23rd September - Decorative Arts & Oriental Art

Lotto 1 - Orologio da tavolo. Primo Impero. Francia, 1810 circa. Bronzo dorato. Quadrante in smalto. Movimento parigino, con rintocchi alle mezze ore e alle ore. Dispone di un pendolo. Manca la chiave. Il macchinario deve essere rielaborato. Misure: 61 x 51 x 16 cm. Orologio da tavolo francese del periodo Impero. Il concetto scultoreo di ispirazione greco-romana è caratteristico dell'epoca. Realizzato tutto in bronzo dorato, è costituito da una base decorata con un bassorilievo presieduto dalla figura di Poseidone che brandisce il suo tridente e attraversa l'oceano sui suoi due cavalli. Zefiri e amorini con cornucopie soffiano il vento per accompagnare la navigazione del dio marino. Una coppia lavorata alla rinfusa fiancheggia la cassa dell'orologio. Probabilmente ispirati alle effigi greche di Apollo e Artemide (anche se non portano gli attributi della caccia), hanno tratti idealizzati e corpi atletici con arti torniti. Le tuniche aderiscono al corpo enfatizzando l'armonia anatomica e sono piegate in drappeggi sensuali. Festoni di frutta e verdura, insieme a corone di alloro, diventano in questo contesto simboli di fertilità e abbondanza. Al centro si trova la cassa dell'orologio, che ospita un quadrante bianco delimitato da una ghirlanda fogliare. I numeri sono romani e le lancette sono di tipo Breguet.

Stima 4 000 - 5 000 EUR

Lotto 2 - Scuola italiana, 1820 circa. Dopo JEAN-ANTOINE HOUDON (Versailles, 1741 - Parigi, 1828). Busto di "Diana di Versailles". Marmo di Carrara. Firma apocrifa. Misure: 73 x 47 x 20 cm. Lo scultore classicista che ci interessa riproduce fedelmente in questo busto in marmo di Carrara il modello romano di Diana, copia dell'originale greco che rappresentava la dea greca della caccia Artemide. La copia romana, nota come Diana cacciatrice o Diana con la cerva, è conservata al Museo del Louvre di Parigi. Il busto qui raffigurato si concentra sul bel volto e sulle pieghe del peplo che drappeggiano intorno ai seni turgidi, oltre che sul copricapo con diadema e sulle onde dei capelli raccolti in uno chignon. La copia conservata nella pinacoteca mostra la dea a figura intera, in movimento, con la mano sinistra appoggiata sulle corna di un piccolo cervo e la mano destra sulla faretra. La paternità della statua originale è stata a lungo attribuita a Leocare, sebbene anche Prassitele sia stato proposto come autore del bronzo greco. Lo scultore neoclassico Jean-Antoine Houdon realizzò diverse versioni della dea Diana. Il busto in questione si basa sulla Diana in marmo di Houdon conservata alla National Gallery di Londra. Risale al 1778 e la testa è ornata da un quarto di luna calante. Insieme all'arco e alla freccia, la luna è un attributo della dea romana (la greca Artemide), essendo la dea della caccia una divinità lunare. Allo stesso modo, la luna è un emblema di castità. I tratti femminili trasmettono un temperamento potente e altero, sia nell'originale che nell'eccellente versione qui presentata, anch'essa in marmo bianco. I seni turgidi di Diana sono esposti nudi e la testa è girata sul fianco destro, con lo sguardo rivolto in lontananza. I suoi capelli ricci sono raccolti con il pettine a forma di mezzaluna, suo emblema. Una Diana a figura intera di Houdon (Diana cacciatrice, 1776) è conservata al Museo del Louvre. Jean-Antoine Houdon fu uno scultore francese, figura di spicco del neoclassicismo del suo Paese. Nei suoi ritratti si distingue per la ricerca del carattere individuale, che lo avvicina al preromanticismo. Discepolo di Jean-Baptiste Pigalle e Lemoyne, nel 1764 si trasferì a Roma per completare la sua formazione. Si dedica soprattutto ai ritratti, iniziando la serie con quello di Diderot, in terracotta, seguito da quelli di Mirabeau, D'Alembert, Molière, Voltaire, Rousseau e Franklin. Quest'ultimo gli suggerì l'idea di recarsi negli Stati Uniti per ritrarre Washington. Houdon arrivò sul continente americano nel 1785 e, oltre a diversi busti del presidente, realizzò la statua attualmente esposta in Campidoglio. Durante la Rivoluzione francese, dipinse i volti di Necker, Lafayette e Napoleone.

Stima 6 000 - 7 000 EUR

Lotto 3 - Arazzo belga, 1600 circa. "Paolo a Tessalonica". Tessuto a mano in lana. Firmato. Misure: 315 x 310 cm. In questo importante arazzo fiammingo di epoca barocca viene sviluppato un tema biblico tratto dagli Atti degli Apostoli. Occupando il campo centrale, di notevoli dimensioni, è stata rappresentata con grande foga narrativa la visita di San Paolo alla sinagoga di Tessalonica, città greca nella cui sinagoga iniziò a predicare per diversi sabati consecutivi. Utilizzando le Scritture, riuscì a convertire alcune persone, anche se suscitò anche dei sospetti. Qui vediamo, nei volti e nei gesti degli ebrei, una grande varietà di atteggiamenti davanti alle prediche: volti riflessivi, diffidenti, indifferenti, appassionati? L'abbigliamento e l'architettura sono stati descritti in modo sontuoso e aristocratico. Spiccano i tratti cromatici che dinamizzano la composizione (rossi e blu contro ocra e siena). Il bordo ospita anche personaggi, soprattutto allegorie, come la Carità e la Vittoria, oltre a santi ospitati in nicchie. Spicca la ricchezza narrativa e cromatica ottenuta con un intricato disegno, caratteristico delle botteghe di Bruxelles. Dal tardo Medioevo fino al XVIII secolo, gli arazzi fiamminghi, così come la produzione pittorica dei maestri della pittura fiamminga, divennero un bene di lusso esportato in tutta Europa. Lo speciale rapporto che si instaurò tra la regione nota come Fiandre (un modo impreciso di riferirsi all'area settentrionale dello Stato borgognone) e i regni peninsulari cristiani medievali (in particolare la Corona di Castiglia e, più tardi, la Monarchia ispanica - che inglobò i Paesi Bassi asburgici -), da cui proveniva gran parte della lana che raggiungeva i laboratori tessili di Bruges, Gand, Anversa, Bruxelles, Mechelen, Arras o Tou.

Stima 18 000 - 20 000 EUR

Lotto 4 - Coppia di poltrone; attribuite a VALENTINO (Astragal, Italia, 1829-, Venezia, 1902); Venezia, 1880 circa. Noce e pelle parzialmente dorata. Presentano stoppa all'interno. La pelle originale è stata conservata e una delle modanature del montante anteriore è mancante. Misure: 78 x 57 x 57 cm (x2). Coppia di poltrone in legno di noce modellato e intagliato. Entrambe hanno lo stesso disegno dello schienale curvo traforato, decorato con animali fantastici appoggiati l'uno sull'altro. La parte superiore dello schienale è decorata in alto rilievo con una maschera. Le gambe sono a balaustro e presentano dettagli vegetali sulle ginocchia. Lo stile di questa coppia di sedie ricorda molto le opere di Valentino Besarel, infatti nel libro "Valentino Panciera Besarel (1829-1902) Storia e arte di una bottega d'intaglio in Veneto" si può vedere un frontale di camino molto simile realizzato in marmo. "Besarel" è un soprannome di origine popolare utilizzato per distinguere la famiglia dell'artista da altre stirpi omonime, ma è arrivato a dominare anche il cognome, al punto che anche nel mondo artistico è conosciuto semplicemente come "Valentino Besarel". L'ultima rappresentante dei "Besarel" Panciera fu la figlia di Valentino, Caterina, morta nel 1947. La famiglia Besarel si occupava di scultura lignea da generazioni: il bisnonno Valentino (1747-1811), allievo di Giampaolo Gamba "Zampòl" e discepolo del maestro Andrea Brustolon, il nonno Giovanni (1778-1842) e anche il padre Giovanni Battista (1801-1873) erano stati intagliatori; quest'ultimo aveva raggiunto una certa notorietà locale lasciando opere in diverse chiese dello Zoldano. Valentino ricevette la sua prima formazione nella bottega paterna, a cui si aggiunse, all'inizio degli anni Quaranta del XIX secolo, la scuola del disegnatore bellunese Antonio. La svolta avviene con l'incontro con Giuseppe Segusini, che lo vede all'opera mentre, seguendo il padre, decora la chiesa arcidiaconale di Agordo. Grazie all'architetto feltrino poté frequentare l'Accademia di Venezia dal 1853 al 1855, pur non riuscendo a completare gli studi. Le sue prime opere indipendenti, sempre su commissione di Segusini, sono i Santi Pietro e Paolo per l'altare maggiore della chiesa parrocchiale di Tiser e i Quattro Evangelisti per il duomo di Belluno (1855-1856). Besarel lavorò a lungo in patria, finché negli anni Sessanta si trasferì a Venezia, dove ricevette grandi onori e fama europea, al punto da diventare fornitore ufficiale delle principali monarchie del continente. Nemmeno l'invalidità subita con la perdita di quattro dita riuscì a interrompere l'attività di Valentino. Hanno stoppa all'interno. La pelle originale è conservata e manca una delle modanature dei montanti anteriori.

Stima 2 000 - 3 000 EUR

Lotto 5 - Zuppiera e sormonto; Spagna, XX secolo. Argento e anima in legno. Presenta punzoni. Misure: 29 x 49 x 25 cm; 8,5 x 55 x 40,5 cm (surtout). Peso: 3696 g. (zuppiera). Zuppiera con punzoni dell'argentiere. L'insieme presenta un disegno di ispirazione rococò, basato su striature che determinano un'elevazione gallonata mossa, visibile nella grondaia del surtout. La zuppiera poggia su quattro gambe dal disegno figurativo che rappresentano quattro uccellini innamorati alla maniera degli Atlantidei. Il pezzo presenta un abbondante disegno cesellato che ricopre il ventre ispirato a motivi classici. Il coperchio a cupola è sormontato da un pomolo naturalistico, due boccioli di foglie.

Stima 6 000 - 7 000 EUR

Lotto 6 - Tre scimmie; FRATELLI LISI E FIGLI, Firenze, XX secolo. Argento 925. Firmato sulla base "Fratelli Lisi e Figli". Misure: 7 x 5 x 6 cm. Set composto da tre scimmie, note come "scimmie sagge" o "scimmie mistiche". I tre pezzi sono realizzati in argento con il volto, le mani e i piedi cesellati e il corpo composto da filamenti che riproducono in modo naturalistico la pelliccia degli animali. Una delle scimmie si copre gli occhi, un'altra le orecchie e un'altra ancora la bocca. Questa figura è stata diffusa nell'arte orientale, venendo intesa in alcune occasioni come la rappresentazione della sottomissione del popolo di fronte ai poteri dominanti. I pezzi presenti nella base portano la firma dell'azienda Fratelli Lisi, che iniziò la sua attività subito dopo la seconda guerra mondiale. L'azienda di famiglia era gestita dai tre fratelli Adriano, Lionello e Romano. Fu Adriano, detto "Dore", il maggiore dei tre, a capire che bisognava mettersi in gioco per migliorare, e così, con i due fratelli minori, si mise in proprio, dopo una breve esperienza presso un vecchio argentiere.Gli inizi furono duri, così i tre fratelli orientarono la loro produzione verso l'unicità, inventando metodi di lavorazione impossibili da ricreare con i macchinari e allontanandosi subito dalla produzione classica, creando un mondo d'argento fatto di animali, piccoli personaggi delle fiabe e scrigni misteriosi. La fantasia, la particolare tecnica del "capello" e la naturale abilità dei tre permisero loro di creare vere e proprie sculture, pezzi unici che ancora oggi sono inimitabili. Il laboratorio continua, tra figli e nipoti, a mantenere i metodi di lavoro tradizionali che contraddistinguono la famiglia Lisi in tutto il mondo.

Stima 4 000 - 5 000 EUR

Lotto 7 - Coppia di candelieri; Spagna, prima metà del XX secolo. Argento sbalzato e cesellato. Presenta punzoni. Misure: 43,5 x 35 cm. Peso: 4580 g. Coppia di candelieri in argento a cinque luci, di cui quella centrale segue la linea del fusto. Questo presenta un profilo tornito basato su modanature e sporgenze che enfatizzano in ognuno dei pezzi la presenza in massa rotonda di figure di piccoli amori. La superficie dell'argento è cesellata con motivi sintetici. I bracci a serpentina, decorati con tacche incise, hanno la forma di un tornichetto mitrato. Sostengono gli accendini su piattini e le bocche dei paralumi sono profilate.

Stima 7 000 - 6 000 EUR

Lotto 8 - Candeliere Napoleone III. Francia, 1870 circa. Bronzo dorato, con scultura in bronzo patinato. Misure: 33 x 26 x 26 cm. Candelabro a sei luci in stile Napoleone III. Realizzato interamente in bronzo, si distingue per la qualità della finitura di ispirazione organicista. I sei bracci curvilinei sono rivestiti di fogliame e di nervature avvolgenti e partono da uno stelo centrale che si dirama in protuberanze vegetali. Pergamene, palmette e volute sono incastonate in ondulazioni e creste ritmiche che terminano in sensuali tulipani fogliati. Alla base, ghirlande di fiori completano la decorazione. Un putto, scolpito in forma arrotondata, siede in mezzo al fogliame. La sua testa è ornata da una corona di foglie di vite e grappoli d'uva.

Stima 3 500 - 4 000 EUR

Lotto 9 - Piccolo bacino; Triana, XIX secolo. Ceramica smaltata. Misure: 17 x 67 cm. Piccolo bacino realizzato in ceramica e decorato con smalti ad alta temperatura su un ingobbio di stagno bianco, che copre solo l'interno del pezzo. I colori utilizzati sono il nero, per il contorno dei motivi, il blu, il verde e il giallo. Il sedile è occupato da un motivo derivato dai modelli Talavera, con un animale sintetizzato molto popolare inserito in un paesaggio. La grondaia è decorata con un bordo geometrico basato su linee a zig-zag. La decorazione è completata da fasce di linee concentriche in blu e verde, un motivo tipico della ceramica spagnola popolare per tutto il XIX secolo. Triana fu un popolare centro di produzione di ceramiche fin dall'epoca romana. In seguito gli arabi introdussero nella zona la tecnica e l'estetica della produzione di ceramica. Alla fine del XV secolo, Niculoso Francisco Pisano si trasferì nella zona e introdusse lo stile italiano e una nuova tecnica in cui la piastrella viene lavorata come un dipinto a olio.

Stima 2 000 - 2 500 EUR

Lotto 10 - Lavabo antico; Triana, XIX secolo. Ceramica smaltata. Misure: 13 x 57,5 cm. Piccolo bacino realizzato in ceramica e decorato con smalti ad alta temperatura su un ingobbio di stagno bianco, che copre solo l'interno del pezzo. I colori utilizzati per i contorni dei motivi sono il blu, il verde e il giallo. Il sedile è occupato da un motivo derivato dai modelli Talavera, con un animale sintetizzato molto popolare inserito in un paesaggio. La grondaia è decorata con un bordo geometrico basato su linee a zig-zag. La decorazione è completata da fasce di linee concentriche in blu e verde, un motivo tipico della ceramica spagnola popolare per tutto il XIX secolo. Triana fu un popolare centro di produzione di ceramiche fin dall'epoca romana. In seguito gli arabi introdussero nella zona la tecnica e l'estetica della produzione di ceramica. Alla fine del XV secolo, Niculoso Francisco Pisano si trasferì nella zona e introdusse lo stile italiano e una nuova tecnica in cui la piastrella viene lavorata come un dipinto a olio.

