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81 risultati

mar 25 giu

Alfred Pierre Noël Cazaubon (1895-1979) Orfeo che alza la lira 1940 circa Firmato CAZAUBON sulla terrazza Grande figura in gesso dipinta a imitazione del bronzo Firmato CAZAUBON sulla terrazza Grande figura in gesso dipinta a imitazione del bronzo Firmato CAZAUBON sulla terrazza Grande figura in gesso dipinta a imitazione del bronzo 287 x 75 x 58 cm (112,9 x 29,5 x 22,8 pollici) Note a piè di pagina: Provenienza Acquistato a Parigi negli anni Settanta dall'attuale proprietario. Le informazioni su Pierre Cazaubon (1885-1979) sono scarse. Nasce a Pau e si forma nello studio di Joseph Alexandre e Ernest Gabard (1879-1957). Espone regolarmente alla Société des amis des Arts de Pau. Prosegue la sua formazione a Parigi con Injalbert (1845-1933). Poi, tra il 1927 e il 1928, trascorre un periodo in America, dove realizza i bassorilievi per la chiesa di Saint John a New York e per il Palais des Congrès dell'Avana. Al suo ritorno a Parigi nel 1929, viene nominato membro del Salon d'Automne con il premio Bernheim de Villier e vi espone per la prima volta accanto ad artisti come Bugatti, Maillol, Pompom e Dejean. La sua scultura "Porteuse d'eau" (Portatrice d'acqua), collocata all'ingresso della Sala IV, attirò una notevole attenzione e fu considerata una rivelazione per le sue "qualità di attenta semplicità e di modellazione insinuante, dolce, ma perfettamente accurata" (loc. cit., Le Temps, 5 novembre 1929). In seguito espone regolarmente sculture in diversi materiali, pietra, bronzo e gesso, al Salon d'Automne. Viene premiato alle Esposizioni Universali del 1930 e del 1937 e nel 1947 ottiene una medaglia d'oro nella categoria arte monumentale all'Exposition internationale de l'habitation et de l'urbanisme al Grand Palais. Siamo inoltre a conoscenza di una scultura monumentale in bronzo raffigurante Heraklès che soffoca un serpente, venduta dalla casa d'aste di Pau-Pyrénées, Etude Gestas, il 17 giugno 2000. Il governo francese gli ha commissionato diverse sculture, per cui è relativamente ben rappresentato nelle collezioni pubbliche francesi (Musée de Pau, Musée d'Art Moderne de Paris, Théâtre National de Chaillot, Centre National des Arts Plastiques, ecc). Le opere di Pierre Cazaubon sono tipiche del periodo degli anni Trenta e sono fortemente ispirate a Maillol e Bourdelle. Come Bourdelle, cerca di dare alle sue sculture una dimensione monumentale. La figura qui presentata ne è un ottimo esempio ed è quasi certamente il progetto in gesso per il sontuoso bronzo delle stesse dimensioni fuso da Attilio Valsuani (attivo tra il 1927 e il 1960), ora alla galleria Nicolas Bourriaud di Parigi. Letterature a confronto F. Roches, "Le salon d'automne 1941", l'Architecture française: architecture, urbanisme, décoration 1940 - 1975, Parigi. Dossier d'artista del museo degli anni Trente, Boulogne-Billancourt, Le Temps, 5 nov. 1929 Dossier d'artista delle opere e documentazione dei musei della città di Pau Isabelle d'Amécourt Esperto - Membro SFEP [email protected] Questo lotto è soggetto ai seguenti simboli di lotto: AR AR Una percentuale aggiuntiva sarà addebitata agli acquirenti per i lotti preceduti dal simbolo AR, corrispondente ai diritti di rivendita degli artisti ai sensi del Copyright Regulations 2006. Si prega di fare riferimento alle condizioni di vendita per ulteriori dettagli. De koper is ons een extra premie verschuldigd ter dekking van onze kosten in verband met de betaling van royalty's krachtens de Artists Resale Right Regulations 2006. Per ulteriori informazioni, consultare le sezioni seguenti. L'Acquirente dovrà versare un premio aggiuntivo per coprire le nostre spese relative al pagamento delle royalties ai sensi del Regolamento sul diritto di seguito degli artisti del 2006. Per ulteriori dettagli, consultare i nostri termini e condizioni. Per ulteriori informazioni su questo lotto, visitare il sito Bonhams.com.

