13th May - Contemporary Art

Lotto 1 - VICTOR VASARELY (Pécs, Ungheria, 1908 - Parigi, 1997). Senza titolo, 1981. Collage di carta su cartone. La paternità di quest'opera è stata confermata da Pierre Vasarely. Firmato due volte in basso a destra, datato e dedicato. Misure: 40 x 27 cm; 60 x 47 cm (cornice). Vasarely si basa sulla scoperta che la deformazione di una griglia bidimensionale può generare un paesaggio tridimensionale astratto, con elevazioni e depressioni, dove i quadrati si trasformano in rombi e i cerchi in ellissi. Così, l'effetto illusionistico che combina convessità e concavità con dilatazione e contrazione, contiene un meditato simbolismo cosmico, che evoca il ritmo che nasce dalle stelle, così come la formazione delle galassie dall'espansione dell'universo nel suo complesso. Considerato il padre della Op Art, Victor Vasarely inizia la sua formazione artistica alla scuola Muheely, fondata a Budapest da uno studente del Bauhaus. Nel 1930 si stabilisce a Parigi, dove crea quella che oggi è considerata la prima opera Op Art, "Zebra" (1937). A Parigi lavora come grafico per agenzie pubblicitarie. In questo periodo il suo stile artistico varia dall'espressione figurativa, verso un tipo di arte astratta costruttiva e geometrica, interessata alla rappresentazione della prospettiva senza punti di fuga.Tra il 1936 e il 1948 partecipa regolarmente al Salon des Surindependents e al Salon des Nouvelles Réalités. Dal 1948 espone regolarmente alla Galleria Denise René. Negli anni Cinquanta il suo lavoro si avvicina all'uso di nuovi materiali e supporti come l'alluminio o il vetro. Allo stesso modo inizia a realizzare opere di integrazione con lo spazio, come Omaggio a Malevich. Negli anni Sessanta partecipa a numerose mostre collettive, come The Responsive Eye al Museum of Modern Art di New York, e a mostre personali in Europa e in America. Tra i numerosi riconoscimenti ricevuti nel corso della sua vita, spiccano il Premio Guggenheim (1964), il Premio della Critica d'Arte di Bruxelles e la medaglia d'oro alla Triennale di Milano. Nel 1970 è stato anche nominato Cavaliere dell'Ordine della Legion d'Onore. È presente nei musei a lui dedicati di Aix-en-Provence, Pécs e Budapest, ma anche nei più importanti centri d'arte contemporanea del mondo, come la Tate Gallery di Londra, il MoMA di New York, il Guggenheim di Venezia o il Reina Sofia di Madrid. La paternità di quest'opera è stata confermata da Pierre Vasarely.

Stima 15 000 - 18 000 EUR

Lotto 2 - SONIA DELAUNAY (Odessa, 1885 - Parigi, 1979). "Costume", 1922. Pennello, penna e inchiostro di china su carta. Firmato e datato in basso a destra. Misure: 31 x 25 cm; 52 x 43 cm (cornice). Bibliografia - J. Damase, Sonia Delaunay, dessins en noir et blanc, Paris, 1978, p. 190 (illustrato a p. 112, con dimensioni errate e data "1926"). - E. Morano, Sonia Delauna, Art into Fashion, New York, 1986, p. 59 (illustrato). Con il suo caratteristico stile sintetico, in quest'opera la Delaunay crea un disegno figurativo con protagonista una donna. L'opera, in particolare l'abbigliamento della protagonista, ricorda alcuni modelli che l'artista realizzò su tela negli anni Venti. Nata Sonia Ilínichna Stern, Sonia Delaunay è meglio conosciuta con il suo nome da sposata, adottato dopo il matrimonio con Robert Delaunay. Pittrice e designer francese di origine ucraina, è stata, insieme al marito, una delle principali rappresentanti dell'arte astratta, nonché la creatrice del simultaneismo. Cresce a San Pietroburgo, a contatto con la collezione di dipinti della Scuola di Barbizon dello zio e con la vita culturale della città. Nel 1903 si trasferisce in Germania per approfondire la sua formazione, dove scopre la pittura contemporanea e studia disegno con Schmidt-Reuter. Due anni dopo si trasferisce a Parigi e si iscrive all'Academie de la Palette, dove viene iniziato anche all'incisione da Grossman. In questi anni si avvicina alle avanguardie europee attraverso l'espressionismo tedesco, con un'opera che rivela anche echi del post-impressionismo. Nel 1908 tiene la sua prima mostra, esponendo opere del periodo fauvista appena iniziato. Due anni dopo sposa Delaunay, con la quale condivide le preoccupazioni estetiche. La loro arte subisce allora un cambiamento di direzione, verso l'astrazione. L'artista si orienterà poi verso le arti decorative, sempre con un linguaggio coloristico puramente astratto che attirerà l'attenzione dei suoi coetanei e anche della critica. Anche se nel 1912 torna a dipingere, la sua fama di designer si è già affermata in tutta Europa. Da quel momento in poi parteciperà spesso a importanti mostre europee, come il Salone d'Autunno di Berlino o il Salon des Indépendants di Parigi. Durante la Prima guerra mondiale visse in Spagna e Portogallo, dove sviluppò un'intensa attività creativa, compresa la collaborazione con il balletto di Diaghilev. Nel 1921 la coppia tornò a Parigi, dove Sonia Delaunay continuò a lavorare a progetti importanti, oltre a esporre le sue opere sia in Europa che negli Stati Uniti. Già a partire dagli anni Cinquanta, si cominciano a pubblicare raccolte del suo lavoro e nel 1958 le viene dedicata la prima mostra retrospettiva a Bielefeld (Germania). Inoltre, nel 1975 fu nominata ufficiale della Legion d'Onore francese. Attualmente la Delaunay è rappresentata in importanti collezioni di tutto il mondo, tra cui il MoMA di New York, l'Hermitage di San Pietroburgo, il Reina Sofia di Madrid, l'Albertina di Vienna e Haifa in Israele.

Stima 12 000 - 14 000 EUR

Lotto 3 - JULIO LE PARC (Mendoza, Argentina, 1928). "Cercles par Deplacement" 2015. Acrilico, specchio e litografia off-set, copia H.C. Pubblicato da MAK Editions. Certificato di autenticità allegato. Misure: 9,4 x 8 x 6,7 cm. Questa scultura op-art, concepita dall'artista argentino Julio Le Parc nel 1965, utilizza uno specchio e un lato stampato all'interno ed è realizzata in plexiglass. Quando si guarda la scultura da un'angolazione diversa, i cerchi cambiano colore. È stata prodotta nel 2015. Artista multidisciplinare inquadrato nell'ambito dell'arte cinetica, Julio Le Parc si forma alla Scuola di Belle Arti Prilidiano Peuyrredón di Buenos Aires e nel 1957 inizia a lavorare con il linguaggio astratto. L'anno successivo si trasferisce a Parigi grazie a una borsa di studio del governo francese e qui fonda il Groupe de Recherche d'Art Visuel, oltre a unirsi al gruppo Nueva Tendencia. Nel 1966 tiene la sua prima mostra personale alla Sage Gallery di Howard (New York) e nello stesso anno vince il primo premio alla Biennale di Venezia. Nel 1967 partecipa a un'importante mostra collettiva al Museo d'Arte Moderna di Parigi e nel 1972 si tiene la prima retrospettiva del suo lavoro a Düsseldorf. Attualmente le sue opere sono presenti alla Tate Gallery di Londra, al Museo Nacional de Bellas Artes e alla Fundación Proa di Buenos Aires, alla Biblioteca Luis Ángel Arango in Colombia e all'Hirshhorn Museum and Sculpture Garden di Washington D.C., oltre che in altre collezioni pubbliche e private.

Stima 4 000 - 5 000 EUR

Lotto 4 - JOSEP GUINOVART (Barcellona, 1927-2007). Senza titolo, 1985. Tecnica mista (pittura e collage) su carta. Firmato e datato nel margine inferiore. Misure: 197 x 115 cm; 207 x 126,5 cm (cornice). L'uso del collage legato alla sperimentazione e all'astrazione lirica si fa strada nei dipinti di Guinovart degli anni Ottanta. L'artista si allontana dall'informalismo del periodo precedente e si avvicina a un'astrazione con latenze musicali e poetiche. In questa composizione, ciò è espresso dalle sottili suggestioni di strumenti a corda e segni calligrafici. Josep Guinovart si è formato alla Escuela de Maestros Pintores, alla Escuela de Artes y Oficios e nelle classi della FAD. Espone per la prima volta individualmente nelle gallerie Syra di Barcellona nel 1948. Acquisisce subito un solido prestigio, collabora con Dau al Set e partecipa ai saloni October, Jazz e Eleven. Negli anni Cinquanta, grazie a una borsa di studio, vive a Parigi, dove conosce a fondo l'opera di Cézanne e Matisse che, insieme a Miró e Gaudí, saranno le sue influenze più importanti. Nel 1955, insieme ad Aleu, Cuixart, Muxart, Mercadé, Tàpies e Tharrats, forma il gruppo Taüll, che riunisce gli artisti d'avanguardia dell'epoca. Verso il 1957 inizia una tendenza informale e astratta, con una forte presenza materica sia attraverso l'incorporazione di vari elementi e oggetti (legno bruciato, scatole, oggetti di scarto) sia attraverso l'applicazione di tecniche come il collage e l'assemblaggio. A partire dagli anni Sessanta si allontana dalla poetica informalista e inizia a creare opere ricche di segni e gesti, che contengono una forte carica espressiva nelle linee e nei colori. Negli anni Settanta utilizza sistematicamente materiali come la sabbia, la terra, il fango, la paglia o il fibrocemento, e nel decennio successivo si concentra sulla sperimentazione della proiezione tridimensionale delle sue opere, che si concretizza nella creazione di ambienti o spazialità come quella intitolata Contorn-extorn (1978). Guinovart ha una produzione artistica molto varia: dipinti murali, scenografie e scenari teatrali, come quello realizzato per le Nozze di sangue di Federico García Lorca, illustrazioni di libri, cartellonistica, arazzi e sculture. Ha partecipato alle Biennali di San Paolo (1952 e 1957), Alessandria d'Egitto (1955) e Venezia (1958, 1962 e 1982), e tra i suoi premi figurano il Premio Città di Barcellona nel 1981, il Premio Nazionale delle Arti Plastiche nel 1990 e il Premio delle Arti Plastiche della Generalitat nel 1990. Nel 1994 è stato inaugurato lo Spazio Guinovart ad Agramunt, Lérida, una fondazione privata che ospita una mostra permanente dell'artista. È presente nei Musei di Arte Contemporanea di Barcellona, Madrid e Città del Messico, nel Museo di Scultura all'Aperto di Santa Cruz de Tenerife, nel Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, nel Museo de Bellas Artes di Bilbao, nel Museo San Telmo di San Sebastián, il Museo Eusebio Sempere di Alicante, il Museo de Navarra di Tafalla, la Casa de las Américas dell'Avana, il Museo Bocchum in Germania, il Museo de Bellas Artes di Long Island, New York, e il Museo Patio Herreriano di Valladolid.

Stima 5 500 - 6 500 EUR

Lotto 5 - ALBERT RÀFOLS CASAMADA (Barcellona, 1923 - 2009). "Arrampicata", 1974. Collage, acrilico e matita grassa su tela. Firmato e datato in basso a destra. Firmato, datato e titolato sul retro. Misure: 100 x 81 cm. Ràfols Casamada ha parlato della sua necessità di "rompere lo spazio e ricomporlo per mezzo di macchie di colore, distribuirle quasi a caso e ottenere, per mezzo del colore, che siano sostenute e correlate" (Testimonianza di un pittore, 1985). Il dipinto qui presentato è un resoconto di questa ricerca di purificazione intellettuale. Ràfols Casamada sottopone il dipinto a un gioco tensionale apparentemente casuale tra campo cromatico, vuoto, macchia e gesto. In questa tela, l'astrazione lirica pulsa con impeto nonostante la base concettuale sottostante. Riecheggia una felice risoluzione tra complessità intellettuale e semplicità plastica, tra trascendenza e immanenza. Pittore, pedagogo, scrittore e grafico, Ràfols Casamada gode oggi di grande prestigio internazionale. Si avvicina al mondo del disegno e della pittura con il padre, Albert Ràfols Cullerés. Nel 1942 inizia a studiare architettura, che però abbandona presto per dedicarsi alle arti plastiche. L'influenza paterna post-impressionista e il suo particolare cézannismo segnano le opere presentate nella sua prima mostra, tenutasi nel 1946 presso le gallerie Pictòria di Barcellona, dove espone con il gruppo Els Vuit. Successivamente, elaborerà un'astrazione poetica, amorfa nella sua configurazione, libera e intelligente, frutto di una lenta gestazione e basata su ambienti, temi, oggetti o grafici della vita quotidiana. Ràfols Casamada lavora con questi frammenti di realtà, di vita, in un processo di sfigurazione, giocando con le connotazioni, i valori plastici e la ricchezza visiva delle possibili diverse letture, nel tentativo di fissare la transitorietà della realtà. Nel 1950 ottiene una borsa di studio per recarsi in Francia e si stabilisce a Parigi fino al 1954. Qui conosce la pittura figurativa post-cubista e l'opera di Picasso, Matisse, Braque e Miró, tra gli altri. Queste influenze si uniscono nella sua pittura a quelle dell'espressionismo astratto americano, che si sviluppa nello stesso periodo. Tornato finalmente a Barcellona, intraprese un proprio percorso artistico, con uno stile caratterizzato da eleganza compositiva, basato su strutture ortogonali combinate con un cromatismo emotivo e luminoso. Dopo aver mostrato un interessante rapporto, negli anni Sessanta e Settanta, con il neo-dada e il nuovo realismo, il suo lavoro si è concentrato su valori puramente pittorici: campi di colore in armonia espressiva su cui spiccano linee gestuali a carboncino. Ha ricevuto numerosi riconoscimenti, come il Premio Nazionale delle Arti Plastiche del Ministero della Cultura nel 1980, il Creu de Sant Jordi nel 1982 e il Premio de las Artes de la CEOE nel 1991. Nel 1985 è stato nominato Cavaliere dell'Ordine delle Arti e delle Lettere di Francia ed è membro onorario dell'Accademia Reale di Belle Arti di San Fernando a Madrid. Nel 2003 la Generalitat gli ha conferito il Premio Nazionale di Arti Visive della Catalogna e nel 2009, appena due mesi prima della sua morte, il Grup 62 gli ha reso omaggio presso il Museo Nazionale d'Arte della Catalogna. Le sue opere si trovano nei più importanti musei del mondo: il Reina Sofia di Madrid, il Guggenheim e il MOMA di New York, il Museum of Modern Art di Los Angeles, il Museo Picasso in Francia, il Georges Pompidou di Parigi, il British Museum e la Tate Gallery di Londra, tra i tanti.

Stima 8 000 - 9 000 EUR

Lotto 6 - NICK VEASEY (Londra, 1962). "Pace con le margherite". 2019. Stampa a C, copia 1/25. Firmata e numerata in basso a destra. Etichetta sul retro. Misure: 75 x 59,4 cm; 77 x 61,5 cm (cornice). Artista e fotografo iniziato al settore pubblicitario della fotografia, è guidato da un modello artistico strettamente legato alla scienza, poiché crea immagini e fotografie a partire dai raggi X per raggiungere il suo obiettivo artistico, lo sfondo e il dettaglio più profondo di ogni soggetto. Oggetti, persone, natura e animali sono passati davanti al suo obiettivo. L'artista considera questa collezione una dichiarazione contro la superficialità e un invito a ripensare la nostra percezione della realtà. Come afferma sul suo sito web: "Viviamo in un mondo ossessionato dall'immagine. Come appariamo, come ci appaiono i nostri vestiti, le nostre case, le nostre auto.... Mi piace contrastare questa ossessione per l'apparenza superficiale usando i raggi X per scrostare gli strati e mostrare cosa c'è sotto la superficie. Tutti noi facciamo ipotesi basate sugli aspetti visivi esterni di ciò che ci circonda e siamo attratti da persone e forme esteticamente piacevoli. Mi piace sfidare questo modo automatico di reagire solo all'aspetto fisico facendo emergere la bellezza interiore, spesso sorprendente. Inoltre, ci fa riflettere su come la società sia sempre più controllata dalla sicurezza e dalla sorveglianza. I checkpoint degli aeroporti o gli ingressi dei tribunali sono alcuni esempi di luoghi che passano ai raggi X i nostri effetti personali. Per Veasey, poter creare arte con apparecchiature e tecnologie progettate per "limitare la nostra libertà" è una modalità di trasgressione. Nel 2009 ha iniziato a esporre per Maddox Fine Arts a Londra e successivamente ha girato l'Europa, il Nord America e l'Asia. Ha ricevuto numerosi premi fotografici e di design, tra cui l'IPA Lucie Awards, l'AOP, il Graphis, il Communication Arts, l'Applied Arts, il PX3 e il D & AD awards, oltre a ricevere la nomination per l'IPA Lucie International Photographer of the Year 2008.

Stima 4 500 - 5 000 EUR

Lotto 7 - KEITH HARING (Pennsylvania, 1958 - New York, 1990). "Autoritratto", 1987. Inchiostro su carta. Presenta l'etichetta della Galleria Tony Shafrazi con lo Stock #1435 esente da incorniciatura. Incorniciato con vetro da museo. Firmato e datato sul lato destro. Misure: 26 x 32,5 cm; 43 x 49 cm (cornice). Keith Haring si è ritratto in numerose occasioni sempre con i suoi iconici occhiali come sigillo di identità. In questi autoritratti l'artista offriva una visione di sé, non solo fisica ma anche personale, rivelando così allo spettatore l'opinione che aveva di sé, come si può vedere nell'autoritratto come sfinge. In questo caso particolare non si tratta di un singolo autoritratto, ma di due, in quanto l'artista ci mostra il proprio busto dipinto da uno dei suoi iconici monigot che sono un alter ego dell'artista stesso. Considerato il capo visibile dell'arte urbana degli anni Ottanta, l'inarrestabile carriera professionale di Haring, che lo ha portato a diventare collega di Warhol e superstar dei media, è iniziata con le sue opere nella metropolitana di New York. L'enorme popolarità dell'opera urbana di Haring tra la gente di New York attirò immediatamente l'attenzione dell'establishment artistico. Di conseguenza, Andy Warhol lo adottò nella sua cerchia e l'allora emergente gallerista Tony Shafrazi organizzò per lui una clamorosa mostra personale nel 1982, che fu il trampolino di lancio del suo inarrestabile successo. Ben presto espone le sue opere presso la galleria dell'influente Leo Castelli e si afferma come star dell'arte professionale. Keith Haring è stato un artista americano la cui pop art e i cui graffiti sono emersi dalla cultura di strada di New York negli anni Ottanta. Il lavoro di Haring è cresciuto in popolarità grazie ai suoi disegni spontanei nella metropolitana di New York, realizzati con gesso su sfondi pubblicitari in bianco e nero. Dopo aver ottenuto il riconoscimento pubblico, ha creato opere su larga scala come murales. Il suo lavoro successivo ha spesso affrontato questioni politiche e sociali, in particolare l'omosessualità e l'AIDS, attraverso la sua iconografia. Oggi le opere di Haring sono suddivise tra importanti collezioni private e pubbliche, tra cui il Museum of Modern Art e il Whitney Museum of American Art di New York, il Los Angeles County Museum of Art, l'Art Institute di Chicago, il Bass Museum di Miami, il Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris, il Ludwig Museum di Colonia e lo Stedelijk Museum di Amsterdam. Ha inoltre realizzato un'ampia gamma di opere pubbliche, tra cui l'infermeria del Children's Village di Dobbs Ferry, New York, e la stanza degli uomini al secondo piano del Lesbian, Gay, Bisexual & Transgender Community Center di Manhattan, successivamente trasformata in ufficio e nota come Keith Haring Room. Nel gennaio 2019 è stata inaugurata una mostra intitolata "Keith Haring New York" presso la New York Law School nell'edificio principale del campus di Tribeca. Presenta l'etichetta della Tony Shafrazi Gallery con Stock #1435 esente da incorniciatura.

Stima 6 000 - 8 000 EUR

Lotto 8 - PIERRE ET GILLES (Francia, collaborano dal 1976). "Glory Hole (Charley Huet)", 1994. Fotografia dipinta. Firmata. Opera unica. Misure: 82 x 64 cm. Il duo di artisti francesi Pierre et Gilles realizza fotografie provocatorie in cui costruiscono a mano le proprie scenografie e i propri costumi. Non ci sono ritocchi fotografici. Al contrario, danno loro una finitura artistica unica con la pittura. La cultura gay e la pornografia sono i generi che esplorano con spirito liberatorio e sarcasmo. In questa occasione, ricreano una presunta scena di un film porno con Charley Huet. Pierre e Gilles sono due artisti francesi, una coppia sentimentale e artistica. Realizzano fotografie uniche e altamente stilizzate. Le loro opere includono immagini della storia dell'arte, della cultura popolare, della religione e della cultura gay, compresa la pornografia (in particolare James Bidgood). Il modo in cui questi due artisti lavorano comprende l'allestimento di scenografie complesse, poiché difficilmente lavorano con la post-produzione digitale dopo gli scatti. Parte del loro modo di lavorare comprende elaborati lavori di illuminazione e scenografia, ritraendo i modelli circondati da mandorle floreali che spesso si riferiscono a opere religiose del passato o a scenari idilliaci e immaginari. In seguito, lavorano le fotografie con colori acrilici per ritoccare le immagini e dare loro una finitura originale. Tra i suoi temi preferiti ci sono quelli religiosi e mitologici, così come le scene omoerotiche (alcuni esempi si riferiscono all'oceano e ai marinai, avendo sviluppato un libro su questo argomento chiamato "Marinai e mare"). Senza dubbio, le sue opere possono essere inserite all'interno del movimento kitsch espresso in modo consapevole, essendo anche influenzate dal mondo della cultura pop. Tra le celebrità fotografate da Pierre et Gilles ci sono: Amanda Lear (la copertina del suo album del 1980, Diamonds for Breakfast, una delle sue prime commissioni), Lio, Khaled, Étienne Daho, Marie France, Mikado, Marc Almond, Leslie Winer, Marilyn Manson, Madonna, Kylie Minogue, Erasure, Deee-Lite, The Creatures, Nina Hagen e Coco Rosie (la copertina del suo album del 2007, The Adventures of Ghosthorse and Stillborn); la modella Naomi Campbell, le attrici Tilda Swinton e Catherine Deneuve, gli attori Jérémie Renier e Layke Anderson e gli stilisti Jean-Paul Gaultier e Paloma Picasso. Le sue opere fanno parte delle collezioni del Centre Pompidou di Parigi.

Stima 90 000 - 100 000 EUR

Lotto 9 - ANTONIO VIDAL FERNÁNDEZ (L'Avana, 1928 - 2013) . Senza titolo, 1960 ca. Acrilico su masonite. Firmato in basso a destra. Allegato certificato rilasciato dalla nipote dell'artista Anabelle Vidal B. Misure: 50,8 x 41 cm. Antonio Vidal è stato un pittore che ha coltivato tutte le varianti dell'astrattismo: espressionismo, informalismo, dripping,,,, in modo tale che a volte i diversi linguaggi astratti si sono mescolati come in questo dipinto dove le linee si trasformano in vettori, i cerchi in punti energetici o buchi neri, e il dripping convive con il gestualismo. Antonio Vidal Fernández è stato un importante artista cubano. È stato membro del gruppo Los Once e membro fondatore dell'Unione degli Scrittori e degli Artisti di Cuba. Ha introdotto l'espressionismo astratto nell'isola, ma non è stato un seguace del movimento, bensì si è tenuto lontano dalle mode per trovare la propria strada. Diplomato all'Accademia di Villate, ha ricevuto il Premio Nazionale delle Arti Plastiche nel 1999. Tra le sue mostre personali ricordiamo: Nel 1993 "Antonio Vidal 40 anni nella plastica", Dipinti e disegni di piccolo formato. Galleria d'arte Galiano e Concordia, L'Avana, Cuba. Nel 1953 partecipa alla collettiva Los 11. Pittori e scultori. Lyceum, L'Avana, Cuba. Nel 1963 e nel 1965 partecipa alla Prima e alla Seconda Biennale Americana di Incisione. Museo d'Arte Contemporanea dell'Università del Cile, Santiago del Cile. Nel 1966 e nel 1968 partecipa alla V e VI Biennale Internazionale della Stampa. Museo d'Arte Moderna di Tokyo, Giappone. Nel 2000 "Tono a tono". Mostra d'arte astratta. Sala della Solidarietà, Habana Libre Tryp Hotel, L'Avana, Cuba, tra gli altri. Nel 1973 il suo lavoro viene premiato con il Secondo Premio di Pittura. Salone dei professori e degli istruttori di arti plastiche, Scuola Nazionale d'Arte (ENA), L'Avana, Cuba. Nel 1981 Menzione. Primo Salone Nazionale del Piccolo Formato, Salone Lalo Carrasco, Hotel Habana Libre, L'Avana. Nel 1999 Premio Nazionale di Arti Plastiche. Ministero della Cultura. Fondatore del Taller Experimental de la Gráfica de La Habana, negli anni Sessanta, in cui ha sviluppato un numero considerevole di opere utilizzando la tecnica litografica. In quel periodo realizza opere per luoghi pubblici, come i murales a mosaico nel Teatro Manuel Ascunce Domenech della Ciudad Escolar Libertad e nel grande magazzino La Época. Ha insegnato pittura alla Scuola Nazionale d'Arte per due decenni, negli anni '70; dieci anni dopo ha sperimentato la scultura, ma come estensione, un nuovo supporto per le sue creazioni su tela o carta. Si cimenta anche nel disegno di copertine di libri e riviste; nel 1977 pubblica il suo libro di schizzi Antonio Vidal - edito dall'editoriale dell'Unione degli Scrittori e degli Artisti di Cuba -. Una parte importante del suo lavoro è conservata presso il Museo Nazionale di Belle Arti dell'Avana, a Cuba. In allegato un certificato rilasciato da Anabelle Vidal B.

Stima 18 000 - 20 000 EUR

Lotto 10 - MIQUEL BARCELÓ ARTIGUES (Felanitx, Mallorca, 1957). "Crânes Papaie", 1999. Acquerello su carta. Firmato e datato in basso. Misure: 56 x 76 cm; 76 x 96 cm (cornice). Quest'opera mostra aspetti del tutto personali di Barceló, impossibili da mettere in relazione con le sue influenze o i suoi predecessori, tra cui spicca la sua rottura con la tradizione attraverso l'instancabile ricerca di nuove formule e la sua fascinazione per i diversi aspetti della natura. Ne è un esempio questo acquerello, poiché l'artista parte dalla tradizionale "vanitas", ma la sua tecnica e la tendenza al tellurico ci avvicinano a un'immagine completamente organica che non trasmette la fugacità della vita, ma una concezione ciclica di essa. In questo lavoro, il maiorchino crea un'opera di grande espressività, saldamente radicata nella natura e nella tradizione arcaica, che allo stesso tempo rivela una sorprendente e brillante modernità. Pittore e scultore, Barceló inizia la sua formazione presso la Scuola di Arti e Mestieri di Palma di Maiorca, dove studia tra il 1972 e il 1973. Nel 1974 fa il suo debutto individuale, all'età di diciassette anni, presso la Galleria Picarol di Maiorca. Nello stesso anno si trasferisce a Barcellona, dove si iscrive alla Scuola di Belle Arti Sant Jordi, e compie il suo primo viaggio a Parigi. Nella capitale francese scopre l'opera di Paul Klee, Fautrier, Wols e Dubuffet, oltre all'"art brut", uno stile che eserciterà un'importante influenza sui suoi primi dipinti. In questi anni legge molto e si arricchisce di opere diverse come gli scritti di Breton e dei surrealisti, il "Manifesto bianco" di Lucio Fontana o la "Storia sociale della letteratura e dell'arte" di Arnold Hauser. Nel 1976 tiene la sua prima mostra personale in un museo: "Cadaverina 15" al Museo di Maiorca, che consiste in un montaggio di 225 scatole di legno con coperchi di vetro, con all'interno materiali organici in decomposizione. Nello stesso anno, di nuovo a Maiorca, entra a far parte del gruppo Taller Lunàtic e partecipa ai suoi eventi sociali, politici e culturali. Nel 1977 compie un secondo viaggio a Parigi e visita anche Londra e Amsterdam. Nello stesso anno espone per la prima volta a Barcellona e incontra Javier Mariscal, che diventerà uno dei suoi migliori amici in città. Insieme a lui e al fotografo Antoni Catany partecipa, come membro del gruppo "Neón de Suro", a mostre in Canada e California e collabora alla pubblicazione dell'omonima rivista. È sempre nel 1977 che riceve la sua prima commissione pittorica di grande formato: un murale per la sala da pranzo di un hotel di Cala Millor, a Maiorca. L'anno successivo, all'età di ventuno anni, vende le sue prime opere ad alcuni collezionisti e gallerie e si trasferisce finalmente a Barcellona. Il riconoscimento internazionale inizia nei primi anni Ottanta, dando un impulso definitivo alla sua carriera dopo la partecipazione alla Biennale di San Paolo (1981) e alla Documenta di Kassel (1982). Nel 1986 gli è stato assegnato il Premio Nazionale per le Arti Plastiche e da allora il suo lavoro ha ricevuto numerosi riconoscimenti, come il Premio Principe delle Asturie per le Arti (2003) e il Premio Sorolla della Hispanic Society of America di New York (2007). Barceló è attualmente rappresentato nei più importanti musei d'arte del mondo, come il MoMA di New York, il Centre Pompidou di Parigi, il Guggenheim di Bilbao, ecc.

Stima 18 000 - 20 000 EUR

Lotto 11 - CÉSAR MANRIQUE CABRERA (Lanzarote, 1919 - 1992). "Dopo la pioggia", 1980. Tecnica mista (con aggiunta di materia) su tela. Firmato in basso a destra. Firmato, datato e titolato sul retro. Misure: 50 x 61 cm; 70 x 81 cm (cornice). Pittore, scultore e architetto, Manrique si è formato tra Lanzarote e Madrid, dove ha studiato alla Escuela Superior de Bellas Artes de San Fernando. Nel 1942 fa il suo debutto individuale a Lanzarote e negli anni Cinquanta, con l'affermarsi del surrealismo, fonda la galleria Fernando Fe, la prima galleria non figurativa in Spagna. In questi anni dipinge diversi murales a Lanzarote ed espone le sue opere in diversi Paesi. Nel 1964 si trasferisce a New York dove espone, tra l'altro, alla Catherine Viviano Gallery. Due anni dopo si stabilisce definitivamente a Lanzarote dove, insieme all'architetto Fernando Higueras, intraprende diversi progetti sull'isola. Nel 1992, pochi mesi prima della sua morte in un incidente stradale, viene inaugurata a Lanzarote la Fondazione che porta il suo nome. Il suo lavoro artistico gli è valso premi come la Medaglia d'Oro delle Belle Arti (1980), il Premio Goslarer Monchenhsus in Germania (1981), il Premio Van D'Aheod nei Paesi Bassi (1982) e il Premio Fritz Schumacher ad Amburgo (1989), tra gli altri. Attualmente è rappresentato dal Museo de Arte Abstracto Español e dal Centro Atlántico de Arte Moderno, oltre che da altri centri e collezioni. Nel suo lavoro, sia pittorico che scultoreo e, soprattutto, architettonico, Manrique entra in dialogo con le radici delle Isole Canarie, con la cultura guanches, con le sue costruzioni tradizionali, il suo paesaggio, il suo folklore, la sua arte preispanica. In questo lavoro rende omaggio a tutta questa eredità, in un'opera in cui la materia, che fa riferimento alla terra, ai vulcani, al fuoco che ha "costruito" e definito l'isola di Lanzarote, è parte essenziale.

