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Fino al domenica 05 mag

Design & Arte (1924-2024) La collezione pionieristica di Caroline Notté nella secolare casa Bauhaus di Louis-Herman De Koninck

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Avenue Fond'Roy 105, 1180 Uccle (Bruxelles) - 1180 Uccle (Bruxelles), Belgio
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48 risultati

Lotto 1 - Florence KNOLL (1917, 2019) - USA - Panchina "2577 a.C.". Edizione: Knoll International. Composta da una struttura tubolare con tessuto "Kvadrat". Schiuma Bultex. Tavolino in legno massiccio di wengé, 1955 - L 142 x 80 x H 66 cm. Normale usura. Il certificato della galleria sarà consegnato all'acquirente. ( Spedizione a Parigi 300 eur) Florence Knoll è stata un'arredatrice, designer di mobili e imprenditrice a cui è stato attribuito il merito di aver rivoluzionato il design degli uffici e di aver portato il design modernista negli interni degli uffici. Insieme al marito Hans Knoll, Knoll Associates è diventata un'azienda leader nel settore dell'arredamento e del design d'interni. Ha lavorato per professionalizzare il campo dell'interior design, lottando contro gli stereotipi di genere dell'arredatore. È nota per i suoi progetti di uffici aperti, popolati da mobili modernisti e organizzati in modo razionale per le esigenze degli impiegati. La sua estetica modernista era nota per le linee pulite e le geometrie chiare che venivano umanizzate con texture, forme organiche e colori. Riconoscimenti Medaglia dell'Istituto americano degli architetti (AIA) per le arti industriali Medaglia d'oro dell'AIA alla carriera. Nel 2002 è stata la prima donna a ricevere la Medaglia d'oro dell'AIA, uno dei più alti riconoscimenti dell'American Institute of Architects. Medaglia nazionale delle arti, 2004 Dottore in Belle Arti. Collezione - Musei Museo d'arte moderna (MoMA), New York Il Museo Vittoria e Alberto (V&A), Londra L'Istituto d'Arte di Chicago Museo del Design della Danimarca (Designmuseum Danmark), Copenaghen:. Museo del design Vitra, Germania

Base d'asta  6500 EUR

Lotto 2 - Ilmari TAPILOVAARA (1914, 1999) - FINLAND - 2 Sedie con seduta in legno laccato nero e schienale a doghe che poggiano su quattro gambe affusolate, 1955.H- 72 cm, L- 68 cm, P- 66 cm. Il certificato della galleria sarà consegnato all'acquirente Spedizione a Parigi 100 eur. ILMARI TAPIOVAARA annovera Alvar Aalto tra le sue forti influenze. Durante la Seconda Guerra Mondiale, Tapiovaara progettò piroghe e mobili da campo per l'esercito finlandese, un compito impegnativo dato che era possibile utilizzare solo legno locale e strumenti semplici, e non erano disponibili chiodi o viti. Il suo lavoro si è imposto all'attenzione per le sedie Domus. Queste sono nate mentre lavorava con la moglie alla Domus Academica dal 1946 al 1947. Nel 1951 la coppia fonda il proprio studio. L'anno successivo insegna design all'Illinois Institute of Technology. In seguito lavorerà in Paraguay e alle Mauritius per conto di un programma di sviluppo delle Nazioni Unite. Nel 1959 riceve la "medaglia Pro-Finlandia" dell'Ordine del Leone di Finlandia e nel 1964 la medaglia d'oro alla XIII Triennale di Milano per le sue posate Polar. Ha realizzato gran parte del suo lavoro per università, scuole e anche un "Tavolo delle radici" per l'esercito finlandese. I progetti di mobili basati sui suoi schizzi hanno continuato a essere prodotti fino al XXI secolo.

Base d'asta  2600 EUR

Lotto 4 - Arne JACOBSEN (1902-1971) - DENMARK - Sedia Egg - Pelle nera, uniamo un pouf in pelle color melanzana molto diverso, 1958. - L86 x L 95 x H 38/1O7 cm. Il certificato della galleria sarà consegnato all'acquirente. Spedizione a Parigi 200 eur. Arne Jacobsen è stato uno dei più importanti architetti e designer danesi. La sua vasta e diversificata opera ha lasciato profonde impronte nella storia del design e dell'architettura danese e internazionale. Tra i progetti architettonici più famosi di Arne Jacobsen figurano il Municipio di Aarhus, la Scuola Munkegaard, il SAS Royal Hotel, la Banca Nazionale di Danimarca e il St. Catherine's College di Oxford, in Inghilterra. In queste opere di architettura, Arne Jacobsen non solo ha creato le strutture dell'edificio, ma ha anche progettato gli interni in ogni dettaglio, creando esperienze di design complete in cui il paesaggio intorno all'edificio e i mobili, le lampade, gli infissi e i tessuti al suo interno erano tutti parte di un insieme perfettamente equilibrato e coerente. Con progetti visionari, come le sedie Egg e Swan, la serie di stoviglie Cylinda Line e la serie di rubinetti e accessori VOLA, l'influenza di Arne Jacobsen si è estesa ben oltre i confini della Danimarca. Fritz Hansen ha prodotto con passione la Egg Chair del designer Arne Jacobsen nel 1958. Egli creò questa sedia, nota anche come Egg Chair e la poltrona Swan, per il Radisson SAS Royal Hotel di Copenhagen utilizzando materiali in pelle di alta qualità. La robustezza tecnica della scocca in plastica rivestita di schiuma garantisce un comfort senza precedenti. All'epoca, questa seduta era totalmente innovativa. Ancora oggi, questa forma incredibile, che unisce schienale, braccioli e seduta in un'unica unità, rimane un oggetto straordinario. Premi - Musei La Egg Chair disegnata da Arne Jacobsen per Fritz Hansen ha ricevuto diversi premi e riconoscimenti nel corso degli anni. Eccone alcuni: Grand Prix** alla Triennale di Milano, 1958 International Design Award, USA: la Egg Chair ha vinto diversi premi internazionali di design per il suo design innovativo e iconico. Esposizione permanente al MoMA di New York. Icona del design senza tempo - Pur non essendo un premio specifico, la Egg Chair ha raggiunto lo status di icona del design senza tempo, spesso presente negli elenchi dei mobili più iconici e influenti del XX secolo.

Base d'asta  9500 EUR

Lotto 5 - Verner PANTON (1926, 1998) - DENMARK - Coppia di sedie Panton - L 50 x P 61 x H 41/83 cm - 1960 . Il certificato della galleria sarà consegnato all'acquirente. Spedizione a Parigi 100 eur L'architetto e designer Verner Panton è uno dei più importanti e innovativi designer attivi nella seconda metà del XX secolo. Nel corso della sua lunga carriera, ha creato un'opera vasta e sfaccettata in cui si è manifestata la sua predilezione per i colori per lo più audaci e il suo abile gioco con le forme e le figure geometriche di base. I mobili sono stati al centro della produzione creativa di Verner Panton, come l'iconica Cone Chair e la Panton Chair sviluppata insieme a Vitra, che è una delle sue creazioni più note. Inoltre, Verner Panton ha progettato numerose lampade e tessuti. Gli interni da lui progettati, in cui ha fuso elementi provenienti da tutte le aree del suo lavoro in una sorta di sintesi delle arti, rappresentano il culmine creativo della sua opera. La Panton Chair è una sedia in plastica a forma di S creata dal designer danese Verner Panton negli anni Sessanta. Prima sedia in plastica stampata al mondo, è considerata uno dei capolavori del design danese. Fin dai primi anni Cinquanta, anche Panton sognava di realizzare una sedia in plastica impilabile e a sbalzo, tutta in un unico pezzo. Si dice che fosse stato ispirato in particolare da una pila di secchi di plastica ordinatamente impilati. Nel 1956 progettò la S Chair, che può essere considerata un'antesignana della Panton Chair. La vedeva come un elemento d'arredo in cui lo schienale, la seduta e le gambe erano costituiti da un unico pezzo. Fu prodotta per la prima volta nel 1965.[2][3] Negli anni '50 Panton realizzò una serie di schizzi e disegni per la Panton Chair. Nel 1960 creò il primo modello, un calco in gesso, in collaborazione con la Dansk Akrylteknik.[2] A metà degli anni Sessanta incontrò Willi Fehlbaum del produttore di mobili Vitra che, a differenza di molti altri produttori, rimase affascinato dai disegni della sua sedia senza gambe in plastica anziché in legno, il materiale preferito dell'epoca. Lavorando a stretto contatto con Fehlbaum, Panton realizzò un modello stampato a freddo utilizzando poliestere rinforzato con fibra di vetro. Per la prima volta, un'intera sedia era stata progettata in un unico pezzo, senza gambe. Divenne così nota come free-swinger. La Panton Chair fa attualmente parte delle collezioni permanenti di alcuni dei più famosi musei di design del mondo, tra cui il Museum of Modern Art di New York, il Design Museum di Londra, il German Historical Museum di Berlino e il Danish Museum of Art & Design di Copenhagen. Premi Premio del Design Center di Stoccarda Il premio "Gute Form" in Germania. il premio "Classic" del Danish Design Center. La Panton Chair è stata anche nominata "Classico del design moderno" dal Museo tedesco dell'architettura.

Base d'asta  1700 EUR

Lotto 6 - Ado CHALE (1928) - BELGIUM - Tavolino con piano in resina nera e intarsio di marcasite, appoggiato su una struttura a quattro gambe in legno nero, 1965. L 129 X L 60 x H 35 cm. Il certificato della galleria sarà consegnato all'acquirente. Spedizione a Parigi 300 eur Ado Chale è un artista e designer noto soprattutto per i suoi squisiti intarsi a mosaico. Pezzi di legno, minerali o ossa vengono tagliati, disposti e ricoperti di resina per formare le superfici opulente. I suoi mobili e oggetti domestici fanno riferimento al mondo naturale non solo attraverso l'uso di pietre preziose, metalli e materiali organici, ma anche attraverso le trame, i motivi e le forme che esprimono. "I miei progetti si sono succeduti e si sono evoluti nel corso delle mie scoperte, soprattutto nel campo della mineralogia, del bronzo del ferro e dell'alluminio. I vincoli tecnici hanno costantemente spinto il mio sviluppo", ha dichiarato. Chale ha aperto la sua prima galleria nel 1962. Esponeva gioielli e tavolini impreziositi dai suoi unici intarsi e si riforniva di varie gemme e rocce attraverso viaggi internazionali. Negli anni Settanta, l'artigiano autodidatta ha poi incorporato le sue acquisizioni in mobili e sculture più grandi, attraenti per la loro bellezza e novità. Le sue opere sono state esposte al Museo di Ixelles in Belgio, in Francia al Museo di Belle Arti di Nancy e al Palazzo dei Papi di Avignone e in Giappone al museo di arte contemporanea della catena di negozi Seibu.