Stima 4 000 - 6 000 EUR

gio 27 giu

Paul Landowski, 1875 Paris – 1961 Boulogne-Billancourt - ERCOLE E L'HINDIN CHERINICO, 1922 Altezza: 49,3 cm. Larghezza: 60,9 cm. Profondità dello zoccolo: 23 cm. Profondità totale: 25 cm. Firmato sullo zoccolo allungato ad angolo arrotondato, con marchio della fonderia "F. BARBEDIENNE Fondeur Paris". Bronzo argentato. Grande gruppo di figure raffiguranti il giovane Ercole che, secondo il mito greco, doveva catturare la cerva come terzo dei suoi dodici compiti. Ercole è qui raffigurato come giovane e snello nello stile Art Déco, che ha dato origine all'idea della scultura come trofeo sportivo. La scultura fu anche un trofeo per la coppa internazionale di sci del 1922; un altro calco fu prodotto per la delegazione olimpica svedese nel 1922. Basato sul modello del 1921, il modello in gesso si trova al Museo degli anni Trenta di Boulogne Billancourt. Nel suo diario, Landowski confessò la sua ammirazione per lo scultore Bourdelle, riconoscendo la somiglianza tra la testa del giovane e quella di Ercole. Le opere si trovano al Metropolitan Museum di New York. Solo alcuni dei calchi sono stati patinati in argento, uno con patina dorata è stato venduto all'asta nel 2018, e la famiglia dello scultore era di origine polacca. Fu membro dell'Académie des Beaux-Arts di Parigi dal 1926 e in seguito ne divenne direttore. È stato anche direttore di Villa Medici a Roma. A.R. Letteratura: Cfr. Jules Romaines, Gérard Caillet, Pierre Berdoy, Paul Landowski, 1875-1961, La main et l'esprit, Paris 1961 (1401586) (11) Paul Landowski, 1875 Parigi - 1961 Boulogne-Billancourt ERCOLE E LA CERNIA, 1922 Altezza: 49,3 cm. Lunghezza: 60,9 cm. Profondità dello zoccolo: 23 cm. Profondità complessiva: 25 cm. Firmato sul basamento a collinetta d'erba lunga con angoli arrotondati con il marchio della fonderia "F. BARBEDIENNE Fondeur Paris". Bronzo; argentato. Grande gruppo figurato raffigurante il giovane Ercole che, secondo la mitologia greca, doveva catturare la cerva di Cernia come terza delle sue dodici fatiche. L'Ercole appare giovane e snello nello spirito dell'Art Déco, che ha fatto nascere l'idea che la scultura potesse essere considerata anche un trofeo sportivo: nel 1922 fu utilizzata come trofeo internazionale di sci. Il modello in gesso è conservato al "Museo degli anni Trenta" di Boulogne Billancourt. Letteratura: Jules Romaines, Gérard Caillet, Pierre Berdoy, Paul Landowski, 1875-1961, La main et l'esprit, Paris 1961.