Stima 7 000 - 8 000 EUR

Lotto 12 - DAVID LACHAPELLE (Hartford, Connecticut, 1963). "Serie risvegliata Giona" 2007. Fotografia digitale, copia AP 3/3. Firmata sul retro. Misure: 152,4 x 114,3 cm; 154 x 116 cm (cornice). Con la serie "Awakened", LaChapelle ha dato una nuova direzione al suo lavoro. Ispirandosi alla narrazione biblica, riprende persone anonime che interpretano il ruolo di personaggi biblici (qui mostriamo la figura di Giona), immerse nell'acqua, in uno stato di levitazione. La bella illuminazione, le loro espressioni, l'assenza di peso degli abiti, contribuiscono a introdurre lo spettatore in un'accogliente dimensione mistica. Queste opere confermano il profondo legame di LaChapelle con il trascendentale, con la presenza del divino nel quotidiano e con l'idea del sublime. La carriera di LaChapelle inizia in modo significativo nel 1982, quando Andy Warhol lo spinge a pubblicare le sue fotografie "Interview". "Andy Warhol corrisponde perfettamente al suo tempo", dice il fotografo, "è senza dubbio un grande artista del XX secolo. È stato molto generoso e ho imparato molto da lui, ma apparteniamo a due generazioni diverse e abbiamo idee diverse. L'arte di maggior valore oggi è quella che riesce a chiarire il tempo in cui viviamo, ed è quello che cerco di fare io". Le immagini stravaganti, bizzarre e fantastiche di David LaChapelle sono apparse sulle pagine e sulle copertine delle riviste Vogue, Rolling Stone, i-D, Vibe, Interview, The Face e GQ, solo per citarne alcune. Il suo stile è unico e riconoscibile, lavora con inquadrature aperte, scene fresche ed estremamente colorate che mostrano il suo stile pop-art. I suoi scatti hanno un lavoro meticoloso e dettagliato, che lavora sull'aspetto fisico del personaggio portandolo quasi alla caricatura. "Cerco di fare foto che non ho mai visto prima", dice LaChapelle. Creativo di talento, gioca con scene fittizie e grottesche, per lo più artificiali e ha una produzione eccellente; le immagini sono generalmente al momento dello scatto, con poca post-produzione. Nel suo lavoro possiamo vedere anche la critica alla società in cui viviamo piena di eccessi e vanità. La sua incondizionata dedizione all'originalità è leggendaria nel mondo della moda, del cinema e della pubblicità. LaChapelle ha partecipato a campagne pubblicitarie per diversi clienti, tra cui L'Oreal, Iceberg, MTV, Ecko, Diesel Jeans, Sirius, Ford, Sky Vodka, Cervecería Cuahtemoc Moctezuma e la campagna Got Milk? David ha fotografato numerose copertine di album per artisti come Macy Gray, Moby, No Doubt, Whitney Houston, Elton John, Christina Aguilera, Madonna e Kylie Minogue. Il suo primo libro di successo, LaChapelle Land, è stato pubblicato nel 1996 da Collaway Publishing, portando all'interno della sua stravagante confezione una collezione esplosiva di ritratti di celebrità e modelle, tra cui Lady Gaga, Madonna, Shakira, Leonardo DiCaprio, Pamela Anderson, Uma Thurman, Marilyn Manson, Mark Wahlberg, Drew Barrymore ed Elton John. Il successore di questo debutto è stato il libro Hotel LaChapelle, pubblicato sempre da Collaway nel 1999, che presenta immagini fresche e dai colori indimenticabili. LaChapelle continua a realizzare fotografie che si confrontano con i nostri gusti visivi, dando uno sguardo nuovo al paesaggio odierno.

Stima 28 000 - 30 000 EUR

Lotto 13 - JOSE SOLLA (L'Avana, 1909). "Porta", 2003. Olio su tela. Firmato e datato nell'angolo inferiore. Misure: 38 x 46 cm; 55 x 63 cm (cornice). Praticamente tutta la sua carriera artistica si è svolta in Sudamerica, dove ha vissuto dal 1950, anche se tornato in Galizia negli anni Ottanta, ha tenuto diverse mostre che hanno confermato un pittore cagliaritano, fantasioso, lirico, a volte erotico, ottimo conoscitore della migliore tradizione europea e dell'arte indigena ispanoamericana, che ha assorbito per darle un'espressione molto personale. José Solla ha studiato presso la Escuela Superior de Artes Visuales Martín A. Malharro, con il professor Demetrio Urruchúa, maestro di tanti eccellenti artisti di origine galiziana. Ha realizzato la sua prima mostra nel 1964. Ha partecipato alle Biennali di Pontevedra del 1973, 1974 e 1976. Nella seconda edizione internazionale di questo importante concorso ha vinto la medaglia d'oro. Altri premi sono stati vinti da Solla a Caserta, in Italia; a Buenos Aires, Mar del Plata e Salta, in Argentina. La mostra che ha confermato il suo status di pittore altamente personale e realizzato si è tenuta presso il Centro Culturale Caixavigo nel 1990, nell'ambito della serie dei Grandi Artisti Galiziani. È rappresentato in musei del Sud America, Brasile, Messico, Cile, Stati Uniti, Italia e nei musei di Pontevedra e Vigo. Solla è un artista lirico ed espressionista. I suoi paesaggi, di solito marini, più intuizioni che rappresentazioni, sono di una squisita leggerezza, danzanti, di materia molto sottile e sentiti come un murale. Le composizioni di figure, invece, sono barocche, variegate, con una forte carica erotica e un mondo di grottesco, ovviamente voluto. Si affida a un disegno di grande scioltezza, che gli permette complessità sorprendenti, con evasioni verso l'onirico. Esseri immaginari, ispirati alle mitologie precolombiane, popolano spazi ideali e sono come transnazioni in cui il galiziano sognante ed evocativo che Solla si porta dentro fin dall'infanzia, guardando l'estuario di Pontevedra, è finalmente presente. È un acquerellista consumato, dalla grafica diretta nella macchia, capace di creare mondi ideali in cui ci sono uccelli totemici ed esseri alati che vagano in spazi suggeriti da un'immaginazione traboccante. Un pittore multiforme, inconfondibile, attraente, dal lavoro molto ben fatto, perché sa frenare il torrente della sua immaginazione per depositarlo in ambiti diversi, dove il grottesco si umanizza e l'umano tracima in mitologie imprevedibili.

Stima 2 000 - 2 500 EUR

Lotto 14 - MARCELLO TROTTER (Italia, 1977). "Angelo nero", 2008. Tecnica mista su tela. Firmato, datato e titolato sul retro. Dimensioni: 162 x 120 cm. In quest'opera l'autore utilizza un linguaggio astratto, basato su una geometria irregolare, con un carattere organico sia nei contorni che nei colori. Si tratta di uno stile aperto, la cui caratteristica fondamentale è la concezione della superficie pittorica come un tutto, come un campo aperto, senza limiti e senza gerarchie. Così, come vediamo qui, le forme pittoriche sono il risultato di una composizione e di una sperimentazione meditate, con un'immagine di natura gestuale, che non si limita a una composizione ma la supera, indicando allo spettatore che si tratta di forme, idee o suggestioni che superano le frontiere del puramente pittorico.

Stima 1 400 - 1 600 EUR

Lotto 15 - PAT ANDREA (L'Aia, Paesi Bassi, 1942). "Lesbo". Carboncino e matite colorate su carta. Firmato nel margine inferiore. Misure: 48 x 39 cm; 82,5 x 72,5 cm (cornice). Figlio di un artista plastico e di un'illustratrice, Pat Andrea si è formato all'Accademia Reale di Belle Arti dell'Aia. Insieme agli artisti Walter Nobbe e Peter Blokhuis forma il gruppo ABN, che diventa noto come la Nuova Scuola dell'Aia. Nel 1976, dopo la sua prima mostra a Parigi, si reca in America Latina, un luogo che cambia notevolmente il suo modo di lavorare, iniziando a sviluppare le composizioni figurative che conosciamo, di maggiore forza e tensione formale rispetto ai suoi lavori precedenti. Nel 1977 Jean Clair lo invita a partecipare alla mostra "Nuova soggettività", che si tiene al Festival d'Autunno di Parigi. Da quel momento in poi sarà conosciuto come un rappresentante di questa corrente artistica che si rifà alla nuova figurazione, al secondo espressionismo tedesco o al surrealismo. Pat sviluppa un'opera in cui cattura gli orrori e le fobie della guerra tra il sesso maschile e quello femminile, con protagonisti personaggi che hanno perso il loro equilibrio psicologico e sono combattuti tra tenerezza e violenza, il tutto attraverso un espressionismo grottesco in cui prevalgono forme sintetizzate e colori piatti. Tra il 1983 e il 1989 affianca ai soggiorni a Buenos Aires periodi in Europa, in particolare nelle città dell'Aia e di Parigi. Negli anni '90 espone alla Balducci-Daverio Gallery di New York e nel 1998 viene nominato professore alla Scuola Nazionale di Belle Arti di Parigi, dove da allora vive con la sua famiglia.

Stima 2 500 - 3 000 EUR

Lotto 16 - RAMÓN HERREROS (Barcellona, 1947). "El lugar de la feliz llegada 2", 2007. Tecnica mista su tela. Firmata, titolata e datata sul retro. Misure: 150 x 150 cm. Quest'opera è un azzardo, una provocazione, tuttavia - la donna, il nudo - è stato uno dei motivi tradizionali della pittura classica. Dovremmo quindi chiederci le ragioni per cui Herreros è tornato a questo tema. Questo quadro di Ramón Herreros è l'immagine del desiderio, un bagliore all'orizzonte che nessun gesto cattura e nessuna parola definisce. Ramón Herreros ha studiato alla Scuola Massana di Barcellona, al Cercle de Sant Lluc e all'Accademia Tàrrega. Ha inoltre fatto parte della prima classe della scuola di design EINA. Nel 1967 forma Equip A insieme a Tornabell, Jubany e Morera, con cui lavora fino ai primi anni Settanta. Nel 1982 ha tenuto la sua prima mostra personale alla galleria Ciento di Barcellona, dove ha continuato a esporre regolarmente, e da allora ha esposto le sue opere a Madrid, Parigi, Friburgo e in altre città europee. Nel 1997 gli è stata dedicata una grande mostra retrospettiva al Palacio de Sobrellano, a Comillas. Attualmente è rappresentato in vari musei e collezioni private.

Stima 3 500 - 4 000 EUR

Lotto 17 - XAVIER CORBERÓ OLIVELLA (Barcellona, 1935). "Ocell. 1998 Marmo e pietra. Misure: 25 x 65 x 32 cm. Pittore e scultore discendente di orafi, Xavier Corberó si è formato nella Scuola Massana di Barcellona, uno dei cui fondatori era stato suo padre. Dopo un periodo di studi in Inghilterra, dove tra il 1955 e il 1959 frequenta i corsi della Central School of Arts and Crafts di Londra, si trasferisce a New York. Nella città americana entra in contatto con gli ambienti surrealisti. Prima del suo viaggio partecipa alla Biennale ispano-americana del 1955 e nel 1959 tiene una mostra personale a Losanna (Svizzera), dove trascorre un periodo fondamentale per la sua formazione, lavorando nella fonderia Medici. Durante gli anni di studio conosce l'opera di Pablo Gargallo e Henry Moore, le cui opere influenzano notevolmente la formazione del suo linguaggio personale. Nel 1963 tiene la sua prima mostra personale a Monaco, dove riceve la Medaglia d'oro bavarese. Tornato in Spagna a metà degli anni Sessanta, nel 1970 inizia a lavorare a Esplugues de Llobregat, dove nel 1972 fonda il Centro de Actividades e Investigaciones Artísticas de Cataluña. Attualmente alterna le sue attività di scultore e pittore con quelle di designer di gioielli e decoratore d'interni. Corberó ha partecipato a diverse mostre collettive europee e ai Salones de Mayo di Barcellona, dove ha ricevuto i premi Manolo Hugué (1960) e Ramon Rogent (1961). Ha esposto anche in Germania, negli Stati Uniti e in Giappone e tra il 1966 e il 1968 ha pubblicato una serie di acqueforti e litografie. All'inizio degli anni Novanta ha svolto un ruolo importante come consulente del Comune di Barcellona nella selezione delle opere di artisti di fama internazionale da collocare nelle strade e nelle piazze della città in vista dei Giochi Olimpici del 1992. È stato anche scelto per disegnare le medaglie olimpiche. Nello stesso anno, il 1992, gli è stata conferita la Croce di Sant Jordi dalla Generalitat de Catalunya. Corberó è presente al MoMA di New York, allo Stedelijk di Amsterdam e al Victoria & Albert di Londra, tra le altre importanti collezioni.

Stima 1 600 - 1 800 EUR

Lotto 18 - XAVIER CORBERÓ OLIVELLA (Barcellona, 1935). Senza titolo. 1998 Marmo e pietra. Misure: 53 x 57 x 26 cm. Pittore e scultore discendente di orafi, Xavier Corberó si è formato nella Scuola Massana di Barcellona, uno dei cui fondatori era stato suo padre. Dopo un periodo di studi in Inghilterra, dove tra il 1955 e il 1959 frequenta i corsi della Central School of Arts and Crafts di Londra, si trasferisce a New York. Nella città americana entra in contatto con gli ambienti surrealisti. Prima del suo viaggio partecipa alla Biennale ispano-americana del 1955 e nel 1959 tiene una mostra personale a Losanna (Svizzera), dove trascorre un periodo fondamentale per la sua formazione, lavorando nella fonderia Medici. Durante gli anni di studio conosce l'opera di Pablo Gargallo e Henry Moore, le cui opere influenzano notevolmente la formazione del suo linguaggio personale. Nel 1963 tiene la sua prima mostra personale a Monaco, dove riceve la Medaglia d'oro bavarese. Tornato in Spagna a metà degli anni Sessanta, nel 1970 inizia a lavorare a Esplugues de Llobregat, dove nel 1972 fonda il Centro de Actividades e Investigaciones Artísticas de Cataluña. Attualmente alterna le sue attività di scultore e pittore con quelle di designer di gioielli e decoratore d'interni. Corberó ha partecipato a diverse mostre collettive europee e ai Salones de Mayo di Barcellona, dove ha ricevuto i premi Manolo Hugué (1960) e Ramon Rogent (1961). Ha esposto anche in Germania, negli Stati Uniti e in Giappone e tra il 1966 e il 1968 ha pubblicato una serie di acqueforti e litografie. All'inizio degli anni Novanta ha svolto un ruolo importante come consulente del Comune di Barcellona nella selezione delle opere di artisti di fama internazionale da collocare nelle strade e nelle piazze della città in vista dei Giochi Olimpici del 1992. È stato anche scelto per disegnare le medaglie olimpiche. Nello stesso anno, il 1992, gli è stata conferita la Croce di Sant Jordi dalla Generalitat de Catalunya. Corberó è presente al MoMA di New York, allo Stedelijk di Amsterdam e al Victoria & Albert di Londra, tra le altre importanti collezioni.

Stima 1 600 - 1 800 EUR

Lotto 19 - MANUEL SOLÀ MORENO (Barcellona, 1950). Senza titolo. Scultura in ferro battuto e corda. Firmata. Misure: 150 x 120 x 21 cm. Manuel Solà si è formato nella Scuola di La Lonja di Barcellona e, subito dopo aver terminato gli studi, ha ricevuto il X Premio di pittura giovanile della sala Parés di Barcellona (1968). Il suo debutto individuale avviene l'anno successivo, con due mostre di dipinti e disegni al Museo Municipale di Mataró e all'Ateneo Barcelonés. In questo periodo riceve la medaglia d'argento al concorso di pittura "El Correo Catalán" (1971). Continua a esporre le sue opere in Catalogna e nel 1976 partecipa per la prima volta a una mostra collettiva all'estero, nella città francese di Tolosa. Nello stesso anno entra all'Institut del Teatre de Barcelona per ampliare la sua formazione. A partire dagli anni Novanta parteciperà a mostre collettive fuori dalla Spagna e a biennali come quella di Alessandria, dove otterrà il premio della giuria (1999). Gradualmente abbandonerà la pittura e opterà per il linguaggio scultoreo, campo in cui realizzerà diverse opere monumentali in varie parti della Spagna. È rappresentato nella Col-lecció Testimoni de La Caixa, tra le altre importanti collezioni d'arte.

Stima 2 000 - 3 000 EUR

Lotto 20 - MANUEL SOLÀ MORENO (Barcellona, 1950). "Caixa d'estels". 1997. Scultura in ferro battuto, pittura, corda e bronzo. Misure: 54 x 38 x 14 cm. Manuel Solà si è formato nella Scuola de La Lonja di Barcellona e, subito dopo aver terminato gli studi, ha ricevuto il X Premio di pittura giovanile della sala Parés di Barcellona (1968). Il suo debutto individuale avviene l'anno successivo, con due mostre di dipinti e disegni al Museo Municipale di Mataró e all'Ateneo Barcelonés. In questo periodo riceve la medaglia d'argento al concorso di pittura "El Correo Catalán" (1971). Continua a esporre le sue opere in Catalogna e nel 1976 partecipa per la prima volta a una mostra collettiva all'estero, nella città francese di Tolosa. Nello stesso anno entra all'Institut del Teatre de Barcelona per ampliare la sua formazione. A partire dagli anni Novanta parteciperà a mostre collettive fuori dalla Spagna e a biennali come quella di Alessandria, dove otterrà il premio della giuria (1999). Gradualmente abbandonerà la pittura e opterà per il linguaggio scultoreo, campo in cui realizzerà diverse opere monumentali in varie parti della Spagna. È rappresentato nella Col-lecció Testimoni de La Caixa, tra le altre importanti collezioni d'arte.

Stima 800 - 1 000 EUR

Lotto 21 - MICHAEL BEVILACQUA (USA, 1966). Senza titolo.2008. Tecnica mista su cartone. Firmato sul retro. Misure: 120 x 88 cm; 137 x 105,5 cm (cornice). Bevilacqua vive e lavora a New York. Ha studiato alla Long Beach State University, al Santa Barbara City College e al Cambridge College of Art and Technology nel Regno Unito. Lo stile di Bevilacqua è influenzato dai dipinti pop e color field. È noto per la combinazione di culture alte e basse attraverso elementi di pittura, disegno, graphic design, animazione e collage, mentre lavora con una tavolozza satura, coprendo le sue tele lucenti con loghi e scarabocchi. La sua tecnica mista serve come piattaforma per esporre le sue preferenze culturali, come le sue band preferite, le marche di abbigliamento e le auto da corsa. Ha tenuto numerose mostre internazionali, tra cui personali a Pechino, Copenaghen, Milano, Tokyo, Madrid, Parigi, Barcellona e New York; e mostre collettive al Palais de Tokyo, Parigi; alla Deste Foundation, Atene; al Phoenix Art Museum, Phoenix; e all'Aldrich Museum of Contemporary Art, Ridgefield. Le sue opere fanno parte di numerose collezioni, tra cui la Mitsuni Collection di Tokyo, il San Francisco Museum of Modern Art di San Francisco, la Deste Foundation di Atene, l'Astrup Fearnley Museum di Oslo, il Whitney Museum of American Art di New York e il Dallas Museum of Art di Dallas.

Stima 3 000 - 3 500 EUR

Lotto 22 - SONIA MENNA BARRETO (San Paolo, Brasile, 1953). "Balloon", 2023. Bronzo policromo. Esemplare 2/50. Certificato di autenticità allegato. Firmato e giustificato. Misure: 21 x 18 cm; 5 x 17 x 7 cm (barca). Questa scultura è presentata dall'artista come un gioco ingenuo, dal momento che una barca è appesa a un palloncino. Nonostante l'aspetto divertente e candido, l'opera risveglia valori più profondi legati all'infanzia, all'innocenza e all'assenza di gravità. Nelle sue opere definisce uno spazio popolato da una moltitudine di figure antropomorfe e zoomorfe, circondate da oggetti di uso quotidiano, senza rispettare nemmeno i più elementari principi della prospettiva. Il risultato sono degli ideo-universi che inghiottono lo spettatore. Nel 1980, Sônia Menna Barreto inizia a frequentare lo studio dell'artista Luiz Portinari, fratello di Cândido Portinari, presso il Cândido Portinari Arts Center. In questo periodo conosce la vita artistica. Dopo essere entrata in contatto con le opere di Max Ernst, De Chirico, Magritte e Paul Delvaux, il lavoro di Sonia prende la direzione del surrealismo. Questa fase è stata decisiva per la sua carriera, iniziando a sviluppare il suo lato intimo e creativo, risolvendo da sola problemi tecnici e tematici senza la supervisione di insegnanti. Nell'ottobre 2002, per la prima volta un'opera brasiliana è entrata a far parte della Royal Collection, appartenente alla famiglia reale britannica.

Stima 1 600 - 1 800 EUR

Lotto 23 - IRATXE ARTETA (Madrid, 1976). "Zaffiro", 2024. Olio su tela. Allegato certificato di autenticità rilasciato dall'artista. Firmato in basso a destra. Misure: 100 x 100 cm; 105 x 105 cm (cornice). Una pennellata morbida e vaporosa definisce questa immagine concettuale, che ricorda la qualità atmosferica catturata dal maestro Zóbel. L'autore conserva una certa vibrazione nel tratto, che denota la trasmutazione di una realtà mutevole, immersa in un'atmosfera del tutto personale, che si distingue per il lirismo e l'estetica poetica sotto forma di sinestesia artistica. Iratxe Arteta ha iniziato la sua carriera professionale come illustratrice e pittrice realista, ma è l'arte astratta che le ha permesso di trasmettere la profondità della sua arte e della sua anima. È un'artista versatile e perseverante che crea opere di grande qualità artistica e armonia. Arteta proviene da una famiglia di grandi pittori come Félix Arteta e Aurelio Arteta, vincitore del Premio Nazionale di Pittura; alcune delle sue opere si possono ammirare al Museo Reina Sofía e al Museo di Belle Arti di Bilbao. Nelle sue mostre si possono ammirare opere che riflettono l'amore di Iratxe per la pittura astratta e la natura, con pezzi sottili, delicati ed eleganti, a volte strutturati, in cui la luce acquisisce un ruolo importante. Si allega certificato di autenticità rilasciato dall'artista.

Stima 2 000 - 2 500 EUR

Lotto 24 - CARMEN CALVO (Valencia, 1950). "Era un mare interno dove finiva", 2004. Tecnica mista e collage su carta. Firmato e datato in basso a destra. Misure: 76 x 56 cm; 94 x 74 cm (cornice). Il carattere trasgressivo e allo stesso tempo pieno di una grande carica poetica di Carmen Calvo si può apprezzare in ognuna delle sue opere che si collegano all'immagine di ordine e accumulo associata all'artista. Una delle passioni dell'artista Carmen Calvo è quella di passeggiare per i mercatini delle pulci e sfogliare vecchi album alla ricerca di vecchie fotografie su cui intervenire, offrendo così una visione rinnovata delle antiche istantanee anonime scattate in passato. Personaggi sconosciuti, spesso in fotografie di gruppo, trasformano la loro identità attraverso l'inserimento di maschere e altri elementi surreali. Carmen Calvo ha studiato presso le Scuole di Arti e Mestieri e di Belle Arti di Valencia, diplomandosi in pubblicità nel 1970. In seguito amplierà la sua formazione grazie alle borse di studio del Ministero della Cultura (1980), della Casa de Velázquez di Madrid (1983-85) e del Ministero degli Affari Esteri, per la sua residenza a Parigi (1985-92). In questi anni Calvo inizia a ricevere riconoscimenti, come il I Premio di pittura LaSalle Seiko di Barcellona (1985), il Premio Alfons Roig della Diputación Valenciana (1989), una borsa di studio nella I Biennale Martínez Guerricabeitia dell'Università di Valencia (1989) e la selezione per la XLVII Biennale di Venezia (1997). L'artista ha iniziato la sua attività espositiva nel 1969, partecipando a una collettiva presso il Círculo Universitario de Valencia. Ha debuttato individualmente nel 1976 presso la galleria Temps della sua città natale e da allora ha esposto individualmente in varie città della Spagna e degli Stati Uniti, oltre che in altri Paesi d'Europa, America e Africa. Le opere di Carmen Calvo sono attualmente presenti in istituzioni artistiche, musei e collezioni private di tutto il mondo, tra cui il Guggenheim Museum di New York, il Reina Sofia di Madrid, il Marugame Hirai di Kobe, il MACBA di Barcellona, il Fonds National d'Art Contemporain di Parigi, l'IVAM di Valencia, la collezione della Chase Manhattan Bank di New York, ecc.

Stima 3 000 - 4 000 EUR

Lotto 25 - URBANO LUGRÍS VADILLO (Vigo, 1942-2018). "Veduta di La Coruña". Olio su tavola. Firmato e datato nel margine inferiore. Misure: 65 x 43 cm; 70 x 50 cm (cornice). Urbano Lugris inizia la sua formazione artistica sotto l'influenza di Nacho Viéitez, un uomo il cui scopo era quello di incoraggiare la pratica della pittura nelle nuove generazioni. Abbandona gli studi come perito mercantile a La Coruña per trasferirsi a Madrid nel 1930, dove entra a far parte delle Missioni Pedagogiche, con le quali gira diverse città spagnole disegnando costumi e scenografie per il teatro La Barraca. In questo periodo conosce Federico García Lorca e Rafael Alberti. Durante la guerra civile partecipò come volontario all'esercito repubblicano, partendo per il fronte delle Asturie. Dopo la fine della guerra, nel 1954, fonda a La Coruña la rivista Atlántida, con gli amici Mariano Tudela e José Mª de Labra, alla quale partecipa attivamente, scrivendo articoli e poesie, oltre a numerose illustrazioni e disegnando la copertina. Nel 1965 si trasferì a Vigo, dove morì il 23 dicembre 1973. Nel 1997 si è tenuta la più grande mostra dedicata a Urbano Lugrís, curata da Rosario Sarmiento e Antón Patiño, presso il Círculo de Bellas Artes di Madrid e l'Auditorio de Galicia di Santiago de Compostela. In occasione di questa mostra è stato pubblicato un importante libro-catalogo della mostra e un facsimile della rivista Atlántida. Nel 2007 è stato pubblicato il libro di Antón Patiño Urbano Lugrís, "Viaje al corazón del océano". Lugrís è stato un pittore quasi autodidatta la cui opera pittorica riflette una predilezione per i temi marini, ritratti con un'atmosfera di carattere onirico e idealizzato. I suoi quadri sono quasi sempre dipinti su tavola in formati piccoli e medi. Fu influenzato dal suo padrino, lo scrittore Francisco Tettamancy y Gastón, e dai concetti della pittura metafisica italiana, in particolare Carrá e Chirico, e del surrealismo francese, i dipinti di Tanguy e Magritte.

Stima 2 400 - 3 200 EUR

Lotto 26 - SOLEDAD PENALTA (Noia, A Coruña, 1943). "Torcia. Ferro. Pezzo unico. Firmato. Misure: 194 cm (altezza). Opera scultorea con parte superiore fiammeggiante, che emula una torcia. Soledad Penalta è una scultrice galiziana con un'ampia carriera espositiva e formativa. Tra queste, dalla Scuola di mestieri artistici di A Coruña, che ha completato fino al 1980 con laboratori di scultura in ceramica, maiolica e gres a Barcellona, Girona, Sargadelos (Lugo) o Alicante, e corsi nel decennio successivo nel castello di Soutomaior/Pontevedra, e Faenza/Italia, con Emidio Galasi. Nel suo percorso plastico, l'apprendimento è un motto, fino a trovare la sua espressione più personale, passando attraverso ceramiche policrome di notevoli dimensioni su telai metallici, con le quali ottiene i primi premi. È la sua espressione sempre concettuale, a mostrare, già con il ferro e l'acciaio tagliato a dieci, allusioni realistiche sia nella scultura monumentale che in quella di medie dimensioni, a partire dalle prime mostre a Noia, nel 1981, e da quelle successive a A Coruña, Ateneo de Ourense e Ferrol. Il trasferimento della famiglia in Minnesota/USA, negli anni 1989-1991, è stato un cambiamento decisivo, lavorando nello Studio Art dell'Università con Wayne Potratz, Nick Legeros, Roger Junk e Andy Richars, tornando l'anno successivo con una borsa di studio per un'ulteriore formazione. Esaurita la ceramica, si concentra sul ferro come elemento plastico privilegiato, materiale con cui ha definito il suo carattere, facendosi rispettare dalla corporazione. I Guardiani del parco di sculture della Torre di Ercole (A Coruña), e l'opera di Praia Ladeira, Baiona, entrambi in acciaio cor-ten speak, acciaio che si piega o si estende a sufficienza per mostrare suggestive forme iconiche, come mostrato a Malaga, A Coruña, Vigo, nella mostra itinerante della Fondazione CaixaGalicia attraverso le capitali galiziane, nelle mostre collettive in Minnesota e nei tributi (Fernando Mon, Laureano Álvarez) e premi (Isaac Díz Pardo), partecipando con un'opera monumentale a "Galicia Terra Única", A Coruña, 1997.

Stima 2 500 - 2 700 EUR

Lotto 27 - TAKASHI MURAKAMI (Tokyo, 1962). "Fiori, multiverso. 2023. Serigrafia, copia 111/300. Firmato e giustificato. Misure: 71 cm. di diametro. Le composizioni floreali di Takashi Murakami sono ormai un'icona nel mondo dell'arte contemporanea. Ispirate contemporaneamente a elementi dell'arte tradizionale giapponese e della cultura pop occidentale, ci immergono in universi paralleli ("mutliverses") vibranti e giocosi. Uno degli artisti più influenti della generazione giapponese del dopoguerra, Takashi Murakami si è formato all'Università Nazionale di Belle Arti e Musica di Tokyo, dove si è laureato in Nihonga (pittura tradizionale giapponese). Nel 1990 è stato introdotto all'arte contemporanea dal suo socio e amico Masato Nakamura e nel 1993 ha creato il suo alter ego Mr. Da quel momento inizia a essere riconosciuto sia all'interno che all'esterno del Giappone per la sua particolare sintesi tra l'arte tradizionale giapponese, le tendenze contemporanee del suo Paese (anime, manga, ecc.) e la cultura americana, soprattutto quella pop. Nelle sue opere Murakami trasmette una visione critica dell'attuale società giapponese, dell'eredità della tradizione culturale del Paese, della sua evoluzione dopo la Seconda guerra mondiale e del suo rapporto con il mondo occidentale, in particolare con gli Stati Uniti. La sua trilogia di mostre "Superflat" (2000, 2002 e 2005) è stata esposta nei principali centri d'arte del mondo, come la Parco Gallery di Tokyo, il MOCA di Los Angeles, la Fondation Cartier di Parigi e la Serpentine Gallery di Londra. Tra il 2008 e il 2009 gli sono state dedicate mostre retrospettive al MOCA, al Brooklyn Museum di New York, al Museum für Moderne Kunst di Francoforte e al Guggenheim di Bilbao. Murakami è attualmente rappresentato nei principali musei del mondo, tra cui il MoMA di New York, il Museum of Fine Arts di Boston e molti altri.

