sessanta. A partire dagli anni '70, Fase introdusse il design moderno italiano e ispirato al Bauhaus a un pubblico spagnolo che, uscendo dal periodo franchista, non aveva familiarità con gli stili più iconici del XX secolo. Oltre a combinare materiali tradizionali come il legno con un'estetica modernista, Fase creò molte lampade in uno stile assolutamente modernista. Tra le lampade di questo periodo ricordiamo la Tharsis e la Babylon, entrambe cromate ma con lampade singole e doppie rispettivamente, nonché la Harpoon e la Impala in acciaio inossidabile (tutte degli anni Settanta). I progettisti e gli addetti all'illuminazione di Fase sono rimasti in gran parte anonimi, tanto che molte lampade sono state falsamente pubblicizzate come prodotte dal produttore spagnolo, dando origine a un intero genere di illuminazione "tipo Fase", che può essere visto nelle lampade prodotte dai produttori di illuminazione madrileni Lupela, GEI (Gabinete Estudios Industriales) e Ma-Of. Le lampade Fase autentiche possono essere identificate dal nome o dal logo dell'azienda, solitamente presente sulla base o sull'attacco della lampada. Negli anni '80, Fase ha iniziato a produrre lampade alogene. Sebbene queste lampade fossero molto popolari e innovative all'epoca, la rottura con la tradizione non ebbe successo e contribuì alla fine alla scomparsa dell'azienda. Elettrificata. In funzione. In buono stato di conservazione.

Stima 800 - 1 000 EUR

Lotto 66 - WILLY RIZZO, (Napoli, 1928-Parigi, 2013). Lampada da tavolo; Italia, 1970 circa. Disegnata per Luminica. Base in ottone laccato nero e paralume in tessuto color nudo. Può contenere tre lampadine. Elettrificata. Funzionante. In buono stato di conservazione. Misure: 70 x 15 x 15 cm (base), 85 x 76 x 75 cm (lampada completa di paralume). Designer e fotografo, Willy Rizzo ha iniziato la sua carriera a Parigi, ritagliandosi da allora una solida carriera nel mondo della fotografia. La sua attività di designer inizia nel 1966, quando si trasferisce con la moglie in un piccolo appartamento nel centro di Roma, che ristruttura personalmente, disegnando anche i mobili. Sebbene la sua intenzione non fosse mai stata quella di diventare un designer, i suoi amici cominciarono presto a commissionargli lavori dopo aver visto la sua casa. Infatti, ha annoverato tra i suoi clienti personaggi di spicco come Salvador Dalì e Brigitte Bardot. Rizzo ha sempre ammirato le cose belle, sia moderne che antiche, così ha concentrato la sua sperimentazione estetica sulla creazione di mobili moderni che si adattassero perfettamente a quelli antichi. Il suo stile segnò un'epoca all'interno del design italiano, venendo riconosciuto come il designer della Dolce Vita. La richiesta dei suoi pezzi raggiunse una tale ampiezza che nel 1968 decise di creare la propria azienda, con la quale da allora ha realizzato numerosi pezzi, sempre fatti a mano, combinando materiali nobili come il travertino o il bronzo con altri decisamente moderni come l'acciaio. Alla fine apre negozi a Parigi e in altre città europee, oltre che a New York, Miami e Los Angeles. Nel 1978 Rizzo vendette la sua azienda e si concentrò sulla fotografia, stanco della vita commerciale. Nei dieci anni in cui ha disegnato mobili, Rizzo, grande ammiratore di Mies van der Rohe, Le Corbusier e Ruhlmann, ha sviluppato uno stile che è facilmente riconoscibile ancora oggi. I suoi sono pezzi dalle linee pulite e dalle forme geometriche, realizzati con materiali accuratamente selezionati. È sempre rimasto fedele all'uso tradizionale e artigianale dei materiali, rifiutando il sistema di produzione di massa e l'uso della plastica. Alcuni dei suoi progetti sono stati esposti al Metropolitan Museum di New York e, più recentemente, alla Madison Mallet Gallery di Londra. Elettrificato. In funzione. In buono stato di conservazione.