Stima 2 000 - 2 500 EUR

Lotto 11 - Albarello. Italia meridionale, 1560-1570 ca. Ceramica smaltata. In buono stato di conservazione. Misure: 36,5 x 27 x 27 cm. Importante albarelo in ceramica smaltata di epoca rinascimentale. Il Rinascimento fu l'epoca d'oro degli albarelli o vasi da farmacia, soprattutto in Italia e in Spagna. Città italiane come Faenza, Urbino e Palermo divennero centri di produzione di albarelli. L'eccellente pezzo qui presentato, in cui spiccano i toni del blu e del giallo, riflette i progressi dell'epoca in termini di complessità rappresentativa. Se inizialmente prevalevano i disegni schematici di origine orientale e la riduzione cromatica, qui la policromia e l'iconografia si sono arricchite, presentando un'estetica più elaborata: la decorazione vegetale basata su bordure convive con le rappresentazioni figurative (un personaggio inscritto in un cartiglio e una coppia di putti, caratteristica del Cinquecento italiano). Anche l'inserimento di un'etichetta dipinta contenente il nome del prodotto ("morfina", come si legge) è tipico del periodo. Così, per tutto il XVI secolo, compaiono animali, ritratti, scene storiche, allegorie e altri temi. L'albarello ha una lunga storia, che risale alle ceramiche persiane. L'albarello giunse in Europa nelle zone di influenza musulmana di al-Andalus e della Sicilia, attraverso la Siria e l'Egitto. L'etimologia della parola suggerisce che la sua origine derivi da "al-barani" o, in altre parole, da un recipiente per la droga. Queste ceramiche erano molto popolari tra gli speziali, ma avevano determinati requisiti funzionali, tra cui una forma dentellata, una bocca larga e una base piatta, e soprattutto l'uso di smalti.

Stima 12 000 - 15 000 EUR

Lot 12 - Lavabo antico; Triana, XIX secolo. Ceramica smaltata. Misure: 16 x 67 cm. Piccolo bacino realizzato in ceramica e decorato con smalti ad alta temperatura su un ingobbio di stagno bianco, che copre solo l'interno del pezzo. I colori utilizzati sono il nero, per il contorno dei motivi, il blu, il verde e il giallo. Il sedile è occupato da un motivo derivato dai modelli Talavera, con un animale sintetizzato molto popolare inserito in un paesaggio. La grondaia è decorata con un bordo geometrico basato su linee a zig-zag. La decorazione è completata da fasce di linee concentriche in blu e verde, un motivo tipico della ceramica spagnola popolare per tutto il XIX secolo. Triana fu un popolare centro di produzione di ceramiche fin dall'epoca romana. In seguito gli arabi introdussero nella zona la tecnica e l'estetica della produzione di ceramica. Alla fine del XV secolo, Niculoso Francisco Pisano si trasferì nella zona e introdusse lo stile italiano e una nuova tecnica in cui la piastrella viene lavorata come un dipinto a olio.

Estim. 2 000 - 2 500 EUR

Lot 13 - Lavabo antico; Triana, XIX secolo. Ceramica smaltata. Misure: 16,5 x 67 cm. Piccolo bacino realizzato in ceramica e decorato con smalti ad alta temperatura su un ingobbio di stagno bianco, che copre solo l'interno del pezzo. I colori utilizzati sono il nero per il contorno dei motivi, il blu, il verde e il giallo. Il sedile è occupato da un motivo derivato dai modelli Talavera, con un animale sintetizzato molto popolare inserito in un paesaggio. La grondaia è decorata con un bordo geometrico basato su linee a zig-zag. La decorazione è completata da fasce di linee concentriche in blu e verde, un motivo tipico della ceramica spagnola popolare per tutto il XIX secolo. Triana fu un popolare centro di produzione di ceramiche fin dall'epoca romana. In seguito gli arabi introdussero nella zona la tecnica e l'estetica della produzione di ceramica. Alla fine del XV secolo, Niculoso Francisco Pisano si trasferì nella zona e introdusse lo stile italiano e una nuova tecnica in cui la piastrella viene lavorata come un dipinto a olio.

Estim. 2 000 - 2 500 EUR

Lot 14 - Bargueño spagnolo "Salamanca" del XVII secolo. Legno policromo, intarsio e pirografia in osso. Misure: 52 x 83 x 35 cm. Bargueño di esemplare scoperto. Presenta un frontale riccamente elaborato sia per l'intarsio di intarsi e avorio sia per la distribuzione basata su colonnine che strutturano le vie e i registri, quando affiancano ciascuno dei cassetti. I buchi delle serrature alternano profili romboidali e lobati, dinamizzando così il disegno. L'anta centrale nasconde altri due cassetti. Stilisticamente segue gli schemi barocchi, essendo il modello "columnillas" o "salmantino" uno dei più sviluppati. Ma presenta anche altre influenze, come l'intarsio mudéjar. Si tratta di elementi di ispirazione architettonica che strutturano l'insieme sulla base di archi. Il perimetro è scolpito con incisioni ritmiche, come un traforo geometrico.

Estim. 4 000 - 5 000 EUR

Lot 15 - Cassapanca del XVIII secolo. In legno di pino, foderato con tele dipinte dello stesso periodo. Presenta segni d'uso, usura e mancanza di policromia sulle tele. Misure: 74 x 100 x 45 cm. Particolare bagagliaio settecentesco con corpo rettangolare e coperchio a volta, su piedi tagliati. Il tutto è foderato con ritagli di stoffe dipinte con scene paesaggistiche e religiose dello stesso periodo tardo-barocco. Una marina con crepuscolo, altri paesaggi, una Pietà e scene di santi compongono le raffigurazioni.

Estim. 1 200 - 1 500 EUR

Lot 16 - GEORG ARTHUR JENSEN (Danimarca, 1866 - 1935). Vassoio, 1920 ca. 1930. In argento. Con punzoni sulla base. Misure: 35 x 45 cm. Argentiere danese attivo alla fine dell'Ottocento e nei primi decenni del Novecento, Jensen era figlio di un arrotino di Raadvad, a nord di Copenaghen. Iniziò la sua formazione come argentiere all'età di quattordici anni nella capitale danese, come discepolo di Guldsmed Andersen, e divenne indipendente nel 1884 per seguire il proprio percorso creativo. Interessato alla scultura fin da bambino, entra all'Accademia Reale di Belle Arti, dove si diploma nel 1892. Da questa data inizia a esporre le sue opere. Anche se la sua scultura in argilla sarà ben accolta, Jensen si concentrerà sulle arti applicate per guadagnarsi da vivere. Inizia così a lavorare come modellatore nella manifattura di porcellana Bing & Grøndahl, e dal 1898 combinerà questa attività con il lavoro nel piccolo laboratorio di ceramica che fonderà con Christian Petersen. Tuttavia, sebbene i suoi pezzi fossero nuovamente ben accolti, le vendite non erano sufficienti a mantenere Jensen e la sua famiglia, così nel 1901 abbandonò la ceramica e iniziò a lavorare come argentiere e designer con Mogens Ballin. Tre anni dopo divenne indipendente e aprì un proprio laboratorio di argenteria a Copenaghen. La formazione di Jensen come argentiere e la sua educazione alle belle arti gli permisero di combinare le due discipline per far rivivere la tradizione dell'artista artigiano. Ben presto, la bellezza e la qualità delle sue creazioni Art Nouveau affascinarono il pubblico, assicurandogli il successo. Alla fine degli anni Venti, il suo laboratorio di Copenaghen era cresciuto notevolmente e aveva aperto negozi anche a New York, Londra, Parigi, Stoccolma, Berlino e altre città. In effetti, durante questo decennio Jensen vendette i suoi modelli prodotti in Spagna nella vecchia gioielleria situata al numero 90 di Paseo de Gracia a Barcellona. Oggi l'azienda che porta il suo nome è ancora attiva ed è diventata il paradigma del design di lusso scandinavo.

Estim. 1 800 - 2 000 EUR

Lot 17 - Fronte del camino; attribuito a VALENTINO BESAREL (Astragal, Italia, 1829-, Venezia, 1902); Venezia, 1880 circa. Noce intagliato. Presenta un'usura sulla base. Provenienza: Palazzo dei Marchesi di Unza. Misure: 259 x 204 x 44 cm. Fronte del camino in noce intagliato. Il pezzo, che si distingue per le sue dimensioni monumentali, poggia su una base i cui pilastri assumono la forma realistica di Atlante. Sopra di esse, una delicata cornice mostra un ornamento dettagliato a base di foglie d'acanto intagliate, accompagnate da passeri di estrema leggerezza formale e, al centro, da un volto femminile di cavalli in fuga. Questo fregio orizzontale lascia il posto a una trabeazione a cornice ispirata all'architettura classica. Sopra di essa, un grande stemma presenta in rilievo una scena di ispirazione mitologica che sembra rappresentare Venere ed Efesto nell'officina di quest'ultimo, incorniciata da una grande ghirlanda. Questo dettaglio è accompagnato da un gruppo scultoreo rotondo con due uccellini innamorati sulla sommità e una figura maschile e una femminile che si affiancano ai lati. La qualità tecnica dell'intaglio di questo grande paliotto da camino fa pensare che si tratti di un'opera di Valentino Besarel. Infatti, nel libro "Valentino Panciera Besarel (1829-1902) Storia e arte di una bottega d'intaglio in Veneto" si può vedere un paliotto molto simile realizzato in marmo. "Besarel" è un soprannome di origine popolare utilizzato per distinguere la famiglia dell'artista da altre stirpi omonime, ma è arrivato a dominare anche il cognome, al punto che anche nel mondo artistico è conosciuto semplicemente come "Valentino Besarel". L'ultima rappresentante dei "Besarel" Panciera fu la figlia di Valentino, Caterina, morta nel 1947. La famiglia Besarel si occupava di scultura lignea da generazioni: il bisnonno Valentino (1747-1811), allievo di Giampaolo Gamba "Zampòl" e discepolo del maestro Andrea Brustolon, il nonno Giovanni (1778-1842) e anche il padre Giovanni Battista (1801-1873) erano stati intagliatori; quest'ultimo aveva raggiunto una certa notorietà locale lasciando opere in diverse chiese dello Zoldano. Valentino ricevette la sua prima formazione nella bottega paterna, a cui si aggiunse, all'inizio degli anni Quaranta del XIX secolo, la scuola del disegnatore bellunese Antonio. La svolta avviene con l'incontro con Giuseppe Segusini, che lo vede all'opera mentre, seguendo il padre, decora la chiesa arcidiaconale di Agordo. Grazie all'architetto feltrino poté frequentare l'Accademia di Venezia dal 1853 al 1855, pur non riuscendo a completare gli studi. Le sue prime opere indipendenti, sempre su commissione di Segusini, sono i Santi Pietro e Paolo per l'altare maggiore della chiesa parrocchiale di Tiser e i Quattro Evangelisti per il duomo di Belluno (1855-1856). Besarel lavorò a lungo in patria, finché negli anni Sessanta si trasferì a Venezia, dove ricevette grandi onori e fama europea, al punto da diventare fornitore ufficiale delle principali monarchie del continente. Nemmeno l'invalidità subita con la perdita di quattro dita riuscì a interrompere l'attività di Valentino. Presenta usura alla base.

Estim. 25 000 - 30 000 EUR

Lot 18 - Scuola europea, XVIII secolo. "Ercole. Marmo. Misure: 35 cm. di altezza. Nelle rappresentazioni di Ercole bambino, l'eroe è spesso rappresentato mentre sconfigge il serpente con il suo corpo paffuto. Nella scultura qui raffigurata, invece, il leggendario eroe non sta compiendo nessuna delle sue "opere", ma il suo piccolo corpo rimane a riposo, seduto sulle sue natiche nude. I suoi capelli ricci incorniciano un viso dalle guance vaporose. La bocca semiaperta gli conferisce un'espressione vivace. Nella mano destra tiene la mazza, fissata a uno scudo con insegne araldiche. La scultura è in stile neoclassico.

Estim. 1 500 - 2 000 EUR

Lot 19 - Tavolino da caffè. Spagna, 1950 circa. Ferro battuto e dipinto. Piano in marmo. Presenta segni di usura. Misure: 52 x 118 x 50 cm. Tavolino spagnolo, metà del XX secolo. La struttura in ferro battuto presenta una bella chambrana con tripla traversa ornata da borchie metalliche e rifinita da piccole lingue ricurve che si armonizzano con il disegno deformato dei piedi. La superficie del ferro presenta una decorazione "martellata" abbinata a scanalature e, sul perimetro del piano, a ritmiche tacche o piccole pieghe che delimitano il piano in marmo. Presenta segni di usura.

Estim. 2 000 - 2 500 EUR

Lot 20 - Lampadario. Cristallo e metallo. Elettrificato. Presenta segni d'uso. Manca qualche goccia di cristallo. Misure: 70 x 77 x 77 cm. Lampadario a sospensione. La struttura circolare di questa attraente lampada da soffitto è formata da anelli concentrici che nascono nell'asse di sospensione e cadono in attraenti cascate combinando un'infinità di piccole sfaccettature rotonde, che si trasformano progressivamente in lacrime. Nella parte inferiore pendono come stalattiti e la loro vista zenitale mostra un disegno esuberante sotto forma di rosone radiale. Presenta segni d'uso. Mancano alcuni strappi di cristallo.

Estim. 2 000 - 2 500 EUR

Lot 21 - Guarda in olandese WARMINK WUBA. Cassa in legno di noce con decorazioni in ottone. Con fasi lunari. Istruzioni allegate all'interno. Funzionante. Misure: 27 x 15 x 12 cm. Orologio da tavolo olandese con quadrante firmato Warmink. La cassa, in legno di noce, presenta un design di ispirazione architettonica. Applicazioni in ottone decorano i lati come smerli e rocailles sormontati da busti maschili. È dotata di una maniglia superiore. Il quadrante è decorato con incisioni vegetali e la rappresentazione di galee che solcano il mare, che affiancano la finestra per la fase lunare. La numerazione è romana. L'orologio poggia su piedi a forma di volute fogliate.

Estim. 800 - 1 000 EUR

Lot 22 - Arquilla. Siria o Egitto, XVII secolo. Legno e osso. Presenta usura e segni d'uso. Misure: 21 x 34 x 23,5 cm. Continuazione siriana o egiziana della forma prismatica. Spicca il laborioso lavoro di intarsio e intarsio di legno e avorio. Mostra uno stile marcatamente barocco, come si evince dal gusto per il contrasto dei materiali o dall'uso profuso dell'avorio, tipico dell'ebanisteria barocca italiana, su un fondo di ebano e noce. Tutti i suoi lati sono ornati da intarsi in avorio che formano un fitto disegno floreale alternato a elementi geometrici. Il coperchio anteriore è incernierato. All'interno, il fronte è suddiviso in tre registri, di cui quello centrale con una piccola anta. Uno dei cassetti ospita un tagliacarte e altri utensili per la scrittura. Questo cassetto ha anche un piccolo segreto. Sul coperchio, una stella centrale organizza intorno a sé una composizione rigorosamente simmetrica. Le maniglie sono in metallo, a forma di goccia. Presenta segni di usura e di utilizzo.