Stima 3 200 - 4 000 EUR

Lotto 28 - CARLOS CRUZ DÍEZ (Caracas, 1923-2019). Senza titolo, 1992, dalla Suite Olympic Centennial. Serigrafia su carta Vélin d'Arches 270 grammi, copia 171/250. Firmato, datato e giustificato a mano. Misure: 63 x 90 cm. L'artista franco-venezuelano Carlos Cruz-Diez vive e lavora a Parigi dal 1960. È uno dei protagonisti più rilevanti dell'arte ottica e cinetica, una corrente artistica che rivendica "la consapevolezza dell'instabilità del reale". La sua ricerca lo rivela come uno dei pensatori del colore del XX secolo. Il discorso plastico di Carlos Cruz-Diez gravita attorno al fenomeno cromatico concepito come una realtà autonoma che si evolve nello spazio e nel tempo, senza l'aiuto di forme o supporti, in un presente continuo. Le opere di Carlos Cruz-Diez sono presenti in prestigiose collezioni permanenti come quelle del Museum of Modern Art (MoMA) di New York, della Tate Modern di Londra, del Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris, del Centre Pompidou di Parigi, del Museum of Fine Arts di Houston e del Wallraf-Richartz Museum di Colonia, tra gli altri. La Suite Olimpica è composta da 50 litografie e serigrafie scelte per rappresentare varie tendenze artistiche contemporanee. È stata pubblicata per commemorare il primo centenario dell'olimpismo moderno. Gli artisti scelti sono definiti da diversi movimenti e correnti pittoriche, dal concettualismo e minimalismo di "Ben" Vautier, all'astrazione lirica di Yasse Tabuchi, alla pittura di Oleg Tselkov che si concentra sulla figura umana, intensamente espressiva e trattata con forme forti e colori intensi che cercano di riflettere i conflitti e la violenza del suo tempo, fino all'opera di André Arabis, chiaramente astratta e geometrica.

Stima 1 500 - 1 800 EUR

Lotto 29 - JOAN HERNÁNDEZ PIJUAN (Barcellona, 1931 - 2005). Senza titolo, 1989. Inchiostro su carta. Firmato e datato in basso a destra. Misure: 45 x 33 cm; 57 x 45 cm (cornice). Joan Hernández Pijuan inizia la sua formazione a Barcellona, frequentando le Scuole di La Lonja e di Belle Arti di Sant Jordi, per poi completare la sua formazione alla Scuola di Belle Arti di Parigi. Nominato professore alla Facoltà di Belle Arti di Barcellona nel 1981, Hernández Pijuan occupa una posizione unica tra gli artisti spagnoli degli ultimi decenni. Iniziò la sua carriera praticando un espressionismo tragico di grande carica sociale e in quel periodo formò, insieme agli altri membri del Gruppo Sílex, la cosiddetta Scuola di Barcellona. Negli anni Settanta semplifica la sua espressione fino ad adottare una figurazione geometrica e calcolata, stile che abbandona nel decennio successivo per dedicarsi all'informale. La sua attività espositiva fu ampia e diversificata come la sua stessa creazione artistica. Nel corso della sua vita ha esposto individualmente in diverse città spagnole, oltre che a Zurigo, Milano, Johannesburg, Colonia, Ginevra, New York, Parigi e Osaka, tra le altre città del mondo. Nel 2003 gli è stata dedicata un'importante retrospettiva al MACBA di Barcellona, esposta successivamente al Musée d'Art et Histoire de Neuchatel (Francia), alla Konsthalle di Malmö (Svezia) e alla Galleria Comunale d'Arte Moderna di Bologna (Italia). Hernández Pijuan è stato preside della Facoltà di Belle Arti dell'Università di Barcellona e nel 2000 è stato nominato membro dell'Accademia Reale di San Fernando a Madrid. Nel 1981 ha ricevuto il Premio Nazionale di Arti Plastiche, nel 1985 la Croce di Sant Jordi e nel 2004 il Premio della Città di Barcellona. È stato inoltre insignito del Premio della Direzione Generale delle Belle Arti all'Esposizione Nazionale di Alicante nel 1957, del Primo Premio di Pittura "Peintres Residents" a Parigi (1958), del Premio "Malibor" alla Biennale di Incisione di Lubiana (1965), della Biennale Internazionale di Incisione di Cracovia (1966) e del premio della redazione "Vijesnik u Srijedu" di Zagabria (1970). Hernández Pijuan è rappresentato al MACBA, al Museo d'Arte Astratta Spagnolo di Cuenca, al Museo Reina Sofía di Madrid, al Museo Patio Herreriano di Valladolid e al Museo Basco d'Arte Contemporanea, oltre che in centri esteri come il Guggenheim Museum di New York, il Liaunig (Austria), di Helsinki e Lussemburgo, la Kulturstiftung di Bad Homburg (Austria), la Yamaguchi Gallery di Osaka (Giappone), il Palazzo delle Belle Arti di Bruxelles, la Galleria Nazionale di Montreal, il Museo d'Arte Moderna di Buenos Aires e il Museo Sztuki di Lodz (Polonia).

Stima 3 000 - 3 500 EUR

Lotto 30 - PABLO PICASSO (Malaga, 1881 - Mougins, Francia, 1973). "Picador", 1952. Ceramica smaltata con ossido nero e smalto bianco. Edizione di 500 esemplari. Presente iscrizione. "Edizione Picasso". Timbri di Picasso e Modoura sulla base. Misure: 15,3 cm (diametro). Dal 1947, quando l'artista realizzò una grande produzione di opere in ceramica nella fabbrica Madoura di Vallauris, nel sud della Francia, dedicandosi per un intero decennio esclusivamente a questa tecnica. Nel 1952, lo stesso anno in cui viene concepito questo pezzo, Picasso incontra Jacqueline Roque, che inizia a lavorare nel negozio della bottega di Modoura, segnando una nuova tappa nella sua vita e nel suo lavoro artistico. Creatore del cubismo insieme a Braque, Picasso inizia i suoi studi artistici a Barcellona, presso la Scuola Provinciale di Belle Arti (1895). Solo due anni dopo, nel 1897, Picasso tiene la sua prima mostra personale al caffè "ElsQuatreGats". Parigi diventerà il grande obiettivo di Pablo e nel 1900 si trasferisce nella capitale francese per un breve periodo. Tornato a Barcellona, inizia a lavorare a una serie di opere in cui si possono notare le influenze di tutti gli artisti che aveva conosciuto o di cui aveva visto le opere. È una spugna che assorbe tutto ma non trattiene nulla; è alla ricerca di uno stile personale. Tra il 1901 e il 1907 sviluppa le Fasi Blu e Rosa, caratterizzate dall'uso di questi colori e dal soggetto con figure sordide e isolate, con gesti di dolore e sofferenza. La pittura di questi primi anni del Novecento stava subendo continui cambiamenti e Picasso non poteva rimanere in disparte. Si interessò a Cézanne e, sulla base del suo esempio, sviluppò una nuova formula pittorica insieme all'amico Braque: Il Cubismo. Ma Picasso non si ferma qui e nel 1912 pratica il collage in pittura; da quel momento in poi, tutto è permesso, l'immaginazione diventa padrona dell'arte. Picasso è il grande rivoluzionario e quando tutti i pittori si interessano al cubismo, lui si occupa del classicismo di Ingres. Il movimento surrealista del 1925 non lo coglie di sorpresa e, sebbene non vi partecipi apertamente, funge da elemento di rottura con il precedente, introducendo nella sua opera figure distorte con grande forza e non esenti da rabbia e furore. Come nel caso di Goya, anche Picasso fu molto influenzato dalla sua situazione personale e sociale all'epoca del suo lavoro. Le sue relazioni con le donne, spesso tumultuose, influenzeranno seriamente il suo lavoro. Tuttavia, ciò che ebbe il maggiore impatto su Picasso fu lo scoppio della guerra civile spagnola e il bombardamento di Guernica, che portò alla creazione dell'opera più famosa dell'arte contemporanea. Parigi fu il suo rifugio per molto tempo, ma gli ultimi anni della sua vita li trascorse nel sud della Francia, lavorando in uno stile molto personale, con colori vivaci e forme strane. Picasso è presente nei più importanti musei del mondo, come il Metropolitan, il MOMA e il Guggenheim di New York, l'Hermitage di San Pietroburgo, la National Gallery di Londra o il Reina Sofia di Madrid.

Stima 2 500 - 2 800 EUR

Lotto 31 - PABLO PICASSO (Malaga, 1881 - Mougins, Francia, 1973). "La danse du Berger". 1959. Litografia su carta. Opera citata in: Christoph Czwiklitzer: "Pablo Picasso. Poster 1923-1973", Deutscher Taschenbuch Verlag, München 1981, nº 368. Firmato e datato sulla lastra in alto a sinistra. Misure: 59 x 41 cm; 66 x 48 cm (cornice). Creatore del cubismo insieme a Braque, la pittura di Picasso ha rappresentato un punto di svolta nella storia dell'arte. Iniziò i suoi studi nel 1895, presso la Scuola Provinciale di Belle Arti di Barcellona, e solo due anni dopo fece la sua prima mostra personale, presso il caffè "Els Quatre Gats". Dopo alcuni brevi soggiorni a Parigi, Picasso si stabilisce definitivamente nella capitale francese nel 1904. Dopo i periodi blu e rosa, sviluppati nei primi anni del secolo, il pittore inizia le sue sperimentazioni geometriche nel 1906, durante un soggiorno a Lérida. Un anno dopo inizia a dipingere "Las señoritas de la calle Avinyó" e nel 1909 entra in contatto con Braque e inizia il periodo cubista. Nel secondo decennio sviluppa il suo periodo classico e crea le famose scenografie per i balletti russi di Diaghilev. Nel 1936 il governo della Repubblica spagnola lo nomina direttore del Museo del Prado e un anno dopo dipinge "Guernica". Il definitivo riconoscimento internazionale arriverà nel 1939, a seguito della retrospettiva che gli dedica il MOMA di New York. Nei decenni successivi gli verranno dedicate mostre antologiche in tutto il mondo, a Roma, Milano, Parigi, Colonia e New York, tra le altre città. È presente nei più importanti musei del mondo, come il Metropolitan, il MOMA e il Guggenheim di New York, l'Hermitage di San Pietroburgo, la National Gallery di Londra o il Reina Sofia di Madrid.

Stima 300 - 350 EUR

Lotto 32 - "dEmo"; ELADIO DE MORA (Mora, Toledo, 1960). "Papera di gomma". Fibra di vetro, poliestere e resine. Firmata sulla base. Misure: 50 x 40 x 40 cm. Scultura rotonda a forma di grande papera di gomma. L'utilizzo di un oggetto di uso quotidiano, aumentandone notevolmente le dimensioni ed elevandolo così alla categoria dell'arte, avvicina lo spettatore a un'estetica kitsch molto comune nella pop art. Uno dei grandi rappresentanti dell'arte contemporanea spagnola, Eladio de Mora ha scoperto la sua vocazione artistica fin da bambino. Artista fondamentalmente autodidatta, il suo lavoro si colloca a metà strada tra il pop e l'espressionismo. Le sue creazioni sono caratterizzate da tratti semplificati e colori puri e sono realizzate in materiali come la plastica, il poliestere e alcune resine. Sotto l'aspetto quasi infantile delle sue opere si nascondono talvolta significati critici; egli confessa di cercare nelle sue opere un equilibrio tra rigore e sorriso. Tra i suoi pezzi più noti ci sono le serie di orsi, anatre, palombari e meningi. In effetti, le sue sculture sono spesso raggruppate in famiglie, in modo che la ripetizione intensifichi l'impatto. Inoltre, la maggior parte delle sue sculture sono collocate all'aperto, poiché Mora cerca soprattutto un rapporto diretto con il pubblico. All'inizio del XXI secolo ha iniziato a farsi conoscere attraverso mostre collettive e nel 2002 ha tenuto le sue prime mostre personali, sia in Spagna (gallerie Azteca e Séller di Madrid, Espacio Líquido di Gijón) che all'estero (galleria Heyd di Hildritzhausen, Germania). Da allora è una presenza costante sulla scena artistica, continuando a esporre individualmente, oltre a partecipare a fiere d'arte e mostre collettive. Negli ultimi anni ha esposto in mostre personali allestite in importanti gallerie e centri d'arte spagnoli e stranieri, tra cui la Galleria Jorge Ontiveros di Madrid, la Galleria Drissien di Monaco, il Museo Florencio de la Fuente di Valencia, il Museo d'Arte Contemporanea di Malaga, il Centro de Arte Juan Ismael di Madrid e il Centro de Arte Juan Ismael di Madrid, il Centro de Arte Juan Ismael a Fuerteventura, l'Espacio para el Arte Caja Madrid, l'Hotel Urban e il Centro de Arte Moderno sempre a Madrid, l'IVAM a Valencia, il Museo MACAY in Messico, la galleria Los Oficios e il Museo de Bellas Artes a L'Avana, il Museo Arterra a Vienna e la Fundación Antonio Pérez a Cuenca. Ha inoltre partecipato a importanti mostre collettive in Spagna, Messico, Italia, Portogallo e Germania. Va inoltre ricordato l'importante lavoro di Mora come designer di trofei, tra cui il "Women Together" di New York, il "Master Senior Comunidad de Madrid" o il "Protagonistas del motor de El Mundo". Nel corso della sua carriera ha ricevuto i premi "Getafe Ciudad de las Artes" (Madrid, 2005) e "Aura" (Toledo, 2007) e ha realizzato monumenti e installazioni a Madrid, Logroño, L'Avana, Vienna, Gijón, Malaga e Valencia, tra le altre città. Attualmente Mora è rappresentato all'IVAM di Valencia, al Museo Arterra di Vienna, al Museo d'Arte Contemporanea Domus Artium di Salamanca, al Museo d'Arte Vetraria di Alcorcón, al Museo di Belle Arti dell'Avana, al Museo dell'Opera Grafica di San Clemente a Cuenca, alla Fondazione Antonio Pérez, alla Fondazione Antonio Saura, la Fondazione Coca-Cola e le Fondazioni Antonio Saura e Coca-Cola, i Consigli Provinciali di Cuenca e Guadalajara, diversi consigli comunali di Madrid e Toledo, il Dipartimento di Cultura e Turismo della Comunità di Madrid e la Collezione d'Arte Contemporanea di "El Mundo", oltre a molte altre collezioni pubbliche e private.

Stima 3 500 - 4 000 EUR

Lotto 33 - JAVIER AGUILERA (Vigo, 1968) "C'era una volta in Giappone", 2008. Olio di resina policroma. Misure: 80 x 30 x 30 cm. Una donna orientale, completamente nuda tranne che per gli stivali neri, porta due borse trasparenti con prodotti di profumeria. I suoi capelli ondulati e tinti all'occidentale, oltre al labbro operato e al seno insolitamente grande per una donna giapponese, sembrano parlarci degli assurdi processi di acculturazione che avvengono oggi a causa dei capricci della moda. Assurdità che Javier Aguilera mette in evidenza nelle sue sculture iperrealistiche che attingono dai fumetti, dagli anime, dalla street art e, in generale, dalla vita nella grande città. Le sculture di Javier Aguilera si distinguono a prima vista per il loro virtuosismo tecnico, ma contengono un messaggio molto più ampio di quello che apparentemente offrono. Utilizzando il corpo umano come veicolo espressivo e il simbolismo orientale contemporaneo, le sue figure mettono lo spettatore di fronte al dilemma della solitudine. Una solitudine che nel contesto ipersaturo di oggi si manifesta, a volte in modo drammatico, a volte in modo ironico, mostrando apertamente le proprie ferite. Esseri sconfitti, antieroi che sanguinano, sudano e mordono, interrogandoci sulla nostra stessa esistenza e sul nostro rapporto con gli altri.

Stima 3 000 - 4 000 EUR

Lotto 34 - JAVIER AGUILERA (Vigo, 1968) "Ragazza suicida", 2014. Resina policroma. Pezzo unico. Firmato e datato sulla base. Misure: 20 x 15 x 9 cm. Le sculture di Javier Aguilera si distinguono a prima vista per il loro virtuosismo tecnico, ma racchiudono un messaggio molto più ampio di quello che apparentemente offrono. Utilizzando il corpo umano come veicolo espressivo e il simbolismo orientale contemporaneo, le sue figure mettono lo spettatore di fronte al dilemma della solitudine. Una solitudine che nel contesto ipersaturo di oggi si manifesta, a volte in modo drammatico, a volte in modo ironico, mostrando apertamente le proprie ferite. Esseri sconfitti, antieroi che sanguinano, sudano e mordono, interrogandoci sulla nostra esistenza e sul nostro rapporto con gli altri. Anche la vita nella grande città, la street art, gli anime, i videogiochi e i fumetti giocano un ruolo fondamentale nella creazione del suo particolare universo, una miscela di influenze che conferisce al suo immaginario un'enorme forza narrativa.

Stima 500 - 600 EUR

Lotto 35 - JOAN GARCÍA RIPOLLÉS (Castellón, 1932). "Ragazza con farfalla". Olio su tela. Firmato e datato in basso a sinistra. Misure: 55 x 65 cm, 76 x 87 cm (cornice). Conosciuto con il suo secondo cognome o come "il Beato Ripo", Joan García Ripollés scoprì la sua passione per la pittura quando, ancora molto giovane e in pieno dopoguerra, entrò a lavorare in un laboratorio di pittura industriale. Da quel momento in poi si dedica alla pittura di notte e in seguito prende lezioni di disegno presso il Liceo Ribalta di Castellón. Dopo il debutto in una mostra collettiva tenutasi nel 1951 presso la Caja de Ahorros di Castellón, nel 1954 ci fu una svolta nella sua carriera, grazie a un viaggio a Parigi dove entrò in contatto con gli ambienti artistici della città. Tuttavia, non riuscì ad abbandonare la pittura industriale fino al 1958, quando entrò a far parte della galleria Drouand David di Parigi, una delle più prestigiose al mondo. Nel 1962 organizza la sua prima grande mostra personale al MACBA e nel 1967 si reca a New York, dove espone e vende la sua intera collezione alla William Haber Art Collection. Nello stesso anno, il mercante newyorkese Leon Amiel, della Larrouse Gallery, acquista tutte le sue opere, cosa che si ripeterà nel suo viaggio in Giappone. Da quel momento inizia una brillante carriera internazionale che ha portato le sue opere in tutto il mondo. Ha organizzato mostre personali non solo in Spagna, a Parigi e a New York, ma anche in Messico, Olanda, Belgio, Italia, Svizzera, Svezia, in diverse città degli Stati Uniti, in Germania e in Giappone. Attualmente è un artista esclusivo della William Haber Art di New York e della Galerie Drouand di Parigi. Nel 2000 ha ricevuto il Premio delle Arti della Comunità Valenciana. Ripollés si definisce un "adulto immaturo" e, soprattutto, "spensierato, un po' malizioso e con una certa ingenuità", parole che riflettono il suo esuberante spirito creativo, il suo carattere semplice ed estroverso e la sua anima infantile. Ripollés è oggi uno degli artisti spagnoli più internazionali e anche uno dei più completi, avendo lavorato brillantemente in pittura, scultura e incisione. È rappresentato all'IVAM, al MOMA di New York, al Museo dell'Università di Alicante, al Museo di Belle Arti di Siviglia e al MACBA.

Stima 3 200 - 3 400 EUR

Lotto 36 - JOAN GARCÍA RIPOLLÉS (Castellón, 1932). "Toro. Bronzo. Esemplare II/IV. Firmato e numerato sulla base. Misure: 30 x 66 x 22 cm. Conosciuto con il suo secondo cognome o come "il Beato Ripo", Joan García Ripollés scopre la sua passione per la pittura quando, ancora molto giovane e in pieno dopoguerra, inizia a lavorare in un laboratorio di pittura industriale. Da quel momento in poi si dedica alla pittura di notte e in seguito prende lezioni di disegno presso il Liceo Ribalta di Castellón. Dopo il debutto in una mostra collettiva tenutasi nel 1951 presso la Caja de Ahorros di Castellón, nel 1954 ci fu una svolta nella sua carriera, grazie a un viaggio a Parigi dove entrò in contatto con gli ambienti artistici della città. Tuttavia, non riuscì ad abbandonare la pittura industriale fino al 1958, quando entrò a far parte della galleria Drouand David di Parigi, una delle più prestigiose al mondo. Nel 1962 organizza la sua prima grande mostra personale al MACBA e nel 1967 si reca a New York, dove espone e vende la sua intera collezione alla William Haber Art Collection. Nello stesso anno, il mercante newyorkese Leon Amiel, della Larrouse Gallery, acquista tutte le sue opere, cosa che si ripeterà nel suo viaggio in Giappone. Da quel momento inizia una brillante carriera internazionale che ha portato le sue opere in tutto il mondo. Ha organizzato mostre personali non solo in Spagna, a Parigi e a New York, ma anche in Messico, Olanda, Belgio, Italia, Svizzera, Svezia, in diverse città degli Stati Uniti, in Germania e in Giappone. Attualmente è un artista esclusivo della William Haber Art di New York e della Galerie Drouand di Parigi. Nel 2000 ha ricevuto il Premio delle Arti della Comunità Valenciana. Ripollés si definisce un "adulto immaturo" e, soprattutto, "spensierato, un po' malizioso e con una certa ingenuità", parole che riflettono il suo esuberante spirito creativo, il suo carattere semplice ed estroverso e la sua anima infantile. Ripollés è oggi uno degli artisti spagnoli più internazionali e anche uno dei più completi, avendo lavorato brillantemente in pittura, scultura e incisione. È rappresentato all'IVAM, al MOMA di New York, al Museo dell'Università di Alicante, al Museo di Belle Arti di Siviglia e al MACBA.

Stima 3 200 - 3 400 EUR

Lotto 37 - CRISTINA GARCÍA RODERO (Puertollano, Ciudad Real, 1949). "Sotto la pioggia, Georgia" 1998. Fotografia b/n, copia 5/7. Firmata, intitolata e datata sul retro. Etichetta della Galleria Juana de Aizpuru. Misure: 53 x 81 cm; 86,5 x 114 cm (cornice). Cristina García Rodero è membro dell'Accademia Reale di Belle Arti di San Fernando e la prima persona di nazionalità spagnola a far parte della prestigiosa Agenzia Magnum. È la prima donna a essere nominata Dottore Honoris Causa presso l'Università di Castilla-La Mancha (14 novembre 2018). Ha tenuto numerose mostre, sia personali che collettive, in diversi Paesi. La sua prima mostra personale si è tenuta in Messico con il titolo Fiestas Tradicionales en España. La sua mostra intitolata España oculta (Spagna nascosta) ha toccato diverse sedi: Museo de Arte Contemporáneo di Madrid, Encuentros fotográficos de Arlés, Carcassonne e Braga, Fotofest'90 di Houston, Photographers' Gallery di Londra, Diaframma di Milano, Photokina di Colonia, Zentrum fur Audiovisuelle Medien di Sttutgart, Münchner Stadtmuseum di Monaco, Museo Álvarez Bravo di Oaxaca, Museo de Bellas Artes di Caracas e Médiathèque Centre Jean Renoir di Dieppe, tra gli altri.

Stima 3 500 - 4 000 EUR

Lotto 38 - MARK LAITA (Detroit, 1960). "Concorrente alla fiera del bestiame della contea, Sara Von Berger, Salina, Kansas, 8 agosto 2003 / Uomo cajun con alligatore, Charles Olivier, Loreauville, Louisiana, 2003". Ed.2/6. Fotografie in bianco e nero su carta fotografica montate su alluminio. Firmate, datate e titolate sul retro. Misure 102 x 81 cm ciascuna. 116,5 x 179 cm (cornice). Mark Laita è uno splendido fotografo americano che dopo diversi anni dedicati alla fotografia commerciale ha presentato negli ultimi anni una serie di libri con il suo lavoro personale. Di questi, ho selezionato un campione di due tra i più interessanti: "Created Equal", del 2010 e "Serpentine", di quest'anno. Ha realizzato lavori commerciali pluripremiati per clienti come Adidas, Apple e Mercedes-Benz. Il primo libro di lavori non commerciali di Laita, Created Equal, è il risultato di un progetto di otto anni di attraversamento del Paese con ritratti in bianco e nero 8×10 di americani provenienti da una vasta gamma di culture, occupazioni e background. Il suo lavoro è stato esposto in gallerie negli Stati Uniti e in Europa.

Stima 3 000 - 3 500 EUR

Lotto 39 - MARK LAITA (Detroit, 1960). "Agente di polizia/Hang", 2005/1999. Due fotografie digitali. Dittico, ed. 1/3. Firmate, titolate e datate sul retro. Timbro sul retro. Opera pubblicata. Dimensioni: 145 x 116 cm; 162 x 130 cm (cornice), ciascuno. Mark Laita è uno splendido fotografo americano che, dopo diversi anni dedicati alla fotografia commerciale, negli ultimi anni ha presentato una serie di libri con i suoi lavori personali. Di questi, ho selezionato un campione di due tra i più interessanti: "Created Equal", del 2010 e "Serpentine", di quest'anno. Ha realizzato lavori commerciali pluripremiati per clienti come Adidas, Apple e Mercedes-Benz. Il primo libro di lavori non commerciali di Laita, Created Equal, è il risultato di un progetto di otto anni di attraversamento del Paese con ritratti in bianco e nero 8×10 di americani provenienti da una vasta gamma di culture, occupazioni e background. Il suo lavoro è stato esposto in gallerie negli Stati Uniti e in Europa.

Stima 6 000 - 7 000 EUR

Lotto 40 - MARK LAITA (Detroit, 1960). "Giovane con Boom Box, Billy Monroe", Venice, California, 26 aprile 1999. "Bagnante, Joey Caveseno", Coney Island, New York, 3 agosto 2002. Fotografie in bianco e nero su carta fotografica montate su alluminio. Copia nº 20. Misure: 50 x 40 cm (ciascuna); 65,5 x 96 cm (cornice). Mark Laita è un fotografo americano che, dopo diversi anni dedicati alla fotografia commerciale, ha presentato negli ultimi anni una serie di libri con il suo lavoro personale. Di questi, ho selezionato un campione di due tra i più interessanti: "Created Equal", del 2010 e "Serpentine", di quest'anno. Ha realizzato lavori commerciali pluripremiati per clienti come Adidas, Apple e Mercedes-Benz. Il primo libro di lavori non commerciali di Laita, Created Equal, è il risultato di un progetto di otto anni di attraversamento del Paese con ritratti in bianco e nero 8×10 di americani provenienti da una vasta gamma di culture, occupazioni e background. Il suo lavoro è stato esposto in gallerie negli Stati Uniti e in Europa.

Stima 2 000 - 2 500 EUR

Lotto 41 - LEOPOLDO NÓVOA GARCÍA (Pontevedra, 1919 - Parigi, 2012) "Quadrangolo a rilievo", 1992. Tecnica mista su tela. Il montaggio e l'incorniciatura sono stati eseguiti dall'autore. Presenta etichetta sul retro della Galleria Alameda (Vigo). Firmato in basso a destra. Firmato, datato e titolato sul retro. Misure: 61 x 82 cm; 63 x 83 cm (cornice). In quest'opera l'autore utilizza un linguaggio astratto, basato su una geometria irregolare, con un carattere organico sia nella disposizione che nei colori. Si tratta di uno stile aperto, la cui caratteristica fondamentale è la concezione della superficie pittorica come un tutto, come un campo aperto, senza limiti e senza gerarchie. Così, come vediamo qui, le forme pittoriche sono il risultato di una ponderata composizione e sperimentazione, con un'immagine di carattere gestuale, non si limitano a una composizione ma vanno oltre, indicando allo spettatore che si tratta di forme, idee o suggestioni che vanno oltre i confini del puramente pittorico. Pittore e scultore di madre galiziana e padre uruguaiano, Leopoldo Nóvoa emigra in Uruguay nel 1938, dove si lega a Joaquín Torres García. Stabilitosi a Montevideo, dove fondò la rivista culturale "Apex", fu anche grande amico di Jorge Oteiza e, una volta stabilitosi a Buenos Aires (1948-1957), di Lucio Fontana, che ebbe una notevole influenza sul suo lavoro. Nel 1965 lascia definitivamente l'America per stabilirsi a Parigi con Michel Tapié, che era rimasto colpito dal suo murale nello Stadio Luis Tróccoli di Montevideo. A Parigi conosce Julio Cortázar, che scrive un racconto sul suo lavoro. Insieme ad altri importanti pittori uruguaiani e argentini, fonda l'Espacio Latinoamericano. Tuttavia, la sua prima mostra risale al 1964. Questa ha avuto luogo presso la galleria di Edouard Loeb, con cui collaborerà per molti anni. Il suo lavoro, che spazia dal disegno alla pittura, dai murales alla pirografia, evoca astrattamente i suoi ricordi della Galizia, con un linguaggio che mostra riferimenti all'espressionismo astratto e all'informale. Nóvoa ha ricevuto premi come la Medaglia Castelao (1993), il Premio Città di Pontevedra (1997) e il Premio da Crítica Galicia (2002). Attualmente è rappresentato, tra l'altro, nelle collezioni Abanca e Caixanova.

Stima 4 000 - 5 000 EUR

Lotto 42 - ROGELIO PUENTE (Cuba, 1936-1996). Interno dalla finestra. Olio su tela. Firmato in basso a destra. Misure: 37 x 55 cm; 53 x 70 cm (cornice). In un magistrale gioco di riflessi, Rogelio Puente mostra un'abile e intelligente sovrapposizione di realtà e proiezioni. Attraverso il vetro vediamo uno scaffale con pezzi di porcellana e altri oggetti provenienti dall'interno di un negozio di antiquariato, con dipinti appoggiati a una scultura di un torchero angelote che gioca tra il reale e il rappresentato, mentre le facciate degli edifici adiacenti ci fanno dubitare se si riflettono sulla luna di vetro o se si trovano effettivamente sullo stesso marciapiede. Inoltre, accanto a questa giocosa avventura neobarocca, Puente descrive ogni dettaglio, ogni qualità tattile, con una preziosa foga, sfruttando la sua abilità nel disegno, nelle velature e nel trattamento dei materiali. Rogelio Puente Díaz de la Rocha è nato all'Avana da una ricca famiglia spagnola residente a Cuba. La sua impeccabile formazione accademica si è svolta nel Paese caraibico, in Canada e negli Stati Uniti. All'età di quattordici anni si trasferisce definitivamente in Spagna con la famiglia, stabilendosi a La Coruña, dove prosegue gli studi. Studia legge a Santiago de Compostela e successivamente completa gli studi in Inghilterra. Si trasferisce quindi a Madrid ed è lì, ammirando i capolavori che il Museo del Prado gli svela, che i suoi interessi artistici prendono piede e inizia a riflettere seriamente sulle soluzioni plastiche necessarie per le sue proposte pittoriche. Viaggia in Italia e in Francia alla ricerca di nuovi riferimenti artistici, sia classici che contemporanei. Studia i primi due anni di Architettura e successivamente quattro anni di Arti Decorative. Dal 1976 inizia una fortunata carriera di mostre e premi artistici, a partire dalla partecipazione alla Biennale di Pontevedra, tenutasi nello stesso anno. Collabora all'Esposizione Nazionale di Pittura di Bilbao e al Circulo de Bellas Artes di Madrid. Ha esposto in varie gallerie in Galizia e in diversi Paesi americani come Brasile, Messico, Repubblica Dominicana e Argentina, oltre che in Francia e a New York.Rogelio Puente è un evocatore di atmosfere e un magnifico ritrattista. Con una personalità serena e solida, ha mantenuto fedelmente e con dignità una linea realista, pur comprendendo di vivere nell'epoca del risveglio della pittura galiziana alle innovazioni formali e a un'arte più concettuale e impegnata.