Stima 800 - 1 000 EUR

Lotto 68 - Coppia di sedie a dondolo. Stile VLADIMIR KAGAN (Worms, 1927-Florida., 2016). Legno di palissandro, con sedili e schienale in tessuto. Presenta segni d'uso e di usura. Necessita di rifinitura. Misure: 73 x 75 x 105 cm. Coppia di sedie a dondolo. Seguono i modelli di Vladimir Kagan, che si possono apprezzare nella finitura a mano e nel contrasto tra la purezza geometrica del doppio triangolo in palissandro che forma la struttura e l'organicità di ciascuno dei lati. Pur essendo di origine tedesca, Vladimir Kagan è cresciuto negli Stati Uniti. Ha studiato architettura alla Columbia University prima di entrare nella falegnameria newyorkese del padre, maestro ebanista e collezionista d'arte Illi Kagan. Tra il 1950 e il 1960, Kagan ha collaborato con il designer tessile e stampatore Hugo Dreyfuss. I mobili di Kagan, decisamente moderni e scultorei, ebbero rapidamente successo. Tra i suoi progetti figurano i cocktail lounge per i delegati della prima sede delle Nazioni Unite a Lake Success, New York (1947-48), il sinuoso divano Serpentine (1949) e l'iconica collezione di sedute Omnibus (1970 circa). Dal 1990 al 1992 è stato presidente della sezione di New York dell'American Society of Interior Designers (ASID). Nel 1998 ha riproposto alcuni dei suoi progetti classici all'International Contemporary Furniture Fair (ICFF) di New York, rilanciando formalmente la sua carriera. Nel 2008 ha lanciato la Vladimir Kagan Couture Collection, che comprende una selezione di progetti dagli anni '50 al XXI secolo. Nel 2015, Kagan ha progettato una collezione di mobili d'arte in edizione limitata per Carpenters Workshop. Le opere del designer sono presenti in numerose collezioni pubbliche e private, tra cui il Vitra Design Museum di Weil am Rhein, in Germania, il Metropolitan Museum of Art di New York, Die Neue Sammlung di Monaco, il San Francisco Museum of Modern Art e il Victoria and Albert Museum di Londra. Nel 1980, il Fashion Institute of Technology di New York ha reso omaggio a Kagan con una mostra retrospettiva trentennale: Vladimir Kagan: Three Decades of Design. Nel 2002 il Brooklyn Museum of Art gli ha conferito un premio alla carriera; nel 2001 il Pinnacle Award dell'American Society of Furniture Designers e nel 2000 il Lifetime Achievement Award dell'American Society of Furniture Designers.