Base d'asta  12500 EUR

Lotto 7 - Warren PLATNER (1919, 2006) - USA - Suite da pranzo: 4 poltrone (metallo cromato e vetro - H 44 /74cm x 68cm diam.) 1966 e il tavolo da pranzo 1966. 1 scheggia nel ripiano in vetro. Il certificato della galleria sarà consegnato all'acquirente Spedizione a Parigi su richiesta. Warren Platner ha studiato alla Cornell University, laureandosi nel 1941 in architettura. Ha lavorato con i leggendari architetti Raymond Loewy, Eero Saarinen e I. M. Pei prima di aprire un proprio studio di architettura. Nel corso della sua carriera Platner ha apportato notevoli contributi architettonici, tra cui il Georg Jensen Design Center e il ristorante Windows on the World nel World Trade Center, entrambi a New York. Tuttavia, è stata la sua collezione di mobili per Knoll a far guadagnare a Platner fama mondiale. Introdotta originariamente da Knoll nel 1966, la Collezione Platner è un'icona dell'arredamento moderno. Platner formulò personalmente le tecniche di produzione per i suoi complicati progetti: ogni sedia richiedeva più di mille saldature e più di cento barre d'acciaio cilindriche. Knoll ha anche introdotto una collezione di uffici privati per dirigenti disegnata da Platner. Premi Medaglia dell'Istituto Americano degli Architetti (AIA) per le Arti Industriali Eccellenza dell'AIA Premio Centro di Stoccarda Certificato di merito dell'Istituto Americano degli Architetti (AIA.International) Design Award nel 1966 per i suoi progetti di mobili innovativi e influenti Collezione - Musei Il Museo d'Arte Moderna (MoMA) di New York City L'Istituto d'Arte di Chicago Il Victoria and Albert Museum (V&A) di Londra Il Museo del Design di Londra Il Cooper Hewitt, Museo del Design dello Smithsonian a New York City Il Museo del Design Vitra in Germania

Base d'asta  19500 EUR

Lotto 8 - Afra BIANCHIN (1937) & Tobia SCARPA (1935) - ITALY - Coppia di sedie Carlotta - L 88 x L 80 x H 45 x H 70 cm - 1967 . Il certificato della galleria sarà consegnato all'acquirente Spedizione a Parigi 150 eur. Afra Bianchin è nata a Montebelluna, Italia, nel 1937 e Tobia Scarpa è nato a Venezia, Italia, nel 1935. Il divano Carlotta è uno dei loro progetti iconici, creato nel 1967. È un classico del design italiano, caratterizzato da un aspetto elegante e senza tempo. Il divano presenta un design semplice ma sofisticato, con linee pulite, uno schienale basso e cuscini morbidi. Il divano Carlotta è una testimonianza della capacità di Scarpa di creare mobili eleganti e confortevoli al tempo stesso, che lo rendono un pezzo ricercato dagli appassionati di design. Premi Compasso d'Oro nel 1970 e nel 2008 Premio Nerocon Merit nel 1982 Primo Premio Nacional de Diseño Otorgado nel 1978 Auszeichnung für hohe Designqualität nel 1992 Premio International Forum Design Hannover nel 1992 Afra e Tobia Scarpa sono architetti e designer italiani postmoderni pluripremiati. Le loro opere si trovano in musei di tutti gli Stati Uniti e d'Europa, comprese le collezioni del MoMA e del Museo del Louvre. Hanno collaborato con aziende come B&B Italia, San Lorenzo Silver e Knoll International. Hanno vinto numerosi premi, come il Compasso d'Oro nel 1969 e l'International Forum Design nel 1992. Il loro lavoro di design consiste nell'architettura e negli oggetti di uso quotidiano, tra cui mobili, abbigliamento, design d'interni e vetro artistico. Nei loro progetti si sono concentrati sulle possibilità tecniche ed estetiche dei materiali. La coppia è stata fortemente influenzata dal padre di Tobia, Carlo Scarpa, architetto e designer veneziano.

Base d'asta  6500 EUR

Lotto 9 - Charlotte PERRIAND (1903-1999) - France - 2 sgabelli modello "Les arcs", legno di pino - 42 x 31,5 x H39,5 cm - 1968. Il certificato della galleria sarà consegnato all'acquirente. Spedizione a Parigi 100 eur. Charlotte Perriand è stata un architetto e designer francese. Il suo lavoro mirava a creare spazi abitativi funzionali nella convinzione che un design migliore contribuisse a creare una società migliore. Il suo approccio al design comprende l'osservazione del luogo e l'apprezzamento per ciò che è. La Perriand sentiva di essere in sintonia con qualsiasi sito con cui lavorava o che visitava semplicemente, apprezzava le cose vive e ricordava un sito che si presumeva morto. Charlotte Perriand progettò mobili in alluminio anodizzato e acciaio cromato, che presentò al Salon d'Automne di Parigi nel 1927. Dopo aver conosciuto Le Corbusier, Charlotte Perriand lavorò con lui e Pierre Jeanneret fino al 1937. I rivoluzionari mobili in tubolare d'acciaio e sistema progettati dai tre artisti furono presentati come "Equipement de l'habitation" al Salon d'Automne del 1929, dove riscossero un ampio consenso. Nel 1930 fu fondata a Parigi l'Union des Artistes Modernes (UAM), un gruppo che si proponeva come movimento di contrasto alle organizzazioni di categoria come il Salon d'Automne e che sosteneva anche l'Art Déco e il Modernismo. Dal 1931, Charlotte Perriand vi espose le proprie opere personali. Nel 1937, Charlotte Perriand e Pierre Jeanneret collaborano alla progettazione di uno chalet di montagna in lamiera di alluminio, che presentano all'Exposition internationale des arts et techniques dans la vie moderne. Nel 1940, Charlotte Perriand divenne consulente di design della Camera di Commercio giapponese. Visse in Giappone fino al 1946. Premi Medaglia d'onore per il design e l'industria Premio di design per Tokyo (1991) Designer reale per l'industria (RDI) (1993) Designer dell'anno (1964) Medaglia d'oro della Triennale di Milano (1951) Musei Centro Pompidou (Parigi, Francia) Arte moderna (MoMA) (New York, USA) Museo del Design (Londra, Regno Unito) Fondazione Louis Vuitton (Parigi, Francia) Museo del Design Vitra (Weil am Rhein, Germania) Museo d'arte moderna della città di Parigi Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid, Spagna)

Base d'asta  7500 EUR

Lotto 10 - Alvar AALTO (1898 - 1976) - FINLAND - Sgabello S601 per artek, legno e pelle - 45 x 45 x H 46 cm - 1954. Il certificato della galleria sarà consegnato all'acquirente. Spedizione a Parigi 100 eur Alvar Aalto è probabilmente l'architetto e designer finlandese più famoso al mondo. Uno dei lavori più importanti che gli furono commissionati fu la progettazione del sanatorio per la tubercolosi di Paimio, in Finlandia. Questo progetto significò anche l'inizio della carriera di Aalto come designer di mobili: infatti, questo fu il primo edificio progettato da Aalto che fu interamente arredato con mobili disegnati da Aalto stesso, compresa l'illuminazione. Altri progetti importanti portati a termine da Alvar Aalto sono la Biblioteca Comunale di Viipuri, Villa Mairea, La Maison Carré e i padiglioni finlandesi per le esposizioni mondiali di Parigi del 1937 e di New York del 1939. Nel 1935 Alvar Aalto, insieme ad Aino Aalto, Maire Gullichsen e Nils-Gustav Hahl, fondò Artek, un'azienda di mobili e illuminazione di fama mondiale. L'azienda è stata creata "per vendere mobili" - disegnati da Alvar Aalto - "e per promuovere la moderna cultura dell'abitare attraverso mostre e altri mezzi". Una delle innovazioni più ingegnose di Alvar Aalto è la gamba a L, brevettata nel 1933. Aalto considerava il progetto della gamba a L il suo più grande successo e lo paragonava addirittura all'invenzione della colonna architettonica. Grazie a questa innovazione, le gambe potevano essere fissate direttamente ai piani di tavoli, sedie e sgabelli. Alvar Aalto era un designer versatile il cui lavoro copriva diversi campi. È noto anche per le sue eleganti lampade, che molto spesso venivano progettate per singoli progetti edilizi e successivamente adattate per la produzione in serie. Alvar Aalto è stato anche un apprezzato designer del vetro e la sua opera più famosa è il vaso Aalto (o vaso Savoy), uno dei pezzi di vetro più iconici del design finlandese. Le sedie lounge a sbalzo, modello 406, sono pezzi iconici progettati dall'architetto e designer finlandese Alvar Aalto per Artek. Queste sedie presentano una struttura in legno curvato con un caratteristico design a sbalzo, che conferisce loro un aspetto unico ed elegante. La filosofia progettuale di Aalto enfatizzava sia la funzionalità che l'estetica e le sedie Model 406 sono una perfetta incarnazione dei suoi principi. Sono diventate esempi classici di design di mobili modernisti e sono molto ricercate dai collezionisti e dagli appassionati di design.

Base d'asta  1800 EUR

Lotto 11 - Alvar AALTO (1898 - 1976) - FINLAND - Sgabello X601 per Artek 1960 45 x45 x 45 cm. Il certificato della galleria sarà consegnato all'acquirente. Spedizione a Parigi 100 eur Alvar Aalto è probabilmente l'architetto e designer finlandese più famoso al mondo. Uno dei lavori più importanti che gli furono commissionati fu la progettazione del sanatorio per la tubercolosi di Paimio, in Finlandia. Questo progetto significò anche l'inizio della carriera di Aalto come designer di mobili: infatti, questo fu il primo edificio progettato da Aalto che fu interamente arredato con mobili disegnati da Aalto stesso, compresa l'illuminazione. Altri progetti importanti portati a termine da Alvar Aalto sono la Biblioteca Comunale di Viipuri, Villa Mairea, La Maison Carré e i padiglioni finlandesi per le esposizioni mondiali di Parigi del 1937 e di New York del 1939. Nel 1935 Alvar Aalto, insieme ad Aino Aalto, Maire Gullichsen e Nils-Gustav Hahl, fondò Artek, un'azienda di mobili e illuminazione di fama mondiale. L'azienda è stata creata "per vendere mobili" - disegnati da Alvar Aalto - "e per promuovere la moderna cultura dell'abitare attraverso mostre e altri mezzi". Una delle innovazioni più ingegnose di Alvar Aalto è la gamba a L, brevettata nel 1933. Aalto considerava il progetto della gamba a L il suo più grande successo e lo paragonava addirittura all'invenzione della colonna architettonica. Grazie a questa innovazione, le gambe potevano essere fissate direttamente ai piani di tavoli, sedie e sgabelli. Alvar Aalto era un designer versatile il cui lavoro copriva diversi campi. È noto anche per le sue eleganti lampade, che molto spesso venivano progettate per singoli progetti edilizi e successivamente adattate per la produzione in serie. Alvar Aalto è stato anche un apprezzato designer del vetro e la sua opera più famosa è il vaso Aalto (o vaso Savoy), uno dei pezzi di vetro più iconici del design finlandese. Le sedie lounge a sbalzo, modello 406, sono pezzi iconici progettati dall'architetto e designer finlandese Alvar Aalto per Artek. Queste sedie presentano una struttura in legno curvato con un caratteristico design a sbalzo, che conferisce loro un aspetto unico ed elegante. La filosofia progettuale di Aalto enfatizzava sia la funzionalità che l'estetica e le sedie Model 406 sono una perfetta incarnazione dei suoi principi. Sono diventate esempi classici di design di mobili modernisti e sono molto ricercate dai collezionisti e dagli appassionati di design.

Base d'asta  2600 EUR

Lotto 12 - Alvar AALTO (1898 - 1976) - FINLAND - Tavolo MX800B per Artek - Il certificato della galleria sarà consegnato all'acquirente. Spedizione a Parigi 100 eur Alvar Aalto è probabilmente l'architetto e designer finlandese più famoso al mondo. Uno dei lavori più importanti che gli furono commissionati fu la progettazione del sanatorio per la tubercolosi di Paimio, in Finlandia. Questo progetto significò anche l'inizio della carriera di Aalto come designer di mobili: infatti, questo fu il primo edificio progettato da Aalto che fu interamente arredato con mobili disegnati da Aalto stesso, compresa l'illuminazione. Altri progetti importanti portati a termine da Alvar Aalto sono la Biblioteca Comunale di Viipuri, Villa Mairea, La Maison Carré e i padiglioni finlandesi per le esposizioni mondiali di Parigi del 1937 e di New York del 1939. Nel 1935 Alvar Aalto, insieme ad Aino Aalto, Maire Gullichsen e Nils-Gustav Hahl, fondò Artek, un'azienda di mobili e illuminazione di fama mondiale. L'azienda è stata creata "per vendere mobili" - disegnati da Alvar Aalto - "e per promuovere la moderna cultura dell'abitare attraverso mostre e altri mezzi". Una delle innovazioni più ingegnose di Alvar Aalto è la gamba a L, brevettata nel 1933. Aalto considerava il progetto della gamba a L il suo più grande successo e lo paragonava addirittura all'invenzione della colonna architettonica. Grazie a questa innovazione, le gambe potevano essere fissate direttamente ai piani di tavoli, sedie e sgabelli. Alvar Aalto era un designer versatile il cui lavoro copriva diversi campi. È noto anche per le sue eleganti lampade, che molto spesso venivano progettate per singoli progetti edilizi e successivamente adattate per la produzione in serie. Alvar Aalto è stato anche un apprezzato designer del vetro e la sua opera più famosa è il vaso Aalto (o vaso Savoy), uno dei pezzi di vetro più iconici del design finlandese. Le sedie lounge a sbalzo, modello 406, sono pezzi iconici progettati dall'architetto e designer finlandese Alvar Aalto per Artek. Queste sedie presentano una struttura in legno curvato con un caratteristico design a sbalzo, che conferisce loro un aspetto unico ed elegante. La filosofia progettuale di Aalto enfatizzava sia la funzionalità che l'estetica e le sedie Model 406 sono una perfetta incarnazione dei suoi principi. Sono diventate esempi classici di design di mobili modernisti e sono molto ricercate dai collezionisti e dagli appassionati di design.