Stima 3 000 - 3 500 EUR

Lotto 43 - CARLOS MENSA CORCHETE, (Barcellona, 1936-1982). "Ritratto di donna", 1972. Olio su tela. Firmato e datato in basso a sinistra. Con etichette della Sala Pelaires (Palma di Maiorca) e della Galería Iolás-Velasco (Madrid) sul retro. Riprodotto in: BENEYTO, Antonio. Mensa. Artisti spagnoli contemporanei. Direzione Generale delle Belle Arti Ministero dell'Educazione e della Scienza. Bilbao, 1977 (con il titolo "Dorso")/e Catalogo della mostra dell'artista alla Sala Pelaires, con testo di Mario Vargas Llosa (pagina 13). Misure: 100 x 81 cm; 112,5 x 93 cm (cornice). Per la sua data di realizzazione, la presente opera si inserisce già nella fase più nota del lavoro di Carlos Mensa: gli anni '70 hanno significato nella sua carriera l'incontro, finalmente in modo definitivo, con il proprio linguaggio, molto particolare, e la sua definitiva espansione internazionale, soprattutto in Italia, nonché il crescente interesse che suscitava presso il grande pubblico e la critica. Carlos Mensa è stato un pittore autodidatta del XX secolo nei tre campi per i quali è stato riconosciuto: pittura, disegno e scultura (ad eccezione di alcuni corsi come quello seguito al Real Circolo Artistico di Barcellona verso la metà del secolo, o la borsa di studio che gli permise di andare a Parigi nel 1966). Dopo il viaggio attraverso la Guerra Civile, tornò a Barcellona nel 1950, per dedicarsi alla pittura sette anni più tardi, dopo aver visto una mostra e sotto l'impressione che gli fecero soprattutto le opere di Giorgio de Chirico. Fondatore del Grupo Síntesis con Teo Asensio ed Enrique Maas nel 1961, decide due anni dopo di dedicarsi esclusivamente alla pittura. Si è sempre distinto per il suo stile particolare, totalmente estraneo alle mode di ogni momento ma influenzato dalle avanguardie volute dall'artista, in modo da non allontanarsi dalla modernità. Viene spesso citata anche la sua perfezione tecnica, con la quale presenta opere che possono essere messe in relazione con alcuni elementi dell'Espressionismo, del Realismo, del Surrealismo, con alcuni artisti o opere importanti del passato e, spesso, una critica feroce, alla costante ricerca dell'assurdo e del corrosivo, cercando situazioni d'impatto quasi sempre estreme e un po' azzardate, quasi come allegorie in immagini, o metafore visive. Le sue opere sono state esposte a Milano, Parigi, Roma, Palma di Maiorca, Brema, Madrid, Barcellona, ecc. e sono conservate in diverse collezioni private e in importanti istituzioni come il Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofái di Madrid, il Museo d'Arte Constantino Barbella, i Musei Palazzo d'Avalos, il Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona, ecc.

Stima 4 000 - 5 000 EUR

Lotto 44 - ADD FUEL (Portogallo, 1980). Senza titolo.2020. Inchiostro gel su ceramica, stratificato. Pezzo unico. Firmato e datato sul retro. Misure: 75,5 x 75,5 cm; 82,5 x 82,5 cm (cornice). Add Fuel è l'artista visivo e illustratore portoghese Diogo Machado. Laureato in Graphic Design presso lo IADE (Istituto di Arti Visive, Design e Marketing) di Lisbona, ha trascorso alcuni anni lavorando in studi di design in Portogallo, seguiti da un soggiorno di otto mesi a Monaco (Germania). Dal 2007 si concentra esclusivamente sul suo lavoro artistico. Con il nome completo Add Fuel to the Fire, ha creato un universo visivo oscuro ma esuberante, popolato da un cast di creature viscide, eccentriche e gioiose, influenzato da una varietà di interessi che vanno dai videogiochi ai fumetti, all'animazione, alla fantascienza, ai film di serie B a basso costo, ai giocattoli di design e alla cultura visiva urbana. Nel 2008, affascinato dalle possibilità estetiche dei motivi simmetrici e delle tassellazioni, ha abbreviato il suo nome e ha iniziato a reindirizzare la sua attenzione verso la lavorazione e la reinterpretazione del linguaggio del design tradizionale delle piastrelle, in particolare della ceramica portoghese smaltata a stagno. Mescolando con disinvoltura questi due linguaggi visivi apparentemente inconciliabili, la sua pratica attuale cerca di combinare elementi decorativi tradizionali con riferimenti visivi contemporanei in nuove forme che rivelano un'impressionante complessità e una magistrale attenzione ai dettagli. Se, a prima vista, il suo lavoro in pannelli di piastrelle di piccole e medie dimensioni, murales dipinti a stencil su larga scala ed edizioni di stampe può sembrare un semplice pastiche del formalismo classico, un'analisi più attenta premia lo spettatore con un mondo caotico di motivi e personaggi inconfondibilmente originali e ricchi di ironia e umorismo. Creando equilibrio e armonia grazie a ripetizioni simmetriche, all'accumulo di strati e a tecniche di illusione visiva come il trompe-l'œil, le sue composizioni a più strati producono un ritmo poetico che gioca con la percezione e le (molteplici) possibilità di interpretazione dello spettatore. Esplorando un'ampia gamma di tecniche manuali e digitali nei campi del disegno, della pittura, della ceramica e della stampa, la sua pratica esprime un sofisticato dialogo tra vecchio e nuovo, tra patrimonio e modernità. Oltre ai numerosi interventi di arte pubblica realizzati in diversi Paesi, ha esposto le sue opere in mostre personali e collettive presso rinomate gallerie, come Underdogs Gallery (Lisbona, 2017 e 2014), Saatchi Gallery (Londra, 2017), Nuart Gallery (Stavanger, 2017), ABV Gallery (Atlanta, 2017), Colab Gallery (Weil am Rhein, 2015), Galerie SOON (Zurigo, 2013) e Pure Evil Gallery (Londra, 2012), e in occasione di importanti eventi di arte urbana come Nuart Festival (Aberdeen, 2017; Stavanger, 2016), PUBLIC'16 (Perth e Albany, 2016), Sacramento Mural Fest (Sacramento, 2016), Forgotten Project (Roma, 2015), Djerbahood (Djerba, 2014) e Tour Paris 13 (Parigi, 2013), tra i tanti.

Stima 5 000 - 6 000 EUR

Lotto 45 - EDUARDO ÚRCULO FERNÁNDEZ (Santurce, Vizcaya, 1938 - Madrid, 2003). "Los amates", 1992. Tecnica mista, gouache, acrilico e pastello su carta. Firmato in basso a destra. Firmato, datato e titolato sul retro. Misure: 130 x 122 cm; 133 x 125 cm (cornice). Pittore e scultore, uno dei migliori esponenti della pop art in Spagna, Eduardo Úrculo inizia a dipingere da bambino, senza alcuna formazione artistica, e nel 1957 pubblica le sue prime strisce illustrate sul giornale di Oviedo "La Nueva España". Poco dopo si trasferisce a Madrid e inizia a frequentare i corsi del Círculo de Bellas Artes. In questi anni si guadagna da vivere come illustratore e scenografo e coltiva una pittura improntata all'espressionismo sociale. Nel 1959 si reca a Parigi, dove approfondisce la sua formazione all'Académie de la Grande Chaumière. Nella capitale francese lavora come grafico e incontra Eduardo Westerdahl, la cui influenza fa evolvere la sua pittura verso l'astrazione. Tuttavia, quattro anni dopo torna alla figurazione e alla critica sociale. Nel 1967 compie un viaggio nel Nord Europa ed è allora che entra per la prima volta in contatto con il pop americano. Da quel momento in poi, l'opera di Úrculo sarà caratterizzata da un realismo basato su una colorazione molto vivace e, fino agli anni Settanta, da temi erotici, satirici e critici. Negli anni Ottanta vive a New York, dove realizza importanti progetti. Nel 1992 torna a Parigi. In quest'ultimo periodo aggiunge al suo repertorio il tema del viaggiatore che si confronta con la grande città moderna, variante ironica della figura del romantico sopraffatto dal paesaggio. Questa evoluzione formale è stata testimoniata dalle numerose mostre individuali che ha tenuto in tutto il mondo a partire dal 1959, nonché dalle antologie (Centro Cultural de la Villa de Madrid, 1997, e Museo del Grabado Español Contemporáneo de Marbella, 2000). Attualmente Úrculo è presente in numerosi musei e collezioni d'arte moderna, tra cui il Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, la Galleria Nazionale d'Arte Moderno di Roma, la Biblioteca Nacional de Madrid, il Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá, le collezioni AENA, Testimoni e Fundesco, il Museo del Dibujo Castillo de Larrés, il Museo de Arte Contemporáneo de Vilafamés e altri.

Stima 7 000 - 8 000 EUR

Lotto 46 - EDUARDO ARROYO (Madrid, 1937-2018). "Personaggio con cappello", 1982. Acquerello e inchiostro su carta. Firmato e datato nel margine inferiore. Misure: 30 x 19 cm; 33 x 23 cm (cornice). Pittore, scultore e incisore, Arroyo è una figura importante del movimento neofigurativista. Dopo aver iniziato la sua carriera nel giornalismo, inizia a dipingere alla fine degli anni Cinquanta, apparendo per la prima volta al Salón de Pintura Joven nel 1960. All'inizio degli anni Sessanta il suo vocabolario plastico si muove sotto l'influenza nordamericana della pop art e nel 1964 la rottura con l'arte informale diventa definitiva. Nel 1982 riceve il Premio Nazionale per le Arti Plastiche e gli vengono dedicate mostre antologiche alla Biblioteca Nazionale di Madrid e al Centro Pompidou di Parigi. Attualmente Arroyo è rappresentato, tra gli altri, al Museo Nacional Reina Sofía di Madrid, al Patio Herreriano di Valladolid, al Museo de Bellas Artes di Bilbao, all'Hirshhorn Museum and Sculpture Garden di Washington D.C. e al Museo de Arte Moderno di Lille (Francia).

Stima 1 200 - 1 400 EUR

Lotto 47 - EDUARDO ARROYO (Madrid, 1937-2018). "Scarpe, sigari e sigaro", 1977. Collage su carta. Firmato e datato in basso a destra. Misure: 40 x 50 cm; 49 x 58 cm (cornice). Pittore, scultore e incisore, Arroyo è una figura importante del movimento neofigurativista. Dopo aver iniziato la sua carriera nel giornalismo, inizia a dipingere alla fine degli anni Cinquanta, apparendo per la prima volta al Salón de Pintura Joven nel 1960. All'inizio degli anni Sessanta il suo vocabolario plastico si muove sotto l'influenza nordamericana della pop art e nel 1964 la rottura con l'arte informale diventa definitiva. Nel 1982 riceve il Premio Nazionale per le Arti Plastiche e gli vengono dedicate mostre antologiche alla Biblioteca Nazionale di Madrid e al Centro Pompidou di Parigi. Attualmente Arroyo è rappresentato, tra gli altri, al Museo Nacional Reina Sofía di Madrid, al Patio Herreriano di Valladolid, al Museo de Bellas Artes di Bilbao, all'Hirshhorn Museum and Sculpture Garden di Washington D.C. e al Museo de Arte Moderno di Lille (Francia).

Stima 2 500 - 3 000 EUR

Lotto 48 - MANOLO VALDÉS (Valencia, 1942). "Las Meninas", 1984. Tappeto disegnato dall'artista. Lana vergine. 100% pura. Esemplare 82/125. Ha un'etichetta sul retro e una firma autografa. Misure: 170 x 240 cm. Manolo Valdés ha realizzato nel corso della sua carriera disegni esclusivi per la realizzazione di tappeti anche collaborando con la Real Fabbrica di Arazzi. In questo caso particolare, il tappeto, che appartiene a una serie di 125 esemplari, presenta il disegno dell'artista valenciano, ricreato in lana vergine. Il pezzo ha lo stile personale e irriverente di Valdés che reinterpreta i miti avvicinandosi a figure come Picasso e Velázquez, che in quest'opera sono evidenti attraverso la figura della Menina. Anche se la composizione e l'estetica sono vicine all'opera "Danze della paura" di Paul Klee. Manolo Valdés ha introdotto in Spagna una forma di espressione artistica che unisce l'impegno politico e sociale all'umorismo e all'ironia. La sua formazione inizia nel 1957, quando entra nella Scuola di Belle Arti San Carlos di Valencia. Tuttavia, due anni dopo abbandona gli studi per dedicarsi completamente alla pittura. Nel 1964 fonda il gruppo artistico Equipo Crónica, insieme a Juan Antonio Toledo e Rafael Solbes, nel quale rimane fino alla morte di quest'ultimo nel 1981, nonostante Toledo avesse lasciato il gruppo due anni dopo la sua fondazione. Da allora si è stabilito a New York, dove attualmente risiede e dove ha continuato a sperimentare nuove forme espressive, tra cui la scultura. Tra i numerosi riconoscimenti che Manolo Valdés ha ricevuto ci sono i premi Lissone e Biella di Milano, la medaglia d'argento della II Biennale Internazionale di Incisione di Tokyo, il premio del Bridgestone Art Museum di Lisbona, il Premio Nazionale di Arti Plastiche, la medaglia del Festival Internazionale degli Artisti Plastici di Baghdad, la Decorazione dell'Ordine di Andres Bello in Venezuela, il premio del Consiglio Nazionale di Monaco, la Medaglia d'Oro al Merito delle Belle Arti, il Premio dell'Associazione Spagnola dei Critici d'Arte e il Premio al Miglior Artista della Stampa, tra gli altri. Formalmente, Valdés crea un'opera di grande formato in cui luci e colori esprimono valori tattili, grazie al trattamento riservato ai materiali. Il suo lavoro costringe lo spettatore a scavare nella memoria e a cercare immagini significative della storia dell'arte. Valdés è presente in alcuni dei più importanti musei del mondo, come il Reina Sofía di Madrid, il Metropolitan, il MoMA e il Guggenheim di New York, il Centro Georges Pompidou e il Fons National d'Arts Plastiques di Parigi, la Kusnthalle di Amburgo, il Kunstmuseum di Berlino e il Museo de Bellas Artes di Bilbao, oltre a molti altri.

Stima 2 500 - 3 000 EUR

Lotto 49 - ALBERT RÀFOLS CASAMADA (Barcellona, 1923 - 2009). "Trasparenza", 2004. Acrilico su tela. Firmato e datato nell'angolo inferiore sinistro. Firmato, datato e titolato sul retro. Misure: 146 x 97 cm. Ràfols Casamada ha parlato della sua necessità di "rompere lo spazio e ricomporlo per mezzo di macchie di colore, distribuirle quasi a caso e ottenere, per mezzo del colore, che siano sostenute e correlate" (Testimonianza di un pittore, 1985). Il dipinto qui presentato è un resoconto di questa ricerca di purificazione intellettuale. Ràfols Casamada sottopone il dipinto a un gioco tensionale apparentemente casuale tra campo cromatico, vuoto, macchia e gesto. In questa tela, l'astrazione lirica pulsa con impeto nonostante la base concettuale sottostante. Riecheggia una felice risoluzione tra complessità intellettuale e semplicità plastica, tra trascendenza e immanenza. Pittore, pedagogo, scrittore e grafico, Ràfols Casamada gode oggi di grande prestigio internazionale. Si avvicina al mondo del disegno e della pittura con il padre, Albert Ràfols Cullerés. Nel 1942 inizia a studiare architettura, che però abbandona presto per dedicarsi alle arti plastiche. L'influenza paterna post-impressionista e il suo particolare cézannismo segnano le opere presentate nella sua prima mostra, tenutasi nel 1946 presso le gallerie Pictòria di Barcellona, dove espone con il gruppo Els Vuit. Successivamente, elaborerà un'astrazione poetica, amorfa nella sua configurazione, libera e intelligente, frutto di una lenta gestazione e basata su ambienti, temi, oggetti o grafici della vita quotidiana. Ràfols Casamada lavora con questi frammenti di realtà, di vita, in un processo di sfigurazione, giocando con le connotazioni, i valori plastici e la ricchezza visiva delle possibili diverse letture, nel tentativo di fissare la transitorietà della realtà. Nel 1950 ottiene una borsa di studio per recarsi in Francia e si stabilisce a Parigi fino al 1954. Qui conosce la pittura figurativa post-cubista e l'opera di Picasso, Matisse, Braque e Miró, tra gli altri. Queste influenze si uniscono nella sua pittura a quelle dell'espressionismo astratto americano, che si sviluppa nello stesso periodo. Tornato finalmente a Barcellona, intraprese un proprio percorso artistico, con uno stile caratterizzato da eleganza compositiva, basato su strutture ortogonali combinate con un cromatismo emotivo e luminoso. Dopo aver mostrato un interessante rapporto, negli anni Sessanta e Settanta, con il neo-dada e il nuovo realismo, il suo lavoro si è concentrato su valori puramente pittorici: campi di colore in armonia espressiva su cui spiccano linee gestuali a carboncino. Ha ricevuto numerosi riconoscimenti, come il Premio Nazionale delle Arti Plastiche del Ministero della Cultura nel 1980, il Creu de Sant Jordi nel 1982 e il Premio de las Artes de la CEOE nel 1991. Nel 1985 è stato nominato Cavaliere dell'Ordine delle Arti e delle Lettere di Francia ed è membro onorario dell'Accademia Reale di Belle Arti di San Fernando a Madrid. Nel 2003 la Generalitat gli ha conferito il Premio Nazionale di Arti Visive della Catalogna e nel 2009, appena due mesi prima della sua morte, il Grup 62 gli ha reso omaggio presso il Museo Nazionale d'Arte della Catalogna. Le sue opere si trovano nei più importanti musei del mondo: il Reina Sofia di Madrid, il Guggenheim e il MOMA di New York, il Museum of Modern Art di Los Angeles, il Museo Picasso in Francia, il Georges Pompidou di Parigi, il British Museum e la Tate Gallery di Londra, tra i tanti.

Stima 7 000 - 8 000 EUR

Lotto 50 - ALBERT RÀFOLS CASAMADA (Barcellona, 1923 - 2009). "Reflex", 1974. Acrilico su tela. Firmato e datato in basso a destra e sul retro. Misure: 100 x 81 cm; 102,5 x 83,5 cm (cornice). Ràfols Casamada ha parlato della sua necessità di "rompere lo spazio e ricomporlo per mezzo di macchie di colore, distribuirle quasi a caso e ottenere, per mezzo del colore, che siano sostenute e correlate" (Testimonianza di un pittore, 1985). Il dipinto qui presentato è un resoconto di questa ricerca di purificazione intellettuale. Ràfols Casamada sottopone il dipinto a un gioco tensionale apparentemente casuale tra campo cromatico, vuoto, macchia e gesto. In questa tela, l'astrazione lirica pulsa con impeto nonostante la base concettuale sottostante. Riecheggia una felice risoluzione tra complessità intellettuale e semplicità plastica, tra trascendenza e immanenza. Pittore, pedagogo, scrittore e grafico, Ràfols Casamada gode oggi di grande prestigio internazionale. Si avvicina al mondo del disegno e della pittura con il padre, Albert Ràfols Cullerés. Nel 1942 inizia a studiare architettura, che però abbandona presto per dedicarsi alle arti plastiche. L'influenza paterna post-impressionista e il suo particolare cézannismo segnano le opere presentate nella sua prima mostra, tenutasi nel 1946 presso le gallerie Pictòria di Barcellona, dove espone con il gruppo Els Vuit. Successivamente, elaborerà un'astrazione poetica, amorfa nella sua configurazione, libera e intelligente, frutto di una lenta gestazione e basata su ambienti, temi, oggetti o grafici della vita quotidiana. Ràfols Casamada lavora con questi frammenti di realtà, di vita, in un processo di sfigurazione, giocando con le connotazioni, i valori plastici e la ricchezza visiva delle possibili diverse letture, nel tentativo di fissare la transitorietà della realtà. Nel 1950 ottiene una borsa di studio per recarsi in Francia e si stabilisce a Parigi fino al 1954. Qui conosce la pittura figurativa post-cubista e l'opera di Picasso, Matisse, Braque e Miró, tra gli altri. Queste influenze si uniscono nella sua pittura a quelle dell'espressionismo astratto americano, che si sviluppa nello stesso periodo. Tornato finalmente a Barcellona, intraprese un proprio percorso artistico, con uno stile caratterizzato da eleganza compositiva, basato su strutture ortogonali combinate con un cromatismo emotivo e luminoso. Dopo aver mostrato un interessante rapporto, negli anni Sessanta e Settanta, con il neo-dada e il nuovo realismo, il suo lavoro si è concentrato su valori puramente pittorici: campi di colore in armonia espressiva su cui spiccano linee gestuali a carboncino. Ha ricevuto numerosi riconoscimenti, come il Premio Nazionale delle Arti Plastiche del Ministero della Cultura nel 1980, il Creu de Sant Jordi nel 1982 e il Premio de las Artes de la CEOE nel 1991. Nel 1985 è stato nominato Cavaliere dell'Ordine delle Arti e delle Lettere di Francia ed è membro onorario dell'Accademia Reale di Belle Arti di San Fernando a Madrid. Nel 2003 la Generalitat gli ha conferito il Premio Nazionale di Arti Visive della Catalogna e nel 2009, appena due mesi prima della sua morte, il Grup 62 gli ha reso omaggio presso il Museo Nazionale d'Arte della Catalogna. Le sue opere si trovano nei più importanti musei del mondo: il Reina Sofia di Madrid, il Guggenheim e il MOMA di New York, il Museum of Modern Art di Los Angeles, il Museo Picasso in Francia, il Georges Pompidou di Parigi, il British Museum e la Tate Gallery di Londra, tra i tanti.

Stima 8 000 - 9 000 EUR

Lotto 51 - ALBERT RÀFOLS CASAMADA (Barcellona, 1923 - 2009). "Casa solitària", 2000. Acrilico su tela. Firmato e datato in basso a destra. Firmato, datato e titolato sul retro. Misure: 73 x 93 cm. Ràfols Casamada ha parlato della sua necessità di "rompere lo spazio e ricomporlo per mezzo di macchie di colore, distribuirle quasi a caso e ottenere, per mezzo del colore, che siano sostenute e correlate" (Testimonianza di un pittore, 1985). Il dipinto qui presentato è un resoconto di questa ricerca di purificazione intellettuale. Ràfols Casamada sottopone il dipinto a un gioco tensionale apparentemente casuale tra campo cromatico, vuoto, macchia e gesto. In questa tela, l'astrazione lirica pulsa con impeto nonostante la base concettuale sottostante. Riecheggia una felice risoluzione tra complessità intellettuale e semplicità plastica, tra trascendenza e immanenza. Pittore, pedagogo, scrittore e grafico, Ràfols Casamada gode oggi di grande prestigio internazionale. Si avvicina al mondo del disegno e della pittura con il padre, Albert Ràfols Cullerés. Nel 1942 inizia a studiare architettura, che però abbandona presto per dedicarsi alle arti plastiche. L'influenza paterna post-impressionista e il suo particolare cézannismo segnano le opere presentate nella sua prima mostra, tenutasi nel 1946 presso le gallerie Pictòria di Barcellona, dove espone con il gruppo Els Vuit. Successivamente, elaborerà un'astrazione poetica, amorfa nella sua configurazione, libera e intelligente, frutto di una lenta gestazione e basata su ambienti, temi, oggetti o grafici della vita quotidiana. Ràfols Casamada lavora con questi frammenti di realtà, di vita, in un processo di sfigurazione, giocando con le connotazioni, i valori plastici e la ricchezza visiva delle possibili diverse letture, nel tentativo di fissare la transitorietà della realtà. Nel 1950 ottiene una borsa di studio per recarsi in Francia e si stabilisce a Parigi fino al 1954. Qui conosce la pittura figurativa post-cubista e l'opera di Picasso, Matisse, Braque e Miró, tra gli altri. Queste influenze si uniscono nella sua pittura a quelle dell'espressionismo astratto americano, che si sviluppa nello stesso periodo. Tornato finalmente a Barcellona, intraprese un proprio percorso artistico, con uno stile caratterizzato da eleganza compositiva, basato su strutture ortogonali combinate con un cromatismo emotivo e luminoso. Dopo aver mostrato un interessante rapporto, negli anni Sessanta e Settanta, con il neo-dada e il nuovo realismo, il suo lavoro si è concentrato su valori puramente pittorici: campi di colore in armonia espressiva su cui spiccano linee gestuali a carboncino. Ha ricevuto numerosi riconoscimenti, come il Premio Nazionale delle Arti Plastiche del Ministero della Cultura nel 1980, il Creu de Sant Jordi nel 1982 e il Premio de las Artes de la CEOE nel 1991. Nel 1985 è stato nominato Cavaliere dell'Ordine delle Arti e delle Lettere di Francia ed è membro onorario dell'Accademia Reale di Belle Arti di San Fernando a Madrid. Nel 2003 la Generalitat gli ha conferito il Premio Nazionale di Arti Visive della Catalogna e nel 2009, appena due mesi prima della sua morte, il Grup 62 gli ha reso omaggio presso il Museo Nazionale d'Arte della Catalogna. Le sue opere si trovano nei più importanti musei del mondo: il Reina Sofia di Madrid, il Guggenheim e il MOMA di New York, il Museum of Modern Art di Los Angeles, il Museo Picasso in Francia, il Georges Pompidou di Parigi, il British Museum e la Tate Gallery di Londra, tra i tanti.

Stima 7 500 - 8 000 EUR

Lotto 52 - ALBERT RÀFOLS CASAMADA (Barcellona, 1923 - 2009). "Segni", 1990. Acrilico su tela. Firmato e datato in basso a destra. Firmato, datato e titolato sul retro. Misure: 89 x 116 cm. Ràfols Casamada ha parlato della sua necessità di "rompere lo spazio e ricomporlo per mezzo di macchie di colore, distribuirle quasi a caso e ottenere, per mezzo del colore, che siano sostenute e correlate" (Testimonianza di un pittore, 1985). Il dipinto qui presentato è un resoconto di questa ricerca di purificazione intellettuale. Ràfols Casamada sottopone il dipinto a un gioco tensionale apparentemente casuale tra campo cromatico, vuoto, macchia e gesto. In questa tela, l'astrazione lirica pulsa con impeto nonostante la base concettuale sottostante. Riecheggia una felice risoluzione tra complessità intellettuale e semplicità plastica, tra trascendenza e immanenza. Pittore, pedagogo, scrittore e grafico, Ràfols Casamada gode oggi di grande prestigio internazionale. Si avvicina al mondo del disegno e della pittura con il padre, Albert Ràfols Cullerés. Nel 1942 inizia a studiare architettura, che però abbandona presto per dedicarsi alle arti plastiche. L'influenza paterna post-impressionista e il suo particolare cézannismo segnano le opere presentate nella sua prima mostra, tenutasi nel 1946 presso le gallerie Pictòria di Barcellona, dove espone con il gruppo Els Vuit. Successivamente, elaborerà un'astrazione poetica, amorfa nella sua configurazione, libera e intelligente, frutto di una lenta gestazione e basata su ambienti, temi, oggetti o grafici della vita quotidiana. Ràfols Casamada lavora con questi frammenti di realtà, di vita, in un processo di sfigurazione, giocando con le connotazioni, i valori plastici e la ricchezza visiva delle possibili diverse letture, nel tentativo di fissare la transitorietà della realtà. Nel 1950 ottiene una borsa di studio per recarsi in Francia e si stabilisce a Parigi fino al 1954. Qui conosce la pittura figurativa post-cubista e l'opera di Picasso, Matisse, Braque e Miró, tra gli altri. Queste influenze si uniscono nella sua pittura a quelle dell'espressionismo astratto americano, che si sviluppa nello stesso periodo. Tornato finalmente a Barcellona, intraprese un proprio percorso artistico, con uno stile caratterizzato da eleganza compositiva, basato su strutture ortogonali combinate con un cromatismo emotivo e luminoso. Dopo aver mostrato un interessante rapporto, negli anni Sessanta e Settanta, con il neo-dada e il nuovo realismo, il suo lavoro si è concentrato su valori puramente pittorici: campi di colore in armonia espressiva su cui spiccano linee gestuali a carboncino. Ha ricevuto numerosi riconoscimenti, come il Premio Nazionale delle Arti Plastiche del Ministero della Cultura nel 1980, il Creu de Sant Jordi nel 1982 e il Premio de las Artes de la CEOE nel 1991. Nel 1985 è stato nominato Cavaliere dell'Ordine delle Arti e delle Lettere di Francia ed è membro onorario dell'Accademia Reale di Belle Arti di San Fernando a Madrid. Nel 2003 la Generalitat gli ha conferito il Premio Nazionale di Arti Visive della Catalogna e nel 2009, appena due mesi prima della sua morte, il Grup 62 gli ha reso omaggio presso il Museo Nazionale d'Arte della Catalogna. Le sue opere si trovano nei più importanti musei del mondo: il Reina Sofia di Madrid, il Guggenheim e il MOMA di New York, il Museum of Modern Art di Los Angeles, il Museo Picasso in Francia, il Georges Pompidou di Parigi, il British Museum e la Tate Gallery di Londra, tra i tanti.

Stima 7 000 - 7 500 EUR

Lotto 53 - ANTONI CLAVÉ I SANMARTÍ (Barcellona, 1913 - Saint Tropez, Francia, 2005). "Segni", 1986. Tecnica mista (inchiostro e acrilico) e collage su carta. Firmato e datato in basso a destra. Provenienza: Galleria CRG, New York. Misure: 70 x 59 cm; 87 x 75 cm (cornice). Antoni Clavé è una delle figure più rilevanti dell'arte contemporanea spagnola. Formatosi alla Escuela de Bellas Artes de San Jordi di Barcellona, Clavé si dedica inizialmente alla grafica pubblicitaria, all'illustrazione e alle arti decorative. Nel 1936 partecipa attivamente alla guerra civile, nelle file repubblicane, che lo porta ad andare in esilio in Francia alla fine della guerra. Nello stesso anno, il 1939, espone i disegni realizzati sui campi di battaglia. Si stabilisce a Parigi, dove incontra Vuillard, Bonnard e Picasso. Godeva già di un grande prestigio internazionale quando iniziò a essere riconosciuto in Spagna, dopo la sua mostra alla Galleria Gaspar di Barcellona nel 1956. Nello stesso periodo realizza le illustrazioni per l'opera "Gargantua e Pantagruel", che lo portano a familiarizzare con l'iconografia medievale. Viene premiato all'Hallimark di New York nel 1948, alla Biennale di Venezia nel 1954 e alla Biennale Internazionale di Tokyo nel 1957. Nel 1984 lo Stato spagnolo ha riconosciuto il suo valore artistico con l'esposizione di oltre cento sue opere nel padiglione spagnolo della Biennale di Venezia. Nello stesso anno gli è stata conferita la Medaglia d'Oro della Generalitat de Catalunya. Le opere di Clavé si trovano, tra l'altro, al Museo delle Belle Arti di Bilbao, alla Tate Gallery, al Museo d'Arte Moderna di Parigi, al British Museum di Londra, al Museo d'Arte Moderna di Tokyo e al Museo Reina Sofía di Madrid.