Stima 1 000 - 1 200 EUR

Lotto 71 - Attribuito a PIERRE GUARICHE (Parigi, 1926-Bandol, Francia, 1995). Poltrona, 1960 circa. Struttura in ferro. Imbottita di bianco. In ottime condizioni generali. Imbottitura nuova e struttura in ferro con una bella patina tipica del passare del tempo. Misure: 85 x 70 x 85 cm; 40 cm (altezza della seduta). Poltrona imbottita con braccioli attribuita all'iconico architetto e designer francese Pierre Guariche e prodotta negli anni Sessanta. La struttura e le gambe dalle linee rette si combinano perfettamente con lo spesso cuscino della seduta e dello schienale, creando un insieme elegante accentuato dal contrasto tra le gambe nere e il rivestimento bianco. Si tratta sicuramente di un design dal carattere marcatamente moderno e senza tempo. Pierre Guariche è stato un designer, decoratore d'interni e architetto francese, noto soprattutto per le lampade residenziali che ha progettato per Pierre Disderot negli anni '50, ma è stato anche un innovativo designer di mobili e architetto. Ha studiato all'École nationale supérieure des arts décoratifs. In seguito entra nello studio di un altro suo insegnante, Marcel Gascoin. Inizia a esporre le sue opere al Salon des Arts Ménagers e al Salon des Artistes Décorateurs, luoghi d'avanguardia in cui espongono i designer più importanti dell'epoca. René-Jean Caillette, Joseph-André Motte, Jean Prouvé, Charlotte Perriand, Antoine Philippon e Jacqueline Lecoq furono alcuni dei designer che esposero le loro opere sperimentali nei saloni dell'epoca. Dopo la Seconda Guerra Mondiale, aumentò l'interesse per l'uso di nuovi metodi e materiali per la produzione di mobili in serie. Nel 1951 Guariche iniziò a collaborare con Steiner, un altro importante produttore di mobili. Progettò l'innovativa sedia "Tonneau", con una versione in plastica e alluminio nel 1953 e una in compensato curvato nel 1954. Allo stesso tempo, Guariche realizzò numerosi modelli per il produttore di illuminazione Pierre Disderot, alla ricerca di un'alternativa moderna, semplice ed economica all'opulenza del design francese tradizionale.

Stima 1 200 - 1 500 EUR

Lotto 78 - JOSEF HOFFMANN (Brtnice, Repubblica Ceca, 1870 - Vienna, 1956) per Wittman. Divano "Kubus". Rivestimento in pelle nera. In buone condizioni. Misure: 72 x 166 x 77 cm. Disegnato da Josef Hoffmann nel 1910, il divano d'avanguardia Kubus è caratterizzato da un'imbottitura a forma di cubo. È un modello senza tempo che riflette le rigorose linee geometriche del designer. Architetto e designer industriale, Josef Hoffmann studiò all'Accademia di Arti Applicate di Vienna, dove fu discepolo di Carl Freiherr von Hasenauer e Otto Wagner, le cui teorie di architettura funzionale e moderna avrebbero influenzato profondamente il suo lavoro. Nel 1895 vince il Premio Roma e l'anno successivo entra nello studio di Wagner, collaborando con Olbrich ad alcuni progetti per il Metropolitan. Nel 1898 fonda il proprio studio e insegna alla Scuola di Arti Decorative di Vienna dal 1899 al 1936. Fu anche membro fondatore della Secessione viennese. Nel 1900 si reca a Londra, dove entra in contatto con la scuola inglese e scopre Mackintosh. Al suo ritorno creò un laboratorio per la produzione di oggetti basati su disegni di artisti della Secessione: nacque così la Wiener Werkstätte, un laboratorio che esercitò una grande influenza sul design industriale del XX secolo. Nel 1903 iniziò la produzione su scala internazionale. Nel corso della sua vita, Hoffmann realizzò diversi progetti di edifici e arredi ed espose le sue creazioni in tutto il mondo. Attualmente è rappresentato al MAK e al Leopold Museum di Vienna, al Metropolitan e al MoMA di New York, al Brohan di Berlino, al Courtauld Institute di Londra e al Victoria & Albert di Londra, tra i tanti.

