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martedì 02 lug a : 17:00 (CEST)

CASTELLO DI LAUDON - ASTA DEL TESORO! - 13A ASTA DI TIBERIUS

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Neue-Welt-Gasse 21-23 1130 Wien, Austria
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568 risultati

Lotto 6 - Francesco Bassano il Giovane Bassano del Grappa 1549 - 1592 Venezia Mercato di Venezia durante il Carnevale Olio su tela originale 140,5 x 185,5 cm, con cornice 182,5 x 207,5 cm Firmato in basso a destra Francesco Bassano il Giovane è stato un pittore italiano appartenente alla celebre famiglia di artisti Bassano. Nato a Bassano del Grappa, era il figlio maggiore di Jacopo Bassano, figura di spicco del Rinascimento veneziano. Francesco si formò nella bottega del padre, dove sviluppò le sue capacità pittoriche e adottò la predilezione del padre per i colori vivaci e le composizioni dinamiche. La famiglia Bassano era nota per il suo approccio innovativo alle scene di genere e per l'uso magistrale della luce e dell'ombra, che Francesco continuò abilmente. Le opere di Francesco sono caratterizzate da una vibrante energia e da una meticolosa attenzione ai dettagli. Spesso raffigura soggetti religiosi, scene pastorali e vivaci scene di mercato, catturando l'essenza della vita quotidiana con un occhio attento all'osservazione. I suoi dipinti riflettono una miscela perfetta tra l'influenza paterna e il suo stile unico, rendendolo una figura significativa del tardo Rinascimento. Questo dipinto cattura l'atmosfera vivace e caotica di un mercato a Venezia durante il periodo di carnevale. La composizione dettagliata riflette l'atmosfera vivace del carnevale veneziano. In primo piano a destra, una venditrice di generi alimentari è intenta ad accudire i suoi clienti, offrendo all'osservatore un punto d'ingresso fondato. La gamma di prodotti offerti attira immediatamente l'attenzione dell'osservatore e stabilisce il tono energico della scena. Al centro, in primo piano, una donna mascherata, accompagnata da un musicista e da un servitore con un cane, avanza verso sinistra. La donna mascherata, simbolo del carnevale, conferisce alla scena un'aria di mistero e di festa. Anche il musicista e il servitore, con i loro rispettivi strumenti e animali domestici, contribuiscono al carattere vivace e vario della scena. Da sinistra si vede un uomo barbuto che corre verso destra, forse all'inseguimento di qualcosa o qualcuno, aggiungendo un senso di urgenza e movimento al dipinto. Questa figura, dinamicamente gesticolante, contrasta con la donna che cammina con calma. Sullo sfondo, la piazza è piena di persone che svolgono le loro attività. Anche le finestre delle case sono piene di spettatori, a sottolineare la natura comunitaria dell'evento. Un bue appare in mezzo alla folla, a simboleggiare la diversità del mercato e la mescolanza dei diversi aspetti della vita. I colori vivaci degli abiti delle figure, in particolare i rossi vibranti, spiccano sul cielo blu scuro e nuvoloso e sui toni più scuri dell'architettura e del terreno. Questo contrasto crea un effetto visivo drammatico che enfatizza il carattere festoso e un po' disordinato della scena. L'osservatore è attratto dalla vita vibrante e dai festeggiamenti.

Stima 8 000 - 16 000 EUR

Lotto 7 - Leonello Spada Bologna 1576 - 1622 Parma, attribuito Susanna al bagno Olio su tela, ribattuto 161 x 123 cm, con cornice 177 x 140 cm Antica etichetta espositiva sul retro Leonello Spada è stato un pittore italiano di Bologna che si è affermato come un importante successore di Caravaggio. Spada si formò inizialmente presso i fratelli Carracci, che ebbero una grande influenza sul movimento barocco. L'incontro di Spada con lo stile rivoluzionario di Caravaggio durante il suo soggiorno a Roma ebbe un impatto duraturo sulla sua direzione artistica. Le opere di Spada sono spesso caratterizzate da intensi contrasti di luce e ombra, composizioni dinamiche e uno spiccato senso di realismo, caratteristiche proprie dell'influenza di Caravaggio. Il dipinto presenta l'importante soggetto di Susanna al bagno e raffigura la storia biblica di Susanna tratta dal Libro di Daniele. In questa storia, Susanna, una donna virtuosa e bella, sta facendo il bagno nel suo giardino quando viene avvicinata da due uomini anziani che si sono nascosti per osservarla. Quando rifiuta le loro avances, la accusano ingiustamente di adulterio e la processano. Tuttavia, il giovane profeta Daniele interviene, dimostra la sua innocenza e condanna gli anziani. Nella rappresentazione di Spada, Susanna è in primo piano, con la figura nuda parzialmente girata verso lo spettatore in un gesto di vergogna e angoscia. I suoi gesti drammatici e il suo volto espressivo trasmettono il suo shock e la sua paura mentre cerca di coprirsi e allo stesso tempo di sfuggire agli uomini. I due uomini più anziani nell'angolo in alto a sinistra della composizione la guardano da dietro una staccionata, le loro intenzioni sinistre sono chiare nel linguaggio del corpo e nelle espressioni del viso. L'ambientazione è un giardino recintato, che simboleggia sia la privacy di Susanna sia l'invasione di tale privacy da parte degli anziani intrusi. Un albero sullo sfondo aggiunge profondità alla composizione e funge da barriera naturale, rafforzando la natura chiusa e intima della scena. Il contrasto tra l'innocenza e la purezza di Susanna e la natura depravata e predatoria degli anziani è chiaramente enfatizzato dall'uso sapiente di luci e ombre di Spada, che attira l'attenzione dello spettatore sulle figure centrali e sulla loro interazione. La padronanza di Spada delle tecniche caravaggesche è evidente nel naturalismo delle figure e nell'intensità drammatica della scena. La tensione emotiva e i temi morali della virtù e del vizio sono trasmessi con forza, rendendo questo dipinto una rappresentazione avvincente della storia biblica e una testimonianza dell'abilità artistica di Spada.