Stima 10 000 - 12 000 EUR

gio 27 giu

Jean-Baptiste Carpeaux, 1827 Valenciennes – 1875 Courbevoie - UGOLINO Altezza: 48 cm. Larghezza: 37,2 cm. Profondità: 27,3 cm. Firmato "B. Carpeaux" sul fronte della base in erba, sigillo dello studio "Propriété Carpeaux" sul retro. Fuso durante la sua vita, nel 1870, su un modello del 1861. Bronzo, patina scura. Gruppo bronzeo che raffigura in modo espressivo un evento storico, ovvero la sorte del nobile toscano Ugolino della Gherardesca, conte di Donoratico, morto di fame a Pisa nel 1289 insieme ai due figli e ai due nipoti a causa di rivalità politiche. Dante aveva già ripreso il tema tragico nella sua "Divina Commedia". Carpeaux, che ricevette il Prix de Rome nel 1854, trascorse gli anni successivi in Italia, che probabilmente ispirò questo tema. Il "Giudizio Universale" di Michelangelo, ma anche l'antico Laocoonte, gli fornirono ispirazione. Come scultore, sempre maestro dell'espressione psicologica, creò una struggente rappresentazione del tormento fisico ed emotivo delle quattro figure disperate e affamate. Il padre resiste all'impulso di accettare i suoi figli come cibo, una situazione mostruosa che è resa estremamente chiara nel gruppo di figure. La scultura a grandezza naturale fu realizzata tra il 1857 e il 1861 come opera finale per la borsa di studio di Roma. Una versione in marmo (altezza: 197,5 cm) è stata acquisita dal Metropolitan Museum di New York. Un bozzetto in gesso (54 cm) si trova al Musée des Beaux-Arts di Valenciennes, un altro al Musée d'Orsay di Parigi e un "Ugolino" del 1861 al Petit Palais di Parigi. La versione in bronzo fu realizzata per la prima volta come riduzione nel 1863, sulla base del modello del 1861. Carpeaux fu allievo di Fernand Liet, Duret e Rude. Dopo aver studiato in Italia, dove fu definito "un Michelangelo appena sorto", espose a Villa Medici. Nel 1862 si stabilisce a Parigi dove, amico di Géricault, conosce lo scultore Albert-Ernest Carrier-Belleuse. Influenzato da François Rude, diventa allievo di Francisque Joseph Duret all'Accademia. Presto premiato con commissioni di alto livello, realizza numerosi busti, figure a figura intera e gruppi di figure, sempre espressivi e in linea con il naturalismo. Dalou e Forain furono tra i suoi allievi. Bronzi corrispondenti nella Staatliche Kunsthalle Karlsruhe (inv. n. P 232) e nella Hamburger Kunsthalle (inv. n. S-1979-7). A.R. Letteratura: Michel Poletti, Alain Richarme, Jean-Baptiste Carpeaux, Sculpteur, Catalogue raisonné de l'oeuvre édité. Parigi 2003, p. 71 e segg. Mostra: Elegante-espressiva, da Houdon a Rodin Staatliche Kunsthalle Karlsruhe, Scultura francese del XIX secolo alla Staatliche Kunsthalle Karlsruhe. (1401583) (11) Jean-Baptiste Carpeaux, 1827 Valenciennes - 1875 Courbevoie UGOLIN Altezza: 48 cm. Larghezza: 37,2 cm. Profondità: 27,3 cm. Firmato sul fronte dello zoccolo in erba "B. Carpeaux", sul retro sigillo dello studio "Propriété Carpeaux". Fusione a vita, 1870. Modello 1861. Bronzo con patina scura. Gruppo figurativo in bronzo che raffigura in modo espressivo un evento storico, ovvero la sorte del nobile toscano Ugolino della Gherardesca, conte di Donoratico, morto di fame in carcere a Pisa nel 1289 per rivalità politiche, insieme ai due figli e ai due nipoti. Carpeaux, che vinse il Prix de Rome nel 1854, trascorse gli anni successivi in Italia, che probabilmente gli ispirò questo soggetto. Il Giudizio Universale di Michelangelo e l'antico Laocoonte gli servirono da ispirazione. La scultura fu realizzata tra il 1857 e il 1861 a grandezza naturale, come opera finale del suo soggiorno a Roma. Una versione in marmo (H: 197,5 cm) è stata acquisita dal Metropolitan Museum di New York. Un bozzetto in gesso (54 cm) è conservato al Musée des Beaux-Arts, Valenciennes, un altro al Museo d'Orsay di Parigi, un Ugolino del 1861 al Petit Palais di Parigi. La versione in bronzo fu realizzata per la prima volta come riduzione nel 1863 sulla base del modello del 1861. Letteratura: Michel Poletti, Alain Richarme, Jean-Baptiste Carpeaux, Sculpteur, Catalogue raisonné de l'oeuvre édité, Paris 2003, pp. 71... Mostre: Elegante - Espressivo. Da Houdon a Rodin, la scultura francese del XIX secolo, Staatliche Kunsthalle Karlsruhe, Siegmar Holsten (ed. et. al.), 2007.