Stima 5 000 - 5 500 EUR

Lotto 80 - LUIS PEREZ DE LA OLIVA (Spagna, metà del XX secolo) per GRIN LUZ/FASE. Lampada da tavolo "Concorde/Tiburon", 1967. Metallo laccato e legno massiccio. Misure: 55 x 31 x 42 cm. Lampada da tavolo Concorde con paralume inclinabile che offre diversi angoli di illuminazione. Si erge su una base circolare da cui emerge il fusto curvo in legno su cui poggia una struttura metallica. Da quest'ultima pende il paralume inclinabile. Le lampade Fase si distinguono per il design impeccabile, la funzionalità e la qualità dei materiali. Vero e proprio emblema della manifattura spagnola, negli ultimi 30 anni Fase ha esportato la sua illuminazione in più di 32 Paesi. Il produttore spagnolo di illuminazione Fase è stato fondato a Madrid nel 1964 dal designer industriale Pedro Martín. Martín vendette inizialmente le sue lampade autoprodotte nei mercati, prima di stabilire con successo una fabbrica a Torrejón de Ardoz, appena fuori Madrid. Negli anni Settanta, Fase è stata un attore importante dell'industria manifatturiera spagnola, contribuendo a un'economia alle prese con le crisi petrolifere e la difficile transizione alla democrazia. Per oltre tre decenni, Fase ha venduto lampade a 32 Paesi diversi, con i mercati più importanti rappresentati da Regno Unito, Francia, Italia, Germania, Emirati Arabi Uniti, Giappone, Canada e Stati Uniti. Nonostante il successo commerciale di Fase, le informazioni sull'azienda e sulla sua storia sono scarse e le fonti spesso contraddittorie. I primi progetti Fase sono considerati moderni, con combinazioni originali di metalli come il cromo e l'acciaio, con marmo e legno, in una gamma di colori vivaci. Spesso gli apparecchi potevano anche essere spostati grazie a un sofisticato sistema girevole ideato dai primi designer Fase, che divenne presto un marchio di fabbrica insieme ai diffusori in vetro. Tra i modelli più importanti di Fase figurano Boomerang 64, Boomerang 2000, 520, Faro e President, tutti progettati negli anni Sessanta. A partire dagli anni '70, Fase introdusse il design moderno italiano e ispirato al Bauhaus a un pubblico spagnolo che, uscendo dal periodo franchista, non aveva familiarità con gli stili più iconici del XX secolo. Oltre a combinare materiali tradizionali come il legno con un'estetica modernista, Fase creò molte lampade in uno stile assolutamente modernista. Tra le lampade di questo periodo ricordiamo la Tharsis e la Babylon, entrambe cromate ma con lampade singole e doppie rispettivamente, nonché la Harpoon e la Impala in acciaio inossidabile (tutte degli anni Settanta). I progettisti e gli addetti all'illuminazione di Fase sono rimasti in gran parte anonimi, tanto che molte lampade sono state falsamente pubblicizzate come prodotte dal produttore spagnolo, dando origine a un intero genere di illuminazione "tipo Fase", che può essere visto nelle lampade prodotte dai produttori di illuminazione madrileni Lupela, GEI (Gabinete Estudios Industriales) e Ma-Of. Le lampade Fase autentiche possono essere identificate dal nome o dal logo dell'azienda, che di solito si trova sulla base o sull'attacco della lampada. Negli anni '80, Fase ha iniziato a produrre lampade alogene. Sebbene queste lampade fossero molto popolari e innovative all'epoca, la rottura con la tradizione non ebbe successo e contribuì alla fine alla scomparsa dell'azienda.

Stima 900 - 1 000 EUR

Lotto 82 - ADO CHALE (Bruxelles, 1928). Coppia di ciotole "Pin". In bronzo. In buone condizioni. Misure: 4,5 x 15 x 13 cm e 4 x 9,5 cm. Con le sue creazioni in bronzo e alluminio, Ado Chale sviluppa nuove forme e superfici, seducendo il mercato contemporaneo. Autodidatta, da giovane Ado Chale ha lavorato come fabbro e in un'officina di lamiere. La sua passione per la mineralogia nasce negli anni '50 durante un viaggio in Germania. In seguito, nel 1962, apre una galleria a Bruxelles dove espone le prime tavole di cemento intarsiate con piccole marcasiti raccolte ai piedi delle scogliere del nord della Francia. Alla fine degli anni Sessanta viaggia per il mondo (Arizona, India, Afghanistan, Pakistan, Madagascar, Francia) alla ricerca di pietre semipreziose. Tra i suoi materiali preferiti c'erano la sequoia fossile, la malachite, l'agata calcedonio, la corniola, la rodocrosite, il lapislazzuli, la giada, l'ematite, l'occhio di tigre, il diaspro, il turchese o l'ametista, elementi che venivano colati in resina epossidica, un materiale nuovo all'epoca che gli permetteva di ampliare le possibilità estetiche: i vassoi sono ingranditi e completamente ricoperti di pietre lucidate al diamante. Dagli anni Sessanta agli anni Ottanta il suo successo si moltiplica e anche la Corte belga rimane estasiata dai suoi progetti. Espone al Museo Galliera di Parigi, al Palazzo Papale di Avignone e al Museo di Belle Arti di Nancy. Nel 1988 fu invitato a esporre le sue opere in Giappone, presso il famoso negozio di lusso Seibu di Tokyo. Lì ha attirato il mercato asiatico. Nel 2002 espone alla galleria parigina di Yves Gastou, il che significa un aumento della clientela internazionale che aprirà la strada a numerose collaborazioni con interior designer belgi, ma anche di fama mondiale come Alberto Pinto, Peter Marino e Jacques Grange.