Base d'asta  3500 EUR

Lotto 13 - Alvar AALTO (1898 - 1976) - FINLAND - 2 sedie lounge a sbalzo modello 406 per Artek. Struttura in legno di betulla curvato con seduta in tela intrecciata - L 70 x P 61 x 35,5 / 89 cm - 1960. Il certificato della galleria sarà consegnato all'acquirente. Spedizione a Parigi 150 eur Alvar Aalto è probabilmente l'architetto e designer finlandese più famoso al mondo. Uno dei lavori più importanti che gli furono commissionati fu la progettazione del sanatorio per la tubercolosi di Paimio, in Finlandia. Questo progetto significò anche l'inizio della carriera di Aalto come designer di mobili: infatti, questo fu il primo edificio progettato da Aalto che fu interamente arredato con mobili disegnati da Aalto stesso, compresa l'illuminazione. Altri progetti importanti portati a termine da Alvar Aalto sono la Biblioteca Comunale di Viipuri, Villa Mairea, La Maison Carré e i padiglioni finlandesi per le esposizioni mondiali di Parigi del 1937 e di New York del 1939. Nel 1935 Alvar Aalto, insieme ad Aino Aalto, Maire Gullichsen e Nils-Gustav Hahl, fondò Artek, un'azienda di mobili e illuminazione di fama mondiale. L'azienda è stata creata "per vendere mobili" - disegnati da Alvar Aalto - "e per promuovere la moderna cultura dell'abitare attraverso mostre e altri mezzi". Una delle innovazioni più ingegnose di Alvar Aalto è la gamba a L, brevettata nel 1933. Aalto considerava il progetto della gamba a L il suo più grande risultato e lo paragonava addirittura all'invenzione della colonna architettonica. Grazie a questa innovazione, le gambe potevano essere fissate direttamente ai piani di tavoli, sedie e sgabelli. Alvar Aalto era un designer versatile il cui lavoro copriva diversi campi. È noto anche per le sue eleganti lampade, che molto spesso venivano progettate per singoli progetti edilizi e successivamente adattate per la produzione in serie. Alvar Aalto è stato anche un apprezzato designer del vetro e la sua opera più famosa è il vaso Aalto (o vaso Savoy), uno dei pezzi di vetro più iconici del design finlandese. Le sedie lounge a sbalzo, modello 406, sono pezzi iconici progettati dall'architetto e designer finlandese Alvar Aalto per Artek. Queste sedie presentano una struttura in legno curvato con un caratteristico design a sbalzo, che conferisce loro un aspetto unico ed elegante. La filosofia progettuale di Aalto enfatizzava sia la funzionalità che l'estetica e le sedie Model 406 sono una perfetta incarnazione dei suoi principi. Sono diventate esempi classici di design di mobili modernisti e sono molto ricercate dai collezionisti e dagli appassionati di design.

Base d'asta  5500 EUR

Lotto 14 - Charles EAMES (1907 - 1978) - USA - Sedia da ufficio di Charles & Ray Eames per Vitra, 1970 - L 58 x L 59 x H 83 cm. Il certificato della galleria sarà consegnato all'acquirente. Spedizione a Parigi 100 eur I coniugi americani Charles e Ray Eames sono famosi in tutto il mondo per il loro design moderno estremamente influente in tutti i settori: arredamento, architettura, grafica e prodotti, tutti caratterizzati da un'estetica giocosa e pulita, che si è dimostrata estremamente accessibile e duratura. I loro progetti possono essere considerati paralleli all'evoluzione del design americano del dopoguerra, dall'ascesa della West Coast alla proliferazione globale della cultura americana. I due si sono conosciuti a Cranbrook, si sono sposati nel 1941 e si sono trasferiti a Los Angeles, dove hanno collaborato alla progettazione di mobili a basso costo e prodotti in serie. Durante la guerra, ottennero un contratto con la Marina degli Stati Uniti per sviluppare stecche per gambe in compensato stampato per i militari feriti. Il loro continuo lavoro nel campo dell'arredamento domestico fu favorito dall'accesso alle risorse militari e, una volta aperto un ufficio a Santa Monica, portò a grandi successi con il compensato stampato. Il primo pezzo in compensato, l'iconico modello ECW (Eames Chair Wood), fu prodotto inizialmente nel 1946 da Evans ed è tuttora in produzione. Charles e Ray Eames progettarono architetture prefabbricate per soddisfare la domanda abitativa del dopoguerra e, nel 1949, progettarono la loro casa in California nell'ambito del Case Study House Program sponsorizzato dalla rivista Arts & Architecture. Continuarono a sperimentare per tutta la loro carriera, con i materiali - estendendosi ai mobili in fibra di vetro, plastica e metallo - e su uno spettro di progetti che spaziavano dal design dei giocattoli alla fotografia e al cinema. Quasi tutti i progetti sviluppati dall'Eames Office sono diventati amati e da collezione. Tra i pezzi più importanti ricordiamo La Chaise, sviluppata per il concorso internazionale per il design di mobili a basso costo del MoMA (1948); le sedie in fibra di vetro modellata (1950); il mobile contenitore Eames (1950-52); la lounge chair e l'ottomana (1956); e le sedie da ufficio del gruppo Aluminum (1958), prodotte sia da Herman Miller negli Stati Uniti che da Vitra in Europa. Premi Concorso per mobili organici, Museo d'Arte Moderna (1940) Premio Emmy per la grafica per I favolosi anni Cinquanta (1960) Premio internazionale di design Kaufmann (1961) Premio 25 anni dell'Istituto americano degli architetti (1977) Cattedra di poesia Eliot Norton, Harvard (1971) Medaglia d'oro della Regina per l'architettura (1979) "Designer più influente del 20° secolo" di WORLDESIGN (1985) Società dei designer industriali d'America (1985) A Legacy of Invention, mostra itinerante della Biblioteca del Congresso (1999) La Aluminium Chair è uno dei grandi progetti di arredamento del XX secolo. Charles e Ray Eames la concepirono e svilupparono nel 1958 per la residenza privata di un collezionista d'arte a Columbus, Indiana (USA). Per la sua costruzione, la coppia di designer si discostò dal principio della scocca della seduta, tendendo invece un pannello di tessuto o pelle tra due elementi laterali in alluminio per creare una seduta tesa ma elastica. La sedia si adatta al corpo di chi si siede ed è estremamente confortevole, anche senza un'imbottitura elaborata.

Base d'asta  8500 EUR

Lotto 20 - Jonathan Anderson (1965) & Edwin Low (1969) aka ANDERSON & LOW (Collab. since 1990) - UK - Forest defender - Stampa ptografica a pigmenti d'archivio - L 148 x H 115 cm - 2010 - Edizione 2/5 - Edizione numero 1 : Collezione del Metropolitan Museum of Art, New York, USA. Il certificato della galleria sarà consegnato all'acquirente. Jonathan Anderson e Edwin Low collaborano come team "Anderson & Low" dal 1990. Il loro lavoro comprende ritratti, nudi, studi architettonici, immagini astratte, reportage, paesaggi e immagini altamente disciplinate realizzate in studio. Attualmente stanno lavorando a un nuovo studio a colori sui concetti di identità, cultura e costume che esplora una forma d'arte ibrida e coinvolge fotografia, grafica e calligrafia. Anderson e Low sono noti soprattutto per i loro eleganti ritratti di atleti, cadetti militari e artisti del circo. Per il loro progetto più recente, Manga Dreams, hanno lavorato con adolescenti e giovani adulti su una serie di ritratti ispirati alle figure stravaganti e stilizzate dei manga e degli anime giapponesi. Insieme, gli artisti e i modelli hanno sviluppato identità fittizie basate su personaggi archetipici - guerriero, principessa, gangster, teppista di strada - e li hanno ritratti per mezzo di costumi elaborati, acconciature, trucco e manipolazione digitale delle immagini. Le fotografie finali, come questo ritratto di un giovane guerriero accovacciato in un paesaggio piatto e cartoonesco, sono esuberanti ibridi interculturali di fantasia e realtà. Nel settembre 2015, Anderson & Low sono stati insigniti di una Honorary Fellowship della Royal Photographic Society. Musei e collezioni Metropolitan Museum of Art, New York, New York, USA Museo di Belle Arti, Houston, Texas, USA Museo d'arte di Cleveland, Cleveland, Ohio, USA High Museum of Art, Atlanta, Georgia, USA Museo d'arte di Baltimora, Baltimora, Maryland, USA Museo d'arte di Akron, Akron, Ohio, USA Museo d'arte Blanton, Università del Texas, Austin, Texas, USA Colorado Springs Fine Art Center, Colorado Springs, Colorado, USA Palm Springs Art Museum, Palm Springs, California, USA Museo di Worcester, Worcester, Massachusetts, USA Masschusetts Institute of Technology, Cambridge, Massachusetts, USA Hood Museum of Art, Dartmouth College, Hanover, New Hampshire, USA Museo didattico e galleria d'arte Frances Young Tang, Saratoga Springs, New York, USA Museo d'arte del Middlebury College, Middlebury, Vermont, USA Museo della fotografia del Sud Est, Daytona Beach, Florida, USA Centro Olimpico degli Stati Uniti, Colorado Springs, Colorado, USA Museo Victoria & Albert, Londra, Regno Unito Galleria nazionale dei ritratti, Londra, Regno Unito Museo della Scienza, Londra, Regno Unito Centro Sainsbury per le arti visive, Norwich, Regno Unito Centro Wilson per la fotografia Collezione Elton John Maison Européenne de la Photographie, Parigi, Francia Brandts Museet Fotokunst, Odense, Danimarca Collezione d'arte Statoil Galleria Nazionale d'Australia, Canberra, Australia Galleria nazionale dei ritratti, Canberra, Australia

Base d'asta  22000 EUR

Lotto 21 - Velasco VITALI (1960) - ITALY - Dallol - Ferro e lamiera - L 135 x L 53 x H26 cm - 2010 - Pezzo unico. Il certificato della galleria sarà consegnato all'acquirente. Velasco Vitali (1960, Italia) lavora e vive a Bellano Inizia la sua attività di autodidatta alla fine degli anni Settanta, occupandosi di grafica, pittura e disegno. Nel 1983 vince il Premio San Fedele e l'anno successivo viene invitato da Giovanni Testori a partecipare alla mostra Artisti e scrittori alla Rotonda della Besana di Milano. Nel 1986 ha tenuto la sua prima mostra personale, curata da Vittorio Sgarbi, alla Compagnia del Disegno di Milano; nel 1999 ha partecipato alla XIII Quadriennale di Roma. Nel 2004 Electa pubblica Velasco 20, una monografia sui suoi primi vent'anni di lavoro con un contributo di Giulio Giorello, e l'anno successivo le sue opere entrano nella collezione del MACRO. Nel 2011 è stato invitato al Padiglione Italia della 54a Biennale di Venezia, dove ha esposto la scultura Veidrodis, ha presentato l'installazione Branco a Bruxelles e ha pubblicato Apriti cielo, un volume che raccoglie acquerelli sul tema del sacro. Tra le mostre più recenti: FUGA, a cura di Mark Gisbourne e Giacinto di Pietrantonio, Galleria Mazzoli, Modena; Veduta, a cura di Danilo Eccher, M77 Gallery, Milano; Branco, Reggia di Venaria, Torino; Sbarco, PART Museum, Rimini; Goldwatch, Assab One Gallery, Milano; Spazi Capaci, a cura di Alessandro De Lisi, Comunità Capaci, Palermo. Da 15 anni Velasco ha una predilezione per le sculture di cani, che modella e assembla con una grande varietà di materiali. L'artista si astiene dalla descrizione realistica, non avanza interpretazioni né giudizi e non segue alcuna trama; si limita a mettere in scena una creazione visiva affascinante e straniante, per incoraggiare la contemplazione, generando nuovo senso e significato. Gli animali di Vitali sono quasi sempre a grandezza naturale, realistici anche se creati in modo molto libero. Le loro posizioni trasmettono una certa tensione attraverso deformazioni volontarie e atteggiamenti a volte quasi patetici o stupefatti. Ogni cane è diverso, ha un'anima pulita e porta con sé una strana sensazione di plastica solitudine, qualunque sia la sua postura. Questa solitudine persiste anche quando l'artista riunisce un branco completo in uno spazio ristretto. Non si vede mai un cane che corre o in atteggiamento aggressivo; questi esseri sono rassegnati, storditi e disorientati. Mostre - Collezione - In situ Fondazione Giovanni Falcone di Palerm, 2023 XIII edizione di Taobuk Festival Taormina, Sicilia, 2023 Circolo Bellano, 2021 Castel Ivano, Museo d'Arte Moderna e Contemporanea di Trento e Rovereto, 2020 Galleria Assab One di Milano, 2020 Teatro Franco Parenti, Sala Testori, Milano, 2016 Piazza Duomo di Milano, 2014 Fonderia Artistica Battaglia, Milano, 2013 Fondazione Corrente, Milano, 2013 Galleria LKFF, Bruxelles, 2013 Fondazione Pomodoro, Milano, 2011 Palazzo Reale e piazza Duca D'Aosta, Milano, 2010 CRT Teatro dell'Arte, Milano 2006 Gioielleria Jackson Heigts, New York, 2009 Galleria el tigre celeste, Argentina Galleria M77, Milano, Italia, 2019 Premi Premio Acacia: Velasco Vitali ha ricevuto il Premio Acacia nel 1982. Premio Caterina Percoto: nel 1986 ha ricevuto il Premio Caterina Percoto. Premio Cairo Communication per l'Arte: Vitali è stato insignito del Premio Cairo Communication per l'Arte nel 1999. Premio Marche 2000: nel 2000 ha ricevuto il Premio Marche 2000. Premio New York: Vitali ha ricevuto il Premio New York nel 2003. Premio Crivelli Europa: nel 2011 ha ricevuto il Premio Crivelli Europa.