Stima 4 000 - 8 000 EUR

Lotto 8 - Girolamo Forabosco Venezia 1605 - 1679 Padova, attribuito Ritratto di nobildonna Olio su tela, ribattuto 128 x 101,5 cm, con cornice 154 x 128 cm Girolamo Forabosco è stato un pittore barocco italiano noto per i suoi ritratti e le sue composizioni religiose. Nato a Venezia, Forabosco fu influenzato dalla ricca tradizione artistica della città e dalle opere di famosi pittori veneziani come Tiziano e Tintoretto. Si guadagnò una reputazione per l'abilità nel catturare i tratti fini e le personalità espressive dei suoi soggetti. Le opere di Forabosco si distinguono per l'attenzione ai dettagli, l'uso ricco del colore e il drammatico gioco di luci e ombre, caratteristiche fondamentali dello stile barocco. Questo ritratto mostra una nobildonna che irradia l'eleganza e la raffinatezza tipiche dell'aristocrazia veneziana. I suoi capelli ricci sono ornati da un pomposo ornamento che conferisce al suo aspetto un tocco di grandezza. Grandi orecchini le incorniciano il viso, mentre un fiocco e un vistoso fiore rosso tra i capelli sottolineano la sua presenza aristocratica. L'abito della dama è di un delicato colore rosa, contrastato da pizzi bianchi sulla scollatura e sulle maniche e da rifiniture nere. Questo dimostra la meticolosa attenzione di Forabosco per i dettagli del tessuto e della moda. Catene dorate sono drappeggiate sul vestito, aggiungendo un tocco di opulenza. Con la mano sinistra, la donna afferra le pieghe voluminose dell'abito, suggerendo grazia e dinamismo nella sua posa. Con la mano destra si appoggia elegantemente a un tavolo su cui si trova un vaso dall'aspetto antico con una natura morta floreale colorata. Lo sfondo del dipinto è scuro, creando un forte contrasto che mette in risalto la figura illuminata della protagonista. Questo sfondo scuro, tipico della ritrattistica barocca, serve ad attirare l'attenzione dell'osservatore sulla presenza dignitosa della signora e sui dettagli intricati del suo abbigliamento. Una colonna scanalata dietro i fiori aggiunge un elemento classico alla composizione, indicando sia il lignaggio aristocratico che la raffinatezza culturale della protagonista. Nel complesso, il ritratto di Forabosco trasmette un senso dello status e della personalità della protagonista attraverso l'attenta composizione e la ricchezza dei dettagli.

Stima 8 000 - 12 000 EUR

Lotto 9 - Nicolas de Largillière Parigi 1656 - 1746 Parigi, attribuito Ritratto del Lieutnant General des Armées DE COURCY con l'Ordine di San Luigi ex Coll. DE COURCY Olio su tela, ribattuto 146,5 x 114 cm, con cornice 173,5 x 142 cm Titolato in basso al centro sulla cornice Nicolas de Largillière è stato un importante pittore francese noto per i suoi ritratti, nei quali ha catturato l'eleganza e la grandezza dell'aristocrazia e della borghesia francese. Nacque a Parigi e trascorse parte della sua giovinezza ad Anversa, dove fu formato dal pittore barocco fiammingo Antoine Goubau. Questa influenza precoce è chiaramente visibile nelle composizioni dettagliate e colorate di Largillière. Nel 1675 Largillière si trasferì a Londra, dove lavorò per un breve periodo con Sir Peter Lely, un altro importante ritrattista dell'epoca. Tuttavia, tornò presto a Parigi, dove fu ammesso all'Académie Royale de Peinture et de Sculpture nel 1686. Nel corso della sua carriera, divenne il principale ritrattista del suo tempo in Francia, rinomato per la sua capacità di impregnare le sue opere di colori vividi e luminosi. Tra i suoi clienti figurano membri della corte reale, della nobiltà e cittadini di spicco, consolidando la sua reputazione di artista di spicco del periodo barocco francese. In questo importante ritratto, il tenente generale delle Armées de Courcy è raffigurato con la grandezza e l'autorità che si addicono al suo grado militare. Il generale si trova davanti a uno sfondo scuro, una classica tecnica Largillière che enfatizza la presenza del personaggio e mette in risalto il suo abbigliamento. A sinistra, una colonna e un sipario conferiscono alla composizione un tocco di architettura classica e di teatralità. Il tenente generale indossa un'alta parrucca grigia e riccia, simbolo di status e raffinatezza nella Francia del XVIII secolo. La sua veste rossa è riccamente ricamata in oro, a sottolineare la sua ricchezza e la sua posizione. Sopra questo splendido abito indossa una corazza, che simboleggia il suo ruolo militare. Alla corazza è attaccata la medaglia dell'Ordine di San Luigi, un'onorificenza assegnata per un servizio militare esemplare. La sua postura irradia sicurezza e comando: la mano sinistra è saldamente appoggiata sul fianco, conferendo una postura di autorità. Nella mano destra tiene un piccolo bastone, che appoggia alla base della colonna, sottolineando ulteriormente il suo aspetto dignitoso. I dettagli dell'abbigliamento e la composizione accurata riflettono l'abilità di Largillière nel rappresentare non solo l'aspetto fisico, ma anche il carattere e lo status dei suoi soggetti.