Stima 250 000 - 300 000 EUR

ven 28 giu

BALDUS, Édouard Il Louvre. 1149 foto originali incollate su 462 tavole, 1 incisione e 2 piante. Custodite in 9 cofanetti. Le fotografie sono stampe su carta salata da negativi su carta (per i piccoli formati: dettagli di sculture) o su vetro collodio (per i grandi formati: padiglioni del Nuovo Louvre), tra il 1855 e il 1857.La costruzione del Nuovo Louvre fu oggetto di una formidabile operazione fotografica commissionata dal ministro di Stato, Achille Fould, e da Lefuel. Nel maggio 1854, su indicazione orale del ministro, Lefuel chiese a Baldus (1813-1882), un fotografo che aveva lavorato alla storia del Louvre, di utilizzare il nuovo mezzo fotografico per conservare un'immagine dello straordinario cantiere del nuovo Louvre. L'obiettivo di Lefuel era quello di costruire un archivio fotografico dei momenti chiave della costruzione del nuovo Louvre. Baldus ha così fotografato le diverse fasi della costruzione del nuovo Louvre. Si tratta della serie delle "vedute domenicali" o "prove domenicali". Ogni domenica, Baldus fotografava i vari padiglioni e le ali del Louvre in costruzione da diversi punti di vista, dalla demolizione delle vecchie strutture all'innalzamento dei piani e all'installazione delle statue sulle facciate. Oggi, grazie a queste fotografie, possiamo seguire passo dopo passo la costruzione dei nuovi edifici. Baldus ha scattato foto di alta qualità delle varie fasi della costruzione del Louvre, con inquadrature meticolose e riprese che danno l'impressione di spazio, volume e monumentalità. Qualità che pochi fotografi dell'epoca erano in grado di raggiungere. Baldus evitava il pittoresco e le sue lastre sono considerate dagli specialisti l'apice della sua arte. Nel 1855, Baldus ricevette un nuovo incarico. Si trattava di fotografare tutte le statue e le decorazioni delle facciate del Louvre. Questo lavoro è una fonte unica per la nostra conoscenza delle statue eseguite durante questo periodo di splendore per l'arte della scultura. Sono state fotografate tutte le statue, non solo quelle che vediamo oggi, ma anche quelle proposte a Lefuel e rifiutate, quelle abbandonate e quelle distrutte o spostate. Tutte le statue sono state fotografate tra il 1855 e il 1868, ad eccezione di due statue di Préault, La Guerre et la Paix (senza dubbio a causa della velocità di esecuzione dell'autore). Le fotografie delle statue e delle decorazioni sono state realizzate da Baldus, rifiutando qualsiasi effetto artistico e concentrandosi sulla riproduzione più rigorosa della statuaria (tutte le fotografie sono state scattate di fronte all'opera, senza alcuna distorsione dovuta alla prospettiva). Le statue sono fotografate allo stadio di modello in gesso, quando vengono messe a disposizione dagli scultori dell'Isola dei Cigni. Ogni fotografia è accompagnata da un commento che indica l'autore, il nome dell'opera o, in mancanza, il tipo di opera (frontone, gruppo di incoronazione, ecc.), il luogo di installazione e l'anno di esecuzione. Queste fotografie e indicazioni costituiscono una collezione di inestimabile valore per ricercatori e storici. Questa eccezionale raccolta documentaria comprende diverse migliaia di foto, circa cinquemila in tutto. Queste foto sono state ampiamente utilizzate come riferimento per il restauro degli Uomini Illustri e dei Geni con Attributi, tra il 1990 e il 1993. Queste foto sono anche essenziali per tenere traccia di tutti gli artisti che hanno contribuito alla decorazione del Louvre, in particolare di quelli meno conosciuti. Quando ricevette l'incarico per il Louvre, Baldus era già noto come fotografo di architettura. Era stato scelto dalla commissione Monuments Historiques per fotografare i monumenti storici della Francia nell'ambito della missione eliografica avviata nel 1851 (insieme ad altri tre fotografi, Henri Le Secq, Gustave Le Gray e O. Mestral). Nel 1855 fu incaricato di fotografare i paesaggi attraversati dalla linea ferroviaria Parigi-Boulogne. Nel 1859 realizza un reportage simile per la linea Parigi-Lione-Méditerranée. Nel 1856 fu anche incaricato dal Ministro degli Interni di immortalare i paesaggi del Rodano dopo le inondazioni del 1856. Dopo il 1868, e fino alla sua morte nel 1889, Baldus si limitò a sfruttare la sua collezione fotografica pubblicando le sue foto sotto forma di album e partecipando a eventi internazionali (Parigi, Bruxelles, Londra, ecc.).