Estim. 6 000 - 7 000 EUR

Lot 23 - Coppia di credenze Direttorio. Francia, fine del XVIII secolo. Legno di mogano e applicazioni in metallo dorato. Necessita di una rifinitura. Misure: 104 x 78 x 35 cm. Coppia di credenze di identica struttura, sollevate su quattro gambe di profilo circolare più stretto verso la base. Ha il corpo diviso in due livelli, quello inferiore chiuso da due ante scorrevoli a persiana e quello superiore da un ripiano con fondo a specchio. Il piano, in marmo bianco, è sostenuto da due colonne scanalate che proseguono nel corpo inferiore del mobile. Il mobile è coronato da una struttura a balaustra in metallo dorato. Si tratta di una coppia di mobili che prosegue lo stile Direttorio francese o neoclassico, considerato una transizione tra lo stile Luigi XVI e lo stile Impero, di grande funzionalità e leggerezza. Questa semplicità decorativa ed eleganza delle linee è comune nei mobili francesi, così come l'uso di legni "esotici" e la valorizzazione delle loro venature disponendo grandi superfici in questi materiali (o nelle lastre), senza motivi decorativi che interrompano le linee naturali create dalle venature. Ha bisogno di essere revisionato.

Estim. 2 500 - 3 000 EUR

Lot 24 - Tavolo da ufficio in stile Chippendale, Inghilterra, XVIII secolo. In mogano. Misure: 77 x 108 x 64 cm. Tavolo rococò in stile Chippendale. A pianta rettilinea, ha un piano liscio, con una tovaglia in pelle, delimitato da una modanatura. La modanatura è ornata da intagli decorativi. La vita è sostenuta da due cassetti con maniglie in ferro e poggia su quattro sottili gambe con piedi a zampa di gallina. Un intaglio vegetale a forma di fogliame ricopre le spalle delle sottili gambe. Thomas Chippendale (1718-1779) è stato uno dei più importanti decoratori della Londra rococò, nonché l'ideatore dello stile inglese del periodo. Lo stile noto come Chippendale si sviluppò a partire dal 1750 circa e, sebbene iniziò a declinare a Londra intorno al 1765, fu solo allora che iniziò a diffondersi al di fuori della capitale e, per il resto del secolo, ebbe un grande sviluppo nei centri periferici. Lo stile Chippendale è composto da elementi rococò di origine francese, gotica e cinese, mescolati separatamente, tutti insieme o solo due di essi.

Estim. 2 000 - 2 200 EUR

Lot 25 - ODOARDO LUIS RAZZAUTI (Italia, seconda metà del XIX secolo-inizio del XX secolo). "San Francesco d'Assisi", 1900. Lastra di bronzo sbalzata. Firmata e datata sulla base. Presenta una mancanza in una parte del cordone della croce e danni nella patina, crepe e ammaccature. Misure: 137 x 35 x 37 cm. Odoardo Luis Razzauti è stato uno scultore italiano specializzato in bronzo. In collaborazione con Manuel Fuxà, nel 1895 realizzò una famosa replica della Statua della Libertà di New York. La statua era stata commissionata dalla biblioteca Arús di Barcellona, specializzata in massoneria, e recava attributi massonici. Nell'opera attuale, San Francesco d'Assisi è raffigurato in una posa meditativa, tenendo i Vangeli tra le mani, che sporgono dalle lunghe maniche della tunica. La tunica copre tutto il corpo, rivelando i piedi nudi e un volto barbuto estremamente espressivo, solcato da rughe. Gli occhi guardano verso l'alto, instaurando un dialogo silenzioso con Dio.

Estim. 2 500 - 3 000 EUR

Lot 26 - Sedia da sala da pranzo Carlos IV, 1800 ca. Legno laccato e dorato. Rivestimento in tessuto. Con segni d'uso. Necessita di restauro. Misure: 92 x 54 x 44 cm. Questa seduta, composta da sei sedie, corrisponde nella sua interezza allo stile e al periodo di Carlo IV. Hanno tutte una struttura classica e raffinata, sollevata su gambe tronco-piramidali rovesciate. L'ornamento è ridotto a motivi geometrici. La sobrietà corrisponde a un tipo di arredamento che valorizza la semplicità e l'espressione della geometria e della chiarezza strutturale. Lo stile Carlo IV si sviluppò durante l'età d'oro del mobile, che si riferisce al periodo tra il 1725 e il 1835. Durante questo periodo, l'artigianato del mobile raggiunse un grande splendore, poiché il design di ogni pezzo, le tecniche di fabbricazione, la sontuosità e la varietà dei materiali utilizzati coincidevano al massimo della qualità. Le caratteristiche dello stile Carlo IV si distinguono per l'uso della simmetria e l'avversione per le curve, l'ornamentazione fine e classicista, con intarsi geometrici, di solito con composizioni floreali al centro. Applicazioni di bronzo con merletti e gallerie su tavoli, cassettiere e bureau. Mobili dorati e dipinti in colori chiari, decorati con canne e scanalature. I mobili spagnoli in stile Carlo IV replicano quelli francesi, ispirati ai disegni di Gasparini e Ventura Rodríguez. In Catalogna e a Maiorca, tuttavia, si produsse un artigianato del mobile il cui interesse risiedeva in una maggiore indipendenza dai canoni francesi e in una maggiore influenza degli italiani.

Estim. 1 000 - 1 200 EUR

Lot 27 - LENCI (Torino). "Anatre". 1938 Figura in ceramica dipinta a mano. Con segni di fabbricazione sul retro. Misure: 34 x 22 x 17 cm. Lenci era un'azienda italiana produttrice di bambole con sede a Torino, fondata nel 1919. Il nome dell'azienda è l'acronimo della seguente frase latina: "Ludus est nobis constanter industria" (il gioco è il nostro lavoro costante). L'azienda fu fondata da Enrico Scavini, che sposò Elena König nel 1915. Entrambi iniziarono a produrre bambole in feltro pressato, ma alla fine degli anni Venti si dedicarono alla ceramica artistica e alla porcellana, collaborando con i migliori artisti di Milano. Tra i collaboratori di Lenci figurano Luigi Chessa, Giovanni Grande, Otto Maraini, Felice Tosalli, Mario Sturani e Sandro Vacchetti, che fu anche il primo direttore artistico. Le bambole dell'azienda raggiunsero una grande notorietà, essendo le più famose in Italia durante gli anni Venti e Trenta, un periodo di sconvolgimenti dovuti alla dittatura fascista. Inoltre, il successo divenne internazionale in breve tempo, ricevendo premi alle esposizioni internazionali di Zurigo, Roma, Parigi e Milano.

Estim. 1 800 - 2 200 EUR

Lot 28 - LENCI (Torino, anni 1919-1940). "Bambino seduto con frutta". Figura in ceramica dipinta a mano. Con segni di casa sul retro. Misure: 12 x 10 x 10 cm. Lenci era un'azienda italiana produttrice di bambole con sede a Torino, fondata nel 1919. Il nome dell'azienda è l'acronimo della seguente frase latina: "Ludus est nobis constanter industria" (il gioco è il nostro lavoro costante). L'azienda fu fondata da Enrico Scavini, che sposò Elena König nel 1915. Entrambi iniziarono a produrre bambole in feltro pressato, ma alla fine degli anni Venti si dedicarono alla ceramica artistica e alla porcellana, collaborando con i migliori artisti di Milano. Tra i collaboratori di Lenci figurano Luigi Chessa, Giovanni Grande, Otto Maraini, Felice Tosalli, Mario Sturani e Sandro Vacchetti, che fu anche il primo direttore artistico. Le bambole dell'azienda raggiunsero una grande notorietà, essendo le più famose in Italia durante gli anni Venti e Trenta, un periodo di sconvolgimenti dovuti alla dittatura fascista. Inoltre, il successo divenne internazionale in breve tempo, ricevendo premi alle esposizioni internazionali di Zurigo, Roma, Parigi e Milano.

Estim. 800 - 1 000 EUR

Lot 29 - LENCI (Torino, attivo negli anni 1919-1940). "Madonna", 1940 ca. Figura in ceramica dipinta a mano. Firmata "Spatini" in basso sul retro. Con segni di lavorazione sul retro. Misure: 25 x 18 x 11 cm. Lenci era un'azienda italiana produttrice di bambole con sede a Torino, fondata nel 1919. Il nome dell'azienda è l'acronimo della seguente frase latina: "Ludus est nobis constanter industria" (il gioco è il nostro lavoro costante). L'azienda fu fondata da Enrico Scavini, che sposò Elena König nel 1915. Entrambi iniziarono a produrre bambole in feltro pressato, ma alla fine degli anni Venti si dedicarono alla ceramica artistica e alla porcellana, collaborando con i migliori artisti di Milano. Tra i collaboratori di Lenci figurano Luigi Chessa, Giovanni Grande, Otto Maraini, Felice Tosalli, Mario Sturani e Sandro Vacchetti, che fu anche il primo direttore artistico. Le bambole dell'azienda raggiunsero una grande notorietà, essendo le più famose in Italia durante gli anni Venti e Trenta, un periodo di sconvolgimenti dovuti alla dittatura fascista. Inoltre, il successo divenne internazionale in breve tempo, ricevendo premi alle esposizioni internazionali di Zurigo, Roma, Parigi e Milano.

Estim. 1 400 - 1 600 EUR

Lot 30 - JUAN OLIVEIRA VIÉITEZ (Tuy, 1928 - Vigo, 2002). "Cavallo". Scultura in bronzo, copia P.A. Firmato e giustificato. Misure: 40 x 54 x 23 cm (scultura); 3 x 40 x 24 cm (base in marmo). Scultura rotonda che rappresenta un cavallo al galoppo. L'opera si distingue per la grande espressività che l'artista raggiunge plasmando il gesto di un animale che si distingue per la sua dignità e magnificenza nella posa. Joan José de Oliveira si specializzò, nel corso della sua carriera, nella scultura animale, concentrandosi in particolare su figure di tori e cavalli. Si è dedicato all'arte tardi, soprattutto verso i 40 anni, ma ha ottenuto un notevole successo di pubblico e di critica e le sue opere di grande formato si trovano attualmente in importanti spazi pubblici in molte città della Galizia, a Madrid, Guadalajara, Minorca e altrove. Alcune delle sue opere più importanti si possono ammirare a Vigo, in Plaza de España, o nella sua città natale, Tuy. Il suo lavoro è sempre estremamente espressivo, figurativo, ma con forme sintetiche, dove l'autore cerca di riprodurre il movimento, l'emozione, il dinamismo, piuttosto che i dettagli anatomici, che a volte semplifica o, al contrario, esagera, per trasmettere l'emozione che cerca.

Estim. 2 000 - 2 500 EUR

Lot 31 - Orologio impero. Francia, 1810 circa. Bronzo dorato. Movimento parigino. Suoni delle mezz'ore e delle ore. Con chiave e pendolo. Il quadrante presenta lievi difetti di argentatura. Il macchinario deve essere revisionato. Presenta usura e segni d'uso. Misure: 47 x 30 x 10 cm. Orologio da tavolo francese di stile e periodo Impero. È realizzato in bronzo dorato, con una concezione scultorea tipica di questo periodo. È un pezzo di estetica classica, con base decorata da scene classiche in bassorilievo come fregio. Sopra di esso si erge una figura in massa rotonda che rappresenta una musa con una pecora. Tutti questi elementi poggiano sulla cassa dell'orologio. Il quadrante ha numeri romani in nero con lancette di tipo breguet ed è delimitato da una ghirlanda di fiori, a sua volta circondata da cesti con frutta e teste di tritone ai lati.

Estim. 2 000 - 2 500 EUR

Lot 32 - Scuola italiana. Grand Tour, XIX secolo. "Narciso di Pompei". In bronzo dorato. Piedistallo in marmo. Misure: 34 cm; piedistallo 3,5 cm. Scultura in bronzo dorato. Riproduzione di qualità di una famosa scultura romana raffigurante Dioniso. Rinvenuta negli scavi del 1862 a Pompei, è oggi conservata al Museo Archeologico Nazionale di Napoli. L'originale classico mostrava il dio del vino che giocava con una pantera invisibile. Nel XIX secolo cominciò a essere chiamato "Narciso" perché fu erroneamente interpretato come un giovane che guardava il suo riflesso nell'acqua. Le versioni ottocentesche, come quella qui raffigurata, presentano l'aggiunta di una foglia di fico che copre i genitali. Il termine "Grand Tour", apparso per la prima volta in "The Voyage d'Italie" di Richard Lassels, è stato utilizzato per definire il lungo viaggio attraverso l'Europa, in particolare l'Italia, che i giovani aristocratici britannici erano soliti compiere a partire dal XVII secolo, ma soprattutto per tutto il XVIII e XIX secolo. Lo scopo del viaggio era quello di far conoscere ai giovani l'arte e la cultura della Francia e dell'Italia, di ammirare da vicino l'arte classica, di imparare o migliorare la conoscenza delle lingue e di stabilire contatti e relazioni con le élite culturali e politiche di questi Paesi. I viaggiatori erano spesso alla ricerca di pezzi con cui iniziare le proprie collezioni d'arte, oggetti da portare nei luoghi di residenza come souvenir. Per questo motivo, nacquero botteghe specializzate nella replica di pezzi romani, sia in bronzo che in marmo, alcune delle quali acquisirono una grande reputazione.

Estim. 1 500 - 1 800 EUR

Lot 33 - Coppia di lampade, Manises, anni '80. Ceramica smaltata. Collezione Bondia. Misure: 103 x 40 x 40 cm. Coppia di lampade da tavolo con supporto in ceramica smaltata rossa. Il corpo ha una pancia globosa che si assottiglia alla base e al collo, e una fine lavorazione con festoni floreali e fili di uova lavorati a rilievo. È appoggiato su una base in metallo dorato. Il paralume cilindrico è decorato con paesaggi bucolici di ispirazione orientale. L'insieme ricorda le cineserie.

Estim. 1 500 - 1 700 EUR

Lot 34 - Scuola francese del XIX secolo. "Busto di nobile signora". Marmo. Misure: 69 x 50 x 25 cm. Busto scolpito in marmo a tutto tondo, dall'estetica ottocentesca e barocca. Vediamo così una figura femminile dai capelli ondulati e dall'atteggiamento malinconico, dai tratti simmetrici, di chiara matrice classica ma trattata da un punto di vista pittorico. Per quanto riguarda gli aspetti tecnici e formali, lo scultore dimostra una grande padronanza del mestiere, un virtuosismo evidente soprattutto nei dettagli come i capelli e i tratti del viso. In un certo senso, il busto può ricordare quello realizzato da Gian Lorenzo Bernini per il monarca Luigi XIV di Francia. Con questo pezzo, un nuovo concetto di scultura viene incorporato nel mondo dell'arte, mentre riemerge la tipologia del busto che si era persa nel precedente periodo rinascimentale.

Estim. 2 500 - 3 000 EUR

Lot 35 - Scuola francese del XIX secolo. "Due giovani". Coppia in bronzo dorato. Piedistallo in stile impero. Misure: 30 cm. di altezza totale. Coppia di statuette in bronzo dorato, stile francese. Rappresentano una fanciulla e un giovane contadino i cui gesti e il cui abbigliamento si completano a vicenda: le teste leggermente inclinate, incorniciate da capelli ondulati, ornano un viso ovale con occhi a mandorla. Allo stesso modo, entrambi indossano un fazzoletto annodato al collo, giacche aderenti e piedi nudi. Le figure, lavorate alla rinfusa, poggiano su una base cilindrica ornata da due sirene caratterizzate come arpie con ali e code biforcute.