Stima 7 000 - 7 500 EUR

Lotto 54 - ANTONI TÀPIES PUIG (Barcellona, 1923 - 2012). "Suite Catalana, Las estampas de la cometa". Incisione all'acquatinta, copia 3/75. Editorial Gustavo Gili, S.A., Barcellona, 1972. Firmata e giustificata a mano. Misure: 77 x 101 cm. Antoni Tàpies inizia all'arte durante la lunga convalescenza di una malattia polmonare. Progressivamente si dedicherà con maggiore intensità al disegno e alla pittura, e infine abbandonerà gli studi di Giurisprudenza per dedicarsi completamente all'arte. Cofondatore di "Dau al Set" nel 1948, inizia a esporre nei Salones de Octubre di Barcellona e nel Salón de los Once di Madrid nel 1949. Dopo la sua prima mostra individuale nelle Gallerie Layetanas, nel 1950 si reca a Parigi, con una borsa di studio dell'Istituto Francese. In questi anni inizia la sua partecipazione alla Biennale di Venezia, espone nuovamente alle Layetanas e, dopo una mostra a Chicago, nel 1953 tiene una personale alla galleria newyorkese di Martha Jackson. Da quel momento in poi le sue mostre, sia collettive che personali, si tengono in tutto il mondo, in importanti gallerie e musei come il Guggenheim di New York e il Museo d'Arte Moderna di Parigi. A partire dagli anni Settanta, gli sono state dedicate antologiche a Tokyo (1976), New York (1977 e 2005), Roma (1980), Amsterdam (1980), Madrid (1980), Venezia (1982), Milano (1985), Vienna (1986) e Bruxelles (1986). Autodidatta, Tàpies ha creato un proprio stile nell'ambito dell'arte d'avanguardia del XX secolo, combinando tradizione e innovazione in uno stile astratto ma ricco di simbolismo, dando grande rilevanza al substrato materiale dell'opera. Vale la pena menzionare il marcato senso spirituale dato dall'artista al suo lavoro, dove il supporto materiale trascende il suo stato per significare una profonda analisi della condizione umana. L'opera di Tàpies è stata molto apprezzata a livello internazionale ed è stata esposta nei più prestigiosi musei del mondo. Nel corso della sua carriera ha ricevuto numerosi premi e riconoscimenti, tra cui il Praemium Imperiale del Giappone, il Premio Nazionale della Cultura, il Gran Premio per la Pittura in Francia, la Fondazione Wolf delle Arti (1981), la Medaglia d'Oro della Generalitat de Catalunya (1983), il Premio Principe delle Asturie per le Arti (1990), la Medaglia Picasso dell'Unesco (1993) e il Premio Velázquez per le Arti Plastiche (2003). Grande difensore della cultura catalana, di cui è profondamente impregnato, Tàpies è un grande ammiratore dello scrittore mistico Ramón Llull, nonché del romanico catalano e dell'architettura di Gaudí. Allo stesso tempo, apprezza l'arte e la filosofia orientali che, come il suo lavoro, sfumano il confine tra materia e spirito, tra uomo e natura. Influenzato dal buddismo, nei suoi dipinti mostra come il dolore, sia fisico che spirituale, sia insito nella vita. Antoni Tàpies è presente nei principali musei del mondo, come la fondazione che porta il suo nome a Barcellona, il Reina Sofía di Madrid, il Guggenheim di Berlino, Bilbao e New York, il Fukoka Art Museum in Giappone, il MoMA di New York e la Tate Gallery di Londra.

Stima 1 200 - 1 500 EUR

Lotto 55 - ANTONI TÀPIES PUIG (Barcellona, 1923 - 2012). "Infromal", 1987. Acquatinta e carborundum con vari inchiostri (3 grigi, nero, beige, bianco), copia H.C. Firmato e giustificato a mano. Misure: 82 x 69 cm; 87 x 173,5 cm (cornice). La croce e il numero 8, due motivi ricorrenti nell'opera di Tàpies, simboli rispettivamente della spiritualità e dell'infinito, ricompaiono in questa incisione in vari inchiostri. Cofondatore di "Dau al Set" nel 1948, Tàpies inizia a esporre nei Salones de Octubre di Barcellona e nel Salón de los Once di Madrid nel 1949. Dopo la prima mostra personale alle Gallerie Layetanas, nel 1950 si reca a Parigi con una borsa di studio dell'Istituto Francese. Nel 1953 tiene una mostra personale alla galleria newyorkese di Martha Jackson. Da quel momento in poi, le sue mostre, sia collettive che individuali, si tengono in tutto il mondo, in gallerie e musei di rilievo come il Guggenheim di New York o il Museo d'Arte Moderna di Parigi. A partire dagli anni Settanta, gli sono state dedicate antologie a Tokyo (1976), New York (1977 e 2005), Roma (1980), Amsterdam (1980), Madrid (1980), Venezia (1982), Milano (1985), Vienna (1986) e Bruxelles (1986). Autodidatta, Tàpies ha creato un proprio stile nell'ambito dell'arte d'avanguardia del XX secolo, combinando tradizione e innovazione in uno stile astratto ma ricco di simbolismo, dando grande rilevanza al substrato materiale dell'opera. Vale la pena menzionare il marcato senso spirituale dato dall'artista al suo lavoro, dove il supporto materiale trascende il suo stato per significare una profonda analisi della condizione umana. L'opera di Tàpies è stata molto apprezzata a livello internazionale ed è stata esposta nei più prestigiosi musei del mondo. Nel corso della sua carriera ha ricevuto numerosi premi e riconoscimenti, tra cui il Praemium Imperiale del Giappone, il Premio Nazionale della Cultura, il Gran Premio per la Pittura in Francia, la Fondazione Wolf delle Arti (1981), la Medaglia d'Oro della Generalitat de Catalunya (1983), il Premio Principe delle Asturie per le Arti (1990), la Medaglia Picasso dell'Unesco (1993) e il Premio Velázquez per le Arti Plastiche (2003). Grande difensore della cultura catalana, di cui è profondamente impregnato, Tàpies è un grande ammiratore dello scrittore mistico Ramón Llull, nonché del romanico catalano e dell'architettura di Gaudí. Allo stesso tempo, apprezza l'arte e la filosofia orientali che, come il suo lavoro, sfumano il confine tra materia e spirito, tra uomo e natura. Influenzato dal buddismo, nei suoi dipinti mostra come il dolore, sia fisico che spirituale, sia insito nella vita. Antoni Tàpies è presente nei principali musei del mondo, come la fondazione che porta il suo nome a Barcellona, il Reina Sofía di Madrid, il Guggenheim di Berlino, Bilbao e New York, il Fukoka Art Museum in Giappone, il MoMA di New York e la Tate Gallery di Londra.

Stima 3 500 - 4 000 EUR

Lotto 56 - JORDI TEIXIDOR (Valencia, 1941). Senza titolo, 1978. Olio, gouache e matita su carta. Firmato a matita nella zona centrale inferiore. Misure: 63 x 49,5 cm; 71 x 56,5 x cm (cornice). Quest'opera è stata realizzata appena un anno prima che Teixidor si trasferisse a New York (1979-1982), anche se in precedenza, nel 1973, aveva già viaggiato nella città americana che aveva avuto un impatto diretto sullo sviluppo del suo lavoro. L'influenza di autori come Rothko, Reinhardt e Barnett Newman ha influenzato il gusto di Teixidor per la purificazione formale dello stile, visibile in questo dipinto dove si possono apprezzare anche echi della pittura di Agnes Martin. Jordi Teixidor si è formato alla Escuela Superior de Bellas Artes de Valencia tra il 1959 e il 1964 e, tra i vari riconoscimenti, è stato eletto Accademico dell'Accademia Reale di Belle Arti di San Fernando a Madrid e ha ricevuto il Premio Nazionale di Arti Plastiche nel 2014. Tra i più prestigiosi artisti astratti spagnoli, Teixidor ha esposto individualmente e collettivamente soprattutto in Europa e in America (Barcellona, Valencia, Madrid, Granada, Siviglia, San Sebastian, Vallauris in Francia, Düsseldorf, San Francisco, Città del Messico, New York, Santiago del Cile, ecc. Nel 1997 il Santa Monica Center e il Guggenheim Museum di New York gli hanno dedicato un'importante retrospettiva. Attualmente le sue opere sono conservate in numerose collezioni private in tutto il mondo e in importanti istituzioni (Guggenheim Museum di New York, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía di Madrid, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando nella stessa città, Museo Patio Herreriano di Valladolid, Coca-Cola Foundation, Chase Manhattan Bank di New York, Fundación Juan March di Madrid, San Francisco Museum of Modern Art in California, Museo Salvador Allende di Santiago del Cile e il Berkeley Art Museum dell'Università della California negli Stati Uniti, tra gli altri).

Stima 1 500 - 1 800 EUR

Lotto 57 - JORGE CASTILLO CASALDERREY (Pontevedra, 1933). "Vogels", 1970, periodo berlinese. Olio su tela. Firmato e datato in basso a sinistra. Con etichetta sul retro della Galleria Levy. Misure: 150 x 150 cm. È un dipinto della Galleria Levy. Si tratta di una delle opere più interessanti di Jorge Castillo, poiché è stata realizzata durante il processo di transizione da Berlino a New York, essendo la sua prima opera in cui compaiono i grattacieli di New York che avrebbe poi riprodotto nelle sue opere. È una delle opere più interessanti di Jorge Castillo, per il fatto di essere stata realizzata durante il processo di transizione da Berlino a New York. Fin da bambino, Jorge Castillo ha avuto la passione per il disegno e all'età di dieci anni ha realizzato la sua prima copia di Rubens con matite colorate. Secondo Castillo, la pittura di Rubens gli ha insegnato a comprendere il cubismo di Braque e Picasso. La sua famiglia emigrò a Buenos Aires l'anno in cui il pittore nacque, ma tornò in Europa nel 1955. Tentò di andare a Parigi, ma per mancanza di risorse finanziarie si stabilì in Spagna. Dopo essere passato per Vigo, nel 1955 si stabilisce a Madrid, dove entra presto in contatto con il critico d'arte José María Moreno Galván, che ammira il suo lavoro e lo introduce negli ambienti artistici madrileni. Nel 1958 inizia a vendere i suoi disegni alla galleria Biosca e lo stesso pittore Antonio Saura ne acquista alcuni. L'anno successivo espone le sue opere su carta e gli acquerelli alla galleria Altamira di Madrid. A poco a poco inizia a scegliere la tecnica dell'incisione, che diventerà infine il suo principale mezzo di espressione, pur alternandola alla pittura. Nel 1960 viene selezionato per la Biennale di San Paolo in Brasile. Da allora espone le sue opere a livello internazionale, in gallerie e musei di New York, San Francisco, Tokyo, Parigi, Lisbona, Torino, Hannover, Düsseldorf e Ginevra. Partecipa alla Biennale di Venezia nel 1964 e nel 1976 e nel 1970 tiene una mostra personale alla Nationalgalerie di Berlino, la prima grande esposizione museale dedicata a un periodo specifico della sua carriera. Ha vinto premi come l'International Drawing (1964) e Painting (1975) di Darmstadt, il Ciudad de Pontevedra (1994) e il Cultura Viva de las Artes Plásticas (2006). Attualmente vive e lavora a Soho, New York. Opere di Jorge Castillo sono presenti, tra gli altri, al Museo di Belle Arti di Losanna, alla Fondazione Juan March, alle Gallerie Nazionali di Edimburgo e Berlino, ai Musei d'Arte Moderna di San Francisco e Vitoria, alla Kunsthalle di Brema, all'Albertina di Vienna, alla Biblioteca Nazionale di Spagna e al Guggenheim di New York.

Stima 7 000 - 7 500 EUR

Lotto 58 - JORGE CASTILLO CASALDERREY (Pontevedra, 1933). Senza titolo. Olio su tela. Firmato in basso a destra. Misure: 65 x 54 cm. Figlio di emigrati spagnoli in Argentina, Jorge Castillo torna in Spagna nel 1957. Viene introdotto negli ambienti artistici di Madrid e nel 1958 inizia a vendere i suoi disegni nella galleria Biosca. A poco a poco, inizia a scegliere la tecnica dell'incisione, che alla fine diventa il suo principale mezzo di espressione, anche se la alterna alla pittura. Nel 1960 viene selezionato per la Biennale di San Paolo in Brasile. Da allora espone a livello internazionale, in gallerie e musei di New York, San Francisco, Tokyo, Parigi, Lisbona, Torino, Hannover, Düsseldorf e Ginevra. Partecipa alla Biennale di Venezia nel 1964 e nel 1976 e nel 1970 tiene una mostra personale alla Nationalgalerie di Berlino, la prima grande mostra museale dedicata a un periodo specifico della sua carriera. Ha vinto premi come il Premio Internazionale di Disegno e Pittura di Darmstadt, il Premio Città di Pontevedra e il Premio Cultura Viva de las Artes Plásticas. È rappresentato dal Museo di Belle Arti di Losanna, dalla Fondazione Juan March, dalle Gallerie Nazionali di Edimburgo e Berlino, dai Musei d'Arte Moderna di San Francisco e Vitoria, dalla Kunsthalle di Brema, dall'Albertina di Vienna, dalla Biblioteca Nazionale di Spagna e dal Guggenheim di New York, tra gli altri.

Stima 800 - 900 EUR

Lotto 59 - JORGE CASTILLO CASALDERREY (Pontevedra, 1933). "Ancora la notte", 2012 Acrilico su tela. Firmato in basso a sinistra. Datato e intitolato sul retro. Misure: 65 x 54 cm. Figlio di emigrati spagnoli in Argentina, Jorge Castillo torna in Spagna nel 1957. Viene introdotto negli ambienti artistici di Madrid e nel 1958 inizia a vendere i suoi disegni nella galleria Biosca. A poco a poco, inizia a scegliere la tecnica dell'incisione, che alla fine diventa il suo principale mezzo di espressione, anche se la alterna alla pittura. Nel 1960 viene selezionato per la Biennale di San Paolo in Brasile. Da allora espone a livello internazionale, in gallerie e musei di New York, San Francisco, Tokyo, Parigi, Lisbona, Torino, Hannover, Düsseldorf e Ginevra. Partecipa alla Biennale di Venezia nel 1964 e nel 1976 e nel 1970 tiene una mostra personale alla Nationalgalerie di Berlino, la prima grande mostra museale dedicata a un periodo specifico della sua carriera. Ha vinto premi come il Premio Internazionale di Disegno e Pittura di Darmstadt, il Premio Città di Pontevedra e il Premio Cultura Viva de las Artes Plásticas. È rappresentato dal Museo di Belle Arti di Losanna, dalla Fondazione Juan March, dalle Gallerie Nazionali di Edimburgo e Berlino, dai Musei d'Arte Moderna di San Francisco e Vitoria, dalla Kunsthalle di Brema, dall'Albertina di Vienna, dalla Biblioteca Nazionale di Spagna e dal Guggenheim di New York, tra gli altri.

Stima 800 - 900 EUR

Lotto 60 - JOSEP MARIA RIERA I ARAGÓ (Barcellona, 1954). Senza titolo, 1998. Tecnica mista su carta. Firmato e datato nel margine inferiore. Misure: 122 x 67 cm; 135 x 89,5 cm (cornice). Pittore e scultore, Josep Riera i Aragó si è formato alla Scuola Superiore di Belle Arti di Barcellona. Ha fatto il suo debutto individuale nel 1981, presso la galleria Artema di Barcellona. Due anni dopo ha partecipato al Salón de Otoño della stessa città e da allora ha esposto in tutto il mondo, in importanti gallerie in Spagna, Messico, Olanda, Israele, Germania, Belgio, Francia, Lussemburgo, Svizzera, Colombia e Stati Uniti. Le sue mostre personali si sono tenute, tra l'altro, al Museo di Ceret (Francia, 1989), alla Biblioteca Nazionale di Parigi (1993), al Museo d'Arte Moderna di Oostende (Belgio, 1997), alla Joan Prats Gallery di New York (1998), alla Tassende Gallery di Los Angeles (2003) e al Museo di Aalst in Belgio (2006). Dal 1983 Riera i Aragó ha sviluppato il suo discorso plastico intorno al macchinismo, con un linguaggio simbolico segnato dall'interesse per i trasporti aerei e marittimi, che contempla decontestualizzati, separati dalla loro funzione originaria. Allo stesso tempo, il suo linguaggio plastico si è arricchito con l'approfondimento del dialogo linea/piano e vuoto/pieno. Mai ripetitiva, ogni "macchina" che crea evoca, senza pathos o condiscendenza, una visione chiara e completa dell'umanità. Con un vocabolario visivo limitato a forme semplici che ricordano gli zeppelin, i sottomarini o gli aerei, Riera i Aragó sviluppa un'iconografia fertile e carica di significato che, dotata di una chiara ironia, parla dell'assurda incoscienza delle creazioni dell'uomo e della giustizia poetica che ne deriva quando queste creazioni si rivoltano contro di lui. Il suo lavoro va inteso come una storia globale, che si ricollega a linguaggi disparati come l'astronomia, la botanica, la matematica o il misticismo, e che offre allo spettatore la possibilità di entrare in un universo particolare di grande lirismo, dove realtà e finzione non sono più categorie contrapposte. Riera i Aragó è attualmente presente al Museo d'Arte Contemporanea di Barcellona, alle fondazioni Joan Miró, La Caixa e Vicent Van Gogh, al Museo d'Arte Moderna di Lussemburgo, al Museo Rufino Tamayo in Messico, al Museo Ceret e Reattu di Arles, in Francia, al Museo Otani in Giappone e al Museo Heilbronn in Germania, oltre a molti altri.

Stima 5 000 - 6 000 EUR

Lotto 61 - JOSEP GUINOVART (Barcellona, 1927-2007). Senza titolo, anni '80 circa. Tecnica mista (pittura e collage) su carta. Firmato e datato nel margine inferiore. Misure: 226 x 116 cm; 236 x 126 cm (cornice). Questo dipinto risale probabilmente agli anni Ottanta, un periodo particolarmente sperimentale nella produzione di Guinovart. L'uso del collage e dell'astrazione poetica è caratteristico di questo periodo, così come la preferenza per i toni di terra di Siena, marrone e bruno. L'opera include sottili tratti sintetici che sembrano rendere omaggio alle creature post-cubiste di Picasso e, allo stesso tempo, la composizione (che lascia vuota la parte superiore) rimanda indirettamente al Cane sepolto di Goya. Josep Guinovart si è formato alla Escuela de Maestros Pintores, alla Escuela de Artes y Oficios e nelle classi della FAD. Espone per la prima volta individualmente nelle gallerie Syra di Barcellona nel 1948. Acquisisce subito un solido prestigio, collabora con Dau al Set e partecipa ai saloni October, Jazz e Eleven. Negli anni Cinquanta, grazie a una borsa di studio, vive a Parigi, dove conosce a fondo l'opera di Cézanne e Matisse che, insieme a Miró e Gaudí, saranno le sue influenze più importanti. Nel 1955, insieme ad Aleu, Cuixart, Muxart, Mercadé, Tàpies e Tharrats, forma il gruppo Taüll, che riunisce gli artisti d'avanguardia dell'epoca. Verso il 1957 inizia una tendenza informale e astratta, con una forte presenza materica sia attraverso l'incorporazione di vari elementi e oggetti (legno bruciato, scatole, oggetti di scarto) sia attraverso l'applicazione di tecniche come il collage e l'assemblaggio. A partire dagli anni Sessanta si allontana dalla poetica informalista e inizia a creare opere ricche di segni e gesti, che contengono una forte carica espressiva nelle linee e nei colori. Negli anni Settanta utilizza sistematicamente materiali come la sabbia, la terra, il fango, la paglia o il fibrocemento, e nel decennio successivo si concentra sulla sperimentazione della proiezione tridimensionale delle sue opere, che si concretizza nella creazione di ambienti o spazialità come quella intitolata Contorn-extorn (1978). Guinovart ha una produzione artistica molto varia: dipinti murali, scenografie e scenari teatrali, come quello realizzato per le Nozze di sangue di Federico García Lorca, illustrazioni di libri, cartellonistica, arazzi e sculture. Ha partecipato alle Biennali di San Paolo (1952 e 1957), Alessandria d'Egitto (1955) e Venezia (1958, 1962 e 1982), e tra i suoi premi figurano il Premio Città di Barcellona nel 1981, il Premio Nazionale delle Arti Plastiche nel 1990 e il Premio delle Arti Plastiche della Generalitat nel 1990. Nel 1994 è stato inaugurato lo Spazio Guinovart ad Agramunt, Lérida, una fondazione privata che ospita una mostra permanente dell'artista. È presente nei Musei di Arte Contemporanea di Barcellona, Madrid e Città del Messico, nel Museo di Scultura all'Aperto di Santa Cruz de Tenerife, nel Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, nel Museo de Bellas Artes di Bilbao, nel Museo San Telmo di San Sebastián, il Museo Eusebio Sempere di Alicante, il Museo de Navarra di Tafalla, la Casa de las Américas dell'Avana, il Museo Bocchum in Germania, il Museo de Bellas Artes di Long Island, New York, e il Museo Patio Herreriano di Valladolid.

Stima 5 500 - 6 500 EUR

Lotto 62 - LLUÍS CLARAMUNT (Barcellona, 1951 - Zarautz, Gipuzkoa, 2000). "Ingresso al suk", 1987. Olio su tela. Con etichetta della galleria Dau Al Set sul retro. Firmato a matita in basso a destra. Misure: 81 x 100 cm; 102 x 123 cm (cornice). Pittore, disegnatore, fotografo e incisore di formazione autodidatta, Lluís Claramunt ha trascorso la sua vita tra Barcellona, Madrid, Siviglia, Bilbao e Marrakech, e ha sviluppato un'opera influenzata da Isidre Nonell e segnata da un espressionismo agli inizi, che scomparirà gradualmente fino a diventare una calligrafia minimale. Dagli anni Settanta ha tenuto mostre personali in gallerie importanti come Dau al Set a Barcellona, Quatre Gats a Palma di Maiorca, Juana de Aizpuru a Siviglia o Buades a Madrid, partecipando anche ad Arco (1984, 1988). Ha inoltre realizzato mostre personali a New York, Amsterdam, Graz (Austria) e Lisbona. Inoltre, nel 2012 il suo lavoro è stato esposto nella mostra personale "El viatge vertical", tenutasi al MACBA di Barcellona. Attualmente è rappresentato in quel museo, nella Fundació Vila Casas, nella Collezione La Caixa, nel Museo de Bellas Artes de Álava, nella Asociación Colección de Arte Contemporáneo de Madrid, nel Consejo Superior de Deportes e nel Ministerio de Cultura della stessa città e nella Colección Caja Madrid. Recentemente Claramunt ha esposto presso la prestigiosa galleria Marc Domenech di Barcellona, che ha dedicato la mostra "Luis Claramunt. Años 80" interamente dedicata all'opera dell'artista. L'esposizione, tenutasi nel maggio 2016, presentava più di settanta opere che dimostravano la predilezione dell'artista per gli spazi urbani, rappresentati attraverso una tavolozza totalmente espressionista in cui predomina una tavolozza dinamica e vibrante.

Stima 2 800 - 3 000 EUR

Lotto 63 - LLUÍS CLARAMUNT (Barcellona, 1951 - Zarautz, Gipuzkoa, 2000) Senza titolo. Olio su tela. Firmato in alto a sinistra. Misure: 100 x 84 cm; 101 x 85 cm (cornice). Pittore, disegnatore, fotografo e incisore di formazione autodidatta, Lluís Claramunt trascorre la sua vita tra Barcellona, Madrid, Siviglia, Bilbao e Marrakech, e sviluppa un'opera influenzata da Isidre Nonell e segnata da un espressionismo agli esordi, che scomparirà gradualmente fino a trasformarsi in una calligrafia minimale. Dagli anni Settanta ha tenuto mostre personali in gallerie importanti come Dau al Set a Barcellona, Quatre Gats a Palma di Maiorca, Juana de Aizpuru a Siviglia o Buades a Madrid, e ha partecipato anche ad Arco (1984, 1988). Ha inoltre realizzato mostre personali a New York, Amsterdam, Graz (Austria) e Lisbona. Inoltre, nel 2012 il suo lavoro è stato esposto nella mostra personale "El viatge vertical", tenutasi al MACBA di Barcellona. Attualmente è rappresentato in quel museo, nella Fundació Vila Casas, nella Collezione La Caixa, nel Museo de Bellas Artes de Álava, nella Asociación Colección de Arte Contemporáneo de Madrid, nel Consejo Superior de Deportes e nel Ministerio de Cultura della stessa città e nella Colección Caja Madrid. Recentemente Claramunt ha esposto presso la prestigiosa galleria Marc Domenech di Barcellona, che ha dedicato la mostra "Luis Claramunt. Años 80" interamente dedicata all'opera dell'artista. L'esposizione, tenutasi nel maggio 2016, presentava più di settanta opere che dimostravano la predilezione dell'artista per gli spazi urbani, rappresentati attraverso una tavolozza totalmente espressionista in cui predomina una tavolozza dinamica e vibrante.

Stima 1 000 - 1 200 EUR

Lotto 64 - LLUÍS CLARAMUNT (Barcellona, 1951 - Zarautz, Gipuzkoa, 2000) Senza titolo. Olio su tela. Presenta usura e sporco sulla superficie pittorica. Firmato in alto a destra. Misure: 100 x 82 cm; 101 x 83 cm (cornice). Pittore, disegnatore, fotografo e incisore di formazione autodidatta, Lluís Claramunt trascorre la sua vita tra Barcellona, Madrid, Siviglia, Bilbao e Marrakech, e sviluppa un'opera influenzata da Isidre Nonell e segnata da un espressionismo agli esordi, che scomparirà gradualmente fino a trasformarsi in una calligrafia minimale. A partire dagli anni Settanta tiene mostre personali in gallerie importanti come Dau al Set a Barcellona, Quatre Gats a Palma di Maiorca, Juana de Aizpuru a Siviglia o Buades a Madrid, e partecipa anche ad Arco (1984, 1988). Ha inoltre realizzato mostre personali a New York, Amsterdam, Graz (Austria) e Lisbona. Inoltre, nel 2012 il suo lavoro è stato esposto nella mostra personale "El viatge vertical", tenutasi al MACBA di Barcellona. Attualmente è rappresentato in quel museo, nella Fundació Vila Casas, nella Collezione La Caixa, nel Museo de Bellas Artes de Álava, nella Asociación Colección de Arte Contemporáneo de Madrid, nel Consejo Superior de Deportes e nel Ministerio de Cultura della stessa città e nella Colección Caja Madrid. Recentemente Claramunt ha esposto presso la prestigiosa galleria Marc Domenech di Barcellona, che ha dedicato la mostra "Luis Claramunt. Años 80" interamente dedicata all'opera dell'artista. L'esposizione, tenutasi nel maggio 2016, presentava più di settanta opere che dimostravano la predilezione dell'artista per gli spazi urbani, rappresentati attraverso una tavolozza totalmente espressionista in cui predomina una tavolozza dinamica e vibrante. Presenta usura e sporco sulla superficie pittorica.

Stima 1 000 - 1 200 EUR

Lotto 65 - LUIS FEITO (Madrid, 1929-2021). Senza titolo. Acquerello e olio su carta. Firmato e timbrato. Misure: 40 x 50 cm; 58 x 68 cm (cornice). Nato e formatosi a Madrid, è stato uno dei membri fondatori del gruppo El Paso. Nel 1954 ha tenuto la sua prima mostra individuale, con opere non figurative, presso la galleria Buchholz di Madrid. Da quel momento Feito espone regolarmente nelle più importanti città del mondo, come Parigi, Milano, New York, Helsinki, Tokyo e Roma. Nominato professore alla Scuola di Belle Arti di San Fernando nel 1954, due anni dopo lascia l'insegnamento e si reca a Parigi con una borsa di studio per studiare le avanguardie del momento. In questo periodo subisce l'influenza dell'automatismo e della pittura materica. Nel 1962 diventa membro fondatore del gruppo El Paso, con il quale aveva perso i contatti durante gli anni parigini. Le sue prime opere si iscrivono nell'ambito della pittura figurativa, per poi attraversare una fase in cui sperimenta il cubismo e infine entrare pienamente nell'astrazione. All'inizio utilizzava solo colori neri, ocra e bianchi, ma quando scoprì il potenziale della luce, iniziò a usare colori più vivaci e piani lisci. Si è evoluto fino a utilizzare il rosso come contrappunto nelle sue composizioni (dal 1962) e, in generale, colori più intensi. Nella sua fase astratta, che comprende gli anni Settanta, Feito mostra una chiara tendenza alla semplificazione, con il cerchio che predomina nelle sue composizioni come forma geometrica. Forse l'influenza dell'arte giapponese è visibile nella sua preferenza per le grandi bande di nero. La maggior parte delle sue opere sono senza titolo, quindi di solito sono riconoscibili grazie a un numero assegnato loro. Tra i suoi riconoscimenti, la nomina a Ufficiale dell'Ordine delle Arti e delle Lettere di Francia nel 1985. Nel 1998 ha ricevuto la Medaglia d'Oro delle Belle Arti di Madrid ed è stato nominato membro effettivo dell'Accademia Reale di Belle Arti di San Fernando. Nel 2000 ha ricevuto il Premio dell'Associazione Spagnola dei Critici d'Arte al Salone Estampa, nel 2002 il Gran Premio AECA per il miglior artista internazionale ad ARCO, nel 2003 il premio per l'artista più rilevante alla Fiera d'Arte di Osaka (Giappone), nel 2004 il Premio per la Cultura delle Arti Plastiche della Comunità di Madrid, nel 2005 il Premio Francisco Tomás Prieto della Fábrica Nacional de Moneda y Timbre e nel 2008 il Premio della Fondazione Jorge Alió e il Gran Premio d'Arte Contemporanea Spagnola CESMAI. Luis Feito è rappresentato nei più importanti musei del mondo, tra cui ricordiamo la Galleria d'Arte Moderna di Roma, il Guggenheim, il MoMA e la Chase Manhattan Bank di New York, i Musei d'Arte Moderna di Tokyo, Parigi, Rio de Janeiro e Montreal, il Lissone in Italia, ecc.

Stima 4 000 - 5 000 EUR

Lotto 66 - LUIS FEITO (Madrid, 1929-2021). "Guadarrama II". 2004. Monotipo su tela, copia E/U. Firmato e giustificato a mano. Misure: 140 x 100 cm. Nato e formatosi a Madrid, è stato uno dei membri fondatori del gruppo El Paso. Nel 1954 tiene la sua prima mostra individuale, con opere di tendenza non figurativa, presso la galleria Buchholz di Madrid. Da questo momento Feito esporrà regolarmente nelle più importanti città del mondo, come Parigi, Milano, New York, Helsinki, Tokyo o Roma. Nominato professore alla Scuola di Belle Arti di San Fernando nel 1954, due anni dopo abbandona l'insegnamento e si reca a Parigi con una borsa di studio, per studiare le correnti d'avanguardia. In questo periodo riceve le influenze dell'automatismo e della pittura materica. Nel 1962 si unisce come membro fondatore al gruppo El Paso, con il quale aveva perso i contatti durante gli anni parigini. Le sue prime opere fanno parte della pittura figurativa, poi attraversa una fase in cui sperimenta il cubismo e infine si dedica completamente all'astrazione. All'inizio usava solo colori neri, ocra e bianchi, ma quando scoprì il potenziale della luce iniziò a usare colori più vivaci e piani lisci. Si è evoluto fino a utilizzare il rosso come contrappunto nelle sue composizioni (dal 1962) e, in generale, colori più intensi. Nella sua fase astratta, che comprende gli anni Settanta, Feito mostra una chiara tendenza alla semplificazione, con il cerchio come forma geometrica predominante nelle sue composizioni. Forse l'influenza dell'arte giapponese è visibile nella sua preferenza per le grandi bande nere. La maggior parte delle sue opere è priva di titoli, per cui sono solitamente riconoscibili grazie alla numerazione che viene loro assegnata. Tra i suoi riconoscimenti spicca la nomina a Ufficiale dell'Ordine delle Arti e delle Lettere di Francia nel 1985. Nel 1998 ha ricevuto la Medaglia d'Oro delle Belle Arti di Madrid ed è stato nominato membro effettivo dell'Accademia Reale di Belle Arti di San Fernando. Nel 2000 ha ricevuto il Premio dell'Associazione Spagnola dei Critici d'Arte al salone Estampa, nel 2002 il Gran Premio AECA per il miglior artista internazionale ad ARCO, nel 2003 il premio per l'artista più rilevante alla Fiera d'Arte di Osaka (Giappone), nel 2004 il Premio per la Cultura delle Arti Plastiche della Comunità di Madrid, nel 2005 il Premio Francisco Tomás Prieto della Zecca Nazionale e della Fabbrica di Francobolli, e nel 2008 il Premio della Fondazione Jorge Alió e il Gran Premio d'Arte Contemporanea Spagnola CESMAI. Luis Feito è rappresentato nei più importanti musei del mondo, tra cui ricordiamo la Galleria d'Arte Moderna di Roma, il Guggenheim, il MoMA e la Chase Manhattan Bank di New York, i Musei d'Arte Moderna di Tokyo, Parigi, Rio de Janeiro e Montreal, Lissone in Italia ecc.