Stima 6 000 - 12 000 EUR

Lotto 10 - Hyacinthe Rigaud Perpignan 1659 - 1743 Parigi Ritratto del cardinale André-Hercule de Fleury Olio su tela, ribattuto 81,5 x 63,5 cm, con cornice 95 x 79,5 cm Hyacinthe Rigaud fu un importante pittore francese del periodo barocco. Fin da piccolo dimostrò un talento eccezionale e ricevette una formazione formale dal padre, un modesto ritrattista. Le capacità di Rigaud attirarono presto l'attenzione di influenti mecenati, facendolo diventare uno dei ritrattisti più richiesti in Francia. Lo stile di Rigaud era caratterizzato da un'attenzione meticolosa ai dettagli, da colori ricchi e da composizioni magnifiche, che riflettevano l'opulenza e lo splendore della corte francese. I suoi ritratti raffiguravano spesso aristocratici, ecclesiastici e altre figure di spicco, di cui coglieva la statura e la personalità con notevole precisione. Un'opera notevole è il ritratto del cardinale André-Hercule de Fleury (Lodève 1653 - 1743 Parigi). Era un cardinale e primo ministro francese che guidò il governo del re Luigi XV dal 1726 al 1743. Su uno sfondo scuro, il cardinale Fleury è raffigurato con un abito bianco decorato con dettagli intricati e completato da un mantello e un copricapo rosso vivo. Guarda lo spettatore con un caldo sorriso che irradia sicurezza e saggezza ed emana una dolce autorità. Le voluminose vesti indossate dal cardinale sottolineano la sua aura maestosa e lo avvolgono in un'aria di maestoso splendore. L'uso sapiente di luci e ombre conferisce al ritratto profondità e dimensione, nonché un senso di dinamismo e vitalità. Questo dipinto, una ripetizione di altissima qualità di un'opera precedente di Rigaud del 1730, ora alla Wallace Collection (P130), realizzata dalla sua stessa mano, è un esempio della maestria dell'artista nella ritrattistica e della sua capacità di catturare l'essenza dei suoi soggetti con una finezza senza pari. Grazie alla sua maestria, Rigaud immortala il cardinale Fleury e invita lo spettatore a contemplare l'eredità duratura di questa influente figura della storia francese.

Stima 4 000 - 8 000 EUR

Lotto 11 - Pittore italiano XVI-XVII secolo Vergine alla finestra Olio su tela, ribattuto 95 x 78 cm, con cornice 116 x 97 cm Due etichette sul retro Questo dipinto di un pittore italiano del 1600 circa offre uno spaccato accattivante della vita domestica del periodo barocco. La scena raffigura un momento di tenerezza tra una madre e il suo bambino che allatta. La donna culla il suo bambino vicino al seno; il suo sguardo è pieno di affetto materno. Accanto alla madre e al bambino, una finestra inonda la stanza di luce soffusa. Un uomo anziano si sporge dalla finestra, assorto in un libro, con le dita che girano delicatamente la pagina. Questa giustapposizione di cure domestiche e impegno scientifico crea una ricca narrazione che suggerisce l'armoniosa coesistenza di amore familiare e curiosità intellettuale. In primo piano, una natura morta di frutta e delizie aggiunge profondità e consistenza alla composizione. L'accostamento di domesticità e golosità arricchisce ulteriormente la composizione ed evoca i temi dell'agiatezza e dei piaceri della vita quotidiana. Sullo sfondo, elementi architettonici come i motivi a colonna e una tenda drappeggiata richiamano influenze classiche e conferiscono alla scena un senso di atemporalità ed eleganza. Questi ornamenti antichi fanno da sfondo al quadro intimo che si svolge in primo piano, rafforzando l'impressione generale di armonia ed equilibrio della composizione. Con un'abile pennellata e una grande attenzione ai dettagli, il pittore italiano cattura l'essenza della vita domestica del periodo barocco e invita lo spettatore a immergersi in un mondo di tranquilla bellezza e sobria raffinatezza.

Stima 4 000 - 6 000 EUR

Lotto 12 - Maestro dell'Europa meridionale XVII secolo San Daniele Olio su rame 33 x 23,5 cm, con cornice 45,5 x 36 cm Etichettato "Portugau" sul retro San Daniele è un personaggio di spicco della Bibbia, noto per la sua fede incrollabile e per essere sopravvissuto nella fossa dei leoni. La storia tratta dal Libro di Daniele racconta della resistenza di Daniele al decreto del re Dario che vietava di pregare qualsiasi dio o uomo che non fosse il re. Per la sua disobbedienza, Daniele fu gettato nella fossa dei leoni. Miracolosamente, rimase illeso per tutta la notte, protetto da un angelo inviato da Dio. Questo evento sottolinea la pietà di Daniele e la potenza di Dio e lo rende un simbolo della fede e della liberazione divina. Un dipinto di un maestro dell'Europa meridionale del XVII secolo, forse portoghese, raffigura questo episodio miracoloso in modo rappresentativo, utilizzando diversi motivi iconografici. Il dipinto mostra il giovane Daniele in piedi, fiducioso, tra due leoni che giacciono sottomessi ai suoi piedi. Lo sfondo è un pittoresco paesaggio collinare e montuoso, dipinto sotto un cielo che sfuma nei toni del rosa, del giallo e del blu, dando alla scena un senso di sereno crepuscolo. Due piccole figure - una delle quali è un angelo - scendono dall'alto a destra, segnalando con la loro presenza l'intervento divino. Daniele, vestito con una lunga tunica elaborata e ricamata, un mantello rosa e un copricapo simile a un turbante, guarda verso questi esseri celesti con uno sguardo di tranquilla fiducia. Un'aureola circonda il suo capo e sottolinea la sua santità. Nella mano destra tiene una banderuola con l'iscrizione "Sanctus Daniel Profecta", che si traduce in "San Daniele Profeta". Tuttavia, il legame tra San Daniele e il Portogallo può essere ricondotto all'integrazione culturale e religiosa delle figure bibliche nell'arte portoghese. Il Portogallo, con la sua radicata tradizione cattolica, ha spesso adottato santi tratti dalle storie bibliche e li ha onorati per la loro fede esemplare e per i miracoli a loro associati. La rappresentazione di San Daniele nell'arte portoghese potrebbe riflettere l'ammirazione del Paese per la sua storia e sottolineare i temi della protezione divina e della fedeltà che risuonavano profondamente nel contesto religioso portoghese. Questo dipinto non solo dimostra l'abilità artistica del suo creatore, ma serve anche a testimoniare l'influenza duratura delle storie bibliche attraverso culture ed epoche diverse. Illustra inoltre come la storia di San Daniele continui a ispirare e affascinare i credenti.