Stima 2 000 - 3 000 EUR

ven 28 giu

Giuseppe CSAKY (1888-1971) Teryicorh Gesso da studio (piccoli pezzi mancanti). Titolato sul fronte, firmato sul lato e datato (19)65. Altezza: 56 cm Cenni storici: nella mitologia greca, Terpsichore era musa della danza. Provenienza: - Vendita Atelier de Joseph Csaky, Claude Boisgirard e Axel de Heeckeren, Hôtel Drouot, Parigi, 10 marzo - 28 giugno 1978, lotto n. 86 (gesso venduto con diritti di stampa per otto otto copie); - Vendita della Collezione Patrick Trigano, Christie's, Parigi, 5 luglio 2005, n. 80 (le nove muse insieme). Bibliografia: Félix Marcilhac, Joseph Csaky, du cubisme historique à la figuration réaliste - Catalogue raisonné des sculptures, Éditions de l'Amateur, Parigi, 2007, modello con riferimento a n° 1965-FM.364/a e riprodotto a p. 387 e a p. 267 per una fotografia dei nove gessi. 158 ART NOUVEAU - ART DECO OGER - BLANCHET Venerdì 28 giugno 2024 85 159 Giuseppe CSAKY (1888-1971) Haleia Studio in gesso (piccoli pezzi mancanti). Titolato sul fronte, firmato sul lato e datato (19)65. Altezza: 56 cm . € 3.000 / € 4.000 Cenni storici: nella mitologia greca, Thalie è la musa della commedia. Provenienza : - Vendita Atelier de Joseph Csaky, Claude Boisgirard e Axel de Heeckeren, Hôtel Drouot, Parigi, 10 marzo - 28 giugno 1978, lotto n. 81 (gesso venduto con diritti di stampa per otto otto copie); - Vendita della Collezione Patrick Trigano, Christie's, Parigi, 5 2005, n. 80 (le nove muse insieme); collezione privata collezione, Parigi. Bibliografia: Félix Marcilhac, Joseph Csaky, du cubisme historique à la figuration réaliste - Catalogue raisonné des sculptures, Éditions de l'Amateur, Parigi, 2007, modello con riferimento a n° 1965-FM.360/a e riprodotto a p. 386 e a p. 267 per una fotografia dei nove gessi

Stima 3 000 - 4 000 EUR

sab 29 giu

Sébastien de BOISHERAUD (1847-1927) "Se avanzo, seguimi; se mi ritiro, uccidimi; se muoio, vendicami - Henri de La Rochejacquelein", 1882. Gesso firmato, intitolato e datato. Altezza: 70,5 cm. Larghezza: 38 cm. Profondità: 31,5 cm (mancante, danneggiato e restaurato). Questa potente figura di Monsieur Henri (1772-1794) evoca probabilmente la battaglia di Les Aubiers e riecheggia il dipinto di Pierre-Narcisse Guérin. Qui, il generale ventunenne sale all'attacco nel pieno della battaglia, come dimostra il buco nel cappello causato da un proiettile. Con la spada sguainata, incoraggiando i suoi uomini, passa sopra un mortaio e un fucile rotto. Con la mano sinistra tiene saldamente lo stendardo fleurdelisé. All'età di 19 anni, Henri de La Rochejaquelein rifiuta di seguire la famiglia nell'emigrazione e sceglie di difendere il trono nella guardia costituzionale di Luigi XVI, dove viene chiamato nel 1791. Il 10 agosto 1792 fu tra gli sfortunati svizzeri che difesero il palazzo delle Tuileries. Quando tornò in patria, trovò i vandeani in rivolta contro la persecuzione religiosa, la coscrizione e l'esecuzione del re. Il 13 aprile 1793, al castello della Durbellière a Mauléon, 3.000 contadini insorti lo acclamano e lo esortano a guidarli. Fu lì che pronunciò le sue parole eterne: "Se avanzo, seguitemi! Se mi ritiro, uccidetemi! Se muoio, vendicatemi! Quello stesso giorno, ottenne una vittoria a Les Aubiers sulle truppe del generale Quétineau. Il nord della regione di Deux-Sèvres fu gettato nell'insurrezione. Sébastien de Boishéraud aveva "conosciuto il fuoco" come granatiere per sette anni. Dotato di talento per il disegno, si interessò alla scultura al ritorno dalla prigionia in Germania nel 1871. Allievo di Amédée Ménard e Charles Lebourg, espone nei saloni di Nantes e Parigi. Artista figurativo, scolpì personaggi del suo Paese e della storia. Il Museo d'Arte e Storia di Cholet conserva una statua in terracotta di François-Athanase de Charette. Datata 1885, le sue dimensioni si avvicinano alla nostra opera, che compare anche sulla copertina dell'opuscolo "Les Boishéraud dans la Tourmente révolutionnaire, archives familiales, 2005". Per quanto ne sappiamo, di questo gesso si conoscono solo pochi esemplari, tutti in collezioni private.