Stima 1 700 - 1 800 EUR

Lotto 67 - SALVADOR DALÍ I DOMÈNECH (Figueras, Girona, 1904 - 1989). Senza titolo, 1977. Inchiostro su carta. Firmato, datato e dedicato "al mio amico Martí". Misure: 29,5 x 19 cm; 40 x 30 cm (cornice). In questo disegno originale di Dalí, datato 1977, riconosciamo San Giorgio a cavallo che arma, perché Dalí ha reinventato l'iconografia di questo santo collocandolo in paesaggi dell'Empordà o in ambientazioni che rimandano a deserti mistici come quello che ispira questa composizione. In altre occasioni, ha reinterpretato il tema di San Giorgio e il drago con un linguaggio scultoreo. Dalí era interessato a rappresentare la dualità tra la vita e la morte, tra l'effimero e l'eterno, le forze oscure della notte e quelle del giorno, il sonno e la ragione. Per questo motivo scelse figure emblematiche come San Giorgio o Don Chisciotte, a cui dedicò anche innumerevoli disegni. Salvador Dalí è stato uno dei maggiori esponenti del movimento surrealista. La sua opera ha influenzato notevolmente il corso del surrealismo negli anni Venti e Trenta, venendo acclamato come il creatore del metodo paranoico-critico, una combinazione essenziale di reale e immaginario. Durante i primi anni di vita, Dalí scopre la pittura contemporanea durante una visita di famiglia a Cadaqués, dove conosce la famiglia di Ramon Pichot, un artista che si reca regolarmente a Parigi. Seguendo il consiglio di Pichot, Dalí inizia a studiare pittura con Juan Núñez. Nel 1922, Dalí soggiornò nella famosa Residencia de Estudiantes di Madrid per iniziare a studiare Belle Arti all'Accademia di San Fernando. Tuttavia, prima degli esami finali del 1926, viene espulso perché sostiene che non c'è nessuno in grado di esaminarlo. Nello stesso anno Dalí si reca per la prima volta a Parigi. Lì incontrò Picasso e stabilì alcune caratteristiche formali che da allora in poi sarebbero diventate distintive di tutto il suo lavoro. In questo periodo Dalí allestisce regolarmente mostre sia a Barcellona che a Parigi e si unisce al gruppo surrealista del quartiere parigino di Montparnasse. Il pittore sbarca in America nel 1934, grazie al mercante d'arte Julian Levy. A seguito della sua prima mostra individuale a New York, la sua proiezione internazionale si consolida definitivamente e da allora espone le sue opere e tiene conferenze in tutto il mondo. La maggior parte della sua produzione è raccolta nel Teatro-Museo Dalí di Figueras, seguita dalla collezione del Salvador Dalí Museum di San Pietroburgo (Florida), del Reina Sofía di Madrid, della Salvador Dalí Gallery di Pacific Palisades (California), dell'Espace Dalí di Montmartre (Parigi) o del Dalí Universe di Londra.

Stima 4 000 - 5 000 EUR

Lotto 68 - SALVADOR DALÍ I DOMÈNECH (Figueras, Girona, 1904 - 1989) "La comtesse DuBarry". 1977. Inchiostro su cartone. Firmato e datato in basso a destra. Allegato certificato rilasciato dalla Fondazione Gala-Dalí. Misure: 28 x 21 cm (carta); 35,5 x 27 cm. La casa di foie gras Comtesse du Barry potrebbe aver commissionato questo disegno a Dalí per pubblicizzare il suo prodotto. La leggendaria marca di foie gras scelse il nome in omaggio alla dama di corte di Luigi XV, ultima amante del re, il cui nome è associato a questo alimento gourmet a base di fegato d'anatra, l'animale che accompagna la signora nel disegno di Dalí. Pittore e scultore, Salvador Dalí è stato uno dei principali esponenti del movimento surrealista. La sua opera ha influenzato notevolmente il corso del surrealismo negli anni Venti e Trenta, essendo acclamato come il creatore del metodo paranoico-critico, una combinazione essenziale di reale e immaginario. La maggior parte della sua produzione è raccolta nel Teatro-Museo Dalí di Figueras, seguita dalla collezione del Museo Salvador Dalí di San Pietroburgo (Florida), del Reina Sofía di Madrid, della Salvador Dalí Gallery di Pacific Palisades (California), dell'Espace Dalí di Montmartre (Parigi) o del Dalí Universe di Londra.

Stima 4 500 - 6 000 EUR

Lotto 69 - LUIS SEOANE LÓPEZ (Buenos Aires, 1910 - A Coruña, 1979). "Natura morta". 1969. Olio su tela. Firmato e datato nel margine inferiore. Provenienza: Collezione José María Moreno Galván. Misure: 30 x 40 cm; 33 x 43 cm (cornice). Scena di interni in cui l'artista dispone un soggetto ricorrente nella storia dell'arte come la natura morta. Tuttavia, espone questo genere da un punto di vista moderno in cui l'artista gioca con la giustapposizione di forme elementari e una gamma di colori saturi applicati in piani diluiti e indipendenti dagli oggetti e dal realismo. Disegnatore, pittore, incisore e scrittore, Luis Seoane si forma a A Coruña, dove lavora come avvocato ed è membro del Partigo Galeguista, e nel 1936 si stabilisce a Buenos Aires. In gioventù partecipò all'attività politica e culturale degli studenti di A Coruña e, secondo lo storico e giornalista Carlos Fernández Santander, Seoane potrebbe essere l'autore che, con lo pseudonimo di Hernán Quijano, scrisse "Galicia Mártir. Episodi del terrore bianco nelle province galiziane", un libro pubblicato a Parigi e in Argentina nel 1938. Nel 1932 si laureò in Giurisprudenza e Scienze Sociali a Santiago de Compostela, e in questi anni iniziò la sua carriera in vari campi. Così, tra il 1927 e il 1933 milita nei partiti della sinistra repubblicana e autonomista, illustra libri e riviste e realizza le prime mostre. Nel 1934 torna a A Coruña da Santiago e inizia a lavorare come avvocato, mentre condivide incontri con Huici, Cebreiro, Fernández Mazas, Del Valle, Julio J. Casal, Francisco Miguel e altri. Nello stesso anno si iscrisse al Partido Galeguista. Due anni dopo partecipò alla campagna per lo Statuto di Autonomia, ma allo scoppio della guerra fu costretto a fuggire nella capitale argentina. Una volta stabilitosi a Buenos Aires, mantiene i contatti con altri connazionali esiliati dal regime di Franco, tra cui il pittore Leopoldo Nóvoa e l'attivista María Miramontes. Nel 1937 vi pubblica il suo primo libro, "Trece estampas de la traición". Tre anni dopo fonda le collane "Hórreo" e "Dorna" in EMECÉ Editores, e nel 1943 crea la rivista "Correo Literario" e Editorial Nova. Due anni dopo, il suo "Homenaje a la Torre de Hércules" (Omaggio alla Torre di Ercole) viene premiato a New York. Nel 1948 fonda la casa editrice Botella al Mar e l'anno successivo compie un viaggio in Europa ed espone a Londra. Tra il 1952 e il 1962 espone a New York, fonda la rivista "Galicia Emigrante" e la casa editrice Citania, e riceve premi come la medaglia dell'Esposizione Universale di Bruxelles, la medaglia del Senato della Nazione Argentina (1958) o il Premio Palanza (1962). Contemporaneamente, lavora per la galleria Gordons di Buenos Aires, diretta da Roberto Mackintosh, esperto e conoscitore del suo lavoro. Negli ultimi decenni della sua vita alterna la residenza in America con viaggi in Galizia e nel 1977 viene pubblicata la prima edizione completa della sua opera poetica. Tra il 1963 e il 1979 tenne mostre in Spagna, Germania, Italia, Svizzera, Brasile e altri Paesi. Nel 1994 gli è stata dedicata la Giornata delle Lettere Galiziane e nel 2003 il Centro Galiziano d'Arte Contemporanea, a Santiago de Compostela, gli ha dedicato un'importante retrospettiva, poi trasferita al Museo d'Arte Moderna di Buenos Aires. Attualmente è rappresentato, tra l'altro, nella Collezione Caixanova.

Stima 4 000 - 5 000 EUR

Lotto 70 - TAKASHI MURAKAMI (Tokyo, 1962). "Kaikai e Kiki da collezione", 2018. Vinile. Edizione limitata di 80 copie. Da Takashi Murakami per complexion. Nelle loro scatole originali. Misure: 22 x 15 x 9 cm (Kaikai); 19 x 14 x 9 x 9 (Kiki); 28 x 19 x 13 cm (scatola x2). Kaikai e Kiki sono due grandi icone del famoso artista giapponese Takashi Murakami. Rappresentano due guardiani spirituali, che hanno preso forma a partire dal 2000. Spesso appaiono in forma scultorea, come in questo caso, ma sono stati anche protagonisti di film d'animazione. Kaikai, sorridente e amichevole, è bianca con le orecchie da coniglietto e mostra un evidente buon umore, mentre la sua controparte maligna, Kiki, ha il corpo rosa, le orecchie piccole, tre occhi e un sorriso malizioso accentuato dalle zanne da vampiro. Sulle orecchie ha il nome Kaikai Kiki scritto in caratteri giapponesi, che può essere tradotto come "soprannaturale, strano". Si riferisce a una frase giapponese apparsa nel XVI secolo per descrivere le opere del pittore Kano Eitoku, creatore dello stile Kano, la cui estetica era un misto di stranezza e raffinatezza, di grottesco e delicatezza. Murakami ha inoltre fondato nel 2001 la KaiKai and Kiki Co. che ha rilevato il lavoro della fabbrica Hiropon, fondata nel 1996. I suoi obiettivi come azienda si basano sul sostegno alla produzione e alla promozione di opere d'arte, sulla gestione e sul supporto di giovani artisti e sulla diffusione del loro lavoro. L'uso di "eroi" o personaggi dei fumetti o della cultura urbana come protagonisti della sua arte sono eredi della pop-art. Tuttavia, Murakami offre una nuova prospettiva su ciò che è noto come pop. Egli apporta una visione radicalmente nuova giocando con elementi della cultura orientale. È riuscito a introdurre le proprie idiosincrasie nel mercato occidentale incorporando piccoli elementi dinamici e riconoscibili che possono essere assimilati da entrambe le culture apparentemente così diverse. Murakami è uno degli artisti più influenti della generazione giapponese del dopoguerra. Takashi Murakami si è formato all'Università Nazionale di Belle Arti e Musica di Tokyo, dove si è laureato in Nihonga (pittura tradizionale giapponese). Nel 1990 è stato introdotto all'arte contemporanea dal suo socio e amico Masato Nakamura e nel 1993 ha creato il suo alter ego Mr. Da allora inizia a essere riconosciuto all'interno e all'esterno del Giappone per la sua particolare sintesi tra l'arte tradizionale giapponese, le correnti contemporanee del suo Paese (anime, manga...) e la cultura americana, soprattutto la corrente pop. Nelle sue opere Murakami trasmette una visione critica dell'attuale società giapponese, dell'eredità della tradizione culturale del Paese, della sua evoluzione dopo la Seconda Guerra Mondiale e del suo rapporto con il mondo occidentale, in particolare con gli Stati Uniti. Nei suoi scritti ha coniato il termine "Superflat" per definire il suo personale stile artistico, un termine che si adatta a un lavoro caratterizzato dalla bidimensionalità e che critica anche la struttura stessa dell'arte, confondendo i confini tra cultura alta e bassa. In effetti, la sua produzione abbraccia molteplici forme d'arte, dalla pittura e dalla scultura al design industriale, agli anime, alla moda e ad altri media della cultura popolare e oggetti di merchandising. La sua trilogia di mostre "Superflat" (2000, 2002 e 2005) è stata esposta in importanti centri d'arte di tutto il mondo, come la Parco Gallery di Tokyo, il MOCA di Los Angeles, la Fondation Cartier di Parigi o la Serpentine Gallery di Londra. Inoltre, tra il 2008 e il 2009, si sono tenute mostre retrospettive al MOCA, al Brooklyn Museum di New York e al Museum für Moderne Kunst di Francoforte.

Stima 5 000 - 6 000 EUR

Lotto 71 - JAVIER TERCERO (Valdepeñas, Ciudad Real, 1970). Senza titolo. Serie V degli Universi ciclici, 2022. Acrilico e aerosol su tela. Allegato catalogo dell'autore. Firmato, datato e titolato sul retro. Misure: 181 x 120 cm. Javier Tercero, Valdepeñas, ha studiato Disegno Tecnico e Arti Plastiche, specializzandosi in "Fotografia Artistica", presso l'EASDAL di Tomelloso (C. Real). Ha tenuto mostre personali in: Centro Culturale "Cecilio Muñoz Fillol", Museo Comunale e Centro Espositivo La Confianza di Valdepeñas; Sala Espositiva-Primavera-Casa del Reloj, Madrid; Centro de las Artes, Alcorcón (Madrid); IES Ramón Giraldo de Villanueva de los Infantes e EASDAL Antonio López, Tomelloso. Ha partecipato anche ad altre opere collettive, di cui segnaliamo: IX Concorso Nazionale Gregorio Prieto, Valdepeñas e Museo della città di Madrid; X Concorso di Arti Plastiche Ángel Andrade di Ciudad Real; LXII Mostra Nazionale di Arti Plastiche di Valdepeñas; VI Concorso Arte ed Energia Union Fenosa; IX Concorso Nazionale Vela Zanetti (Burgos); Galleria Paloma Sanz (Madrid); Concorso Internazionale di Fotografia PHOCO; Premio Jesús Bárcenas di Pittura Museo Comunale di Valdepeñas e López Villaseñor di Ciudad Real. Le sue opere sono presenti in numerose collezioni di grande rilevanza artistica tra cui la collezione della Junta de Comunidades de Castilla la Mancha, la Collezione dell'Istituto Fernando Zóbel. Cuenca, il Consiglio Provinciale di Ciudad Real, il Comune di Manzanares, la Collezione d'Arte Contemporanea di UNION FENOSA. Museo de Pintura Hispanoamericana de Palacio de Losada e il Comune di Torrelavega, Cantabria. Tra le molte altre collezioni. In allegato il catalogo dell'autore.

Stima 4 000 - 4 500 EUR

Lotto 72 - JAVIER TERCERO (Valdepeñas, Ciudad Real, 1970). Senza titolo. Serie V degli Universi ciclici, 2022. Acrilico e aerosol su tela. Allegato catalogo dell'autore. Firmato, datato e titolato sul retro. Misure: 181 x 120 cm. Javier Tercero, Valdepeñas, ha studiato Disegno Tecnico e Arti Plastiche, specializzandosi in "Fotografia Artistica", presso l'EASDAL di Tomelloso (C. Real). Ha tenuto mostre personali in: Centro Culturale "Cecilio Muñoz Fillol", Museo Comunale e Centro Espositivo La Confianza di Valdepeñas; Sala Espositiva-Primavera-Casa del Reloj, Madrid; Centro de las Artes, Alcorcón (Madrid); IES Ramón Giraldo de Villanueva de los Infantes e EASDAL Antonio López, Tomelloso. Ha partecipato anche ad altre opere collettive, di cui segnaliamo: IX Concorso Nazionale Gregorio Prieto, Valdepeñas e Museo della città di Madrid; X Concorso di Arti Plastiche Ángel Andrade di Ciudad Real; LXII Mostra Nazionale di Arti Plastiche di Valdepeñas; VI Concorso Arte ed Energia Union Fenosa; IX Concorso Nazionale Vela Zanetti (Burgos); Galleria Paloma Sanz (Madrid); Concorso Internazionale di Fotografia PHOCO; Premio Jesús Bárcenas di Pittura Museo Comunale di Valdepeñas e López Villaseñor di Ciudad Real. Le sue opere sono presenti in numerose collezioni di grande rilevanza artistica tra cui la collezione della Junta de Comunidades de Castilla la Mancha, la Collezione dell'Istituto Fernando Zóbel. Cuenca, il Consiglio Provinciale di Ciudad Real, il Comune di Manzanares, la Collezione d'Arte Contemporanea di UNION FENOSA. Museo de Pintura Hispanoamericana de Palacio de Losada e il Comune di Torrelavega, Cantabria. Tra le molte altre collezioni. In allegato il catalogo dell'autore.

Stima 4 000 - 5 000 EUR

Lotto 73 - SILVIA GOYTÍA (Buenos Aires, Argentina, 1958). "La struttura sconosciuta", 2014. Olio su tela. Firmato in basso a destra. Firmato, datato e titolato sul retro. Misure: 100 x 100 cm. Secondo le parole dell'artista, la sua pittura "prende spunto dagli slogan del costruttivismo, dapprima "americanista" e poi più incline alla geometria". Sebbene all'inizio avesse deciso di studiare legge, ha seguito un corso post-laurea in Scultura presso la Scuola Nazionale di Buenos Aires Prilidiano Pueyrredón e si è formata come insegnante di Belle Arti presso la stessa scuola. Ha approfondito la sua formazione artistica nei laboratori di artisti rinomati come: rnesto Pesce, Adolfo Nigro, Alberto Delmonte, Jorge Gamarra e Julian Agosta. Nel corso della sua carriera ha partecipato a numerose mostre sia collettive che individuali a livello internazionale, tra cui: Settemari Art Gallery. Punta del Este, Uruguay, la Forma Art Gallery, il British Art Council, la Cremolatta Gallery di Miami, la San Diego Art Fair (USA), la Sala Dalmau di Barcellona e l'American Art Museum of Uruguay. Inoltre, nel corso della sua carriera è stata insignita di numerosi premi come il Primo Premio della Biblioteca Nazionale, il Primo Premio del Salone SAAP del Museo d'Arte Moderna e il Primo Premio di Scultura del Salone degli Artisti Plastici di San Isidro.

Stima 4 000 - 5 000 EUR

Lotto 74 - SILVIA GOYTÍA (Buenos Aires, Argentina, 1958). "Struttura minerale", 2014. Olio su tela. Firmato in basso al centro. Datato e titolato sul retro. Misure: 100 x 120 cm. Secondo le parole dell'artista stessa, la sua pittura "prende spunto dagli slogan del costruttivismo, prima "americanista" e poi più incline alla geometria". In quest'opera l'autrice utilizza un linguaggio astratto, basato su una geometria irregolare, con un carattere organico sia nella disposizione che nei colori. È uno stile aperto, la cui caratteristica fondamentale è la concezione della superficie pittorica come un tutto, come un campo aperto, senza limiti e senza gerarchie. Così, come vediamo qui, le forme pittoriche sono il risultato di una ponderata composizione e sperimentazione, con un'immagine di carattere gestuale, non si limitano a una composizione ma vanno oltre, indicando allo spettatore che si tratta di forme, idee o suggestioni che vanno oltre i confini del puramente pittorico. Sebbene inizialmente avesse deciso di studiare legge, ha seguito un corso post-laurea in scultura presso la Escuela Nacional de Buenos Aires Prilidiano Pueyrredón e si è formato come insegnante di belle arti nella stessa scuola. Ha approfondito la sua formazione artistica nei laboratori di artisti rinomati come: rnesto Pesce, Adolfo Nigro, Alberto Delmonte, Jorge Gamarra e Julian Agosta. Nel corso della sua carriera ha partecipato a numerose mostre sia collettive che individuali a livello internazionale, tra cui: Settemari Art Gallery. Punta del Este, Uruguay, la Forma Art Gallery, il British Art Council, la Cremolatta Gallery di Miami, la San Diego Art Fair (USA), la Sala Dalmau di Barcellona e l'American Art Museum of Uruguay. Inoltre, nel corso della sua carriera è stata insignita di numerosi premi come il Primo Premio della Biblioteca Nazionale, il Primo Premio del Salone SAAP del Museo d'Arte Moderna e il Primo Premio di Scultura del Salone degli Artisti Plastici di San Isidro.

Stima 4 500 - 5 500 EUR

Lotto 75 - EUGENIO MERINO, (Madrid, 1975). "Deadball", 2011. Bronzo patinato. Misure: 27 x 19 x 27 cm. Vediamo qui un cranio sovrasviluppato, che assume la forma di un calcio. Ispirandosi, con il suo solito sarcasmo, all'allungamento cranico che veniva praticato tra le classi oligarchiche delle culture più antiche (come si può vedere nei fossili di Paracas), Eugenio Merino infila qui un commento sarcastico sulla riformattazione mentale che il calcio ha trasformato in un grande business di tecnocrati e milionari. Eugenio Merino è soprattutto noto per le polemiche che crea con le sue opere: dal "Jaffar suicida" della mostra "Mondolirondo" del 2006, all'installazione "Starway to heaven", passando per "Always Franco" (presentato ad ARCO) o "For the Love of Go(l)d". Ha iniziato a lavorare in pittura, con opere di minor contenuto rispetto a quelle attuali (secondo le sue stesse parole, la svolta nella sua carriera è stata dovuta alla noia degli stessi processi e al fatto di non provare nulla come spettatore delle sue stesse opere). Mostra il suo lavoro politico, tipico di un creatore che, condizionato dal suo tempo, trasferisce la sua ideologia sociale alle sue mani e da lì all'opera scultorea che schizza lo spettatore (come è giusto che sia). Laureato in Belle Arti presso l'Università Complutense di Madrid, ha realizzato mostre personali presso Unix Gallery (Houston, USA), Unix Fine Arts (New York, USA), ADN Galería (Barcellona, Spagna), Jerome Zodo Gallery (Milano, Italia) e Louis 21 (Madrid, Spagna), tra le altre sedi. Ha tenuto numerose mostre personali e collettive e ha partecipato a diverse fiere d'arte, come Volta NY, Volta Basel, ARCO (Madrid). Art Brussels, FIAC (Parigi), Armory Show, Arte Fiera (Bologna), Art BO (Bogotà), MACO (Messico), Art Wynwood (Miami) e ha esposto al MOCA Museum di Taipei e al BPS22 di Charleroi (Belgio).

Stima 5 500 - 6 500 EUR

Lotto 76 - ARNO BREKER (Elberfeld, Germania, 1900-Düsseldorf, Germania, 1991) & SALVADOR DALÍ I DOMÈNECH (Figueres, Girona, 1904-1989). "Dalí-Morfosi", 1974-1975. Bronzo patinato e dorato. Base in marmo. Firmata da Arno Breker. Mostre: - "Omaggio a Salvador Dalí", Schloss Nörvenich, Germania, inaugurata da Filippo VI, allora principe, 1991. - Centenario della nascita di Salvador Dalí", 2004, sotto il patrocinio di S.M. Juan Carlos I e della Regina Sofia di Spagna. Misure: 28 x 15,5 x 15 cm (senza base); 36 cm (altezza con base). Era il 1974 quando Salvador Dalí invitò Arno Breker, uno scultore tedesco per il quale provava grande ammirazione, all'inaugurazione del Museo Dalí di Figueras, in Spagna. Lì il tedesco espose un busto in marmo di Jean Cocteau che lo stesso Dalí aveva richiesto, raccontando l'esperienza come "Dopo il suo discorso, egli stesso guidò gli ospiti attraverso il museo. Quando raggiungemmo la sala dove si trovava il busto, chiese: "Dov'è Breker?". Mi hanno cercato e mi sono avvicinato. La conversazione di Dalí si rivolse a me. Davanti al pubblico mi abbracciò forte e mi ringraziò per aver presentato il busto di Cocteau al museo. Così, da un momento all'altro, mi portarono via il busto. Ma Dalí lo fece con un tale fascino che non riuscii a dire di no". (estratto dal libro Schriften di Arno Breker). L'anno successivo, a seguito della sintonia tra i due artisti durante l'incontro, iniziarono una collaborazione che culminò nella realizzazione di 10 sculture uniche e irripetibili. A questo scopo, Breker realizzò degli eccezionali ritratti dell'artista di Figueras, sui quali intervenne successivamente lo stesso Dalí, conferendo loro il suo inconfondibile tocco surrealista. Pittore e scultore, Salvador Dalí è stato uno dei maggiori esponenti del movimento surrealista. La sua opera ha influenzato notevolmente il corso del surrealismo negli anni Venti e Trenta, essendo acclamato come il creatore del metodo paranoico-critico, una combinazione essenziale di reale e immaginario. La maggior parte della sua produzione è raccolta nel Teatro-Museo Dalí di Figueras, seguita dalla collezione del Museo Salvador Dalí di San Pietroburgo (Florida), del Reina Sofía di Madrid, della Salvador Dalí Gallery di Pacific Palisades (California), dell'Espace Dalí di Montmartre (Parigi) o del Dalí Universe di Londra. Arno Breker entra all'Accademia di Belle Arti di Düsseldorf nel 1920 e nel 1927 si trasferisce a Parigi, dove conosce le opere di Rodin e Charles Despiau. Nel 1931 si reca a Roma. Durante un viaggio a Firenze vide il David di Michelangelo, che significò per lui "come un richiamo cosmico, come un ordine, puro occultismo" per dedicarsi a una scultura realistica e armoniosa. Nel 1936, in occasione dei Giochi Olimpici di Berlino, riceve la commissione di tre statue per lo stadio. Nel 1938 ricevette la commissione di due statue monumentali per l'ingresso della Nuova Cancelleria, che avrebbero segnato il destino del suo lavoro. Una settimana dopo, quando presentò il progetto per Il tedoforo e Il portatore di spada, Adolf Hitler fu conquistato dai disegni, il che segnò l'inizio del periodo più fruttuoso della carriera di Breker, che divenne lo scultore ufficiale del regime. Fino al 1945 scolpì per piazze e viali della capitale del Terzo Reich. Tuttavia, durante la Seconda Guerra Mondiale, nemmeno un quarto delle sue opere fu risparmiato dai bombardamenti nemici e dai vandalismi delle truppe di invasione. Dopo la seconda guerra mondiale, Breker continuò a dedicarsi sia all'architettura che alla scultura, come dimostrano l'edificio realizzato a Colonia per una compagnia di assicurazioni nel 1955 o la statua equestre di Mohammed V, re del Marocco. Alcuni volti noti ritratti da questo scultore sono Salvador Dalí, Ezra Pound, l'atleta Ulrike Meyfarth e il barone Hans Heinrich Thyssen-Bornemisza.

Stima 6 000 - 7 000 EUR

Lotto 77 - JAMES RIELLY (Galles, 1956). "Con o senza Dio dalla nostra parte", 2017. Acrilico su tela. Firmato, datato e titolato sul retro. Misure: 125 x 104,5 cm. James Rielly è nato in Galles nel 1956. Attualmente vive e lavora tra Parigi e il sud della Francia. Le opere molto caratteristiche del pittore britannico James Rielly si concentrano sui cliché, le ideologie e le metafore dei bambini. Creando ritratti sovversivi e talvolta surreali di giovani dagli occhi vivaci e in età scolare, Rielly affronta concetti di tensione sociale e tradizione pittorica. Le sue serie più note sono Casual Influences (2000) e Sensible Ways (96-97), che consistono in ritratti su larga scala ispirati a storie e immagini tratte da articoli di giornali locali. Attraverso l'atto di evidenziare determinate caratteristiche e ruoli nei bambini, le opere di Rielly mettono in luce la natura disfunzionale degli adulti. Dal 1983 Rielly ha esposto i suoi dipinti in numerose mostre personali, tra cui il Nantes Museum of Fine Arts, Nantes, Francia, la Spencer Brownstone Gallery, New York, il Fond Regional d'Art Contemporain Auvergne, Clermont-Ferrand, il Centro de Arte de Salamanca (CASA), Salamanca, Spagna, il Centre d'Art Neuchâtel, Svizzera, e la Scott White Contemporary Art, La Jolla, CA. Nel 1995 ha ottenuto una borsa di studio MOMART alla Tate Gallery e nel 1997 è stato selezionato per il Jerwood Prize. Dal 2006 è professore di pittura all'Ecole Nationale Supérieure des Beaux-Arts di Parigi, Francia.

Stima 7 000 - 7 500 EUR

Lotto 78 - FRANCIS BACON (Dublino, 1909 - Madrid, 1992). Pannello destro del "Trittico 1974-1977". 1981. Acquaforte e acquatinta su carta Guarro, copia A.P 11/15. Editore Polígrafa, Barcellona. Firmata e giustificata a matita. Misure: 39 x 29,5 cm (impronta); 65 x 50 cm (carta); 68,5 x 53,5 cm (cornice). Incisione di Francis Bacon basata sul pannello destro del trittico realizzato dopo la morte dell'amante George Dyer, suicidatosi in un hotel parigino nel 1971. Nel 2008, il trittico ha sfiorato il record dell'artista quando è stato venduto a Londra per 26,3 milioni di sterline. Si tratta di uno dei cosiddetti "Trittici neri", eseguiti da Bacon dopo il suicidio di Dyer. L'ombrello nero come simbolo minaccioso era già presente in opere precedenti dell'artista, ma in questo trittico i riferimenti letterari o artistici sono diluiti, rendendo la lettura più complessa. È un'opera soggiogante. Pittore anglo-irlandese nato a Dublino da una famiglia britannica, Francis Bacon è stato un artista chiave nello sviluppo dell'arte del XX secolo per le sue immagini crude, scioccanti e cariche di plasticità. Trascorse l'infanzia tra l'Irlanda e l'Inghilterra, e durante la pubertà il padre lo escluse dalla famiglia a causa delle sue tendenze omosessuali. Nel 1925 fu mandato a Berlino con un amico di famiglia, che alla fine sedusse. Tra il 1927 e il 1928 vive tra Berlino e Parigi, ed è in questi anni che scopre "La strage degli innocenti" di Poussin, opera che risveglia in lui l'interesse per l'urlo e la bocca. In questi anni decide di diventare pittore, dopo aver visitato una mostra che comprendeva diverse opere di Picasso. Tornato a Londra, iniziò la sua formazione artistica con l'australiano Roy de Maistre, studi che completò in modo autodidatta. Tuttavia, solo a metà degli anni Quaranta (intorno al 1944) il trittico "Tre studi per figure ai piedi di una crocifissione" segna il punto di partenza della sua carriera artistica. Quest'opera, considerata una delle più originali e inquietanti dell'arte del XX secolo, segna l'inizio della maturità artistica di Bacon, la cui opera si concentrerà da allora sul tema della vita nella morte e della morte nella vita, riflettendo il proprio carattere autodistruttivo. Da quel momento in poi, inoltre, la sua opera sarà caratterizzata da figure umane esposte e vulnerabili, espressione di "solitudine, violenza e degrado", secondo le sue stesse parole. Il riconoscimento del suo lavoro maturo fu quasi immediato e nel 1949 il MoMA di New York acquistò una sua opera. Già pienamente consolidato sulla scena artistica internazionale, nel 1955 si tiene la sua prima mostra retrospettiva all'Institute of Contemporary Arts di Londra. Nel 1959 tiene una personale nell'ambito della Biennale di San Paolo e nel 1962 gli viene nuovamente dedicata una retrospettiva, questa volta alla Tate Gallery di Londra. Negli anni successivi Bacon ha tenuto importanti mostre del suo lavoro al Guggenheim Museum di New York (1963), al Grand Palais di Parigi (1971) e al Metropolitan di New York (1975), oltre a retrospettive all'Hirshhorn Museum and Sculpture Garden di Washington D.C., al Los Angeles County Museum of Art, al MoMA di New York e al Musée National d'Art Moderne di Parigi. Più di recente, nel 2008 la Tate Britain ha ospitato la più grande retrospettiva di Bacon mai realizzata. Bacon è attualmente presente nei principali musei del mondo, tra cui il MoMA e il Guggenheim di New York, l'Art Institute di Chicago, il MUMOK e l'Albertina di Vienna, il Reina Sofia e il Thyssen-Bornemisza di Madrid, lo SMAK di Gand e la Tate Gallery di Londra.