Stima 3 000 - 3 200 EUR

Lotto 83 - GEORGE NELSON (Stati Uniti, 1908 - 1986) per VITRA. Set di quattro sedie da ufficio "Perch", 1990 circa. Seduta e schienale in pelle marrone scuro, base cromata, Sedile regolabile in altezza e girevole. In buone condizioni, praticamente nuovo. Misure: 70 x 70 x 102 cm. Coppia di sedie da ufficio "Perch" sollevate su ruote in plastica nera che sostengono una base a cinque razze in acciaio cromato. Seduta e schienale rivestiti in pelle nera, regolabili in altezza e girevoli. George Nelson si è laureato in architettura all'Università di Yale (1928) e in seguito ha studiato arte a Roma. Specializzato in design industriale, di interni e di mostre, è stato, insieme a Charles e Ray Eames, uno dei padri fondatori del modernismo americano. Durante la sua permanenza in Italia viaggiò in lungo e in largo per l'Europa, incontrando numerosi pionieri del movimento moderno, tra cui Mies van der Rohe. Nel 1935 entra a far parte della redazione di "Architectural Forum", rivista di cui diventerà prima redattore associato fino al 1943 e poi consigliere editoriale fino al 1949. In questo periodo collaborò con Frank Lloyd Wright a un numero speciale della rivista, che segnò il ritorno di Wright sulla scena dell'epoca. Nelson difese, a volte ferocemente, i principi del movimento moderno, irritando persino molti dei suoi colleghi che, come designer industriali, facevano, secondo Nelson, troppe concessioni alle forze commerciali dell'industria. L'americano credeva che il lavoro di un designer dovesse servire a migliorare il mondo perché, a suo avviso, la natura è già perfetta e l'uomo la rovina creando cose che non seguono le regole naturali. Nel 1945 Nelson iniziò a lavorare per l'azienda Herman Miller e fu allora che iniziò a progettare mobili, occupando la posizione di direttore del design. Nello stesso anno fu pubblicata la prima collezione di Nelson per l'azienda, dando inizio a una collaborazione che sarebbe sfociata in alcuni dei più famosi progetti di mobili del XX secolo. Oggi i suoi progetti sono esposti al Vitra Museum of Design (con cui iniziò a collaborare nel 1957) e al MoMA di New York, oltre che in molte altre collezioni pubbliche e private.