Estim. 800 - 1 000 EUR

Lot 36 - Lanterna francese. Stile impero. 1930-40. Bronzo dorato e vetro. Elettrificato. Misure: 80 x 36 x 36 cm. Lampada da soffitto a lanterna, con struttura in bronzo dorato e sfaccettature in vetro satinato. Segue un design di stile tardo-imperiale, che si nota nella profusione di motivi fogliati basati su foglie d'acanto che decorano gli angoli, così come nella struttura sogueada, nella corona e nell'ornamento di frutta del vertice inferiore. In contrasto con lo stile dell'Impero Romano, in cui dominano i volumi vivaci e si evitano gli elementi decorativi secondari, il gusto per i motivi a rilievo aumenterà nel corso del XIX secolo e questa lanterna francese emula questo secondo periodo nelle sue linee geometriche ornate.

Estim. 800 - 900 EUR

Lot 37 - Medaglia commemorativa di Alfonso XII; Spagna, 1885 circa. Bronzo brunito. Presenta una firma illeggibile. Misure: 18,5 cm (diametro). Medaglia commemorativa di Alfonso XII di Spagna, "Il pacificatore", (Madrid 1857-1885), fu re di Spagna dal 1874 al 1885. Il suo regno segnò la fine della Prima Repubblica, che lasciò il posto al periodo noto come Restaurazione. Fu caratterizzato dal tentativo di consolidare la monarchia e la stabilità istituzionale. Approvò la Costituzione del 1876, pose fine ai conflitti carlisti e firmò la pace con Cuba, guadagnandosi così il suo soprannome. La vita del re si concluse a soli ventisette anni, vittima della tubercolosi, ma con una grande popolarità. Il suo successore fu il figlio postumo Alfonso XIII.

Estim. 400 - 600 EUR

Lot 38 - Set di otto sedie e due poltrone del XVIII secolo. Struttura in legno di noce e sedili a griglia. Presentano segni d'uso. Necessitano di una rifinitura. Misure: 88 x 44,5 x 48 cm (sedie); 86 x 57 x 54 cm (poltrona). Set composto da otto sedie e due poltrone con braccioli, con struttura in legno di noce, decorata con modanature e intagli. I sedili sono in grigliato. Le sedie hanno una struttura stilizzata e leggera, resa possibile dalla solidità del legno di noce. Le gambe anteriori sono lisce, più strette verso la base, mentre quelle posteriori presentano una curvatura morbida ed elegante. La vita è liscia. Lo schienale traforato è praticamente aperto, con tre traverse a mezza altezza, quella superiore decorata con un fleuron circolare, motivi tipicamente neoclassici.

Estim. 2 000 - 2 500 EUR

Lot 39 - Set di bomboniere e portagioie. Francia, alla maniera di Sèvres. Forse BOURDOIS & BLOCH, primo terzo del XX secolo. In porcellana smaltata e dorata con montature in bronzo dorato. Timbri sulla base. Presenta lievi difetti. Misure: 22 x 25 x 19 cm; 11 x 31 x 21,5 cm. Lotto composto da un portagioie e una bomboniera di manifattura francese, in porcellana smaltata in blu King abbinata a bordi e medaglioni in oro in cui sono rappresentate scene galanti e paesaggi bucolici. Entrambi i pezzi si ispirano a modelli rococò. Il portagioie, dal corpo ellittico, poggia su piedi in bronzo dorato rifiniti a cabriole. La bomboniera ha un profilo mistilineo e lobato.

Estim. 700 - 800 EUR

Lot 40 - Grande centrotavola EICHWALD (Germania), 1900 ca. Terracotta barbottina dipinta a mano. Con marchi di fabbricazione sul retro. Presenta alcuni peli e qualche restauro. Misure: 86 x 59 x 25 cm. Centrotavola in terracotta barbottina dipinta a mano. Di fattura tedesca (Eichwald), ha forma di coppa e il suo stile oscilla tra l'ispirazione rococò e l'incipiente modernismo. Diversi putti giocano con un tessuto che avvolge come una tenda il piede del centro. Ogni figura è stata lavorata ad alto rilievo, praticamente come figure libere. Il manico del vaso è decorato con una figura alata ispirata alle polene, con il busto arcuato e attaccato alla bocca del vaso. Volute, medaglioni e bordi sono combinati in un intenso cromatismo. Eichwald è una regione nota per la produzione di ceramiche, che oggi fa parte della Repubblica Ceca (già parte dell'Impero austro-ungarico e poi della Cecoslovacchia). La fabbrica di ceramiche di Eichwald fu fondata nel XIX secolo. Spesso presenta stili che riflettono le tendenze artistiche europee del XIX e dell'inizio del XX secolo, tra cui l'Art Nouveau. I pezzi includono spesso dettagli intricati e disegni elaborati.

Estim. 700 - 800 EUR

Lot 41 - Grande centrotavola. Murano, anni 1970-1980. In vetro blu traslucido. Misure: 8 x 43 x 43 cm. Centrotavola in vetro di Murano blu navy, con la seduta e la grondaia decorate con proliferazioni di ispirazione organica, che ricordano le alghe filamentose del fondo del mare. La reputazione di Murano come centro di produzione del vetro nacque quando la Repubblica di Venezia, temendo incendi e la distruzione degli edifici in legno della città, ordinò ai vetrai di trasferire le loro fonderie a Murano nel 1291. Il vetro di Murano è tuttora associato al vetro veneziano.

Estim. 500 - 600 EUR

Lot 42 - Coppia di pomelli del XIX secolo. Vetro a nido d'ape. Montati su basi di legno. Misure: 13,5 x 8 x 8 cm. Coppia di pomelli ottocenteschi, in origine pomelli per scale. Realizzati in vetro a nido d'ape, presentano un attraente motivo di celle dorate che emula un nido d'ape. La loro forma cilindrica poggia su basi di legno modellato.

Estim. 800 - 1 000 EUR

Lot 43 - Motocicletta; 20° secolo. Argento. Misure: 11 x 29 x 8 cm. Peso: 530 g. Moto realizzato in argento. Questo tipo di lavoro era molto comune nella decorazione di interni a partire dal XX secolo, realizzando piccole sculture a tema animale in molti materiali (bronzo, argento, oro, ecc.).

Estim. 600 - 700 EUR

Lot 44 - Scuola spagnola; XX secolo. "Fagiani". Argento. Presentano pugni. Misure: 20 x 24 x 6 cm (x2). Peso: 364 g. Coppia di fagiani da tavolo in argento del XX secolo, lavorati minuziosamente, con dovizia di particolari, raggiungendo un grande naturalismo. Realizzati a stampo, con dettagli cesellati a freddo, presentano le piume rappresentate una per una, riflettendo le loro qualità con grande realismo. Questo tipo di opera era molto comune nella decorazione di interni fin dal XIX secolo, con piccole sculture a tema animale realizzate in numerosi materiali (bronzo, argento, oro, ecc.).

Estim. 500 - 600 EUR

Lot 45 - Scuola spagnola; XX secolo. "Fagiani". Argento. Presentano pugni. Misure: 16 x 25 x 6 cm (x2). Peso: 340 g. Coppia di fagiani da tavolo in argento del XX secolo, lavorati minuziosamente, con dovizia di particolari, raggiungendo un grande naturalismo. Realizzati a stampo, con dettagli cesellati a freddo, presentano le piume rappresentate una per una, riflettendo le loro qualità con grande realismo. Questo tipo di opera era molto comune nella decorazione di interni fin dal XIX secolo, con piccole sculture a tema animale realizzate in numerosi materiali (bronzo, argento, oro, ecc.).

Estim. 500 - 700 EUR

Lot 46 - Salvilla; Spagna; seconda metà del XX secolo. Argento. Presenta punzoni. Misure: 2,5 x 21,5 cm. Peso: 454 g. Salvilla d'argento con ornamento geometrico. Salvilla o salva, si chiama il piatto a forma di coppa o vassoio con piede di piedistallo, usato come supporto per altri recipienti più piccoli. Una definizione più tecnica la presenta come un recipiente con piede prominente e corpo superiore piatto, il cui rapporto tra altezza e diametro è di un quarto.

Estim. 500 - 700 EUR

Lot 47 - Vaso; Joalharia do Carmo, Portogallo, 1960-1970 circa. Argento. Presenta ammaccature. Ha dei colpi. Misure: 27 x 13 cm. Peso: 700 g. Vaso realizzato interamente in argento con un corpo dal design periforme e ornamenti basati su un motivo geometrico che si dispone su tutta la superficie del vaso. La gioielleria Joalharia do Carmo, situata a Lisbona, è stata fondata nel 1924, diventando un punto di riferimento per l'artigianato e la lavorazione della filigrana. Presenta un'ammaccatura.

Estim. 800 - 900 EUR

Lot 48 - Scrittoio cilindrico a forma di direttorio, fine del XVIII secolo. Legno di mogano e marmo sul piano. Applicazioni in metallo. Con segni d'uso. Necessita di rifinitura. Misure: 106 x 74,5 x 46 cm. Scrittoio francese a tamburo, datato XVIII secolo, di epoca e stile Direttorio, realizzato in mogano. Presenta una struttura chiara ed equilibrata, sollevata su quattro gambe tipicamente neoclassiche, a forma di colonne scanalate stilizzate, più strette verso il piede. Il fronte ospita tre cassetti (due in alto e uno in basso) e un fusto incernierato, tutti dotati di serrature separate. L'interno del fusto presenta altri due cassetti, questa volta di dimensioni più ridotte, entrambi dotati di maniglie, e un vassoio estraibile con tappetino, che funge da piano di scrittura. L'esemplare segue gli stessi criteri neoclassici di semplicità e geometria, con un marcato filetto che corre lungo il profilo di ogni parte della struttura.

Estim. 1 200 - 1 500 EUR

Lot 49 - Tavolino; periodo Direttorio; fine del XVIII secolo. Legno di noce, metallo dorato e marmo. Presenta segni d'uso e necessita di restauro. Misure: 75 x 82. Gueridón d'epoca che segue i modelli estetici tipici del neoclassicismo francese, con struttura di raffinata ispirazione architettonica, gambe a forma di stipite e vita a forma di fregio, in cui si può apprezzare un piccolo vassoio laterale estensibile. Ha piedi in metallo con rotelle e una balaustra superiore, anch'essa in metallo dorato, e un piano in marmo bianco.

Estim. 800 - 1 000 EUR

Lot 50 - Tavolo/peana di Napoleone III. Francia, fine del XIX secolo. Bronzo dorato. Piano in onice. Misure: 80 x 40 x 40 cm. Tavolino stilizzato con possibile funzione di piedistallo con gambe sinuose in bronzo dorato, la cui ispirazione organica basata sulle nervature si prolunga nelle applicazioni in bronzo nelle camere (come composizioni floreali) e nelle ginocchia (con maschere faunistiche). Sono sollevati su piedi a sfera e artiglio, seguendo in questo e nella snellezza del disegno i modelli aulici Luigi XV. L'involucro di onice è splendidamente marmorizzato in varie tonalità di verde.

Estim. 1 000 - 1 200 EUR

Lot 51 - Forbici di scriba; Albacete; XVIII secolo. Acciaio. Misure: 32,5 x 4,5 cm. Le forbici da notaio o da studio notarile, acquisiscono questo nome perché la loro funzionalità risiedeva nel rifilare le barbe o i bordi dei fogli di carta, pratica abituale tra i notai, funzionari o notai. Questo tipo di forbici fu di uso indispensabile dal XVI secolo al XIX secolo, essendo quelle prodotte ad Albacete le più famose. Nel XVII secolo, a causa della proliferazione del servizio civile, che permise la gestione delle colonie, la richiesta di questi utensili aumentò notevolmente. Nel caso delle forbici di Albacete, di solito presentano un'iscrizione con l'anno e il nome dell'artigiano e talvolta il nome e la posizione della persona che ha effettuato l'ordine.

Estim. 1 200 - 1 500 EUR

Lot 52 - Forbici di scriba; Antequera, 1752. Acciaio. Con iscrizione. Misure: 23 x 4,5 cm. Le forbici da notaio o da studio notarile, acquisiscono questo nome perché la loro funzionalità risiedeva nel rifilare le barbe o i bordi dei fogli di carta, pratica abituale tra i notai, funzionari o scrivani. Questo tipo di forbici fu di uso indispensabile dal XVI secolo al XIX secolo, essendo quelle prodotte ad Albacete le più famose. Nel XVII secolo, a causa della proliferazione della funzione pubblica, che permise la gestione delle colonie, la richiesta di questi utensili aumentò notevolmente. Nel caso delle forbici di Albacete, di solito presentano un'iscrizione con l'anno e il nome dell'artigiano e talvolta il nome e la posizione di colui che ha effettuato l'ordine. Presentano l'iscrizione.

Estim. 1 000 - 1 200 EUR

Lot 53 - Ventaglio; Francia, secondo terzo del XVIII secolo. Paese in osso policromo e carta dipinta a guazzo. Presenta difetti. Conserva il supporto del ventaglio. Misure: 4 x 63 x 35 cm (supporto del ventilatore). Ventaglio che presenta un paese ornato da una scena figurativa di grande qualità tecnica. L'artista raccoglie un'immagine costumbrista vicina per tematica ed estetica a quelle galanti tanto in voga nel XIX secolo. In un ampio paesaggio l'autore sviluppa una scena del gusto dell'epoca, in cui è rappresentato un grande giardino, goduto da diversi personaggi. Durante il XVIII e l'inizio del XIX secolo, gli incontri sociali in occasione di eventi pubblici erano il contesto appropriato per le signore per mostrare le loro nuove acquisizioni di moda, di cui i ventagli erano il complemento perfetto. Questi divennero molto importanti non solo per la loro utilità, ma anche perché le signore svilupparono un intero linguaggio intorno all'uso e alla disposizione del ventaglio. Presenta difetti. Conserva il supporto del ventaglio.

Estim. 600 - 800 EUR

Lot 54 - Ciotola; Salvati and Co, Murano, 1970 circa. Vetro filigranato. Presente etichetta sulla base. Misure: 11 x 22,5 x 22,5 cm. Salviati & Co fu fondata nel 1859 a Murano (Italia) dal Dr. Antonio Salviati, Enrico Podio e Lorenzo Radi. Nel 1883 l'azienda fu acquisita dalla famiglia Barovier, ma continuò con il nome Salviati & Co. Dopo la morte di Antonio Salviati nel 1890, l'azienda fu rilevata da Amalia Salviati Ivanich e dai due figli di Salviati, Giulio Salviati e Silvio Salviati. Tra i principali designer dell'azienda figurano Dino Martens (1894-1970), Luciano Gaspari (1913-2007), Romano Chirivi (1931-), Renzo Camerino e Sergio Asti (1926-2021).

Estim. 400 - 500 EUR

Lot 55 - RENÉ LALIQUE (Aÿ, Francia, 1860 - Parigi, 1945). "Bagatelle", 1940 circa. Vetro smerigliato. Firmato sulla base. Misure: 17 x 11 x 11 cm. La ditta Lalique fu fondata da René Jules Lalique (1860-1945), uno dei vetrai più importanti dell'epoca, tra i primi a scolpire il vetro per grandi opere monumentali, come le fontane degli Champs Elysees. Ebbe un grande riconoscimento grazie alle sue originali creazioni di gioielli, flaconi di profumo, bicchieri, piatti, ecc. Si è formato presso il gioielliere parigino Louis Aucoq e ha poi proseguito gli studi al Sudenham Art College di Londra. L'eccellenza delle sue creazioni e il gusto applicato alle sue opere gli valsero importanti commissioni per la decorazione interna di navi, treni come l'Orient Express, chiese come quella di San Nicasio a Reims e numerose oreficerie religiose e civili. Lalique non si accontentò di disegnare i propri modelli, ma fondò anche una fabbrica per produrne grandi quantità, brevettando diversi processi innovativi di fabbricazione del vetro e vari effetti tecnici come il "satin Lalique" o il vetro opalescente. I pezzi di Lalique sono conservati in musei importanti come il Corning Museum of Glass e il Metropolitan di New York, il Louvre o l'Orsay di Parigi, tra i tanti.