Stima 2 000 - 4 000 EUR

Lotto 13 - Cristo con gli studiosi Fiammingo, XVII secolo Olio su pannello di quercia a cassettoni 56 x 90 cm, con cornice 75 x 105 cm Questo dipinto, realizzato da un pittore fiammingo nel XVII secolo, raffigura con vivacità la scena biblica di Gesù tra gli studiosi. La composizione introduce lo spettatore nella scena attraverso una figura clericale in dialogo con un nobile all'estrema destra. Questa interazione enfatizzata fa da contrappunto a Cristo, che è posizionato all'estrema sinistra al centro del campo. Tra questi due punti focali si trova un dinamico assembramento di figure sedute e di ascoltatori a cavallo, che sembrano tutti ascoltare attentamente Gesù. La scena è ambientata in un paesaggio idilliaco con alberi scuri dalle ricche tonalità di verde e marrone, che creano un'atmosfera calma e contemplativa. Il lato sinistro del dipinto, alle spalle di Cristo, si apre su un cielo nuvoloso. Cristo gesticola verso il gruppo che lo circonda, sottolineando il suo ruolo di maestro e di figura centrale. Ciò che è particolarmente notevole in questo dipinto sono i colori rossi brillanti, che spiccano dalla tavolozza di colori altrimenti tenui. Il mantello di Cristo e l'abito del nobile, così come le piume del suo cappello, sono dipinti in tonalità di rosso acceso, che catturano l'attenzione dell'osservatore. L'uso di questo colore enfatizza l'importanza delle figure e conferisce alla composizione un contrasto dinamico. L'attenzione ai dettagli e la capacità dell'artista di raccontare una storia attraverso il colore e la composizione riflettono l'enfasi dello stile barocco fiammingo sul realismo drammatico e sul coinvolgimento emotivo. Questo dipinto non solo cattura un momento di profondo insegnamento, ma invita anche lo spettatore a immergersi nella ricca interazione tra le figure e il paesaggio sereno.

Stima 200 - 400 EUR

Lotto 38 - Bernard Picart Parigi 1673 - 1733 Amsterdam La miracolosa migrazione dei pesci di San Pietro 1713 Interpretazione dopo Raffaello Urbino 1483 - 1520 Roma Penna lavata e grisaglia Foglio 32,3 x 43 cm, con cornice 48 x 57 cm Iscritto, firmato e datato in basso a destra: "dessigné par B. Picart d'après Raphaele d'Urbine 1713". Bernard Picart, importante incisore e pittore francese del XVIII secolo, era noto per la sua versatilità e per le sue fantasiose reinterpretazioni di temi classici. Picart fu formato dal padre e in seguito studiò con Sébastien Leclerc. Si stabilì ad Amsterdam, dove divenne una figura di spicco nel mondo dell'incisione e dell'illustrazione, nota per la sua attenzione ai dettagli e per le composizioni innovative. Una delle opere più importanti di Picart è il dipinto raffigurante la Pesca miracolosa, ispirato alla famosa rappresentazione di Raffaello dello stesso evento biblico nei cartoni per arazzi (Royal Collection Trust, RCIN 912944). Il racconto del Vangelo di Luca narra del momento in cui Gesù, dopo aver istruito la folla dalla barca di Simon Pietro, dice a quest'ultimo di gettare le reti nelle acque profonde. Nonostante non avesse pescato nulla per tutta la notte, Pietro obbedisce e miracolosamente cattura un numero spropositato di pesci, che simboleggiano l'abbondanza della grazia divina e la chiamata degli apostoli. Nella libera interpretazione di Picart, la scena è messa in scena attraverso una composizione ricca e dinamica. La riva è visibile in primo piano, dove un gruppo di uomini sulla sinistra gesticola animatamente, forse discutendo dell'evento miracoloso che si sta svolgendo davanti a loro. Al centro, le donne, che sembrano aver preso l'acqua, siedono con i bambini; una donna sembra addormentata e viene dolcemente svegliata da un'altra. Questo inserimento della vita quotidiana aggiunge un livello di umanità e realismo alla scena. Sul lato destro, un ceppo d'albero è raffigurato con la vegetazione circostante, conferendo alla composizione un'ambientazione naturale. La firma di Picart è abilmente integrata in questo elemento e segna la sua paternità. Il fondo centrale mostra il fiume con due barche; Cristo siede nella barca a sinistra e fa un gesto verso una figura inginocchiata, Simon Pietro, di fronte a lui. Dietro a Cristo si trova un rematore, che sottolinea la presenza divina e la reazione umana. Nell'altra barca si vedono due uomini che tirano la rete piena di pesci, mentre un altro rematore è seduto, a simboleggiare lo sforzo e lo stupore per la pesca miracolosa. Sullo sfondo è raffigurata una città fortificata con diverse figure in varie posizioni, che aggiungono profondità e contesto alla narrazione. Il cielo sovrastante è ornato da nuvole e uccelli in volo, che contribuiscono al naturalismo della scena. Il dipinto di Picart cattura l'essenza del miracolo biblico e allo stesso tempo offre la sua visione artistica unica, fondendo il sacro con il quotidiano e dimostrando il suo talento per composizioni vivaci e accattivanti.