Stima 3 500 - 4 000 EUR

Lotto 86 - MARIA PERGAY (Romania, 1930-Francia, 2023). Coppia di lampade, 1970 circa. Pezzi unici. Resina laccata nera decorata con aste asimmetriche in metallo dorato e cromato. Funzionanti. In buone condizioni. Usato, con lievi segni d'uso. Misure: 71 x 7 x 7 x 7 cm; 108 cm (altezza totale). Di genitori russi ma nata in Romania, Maria Pergay emigrò a Parigi nel 1937, quando aveva solo 7 anni. Si è formata all'Istituto Francese di Studi Cinematografici, dove ha studiato sartoria e scenografia, durante il quale ha anche frequentato l'accademia dello scultore russo Ossip Zadkine. La sua carriera artistica inizia disegnando oggetti in metallo per la vetrina di un negozio di Haute Couture a Parigi, che le permette di farsi strada come designer di oggetti per Hermès e Dior (per cui disegna tagliacarte, candelabri, ecc.). Conosciuta da quel momento come "Madamme Steel" per la sua predilezione per questo materiale, Pergay ricevette una proposta da Uginox, il principale produttore francese di acciaio, per immergersi completamente nella creazione di oggetti in questo materiale. Vale la pena notare che quando Maria Pergay iniziò con le sue creazioni, il Movimento Moderno Francese del dopoguerra era in pieno svolgimento, e cercava di renderle dovute all'alto livello di consumismo della società francese. Due delle sue prime creazioni, la Sedia ad anello e il Tappeto volante, furono esposte per la prima volta alla galleria parigina Maison et Jardin. Oggi il suo lavoro ha influenzato artisti come Salvador Dalí, Pierre Cardin, Givenchy e persino Jordi Labanda. Le sue opere sono conservate al Metropolitan Museum of Art di New York; la galleria newyorkese Demisch Danant ha ospitato la sua prima retrospettiva nel 2006. La sua installazione Metamorphosis è stata esposta alla fiera Design 2013 di Miami.

Stima 8 000 - 9 000 EUR

Lotto 87 - ALDO TURA (Italia, 1909-1963). Mobile bar, 1960 circa. Legno laccato, palissandro e ottone. Include la chiave. Misure: 154 x 80 x 40 cm. Questo personalissimo mobile da bar mostra la confluenza degli interessi che motivano le creazioni di Aldo Tura e che danno loro un'impronta singolare, come la sperimentazione di materiali diversi o trattamenti superficiali poco ortodossi: si veda qui l'attraente patina ottenuta con la laccatura bruna delle due ante semicircolari, delineate da borchie e fissate al mobile con un'attraente ferramenta. Aldo Tura ha assorbito i precetti dell'Art Déco, ma è andato oltre la sua eredità minimalista alla ricerca di uno stile più dinamico, con echi storicisti. Il mobile da mare a corpo rettangolare, che ospita un interno smaltato, poggia su una base tornita con una pancia globosa. Le ante si aprono con maniglie in ottone a forma di pietre girevoli. Aldo Tura ha iniziato la sua carriera nel design sperimentale di mobili negli anni Trenta. Dopo le forme spigolose e taglienti dell'Art Déco, il legno cominciò a essere utilizzato in forme libere, piene di curve, e Tura vide in questo nuovo gusto una nuova direzione per il design dei mobili. Il suo lavoro è una significativa combinazione di forme libere e disinibite, a volte eccezionalmente ironiche. I suoi progetti sono anche esempi di altissimo artigianato, spesso prodotti in serie limitata, o anche solo in un prototipo. Negli anni Cinquanta, Tura scopre il fascino suggestivo dei mobili dipinti con vedute architettoniche veneziane e inizia a sperimentare diversi materiali, come il guscio d'uovo, la pergamena, la pelle di capra o le impiallacciature di legno.