Base d'asta  20500 EUR

Lotto 24 - Paulo CLIMACHAUSKA (1962) - BRASIL - Cattedrale - Inchiostro e pittura acrilica su tela - L 280 x H 200 cm - 2012 - Il certificato della galleria sarà consegnato all'acquirente. Dal costruttivismo brasiliano, Climachauska perfeziona tattiche e tecniche tradizionali in opere contemporanee, creando un nuovo volto per un vecchio gioco. Resubtractions è un tassello fondamentale del lavoro dell'artista, che comprende quattro serie di opere che trattano i sistemi numerici in modo sottile e velato. I quadri di sottrazione diventati simbolici nel corso della carriera dell'artista, in cui Climachauska ricostruiva edifici moderni come se facesse un punto, assumono altre forme: sono cubi, bastoncini, lettere e ore che vengono sottratti uno a uno, con discrezione, non solo dalle mani dell'artista, ma soprattutto dai giochi nella mente del pubblico. Che si tratti di bluff, di costruire modelli per allestire cattedrali o di far fermare il tempo, le sue opere recenti fanno appello all'immaginazione del pubblico per continuare il gioco. La creatività dell'artista mette alla prova la fantasia del pubblico a ogni turno, salvando il bambino e interrogando l'adulto nello spettatore. La serie Cathedral, presentata in Fluxo de Caixa, una mostra dal titolo ambiguo presso la galleria Artur Fidalgo, è composta da quattro grandi tele bianche e malevole con immagini di magazzini industriali che immagazzinano merci. L'elemento geometrico minimo è il cubo, modulato per creare, con linee nere che si incontrano ad angolo retto, un'immagine che sembra fatta al computer. Quando ci si avvicina, ci si rende conto che questi magazzini, pur adottando l'illusione della prospettiva e avendo una dimensione quasi naturale, sono in realtà piccoli numeri, scritti a mano. Il magazzino industriale è la gestalt di questo insieme di numeri. I numeri non sono esattamente lo sfondo, ma l'infrastruttura della figura, come la società dominata dalle merci che trasforma il mondo contemporaneo in una merce.

Base d'asta  30000 EUR

Lotto 26 - Maya HAYUK (1969) - USA - Hash TAG - acrilico su pannello di legno - L 122 x H 91 cm - 2014 - Il certificato della galleria sarà consegnato all'acquirente. Maya Hayuk (1969, ucraino-americana), nata a Baltimora, vive e lavora a Brooklyn. È un'artista con un ampio background in una vasta gamma di arti generative e pratiche sociali. È nota soprattutto per gli audaci motivi geometrici che utilizza in murales di grandi dimensioni. Hayuk intreccia informazioni visive provenienti dall'ambiente circostante in astrazioni pittoriche elaborate, creando così un mix accattivante di riferimenti alla cultura popolare e a pratiche pittoriche avanzate. I suoi murales improvvisati e su larga scala parlano dell'ossessione dell'artista per la simmetria, la "perfetta imperfezione" e lo spazio esterno/interno. Le sue opere guardano all'espansione della coscienza e della percezione per trovare modelli e interconnessioni. In definitiva, la tradizione e la contemporaneità si fondono in nuove composizioni armoniche, dissonanti, ottimiste e sperimentali. Hayuk considera le sue pratiche di pittura in studio e di murale come inversamente relazionali e simbiotiche. Le vibranti astrazioni pittoriche di Maya Hayuk fanno riferimento a uova di Pasqua ucraine, coperte messicane, mandala, ologrammi e macchie di Rorschach. L'artista ha usato acrilico, inchiostro, glitter, vernice spray, acquerelli, nastro adesivo e penne a sfera per dare forma alle geometrie caleidoscopiche che riempiono i suoi murales pubblici, le tele e le opere su carta. Hayuk abbraccia uno stile denso e stratificato, alternativamente armonico e dissonante, referenziale e sperimentale. Hayuk ha curato numerose mostre, è membro del collettivo Barnstormers e collabora spesso con altri artisti e musicisti. Ha creato copertine di album, video, scenografie, fotografie e poster per Rye Rye/M.I.A, The Akron Family, TV on the Radio, The Flaming Lips, Devendra Banhardt, Seun Kuti, Prefuse 73, Awesome Color, Oakley Hall, Home, Animal Collective, Dan Deacon, Bonnie Prince Billy e The Beastie Boys, tra gli altri. Pubblica serigrafie fatte a mano con Pictures On Walls a Londra, Regno Unito. Hayuk ha curato THIS WALL COULD BE YOUR LIFE, dal 2005 al 2011 sulle pareti esterne dell'ormai leggendario e recentemente demolito Monster Island/ Secret Project Robot a Williamsburg, Brooklyn. L'11 settembre 2011, Maya ha orchestrato il Paint Pour dal tetto e dalle pareti dell'edificio, chiudendo il sipario su anni di opere d'arte pubblica. Dal 2013 Maya dirige il Center For Contemporary Art (C/A/C/A), fondato sul principio dell'amore per gli spazi artistici indipendenti e sulla necessità di coinvolgere la comunità. Mostre Museo ucraino di New York (2017) Museo Mima, Bruxelles (2016) Il muro della Bowery, NY (2014) Museo Hammer, Los Angeles (2013) Museo d'arte canadese contemporanea, Toronto, Canada (2013) Museo Bonnefanten, Maastricht, Paesi Bassi (2012) Parco delle sculture Socrates, Queens, New York (2011) Musee E.A.V., Rio De Janiero, Brasile (2011) Museo dell'Immagine e del Suono, San Paolo, Brasile (2010) Matucana Artspace, Santiago, Cile (2009) Galleria Alice (2009, 2019) Convenzione nazionale democratica, Denver, Colorado (2008) Arte contemporanea 2010, Istituto ucraino d'America Musee International des Arts Modeste, Sete, Francia (2007) Yerba Buena Center for the Arts, San Francisco, CA (2005). Premi e riconoscimenti Borsa di studio della Fondazione Pollock-Krasner: Maya Hayuk ha ricevuto una borsa di studio della Fondazione Pollock-Krasner, che sostiene il lavoro di singoli artisti. Programmi Artist-in-Residence: Hayuk ha partecipato a diversi programmi di residenza per artisti in tutto il mondo, spesso considerati prestigiose opportunità per gli artisti di sviluppare il proprio lavoro e di confrontarsi con nuove comunità. Commissioni d'arte pubblica: Hayuk è stato incaricato di creare installazioni d'arte pubblica e murales di grandi dimensioni in città di tutto il mondo. Pur non essendo premi tradizionali, queste commissioni sono indicative del suo impatto significativo e del suo riconoscimento nel mondo dell'arte. Acclamazione della critica: il lavoro di Maya Hayuk ha ricevuto il plauso della critica e degli appassionati d'arte, il che rappresenta una forma di riconoscimento per il suo contributo artistico. Collezione Museo FRAC (FR) Museo ucraino (USA) Museo d'arte iconoclasta del Millennio (Bruxelles, Belgio) Ambasciata degli Stati Uniti d'America (Sanaa, Yemen) Residenza dell'Ambasciata degli Stati Uniti d'America (Costa Rica) MOCA Jacksonville (FL) Collezione Dean (USA) e Wayne Coyne (Flaming Lips)

Base d'asta  16000 EUR

Lotto 27 - Joana VASCONCELOS (1971) - Portugal - Macaron 2016 - Pezzo unico - Uncinetto di lana fatto a mano, ornamento, poliestere su tela, cornice dorata in compensato - H.82 x L.96 x L.24 cm -. Il certificato della galleria sarà consegnato all'acquirente. Joana Vasconcelos espone regolarmente dalla metà degli anni Novanta. Il suo lavoro è diventato noto a livello internazionale dopo la sua partecipazione alla 51a Biennale di Venezia nel 2005, con l'opera A Noiva [La sposa] (2001-05). È stata la prima donna e la più giovane artista a esporre alla Reggia di Versailles, nel 2012. Tra i momenti più recenti della sua carriera figurano una mostra personale al Guggenheim Museum di Bilbao, il progetto Trafaria Praia, per il Padiglione del Portogallo alla 55ª Biennale di Venezia; la partecipazione alla mostra collettiva The World Belongs to You a Palazzo Grassi/Fondazione François Pinault, Venezia (2011); e la sua prima retrospettiva, tenutasi al Museu Coleção Berardo, Lisbona (2010). Oggi espone al Maat Lisbone, " Plug-in "Attinge alla cultura tradizionale portoghese per comporre una poesia visiva in cui le sue radici incontrano la cultura pop moderna. Gioca visivamente con gli oggetti di uso quotidiano, confondendo i confini tra artigianato e industria, tradizione e modernità, cultura popolare e cultura colta. Mostre Museo di Arte, Architettura e Tecnologia, Lisbona, Portogallo, 2023-2024 Massachusetts College of Art and Design, Boston, 2020 Museo Guggenheim di Bilbao, 2018 Palazzo di Versailles, 2012 Palazzo Grassi, 2011 Haunch of Venison, Londra, Regno Unito, 2010 Biennale di Venezia, 2005 Collezione Thyssen-Bornemisza Accademia Reale delle Arti Galleria d'arte di Manchester Parco delle sculture dello Yorkshire Kunsthal Rotterdam CCBB e Pinacoteca di San Paolo Istanbul Moderna Garage Centre for Contemporary Culture di Mosca Le Centquatre e La Monnaie di Parigi Palais de Tokyo e Hermitage Collezioni Tia Ömer Koç CCB/Berardo e quelle delle fondazioni Rothschild Calouste Gulbenkian, François Pinault Louis Vuitton. Premi Premio Giovane Creazione al Centre National d'Art et de Culture Georges Pompidou - Parigi, 2000. Premio EDP per i nuovi artisti, 2000. Premio dell'Associazione Internazionale dei Critici d'Arte (AICA) per la mostra "Joana Vasconcelos" alla Fondazione Serralves; Porto, Portogallo, 2001. Premio Artista dell'anno del quotidiano Expresso, 2010. Premio Artista europeo dell'anno 2012 della Società Les Etoiles, 2012. Premio Gazeta Revelação del quotidiano Público, 2012. Premio "Personalità culturale dell'anno" del quotidiano Expresso, 2013. Premio Amici della Scuola di Arti Decorative (ESAD) di Caldas da Rainha, 2014. D. Premio Dinis del Comune di Odivelas, 2014. Le sue sculture e installazioni giocano con i colori e le texture, in particolare attraverso l'uso del ricamo. Le sue fotografie, i video e le performance decostruiscono concettualmente le routine quotidiane, in particolare quelle relative alla condizione femminile.