Stima 500 - 800 EUR

sab 29 giu

Francis RENAUD (Saint-Brieuc, 1887-1973) VONNICK. Eccezionale scultura in marmo a taglio diretto, 1929 circa. Titolata sulla base e firmata sul lato "RENAUD". Altezza: 67 cm. (Minore usura). Creato nel 1927, lo studio in gesso di Vonnick fu prodotto in terracotta ed esposto al Salon del 1935. La nostra scultura, unica e notevole, è molto probabilmente il marmo presentato al Salon des Artistes Français nel 1929. Vonnick, jeune fille de Daoulas, è una scultura delicata e potente, che incarna il genio sensibile di Francis Renaud, dove la purezza delle linee per esprimere la profondità dell'animo umano. Vonnick è la sintesi tra naturalismo e stilizzazione geometrica, tra antico e moderno, e la dolcezza che emana da questa giovane donna bretone lo rende evidente. Infine, Vonnick è una scultura unica scolpita nel marmo, un materiale nobile e difficile da domare, crogiolo ideale per questo capolavoro della scultura bretone. Figlio di negozianti che vivevano in rue Saint-Guillaume a Saint-Brieuc, Francis Renaud frequentò la scuola comunale di disegno a Saint-Brieuc, prima di entrare come pittore all'Ecole des Beaux-Arts di Rennes nel 1903 e poi all'ENSBA di Parigi nel 1908, nello studio di Fernand Cormon. Solo dopo il servizio militare Francis Renaud si iscrive alla scultura nello studio di Jean-Antoine Injalbert. Espone al Salon des Artistes Français, dove vince una medaglia d'oro nel 1932. Le sue opere sono conservate al Musée des Beaux-Arts di Rennes, al Musée d'Art et d'Histoire di Saint-Brieuc, al Musée des Beaux-Arts di Quimper e al Musée Breton di Quimper. Bibliografia: - JR Rotté, "Francis Renaud, sculpteur breton" in Briochin du temps passé, les cahiers de l'Iroise, 1985. - Collettiva, sotto la direzione di Philippe Le Stum, "La puissance et la grâce, sculpteurs bretons 1900-1950", Château de Kerjean, 1998.