Estim. 400 - 500 EUR

Lot 56 - LENCI (Torino, atti 1919-1940). "Giovane donna seduta su una panchina". 1935. Porcellana dipinta a mano. Firmato e datato sul retro. Misure: 24 x 14 x 14 cm. Gruppo scultoreo in porcellana della casa torinese Lenci. Dipinto a mano con colori vivaci e un'estetica caratteristica degli anni Trenta, è stata rappresentata una giovane donna con berretto rosso e aspetto scandinavo seduta su una panchina con un libro aperto lasciato sul sedile e una rana appollaiata sul bordo dello schienale. Lenci era un'azienda italiana produttrice di bambole con sede a Torino, fondata nel 1919. Il nome dell'azienda è l'acronimo della seguente frase latina: "Ludus est nobis constanter industria" (il gioco è il nostro lavoro costante). L'azienda fu fondata da Enrico Scavini, che nel 1915 sposò Elena König. Entrambi iniziarono a produrre bambole in feltro pressato, ma alla fine degli anni Venti si dedicarono alla ceramica artistica e alla porcellana, collaborando con i migliori artisti di Milano. Tra i collaboratori di Lenci figurano Luigi Chessa, Giovanni Grande, Otto Maraini, Felice Tosalli, Mario Sturani e Sandro Vacchetti, che fu anche il primo direttore artistico. Le bambole dell'azienda raggiunsero una grande notorietà, essendo le più famose in Italia durante gli anni Venti e Trenta, un'epoca convulsa per la dittatura fascista. Inoltre, il successo divenne in breve tempo internazionale, ricevendo premi alle esposizioni internazionali di Zurigo, Roma, Parigi e Milano. Negli anni Cinquanta, la manifattura Lenci produce su licenza personaggi Disney come Bambi, Thumper, Peter Pan, Dumbo e Pinocchio. Le ceramiche Lenci sono oggi oggetti da collezione molto apprezzati.

Estim. 1 400 - 1 800 EUR

Lot 57 - Vaso Art Déco. LENCI (Torino, atti 1919-1940). Porcellana dipinta a mano. Firmato e datato sul retro. Misure: 26,5 x 21 x 14 cm. Vaso della casa torinese di ceramica e porcellana Lenci. Il vaso segue i modelli dell'Art Déco nel design e nella decorazione floreale in arancione e nero su bianco. Lenci era un'azienda italiana produttrice di bambole con sede a Torino, fondata nel 1919. Il nome dell'azienda è l'acronimo della seguente frase latina: "Ludus est nobis constanter industria" (il gioco è il nostro lavoro costante). L'azienda fu fondata da Enrico Scavini, che nel 1915 sposò Elena König. Entrambi iniziarono a produrre bambole in feltro pressato, ma alla fine degli anni Venti si dedicarono alla ceramica artistica e alla porcellana, collaborando con i migliori artisti di Milano. Tra i collaboratori di Lenci figurano Luigi Chessa, Giovanni Grande, Otto Maraini, Felice Tosalli, Mario Sturani e Sandro Vacchetti, che fu anche il primo direttore artistico. Le bambole dell'azienda raggiunsero una grande notorietà, essendo le più famose in Italia durante gli anni Venti e Trenta, un'epoca convulsa per la dittatura fascista. Inoltre, il successo divenne in breve tempo internazionale, ricevendo premi alle esposizioni internazionali di Zurigo, Roma, Parigi e Milano. Negli anni Cinquanta, la manifattura Lenci produce su licenza personaggi Disney come Bambi, Thumper, Peter Pan, Dumbo e Pinocchio. Le ceramiche Lenci sono oggi oggetti da collezione molto apprezzati.

Estim. 1 000 - 1 200 EUR

Lot 58 - Coppia di fonti; Compagnia delle Indie, Cina, XVIII secolo. Porcellana. Misure: 37 x 45 cm (x2). Coppia di vassoi in porcellana con smalti della famiglia Rosa, parte di un servizio da tavola con gli stemmi delle famiglie Carr. Dinastia Qing, periodo Qianlong, per l'esportazione, Compagnia britannica delle Indie orientali. La Compagnia delle Indie Orientali era un termine generico per indicare le società che gestivano il commercio tra una metropoli europea e le sue colonie. I produttori cinesi capirono presto che gli europei non erano esperti di porcellana e produssero una volgare porcellana da esportazione, anche con difetti, ma che agli occhi degli occidentali risultò un'autentica opera d'arte. Una volta organizzato regolarmente il commercio, le Compagnie delle Indie fornirono agli artisti cinesi modelli europei, sia per le forme che per le decorazioni. Per tutto il XVIII secolo persistette la serie blu e bianca, ma di qualità inferiore, che venne poi chiamata porcellana di Nanchino.

Estim. 800 - 1 000 EUR

Lot 59 - Seguendo i modelli di KARL HAGENAUER (Austria, 1898 - 1956). "Cavalli al galoppo". Bronzo patinato. Misure: 9,5 x 27 x 3,5 cm. Figlio dell'orafo Carl Hagenauer, Karl studiò alla Scuola di Arti e Mestieri di Vienna, dove ebbe come insegnanti Josef Hoffmann e Oskar Strnad e fu permeato dallo spirito della Wiener Wekstätte. Dopo aver conseguito il diploma in architettura, tra il 1917 e il 1919 svolge il servizio militare e al suo ritorno inizia a lavorare come architetto e nell'atelier del padre. In questi anni crea numerosi pezzi in argento, ottone, rame, smalto, avorio, pietra e legno. Nel 1928, dopo la morte del padre, assume la direzione del laboratorio e si occupa dell'espansione dell'azienda, ampliando la produzione all'ebanisteria e aprendo negozi a Vienna e Salisburgo. Da allora espone i suoi pezzi migliori in Austria e all'estero, riceve due volte la medaglia d'oro alla Triennale di Milano e viene nominato membro dell'Austrian Werkbund e della Werkstätte. Oggi i suoi pezzi fanno parte di collezioni di tutto il mondo, tra cui il Victoria & Albert Museum di Londra, il MoMA e il Jewish Museum di New York, la Casa Lis di Salamanca e molte altre.

Estim. 1 000 - 1 200 EUR

Lot 60 - ÉMILE GALLÉ (Nancy, Francia, 1846 - 1904). Vaso soliflore Art Nouveau, 1898 circa. Vetro cammeo inciso all'acido. Firmato su un lato. Provenienza: Collezione privata spagnola, formatasi tra il 1970 e il 1995. Misure: 33 cm (altezza); 9 cm (diametro). La natura è una delle principali fonti di ispirazione di Gallé, il cui stile era caratterizzato dalla cattura degli elementi in modo naturalistico, come se fossero osservati attraverso una macro, a grandi dimensioni, o sotto forma di paesaggi. Questo pezzo è lavorato all'acido, che era la tecnica principale della produzione industriale di Gallé. Si tratta di un vetro a cammeo, che consiste nel realizzare un pezzo con due o più strati di vetro di colori diversi in modo che, dopo l'immersione nell'acido, il motivo decorativo risulti in rilievo su un fondo liscio di colore diverso. La decorazione in questo caso presenta diversi livelli, con variazioni di rilievo, con un paesaggio dominato da esili alberi in primo piano e montagne imponenti sullo sfondo. Gallé presentò la sua tecnica del cammeo inciso all'acido all'Esposizione di Parigi del 1889, con l'obiettivo di far conoscere al pubblico il vetro modernista. Si trattava di una forma di decorazione più rapida ed economica, che permetteva di ottenere pezzi più accessibili, prodotti in serie ma fatti a mano, poiché non si usavano stencil ma il motivo veniva disegnato a mano su ogni pezzo. Émile Gallé iniziò la sua carriera lavorando per il padre, proprietario di una fabbrica di vetro e ceramica, realizzando disegni con motivi floreali e araldici. Molto interessato alla botanica, la studiò a fondo durante la giovinezza, alternandola a lezioni di disegno. Tra il 1862 e il 1864, su richiesta del padre, viaggiò in Italia, Inghilterra e Germania, interessandosi alle arti applicate ma anche a temi che avrebbe poi ripreso nelle sue opere, come la musica, la filosofia e la natura. Al suo ritorno si stabilì a Meisenthal, dove si trovavano le fornaci di vetro della sua famiglia, per apprendere appieno il mestiere di vetraio. Viaggiò anche a Londra e Parigi per vedere le collezioni dei loro musei. Nel 1874 rilevò la fabbrica paterna e ben presto ottenne un grande successo internazionale, vincendo premi in esposizioni internazionali e vendendo opere a importanti collezioni e musei. Oggi i pezzi realizzati da Émile Gallé si trovano, tra gli altri, al Museo dell'Ermitage di San Pietroburgo, al Metropolitan Museum di New York, al Museo d'Orsay di Parigi, al Museo Brohan di Berlino e al Victoria & Albert Museum di Londra. La natura è una delle principali fonti di ispirazione di Gallé, il cui stile era caratterizzato dalla cattura degli elementi in modo naturalistico, come se fossero osservati attraverso una macro, a grandi dimensioni, o sotto forma di paesaggi. Questo pezzo è lavorato con acido fluoridrico, che era la tecnica principale della produzione industriale di Gallé. Si tratta di un vetro cammeo, che consiste nel realizzare un pezzo con due o più strati di vetro di colore diverso in modo che, dopo l'immersione nell'acido, il motivo decorativo risulti in rilievo su uno sfondo liscio di colore diverso. La decorazione in questo caso è a tre livelli, con variazioni in rilievo, il motivo scuro sul fondo chiaro e, infine, un cielo crepuscolare di tonalità ocra. Gallé presentò la sua tecnica del cammeo inciso all'acido all'Esposizione di Parigi del 1889, con l'obiettivo di far conoscere al pubblico il vetro modernista. Trattandosi di un metodo di decorazione più rapido ed economico, il risultato fu quello di ottenere pezzi più accessibili, prodotti in serie ma fatti a mano, poiché non si usavano sagome ma il motivo veniva disegnato a mano su ogni pezzo.

Estim. 1 400 - 1 500 EUR

Lot 61 - Uccello; Seguendo i modelli BUCCELLATI, XX secolo. Argento 925. Presenta punzoni. Misure: 4 x 9,5 x 4,5 cm. Uccello realizzato interamente in argento con filamenti come filo conduttore nel corpo. Esteticamente l'opera si avvicina ai modelli della ditta italiana Buccellati che, fondata da Mario Buccellati a Milano nel 1919, acquisì presto notorietà per la qualità e l'eleganza delle sue creazioni, sia di argenteria che di gioielleria. Nel 1951 l'azienda apre il suo primo negozio a New York, seguito solo tre anni dopo da una seconda sede nella stessa città. Nel 1979 Gianmaria Buccellati apre il flagship store dell'azienda a Parigi, in Place Vendome, confermando così lo status di azienda tra le più prestigiose al mondo. Già negli anni Novanta la sua importanza sarà riconosciuta con la mostra "The Art of Buccellati", allestita all'Academy of Sciences di San Francisco nel 1995, che l'anno successivo si sposterà al Royal Ontario Museum di Toronto. Nel 2000 lo Smithsonian Institution di Washington D.C. dedicherà all'azienda la mostra "Buccellati: Art in Gold, Silver and Gems", mentre nel 2008 verrà inaugurata la mostra "Buccellati, Timeless Art" presso il Museo di Stato del Cremlino a Mosca.

Estim. 700 - 800 EUR

Lot 62 - Quattordici figure; Swarovski, Austria, XX secolo. Cristallo tagliato. Alcuni pezzi presentano lievi difetti. Firme sulla base. Misure: 8,5 x 5 x 3,5 cm (più grande); 2 x 2 x 2 x 2 cm (più piccolo). Il lotto è composto da 14 figure in vetro tagliato. L'azienda austriaca Swarovski si dedica alla creazione di prodotti in cristallo, una vasta gamma che comprende sculture, miniature in cristallo per la gioielleria e l'alta moda, decorazioni per interni, candelieri e "strass" (tipo di pietra simile al diamante) per produttori e artisti. L'azienda fu fondata da Daniel Swarovski (1862-1956), che nel 1892 inventò una macchina rivoluzionaria che permetteva di tagliare il cristallo con una precisione superiore a quella ottenuta con il taglio a mano. Tre anni dopo aprì una propria fabbrica a Wattens (Tirolo) e nel 1931 lanciò la prima linea di fiocchi con piccoli cristalli tagliati cuciti, entrando così nel mercato degli accessori di moda. Nel 1956, poco prima della sua morte, Swarovski sviluppò con Christian Dior l'effetto "Aurora Boreale", una finitura scintillante che esalta la brillantezza del cristallo tagliato. Alcuni pezzi presentano lievi difetti.

Estim. 600 - 700 EUR

Lot 63 - Ufficio dello scrivano, Francia, 1845-1878. Argento. Misure: 25,5 x 29 x 19,5 cm. Peso: 734 g. Si tratta di uno scrittoio di ispirazione settecentesca, con base a profilo curvilineo, riccamente decorata con bretelle, palmette e foglie d'acanto lavorate a rilievo, con dettagli cesellati. Al centro della base, si trova un tondo ornamentale, anch'esso in argento, raffigurante una giovane donna che regge una ciotola sormontata da una scultura. Su entrambi i lati, calamaio e stenditoio a forma di tazza con alto piede, ornato da petali sintetizzati. Presenta forature.

Estim. 800 - 900 EUR

Lot 64 - Salva con piede basso; Spagna, XVII secolo. Argento. Presenta possibili punzoni. Misure: 4 x 18,5 x 18,5 cm. Peso: 296 g. Salvilla-frutero in argento spagnolo, realizzato tra la fine del XVII secolo. Presenta marchi di fabbrica all'interno della base. Si tratta di un pezzo funzionale, con piede circolare a gradini, senza alcuna decorazione se non le scanalature concentriche incise che seguono il profilo dei gradini, fusto liscio e largo, e vassoio superiore decorato con elementi geometrici. Le salviglie venivano utilizzate per contenere altri recipienti più piccoli e metterli in evidenza sulla tavola e compaiono già nelle nature morte del barocco spagnolo. Venivano realizzate in diversi materiali, tra cui le più pregiate erano quelle in argento. La presente opera corrisponde, dal punto di vista stilistico, ai modelli del Neoclassicismo, caratterizzati da purezza di linee ed eleganza.

Estim. 400 - 500 EUR

Lot 65 - Ufficio dello scrivano; Francia, 1840-1878. Argento. Presenta punzoni. Misure: 20,5 x 34 x 18,5 cm. Peso: 922 g. Scriba interamente realizzato in argento, composto da una base e da tre pozzetti, ciascuno dei quali cesellato. Coronati da piccole figurine, poggiano su un vassoio elevato su due piedi sormontati da un artiglio felino e ai lati da un finale di amorcillo. Si tratta di uno scrittoio riccamente decorato. Come di consueto nell'arte del XIX secolo, l'influenza del Neoclassicismo è evidente in quest'opera, così come l'uso di nuove tecniche nel campo dell'argento per la decorazione di alcuni elementi dello scrittoio. Il movimento che si nota nel vassoio, sebbene molto morbido, ricorda opere precedenti di stili diversi, un'influenza frequente anche in questo periodo.