Base d'asta  35000 EUR

Lotto 28 - Kustaa SAKSI (1975) - FINLAND - Trama jacquard Zenith - Lana Mohair, Merino, Cotone Biofur, Acryl, Eco-Cotone - 170 x 190 cm - 2016 - pezzo unico. Il certificato della galleria sarà consegnato all'acquirente. Kustaa Saksi costruisce mondi di forme e ambienti giocosi, paradossali, inquietanti ma invitanti, fuori dall'ordinario. Combinando qualità organiche con texture dai dettagli unici, ricche palette di colori e uso sperimentale di materiali, Saksi crea spazi, oggetti e atmosfere contemporanee. La sua serie di arazzi astratti Hypnopompic si colloca a metà strada tra gli stati di sogno e di risveglio - surrealista e sensazionale. La collezione First Symptoms trae ispirazione e consistenza dall'esame scientifico e dall'esperienza personale dell'emicrania. Il suo lavoro è spesso surreale e fuori luogo. Saksi è affascinato dagli stati illusori e dai deliri visivi - di solito basati su modelli, caleidoscopici, strutture identiche che a volte sfarfallano, si formano e si riformano in tutto il campo visivo - comuni nell'aura dell'emicrania per la maggior parte delle persone che ne soffrono. Spesso le strutture geometriche coprono l'intero campo visivo: scacchiere, tappeti orientali trasparenti, motivi tribali, oggetti d'arte sferici ornamentali come radiolari o batteri, disegni di carta da parati che si ripetono, figure simili a ragnatele o a cerchi e quadrati concentrici, forme architettoniche o fiocchi di neve decorativi ritagliati su carta, mosaici, spirali e vortici.Saksi combina fibre naturali come il mohair, l'alpaca, il cotone e la lana con gomma, metallo, acrilico e filati fosforescenti per creare complesse texture digitali e analogiche. La tecnica di tessitura jacquard prende il nome dall'inventore francese Joseph Marie Jacquard (1752-1834), che progettò il telaio jacquard. Con il telaio automatico di Jacquard è stato possibile tessere complessi tessuti di seta con motivi meccanici. Questa tecnologia fu rivoluzionaria per l'industria tessile di tutto il mondo. Collezione Museo Victoria & Albert (Regno Unito) Museo Cooper Hewitt (NY) Museo d'arte di San Jose, TextielMuseum (CA) Museo del design di Helsinki Museo Poldi Pezzoli (Milano) Kunsthall di Stavanger e Helsinki EMMA Museo d'arte moderna (FI) HAM Museo d'arte di Helsinki (FI) Accademia Reale delle Arti (Regno Unito) Fondazione Saastamoinen (FI) Fondazione Jenny e Antti Wihuri (FI) Stazione forestale dell'Università di Helsinki/Hyytiälä (FI) Collezione d'arte Rabobank (NL) Buitenplaats Doornburgh (NL) Premi Premio Red Dot Design: Questo concorso di design di fama internazionale premia l'eccellenza nel design di prodotto, nel design della comunicazione e nei concetti di design. Kustaa Saksi potrebbe aver ricevuto questo premio per i suoi eccezionali contributi al design grafico o ad altre categorie legate al design. Premio e concorso A'Design: L'A'Design Award è uno dei più grandi e prestigiosi riconoscimenti di design al mondo, che premia l'eccellenza in varie discipline del design. Kustaa Saksi potrebbe essere stato insignito di questo premio per il suo eccezionale lavoro in campi quali il design tessile, l'illustrazione o la comunicazione visiva. Premi internazionali di design (IDA): L'IDA celebra e promuove eccezionali visionari del design e talenti emergenti di tutto il mondo. Kustaa Saksi potrebbe essere stato premiato da questa organizzazione per il suo approccio innovativo e creativo al design. Premi europei di design: Questo concorso annuale presenta i migliori esempi di design grafico, illustrazione e design digitale provenienti da tutta Europa. Il lavoro di Kustaa Saksi potrebbe essere stato premiato per la sua eccellenza nel campo della comunicazione visiva. Premi della Society of Illustrators: In quanto illustratrice affermata, Kustaa Saksi potrebbe aver ricevuto un riconoscimento dalla Society of Illustrators, un'organizzazione dedicata alla promozione dell'arte dell'illustrazione. I premi di questa istituzione spesso evidenziano risultati eccezionali nel campo dell'illustrazione.

Base d'asta  12500 EUR

Lotto 29 - Ronan & Erwan Bouroullec (1971 and 1976) - FRANCE - 2 NESTING (CO E TABLE) _ Vetro - H42 x L35 x L35 cm - 2017 per Glass italia. Il certificato della galleria sarà consegnato all'acquirente. Spedizione a Parigi 150 eur. I fratelli Bouroullec sono uno dei pochi designer francesi con una reputazione internazionale2. Il loro lavoro si colloca a metà strada tra l'arredamento e l'architettura. Il loro lavoro si colloca a metà strada tra gli oggetti di uso quotidiano e le creazioni scenografiche. Da alcuni anni disegnano anche progetti per spazi pubblici. Nel 2015, il Kiosque è stato donato alla Città di Parigi11, dove sviluppa e presenta progetti sociali e culturali. Nel 2017 hanno installato a Miami una passerella di cento metri, coperta da un pergolato con motivi organici e abbellita da vasche d'acqua e piante. La loro carriera è stata costellata di collaborazioni con le principali case editrici di design. Mostre Design Museum (Londra, 2002) Museo d'Arte Contemporanea - MOCA (Los Angeles, 2004) Museo Victoria & Albert (Londra, 2011) Museo d'arte contemporanea (Chicago, 2012) Centro nazionale d'arte e di cultura Georges-Pompidou (2012) Musée des Arts Décoratifs (Parigi, 2013) Museo d'arte di Tel Aviv (Tel Aviv, 2015) Istituto di design di Hong Kong (Hong Kong, 2018) Premi Grand Prix du Design de la Ville de Paris, 1998 New Designer Award, International Contemporary Furniture Fair, New York, 1999

Base d'asta  2500 EUR

Lotto 30 - Harry MORGAN (1990) - UK - Scultura in vetro e cemento e vetro cilindrico bianco - H30 x L30 x L30 cm - Pezzo unico - 2018. Il certificato della galleria sarà consegnato all'acquirente. Harry Morgan (1990, Regno Unito) vive e lavora a Manchester, Regno Unito. "Nell'epoca della polarizzazione sociale e delle "guerre culturali", il mio obiettivo come artista è l'interazione degli opposti: trasparente e opaco; massa e vuoto; robusto e fragile. Attraverso il contrasto è possibile evidenziare la vera qualità dei materiali, creando un senso di ordine, armonia ed equilibrio". Da quando si è laureato all'Edinburgh College of Art nel 2014, Morgan ha esposto ampiamente in tutto il Regno Unito e a livello internazionale. Come finalista del Loewe Craft Prize 2019, il suo lavoro è stato esposto nel giardino interno "Heaven" di Isamu Noguchi a Tokyo, dove la giuria gli ha assegnato una menzione speciale. Le sue sculture sono presenti nelle collezioni permanenti del Victorian & Albert Museum, dei Musei Nazionali dell'Irlanda del Nord, del Museo Europeo del Vetro Moderno e della Fondazione Loewe. L'approccio di Morgan alla creazione oscilla tra l'uso dell'intuizione, della geometria e dell'espressione materiale. Il suo lavoro è stato caratterizzato da un'inaspettata combinazione di materiali e da un approccio sperimentale ai processi tradizionali. Reimmaginando gli antichi mestieri della soffiatura del vetro e della colata di cemento, il suo lavoro sfida le connotazioni fisiche e culturali dei materiali scelti. Collezione finalista del Premio Loewe per l'Artigianato 2019 Isamu Noguchi Tokyo Museo Vittoriano e Albert I Musei nazionali dell'Irlanda del Nord, Museo europeo del vetro moderno Premi per i talenti emergenti alla Biennale del vetro britannica del 2015 Premio Inches Carr Graduate Craft Award agli Scottish Craft Awards 2016.

Base d'asta  5500 EUR

Lotto 31 - Nathalie du PASQUIER (1957) - France - Ebano - Ceramica - P 21 x H 34 cm - ED 15/50 - 2018. Il certificato della galleria sarà consegnato all'acquirente. Nathalie Du Pasquier ha lavorato come designer nell'ambito del Memphis Group fino al 1987, producendo modelli, tessuti, superfici decorate e mobili. Da allora, la sua principale attenzione e passione è stata la pittura. Negli ultimi trentacinque anni, Du Pasquier è stata incuriosita dalla relazione tra gli oggetti e gli spazi in cui sono installati. Questa continua indagine si è manifestata in dipinti, sculture, disegni, modelli, costruzioni, tappeti, libri e ceramiche, agendo costantemente tra il rappresentativo e il non rappresentativo, il tangibile e l'intangibile, la realtà e l'immaginazione, le forme bidimensionali e tridimensionali. Pittrice espansa che lavora tra i formati, Du Pasquier è aperta a nuove possibilità e sperimentazioni, giocando continuamente con complesse composizioni di forme. Per un lungo periodo, ha prodotto nature morte seguendo una metodologia precisa in combinazione con la pura intuizione: costruendo scenografie con diversi elementi, prima oggetti quotidiani e poi costruzioni in legno fatte a mano, e rappresentando meticolosamente ciò che aveva davanti. Oggi Du Pasquier lavora direttamente su carta o su tela e realizza costruzioni che giocano con la giustapposizione di superfici piane e oggetti tridimensionali. I suoi dipinti possono esistere rispettivamente come oggetti, spazio o ambienti, confondendo le distinzioni tra un'opera e le sue strutture espositive. Nuovi oggetti arricchiscono costantemente il mondo immaginario e simbolico di Du Pasquier, che segue percorsi particolari e poetici per costruire e comporre forme, scolpire lo spazio e rendere nuova la rappresentazione. Considera tutto ciò che ha fatto come materia prima per i progetti futuri - un lavoro che fissa i propri limiti in ogni istante, ma allo stesso tempo è sempre pronto a sfuggire alla cornice di qualsiasi regola, entrando in un territorio sconosciuto. Premi Golden A' Design Award - Nel 2020, Du Pasquier ha vinto il Golden A' Design Award nella categoria Arts, Crafts, and Ready-Made Design per il suo tavolino "Fassett". AD Design Award - Nel 2017 ha ricevuto un AD Design Award nella categoria "Designer of the Year" per il suo eccezionale lavoro nel campo del design. Elle Decoration International Design Award (EDIDA) - Nel 2016 Du Pasquier ha ricevuto l'Elle Decoration International Design Award per il "Best Fabric Design". Compasso d'Oro - Ha vinto anche il prestigioso premio Compasso d'Oro nel 1986 per il suo contributo al design.

Base d'asta  600 EUR

Lotto 32 - Nathalie du PASQUIER (1957) - France - Rovere - Ceramica - P 21 x H 35 cm - ED 13/50 - 2018. Il certificato della galleria sarà consegnato all'acquirente. Nathalie Du Pasquier ha lavorato come designer nell'ambito del Memphis Group fino al 1987, producendo modelli, tessuti, superfici decorate e mobili. Da allora, la sua principale attenzione e passione è stata la pittura. Negli ultimi trentacinque anni, Du Pasquier è stata incuriosita dalla relazione tra gli oggetti e gli spazi in cui sono installati. Questa continua indagine si è manifestata in dipinti, sculture, disegni, modelli, costruzioni, tappeti, libri e ceramiche, agendo costantemente tra il rappresentativo e il non rappresentativo, il tangibile e l'intangibile, la realtà e l'immaginazione, le forme bidimensionali e tridimensionali. Pittrice espansa che lavora tra i formati, Du Pasquier è aperta a nuove possibilità e sperimentazioni, giocando continuamente con complesse composizioni di forme. Per un lungo periodo, ha prodotto nature morte seguendo una metodologia precisa in combinazione con la pura intuizione: costruendo scenografie con diversi elementi, prima oggetti quotidiani e poi costruzioni in legno fatte a mano, e rappresentando meticolosamente ciò che aveva davanti. Oggi Du Pasquier lavora direttamente su carta o su tela e realizza costruzioni che giocano con la giustapposizione di superfici piane e oggetti tridimensionali. I suoi dipinti possono esistere rispettivamente come oggetti, spazio o ambienti, confondendo le distinzioni tra un'opera e le sue strutture espositive. Nuovi oggetti arricchiscono costantemente il mondo immaginario e simbolico di Du Pasquier, che segue percorsi particolari e poetici per costruire e comporre forme, scolpire lo spazio e rendere nuova la rappresentazione. Considera tutto ciò che ha fatto come materia prima per i progetti futuri - un lavoro che fissa i propri limiti in ogni istante, ma allo stesso tempo è sempre pronto a sfuggire alla cornice di qualsiasi regola, entrando in un territorio sconosciuto. Premi Golden A' Design Award - Nel 2020, Du Pasquier ha vinto il Golden A' Design Award nella categoria Arts, Crafts, and Ready-Made Design per il suo tavolino "Fassett". AD Design Award - Nel 2017 ha ricevuto un AD Design Award nella categoria "Designer of the Year" per il suo eccezionale lavoro nel campo del design. Elle Decoration International Design Award (EDIDA) - Nel 2016 Du Pasquier ha ricevuto l'Elle Decoration International Design Award per il "Best Fabric Design". Compasso d'Oro - Ha vinto anche il prestigioso premio Compasso d'Oro nel 1986 per il suo contributo al design.