Stima 7 000 - 8 000 EUR

Lotto 79 - WILFREDO LAM (Sagua La Grande, Cuba, 1902 - Parigi, 1982). Senza titolo, 1966. Inchiostro su carta. Allegato certificato rilasciato dalla Fondazione Wilfredo Lam. Firmato in alto a sinistra. Datato e localizzato (Parigi), in basso a destra. Misure: 29,5 x 40 cm; 48 x 59 cm (cornice). In quest'opera si può apprezzare il linguaggio artistico sviluppato da Wilfredo Lam, tradotto in una serie di personaggi ed elementi estetici che sono diventati la sua iconografia. Negli anni Quaranta Lam iniziò un'attività artistica basata sulle radici di un popolo che, secondo il pittore, doveva recuperare la propria dignità. In questo modo, i riferimenti autoctoni si fondono con il linguaggio formale appreso in Europa per produrre opere in cui compaiono già i personaggi del pantheon yoruba che popoleranno gran parte della sua produzione successiva. Wifredo Lam si è formato all'Avana, dove ha studiato presso la Scuola di Belle Arti. Il suo debutto individuale avviene all'inizio degli anni Venti, con una mostra al Salone dell'Associazione dei Pittori e Scultori della capitale cubana. Nel 1923 si trasferisce a Madrid, con una borsa di studio del Comune di Sagua La Grande, dove continua la sua formazione nell'atelier di Fernando Alvarez de Sotomayor, direttore del Museo del Prado e riconosciuto per essere stato il maestro di Salvador Dalì. Contemporaneamente frequenta l'Academia Libre del Pasaje de la Alhambra e visita il Prado, dove le sue preferenze si orientano verso le opere di Bosch, Brueghel e Goya. A poco a poco, la sua pittura assume un linguaggio moderno che combina una struttura geometrica con una certa vena surrealista. Nel 1938 si reca a Parigi, con una lettera di raccomandazione per Picasso scritta da Manolo Hugué. Lam, che aveva avuto l'opportunità di assistere alla mostra di Picasso tenutasi a Madrid nel 1936, definì questa esperienza "uno shock". Nel 1939 realizza la sua prima mostra personale a Parigi, con Pierre Loeb. Durante la Seconda guerra mondiale Lam rimane nei Caraibi, in contatto con esponenti dell'avanguardia come Masson e Breton, che, affascinato dall'opera pittorica del cubano, gli chiede di illustrare il suo poema "Fata Morgana" (1940). Tornato a Cuba, Lam inizia un'attività artistica basata sulle radici di un popolo che, secondo il pittore, deve recuperare la propria dignità. In questo modo, i riferimenti autoctoni si fondono con il linguaggio formale appreso in Europa per produrre opere in cui compaiono già i personaggi del pantheon yoruba che popoleranno gran parte della sua produzione successiva. Nella seconda metà degli anni Quaranta, Lam alterna la sua residenza tra Cuba, New York e Parigi, dove si stabilisce nel 1952. Il suo prestigio internazionale cresce progressivamente ed egli tiene mostre periodiche in gallerie come la Pierre Matisse Gallery di New York. Negli anni successivi viaggia intensamente e nel 1960 si stabilisce ad Albisola Mare, sulla costa italiana. Nel 1961 riceve il Premio Internazionale Guggenheim e tra il 1966 e il 1967 si tengono diverse retrospettive del suo lavoro alla Kunsthalle di Basilea, alla Kestner-Gessellschaft di Hannover, allo Stedelijk Museum di Amsterdam, al Museum of Modern Art di Stoccolma e al Palais des Beaux-Arts di Bruxelles. Wifredo Lam è rappresentato, tra gli altri, al Guggenheim e al MoMA di New York, al Museo Patio Herreriano di Valladolid, alla Tate Gallery di Londra e al Museo Thyssen-Bornemisza. In allegato il certificato rilasciato dalla Fondazione Wilfredo Lam.

Stima 7 000 - 8 000 EUR

Lotto 80 - TINA BERNING (Germania, 1969) e MICHELANGELO DI BATTISTA (Italia). "Valerie" 2016. Acrilico e carboncino su stampa Ditone. Pezzo unico. Firmato, datato e intitolato sul retro. Misure: 81 x 160 cm; 89 x 169,5 cm (cornice). Tina Berning è un'artista e illustratrice con sede a Berlino. Dopo aver lavorato per diversi anni come graphic designer, nel 2000 Tina Berning si è concentrata sul disegno e sull'illustrazione. Da allora, le sue pluripremiate illustrazioni sono pubblicate in tutto il mondo e appaiono in molte rinomate antologie. Le illustrazioni di Tina Berning sono apparse in pubblicazioni come The New York Times, Playboy (USA e Germania), Vogue (Italia, Giappone, Germania), Die Zeit, Süddeutsche Zeitung e Architectural Digest. La sua passione iniziale per l'illustrazione editoriale l'ha portata a un'intensa contemplazione della figura umana. La riflessione sul ruolo femminile nei media è uno dei temi centrali del suo lavoro artistico. Il suo lavoro di artista è regolarmente esposto in mostre personali negli Stati Uniti, in Germania, Giappone, Paesi Bassi e Canada. L'italiano Michelangelo Di Battista ha completato la sua formazione artistica formale a Milano, dopodiché ha deciso di andare a New York e di iscriversi alla prestigiosa School of Visual Arts, dove si è formato in fotografia e imaging. Questa scelta è sembrata naturale per lui, che cita la madre, pittrice, come una grande influenza che, insieme al padre, architetto, lo ha incoraggiato e ispirato a perseguire una carriera nel mondo della moda e dell'arte. A 20 anni dall'inizio della sua carriera nel mondo della moda, Michelangelo Di Battista vive a Londra e viaggia in tutto il mondo per le sue numerose commissioni di moda e pubblicità. La dedizione e la passione di Michelangelo Di Battista per il suo mestiere hanno attirato alcuni dei nomi più prestigiosi dell'industria della moda e della bellezza, tra cui Versace, Etro, Blumarine, Moschino, Guerlain, Shiseido, Maybelline, Clarins, L'Oreal, Prescriptives, Aveda, Givenchy, Nina Ricci, Lacoste, Tod's e Hugo Boss, solo per citarne alcuni. Ha collaborato con alcune delle più importanti pubblicazioni del mondo, come Vogue Italia, Vogue Germania, Vogue Giappone, Vogue Cina e Harpers Bazaar. Attrici e performer di Hollywood come Natalie Portman, Gwyneth Paltrow, Julianne Moore, Jennifer Aniston, Scarlet Johansson, Hilary Swank, Cameron Diaz, Jennifer Lopez, Kristen Stewart, Beyonce, Rhianna e Gwen Stefani amano essere fotografate da Michelangelo Di Battista, perché rende le donne seducenti e misteriose e cattura un momento di tranquillità in ognuna di loro, facendole apparire radiose. Nel 2010 Michelangelo Di Battista ha tenuto un'importante mostra personale presso la rinomata Camera Work Gallery di Berlino, in collaborazione con l'artista Tina Berning. I ritratti di donne di Michelangelo Di Battista (tra cui le top model Claudia Schiffer, Amber Valetta e Julia Stegner), insieme alle applicazioni di Tina Berning, hanno reso più sfumati i confini tra fotografia di moda, disegno e pittura.

Stima 7 000 - 8 000 EUR

Lotto 81 - SANDÚ DARIE (Roman, Romania, 1908 - L'Avana, Cuba, 1991). Senza titolo, 1960 circa. Acrilico su legno, con rilievo. Firmato in basso. Allegato certificato rilasciato da Pedro de Oraá. Misure: 45,5 x 76 cm. Le opere d'avanguardia di Sandú Darie sono inclassificabili in quanto oscillano tra pittura e scultura, cercando di eliminare i limiti tra arte e artigianato. Ciò è evidente in questa attraente opera in cui il rosso e il nero su bianco acquistano rilievo, suggerendo un immaginario linguaggio pittografico. Nonostante l'influenza di Mondrian (si veda l'opera Broadway Boogie-Woogie del 1949), i pezzi di Darie complessificano l'integrazione dei piani, imprimendo loro un ritmo peculiare, al di là del minimalismo formale proposto da Mondrian. Artista multidisciplinare, ha lavorato in diversi campi dell'ambito artistico, tra cui spiccano la scultura, la pittura, il disegno, la ceramica, la progettazione scenografica e il costume teatrale. Inizia la sua formazione accademica a Parigi nel 1926 nel campo universitario del diritto. Tuttavia, il suo interesse per l'arte e l'atmosfera artistica di Paros introducono Saurdu Darie al mondo dell'arte in modo autodidatta. In questo periodo l'artista combina la sua formazione in Francia con la partecipazione a riviste e giornali progressisti in Romania e Francia, in cui realizza disegni umoristici, e nel 1940 si arruola come volontario nell'esercito francese, arrivando un anno dopo a Cuba. Sull'isola inizia a realizzare disegni umoristici che raggiungono una grande fama, facendolo diventare un artista di riferimento dal 1942. Dal 1949, anno della sua prima mostra a New York, inizia il suo rapporto artistico con Gyula Kosice, fondatore del gruppo "Arte Madí", entrando così a far parte delle mostre di questo gruppo e della pubblicazione di articoli sulla rivista del gruppo. Tra il 1958 e il 1961 fa parte del rinomato gruppo di artisti "Diez Pintores Concretos" e nel 1964 realizza, insieme a Enrique Pineda Barnet, il documentario "Cosmorama. Spatial Poem No. 1", uno studio sperimentale di forme e strutture in movimento; negli anni '70 la sua produzione segue una linea di progetti per ambienti architettonici urbani utilizzando come linguaggio l'arte cinetica. Nel 1982 è stato giurato del Salón Paisaje'82, Museo Nacional de Bellas Artes, L'Avana e nel 1988 giurato del III Salón de Premiados, Museo Nacional de Bellas Artes, L'Avana, Cuba.Sandú Daire Laver, è una delle figure più importanti dell'arte cubana. È uno dei principali precursori dell'Astrazione, sia nei suoi aspetti lirici che geometrici. È un esempio della sua esperienza sull'astrazione geometrica quest'opera plastica, che per le sue caratteristiche formali e strutturali poteva essere eseguita negli anni '50. Oltre a essere uno dei maggiori rappresentanti dell'arte cinetica. Tra i suoi numerosi riconoscimenti, è necessario sottolineare la menzione d'onore del VIIII Salón de Pintura y Escultura del Museo Nacional de Bellas Artes de La Habana nel 1956 e la nomina a membro onorario dell'Accademia Reale di Belle Arti dell'Aia (Olanda) nel 1975, Il Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía di Madrid e numerose collezioni private in tutto il mondo, oltre a istituzioni come la Casa de las Américas di La Hanana (Cuba) e il MoMA di New York. In allegato il certificato rilasciato da Pedro de Oraá.

Stima 6 000 - 7 000 EUR

Lotto 82 - DALILA GONÇALVES (Castelo de Paiva, Portogallo, 1982). "Memoria inginocchiata", 2012. Ceramica, piastrelle e cemento. Pezzo unico. Opere esposte in: - Galleria Kubic, "Dalila Gonçalves. Procedere é Processo", Oporto 2012". Misure: 30 x 50 x 100 cm. "Kneaned Memory" è una delle proposte più rappresentative dell'artista portoghese Dalila Gonçalves. In quest'opera l'artista riflette sulla coesistenza tra artigianato tradizionale e arte contemporanea per mezzo di pietre di cemento alle quali adatta pezzi di ceramica dipinti alla maniera tradizionale portoghese. La mostra è stata presentata come installazione nella piazza Blackenberge (Belgio) durante la Triennale di Beaufort del 2012. "Kneaned Memory" ha viaggiato in diverse città del mondo, instaurando dialoghi interculturali. Dal gioco sperimentale, dalla permeabilità dei materiali e dai processi della pratica artistica, Dalila approfondisce il rapporto tra memoria e oblio. Dalila Gonçalves vive e lavora a Porto. Si è laureata in Belle Arti-Pittura (2005). Master in Insegnamento delle Arti Visive (2009) della FBAUP e della FPCEUP (Università di Porto 2009). Nel 2008 è stata selezionata per la seconda edizione del Corso di Fotografia del Programma Gulbenkian di Creatività e Creazione Artistica. Tra il 2010 e il 2011 ha lavorato a Barcellona nell'atelier dell'artista Ignasi Aballí come borsista del programma Inov-art. È stata artista in residenza presso il KulturKontakt Program, Vienna, Austria (2017); Inclusartiz Residency, Rio de Janeiro (2014); Pivô- Arte e Pesquisa Residency, São Paulo (2018); Marso Foundation, Mexico DF 2020, tra gli altri. Espone regolarmente in istituzioni e gallerie in diversi Paesi dell'Europa e del Sud America. Paesi in cui è rappresentata in collezioni pubbliche e private. Ha presentato il suo lavoro, tra le altre fiere, ad Arco Madrid (soloproject); Zona MACO, Messico (soloproject); ArcoLisboa; ArteRio e SPArte (soloproject) Brasile; ArtBO, Colombia; ArtLima-Perù; Vienna Artfair, Austria; Artissima, Italia o Untitled Miami (USA). Nelle parole dell'artista: "Nel mio lavoro c'è un processo di dissezione, di scoperta di oggetti, materiali, materie in tutti i loro strati fino a quando riesco a vederli dall'interno. Parlo di uno sgombero a volte della loro plasticità, a volte della loro storia, a volte della loro funzione, a volte di tutto contemporaneamente. Spesso lo faccio attraverso un processo di riorganizzazione poetica dei processi di raccolta, sistematizzazione e inventariazione dei materiali quotidiani e di quelli alterati da processi industriali, naturali, cronologici e atmosferici - sottolineo le loro singolarità, ciò che li caratterizza e li rende unici. A volte li congelo isolati in uno specifico stato del processo di analisi; altre volte, in una sorta di gioco sperimentale, mettendoli in dialogo con altri oggetti, creo narrazioni che possono essere documentarie o di finzione".

Stima 8 000 - 10 000 EUR

Lotto 83 - "SIXEART" (Badalona, Barcellona, 1975). "Studi di un cane disoccupato", 2010. Tecnica mista su tela. Firmato in basso a sinistra. Misure: 100 x 73 cm; 104 x 77 cm (cornice). Sixeart o Sixe Art, Sergio Hidalgo Paredes, è un artista multidisciplinare autodidatta. Ha iniziato la sua carriera artistica negli anni Ottanta, dipingendo graffiti per le strade di Barcellona. Un decennio dopo, a metà degli anni Novanta, ha iniziato a sperimentare con la scultura e la pittura, finché nel 1998 ha sentito la necessità di aprire un proprio studio, che gli ha permesso di definirsi come artista visivo. Sixeart esprime con il suo lavoro un universo proprio attraverso varie discipline; dagli inizi, il suo linguaggio artistico si è evoluto fino a diventare quello che è oggi: un universo astratto di colore dotato di forme e simbologie, che respira semplicità e complessità allo stesso tempo. Il suo lavoro pittorico è una miscela equilibrata di figurativo e astratto, estremamente ricca di sensibilità. Sixeart parte dalle sue esperienze nel paesaggio urbano come principale stimolo creativo; le sue giornate nella sua città, Barcellona, la malinconia della città, le sue preoccupazioni per l'evoluzione e le sue conseguenze, la manipolazione genetica, un romanticismo per il mondo che si lascia alle spalle, le immagini che si perdono nel tempo... tutto questo configura il suo personale universo plastico. L'artista fa parte di El Equipo Plástico, insieme a Nuria Mora, Nano4814 ed Eltono, e dal 2000 ha tenuto mostre in Spagna, Germania, Francia, Italia, Stati Uniti, Belgio, Danimarca, Inghilterra, Brasile, Perù e Messico. Tra le sue ultime mostre ricordiamo "New World - Intercontinental Transmutation" (A.L.I.C.E. Gallery, Bruxelles, 2010), "From Chillida to Sixeart" (Mayoral Gallery, Barcellona, 2009), "Warriors" (N2 Gallery, Barcellona, 2009). Inoltre, nel 2008 ha esposto con Blu, Faile, JR, Nunca e Os Gémeos alla Tate Modern di Londra, nella mostra "Street Art".

Stima 6 000 - 7 000 EUR

Lotto 84 - JUAN CORTÉS AMAYA (Santa Coloma, Barcellona 2009). "Ensueño", 2020. Acrilico su tela, Allegato certificato rilasciato dall'artista. Firmato in basso al centro. Titolato e datato sul retro. Misure: 100 x 100 cm; 106 x 106 cm (cornice). Alla sua giovane età ha già esposto in fiere, gallerie e musei internazionali, oltre che a Monaco, in Italia, a Melilla, a Madrid, a Badalona e a Barcellona, quest'ultima a Casa Seat. Le sue opere sono già presenti nelle collezioni private di personaggi famosi come il calciatore Samu Catillejo, il cantante Diego el Cigala, l'attore Moreno Borja, il cantante Rasel, il ballerino Rafael Amargo, il cantante Nani Cortes e grandi imprenditori. Originario di Santa Coloma de Gramanet, Barcellona, questo bambino prodigio ha dipinto la sua prima opera all'età di 6 anni. A 10 anni, Juanito ha perfezionato la sua tecnica e continua a produrre opere pittoriche di "action painting", che sono state esposte per la prima volta in una galleria d'arte di Madrid e che saranno presto riproposte al pubblico spagnolo a Siviglia e che viaggeranno nel continente americano per essere esposte a New York. Alla sua giovane età ha già partecipato a diverse mostre. Mostre collettive: Spectrum, dal 12 al 29 settembre 2018 presso la Santana Art Galler. Miradas creativas" dal 4 al 20 ottobre 2018 presso la Santana Art Gallery. Navidarte" dal 21 dicembre 2018 al 5 gennaio 2019 presso la Santana Art Gallery. Festival Internazionale d'Arte" dal 21 marzo al 5 aprile 2019 presso la Santana Art Gallery. Mostra internazionale di apertura (seconda parte) dal 3 al 16 luglio 2019 presso la OCCO Art Gallery.

Stima 5 000 - 6 000 EUR

Lotto 85 - TANIA FONT (Palamós, Catalogna, 1978). "In decostruzione XV". Cemento, ferro, legno, carta e diverse patine. Firmata sul retro. Misure: 70 x 64 x 40 cm. Tania Font esplora con il suo lavoro la mancanza di comunicazione. Gli impatti della realtà (rumori, fenomeni climatologici, impatti sentimentali o vitali) nella mente degli individui attraverso lo sguardo soggettivo, l'esperienza personale raccontata con il volume invece che con il testo o le parole. Tania Font si è laureata in Belle Arti, specializzandosi in disegno presso la Facoltà di Belle Arti di San Jordi a Barcellona, formazione che ha completato con numerosi corsi di creazione digitale, gioielleria e tecniche ceramiche. Ha inoltre seguito una formazione con il pittore Manel Alcántara e lo scultore Rodrigo Gordo, tra gli altri. È entrata in contatto con l'arte al Círculo Artístico de Palamós, dove ha iniziato a lavorare con il disegno come allieva di Eduard de Cabrera. È stata allieva del pittore paesaggista Isidre Vilaseca. Ha tenuto la sua prima mostra collettiva presso la Galleria Patrick Domken di Cadaqués. È stata residente della fabbrica di creazione Nau Bostik. Ha collaborato alla mostra monografica di Josep Clarà al Museo Can Mario della Fondazione Vila Casas nel 2020. Ha inoltre partecipato a fiere come Estampa, Volta Art Fair Basel, Art Montpellier.

Stima 6 000 - 7 000 EUR

Lotto 86 - JAUME PLENSA (Barcellona, 1955). "Invisibles I". Incisione. Edizione Barberá, Barcellona. Con timbro. Firmato e dedicato. Presenta grinze nella carta. Misure: 100 x 71 cm. Jaume Plensa ha studiato alla Scuola di La Llotja e alla Scuola Superiore di Belle Arti di Sant Jordi, entrambe a Barcellona. Si è distinto nella scultura, nel disegno e nell'incisione. Il suo lavoro si concentra sulla relazione tra l'uomo e il suo ambiente, spesso mettendo in discussione il ruolo dell'arte nella società e la posizione dell'artista. Attualmente vive a Parigi e di recente gli è stata conferita una laurea honoris causa dalla School of the Art Institute di Chicago. Plensa ha iniziato la sua carriera lavorando con ferro battuto mescolato con poliestere. Tra il 1983 e il 1984 ha iniziato a modellare il ferro con la tecnica della fusione e ha sviluppato un concetto scultoreo basato su elementi zoomorfi. Il suo lavoro si è evoluto gradualmente e oggi è considerato un precursore del neo-espressionismo spagnolo. Negli anni Novanta introduce modifiche nel suo lavoro, sia dal punto di vista materiale che formale, e inizia a utilizzare materiali diversi come rottami metallici, poliestere e resine. In questi anni elabora serie di muri, porte e costruzioni architettoniche, cercando di dare allo spazio un protagonismo assoluto. Tra il 1999 e il 2003 Plensa diventa uno dei pilastri della scenografia mondiale, reinterpretando con "La Fura dels Baus" quattro opere classiche di Falla, Debussy, Berlioz e Mozart, e da solo una produzione teatrale contemporanea, "La pareti della solitudine", di Ben Jelloun. Ha tenuto mostre personali e collettive in tutto il mondo, tra cui una retrospettiva al Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía nel 2000. Nel giugno 2008 ha inaugurato a Londra, presso la sede della BBC, la sua opera "Breathing", un monumento dedicato ai giornalisti uccisi nell'esercizio della loro professione. Nel corso della sua carriera ha ricevuto numerose onorificenze, come la Medaglia dei Cavalieri delle Arti e delle Lettere nel 1993, conferita dal Ministero della Cultura francese, o il Premio Nazionale per le Arti Plastiche nel 1997, conferito dalla Generalitat della Catalogna. Considerato uno dei maggiori rappresentanti della nuova arte spagnola di tendenza espressionista, le sue opere sono presenti nelle migliori gallerie e fiere d'arte nazionali e internazionali, oltre che nei principali musei d'Europa e degli Stati Uniti, come il MOMA di New York, il Kemper di Kansas, il Museo Patio Herreriano di Valladolid, il Palazzo Forti di Verona, il MACBA o il Museo Reina Sofía di Madrid.

Stima 3 500 - 4 000 EUR

Lotto 87 - JAUME PLENSA (Barcellona, 1955). "Oceano Atlantico", 2001. Matita grassa su carta. Firmato e datato in basso a sinistra. Misure: 98 x 61 cm; 101 x 63,5 cm (cornice). In quest'opera di Jaume Plensa, il globo assume l'aspetto di un volto umano. I suoi occhi guardano verso l'alto, come a dirci che c'è qualcosa al di là di ciò che conosciamo, un universo sconosciuto, enigmatico e insondabile per gli esseri umani. Jaume Plensa ha studiato alla Escuela de La Llotja e alla Superior de Bellas Artes de Sant Jordi, entrambe a Barcellona. Si è distinto per la scultura, il disegno e l'incisione. Il suo lavoro si concentra sul rapporto tra l'uomo e il suo ambiente, spesso mettendo in discussione il ruolo dell'arte nella società e la posizione dell'artista. Attualmente vive a Parigi e di recente gli è stata conferita una laurea honoris causa dalla School of the Art Institute di Chicago. Plensa ha iniziato la sua carriera lavorando con ferro battuto mescolato con poliestere. Tra il 1983 e il 1984 ha iniziato a modellare il ferro con la tecnica della fusione e ha sviluppato un concetto scultoreo basato su elementi zoomorfi. Il suo lavoro si è evoluto gradualmente e oggi è considerato un precursore del neo-espressionismo spagnolo. Negli anni Novanta introduce modifiche nel suo lavoro, sia dal punto di vista materiale che formale, e inizia a utilizzare materiali diversi come rottami metallici, poliestere e resine. In questi anni elabora serie di muri, porte e costruzioni architettoniche, cercando di dare allo spazio un protagonismo assoluto. Tra il 1999 e il 2003 Plensa diventa uno dei pilastri della scenografia mondiale, reinterpretando con "La Fura dels Baus" quattro opere classiche di Falla, Debussy, Berlioz e Mozart, e da solo una produzione teatrale contemporanea, "La pareti della solitudine", di Ben Jelloun. Ha tenuto mostre personali e collettive in tutto il mondo, tra cui una retrospettiva al Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía nel 2000. Nel giugno 2008 ha inaugurato a Londra, presso la sede della BBC, la sua opera "Breathing", un monumento dedicato ai giornalisti uccisi nell'esercizio della loro professione. Nel corso della sua carriera ha ricevuto numerosi riconoscimenti, come la Medaglia dei Cavalieri delle Arti e delle Lettere nel 1993, conferita dal Ministero della Cultura francese, o il Premio Nazionale per le Arti Plastiche nel 1997, dalla Generalitat della Catalogna. Considerato uno dei principali rappresentanti della nuova arte spagnola di tendenza espressionista, le sue opere sono presenti nelle migliori gallerie e fiere d'arte nazionali e internazionali, oltre che nei principali musei d'Europa e degli Stati Uniti, come il MOMA di New York, il Kemper di Kansas, il Museo Patio Herreriano di Valladolid, il Palazzo Forti di Verona, il MACBA o il Museo Reina Sofía di Madrid.

Stima 9 000 - 10 000 EUR

Lotto 88 - JOSÉ MANUEL BROTO (Saragozza, 1949). Senza titolo, 1989. Acrilico e collage su tela. Firmato e datato sul retro. Misure: 146 x 144 cm. Pittore aragonese appartenente alla nuova astrazione degli anni Settanta, tra le figure più significative della pittura spagnola contemporanea, José Manuel Broto studia alla Scuola di Arti e Mestieri di Saragozza ed espone per la prima volta nel 1968 (Galleria Galdeano), mostrando uno stile in linea con il costruttivismo. Nel 1972 si trasferisce a Barcellona, dove fonda il gruppo Trama insieme a Javier Rubio, Xavier Grau e Gonzalo Tena. Con questo gruppo presenta il suo lavoro nel 1976 alla galleria Maeght di Barcellona, con il sostegno di Antonio Tàpies. Trama pubblica anche una rivista d'arte con lo stesso nome, di cui però escono solo due numeri (1976-1977). Tuttavia, dopo lo scioglimento del gruppo, Broto si orienta verso un linguaggio vicino all'espressionismo astratto, che incorpora nel suo lavoro un paesaggio naturale primitivo. Espone questi nuovi lavori nella sua prima mostra personale a Parigi, tenutasi nel 1984 presso la galleria Adrien Maeght. L'anno successivo lascia Barcellona e si stabilisce nella capitale francese, dove trascorre dieci anni e coincide con altri artisti spagnoli come Barceló, Campano e Sicilia. Durante il periodo parigino Broto sostituisce i temi romantici con forme più austere e astratte, e la sua opera si riempie di forme organiche legate alla tradizione ascetica e mistica. A metà degli anni Ottanta torna in Spagna, stabilendosi questa volta a Maiorca. Artista già maturo, pratica un neo-astrattismo direttamente collegato alla scuola catalana degli anni Settanta, influenzato nelle sue origini dai principi estetici e plastici del gruppo francese Soporte/Superficie, che nel 1966 chiedeva un ritorno alla pittura dopo il disordine prodotto dai movimenti concettuali. Dal 1998 in poi, la sua gamma di temi si è ampliata fino a includere figure spaziali, trasparenze, forme atmosferiche, ecc. Nel corso della sua carriera, Broto ha tenuto numerose mostre ed è stato insignito del Premio Nazionale di Arti Plastiche (1995), del Premio ARCO dell'Associazione dei Critici (1997) e del Premio Goya di Aragona per l'incisione (2003). Nel 1995 il Museo Reina Sofía di Madrid gli ha dedicato una mostra retrospettiva. Attualmente è rappresentato al Museo de Arte Abstracto Español di Cuenca, al FRAC (Midi-Pyrénées, Francia), alla Chase Manhattan Bank Collection di New York, alla Juan March Foundation, al Reina Sofía, al Metropolitan Museum di New York, al Fond National d'Art Contemporain di Parigi, la Kampo Collection di Tokyo, la Fondazione Tàpies di Barcellona, la DOVE Collection di Zurigo, l'Ateneum di Helsinki, la Peter Stuyvesant Foundation di Amsterdam, la Maeght in Francia, La Caixa di Barcellona, il Preussag di Hannover e l'IVAM di Valencia.

Stima 9 000 - 11 000 EUR

Lotto 89 - JOSÉ MANUEL BROTO (Saragozza, 1949). Senza titolo, 1986. Acrilico su tela. Firmato, datato e localizzato (Parigi) sul retro. Dimensioni: 95 x 130 cm; 97 x 132 cm (cornice). Con un'immagine di carattere gestuale, l'autore non si limita a una composizione ma va oltre, indicando allo spettatore che si tratta di forme, idee o suggestioni che superano le frontiere del puramente pittorico, un tratto gestuale associato al colore come valore plastico della sostanza. Alla fine degli anni Ottanta, il lavoro di Broto si caratterizza per la predilezione per i grandi formati, in cui mette in dialogo forme diffuse e organiche con elementi geometrici, come si può vedere in quest'opera in cui elementi diversi sembrano convivere in uno spazio indeterminato e inconcreto. Pittore aragonese inquadrato nella nuova astrazione degli anni Settanta, è considerato una delle figure più significative della pittura spagnola contemporanea. José Manuel Broto studia alla Scuola di Arti e Mestieri di Saragozza ed espone per la prima volta nel 1968, mostrando uno stile in linea con il costruttivismo. Nel 1972 si trasferisce a Barcellona, dove fonda il gruppo Trama. Tuttavia, dopo lo scioglimento del gruppo, Broto si orienta verso un linguaggio vicino all'espressionismo astratto, incorporando nelle sue opere un paesaggio di natura primitiva. Questi nuovi lavori sono stati esposti nella sua prima mostra personale a Parigi, tenutasi nel 1984 presso la galleria Adrien Maeght. Dal 1985 vive e lavora a Parigi. Stabilitosi a Parigi, supera presto il cosiddetto "impressionismo astratto" dei primi anni Ottanta e si libera degli elementi che, dopo il viaggio in Italia (1982), si aggiungono al suo repertorio iconografico e cromatico, dando vita a una serie di dipinti dal tono marcatamente romantico. Dopo dieci anni nella capitale francese, durante i quali coincide con altri artisti spagnoli come Barceló, Campano e Sicilia, si trasferisce a Maiorca. Con l'uso di grandi formati, il passo successivo nel suo lavoro è il recupero di un'astrazione dal forte contenuto cromatico e l'avanzamento della definizione spaziale delle sue tele, come dimostrato in Capricho (1987) e La misión (1988). È stato insignito del Premio Nazionale di Arti Plastiche (1995), nel 1997 del Premio ARCO dell'Associazione dei Critici e nel 2003 del Premio Goya di Aragona per l'incisione. Nel 1995 il Museo Reina Sofía di Madrid gli ha dedicato una mostra retrospettiva. Attualmente è rappresentato al Museo de Arte Abstracto Español di Cuenca, al FRAC (Midi-Pyrénées, Francia), alla Chase Manhattan Bank Collection di New York, alla Juan March Foundation, al Reina Sofía, al Metropolitan Museum di New York, al Fond National d'Art Contemporain di Parigi, la Kampo Collection di Tokyo, la Tàpies Foundation di Barcellona, la DOVE Collection di Zurigo, l'Ateneum di Helsinki, la Peter Stuyvesant Foundation di Amsterdam, la Maeght in Francia, la La Caixa Collection di Barcellona, la Preussag di Hannover e l'IVAM di Valencia.