Stima 200 - 400 EUR

Lotto 44 - Nicolas Bernard Lépicié Parigi 1735 - 1784 Parigi Ritratto di nobildonna Olio su tela, ribattuto 61,5 x 50 cm, con cornice 76 x 65 cm Nicolas Bernard Lépicié, importante pittore francese del XVIII secolo, nacque in una famiglia di artisti. Seguì le orme del padre François Bernard Lépicié, famoso incisore, e dimostrò fin da giovane un notevole talento. Imparò dai principali artisti del suo tempo, dove poté affinare le sue capacità e sviluppare il suo stile inconfondibile. L'opera di Lépicié comprende una varietà di generi, tra cui ritratti, dipinti di storia e scene di genere. Le sue opere sono caratterizzate da una pennellata delicata, da un uso sottile di luci e ombre e da un'attenzione meticolosa ai dettagli. Esse riflettono l'eleganza e la raffinatezza del rococò francese. Questo notevole ritratto è quello di una giovane nobildonna, che dimostra la padronanza artistica del genere. I capelli neri raccolti in un'acconciatura ricadono in morbide onde fino alle orecchie, incorniciando un viso con occhi castano chiaro che irradiano calore e intelligenza. È vestita con un sontuoso abito blu, le cui pieghe voluminose e i dettagli intricati sottolineano la sua silhouette aggraziata. Una dettagliata scollatura arricciata adorna il suo decolleté e aggiunge un tocco di raffinatezza al suo abbigliamento. Il cappotto della signora, ricamato con delicati fiori lungo le cuciture, enfatizza la ricchezza dell'indumento e fa capire il suo status agiato e il suo gusto raffinato. Su uno sfondo grigio astratto, la figura si staglia con una presenza accattivante, il suo sguardo calmo ma enigmatico, che invita lo spettatore a riflettere sui misteri della sua mente. Attraverso la sua maestria, l'artista immortala la bellezza e l'eleganza dell'aristocrazia francese e invita gli spettatori a immergersi nello splendore del periodo rococò.

Stima 4 000 - 8 000 EUR

Lotto 46 - Martin van Meytens Stoccolma 1695 - 1770 Vienna, attribuito L'imperatore Giuseppe II da bambino 1750 circa Olio su pannello 107 x 70 cm, con cornice 115 x 76 cm Martin van Meytens, nato a Stoccolma nel 1695, è stato un rinomato pittore svedese-austriaco celebre per la sua raffinata ritrattistica. Dopo aver studiato a Parigi, Londra e in Italia, Meytens si stabilì a Vienna, dove divenne il pittore di corte dell'imperatrice Maria Teresa. Il suo stile si evolve dal barocco al rococò, caratterizzato da una meticolosa attenzione ai dettagli e dalla capacità di catturare l'eleganza e la personalità dei suoi soggetti. Il lavoro di Meytens contribuì in modo significativo alla documentazione visiva della corte asburgica, rendendolo una figura cardine dell'arte europea del XVIII secolo. Questo notevole dipinto raffigura l'imperatore Giuseppe II da bambino, riflettendo l'importanza della sua nascita e dei suoi primi anni. In questo ritratto, il giovane Giuseppe II si presenta con sicurezza in una giacca rossa e irradia una compostezza regale. Nella mano sinistra tiene un bastone, simbolo della sua futura autorità, mentre la mano destra poggia sul fianco, suggerendo sicurezza di sé e nobiltà. I lussuosi abiti che indossa, eseguiti con meticolosa precisione, sottolineano il suo status regale. Giuseppe II, nato nel 1741, era il tanto atteso erede al trono asburgico, il che rese la sua nascita un'occasione epocale. Figlio primogenito di Maria Teresa e Francesco I, Sacro Romano Imperatore, era destinato a svolgere un ruolo decisivo nella politica europea. La sua nascita fu festeggiata in tutte le terre asburgiche e furono commissionati numerosi ritratti di lui da bambino per sottolineare la sua importanza e promuovere la continuità della dinastia. La diffusione di immagini di Giuseppe II da bambino aveva diversi scopi. Sostenevano la legittimità e la stabilità della successione asburgica, trasmettevano l'immagine di una dinastia forte e stabile e preparavano il pubblico alla sua successiva ascesa al potere. Il ritratto contribuì a questa narrazione con la sua attenzione ai dettagli e la sua rappresentazione regale, raffigurando Giuseppe II non solo come un bambino ma come un futuro imperatore che incarnava i valori e le responsabilità della sua linea. Giuseppe II salì al trono nel 1765 e il suo regno fu caratterizzato da importanti riforme volte a modernizzare l'impero, a promuovere gli ideali dell'Illuminismo e ad aumentare l'efficienza dell'amministrazione. La sua importanza nella storia europea è sottolineata dai suoi sforzi per centralizzare lo Stato e dai suoi tentativi di attuare cambiamenti di vasta portata nell'istruzione, nella legge e nella società. Questo dipinto testimonia la capacità del pittore di catturare sia le sembianze del personaggio che il suo significato simbolico, assicurando che l'eredità asburgica fosse visivamente celebrata e preservata per i posteri.