Estim. 1 200 - 1 500 EUR

Lot 66 - Scribanía; Carreras Platero ESM, Barcellona, terzo quarto del XIX secolo. Argento. Presenta difetti. Presenta punzonature. Misure: 16 x 27 x 16,5 cm. Peso: 636 g. Scriba composto da due calamai e tre contenitori a forma di conchiglia o venera, è accompagnato da timbro. Presenta motivi decorativi di rami e capesante, con un bambino a cavallo di un cane. Ha un design rococò, in cui la struttura parte da una base con diversi motivi vegetali in rilievo. Il rococò si presenta come un'arte al servizio del comfort, del lusso e della festa. Le scene predominanti sono le forme ispirate alla natura e alla bellezza dei corpi nudi. Misure: 16 x 27 x 16,5 cm.

Estim. 600 - 700 EUR

Lot 67 - Studio notarile; Manuel Rebollo e Antonio García, León, 1849. Argento. Presenta difetti. Presenta punzonature sulla base. Misure: 20 x 22 x 13,5 cm. Peso: 1152 g. Scrittoio in argento, con supporto a forma di vassoio con trafori vegetali. Lo scrittoio è dotato di tre contenitori, calamaio, portapenne e sabbiera. Tutti hanno una struttura cilindrica con un disegno simile al tessuto nella zona delle spalle, che lascia il posto al coperchio a forma di cupola con finitura superiore. Presenta difetti.

Estim. 1 200 - 1 400 EUR

Lot 68 - Scribanía; Maestro del Pavone e Francisco de Paula Carreas y Durán; 1883-1847. Argento. Presenta difetti. Presenta punzonature e segni di legge. Misure: 19 x 23,5 x 12 cm. Peso: 722 g. Scrittoio composto da un vassoio ovale sollevato su quattro gambe e decorato con volute ed elementi vegetali. Su questa parte si trovano due vasi con coperchio, dalle linee chiare e dalla decorazione ispirata alla natura, che disegna semplici fiori con la loro fisionomia. Questi due pezzi affiancano una figura in argento a forma di danzatrice con le braccia alzate che sostiene una coppa che termina nella zona superiore a forma di pesce. Come di consueto nell'arte del XIX secolo, l'influenza del Neoclassicismo è evidente in quest'opera, così come l'uso di nuove tecniche nel campo dell'argento per la decorazione di alcuni elementi del bunting. Il movimento che si nota nel vassoio ricorda opere precedenti di stili diversi, un'influenza frequente anche in questo periodo. Presenta punzoni e segni del diritto.

Estim. 900 - 1 000 EUR

Lot 69 - Tappeto Aubusson con targhetta; Spagna, anni 1950. Lana e iuta. Misure: 142 x 323 cm. Presenta un campo bianco sporco con un medaglione polilobato interamente composto da elementi vegetali come fiori naturalistici, principalmente rose, che è circondato da nastri ondulati annodati a fiocco e disposti intorno a ghirlande di fiori simili a quelle del medaglione centrale. Bordo composto da due fasce, la principale decorata con una bordura di elementi vegetali e una esterna con fiori blu. Colori complementari: varie tonalità di rosa, rosso, verde, blu, malva, grigio e giallo.

Estim. 600 - 700 EUR

Lot 70 - Tappeto; Spagna, anni '50. Lana e iuta. Misure: 135 x 250 cm. Tappeto di formato rettangolare che presenta un campo verde con motivi geometrici a griglia con disegno vegetale stilizzato all'interno. Questo elemento si ripete in modo ritmico variando nelle dimensioni e nella disposizione. Il pezzo ha un bordo liscio.

Estim. 600 - 700 EUR

Lot 71 - Tappeto di design Cuenca; Spagna, anni '50. Lana e iuta. Nodo spagnolo. Misure: 250 x 290 cm. Tappeto in lana e juta con nodo spagnolo. Il tappeto presenta un campo beige decorato con motivi vegetali sintetizzati, che formano medaglioni collegati tra loro e ripetuti ritmicamente lungo tutta la superficie. Il bordo è composto da un'unica fascia, occupata da una bordura che ripete un disegno simile a quello presente sul campo del tappeto.

Estim. 800 - 900 EUR

Lot 72 - Lama; Vietnam del Sud, secoli XVIII-XIX. Legno laccato rosso e dorato. Allegato certificato rilasciato dallo specialista Le My Hao. Opera esposta a Highlights Maastricht 2007. Leggera usura. Misure: 55 x 43,5 x 36 cm. Scultura in legno laccato rosso che rappresenta un Lama seduto. Egli adotta anche la postura del fiore di loto ed esegue un mudra che simboleggia che prende la terra come testimone. Si chiama Bhumisparsa mudra, o gesto di toccare la terra. Allude al momento in cui Buddha risolse il problema della fine della sofferenza, quando si trovava sotto l'albero a Bodhi-Gaya. Inoltre, si possono individuare numerosi lakshana, simboli iconografici che identificano il Buddha, come gli occhi socchiusi, i lobi allungati delle orecchie che alludono ai grandi orecchini indossati dai membri delle classi alte dell'India contemporanea a Sakyamuni, e rappresentano i concetti di grandezza, nobiltà e saggezza.Il protagonista indossa una veste monastica con lunghe pieghe che cadono in modo naturalistico. I tratti del viso e del corpo sono molto umani e, allo stesso tempo, individualizzati, e l'attenzione ai dettagli è estremamente elevata. Le costole sono estremamente enfatizzate. È seduto a gambe incrociate, in posizione di meditazione; la sua enorme magrezza potrebbe essere dovuta a un periodo di digiuno, seguendo i passi vitali del Buddha. L'opera è realizzata da un unico blocco di legno con la tecnica della laccatura e della doratura, molto comune nella tradizione artistica vietnamita. In primo luogo, veniva applicato uno strato abbastanza spesso di lacca nera, che poteva essere seguito da uno strato più sottile di lacca rossa o marrone, sopra il quale veniva applicata la doratura. L'abito laccato in marrone Allegato certificato rilasciato dallo specialista Le My Hao. Opera esposta a Highlights Maastricht 2007. Leggera usura.

Estim. 3 000 - 4 000 EUR

Lot 73 - Buddha che ride; Cina, periodo della Repubblica, 1920 circa. Porcellana smaltata e invetriata. Presenta marchi incisi sulla base "Jingzhen Wan Tongshun Zao Bei Lou li". Misure: 25,5 x 24,5 x 14 cm. Buddha ridente realizzato in porcellana smaltata e invetriata che rappresenta una tipologia consueta con protagonista la figura di un grande Buddha accompagnato da cinque bambini. Appare caratterizzato dai tradizionali tratti iconografici del Maitreya della felicità, popolarmente noto come Buddha grasso o Buddha sorridente: occhi obliqui e risate schiette, lobi delle orecchie allungati che simboleggiano nobiltà e saggezza, corpo voluminoso che il mantello copre appena, perché il ventre nudo è portatore di fortuna a chi lo accarezza. La grande espressività del volto, l'aspetto rilassato degli atteggiamenti e il naturalismo con cui vengono colte le carni generose e la morbidezza della carne sono caratteristiche della statuaria cinese. L'origine mitologica di questo avatar di Buddha risale all'epoca della dinastia cinese Liang. Si ritiene che fosse un monaco buddista che, per la sua natura benevola, venne considerato un'incarnazione del bodhisattva Maitreya.

Estim. 3 000 - 4 000 EUR

Lot 74 - Prajnaparamite; Indonesia, Giava centrale, periodo Majapahit, XVI secolo. Pietra arenaria bianca. Allegato certificato di autenticità dello specialista Ha Thuc Can. Presenta difetti e restauri. Misure: 99 x 51 x 49 cm. Stele in pietra arenaria bianca, che presenta una struttura rettangolare rifinita a punta come se fosse un motivo architettonico che accoglie una figura scolpita in altorilievo. La pietra è riccamente scolpita, nella zona inferiore si trova un corpo rettangolare dove sono presenti dettagli in rilievo disposti a piedistallo con foglie di loto schematizzate come dettaglio ornamentale. Su questa base si trova la figura principale scolpita quasi in un rigonfiamento rotondo, che si afferma come motivo principale dell'intaglio. La figura, come già detto, è incorniciata dalla pietra stessa, che è stata scolpita ricreando uno spazio architettonico. Prajnaparamita significa "Perfezione della saggezza" o "Conoscenza trascendentale" in Mah?y?na. Prajnaparamita si riferisce a un modo perfezionato di vedere la natura della realtà, oltre che a un particolare corpo di scritture. Majapahit era un impero giavanese induista-buddista del Sud-Est asiatico, con sede sull'isola di Giava. Majapahit è stato uno degli ultimi grandi imperi induisti-buddisti della regione ed è considerato uno dei più grandi e potenti della storia indonesiana e del Sud-Est asiatico. A volte è considerato il precursore delle frontiere moderne dell'Indonesia. L'arte di Majapahit è la continuazione dell'arte, dello stile e dell'estetica del Giavanese orientale sviluppatasi a partire dall'XI secolo durante il periodo di Kediri e Singhasari. A differenza delle precedenti figure naturalistiche, rilassate e fluide dello stile classico giavanese centrale, questo stile giavanese orientale mostra una posa più rigida e stilizzata, rappresentata in figure simili a wayang, come quelle scolpite nei bassorilievi dei templi giavanesi orientali. Allegato certificato di autenticità dello specialista Ha Thuc Can. Presenta difetti e restauri.

Estim. 15 000 - 20 000 EUR

Lot 75 - Bodhisattva; Cina, dinastia Wei orientale, 534-550 o Qí settentrionale, 550-577. Pietra calcarea con resti di policromia e doratura. Opera esposta a Feriarte 2008. Allegato Test MEB-EDAX. Misure: 108 x 30 x 26 cm. Scultura in pietra calcarea con resti di policromia e doratura, visibili soprattutto nel volto, nelle mani, nel busto e nei piedi, sebbene vi siano anche dettagli ornamentali in cui si notano tracce di doratura. La scultura rotonda ha una finitura lucida sul fronte e sul retro, che indica la qualità tecnica dello scultore e del pezzo. Come di consueto, l'opera poggia su petali di fiori di loto. La figura, eretta e maestosa, si erge con un volto sereno visibile attraverso le palpebre chiuse e un leggero sorriso, i mudra caratteristici di questi pezzi, così come la posizione delle mani. Il termine bodhisattva designa un essere che, attraverso l'esercizio sistematico delle virtù perfette, raggiunge la Buddità, ma rinuncia a entrare nel Nirvana completo per aiutare e guidare tutti gli esseri, fino alla loro liberazione. La sua qualità determinante è la compassione, sostenuta dalla saggezza e dalla conoscenza suprema. Un bodhisattva dà un aiuto attivo ed è pronto a prendere su di sé la sofferenza di tutti gli esseri e a trasferire il suo merito karmico agli altri; logicamente, è oggetto di venerazione da parte dei credenti, che lo sentono più vicino e vedono in lui una guida e un aiuto nei loro bisogni. Opera esposta a Feriarte 2008. Allegato test MEB-EDAX.

Estim. 6 000 - 8 000 EUR

Lot 76 - Parikara - Altare giainista; India, Rajasthan meridionale, Monte Abu; X-XIII secolo. Marmo con tracce di policromia. Ha un piedistallo realizzato ex profeso. Misure: 112 x 71 x 29 cm. Nicchia Jainí destinata a ospitare un'immagine di Jina vittoriosa. L'opera in marmo presenta una decorazione simbolica e allegorica. Si basa su motivi antropomorfi e zoomorfi che alludono alla futilità. L'opera, che nonostante l'intricato motivo ornamentale mantiene una rigorosa simmetria, conserva ancora parte della policromia. I toni verdi, gialli e rossi che si possono notare indicano la grande espressività con cui quest'opera è stata originariamente concepita. Il giainismo, noto anche come Jain Dharma, è una religione indiana. Il giainismo traccia le sue idee spirituali e la sua storia attraverso la successione di ventiquattro tirthankara (predicatori supremi del Dharma), il primo del ciclo temporale attuale è Rishabhadeva, che la tradizione ritiene sia vissuto milioni di anni fa, il ventitreesimo tirthankara Parshvanatha, che gli storici fanno risalire al IX secolo a.C., e il ventiquattresimo tirthankara Parshvanatha, che gli storici fanno risalire al IX secolo a.C., e il ventiquattresimo tirthankara Parshvanatha Parshvanatha, che gli storici fanno risalire al IX secolo a.C.. Il giainismo è una delle religioni più antiche ancora oggi praticate. Mount Abu ospita diversi templi giainisti, tra cui i templi Dilwara, un complesso di templi scolpiti in marmo bianco. Questi templi giainisti furono costruiti da Vimal Shah e progettati da Vastupala, ministro giainista di Dholka. Sono famosi per l'uso del marmo bianco e per le intricate sculture in marmo.

Estim. 20 000 - 25 000 EUR

Lot 77 - Coppia di vasi a balaustro; Cina, dinastia Qing, periodo Qianlong, 1736-1795. Porcellana smaltata e montature in bronzo dorato. Una delle montature è mancante. La base reca un'iscrizione. Misure: 64,5 x 25,5 x 25,5 cm (x2). Coppia di vasi a balaustro in porcellana smaltata in blu, detto "azzurro polvere". Entrambi i pezzi presentano ornamenti vegetali in bianco su blu ed elementi in rilievo come i draghi che fungono da manici. Le bocche sono ornate da montature in bronzo dorato in cui sono rappresentati diversi frutti come grappoli d'uva. L'imperatore Qianlong, appartenente alla dinastia Qing, governò la Cina tra il 1736 e il 1795, ed è ricordato ancora oggi come uno degli imperatori più colti e uno dei più importanti in termini di collezionismo artistico. Il suo lungo regno fu un periodo particolarmente interessante della storia cinese. All'epoca, il Paese era la nazione più ricca e popolosa del mondo. Qianlong fu in grado di preservare e promuovere le proprie tradizioni di cacciatore e guerriero manciù, combinandole con l'adozione dei principi di leadership politica e culturale del confucianesimo, ottenendo così un governo efficace e stabile. In effetti, fu proprio la sua capacità di adottare le usanze cinesi, pur onorando la sua tradizione manciù, a renderlo uno degli imperatori di maggior successo della dinastia Qing. Qianlong studiò la pittura cinese e apprezzò soprattutto l'arte della calligrafia, molto apprezzata in questa cultura, concepita di fatto come la più alta delle arti. Una delle selle è mancante.

Estim. 7 000 - 8 000 EUR

Lot 78 - Pietre di salvia o Gongshi ; Cina, dinastia Qing, XIX secolo. Pietra calcarea su base di legno. Misure: 39 x 17 x 11 cm. I gongshi, noti anche come pietre dello studioso o pietre della visione, sono rocce naturali o sagomate tradizionalmente apprezzate dagli studiosi cinesi. Le pietre degli studiosi possono essere di qualsiasi colore e non sono rari i colori contrastanti. Anche le dimensioni della pietra possono variare notevolmente: le pietre degli studiosi possono pesare centinaia di chilogrammi o meno di un chilogrammo. Il termine identifica anche le pietre collocate nei giardini tradizionali cinesi. Durante la dinastia Tang, le rocce furono riconosciute per una serie di quattro importanti qualità. Esse sono: la sottigliezza, l'apertura, le forature e le rughe. Le pietre studiose sono solitamente calcari carsici. Nel XVII secolo, gli ideali estetici della pittura e delle rocce scolpite erano quasi indistinguibili. Gli insiemi di rocce fantastiche in un giardino, spesso disposti davanti a un muro bianco, come in The Astor Court, potevano ispirarsi a formule compositive sviluppate nei paesaggi dipinti; viceversa, la tessitura e le forme fantastiche dei paesaggi dipinti spesso assomigliavano più a quelle delle rocce degli studiosi che a quelle del paesaggio reale. La passione per le rocce fantastiche culmina in questo periodo in numerosi "ritratti" di esemplari reali e immaginari.