Stima 4 500 - 5 000 EUR

Lotto 93 - PINO SIGNORETTO (Favaro Veneto, Italia, 1944-Murano, 2017). "Testa di cavallo". Vetro e metallo. Misure: 75 x 47 x 46 cm. Nato nella cittadina veneta di Favaro Veneto, l'artista del vetro Pino Signoretto inizia la sua carriera a soli dieci anni, nel 1954, quando va a lavorare in una fabbrica di lampade. Quattro anni dopo iniziò a formarsi artisticamente con il maestro Alfredo Barbini, ma anche con altri come Livio e Angelo Seguso o Ermanno Nason. Diventa infine maestro vetraio nel 1960. Tra il 1961 e il 1977 lavora in una fabbrica e raggiunge una profonda comprensione e una completa conoscenza tecnica della lavorazione del vetro; infine, nel 1978 apre il proprio studio a Murano. Da quella data fino al 1984, collabora con artisti e architetti di prestigio, come Dalì, Dal Pezzo Dal e altri. Nel 1985 si reca in Giappone, la prima di molte visite in questo Paese. Quattro anni dopo dà una dimostrazione del suo lavoro davanti alla famiglia imperiale giapponese, e diverse sue opere entrano a far parte della collezione permanente del Museo d'Arte Veneziana della città di Otaru. Da allora Signoretto ha sviluppato una brillante carriera, collaborando con importanti figure dell'arte contemporanea come Jeff Koons e tenendo importanti mostre in tutto il mondo. Ha ricevuto anche importanti riconoscimenti, come il Gallo d'Oro di Murano (2002). Attualmente le sue opere sono presenti in musei come il Glass Museum di Corning (New York) e Nagoya, oltre che in importanti collezioni private in tutto il mondo.

Stima 3 500 - 3 700 EUR

Lotto 94 - JOAN ANTONI BLANC (Tortosa, 1940) per Tramo. Lampada da tavolo Cilindro, 1967. Metacrilato bianco. In buone condizioni con leggeri segni d'uso. Misure: 40 x 20,5 cm. Quella che presentiamo ora è una lampada di grande purezza di linee basata su forme e materiali elementari, costituita da un cilindro di metacrilato bianco stampato con un cerchio forato attraverso il quale viene proiettata la luce e una sottile striscia di metallo che permette di agganciare il portalampada. Joan Antoni Blanc è stato uno dei fondatori della scuola Eina e uno dei principali sostenitori della necessità di incorporare le conoscenze tecnologiche e di orientare il design verso le applicazioni industriali. Si è specializzato nel campo del design, specializzandosi in mobili e illuminazione applicati all'ambiente domestico, urbano e d'ufficio, pur avendo sviluppato anche diversi progetti legati alla nautica, all'automobilismo e al motociclismo. Nel 1972 ha creato "Estudi de Disseny Blanc", incorporando come assistente Pau Joan Vidal, un designer industriale formatosi alle scuole Massana ed Elisava, che in seguito è diventato suo socio. È stato anche presidente dell'Associazione dei designer professionisti tra il 1986 e il 1989 e ha partecipato alla creazione del BCD. Tra i prodotti sviluppati da Blanc, la lampada "Cónica" (Delta de Oro ADI-FAD nel 1965), il sistema di armadi e cassetti "Cubiform", la lampada "semisferica" (Delta de Oro ADI-FAD nel 1966), la serie di elementi espandibili "Torre de Babel", la lampada "globo" (Delta de Oro ADI-FAD nel 1966), la serie di elementi espandibili "Torre de Babel", la lampada "globe" (Delta de Oro ADI-FAD nel 1966) e il sistema di armadi e cassetti "Torre de Babel", la lampada "Globe" (Delta de plata ADI-FAD nel 1968), il sistema di scaffali e contenitori "Perfils", la lampada "Sinclina" (Delta de plata ADI-FAD e premio per il miglior design spagnolo alla fiera di Madrid del 1991), il sistema di scaffali "Prima 1000" e la lampada "Escala". Il Museo del Design di Barcellona è depositario di parte delle sue collezioni documentarie e di tre pezzi progettati da Joan Antoni Blanc: il mobile "Cubiform" e le lampade da terra "Escala" e "Sinclina".