Stima 2 000 - 4 000 EUR

Lotto 56 - Giovanni Battista Tiepolo Venezia 1696 - 1770 Madrid, attribuito Bozzetto dell'Assunzione della Vergine Affresco nell'Oratorio della Purità, Udine Disegno a penna e inchiostro acquerellato su carta 25 x 15,5 cm, con cornice 36,7 x 29,5 cm Giovanni Battista Tiepolo è stato uno dei più importanti pittori italiani del XVIII secolo. Conosciuto per la sua vivace tavolozza di colori, le composizioni dinamiche e l'uso magistrale della luce, Tiepolo divenne una figura di spicco del periodo rococò. Studiò sotto Gregorio Lazzarini e sviluppò rapidamente uno stile distintivo che combinava una narrazione drammatica con un tocco leggero e arioso. Le sue opere comprendono magnifici affreschi, pale d'altare e numerosi disegni che ebbero un'influenza significativa sul mondo dell'arte del suo tempo. Questo squisito lavoro è un disegno ad acquerello e inchiostro che raffigura un bozzetto dell'Assunzione di Maria. In questo schizzo preparatorio, Maria è raffigurata al centro; la sua figura è sollevata con grazia da un gruppo di angeli in volo. Un angelo più grande che la conduce verso l'alto sottolinea l'assistenza divina alla sua Assunzione. Le caratteristiche linee fluide e i delicati schizzi di colore di Tiepolo trasmettono un senso di movimento e di eterea leggerezza, catturando con finezza il momento trascendentale. Sotto Maria siede un uomo, forse Cristo, che indica la meta celeste con un gesto verso l'alto. Due putti al suo fianco reggono un bastone, sottolineando la narrazione sacra e la gerarchia celeste della scena. Sul lato destro è raffigurata una figura che prega il cielo, forse in rappresentanza della persona che ha commissionato il dipinto. Questo inserimento non solo personalizza l'opera d'arte, ma riflette anche l'aspetto devozionale della commissione. Questo bozzetto dimostra la capacità dell'artista di trasmettere temi teologici complessi con chiarezza e grazia. La composizione, caratterizzata da un dinamico gioco di figure e gesti espressivi, illustra la maestria dell'artista nel tradurre in forma visiva eventi spirituali.

Stima 1 000 - 2 000 EUR

Lotto 76 - Anne-Louis Girodet de Roussy-Trioson Montargis 1767 - 1824 Parigi Foglio di studio per l'importante dipinto: Rivolta del Caire, 21 ottobre 1798 (1810) Carboncino e gesso su carta, montato 43 x 50 cm, con cartone 57 x 63,8 cm Firmato e datato 1809 in basso a sinistra Castello di Versailles, MV 1497 Anne-Louis Girodet de Roussy-Trioson fu un importante pittore neoclassico noto per la sua meticolosa attenzione ai dettagli e per la sua capacità di trasmettere emozioni drammatiche. Si formò sotto la guida del famoso artista Jacques-Louis David e si fece rapidamente notare per il suo stile distintivo, che combinava ideali classici con un tocco romantico. Le opere di Girodet includevano spesso temi storici e mitologici, ed era celebrato per la sua abilità tecnica e per le composizioni innovative. Una delle opere più importanti di Girodet è la "Rivolta del Caire, 21 ottobre 1798", un dipinto epico che commemora la repressione francese di una rivolta al Cairo durante la campagna d'Egitto di Napoleone (Castello di Versailles, MV 1497). Più di dieci anni dopo questa rivolta, Girodet fu incaricato da Napoleone di raffigurare questo episodio. Bonaparte voleva organizzare il Paese e, tra le altre cose, istituire un consiglio di abitanti per distribuire meglio l'imposta fondiaria. Tuttavia, ciò provocò una rivolta degli abitanti del Cairo pochi mesi dopo. I francesi si armarono e marciarono contro i ribelli. Qui si vede il momento in cui, nel mezzo della tumultuosa battaglia, i francesi, entrati nella moschea di Al-Azhar, si scontrano con i ribelli. Diverse centinaia di soldati francesi e diverse migliaia di egiziani persero la vita in questa battaglia. Uno studio preparatorio per quest'opera monumentale, eseguito a carboncino e gesso su carta e firmato e datato 1809 (un anno prima del completamento dell'opera più grande nel 1810), si concentra su due delle figure centrali di questa composizione più grande e cattura un momento di intenso dramma e azione. L'opera mostra lo schiavo-servo moresco, una figura maschile nuda e dalla pelle scura, in una posa dinamica e diagonale, con la mano destra alzata che brandisce una sciabola ricurva in un gesto di difesa. L'uomo appare potente e determinato, con il corpo muscoloso esposto mentre un'altra figura gli afferra il mantello. Gli occhi spalancati e l'espressione concentrata trasmettono un senso di urgenza e di allerta mentre guarda alla sua sinistra, dove una figura sconosciuta rappresenta una minaccia. Con il braccio sinistro, l'uomo sostiene la figura svenuta del Mamluk-Bey ferito, un membro d'élite della classe militare egiziana, vestito con abiti lussuosi con pelliccia, turbante e pugnale. La postura e l'abbigliamento dell'uomo svenuto sono in netto contrasto con l'atteggiamento attento e difensivo del suo soccorritore e sottolineano la tensione e il caos del momento, accentuati dalla messa in scena piramidale del gruppo di figure. Nel dipinto originale, questo gruppo centrale di figure è posizionato all'estrema destra, con un ussaro francese che si precipita verso di loro con una spada, sottolineando ulteriormente l'impressione generale di conflitto e urgenza della scena. Lo studio preparatorio di Girodet non solo dimostra la sua capacità di catturare l'anatomia umana e le emozioni, ma fornisce anche un'idea accattivante del suo meticoloso processo di pianificazione e composizione delle opere più grandi. È noto che Girodet era affascinato dagli studi di costume e che realizzò numerosi studi per questa commissione, per la quale non aveva a disposizione alcun materiale documentario, più che per qualsiasi altra commissione della sua carriera. Questo bozzetto testimonia il talento di Girodet nel trasmettere l'intensità narrativa e il dinamismo fisico attraverso l'uso magistrale del carboncino e del gesso. Le superfici accuratamente tratteggiate degli abiti sono paragonabili a quelle dell'ussaro in carica in un altro studio dello stesso dipinto (MET 2011.86). Ciò che è notevole in questo studio, tuttavia, sono gli accenti bianchi che Girodet utilizza per conferire consistenza e profondità alla raffigurazione. Secondo i contemporanei, Girodet dipinse il quadro di notte alla luce delle lampade. I drammatici effetti di chiaroscuro si esprimono in lumeggiature che enfatizzano i muscoli della figura in lotta e aggiungono un tocco di realismo e stravaganza ai tessuti degli abiti dello svenimento.