Estim. 600 - 700 EUR

Lot 79 - Scatola per gioielli; Thailandia o Birmania, 1900 circa. Argento sbalzato e anima in legno. Presenta alcuni difetti. Misure: 8 x 25,5 x 15 cm. Peso: 965 g. Scatola rettangolare con coperchio piatto decorato con volute vegetali agli angoli e bordo centrale di profilo mistilineo al cui interno è rappresentata una complessa scena figurativa con personaggi armati montati su elefanti. Il motivo dei guerrieri, pur senza elefanti, si ripete, più semplificato, sul fronte del pezzo. Si ispira chiaramente a modelli del passato, reinterpretandoli e aggiornandoli per adattarli ai nuovi gusti del lavoro attuale. Presenta alcuni difetti.

Estim. 1 200 - 1 500 EUR

Lot 80 - Maschera rituale Nuo; Cina, provincia di Hunan, dinastia Qing, 18° sec. o prima. Legno di Zhang Mu Opera esposta alla Fiera d'arte orientale di Bruxelles, 2008. Presenta lievi difetti. Misure: 28 x 27 x 19 cm; 60 x 22 x 22 x 22 cm (con supporto). Si tratta di una maschera manuale per eseguire la "Danza del Leone". A causa delle sue dimensioni ridotte. La Danza del Leone è nata in Cina circa 2000 anni fa, durante la dinastia Han (206 a.C.-220 d.C.). Ebbe il suo massimo apogeo durante la dinastia Tang (618-907 d.C.), i cui primi riferimenti appaiono nel libro Sulla musica. Nel testo si legge che la Danza del Leone veniva ballata con cinque leoni, uno grande e quattro piccoli, tutti di colore diverso. La danza era riservata alle persone appartenenti alla struttura dominante dell'impero, ma a poco a poco divenne popolare. Questa popolarizzazione ha facilitato la sua trasformazione in quello che è oggi: una danza tradizionale eseguita con un solo leone. Ebbe un grande boom anche durante la dinastia Qing (1644-1911), quando i Manciù vietarono la pratica delle arti marziali, per evitare che il popolo si ribellasse al loro governo dispotico. La maggior parte dei praticanti di Kung Fu diventarono rivoluzionari che volevano ristabilire la dinastia Ming, così la Danza del Leone fu usata per scambiare informazioni tra i rivoluzionari. All'interno dei rituali Nuo, c'era una particolare danza del leone, molto attiva tra i gruppi etnici Han dello Hunan. La maschera veniva tenuta in mano, mentre lo sciamano o la persona che la indossava danzava a ritmo di musica. Cantavano e ballavano con l'accompagnamento musicale, attirando così gli spiriti in una certa zona e implorando i loro favori. Opera esposta alla Fiera d'arte orientale di Bruxelles, 2008. Presenta lievi difetti.

Estim. 300 - 400 EUR

Lot 81 - Maschera rituale Nuo; Cina, provincia di Hunan, dinastia Qing, XVIII secolo o precedente. Legno di Zhang Mu Opera esposta alla Fiera d'arte orientale di Bruxelles, 2008. Presenta lievi difetti. Misure: 52 x 44 x 17 cm; 82 x 40 x 24 cm (con supporto). Si tratta di una maschera manuale per eseguire la "Danza del Leone". A causa delle sue dimensioni ridotte. La Danza del Leone è nata in Cina circa 2000 anni fa, durante la dinastia Han (206 a.C.-220 d.C.). Ebbe il suo massimo apogeo durante la dinastia Tang (618-907 d.C.), i cui primi riferimenti appaiono nel libro Sulla musica. Nel testo si legge che la Danza del Leone veniva ballata con cinque leoni, uno grande e quattro piccoli, tutti di colore diverso. La danza era riservata alle persone appartenenti alla struttura dominante dell'impero, ma a poco a poco divenne popolare. Questa popolarizzazione ha facilitato la sua trasformazione in quello che è oggi: una danza tradizionale che si balla con un solo leone. Ebbe un grande boom anche durante la dinastia Qing (1644-1911), quando i Manciù vietarono la pratica delle arti marziali, per evitare che il popolo si ribellasse al loro governo dispotico. La maggior parte dei praticanti di Kung Fu diventarono rivoluzionari che volevano ristabilire la dinastia Ming, così la Danza del Leone fu usata per scambiare informazioni tra i rivoluzionari. All'interno dei rituali Nuo, c'era una particolare danza del leone, molto attiva tra i gruppi etnici Han dello Hunan. La maschera veniva tenuta in mano, mentre lo sciamano o la persona che la indossava danzava a ritmo di musica. Cantavano e ballavano con l'accompagnamento musicale, attirando così gli spiriti in una certa zona e implorando i loro favori. Opera esposta alla Fiera d'arte orientale di Bruxelles, 2008. Presenta lievi difetti.

Estim. 400 - 500 EUR

Lot 82 - Maschera rituale Nuo; Cina, dinastia Qing, XIX secolo Legno di Zhang Mu. Opera esposta alla Fiera d'arte orientale di Bruxelles, 2008. Presenta difetti e usura. Misure: 29 x 25 x 17 cm; 54 x 22 x 18 x 18 cm (con supporto). Si tratta di una maschera manuale per eseguire la "Danza del Leone". A causa delle sue dimensioni ridotte. La Danza del Leone è nata in Cina circa 2000 anni fa, durante la dinastia Han (206 a.C.-220 d.C.). Ebbe il suo massimo apogeo durante la dinastia Tang (618-907 d.C.), i cui primi riferimenti appaiono nel libro Sulla musica. Nel testo si legge che la Danza del Leone veniva ballata con cinque leoni, uno grande e quattro piccoli, tutti di colore diverso. La danza era riservata alle persone appartenenti alla struttura dominante dell'impero, ma a poco a poco divenne popolare. Questa popolarizzazione ha facilitato la sua trasformazione in quello che è oggi: una danza tradizionale che si balla con un solo leone. Ebbe un grande boom anche durante la dinastia Qing (1644-1911), quando i Manciù vietarono la pratica delle arti marziali, per evitare che il popolo si ribellasse al loro governo dispotico. La maggior parte dei praticanti di Kung Fu diventarono rivoluzionari che volevano ristabilire la dinastia Ming, così la Danza del Leone fu usata per scambiare informazioni tra i rivoluzionari. Opera esposta alla Fiera d'Arte Orientale di Bruxelles, 2008. Presenta difetti e usura

Estim. 300 - 400 EUR

Lot 83 - Maschera rituale Nuo; Cina, provincia di Hunan, dinastia Qing, XVIII secolo o precedente. Legno di Zhang Mu. Opera esposta alla Fiera d'arte orientale di Bruxelles, 2008. Presenta lievi difetti. Misure: 42 x 26 x 15 cm; 55 x 28 x 20 x 20 cm (con supporto). Si tratta di una maschera manuale per eseguire la "Danza del Leone". A causa delle sue dimensioni ridotte. La Danza del Leone è nata in Cina circa 2000 anni fa, durante la dinastia Han (206 a.C.-220 d.C.). Ebbe il suo massimo apogeo durante la dinastia Tang (618-907 d.C.), i cui primi riferimenti appaiono nel libro Sulla musica. Nel testo si legge che la Danza del Leone veniva ballata con cinque leoni, uno grande e quattro piccoli, tutti di colore diverso. La danza era riservata alle persone appartenenti alla struttura dominante dell'impero, ma a poco a poco divenne popolare. Questa popolarizzazione ha facilitato la sua trasformazione in quello che è oggi: una danza tradizionale eseguita con un solo leone. Ebbe un grande boom anche durante la dinastia Qing (1644-1911), quando i Manciù vietarono la pratica delle arti marziali, per evitare che il popolo si ribellasse al loro governo dispotico. La maggior parte dei praticanti di Kung Fu diventarono rivoluzionari che volevano ristabilire la dinastia Ming, così la Danza del Leone fu usata per scambiare informazioni tra i rivoluzionari. All'interno dei rituali Nuo, c'era una particolare danza del leone, molto attiva tra i gruppi etnici Han dello Hunan. La maschera veniva tenuta in mano, mentre lo sciamano o la persona che la indossava danzava a ritmo di musica. Cantavano e ballavano con l'accompagnamento musicale, attirando così gli spiriti in una certa zona e implorando i loro favori. Opera esposta alla Fiera d'arte orientale di Bruxelles, 2008. Presenta lievi difetti.

Estim. 700 - 800 EUR

Lot 84 - Maschera della bestia divina; Cina, Guizhou, dinastia Qing, XVIII-XIX secolo. Legno di Zhang Mu. Mancante dell'orecchio sinistro. Misure: 50 x 39 x 13 cm; 65 x 40 x 24 cm (con supporto). Si tratta di una maschera manuale per eseguire la "Danza del Leone". A causa delle sue dimensioni ridotte. La Danza del Leone è nata in Cina circa 2000 anni fa, durante la dinastia Han (206 a.C.-220 d.C.). Ebbe il suo massimo apogeo durante la dinastia Tang (618-907 d.C.), i cui primi riferimenti appaiono nel libro Sulla musica. Nel testo si legge che la Danza del Leone veniva ballata con cinque leoni, uno grande e quattro piccoli, tutti di colore diverso. La danza era riservata alle persone appartenenti alla struttura dominante dell'impero, ma a poco a poco divenne popolare. Questa popolarizzazione ha facilitato la sua trasformazione in quello che è oggi: una danza tradizionale che si balla con un solo leone. Ebbe un grande boom anche durante la dinastia Qing (1644-1911), quando i Manciù vietarono la pratica delle arti marziali, per evitare che il popolo si ribellasse al loro governo dispotico. La maggior parte dei praticanti di Kung Fu diventarono rivoluzionari che volevano ristabilire la dinastia Ming, così la Danza del Leone fu usata per scambiare informazioni tra i rivoluzionari. All'interno dei rituali Nuo, c'era una particolare danza del leone, molto attiva tra i gruppi etnici Han dello Hunan. La maschera veniva tenuta in mano, mentre lo sciamano o la persona che la indossava danzava a ritmo di musica. Cantavano e ballavano con l'accompagnamento musicale, attirando così gli spiriti in una certa zona e implorando i loro favori. Presenta una mancanza all'orecchio sinistro.

Estim. 700 - 800 EUR

Lot 85 - Maschera rituale Nuo; Cina, Huan, dinastia Qing, XIX secolo. Legno di Zhang Mu. Presenta perdita del naso e difetti. Misure: 48 x 44 x 8 cm; 76 x 44,5 x 27,5 cm (con supporto). È una maschera manuale per eseguire la "Danza del Leone". A causa delle sue dimensioni ridotte. La Danza del Leone è nata in Cina circa 2000 anni fa, durante la dinastia Han (206 a.C.-220 d.C.). Ebbe il suo massimo apogeo durante la dinastia Tang (618-907 d.C.), i cui primi riferimenti appaiono nel libro Sulla musica. Nel testo si legge che la Danza del Leone veniva ballata con cinque leoni, uno grande e quattro piccoli, tutti di colore diverso. La danza era riservata alle persone appartenenti alla struttura dominante dell'impero, ma a poco a poco divenne popolare. Questa popolarizzazione ha facilitato la sua trasformazione in quello che è oggi: una danza tradizionale eseguita con un solo leone. Ebbe un grande boom anche durante la dinastia Qing (1644-1911), quando i Manciù vietarono la pratica delle arti marziali, per evitare che il popolo si ribellasse al loro governo dispotico. La maggior parte dei praticanti di Kung Fu diventarono rivoluzionari che volevano ristabilire la dinastia Ming, così la Danza del Leone fu usata per scambiare informazioni tra i rivoluzionari. All'interno dei rituali Nuo, c'era una particolare danza del leone, molto attiva tra i gruppi etnici Han dello Hunan. La maschera veniva tenuta in mano, mentre lo sciamano o la persona che la indossava danzava a ritmo di musica. Cantavano e ballavano con l'accompagnamento musicale, attirando così gli spiriti in una certa zona e implorando i loro favori. Presenta perdita del naso e difetti.

Estim. 150 - 200 EUR

Lot 86 - Maschera rituale Nuo; Cina, provincia di Hunan, dinastia Qing, XVIII secolo o precedente. Legno di Zhang Mu. Opera esposta alla Fiera d'Arte Orientale di Bruxelles, 2008. Presenta lievi difetti. Misure: 49 x 54 x 27 cm; 72 x 54 x 27 cm (con supporto). Maschera rituale zoomorfa, realizzata in legno. Si tratta di una maschera manuale per eseguire la "Danza del Leone". Date le sue piccole dimensioni, è stata probabilmente utilizzata da un bambino. La Danza del Leone è nata in Cina circa 2000 anni fa, durante la dinastia Han (206 a.C.-220 d.C.). Ebbe il suo massimo splendore durante la dinastia Tang (618-907 d.C.), i cui primi riferimenti appaiono nel libro Sulla musica. Nel testo si legge che la Danza del Leone veniva ballata con cinque leoni, uno grande e quattro piccoli, tutti di colore diverso. La danza era riservata alle persone appartenenti alla struttura dominante dell'impero, ma a poco a poco divenne popolare. Questa popolarizzazione ha facilitato la sua trasformazione in quello che è oggi: una danza tradizionale che si balla con un solo leone. Ebbe un grande boom anche durante la dinastia Qing (1644-1911), quando i Manciù vietarono la pratica delle arti marziali, per evitare che il popolo si ribellasse al loro governo dispotico. La maggior parte dei praticanti di Kung Fu diventarono rivoluzionari che volevano ristabilire la dinastia Ming, così la Danza del Leone fu usata per scambiare informazioni tra i rivoluzionari. All'interno dei rituali Nuo, c'era una particolare danza del leone, molto attiva tra i gruppi etnici Han dello Hunan. La maschera veniva tenuta in mano, mentre lo sciamano o la persona che la indossava danzava a ritmo di musica. Cantavano e ballavano con l'accompagnamento musicale, attirando così gli spiriti in una certa zona e implorando i loro favori. Opera esposta alla Fiera d'arte orientale di Bruxelles, 2008. Presenta lievi difetti.

Estim. 700 - 800 EUR

Lot 87 - Colonna; India, primo terzo del XX secolo. Marmo scolpito. Presenta usura e restauri. Misure: 55,5 x 18 x 18 cm. Colonna in marmo scolpito con base quadrata da cui parte il fusto scanalato. I motivi decorativi dell'arte indiana sono ottenuti, come si può vedere nel timpano, ripetendo elementi semplici intrecciati o sovrapposti. Il gusto per la simmetria risalta, ottenendo così un effetto dinamico e armonioso in cui il dettaglio non prevale sull'insieme. L'infinita reiterazione degli ornamenti nel mondo indiano fa parte di una metafora rappresentativa vicina al concetto di eternità e di mutevolezza dell'universo. L'arte indiana, a differenza di quella occidentale, non imita la natura. Per questo motivo, la rappresentazione stilizzata di ornamenti e motivi vegetali è molto comune. Presenta usura e restauri.