Stima 13 000 - 14 000 EUR

Lotto 90 - ADRIAN SCHIESS (Svizzera, 1959). "Printemps. 2000. Olio e materiale su tela. Dimensioni: 30 x 50 cm. Schiess sottrae il colore al limite formale in gran parte delle sue opere, cosa che assume particolare rilievo in "Printemps", dove sfrutta la ruvidità casuale della superficie, evocando attraverso il colore e la materia la superficie del fondale marino, anche se potrebbe trattarsi delle onde dell'oceano in un giorno di primavera, con il suo caratteristico blu ceruleo. Schiess ha sperimentato ogni tipo di texture, studiandone gli effetti percettivi attraverso il versamento della materia pittorica. Attraverso i titoli Schiess suggerisce paesaggi, nascosti dietro l'apparenza astratta. L'artista sostiene che le sue opere non possono essere definite né dipinti né sculture. A volte le espone addirittura sul pavimento anziché sulla parete. È un lavoro che nasce dal dialogo con ogni visitatore: "Non considero i pannelli come oggetti pittorici. Sono cose accanto ad altre cose. Sono dipinti le cui superfici lucide riflettono la realtà", spiega l'artista. Adrian Schiess, nato a Zurigo, vive e lavora a Mouans-Sartoux, in Francia. Le sue opere si cimentano con una varietà di formati (fotografia, tela, pannelli colorati riflettenti...) ma con un unico obiettivo: confrontarsi con l'apparenza del reale. Nell'ambito dell'arte contemporanea, esse mostrano un impegno verso l'astrazione che, secondo Adrian Schiess, è l'unico modo per mostrare ciò che non è soggetto ad alcuna determinazione estrinseca. Schiess ha tenuto mostre personali al Fonds Régional d'Art Contemporain PACA, Marsiglia, Francia, al Bündner Kunstmuseum, Coira, Svizzera, al Musée d'Art Moderne, St. Etienne, Francia, a Indianapolis, USA, e al Musée d'Art Moderne, St. St. Etienne, Francia, Indianapolis Museum of Art, Indiana, Städtische Galerie Nordhorn, Germania, Villa Merkel, Galerien der Stadt Esslingen, Kunstmuseum Solothurn, Svizzera, Fundación la Caixa, Barcellona, Neues Museum, Staatliches Museum für Kunst und Design, Norimberga, Kunsthaus Bregenz, FRAC Bourgogne, Dijon, Francia, Neue Galerie am Landesmuseum Johanneum, Graz, The New York Kunsthalle, New York, Kunsthalle Zurich, Svizzera e numerose mostre collettive istituzionali in tutto il mondo.

Stima 12 000 - 14 000 EUR

Lotto 91 - MIQUEL MONT (Barcellona, 1963). "Peau XXVIII". Parigi, 2003. Acrilico e gel su compensato. Firmato, datato, titolato e collocato sul retro. Opera riprodotta sul sito web dell'artista. Provenienza: Importante collezione spagnola. Misure: 200 x 200 cm. Questo dipinto appartiene alla serie "Skins", che lo stesso Miquel Mont definisce come segue: "Un supporto pittorico (compensato, tela,...) viene perforato a intervalli regolari secondo una trama. Questa trama è decentrata o spostata rispetto ai limiti del supporto. Viene ricoperta da diversi strati di pittura spessa e densa fino a quando i fori della trama vengono riempiti o appianati". La pittura di Miquel Mont si basa sulle teorie della percezione pittorica, in particolare su quelle che mettono in dialogo l'opera e lo spazio, la rappresentazione e il supporto. Nelle sue mostre, i pezzi "abitano" la parete, sfuggendo alla loro tradizionale funzione di quadro. Miquel Mont ha iniziato a dipingere negli anni Ottanta. Alla fine di questo decennio si è trasferito a Parigi, dove lavora e vive da allora. Da allora fino alla fine degli anni Novanta, le sue opere sono lavorate in modo così denso che finiscono per diventare oggetti tridimensionali. Dal 2000 affianca all'attività artistica quella didattica, insegnando attualmente all'École Supérieure d'Art et de Design TALM-Tours e all'École Nationale Supérieure d'Architecture de Paris-Belleville. Ha tenuto mostre in tutta la Spagna, ad esempio al Centre d'Art la Panera, o in Francia, in spazi come la Galerie Aline Vidal o il FRAC Alsace, ma anche in Austria. Allo stesso modo, le sue opere si trovano in numerose collezioni, come la Collezione "la Caixa", il Museo di Belle Arti di Alava o il Mumok. Nelle sue opere, i materiali industriali sono presentati nudi, mostrando la loro ruvidità e l'economia di mezzi che caratterizza il lavoro dell'artista. Il metacrilato o il legno diventano strumenti che rompono le cornici di presentazione per espandersi e dialogare con lo spazio in cui sono presentati. Selezione di mostre personali: 2019 Galerie HUS, ESADHaR, Rouen, Francia Orizzontale, Miquel Mont Guillermo Mora, La Fragua, Tabacalera, Madrid -Mal Tiempo, Galeria Trinta, Santiago de Compostela. 2018 Traces et affects, Artothèque de Vitré, Francia 2017 Lo peor, lo peor de todo, Galeria Altxerri, Donostia 2016 La economía dicta todo, Formato Cómodo, Madrid 2015 Fundació Suñol, Barcellona. Selezione di mostre collettive: 2019 La Ronde, Musée des Beaux-Arts de Rouen, Francia. 2018 De(s)rives, un parcours à l'île Saint Louis, Galerie Aline Vidal, Parigi, Francia 2016 Abbaye St André, Centre d'art Contemporain, Meymac, Francia. 2014 Le Mur, collezione Antoine de Galbert, La maison Rouge, Parigi, Francia 2013 Una promessa di cambiamento, commissaire Alain Coulange, Belfort, Francia.

Stima 12 000 - 14 000 EUR

Lotto 92 - KENDELL GEERS (Sudafrica, 1968). "Mutus Liber", 2016. Inchiostro di china e gesso. Misure: 50 x 15 x 15 cm. Questa scultura è ispirata a un feticcio africano, che Kendell Geers impregna di una nota carica politica combinando il primer bianco e facendo colare l'inchiostro nero, alludendo alle lacrime silenziose che da decenni vengono versate in Africa, a causa delle sofferenze degli indigeni provocate dalle pratiche coloniali nei diversi Paesi del continente, ma soprattutto riferendosi all'apartheid in Sudafrica, Paese d'origine dell'autore. Nell'estetica e nel concetto, nell'opera di Geers le pratiche animiste africane si fondono con le tradizioni dell'avanguardia europea. I titoli delle sue sculture appartenenti alla serie "Mutus Liber", che significa "Libro muto", sono sufficientemente espliciti. Kendell Geers si descrive come un "AniMystikAKtivist", che intreccia diverse tradizioni afro-europee, spiritualità, attivismo e misticismo. Geers è nato a Germiston (Sudafrica) e attualmente vive e lavora a Bruxelles. All'età di quindici anni è scappato di casa per unirsi al movimento anti-apartheid, fuggendo infine dal Paese per Londra e poi per New York. Alla Biennale di Venezia del 1993 ha cambiato ufficialmente la sua data di nascita con il maggio 1968, un anno epocale nella storia mondiale per la protesta politica e l'uguaglianza. Questo atto rappresenta il rifiuto di Geers dell'eredità culturale che ha plasmato la sua educazione e la sua rinascita come artista e attivista. I dipinti, le sculture e gli interventi di Geers, che abbracciano un'ampia gamma di media, utilizzano giochi di parole e motivi densamente stratificati per esporre strutture ideologiche. Utilizzando riferimenti diversi - dalla storia dell'arte, alla linguistica, alla poesia, alla protesta e al gioco - le sue opere mettono in discussione il valore artistico e deridono le nozioni di originalità. Il suo lavoro rivela un umorismo tagliente, che combina la cruda energia del punk con la filosofia spirituale di poeti come Arthur Rimbaud, William Blake e William S. Burroughs. L'arte può "cambiare il mondo, percezione per percezione". Geers ha esposto alla Triennale di Setouchi del 2022 e alle Triennali di Bruges e Kortrijk del 2021 in Belgio. Love, By Any Means Necessary", la sesta mostra personale dell'artista alla Stephen Friedman Gallery, è stata inaugurata nel febbraio 2020. Una grande retrospettiva del suo lavoro, curata da Okwui Enwezor, si è tenuta alla Haus der Kunst di Monaco nel 2013. Ha partecipato a Documenta 14 nel 2017 e a Documenta 11 nel 2002 a Kassel, in Germania. Il lavoro di Geers è stato incluso nella Biennale di Venezia nel 2019, 2007 e 1993. Alcune opere in collezioni pubbliche: "Brick" 1988, Johannesburg Art Gallery, Johannesburg, Sudafrica "T.W. (I.N.R.I.)" 1994, Centre Pompidou, Parigi, Francia. "Tears for Eros" 1999, Art Institute of Chicago, USA "T.W. (Scream)" 1999, Stedelijk Museum voor Actuele Kunst, Gand "Akropolis Redux (The Directors Cut)" 2004, National Museum of Contemporary Art, Atene, Grecia. "Monumento all'anarchico sconosciuto" 2007, Collezione BPS22, Charleroi, Belgio. "Mutus Liber 953" 2014, Museo d'arte contemporanea di Anversa, Belgio.

Stima 12 000 - 14 000 EUR

Lotto 93 - BERNARDÍ ROIG (Palma di Maiorca, 1965). Senza titolo, 2010 circa. Resina poliestere, luce. Scultura-installazione. Misure: 28 x 22 cm (testa). Quest'opera fa parte di una delle serie scultoree più emblematiche di Bernardí Roig: figure a corpo intero o teste il cui colore bianco rimanda all'assenza (alla presenza fantasma); e la luce fluorescente come simbolo della cecità umana, dei deficit della memoria storica e della crisi dell'identità collettiva. Il volto trasmette tratti realistici, quasi naturalistici, poiché l'autore si basa sempre su persone reali, su amici che prende come modelli. Bernardí Roig è considerato uno degli artisti spagnoli contemporanei più rilevanti sulla scena internazionale, avendo esposto in numerose gallerie, musei e istituzioni di tutto il mondo. La sua produzione comprende pittura, installazioni, video e anche derive saggistiche. È stato insignito di importanti premi come il Premio Speciale della Fundació Pilar i Joan Miró, il Sotheby's, la Biennale d'Egitto del 2001 o il premio ufficiale della XXI Biennale Internazionale di Arte Grafica della Slovenia. Dalla metà degli anni Novanta ha tenuto mostre personali in importanti gallerie, musei e centri d'arte come la Fondazione Miró (1995), la sala Totem il Cannale di Venezia (1996), il Museo di Arte Contemporanea e Design di San José in Costa Rica (1997), la Fondazione Ludwig dell'Avana (1999), il Museo Jacobo Borges in Venezuela (2000), il Museo delle Belle Arti di Oviedo (2000), la Galleria Max Estrella di Madrid (2000), la Galleria Adriana Schmidt di Colonia (2000), la Galleria Claire Oliver di New York (2002) e il Museo Ludwigsburg di Stoccarda (2002). Ha inoltre partecipato alla Biennale di Venezia (2001), alla Biennale d'Egitto (2001) e alla fiera Arco di Madrid. Attualmente è rappresentato dalle fondazioni AENA, Miró e La Caixa, dai musei Jacobo Borges e Sofía Imber in Venezuela, dal Ministero della Cultura di Maiorca, dal Museo Saikade in Giappone, dalla Collezione Gille in Belgio, dalla Fondazione Ludwig a Cuba e dal Museo di Arte Contemporanea in Costa Rica.

Stima 15 000 - 20 000 EUR

Lotto 94 - GEORGES ROUSSE (Parigi, 1947). "Lussemburgo: Fers à Bétons", 2004. Stampa su alluminio, copia 1/5. Firmata e titolata sul retro. Etichetta con timbro sul retro. Misure: 160 x 125 cm; 165 x 132 cm (cornice). Il lavoro di Georges Rousse si caratterizza, fin dall'inizio degli anni Ottanta, per le relazioni che stabilisce tra fotografia, pittura, scultura e architettura. Il suo interesse per i luoghi abbandonati, smantellati e in rovina, nonché per ciò che questi spazi rivelano sulla cultura che li ha generati, lo ha portato, nel 1986, a stabilirsi per un certo periodo nell'ex ospedale psichiatrico Van Gogh della città francese di Arles. Il risultato di questo soggiorno è la serie Arles, che è stata il punto di partenza della mostra del MACBA. Il suo lavoro è un esempio molto significativo dell'importanza raggiunta dalla fotografia nel corso degli anni Ottanta e un'ulteriore prova del valore del dispositivo fotografico come strumento di creazione contemporanea. Abbattendo le consuete restrizioni tra i media artistici, il suo lavoro unico ha rapidamente lasciato il segno nel mondo dell'arte contemporanea. Dalla sua prima mostra a Parigi, alla Galerie de France nel 1981, Georges Rousse ha continuato a creare le sue installazioni e a esporre le sue fotografie in tutto il mondo, in Europa, in Asia (Giappone, Corea, Cina, Nepal), negli Stati Uniti, in Quebec e in America Latina. Ha partecipato a numerose biennali (Parigi, Venezia, Sydney) e ha ricevuto molti premi prestigiosi: 1983: Villa Medicis hors les murs, New York City 1985 -1987: Villa Medicis, Roma 1988: International Center of Photography Award, New York 1989: Premio di disegno Salon de Montrouge 1992: Borsa di studio Romain Roland, Calcutta 1993: Grand Prix National de Photographie 2008: Succede a Sol LeWitt come membro associato dell'Accademia Reale Belga. È rappresentato da diverse gallerie europee e le sue opere sono presenti in molte importanti collezioni di tutto il mondo. Etichetta con timbro sul retro.

Stima 15 000 - 18 000 EUR

Lotto 95 - TERRY HAGGERTY (Londra, 1970). "Stroke", New York, 2008. Acrilico su tela. Firmato, datato, localizzato e titolato sul retro. Dimensioni: 183 x 164 cm. I dipinti di Terry Haggerty combinano in modo originale gli approcci fenomenologici della Op Art e del Minimalismo. In essi intervalla linee monocromatiche che, in contrappunto con il bianco e attraverso una morbida curvatura, creano l'illusoria percezione della tridimensionalità, ottenendo la sensazione di volume e profondità. Tecnicamente, la sua produzione si distingue per la precisione del lavoro manuale, con forme misurate, meticolose e calibrate. Secondo le dichiarazioni dell'artista stesso in merito alle sue opere esposte presso lo spazio Ivorypress di Madrid, "mi concentro molto sullo spazio e inganno lo spettatore; cerco di farlo lottare per mantenere l'orizzontalità dell'oggetto e finisco per accettare che un pezzo che sembra essere piegato su se stesso e fluttuare nell'aria è in realtà un elemento piatto fatto di legno", Formatosi alla Cheltenham School of Art, Terry Haggerty ha una reputazione di lunga data. Ha esposto in gallerie e musei di tutto il mondo, tra cui Sikkema Jenkins, New York; Max Hetzler, Berlino; Hammer Museum, Los Angeles; Aldrich Museum, Connecticut; PS1, Long Island City. Tra le sue commissioni figurano disegni murali per il Dallas Cowboys Stadium, il Munich Re di Londra e collezioni private negli Stati Uniti e in Germania. Haggerty ha ricevuto numerosi premi, tra cui il For-Site foundation Award (2009), il John Anson Kittredge Award (2003) e il Natwest Art Prize (1999). Attualmente è rappresentato nelle seguenti collezioni: Collezione Charles Schwab & Co, Inc Corporate Headquarters, San Francisco, CA Collezione Hoofddorp cultural center, Haarlemmermeer, Paesi Bassi Collezione KKR, Menlo Park, CA Munich Re Art Collection, Londra, Regno Unito Collezione Paul & Stacy Jacobs, San Diego, CA Sammlung Haubrok, Düsseldorf, Germania The Art Collection Cowboys Stadium, Arlington, TX Haggerty attualmente vive e lavora a Berlino. Le sue opere sono state esposte in gallerie e musei di tutto il mondo, tra cui presentazioni personali al Norton Museum of Art, West Palm Beach, FL; al Modern Art Museum di Fort Worth e all'Hammer Museum di Los Angeles.

Stima 20 000 - 25 000 EUR

Lotto 96 - LOLÓ SOLDEVILLA"; Dolores Soldevilla Nieto (Pinar del Río, Cuba 1901-Havana, 1971). "Marinaio con barca", 1954 circa. Scultura mobile in metallo (bronzo, ferro e alluminio), In allegato un certificato rilasciato da Doña Martha Flora Carranza Barba, nipote dell'artista. Presenta timbro e firma autografa dell'artista. Misure: 83,3 x 50 x 18 cm. Loló Soledevilla è stato il primo a Cuba, e uno dei primi in America Latina, a introdurre sculture completamente interattive. In questo caso l'opera viene presentata dall'artista come un collage metallico in cui ognuno degli elementi ha un movimento indipendente, che permette allo spettatore di interagire con l'opera da una prospettiva ludica, una caratteristica frequente nel lavoro scultoreo di Soldevilla, che era interessata a che gli spettatori delle sue opere potessero accedere ai suoi pezzi in modo personale, intervenendo così nel processo creativo. In questo caso particolare, l'autrice parte dalla figurazione, creando una barca attraverso l'uso di metalli forgiati e assemblati, esaltando così i valori della tradizione artigianale e della sua cultura. Il suo percorso artistico è sempre stato improntato alla sperimentazione, non solo stilistica ma anche tecnica, e ha prodotto opere in diversi media come scultura, incisione e disegno. La sua carriera artistica inizia nel 1948, influenzata dall'amicizia con Wifredo Lam, che lo incoraggia e lo sostiene nei suoi inizi nel mondo della pittura. Nel 1949 si stabilisce a Parigi, dove studia all'Académie Grande Chaumière, compiendo frequenti viaggi ed esposizioni a Cuba per mostrare le sue opere. Nel 1951 entra nell'atelier di Dewasne e Pillet, dove rimane per due anni, e frequenta un corso di tecniche di stampa di Hayter e Cochet, mantenendo e favorendo gli scambi creativi con la Scuola di Parigi. Legata al Movimento 26 luglio, è costretta a una vita clandestina, poiché nel periodo pre-rivoluzionario collabora a Diario de la Marina, Carteles, Información, El País, Avance, Porvenir, Tiempo en Cuba e Survey, oltre che alle pubblicazioni parigine Combat e Arts. Dopo il trionfo rivoluzionario del 1959 entra a far parte del giornale Revolución come redattrice e nell'anno accademico 1960-61 si afferma come docente di arti plastiche presso la Scuola di Architettura dell'Università dell'Avana. Da quel momento in poi, Dolores Soldevilla combina la sua carriera artistica con l'insegnamento presso la Scuola di Architettura dell'Università e il giornale Granma. Grazie ai suoi approcci estetici, nacque il Grupo Espacio e fu membro del gruppo Diez Pintores Concretos; fu membro dell'UPEC e dell'UNEAC e collaborò con Bohemia. Durante la sua vita le sue opere furono esposte in importanti spazi artistici come il Palacio de Bellas Artes a Cuba, a Caracas (Venezuela), a Parigi, a Valencia, a Valladolid (Spagna), in Cecoslovacchia, ecc. Oggi le sue opere sono conservate in numerose collezioni private in tutto il mondo e in istituzioni come il Museo Nacional de Bellas Artes de Cuba (dove è conservata la collezione principale).

Stima 20 000 - 25 000 EUR

Lotto 97 - MARK JENKINS (Virginia, 1970). "Tale padre tale figlio", 2017. Coppia di sculture a tecnica mista. Misure: 180 x 90 x 50 cm (la più grande). "Like father like son", potrebbe essere il titolo alternativo di "Like father like son", una coppia di sculture iperrealistiche che rappresentano un ragazzo e un uomo che nascondono la propria identità dietro un passamontagna, indossando abiti casual e tenendo in una mano una barra di metallo. Il colore nero che ricopre le figure le trasforma in ombre metaforiche, in proiezioni mentali delle paure collettive che ci attanagliano nelle città. Mark Jenkins ha acquisito fama e notorietà per questo tipo di personaggi di strada (vagabondi, incappucciati, personaggi sospetti per il loro aspetto o per l'adozione di strane posture) che collocava nello spazio pubblico senza preavviso e che in numerose occasioni hanno fatto intervenire la polizia, i vigili del fuoco o i corpi di ambulanza. Mark Jenkins è un artista americano che crea installazioni scultoree di strada. Utilizza la "strada come palcoscenico", dove le sue sculture interagiscono con l'ambiente, compresi i passanti che diventano inconsapevolmente attori. Le sue installazioni attirano spesso l'attenzione della polizia. Il suo lavoro è stato descritto come stravagante, macabro, scioccante e situazionista. Jenkins cita Juan Muñoz come sua ispirazione iniziale. Oltre a creare opere d'arte, insegna le sue tecniche scultoree e le pratiche di installazione attraverso workshop. Attualmente vive a Washington. Nel 2005 ha iniziato a lavorare con Sandra Fernandez allo Storker Project, una serie in cui calchi trasparenti di bambini giocattolo vengono installati in diverse città per interagire con l'ambiente circostante[10]. Jenkins e Fernandez hanno poi creato altre installazioni con animali a nastro: cani che giocano nella spazzatura, giraffe che sgranocchiano sacchetti di plastica dagli alberi e anatre che nuotano nei fossi. Altri progetti all'aperto che esplorano le interferenze culturali sono Meterpops, Traffic-Go-Round e Signs of Spring. Nel 2006 Jenkins ha iniziato la serie Embed. I calchi di nastro adesivo sono stati riempiti di carta di giornale e cemento e rivestiti per creare duplicati scultorei iperrealistici di se stesso e di Fernandez. Queste nuove installazioni scultoree altamente realistiche hanno creato confusione e hanno indotto alcuni passanti a chiamare il 911, facendo arrivare sulla "scena" la polizia e, a volte, le unità di soccorso. Nel 2008 Jenkins ha collaborato con Greenpeace a una campagna di sensibilizzazione, Plight of the Polar Bears, per attirare l'attenzione sullo scioglimento delle calotte polari. Jenkins ha creato figure realistiche che assomigliavano a senzatetto, ma con teste di orso polare impagliate. Jenkins ha partecipato a eventi d'arte pubblica come Interference (Barcellona, 2008), BELEF (Belgrado, 2009), Dublin Contemporary 2011, Inside Out (Southeastern Center for Contemporary Art, Winston-Salem, 2009), Living Layers (Roma, 2012), Les Vraisemblables (Nuit Blanche, Parigi, 2014), Passages Insolites (Ex Muro, Quebec, 2021) Embed Bodies (Un Été au Havre, Le Havre, 2022). Per quanto riguarda gli interni, Jenkins ha esposto a livello internazionale in gallerie e musei, oltre a continuare la sua serie Embed in ambienti pubblici come caffè, scuole e hall di edifici. Tra le mostre personali ricordiamo Glazed Paradise alla Diesel Gallery (Tokyo, 2008), Meaning is Overrated alla Carmichael Gallery (Los Angeles, 2009), Terrible Horrible alla Ruttkowski Gallery (Colonia, 2014), Moment of Impact alla Lazarides Gallery (Londra, 2015) e Remix a L'Arsenal (Montreal, 2016). Nel 2018, insieme a Fernandez, ha creato Project84, a Londra, in Inghilterra. L'opera è stata progettata per sensibilizzare l'opinione pubblica sul suicidio maschile adulto. Dal punto di vista commerciale, Jenkins ha collaborato con il marchio di moda Balenciaga.

Stima 20 000 - 22 000 EUR

Lotto 98 - XAVIER MASCARÓ (Parigi, 1965). "Guerriero" 2014. Ghisa. Misure: 164 x 60 x 60 cm. Xavier Mascaró ha sviluppato un ampio corpus di guerrieri e guardiani che sono stati esposti nello spazio pubblico di molte città e in mostre internazionali. Eserciti di guardiani sono stati visti nel Paseo del Prado di Madrid (2010) o davanti al Museo Can Framis di Barcellona (sculture donate alla città dalla Fundació Vila Casas). Ma, a differenza di questi guerrieri seduti in atteggiamento di meditazione, il "guerriero" qui raffigurato avanza con una gamba in atteggiamento di marcia, come se l'antico fantasma che un tempo indossava l'armatura completa prendesse vita. Marcaró imprime sulla materia una patina con cui simula la ruggine di un misterioso oggetto antico, forse proveniente da una civiltà sconosciuta o da un naufragio recuperato dal fondo del mare. In questo suggestivo guerriero, come nel resto della sua produzione, Mascaró dialoga con il patrimonio della cultura materiale. L'uso particolare del ferro conferisce alle sue creazioni totemiche un carattere inquietante che ci porta a riflettere sulla memoria e sulla storia. Xavier Mascaró è uno scultore e pittore spagnolo nato a Parigi da origini francesi, rumene e catalane. Ha vissuto a Madrid, New York, Londra e Città del Messico. Nel 2002 ha ottenuto una borsa di studio per frequentare l'Accademia di Spagna a Roma. Attualmente vive e lavora nei suoi studi di Città del Messico e Lisbona. Ha un grande riconoscimento da parte della critica e del pubblico, avendo esposto nei principali centri d'arte in luoghi come Parigi, Caracas, Vienna, Monte Carlo, Cartagena de Indias, Madrid, New York e Londra, Londra, Madrid, Siviglia, in luoghi riconosciuti (sia in gallerie e musei che in spazi pubblici) come la Saatchi Gallery (Londra), il Palazzo Reale (Parigi), il Kunsthistorische Museum (Vienna), Warehouse 421 (Abu Dhabi), la Marlborough Gallery (New York e Madrid), il Paseo de Recoletos e il Paseo del Prado (Madrid) e il Museo del Templo Mayor e il Centro Culturale di Spagna (Città del Messico). Nel 2014 ha tenuto una mostra personale alla Saatchi Gallery di Londra. Mascaró è uno degli scultori contemporanei spagnoli con maggiore presenza internazionale "L'opera di Mascaró si riferisce all'umano attraverso il senza tempo, a ciò che rimane di ciò che eravamo o a ciò che di ciò che siamo riconosciamo nel nostro passato remoto. Il suo progetto artistico ci trasporta formalmente nel passato, proponendo però una molteplicità di letture che ci mettono a confronto con il presente", come descritto dal Museo Wurt, che ha recentemente dedicato una mostra all'artista.

Stima 20 000 - 22 000 EUR

Lotto 99 - MIGUEL ÁNGEL CAMPANO (Madrid, 1948 - 2018). Senza titolo. Serie di 62 dipinti a olio su tela. Firmati e numerati sul retro. Misure: 30 x 21 cm (ciascuno). Come si evince da questa serie di 62 tele, a partire dagli anni '90 l'opera di Campano subisce diversi processi di scarnificazione: da un lato vengono tagliati i riferimenti alla tradizione, dall'altro viene escluso il colore dalla sua pittura, lavorando solo il nero sulla tela nuda. La geometria, invece, diventa un aspetto fondamentale della sua produzione. Miguel Ángel Campano è uno dei referenti del cosiddetto rinnovamento della pittura spagnola, avvenuto negli anni Ottanta e al quale parteciparono anche Ferrán García Sevilla, José Manuel Broto, José María Sicilia e Miquel Barceló. Negli anni '70 si trasferisce a Parigi grazie a una borsa di studio; l'anno previsto diventa un soggiorno di più di dieci, dove vive e sviluppa la sua brillante carriera pittorica. In seguito va a vivere a Maiorca. Nel 1980 partecipa alla mostra Madrid DF, nel Museo Municipale di Madrid, insieme a diversi artisti tra cui gli stessi che oggi - tranne García Sevilla - lo accompagnano nel Palacio de Velázquez. Cinque anni dopo viene selezionato, insieme ad altri artisti della sua generazione, allora tutti giovani pittori, come Miquel Barceló, già figura di spicco, e José María Sicilia, per una mostra collettiva a New York. Nel 1996 gli viene conferito il Premio Nazionale per le Arti Plastiche. Aveva appena subito un grave ictus e si era sottoposto a un intervento chirurgico a Madrid. Questo lo costrinse a trascorrere diversi mesi senza dipingere. Poi dipinge "solo in nero", un colore molto simbolico secondo le sue stesse parole. Tre anni dopo, il Museo Reina Sofia organizzò in questo stesso Palacio de Velazquez una mostra dedicata alla sua opera più recente, quella degli anni '90. Le sue opere sono esposte nei più importanti musei, come il British Museum di Londra, il Centro Pompidou di Parigi e il Centro de Arte Contemporáneo Reina Sofía di Madrid.

Stima 60 000 - 70 000 EUR

Lotto 100 - JOSE MARIA SICILIA (Madrid, 1954). Senza titolo, 2000. Tecnica mista (olio e cera) su legno. Firmato sul retro. Datato e localizzato (Soller). Provenienza: Galleria Joan Prats di Barcellona. Misure: 252 x 160 cm; 252 x 162 cm (cornice). Luce e oscurità, caos e cosmo, ordine e caso, sono il dritto e il rovescio della filosofia vitale e artistica di José María Sicilia. In questa composizione di grande formato, la latenza cosmica e la luce mistica sono suggerite dall'uso della cera (che Sicilia ha sempre inteso nel suo simbolismo plastico di traccia, poesia, transitorietà e memoria) su uno sfondo scuro come il cielo notturno. Sicilia inizia i suoi studi alla Scuola di Belle Arti di Madrid, anche se nel 1980 li abbandona e si trasferisce a vivere a Parigi. Due anni dopo presenta la sua prima mostra personale, in uno stile in linea con il neo-espressionismo allora di moda in Europa. Sarà a metà degli anni Ottanta che il suo lavoro raggiunge una grande proiezione nazionale e internazionale. Nel 1986 presenta alla Blum Helman Gallery di New York un gruppo di opere che mostra una forte purificazione dello stile precedente, verso una pittura astratta in cui eliminerà progressivamente ogni riferimento formale. Negli anni Novanta questa estetica riduzionista interesserà la gamma cromatica, lasciando le forme suggerite dal riflesso della luce sulla superficie. Un nuovo trattamento materico di sottile risonanza poetica, basato su cere che lasciano trasparire leggermente i temi floreali, riporta il colore in un'opera già pienamente consacrata. José María Sicilia è stata insignita del Premio Nacional de Artes Plásticas (1989) ed è rappresentata al Museo Reina Sofía di Madrid, al MOMA e al Guggenheim di New York e al CAPC di Bordeaux, oltre che in molti altri centri d'arte e musei.

Stima 60 000 - 70 000 EUR

13 maggio - Arte contemporanea

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