Stima 6 000 - 8 000 EUR

Lotto 77 - Giovanni Paolo Pannini Piacenza 1691 - 1765 Roma, attribuito Giuseppe venduto dai fratelli Olio su tela, ribattuto 72,5 x 98 cm, con cornice 97 x 112,5 Inscritto sul retro Giovanni Paolo Pannini è stato un famoso pittore e architetto italiano del periodo barocco. Si formò inizialmente nella sua città natale prima di trasferirsi a Roma, dove riscosse grande successo e divenne una delle figure di spicco della scena artistica romana. Le opere di Pannini si caratterizzarono per l'accuratezza dei dettagli e l'uso sapiente della prospettiva, che gli valsero un ampio riconoscimento e il patrocinio di importanti personalità del suo tempo. Questo dipinto raffigura una scena del racconto biblico di Giuseppe che viene venduto dai suoi fratelli. Sullo sfondo di antiche rovine, il dipinto cattura il momento drammatico con impressionante realismo e profondità emotiva. In primo piano, un giovane Giuseppe si trova di fronte a un pozzo; la sua figura è caratterizzata da vulnerabilità e innocenza, in netto contrasto con i volti intriganti dei suoi fratelli, che siedono sulla sinistra. Le rovine circostanti, alla maniera della fantasia architettonica di un capriccio, tra cui un arco monumentale con frammenti di un tempio e imponenti colonne ioniche, trasmettono un senso di caducità dell'impresa umana. Sul lato destro del dipinto si trova un gruppo di persone a cavallo e con cammelli, che presumibilmente cercano di comprare Giuseppe. La loro presenza conferisce alla scena un aspetto di urgenza e di sventura imminente, poiché il destino del ragazzo è in bilico. In lontananza, un paesaggio montuoso si estende, evocando in modo toccante la vastità del mondo oltre i limiti del momento. La composizione magistrale e l'attenzione meticolosa ai dettagli danno vita alla storia biblica e invitano lo spettatore a riflettere su temi come il tradimento, la redenzione e la complessità della natura umana. Attraverso un'abile pennellata e una profonda comprensione della luce e dello spazio, l'artista crea un capolavoro senza tempo che continua ad affascinare il pubblico secoli dopo la sua creazione.

Stima 4 000 - 8 000 EUR

Lotto 78 - Pittore sconosciuto XVIII-XIX secolo Piazza San Marco, Venezia Olio su tela, ribattuto 60 x 80 cm, con cornice 74 x 93,5 cm Stato: tela un po' ammaccata Il dipinto raffigura una pittoresca rappresentazione di Piazza San Marco a Venezia, una delle piazze pubbliche più conosciute e famose del mondo. La scena presenta diversi importanti punti di riferimento architettonici e culturali in un'atmosfera idilliaca e romantica. Al centro della scena si trova la Torre dell'Orologio, parte essenziale dello skyline veneziano. Questa struttura rinascimentale fu costruita alla fine del XV secolo e ospita un notevole orologio astronomico. La torre è ornata da numerosi dettagli che riflettono il suo significato storico e la meticolosa maestria dell'epoca. Proprio accanto alla Torre dell'Orologio si trova la maestosa Basilica di San Marco. La basilica è nota per il suo design opulento, gli splendidi mosaici e l'architettura bizantina. L'artista cattura la grandezza della basilica e aggiunge al dipinto un tocco di profondità storica e di ricchezza culturale. In primo piano, piccole capanne da mercato sono sparse per la piazza, a indicare una vivace attività commerciale che completa lo splendore dell'architettura circostante. Queste baracche aggiungono alla scena un livello di vita quotidiana che contrasta con le strutture permanenti e monumentali. La piazza è inoltre popolata da varie figure, ognuna impegnata in attività diverse che animano la scena. Tra di loro ci sono due cani che si aggirano tranquillamente per la piazza. Queste figure aggiungono ulteriore fascino al dipinto. La tavolozza dei colori del dipinto è dominata da toni terrosi e beige-marroni, che trasmettono una sensazione di calore e nostalgia. Il cielo è particolarmente suggestivo con le sue romantiche nuvole gialle su uno sfondo azzurro. Questa scelta cromatica crea un'atmosfera idilliaca che conferisce alla scena una qualità serena e senza tempo. Questo dipinto di Piazza San Marco cattura magnificamente l'essenza della vita e dell'architettura veneziana. Attraverso l'attenta rappresentazione dei monumenti, le figure vivaci e l'uso armonioso del colore, l'artista trasmette sia lo splendore che la vivacità quotidiana di Venezia.

Stima 2 000 - 4 000 EUR

Lotto 79 - Artista classicista Veduta di Stoccolma Circa 1800/50 Olio su tela 157 x 158 cm, con cornice 182 x 183 cm Intitolato "Stoccolma" in basso a sinistra Il dipinto raffigura una veduta di Stoccolma con una veduta del Palazzo Reale sull'isola della Città Vecchia (Gamla Stan) e cattura il fascino della capitale svedese in un'epoca di grandi cambiamenti e sviluppo. Sottolinea la bellezza architettonica della città medievale, circondata dalle acque del lago Mälaren e del Mar Baltico. La scena mostra l'imponente punto di riferimento e capolavoro architettonico del Palazzo Reale (Kungliga slottet), uno dei più importanti edifici barocchi della Scandinavia, nonché gli edifici storici nelle strette strade acciottolate di Gamla Stan. È inoltre possibile ammirare il trambusto del porto, con navi e barche che solcano le acque, a testimonianza della vivace cultura commerciale e marittima della città. Questo periodo è stato caratterizzato da un mix di strutture medievali più antiche e di edifici più recenti del XIX secolo, mostrando l'evoluzione di Stoccolma da roccaforte storica a centro urbano in via di modernizzazione. L'artista classicista cattura il gioco di luci e ombre con un cielo romantico per sottolineare l'atmosfera calma ma dinamica della città. Le figure del personale in primo piano ravvivano ulteriormente la scena. Nel complesso, il dipinto funge da documento storico e fornisce una narrazione visiva del paesaggio urbano di Stoccolma e della sua trasformazione nel corso dei secoli.