Base d'asta  600 EUR

Lotto 33 - Hanna JÄRLEHED (1970) aka Hanna HYVING - SWEDEN - Frozen Spring - Gres e argilla porcellanata. Gres trasparente e smalto - 10 × 50 cm - 2019. Il certificato della galleria sarà consegnato all'acquirente. Hanna Järlehed Hyving vive e lavora a Göteborg Hanna Järlehed Hyving si è formata in ceramica presso l'Università di Design e Artigianato di Göteborg e risiede tuttora in città. Il suo lavoro ruota attorno all'interesse per le molteplici forme espressive della ceramica. Mescola gres e porcellana, che poi modella liberamente. Di solito lavora con smalti trasparenti in strati spessi, che cuoce in un forno combinato elettrico e a gas. "Mi piace il fatto che l'argilla abbia infinite possibilità, ma che offra anche molte resistenze e sfide. Il più piccolo cambiamento che faccio nella scelta dei materiali o nel modo di lavorare porta a nuove conseguenze impreviste". Il lavoro creativo dell'artista si evolve intorno al suo interesse per i materiali ceramici e le loro diverse espressioni. L'acqua è un tema ricorrente e lo si vede anche in queste creazioni. Hanna utilizza l'argilla di Cina per il colore bianco che conferisce agli smalti un supporto perfetto e il gres per la sua resistenza e solidità. Gli spessi strati di smalti trasparenti ottengono le loro superfici vibranti attraverso un processo di cottura a riduzione in un forno combinato a gas ed elettrico. Premi Premio di design svedese Premio Elle Decoration Design Premio Red Dot Design Premio Good Design : Presentato dal Museo di Architettura e Design del Chicago Athenaeum Premio IF Design Museo Museo Röhsska Museo d'arte (Konstmuseum Museo Nazionale di Stoccolma Moderna Museet a Stoccolma Vandalorum a Värnamo

Base d'asta  2500 EUR

Lotto 34 - Hanna JÄRLEHED (1970) aka Hanna HYVING - SWEDEN - Gres e porcellana blu. Gres e terracotta trasparenti - 2019. Il certificato della galleria sarà consegnato all'acquirente. Hanna Järlehed Hyving vive e lavora a Göteborg Hanna Järlehed Hyving si è formata in ceramica presso l'Università di Design e Artigianato di Göteborg e risiede tuttora in città. Il suo lavoro ruota attorno all'interesse per le molteplici forme di espressione della ceramica. Mescola gres e porcellana, che poi modella liberamente. Di solito lavora con smalti trasparenti in strati spessi, che cuoce in un forno combinato elettrico e a gas. "Mi piace il fatto che l'argilla abbia infinite possibilità, ma che offra anche molte resistenze e sfide. Il più piccolo cambiamento che faccio nella scelta dei materiali o nel modo di lavorare porta a nuove conseguenze impreviste". Il lavoro creativo dell'artista si evolve intorno al suo interesse per i materiali ceramici e le loro diverse espressioni. L'acqua è un tema ricorrente e lo si vede anche in queste creazioni. Hanna utilizza l'argilla di Cina per il colore bianco che conferisce agli smalti un supporto perfetto e il gres per la sua resistenza e solidità. Gli spessi strati di smalti trasparenti ottengono le loro superfici vibranti attraverso un processo di cottura a riduzione in un forno combinato a gas ed elettrico. Premi Premio di design svedese Premio Elle Decoration Design Premio Red Dot Design Premio Good Design : Presentato dal Museo di Architettura e Design del Chicago Athenaeum Premio IF Design Museo Museo Röhsska Museo d'arte (Konstmuseum Museo Nazionale di Stoccolma Moderna Museet a Stoccolma Vandalorum a Värnamo

Base d'asta  2500 EUR

Lotto 35 - Seni Awa CAMARA (1945) - SENEGAL - Khaukeuw Kha Guinée - Argilla cotta - L 30 x H 42 cm - Pezzo unico - 2020. Il certificato della galleria sarà consegnato all'acquirente. Seyni Awa Camara (1939, Senegal) vive e lavora a Bignona, in Senegal. La madre l'ha introdotta alle tecniche tradizionali della ceramica quando era solo una bambina, ma il suo lavoro artistico si è rapidamente allontanato dalla natura utilitaristica degli oggetti per passare a una confermata ricerca estetica su forma e contenuto. Seyni Camara è anche chiamata la "Magicienne de la Terre" perché dietro il suo apprendistato con l'argilla c'è una leggenda locale. Seyni e i suoi fratelli sarebbero stati rapiti dai geni della foresta. Si dice che per più di quattro mesi abbiano insegnato ai bambini tutto ciò che c'era da sapere sulla ceramica. Quando i figli non tornarono a casa, la madre e gli abitanti del villaggio organizzarono dei sacrifici umani per assicurarne il ritorno. Seyni e i suoi fratelli riapparvero una mattina, ceramica alla mano, dopo quattro mesi di assenza. Si è sposata all'età di 15 anni e si dice che abbia vissuto un parto difficile. Dopo essere stata abbandonata dal primo marito, ha incontrato Samba Diallo, che l'ha incoraggiata nel suo lavoro artistico. Il secondo marito, morto nel 2004, è stato il suo più fervente difensore e ha svolto il ruolo di mediatore tra l'artista e il mondo culturale. Le creazioni di Seyni Camara sono il risultato di un lungo processo. Inizia sempre facendo sacrifici agli spiriti ed esprimendo il desiderio che questi le rivelino in sogno le forme che deve rappresentare nelle sue statuette. La mattina dopo, l'artista si chiude nel suo studio e inizia a creare modelli basati sulle forme che le appaiono nella testa. Dopo aver preparato l'argilla, Seyni Camara inizia il lavoro di dare gradualmente forma alle immagini e ai personaggi che popolano la sua mente. Le occorrono più di dieci giorni per produrre alcune sculture dalle forme complesse. Il processo finale di cottura dell'argilla avviene secondo un metodo ancestrale; le sculture vengono prima cotte su un fuoco di legna per più di tre ore, prima di essere immerse allo stato caldo in un liquido ottenuto da baccelli di alberi putrefatti. Questa fase finale conferisce alle sculture il loro colore e la loro robustezza. Le sculture di Seyni Camara rappresentano molto spesso donne incinte, figure materne circondate da molti bambini. Le sue creazioni sono forse uno sfogo, una rivelazione della drammaticità dei suoi pensieri intimi: un immaginario animista ispirato alla natura, ai racconti locali e che ruota attorno ai temi della maternità e della sessualità. A differenza di molti creatori, Seyni Camara non ha apparentemente mai scolpito per attirare fama e gloria. La sua scoperta sulla scena artistica internazionale è stata quasi una coincidenza, quando un turista ha acquistato diversi suoi pezzi al mercato prima di tornare in Europa. Col tempo, le sue sculture hanno suscitato curiosità e l'interesse per il suo lavoro è cresciuto, come testimonia la presenza delle sue opere in molte mostre internazionali. Mostre della collezione Museo del Quai Branly Galleria Nino Mier, Los Angeles Biennale di Venezia Museo di Belle Arti di Houston Pinacoteca Giovanni e Marella Agnelli di Torino Baronian, Bruxelles Galleria Almine Rech Brafa, Bruxelles

Base d'asta  6000 EUR

Lotto 36 - Julie LEGRAND (1973) - FRANCE - Antinomia - Scultura realizzata con oggetti di vetro assemblati - L 18 x H29 cm - Pezzo unico - 2021. Il certificato della galleria sarà consegnato all'acquirente. Julie Legrand (1973, Francia) vive e lavora in Piccardia. Dopo aver studiato filosofia e letteratura, Julie Legrand si è formata in varie tecniche del vetro, collaborando con il Centre International d'Art Verrier di Meisenthal. Negli ultimi anni ha conseguito un master professionale in design e tecnologia contemporanea presso l'Ecole Nationale Supérieure de Création Industrielle Saint-Sabin di Parigi, oltre a una formazione in tornitura del legno e cesteria. In altre parole, la sua ricerca concettuale va di pari passo con il desiderio di padroneggiare la materia. Da diversi anni Julie Legrand lavora con il vetro, trasmutando sempre il minerale in materia viva, in un'alchimia complessa e senza complicazioni. "E quando l'ho strappato, tutta la vita è venuta con lui". Questa frase è emblematica del suo lavoro, poiché, scritta in vetro filato, evoca perfettamente l'energia vitale che ne è alla base. Questa energia è ovunque, nell'opera stessa che, a seconda della tecnica scelta, richiede forza, respiro e meticolosità. C'è un'irruzione in questo lavoro, una singolarità, una stranezza, un'invasione, una proliferazione... tutto il ribollire della pulsione di vita, che emerge, a volte fino all'oppressione, dalla materia e dalla sua memoria. E tanto umorismo! Mostre della collezione Asia centrale, Baronia, Bruxelles Galleria Marie-Laure Fleisch Bruxelles Biennale Internazionale del Vetro di Biot. GLASSWEEK - Venise - TenARTS. Galerie Delaunay, Parigi Biennale internazionale del vetro contemporaneo. Strasburgo Galleria Anton Weller, Parigi Centro culturale di Gentilly Casa della cultura, Gauchy Alain Monvoisin, Parigi

Base d'asta  2500 EUR

Lotto 37 - LES CRAFTIES (Collab. Since 2018) (Jeanne Martin and Marie-Marie Vergne ) - FRANCE/act.Belgique - La sdraio - Lettino estivo, metallo e tela illustrata su entrambi i lati - 130 x 60 cm - pezzo unico 2021. Il certificato della galleria sarà consegnato all'acquirente. Spedizione a Parigi 100 eur. Jeanne Martin è nata a Montpellier e Marie-Marie Vergne ad Arles. Si sono incontrate a Nîmes e hanno studiato design tessile a Lione, Ginevra, Parigi e Bruxelles. Les Crafties stanno inventando una nuova forma d'arte per gli interni: l'affresco tessile. Fondato da Jeanne Martin-Taton e Marie-Marie Vergne, lo studio con sede a Bruxelles riunisce tinte unite e stampe naif su mille e una stoffa, il tutto con un gusto disinibito per il decorativo e il magniloquente. Jeanne Martin-Taton è nata a Montpellier e Marie-Marie Vergne ad Arles. Hanno studiato design tessile a Lione, Ginevra, Parigi e Bruxelles. Nel 2018 hanno unito le forze per formare Les Crafties, un'accoppiata sperimentale e multidisciplinare che oscilla tra il decorativo e il pittorico. Nel loro studio di Bruxelles, i due si divertono a rimettere in scena abilità artigianali e a reinventare il patchwork attraverso tessuti reinventati realizzati con stoffe abbandonate dall'industria dell'abbigliamento. Un approccio al tempo stesso artigianale e sperimentale, rivelato da Villa Noailles durante il festival Design Parade Toulon 2018, di cui sono stati finalisti. Da allora hanno lavorato con una vasta gamma di clienti e contesti, da India Mahdavi a Claude Cartier e Hermès.