Stima 1 000 - 1 100 EUR

Lotto 95 - VINCENT MARTINEZ BURJASSOT (Valencia, 1949) per Punt Mobles. Tavolo "Halley", 1986. Metallo e legno laccato. Piano in vetro. Misure: 72 x 90 x 90 cm. Il tavolo Halley si distingue per la sua geometria precisa e lineare che cerca, nella sua contraddizione costruttiva, di ricordare la proiezione di una cometa. La sua materialità è plasmata dalla combinazione di legno e metallo. Ha ricevuto il riconoscimento dello Staatliches Museum für Angewandte di Monaco, Germania. "Il momento in cui il pensiero diventa oggetto è emozionante, i progetti sono prima di tutto idee. Le idee sono irreali finché l'azione non le inserisce nel reale. L'utente come referente. Progettare per un mondo in cui la qualità della vita di tutte le persone sia migliore", afferma Vicent Martínez. L'importanza di Vicent Martínez si riflette nella sua presenza in musei come il Museu d'Arts Decoratives. Barcellona, Spagna: Libreria La Torre, tavolo Anaconda, collezione modulare Concert e libreria Literatura Classic. 1994; l'archivio personale e professionale 1965-2010 depositato presso l'Arxiu Valencià del Disseny. 2019; il Museum Fur Musem fur Angewandte Kunst. Colonia, Germania: Scaffali Literatura Classic e La Torre. 1992 e lo Staatliches Museum für Angewandte. Monaco, Germania: Halley e Tavole Magiche. 1992. Nel corso della sua carriera artistica ha partecipato all'IVAM. Design valenciano 2009-2019 Alcoi Venue. 2020; 30 anni di letteratura classica. Scuola d'Arte e Design di Valencia. 2015 e ad altre importanti mostre.

Stima 1 200 - 1 500 EUR

Lotto 99 - JORDI VILANOVA (Barcellona, 1925-1998). Coppia di lampade a sospensione "Campana", anni '60. Acciaio inossidabile e paralume in metacrilato. Misure: 55 x 35 x 35 cm. Da tre bracci di acciaio inox lucidato si sostiene uno schermo conico di metacrilato di grandi dimensioni, che ricorda l'insieme a forma di campana. Il tutto è assemblato per mezzo di diversi pezzi di acciaio inossidabile lavorati a mano che conferiscono alla lampada un'elegante finitura. È un buon esempio della combinazione di Vilanova di materiali e tecniche tradizionali con nuovi materiali industriali. Designer d'interni ed ebanista catalano, Jordi Vilanova è entrato nella Scuola di Lavoro e Mestieri Artistici di La Lonja nel 1939. Ha completato la sua formazione nel laboratorio di Busquets e tra il 1940 e il 1953 ha collaborato nello studio di Lluís Gili. Jordi Vilanova è stato fondatore e promotore della rivista d'arte catalana "Questions d'Art" (1967-74). Nel 1974 ha aperto una sede con un'esposizione permanente di mobili e tappezzerie di sua progettazione, facendo parte del Collegio ufficiale dei decoratori e designer d'interni di Barcellona e del SAD. I suoi mobili moderni e il suo modo di risolvere gli spazi erano inizialmente rivolti a un vasto pubblico con risorse economiche limitate e, di conseguenza, con case con meno spazio vitale. Tuttavia, questa grande maggioranza non comprese la sua proposta. Fu invece la borghesia catalana, desiderosa di rompere con canoni stilistici superati, ad accogliere il suo lavoro. La sua specialità erano i mobili per bambini, come lo sgabello Delta, che vinse il Premio Delta de Plata assegnato dall'ADI/FAD nel 1964. Ha tenuto mostre del suo lavoro in Scandinavia. Tra i suoi progetti più rappresentativi vi sono le sedie Tiracord e Billar (1961), il letto a castello Montseny MP (1961), le sedie a dondolo Tartera (1966) e Petit (1978) e il portariviste Z (1987) progettato insieme al figlio Pau Vilanova Vila-Abadal. Attualmente è rappresentato al Museo del Design di Barcellona.

Stima 2 000 - 2 100 EUR
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