Stima 4 000 - 8 000 EUR

Lotto 80 - Artista classicista Veduta di San Pietroburgo Circa 1800/50 Olio su tela 157 x 158 cm, con cornice 182 x 183 cm Titolato "San Pietroburgo" in basso a sinistra Il dipinto del XIX secolo raffigura una veduta di San Pietroburgo e cattura lo splendore e la magnificenza architettonica della capitale imperiale della Russia. La scena mostra punti di riferimento importanti come la Cattedrale di Sant'Isacco, il Cavaliere di ferro e il Ponte Blagoveshchensky. La Cattedrale di Sant'Isacco sullo sfondo domina lo skyline con la sua imponente cupola. È una delle più grandi cattedrali del mondo e simboleggia l'ambizione architettonica e il significato religioso della città. L'artista ha immortalato l'intricata facciata della cattedrale, le sue colonne neoclassiche e la piazza circostante con il suo trambusto. Al centro si trova il Cavaliere d'onore della Piazza del Senato, una statua iconica dello zar Pietro il Grande, che si erge maestosa su un basamento di granito. Commissionato da Caterina la Grande, il monumento simboleggia la potenza e la visione dell'Impero russo. La postura dinamica della statua, con Pietro su un cavallo imbizzarrito, riflette lo spirito di progresso e di illuminazione che egli portò in Russia. Il Ponte Blagoveshchensky o Ponte dell'Annunciazione in primo piano, il primo ponte permanente sulla Neva, è destinato a illustrare le capacità tecniche della città. Completato nel 1850, il ponte in ghisa collega l'isola Vasilievsky alla terraferma e simboleggia il progresso tecnico dell'epoca. Il dipinto riflette la vita vibrante della San Pietroburgo del XIX secolo, con carrozze, pedoni e barche sulla Neva, a dimostrazione dello status di importante centro culturale ed economico della città. L'uso sapiente di luci e ombre contro un cielo romantico enfatizza l'opulenza e il dinamismo della scena e offre uno spaccato della vita quotidiana e dell'architettura monumentale di una delle grandi città europee.

Stima 4 000 - 8 000 EUR

Lotto 82 - Christoph Albert muore Hannover 1755 - 1822 Vienna Paesaggio pastorale Olio su tela, ribattuto 130,5 x 168 cm, con cornice 142 x 179 cm Firma rimossa e apposta sul retro Etichetta sul retro: "Su richiesta del console Weiss, il dipinto di A. C. Dies, molto danneggiato, è stato rifilato da 300 x 250 cm a 163 x 167 cm nel 1803". La firma, che prima si trovava sul bordo inferiore destro del grande dipinto, è stata ora trapiantata sul retro della barella". 20. VI. 1962" Albert Christoph Dies è stato un pittore e incisore tedesco noto per i suoi paesaggi pastorali e le composizioni classiche. Nato ad Hannover, in Germania, Dies ha studiato sotto la guida del noto artista Jakob Philipp Hackert. La sua carriera iniziale è stata influenzata dai suoi viaggi in Italia, in particolare a Roma, dove ha esplorato le tradizioni della pittura di paesaggio. Si stabilisce infine a Vienna, dove diventa membro dell'Accademia di Belle Arti. Acquisì grande fama per i suoi dipinti di paesaggio, che spesso raffiguravano scene serene e idilliache. Queste erano ispirate alla bellezza della natura che aveva incontrato durante i suoi viaggi. Oltre all'attività di pittore, Dies fu anche un abile incisore, a dimostrazione della sua versatilità e profondità artistica. Questo dipinto di Albert Christoph Dies mostra un idilliaco paesaggio pastorale che dimostra la sua attenzione ai dettagli. Un albero maestoso si erge in primo piano a sinistra, con i suoi rami che si allargano e fanno ombra alla famiglia di pastori sottostante. L'albero introduce lo spettatore nel paesaggio e trasmette contemporaneamente un senso di grandezza e profondità. La famiglia di pastori raffigurata con il suo gregge appare rilassata e incarna il rapporto armonioso tra uomo e natura, un tratto distintivo delle scene pastorali. Il pastore e i suoi cani accudiscono il gregge, mentre la madre si occupa dei figli. Al centro, i tetti e il campanile di un pittoresco villaggio sporgono dal paesaggio, aggiungendo un elemento umano all'ambiente naturale. Il campanile, in particolare, funge da punto focale, dirigendo lo sguardo dell'osservatore verso il cuore del villaggio e trasmettendo un senso di comunità. Alle spalle del villaggio, il cielo si riflette in un lago le cui acque calme sembrano estendersi fino all'orizzonte. Lo sfondo è dominato da maestose montagne le cui cime si innalzano nel cielo e conferiscono alla scena un'aria di grandezza. Il gioco di luci e ombre sulle montagne crea un contrasto dinamico che esalta la composizione complessiva. L'uso del colore e della luce in questo dipinto è particolarmente notevole. Le tonalità calde e terrose evocano un senso di pace e atemporalità, mentre l'attenta resa degli elementi naturali, dalla consistenza della corteccia degli alberi alle cime innevate delle montagne, dimostra la sua abilità tecnica e il suo potere di osservazione.

Stima 4 000 - 8 000 EUR
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