Base d'asta  2200 EUR

Lotto 38 - Marcin SOBOLEV (1981) - BELGIUM - Costruzione - Tecnica mista - L15 x L 12 x H56 cm - Pezzo unico - 2022. Il certificato della galleria sarà consegnato all'acquirente. Marcin Sobolev (1981, Belgio) vive e lavora a Bruxelles Tra le influenze della musica locale, dell'arte popolare, della cultura sciamanica, del passato culturale e personale, Sobolev sviluppa un proprio linguaggio visivo che, nelle sue sculture totemiche e nei suoi dipinti dettagliati, trasmette senza sforzo l'energia dei luoghi visitati. L'interazione di immagini e opere tipografiche, simbolo e contesto, dettaglio e astrazione celebra l'estetica vibrante della vita quotidiana nell'Europa orientale urbana e nell'Asia centrale rurale e porta avanti ciò che spesso è nascosto: una creatività impulsiva che produce arte onesta e pura. Le opere di Sobolev sono un tributo al talento della gente, a un ambiente che riesce a opporsi all'eteronomia socio-economica con la propria volontà creativa. Sobolev si appropria del linguaggio, del simbolismo e delle regole, li aliena e li riempie con il proprio significato multistrato, che diventa tangibile nella composizione delle opere. I suoi dipinti sono un adattamento pittorico di questo passato in un linguaggio contemporaneo. Sonda l'anima russa e ripercorre un passato sovietico in cui l'uomo viveva nascosto nella natura. Marcin Sobolev è un appassionato viaggiatore, torna regolarmente nei Paesi dell'Europa dell'Est e incontra i punk moscoviti e gli artisti transiberiani che alimentano la scena artistica russa di ogni genere, con i quali si mescola volentieri. Viaggia anche nella mente degli emarginati, dei criminali e dei bambini autistici. Collezione Baronian, Bruxelles Galleria Louis Gendre & Ko, Chamalières Fiera d'arte del Lussemburgo, Galleria Louis Gendre, Lussemburgo Brooklyn by the sea, Galleria Louis Gendre, Chamalières Salon Art Paris 2019, Galleria Louis Gendre, Parigi Doppia mafia, Gallerie Dudelange, Dudelange Galleria Louis Gendre, Chamalières Slavsquat, Galleria Mori Yu, Kyoto Cité Jardin, Docks Art Fair, Lione Nikita, Galleria Nosbaum & Reding, Lussemburgo Severiki, Centro d'arte Dominique Lang, Dudelange

Base d'asta  3000 EUR

Lotto 39 - Adelie DUCASSE (1978) - France - Lampada da terra Dallas - Terracotta. Realizzata a mano in Italia da un'antica manifattura veneziana H153 x 30 x 30 cm - pezzo unico-2022. Il certificato della galleria sarà consegnato all'acquirente. Adelie Ducasse (1978, Francia) vive e lavora a Parigi Conservare l'anima di una bambina: questo è l'intento di Adelie, artista poliedrica il cui universo colorato, giocoso e gioioso si ispira alla spontaneità dell'infanzia e ai suoi giochi dai colori vivaci come i lego e i puzzle. Adélie Ducasse è cresciuta nelle isole, Nuova Caledonia e Réunion, dove ha sviluppato il suo gusto per i colori e le forme primitive. In seguito, è in California che si ricongiunge con le sensazioni della sua infanzia. Vi ha vissuto per un certo periodo e vi è tornata spesso per godersi il sole, lo stile di vita e per lasciarsi ispirare dall'architettura modernista che caratterizza la regione. È un'artista autodidatta specializzata nella creazione di sculture di luce in ceramica. È interessata alla possibilità di modulare questo materiale, così come ai colori vivaci e audaci della terracotta. Crea una costruzione assemblando forme geometriche semplici (tondo, cono e rettangolo) in sequenze di colori, associandole matematicamente. Il suo lavoro è un incrocio tra due grandi ispirazioni contraddittorie: il Bauhaus (scuola tedesca fondata nel 1919) e il gruppo Memphis (scuola di design italiana fondata negli anni Ottanta). Reinterpretando i codici di questi due gruppi artistici, l'artista riesce ad attingere alla semplicità delle linee del Bauhaus e alle sequenze ritmiche di colori del gruppo Memphis. L'uso di colori vivaci e contrastanti conferisce dinamismo alle forme semplici e geometriche delle sue sculture.

Base d'asta  5200 EUR

Lotto 40 - Xavier LE NORMAND (1978) - FRANCE - Sans Titre - pezzo unico - Vetro soffiato - diam. 23 x H 10 cm - 2022. Il certificato della galleria sarà consegnato all'acquirente. Xavier Le Normand si è formato inizialmente come gioielliere presso i laboratori di Font Blanche a Nîmes, prima di entrare al CERFAV vicino ad Annecy, dove è diventato Compagnon Verrier Européen. Nel 2004 ha ottenuto una borsa di studio dalla città di Parigi, seguita dalla borsa di studio Lino Tagliapietra di Pilchuck, negli Stati Uniti, nel 2008. Nel 2009 ha insegnato in un'università di Tokyo, in Giappone, dove è stato soprannominato "sensei". Nello stesso anno ha ricevuto il Premio Liliane Bettencourt per l'intelligenza della mano. Si è formato con i migliori soffiatori e tagliatori di vetro, tra cui Monica Guggisberg e Philippe Baldwin. Xavier Le Normand ha esposto in Belgio, Francia e Paesi Bassi. Nel 2015 l'artista ha esposto al Musée des Arts décoratifs di Parigi (mostra "Mutations") e al Palais de Tokyo (mostra "L'usage des formes"). Xavier Le Normand fa parte delle collezioni del Musée des Arts décoratifs di Parigi. Nel 2016 ha collaborato con Cartier e Fred joaillerie. È salito alla ribalta della scena vetraria contemporanea in Francia. Ha sviluppato un'esplorazione artistica distinta, discostandosi dalla tradizionale lavorazione del vetro. Le sue creazioni sono opere d'arte che fanno riferimento sia alla Francia che al Giappone. Il lavoro di Xavier Le Normand è caratterizzato dal virtuosismo. Combina abilmente la lavorazione del vetro a caldo con la scultura a freddo e non esita a incorporare metalli preziosi nei suoi pezzi. Le sue opere sono spesso caratterizzate da forme organiche, colori opachi e texture che evocano la vita stessa. Esplora anche il taglio a freddo, un aspetto meno comune della lavorazione del vetro, dove forma, materiale e colore si fondono armoniosamente. 2009 - Premio Liliane Bettencourt per l'intelligenza della mano® - Talenti eccezionali Mostre della collezione Musée des Arts Décoratifs, Parigi Cirva Palazzo di Tokyo Galleria Echt di Chivago Fiera d'arte Brafa, Bruxelles Fiac, Parigi Galleria Clara Scremini Pavillon des arts et du design (Parigi) Collaborazione con Cartier Collaborazione con Dior

Base d'asta  4500 EUR

Lotto 41 - Xavier LE NORMAND (1978) - FRANCE - Sans Titre - pezzo unico - Vetro soffiato - L 24 x l 24 x H 22 cm - 2022. Il certificato della galleria sarà consegnato all'acquirente. Xavier Le Normand si è formato inizialmente come gioielliere presso i laboratori di Font Blanche a Nîmes, prima di entrare al CERFAV vicino ad Annecy, dove è diventato Compagnon Verrier Européen. Nel 2004 ha ottenuto una borsa di studio dalla città di Parigi, seguita dalla borsa di studio Lino Tagliapietra di Pilchuck, negli Stati Uniti, nel 2008. Nel 2009 ha insegnato in un'università di Tokyo, in Giappone, dove è stato soprannominato "sensei". Nello stesso anno ha ricevuto il Premio Liliane Bettencourt per l'intelligenza della mano. Si è formato con i migliori soffiatori e tagliatori di vetro, tra cui Monica Guggisberg e Philippe Baldwin. Xavier Le Normand ha esposto in Belgio, Francia e Paesi Bassi. Nel 2015 l'artista ha esposto al Musée des Arts décoratifs di Parigi (mostra "Mutations") e al Palais de Tokyo (mostra "L'usage des formes"). Xavier Le Normand fa parte delle collezioni del Musée des Arts décoratifs di Parigi. Nel 2016 ha collaborato con Cartier e Fred joaillerie. È salito alla ribalta della scena vetraria contemporanea in Francia. Ha sviluppato un'esplorazione artistica distinta, discostandosi dalla tradizionale lavorazione del vetro. Le sue creazioni sono opere d'arte che fanno riferimento sia alla Francia che al Giappone. Il lavoro di Xavier Le Normand è caratterizzato dal virtuosismo. Combina abilmente la lavorazione del vetro a caldo con la scultura a freddo e non esita a incorporare metalli preziosi nei suoi pezzi. Le sue opere sono spesso caratterizzate da forme organiche, colori opachi e texture che evocano la vita stessa. Esplora anche il taglio a freddo, un aspetto meno comune della lavorazione del vetro, dove forma, materiale e colore si fondono armoniosamente. 2009 - Premio Liliane Bettencourt per l'intelligenza della mano® - Talenti eccezionali Mostre della collezione Musée des Arts Décoratifs, Parigi Cirva Palazzo di Tokyo Galleria Echt di Chivago Fiera d'arte Brafa, Bruxelles Fiac, Parigi Galleria Clara Scremini Pavillon des arts et du design (Parigi) Collaborazione con Cartier Collaborazione con Dior

Base d'asta  8500 EUR

Lotto 42 - Silver SENTIMENTI (1970) - ITALY/ act. France - 3 Astrolables - Tecnica mista - L 15 x L 18 x H25 cm - Pezzo unico - 2022. Il certificato della galleria sarà consegnato all'acquirente. Silver Sentimenti è un ceramista e nobilitatore. È cresciuto nel laboratorio di cucito della sua famiglia, circondato da tessuti e modelli. Affascinato da questo ambiente, ha deciso in tenera età di diventare un artigiano. Nel 1984 si iscrive all'Istituto Gaetano Ballardini di Faenza, studiando scultura in ceramica, e prosegue gli studi di scenografia alla Scuola di Belle Arti di Bologna. Nel 1997, un'opportunità nel campo del costume di alta moda lo porta a Parigi e lo spinge a dedicare parte della sua carriera a questo settore. Nel 2007, però, Silver Sentimenti decide di concentrare il suo lavoro sulla ceramica, sui gesti e sul tempo. Ha quindi aperto il suo laboratorio di ceramica in Normandia, dove ha realizzato pezzi unici ed edizioni limitate per clienti privati in Francia e all'estero. Ricerca e innovazione Il lavoro di Silver Sentimenti si ispira alle sue esperienze professionali di modellista, couturier e costumista. Quando crea, unisce le arti del fuoco, dell'alta moda e della scultura. Lavora con il gres della Borgogna o del Noron e con la porcellana della Baviera e di Limoges. Per ciascuna delle sue creazioni, modella il pezzo in argilla cruda, che poi fora. Dopo la cottura, li ricama con cinghie di cuoio ed elementi metallici. Silver Sentiment si preoccupa di garantire l'origine e la qualità delle sue pelli, rifornendosi da una pelletteria in Bretagna, dove vengono conciate al vegetale in Francia. La trasmissione Silver Sentimenti è desideroso di trasmettere la sua esperienza. Nel corso della sua carriera, ha insegnato le sue competenze nelle scuole superiori DMA e all'IFM, oltre a gestire laboratori di ceramica e corsi di tornitura. Oggi continua a insegnare nel programma tessile DNMADE e accoglie ogni anno apprendisti nel suo laboratorio. La Fondation Rémy Cointreau e la galleria des Ateliers d'Art de France hanno sostenuto Silver Sentimenti nell'acquisizione di una ceramica.