Estim. 400 - 500 EUR

Lot 88 - Testa di Shiva in stile Banteay Srei; Cambogia, seconda metà del X secolo. Pietra calcarea. Opera esposta a Feriarte 2007. Presenta lievi danni. Misure: 32,5 x 16,5 x 20 cm; 44 x 18 x 17 cm (con base). Shiva è una delle divinità della Trimurti o trinità principale dell'induismo. È il dio distruttore, insieme a Brahma, dio creatore, e Vishnu, dio conservatore, anche se non incarna la distruzione senza senso, ma quella che permette anche la rigenerazione, il cambiamento, la rinascita. Insieme alla consorte Parvati (dea dal doppio aspetto: materno e uccisore di demoni) è il padre di Ganesha (dio della saggezza) e di Kartikeia (dio della guerra). In questo caso particolare il volto di questa scultura trasmette una grande dignità basata sulla simmetria dei lineamenti e sulla delicatezza dell'intaglio che si riassume in sottili dettagli di intaglio morbido. La parte inferiore del collo indica che questo pezzo era probabilmente in origine parte di una scultura più grande. Banteay Srei è un tempio cambogiano del X secolo d.C. dedicato alle divinità indù Shiva e Parvati, situato ad Angkor. Il tempio è noto per la bellezza dei suoi architravi, delle sculture e dei frontoni in arenaria. L'edificio e le sculture sono per lo più costruiti in dura arenaria rossa. L'arenaria utilizzata per queste elaborate sculture doveva essere di qualità straordinaria. L'arenaria rossa è infatti un segno distintivo dello stile di Banteay Srei, mai utilizzato in altri stili di Angkor. La sua durezza è anche il motivo per cui, anche dopo un millennio, le incisioni di Banteay Srei sono gli esempi meglio conservati dell'arte angkoriana a rilievo, quasi immutati, poiché non c'è quasi nulla di eroso. Opera esposta a Feriarte 2007. Presenta danni molto lievi.

Estim. 7 000 - 9 000 EUR

Lot 89 - Coppia di fregi; India, XX secolo. Pietra scolpita con tracce di policromia. Presentano difetti nell'intaglio. Misure: 20 x 20 x 10 cm (x2). Coppia di fregi in pietra scolpita che conservano ancora parte della policromia. In entrambi i casi la figura principale è un elefante. Inizialmente, lo sviluppo di queste opere era dedicato alla corte reale, che utilizzava quest'arte per elaborare ritratti, eventi e scene della vita di corte, scene di vita selvaggia e di caccia, nonché illustrazioni di battaglie, con le quali adornavano le architetture. Le immagini sono incorniciate da strisce riccamente decorate, come se fossero vignette. Presentano carenze nelle dimensioni.

Estim. 400 - 500 EUR

Lot 90 - Trà Kieu stile Lakshmi; Vietnam, civiltà Champa, X secolo. Roccia sedimentaria. Allegato certificato di autenticità dello specialista Ha Thuc Can. Misure: 65 x 39 x 26 cm. Scultura scolpita nella roccia sedimentaria che rappresenta Lakshmi, seduta con le gambe incrociate e le mani sulle ginocchia, il busto nudo e gli occhi chiusi in atteggiamento di preghiera. Il pezzo non è stato lavorato nella zona posteriore, caratteristica che indica che è stato concepito per essere visto frontalmente. Per quanto riguarda l'intaglio, spicca la voluttuosità delle forme. Lakshmi è una delle principali dee dell'induismo. È la dea della ricchezza, della fortuna, del potere, della bellezza, della fertilità e della prosperità ed è associata a Maya. Insieme a Parvati e Saraswati, forma la Tridevi delle dee indù. Lakshmi è sia la consorte che l'energia divina (shakti) del dio indù Vishnu, l'Essere Supremo del Vaishnavismo; è anche la Dea Suprema della setta e aiuta Vishnu a creare, proteggere e trasformare l'universo. Ogni volta che Vishnu scendeva sulla Terra come avatar, Lakshmi lo accompagnava come consorte, ad esempio come Sita e Radha o Rukmini come consorti rispettivamente degli avatar di Vishnu, Rama e Krishna.Trà Kieu fu la prima capitale del regno indù di Champa, allora chiamato Simhapura, tra il IV e l'VIII secolo d.C.. Dell'antica città oggi non rimane nulla, se non le mura rettangolari. Sebbene i monumenti Cham di Trà Kieu, nella provincia di Quang Nam, siano stati distrutti, alcuni magnifici pezzi di scultura associati al sito sono ancora conservati nei musei. Allegato certificato di autenticità dello specialista Ha Thuc Can.

Estim. 19 000 - 20 000 EUR

Lot 91 - Bodhisattva; Cina, dinastia Yuan-Ming, XIII-XIV secolo. Legno con tracce di policromia. Allegato certificato C-14. Opera esposta a Feriarte 2006. Presenta difetti. Misure: 137 x 70 x 37 cm; 137 x 72, 5 x 52 cm (con base). Scultura in legno raffigurante Bodhisattva. Il termine bodhisattva designa un essere che, attraverso l'esercizio sistematico delle virtù perfette, raggiunge la Buddità, ma rinuncia a entrare nel Nirvana completo per aiutare e guidare tutti gli esseri, fino alla loro liberazione. La sua qualità determinante è la compassione, sostenuta dalla saggezza e dalla conoscenza suprema. Un bodhisattva dà un aiuto attivo ed è pronto a prendere su di sé la sofferenza di tutti gli esseri e a trasferire il suo merito karmico agli altri; logicamente, è oggetto di venerazione da parte dei credenti, che lo sentono più vicino e vedono in lui una guida e un aiuto nei loro bisogni. In questo caso particolare, il modo in cui è lavorato il retro della scultura indica che il pezzo faceva originariamente parte dell'ornamento di uno spazio architettonico e probabilmente anche di un gruppo scultoreo più ampio. Nonostante i difetti causati dal passare del tempo, si possono ancora apprezzare la qualità dell'intaglio e l'abilità dell'artista. Durante la dinastia Yuan si sviluppò una ricca diversità culturale. Le principali conquiste culturali furono lo sviluppo del teatro e del romanzo e l'aumento dell'uso del vernacolo scritto. Anche le arti e la cultura si svilupparono e fiorirono notevolmente durante la dinastia Yuan. L'unità politica della Cina e di gran parte dell'Asia centrale favorì il commercio tra Oriente e Occidente. Gli ampi contatti dei mongoli con l'Asia occidentale e l'Europa produssero una grande quantità di scambi culturali. Anche le altre culture e i popoli dell'Impero mongolo influenzarono notevolmente la Cina. Fino al suo declino, l'impero mongolo aveva facilitato notevolmente gli scambi e il commercio in tutta l'Asia; le comunicazioni tra la dinastia Yuan e il suo alleato e subordinato in Persia, l'Ilkhanato, favorirono questo sviluppo. Il buddismo ha avuto una grande influenza sul governo degli Yuan e il buddismo tantrico di rito tibetano ha influenzato notevolmente la Cina in questo periodo. Allegato certificato C-14. Opera esposta a Feriarte 2006. Presenta difetti.

Estim. 10 000 - 15 000 EUR

Lot 92 - Vassoio con gambe Giappone, 1900 circa. Lacca "Wakasa-nuri"; intarsio di madreperla. Presenta lievi difetti e segni sulla base. Misure: 14,5 x 36 x 36,5 cm. Vassoio laccato. Il "Wakasa-nuri" è prodotto nelle vicinanze della città di Obama, nella prefettura di Fukui. Si dice che abbia avuto origine all'inizio del periodo Edo (1603-1868) quando un artigiano al servizio del dominio di Obama (l'attuale città di Obama), che controllava la regione vicino alla baia di Wakasa, creò un disegno che raffigurava le meravigliose profondità del mare. Gli elementi che caratterizzano la lacca Wakasa sono la creazione di motivi con gusci d'uovo, conchiglie e aghi di pino e l'uso del togidashi maki-e, una tecnica che prevede l'innalzamento del motivo mediante l'applicazione di più strati di lacca. Presenta lievi difetti e segni sulla base.

Estim. 200 - 250 EUR

Lot 93 - Scrigno da viaggio; Tibet, XVIII secolo. Rame azzurrato e graffiato. Presenta lievi difetti e usura. Misure: 16,5 x 20,5 x 13 cm. Le cassapanche e i forzieri erano utilizzati come luogo ideale per custodire gioielli, documenti o quegli elementi di valore del proprietario. L'importanza del loro contenuto si rifletteva spesso anche all'esterno, per questo motivo erano abbondantemente decorati con intarsi di legni esotici, pietre, osso o avorio, erano policromati con disegni o scene vegetali e presentavano applicazioni in bronzo argentato o accessori in ferro dorato. Lievi difetti e usura.

Estim. 400 - 500 EUR

Lot 94 - Brocca per acqua; Ceylon, XIX secolo. Metallo argentato. Misure: 26,5 x 15 x 15 cm. Brocca in metallo argentato che presenta una base rotonda su cui poggia un corpo globoso che lascia il posto a un lungo collo sfaccettato. Questo termina in una bocca rotonda con un coperchio semisferico unito da una cerniera. Dal punto di vista ornamentale, il pezzo presenta dettagli sotto forma di canestrini sulla base e sul corpo e un anello in rilievo che unisce il collo al corpo.

Estim. 150 - 200 EUR

Lot 95 - Perak cerimoniale; Tibet, XIX secolo. Argento, ottone, pietre dure e turchese. Misure: 9 x 20 x 20 cm. Il perak è un copricapo tipico dell'antica aristocrazia della regione asiatica del Ladakh, sull'Himalaya. È costituito da una cinghia di cuoio tempestata di pietre semipreziose, come lapislazzuli e turchesi. Il perak è un simbolo tra i ladachi del rango e della posizione economica della donna che lo indossa. Tradizionalmente, il numero di file di turchesi dalla parte anteriore a quella posteriore indicava lo status di chi lo indossava: nove file per la regina di Leh (la capitale del Ladakh), sette file per l'aristocrazia più moderna, cinque per i marvelieri e tre per i ranghi inferiori. I gioielli stessi rappresentano le divinità del Ladakh, che proteggono e guidano chi li indossa attraverso il pericoloso mondo umano.

Estim. 350 - 400 EUR

Lot 96 - Puntaspilli per ornamento; Cina, dinastia Qing, XIX secolo. Metallo, pietre dure e smalto. Misure: 23 cm (più grande); 11 cm (più piccolo). Set di puntaspilli in metallo con ornamenti in pietra dura. Usati in modo decorativo, questo tipo di pezzi divennero oggetti indispensabili associati all'abbigliamento femminile più elegante. La dinastia Ching o Qing, nota anche come dinastia Manciù, fu l'ultima delle dinastie imperiali cinesi. Fondata nell'attuale nord-est del Paese dal clan Manciù nel 1644, il suo dominio si concluse con l'abdicazione dell'ultimo imperatore nel 1912 con la Rivoluzione Xinhai e l'instaurazione della Repubblica Cinese, mantenendo per tutto questo tempo la capitale a Pechino. In generale, le forme d'arte tradizionali fiorirono in molti livelli e formati diversi, grazie a una classe superiore altamente istruita, a una fiorente industria editoriale di libri, opuscoli, ecc. Mentre gli stessi imperatori erano, in molte occasioni, artisti di spicco (soprattutto nella pittura), le opere migliori erano realizzate dagli scolari e dall'élite urbana.

Estim. 400 - 500 EUR

Lot 97 - Puntaspilli per ornamento; Cina, dinastia Qing, XIX secolo. Metallo e pietre dure. Misure: 21 cm (più grande); 5,5 cm (più piccolo). Set di puntaspilli in metallo con ornamenti in pietra dura. Usati in modo decorativo, questo tipo di pezzi divennero oggetti indispensabili associati all'abbigliamento femminile più elegante. La dinastia Ching o Qing, nota anche come dinastia Manciù, fu l'ultima delle dinastie imperiali cinesi. Fondata nell'attuale nord-est del Paese dal clan Manciù nel 1644, il suo dominio si concluse con l'abdicazione dell'ultimo imperatore nel 1912 con la Rivoluzione Xinhai e l'instaurazione della Repubblica Cinese, mantenendo per tutto questo tempo la capitale a Pechino. In generale, le forme d'arte tradizionali fiorirono in molti livelli e formati diversi, grazie a una classe superiore altamente istruita, a una fiorente industria editoriale di libri, opuscoli, ecc. Mentre gli stessi imperatori erano, in molte occasioni, artisti di spicco (soprattutto nella pittura), le opere migliori erano realizzate dagli scolari e dall'élite urbana.

Estim. 400 - 500 EUR

Lot 98 - "Corona dell'Oracolo"; Tibet, XIX secolo. Argento sbalzato e dorato, corallo e turchese. Misure: 18,5 x 20 x 19 cm. Questa corona oracolo in argento sbalzato e dorato è decorata con cabochon di turchese e corallo. La lavorazione dell'oro è riccamente intagliata e l'interno della corona è dotato di un cuscino rivestito di tessuto. Questo tipo di corona veniva indossata dagli oracoli tibetani durante le trance. Anche i Bodhisattva nella loro forma iraconda indossano spesso questo tipo di copricapo a cinque teschi, ognuno dei quali rappresenta uno dei cinque Buddha della "saggezza", i cosiddetti Cinque Buddha Dhyani. Corone simili venivano indossate anche in Mongolia.

Estim. 1 000 - 1 200 EUR

Lot 99 - Perak cerimoniale; Tibet, XIX secolo. Argento, ottone, pietre dure e turchese. Misure: 6,5 x 19,5 x 21,5 cm. Il perak è un copricapo tipico dell'antica aristocrazia della regione asiatica del Ladakh, sull'Himalaya. È costituito da una cinghia di cuoio tempestata di pietre semipreziose, come lapislazzuli e turchesi. Il perak è un simbolo tra i ladachi del rango e della posizione economica della donna che lo indossa. Tradizionalmente, il numero di file di turchesi dalla parte anteriore a quella posteriore indicava lo status di chi lo indossava: nove file per la regina di Leh (la capitale del Ladakh), sette file per l'aristocrazia più moderna, cinque per i marvelieri e tre per i ranghi inferiori. I gioielli stessi rappresentano le divinità del Ladakh, che proteggono e guidano chi li indossa attraverso il pericoloso mondo umano.

Estim. 200 - 300 EUR

Lot 100 - Puntaspilli per ornamento; Cina, dinastia Qing, XIX secolo. Metallo dorato e smalto. Misure: 11,5 cm. Coppia di puntaspilli in metallo con ornamenti smaltati in blu. Usati in modo decorativo, questo tipo di pezzi divennero oggetti indispensabili associati all'abito femminile più elegante. La dinastia Ching o Qing, nota anche come dinastia Manciù, fu l'ultima delle dinastie imperiali cinesi. Fondata nell'attuale nord-est del Paese dal clan Manciù nel 1644, il suo dominio terminò con l'abdicazione dell'ultimo imperatore nel 1912 a causa della Rivoluzione Xinhai e l'istituzione della Repubblica di Cina, che mantenne la capitale a Pechino per tutto questo tempo. In generale, le forme d'arte tradizionali fiorirono in molti livelli e formati diversi, grazie a una classe superiore altamente istruita, a una fiorente industria editoriale di libri, opuscoli, ecc. Mentre gli stessi imperatori erano, in molte occasioni, artisti di spicco (soprattutto nella pittura), le opere migliori erano realizzate dagli scolari e dall'élite urbana.

Estim. 200 - 250 EUR

23 settembre - Arti decorative e arte orientale

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Lot 43 - Motocicletta; 20° secolo. Argento. Misure: 11 x 29 x 8 cm. Peso: 530 g. Moto realizzato in argento. Questo tipo di lavoro era molto comune nella decorazione di interni a partire dal XX secolo, realizzando piccole sculture a tema animale in molti materiali (bronzo, argento, oro, ecc.).