Base d'asta  2300 EUR

Lotto 43 - Pierre PAULIN (1927, 2009) - FRANCE - Big Mushroom - Struttura tubolare in acciaio, schiuma di lattice e tessuto elasticizzato - L90 x L 85 x 67. ED. Artefatto. Il certificato della galleria sarà consegnato all'acquirente. Spedizione a Parigi 150 eur. Pierre Paulin era noto per la progettazione di sedie. Ha lavorato utilizzando schiume e telai metallici rivestiti di materiali elastici, ammirati per "le loro linee chiare, la sensazione sensuale del loro materiale o semplicemente per il modo in cui le loro forme cullavano il corpo". I suoi progetti erano molto popolari all'epoca e hanno influenzato diversi designer. Grande fungo Design di Pierre Paulin Una poltrona per tutti i tempi. Sensibile ma forte. Un'arte sempre confortevole. La Big Mushroom® di Pierre Paulin fa parte della collezione permanente del Museum of Modern Art di New York. Lanciata in passato come F562, è stata rilanciata come Big Mushroom. Il designer Pierre Paulin si è distinto con questa poltrona dalla forma originale e dalla tecnica di fabbricazione rivoluzionaria per l'epoca. L'idea della Mushroom venne a Pierre Paulin mentre osservava le donne, modellate e inguainate nei loro costumi da bagno. Voleva la stessa cosa per una seduta. L'ispirazione si ritrova nelle splendide curve e nell'imbottitura elastica monopezzo senza cuciture. Mushroom è il primo mobile realizzato con un metodo di rivestimento elastico monopezzo senza cuciture. La sua forma originale segnerà l'arredamento degli anni '60, ispirando molte altre creazioni dalle forme scultoree. Le forme rotonde e la comoda imbottitura si abbinano perfettamente ai colori vivaci per un effetto originale e di tendenza. Una delle più note è la poltrona Mushroom senza gambe della serie n. 560, creata nel 1959, con imbottitura e colori vivaci per un effetto originale e di tendenza. 560, creata nel 1959, imbottita in gommapiuma e rivestita in jersey elastico. Pierre Paulin ebbe l'idea vedendo donne in costume da bagno, inguainate e formose. Decise quindi di creare una seduta interamente rivestita in tessuto di guaina per conferirle un aspetto liscio e privo di protuberanze. I primi test non sono stati risolutivi: il jersey prodotto in Francia era troppo costoso e troppo fragile (soprattutto in presenza di animali domestici...). Ha iniziato a cercare un tessuto resistente, che ha finalmente trovato in Norvegia. Poco costoso, più resistente ed elastico, aderisce e trattiene la schiuma nella carcassa senza fare grinze. La seduta si ispira anche ai sedili delle auto italiane, rivestiti in pelle o in tessuto su una struttura metallica, un design che ha continuato a riproporre per la serie 560. All'interno del Mushroom, tre anelli formano la base, uno per il pavimento, un altro per il sedile e l'ultimo per i braccioli. La gommapiuma utilizzata all'interno è la gommapiuma sviluppata da Pirelli nel dopoguerraIl Mushroom fu il primo sedile progettato per essere interamente rivestito in jersey elastico, con solo un sottile foglio di compensato visibile come base. Paulin considerava questo sedile il migliore che avesse mai realizzato "dal punto di vista economico, meccanico e finanziario". Premi Gran Premio Nazionale della Creazione Industriale Legione d'onore (Chevalier de la Légion d'Honneur), 1989 Premio di design Rotterdam Hall of Fame del design d'interni, 2009 Musei Museo delle Arti Decorative, Parigi Centro Pompidou, Parigi Museo del design Vitra, Germania Museo d'Arte Moderna (MoMA), New York Museo Stedelijk, Amsterdam Museo del Design, Londra Domainde du Muy, Francia

Base d'asta  3200 EUR

Lotto 44 - Christophe GEVERS (1969, 2007) - BELGIUM - Coppia di poltrone TBA- Reedition - pelle, acciaio cromato, filo di nylon bianco - H78 x 54 x 54 cm. Il certificato della galleria sarà consegnato all'acquirente. Spedizione a Parigi 100 eur. Christophe Gevers ha creato la sedia TBA nel 1959, nell'ambito di un progetto di ristrutturazione della Taverne des Beaux-Arts, la taverna del Palais des Beaux-Arts di Bruxelles. Il successo fu immediato. Nello stesso anno, la sedia riceve Le Signe d'Or, il marchio di qualità belga. L'inizio degli anni Sessanta segna l'arrivo di Gevers nel mondo del design e dell'arredamento. Come designer e progettista d'interni, Christophe Gevers realizzò numerosi interni di rinomate brasserie e ristoranti di Bruxelles, tra cui la Taverne des Beaux-Arts (1959), il Vieux Saint-Martin nel Sablon (1968) e la Porte de Namur sede della catena di hamburger Quick (1984). Ha anche ristrutturato numerose agenzie bancarie, oltre a progettare una vasta collezione di mobili e illuminazione. Il lavoro di Gevers è caratterizzato dall'uso di nuove materie prime, che diventano più eleganti nel corso degli anni. La sedia TBA è un semplice pezzo tubolare di acciaio cromato, con seduta e schienale in pelle, cuciti con nylon bianco. Gevers ha scelto in particolare una pelle non colorata che si scurisce e diventa più morbida con l'uso nel tempo. Sullo schienale e sotto il sedile della sedia, Gevers utilizzò un filo di nylon per allungare la pelle. Tornò spesso su questo modello, inserendolo in altri progetti, tanto che oggi lo vediamo in diverse sedie. L'uso di nuovi materiali e dei braccioli fluttuanti conferiscono alla sedia di Christophe Gevers un fascino particolarmente moderno e la sedia che ha dato il via alla sua carriera rimane in assoluto una delle sue creazioni più belle. I mobili disegnati da Christophe Gevers sono stati spesso sostituiti o sono scomparsi nel corso degli anni, quindi questa acquisizione da parte del Fondo del Patrimonio ci permette di preservare un importante elemento del design belga del XX secolo. Questa sedia è stata affidata al Design Museum di Bruxelles (link esterno), dove dialogherà con altri mobili di designer belgi acquisiti dal Fondo nel 2019, nonché con mobili degli anni Cinquanta che fanno parte della collezione permanente del museo, tra cui opere di Jacques Dupuis, Jules Wabbes, Willy van der Meeren e altri.

Base d'asta  2200 EUR

Lotto 45 - Christophe GEVERS (1969, 2007) - BELGIUM - CG01 LIGHT - Edizione limitata 39 - Corten . Il certificato della galleria sarà consegnato all'acquirente. Spedizione a Parigi 80 eur Disegnata da Christophe Gevers, questa lampada farà la gioia degli esteti appassionati di bellezza e ingegno. Per essere chiamata 01, deve essere degna di essere identificata con la perfezione! Una miscela sottile, delicatamente proporzionata, questo apparecchio è più scultura che semplice illuminazione, rendendo la CG01 un'opera d'arte ricca di aneddoti. Christophe Gevers ha lasciato un segno indelebile nel design belga con il suo senso dei materiali e il suo modernismo tattile. È considerato uno dei più importanti interior designer del dopoguerra. Ha privilegiato un modernismo caldo e confortevole, utilizzando materiali nobili e durevoli. Ha fondato la sua azienda, Gevers Design, e ha lavorato come insegnante a La Cambre nel dipartimento di decorazione e arredamento. Il suo lavoro è un segno distintivo del design belga e le sue creazioni sono oggi molto ricercate. Tanto di cappello all'artista, Gevers sta riscuotendo il successo che merita! Collocata nel 1968 nel ristorante "Le Cap d'Argent" di Bruxelles, la CG01, disegnata in un rosso intenso e deciso, ha illuminato questa brasserie e l'ha resa un'immagine emblematica del design belga. Va da sé che anche il ristorante "Aux Vieux Saint Martin", rinomato a livello internazionale, incorpora la 01 nel suo ristorante, frequentato da alcune delle personalità più importanti del mondo. Il Canterbury testimonia ancora oggi il suo stile unico, che non ha nulla di antiquato.

Base d'asta  1300 EUR

Lotto 46 - Christophe GEVERS (1969, 2007) - BELGIUM - CG01 LIGHT - Edizione limitata a 39 - Metal Brut. Il certificato della galleria sarà consegnato all'acquirente. Spedizione a Parigi 80 eur. Disegnata da Christophe Gevers, questa lampada farà la gioia degli esteti appassionati di bellezza e ingegno. Per essere chiamata 01, deve essere degna di essere identificata con la perfezione! Una miscela sottile, delicatamente proporzionata, questo apparecchio è più scultura che semplice illuminazione, rendendo la CG01 un'opera d'arte ricca di aneddoti. Christophe Gevers ha lasciato un segno indelebile nel design belga con il suo senso dei materiali e il suo modernismo tattile. È considerato uno dei più importanti interior designer del dopoguerra. Ha privilegiato un modernismo caldo e confortevole, utilizzando materiali nobili e durevoli. Ha fondato la sua azienda, Gevers Design, e ha lavorato come insegnante a La Cambre nel dipartimento di decorazione e arredamento. Il suo lavoro è un segno distintivo del design belga e le sue creazioni sono oggi molto ricercate. Tanto di cappello all'artista, Gevers sta riscuotendo il successo che merita! Collocata nel 1968 nel ristorante "Le Cap d'Argent" di Bruxelles, la CG01, disegnata in un rosso intenso e deciso, ha illuminato questa brasserie e l'ha resa un'immagine emblematica del design belga. Va da sé che anche il ristorante "Aux Vieux Saint Martin", rinomato a livello internazionale, incorpora la 01 nel suo ristorante, frequentato da alcune delle personalità più importanti del mondo. Il Canterbury testimonia ancora oggi il suo stile unico, che non ha nulla di antiquato.

Base d'asta  1300 EUR

Lotto 47 - Christophe GEVERS (1969, 2007) - BELGIUM - CG01 Light - Ottone grigio verde. Il certificato della galleria sarà consegnato all'acquirente. Spedizione a Parigi 80 eur. Disegnata da Christophe Gevers, questa lampada farà la gioia degli esteti appassionati di bellezza e ingegno. Per essere chiamata 01, deve essere degna di essere identificata con la perfezione! Una miscela sottile, delicatamente proporzionata, questo apparecchio è più scultura che semplice illuminazione, rendendo la CG01 un'opera d'arte ricca di aneddoti. Christophe Gevers ha lasciato un segno indelebile nel design belga con il suo senso dei materiali e il suo modernismo tattile. È considerato uno dei più importanti interior designer del dopoguerra. Ha privilegiato un modernismo caldo e confortevole, utilizzando materiali nobili e durevoli. Ha fondato la sua azienda, Gevers Design, e ha lavorato come insegnante a La Cambre nel dipartimento di decorazione e arredamento. Il suo lavoro è un segno distintivo del design belga e le sue creazioni sono oggi molto ricercate. Tanto di cappello all'artista, Gevers sta riscuotendo il successo che merita! Collocata nel 1968 nel ristorante "Le Cap d'Argent" di Bruxelles, la CG01, disegnata in un rosso intenso e deciso, ha illuminato questa brasserie e l'ha resa un'immagine emblematica del design belga. Va da sé che anche il ristorante "Aux Vieux Saint Martin", rinomato a livello internazionale, incorpora la 01 nel suo ristorante, frequentato da alcune delle personalità più importanti del mondo. Il Canterbury testimonia ancora oggi il suo stile unico, che non ha nulla di antiquato.

Base d'asta  1300 EUR

Lotto 48 - Lukas COBER (1989) - BELGIUM - Tavolino - Legno d'ebano e pelle - L150 x L50 x H40 cm - Pezzo unico - 2020. Il certificato della galleria sarà consegnato all'acquirente. Spedizione a Parigi 300 eur. Lukas Cober ha studiato design del prodotto all'Accademia di Belle Arti e Design di Maastricht e alla Faculdade de Belas Artes di Lisbona. Durante gli studi e negli anni successivi ha messo il suo talento, la sua tecnica e la sua energia al servizio di Valentin Loellmann, un rinomato designer con sede nei Paesi Bassi. Nel 2018 ha iniziato a concentrarsi esclusivamente sul proprio lavoro, creando pezzi unici e collezioni nel suo studio omonimo. Nel 2021, attraverso la Galleria Gosserez, il Mobilier National ha acquisito il suo tavolino "New Wave", che ora fa parte delle collezioni del Mobilier National del governo francese. Lukas Cober enfatizza il valore e la bellezza della materia prima scelta per creare oggetti minimalisti che rimangono belli senza tempo. La sua priorità è chiaramente incentrata sulla sensazione che il materiale e la forma possono suscitare, piuttosto che sulla funzione dell'oggetto stesso. Può trattarsi di una sedia, di una borsa o di una lampada. Non è importante la funzione, ma l'integrità reciproca. Pensando a ogni prodotto come a una scultura statica, crea una conversazione tra materialità e forma con un risultato puro. Collezione - Mostre 2021- Mobilier National (collezioni del governo francese) Galleria Gosserez, Parigi Pad, Londra St Vincents, Anversa.

Base d'asta  3500 EUR