Stima 6 000 - 8 000 EUR

mer 03 lug

MARIUS JEAN ANTONIN MERCIÉ (1845-1916) Davide che sconfigge Golia Modello realizzato a Roma nel 1869-70; pubblicato da Barbedienne (1810-1892) a partire dal 1875 Bronzo con patina marrone Firmato "A MERCIE" sulla terrazza Reca il timbro del fondatore "F. BARBEDIENNE. Fondeur" sul retro della base (Piccola deformazione della spada) Davide che sconfigge Golia, scultura in bronzo con patina marrone di Marius Jean Anthonin Mercié ALTEZZA 62,50 CM - LARGHEZZA 24,6 IN. Opere correlate Antonin Mercié, David, 1872 circa, bronzo, H. 184,1 ; L. 76,8 ; P. 83,2 CM, Parigi, Musée d'Orsay, inv. RF 186. Letteratura correlata Florence Rionnet, Les bronzes Barbedienne, l'œuvre d'une dynastie de fondeurs (1834-1954), Paris, Arthena, 2016, modello indicato al n. 1072, p. 372. Con questa spedizione da Roma, Antonin Mercié riscosse un immediato successo e riconoscimento da parte dello Stato, che gli conferì la Légion d'honneur e gli commissionò una versione in bronzo nel 1872, che fu collocata al Musée des Artistes Vivants nel 1874. Fu anche un successo popolare: l'opera fu riprodotta da tutti i giornali. Le riduzioni in bronzo si moltiplicano e la fonderia Barbedienne ne produce sei versioni in diverse dimensioni. Il 18 dicembre 1916, il giornale L'Echo riportava una notizia che riassumeva bene l'entusiasmo generale per questa figura: "La statua più popolare realizzata da Antonin Mercié è certamente il suo "David il vincitore". I piccoli italiani che vendono calchi in gesso nelle strade di Parigi portano quasi sempre diversi modelli di questa figura nei loro cesti. [...] " I contemporanei di Antonin Mercié vedevano in questa scultura, inviata da Roma nel 1870, un'eco degli eventi che stavano scuotendo la Francia in quel periodo. Dopo la vittoria prussiana, lo spirito francese si stava sollevando e già guardava a una prossima riconquista. Mercié vede nell'eroe biblico un'espressione di questa speranza. Egli fa di Davide una personificazione della Francia e di Golia un simbolo dell'oppressore prussiano. Utilizzando questo soggetto biblico, Mercié segue le orme degli scultori fiorentini del Rinascimento, in particolare Donatello, che diede al suo David una dimensione civica e politica. Del maestro fiorentino, Mercié riprende anche l'allure aggraziata data dal canone del corpo e dal leggero contrapposto. A questa dolcezza giovanile, Mercié aggiunge dettagli più dinamici e realistici che rendono le sue sculture popolari durante la Terza Repubblica. In seguito a questo David, Mercié ricevette numerose commissioni per monumenti pubblici che esaltavano la patria e i suoi eroi.

Stima 1 500 - 2 000 EUR

mer 03 lug

AUGUSTE BARTHOLDI (1834-1904) Testa di America 1856-1863 ca. Gesso patinato in preparazione per il monumento di Bruat, Colmar (Incidenti minori) Testa di America, scultura in gesso patinato di Auguste Bartholdi, 1856-1863 ca. ALTEZZA 58 CM - ALTEZZA 22,8 IN. Provenienza Per tradizione orale, acquistata dal precedente proprietario direttamente dai discendenti della famiglia Bartholdi. Opere correlate - Auguste Bartholdi, Statua dell'ammiraglio Bruat, 1857-1864, bronzo, Champs de Mars, Colmar; - Auguste Bartholdi, Progetto per il monumento a Bruat, modello in gesso colorato, 1856, Musée Bartholdi, Colmar; - Auguste Bartholdi, Testa d'Africa, frammento della vecchia fontana, pietra arenaria rosa, 1863, Musée Bartholdi, Colmar; - Auguste Bartholdi, Testa dell'America, Frammento della vecchia fontana, arenaria rosa, 1863, Musée Bartholdi, Colmar. Letteratura correlata - Stanislas Lami, Dictionnaire des sculpteurs de l'École française au dix-neuvième siècle, t. I, edizione di p. 65 ; - Jacques Betz, Bartholdi, Les éditions de Minuits, Paris, 1954, pp. 46, 47 e 49; - Robert Belot e Daniel Bermond, Bartholdi, Perrin, 2004, pp. 117-119; - Robert Belot, Bartholdi, l'homme qui inventa la liberté, raccolta Biographies et mythes historiques, Ellipses, 2019, pp. 159-169, 314, 527. Con la sua rara modernità e le sue forme potenti, questa testa di gesso dell'America corrisponde allo stato definitivo dell'Allegoria del Nuovo Continente. L'America è "rappresentata da un giovane il cui aspetto ha ancora qualcosa di selvaggio; con il piede sinistro spinge via vecchi idoli, sotto il gomito una ruota dentata simboleggia l'industria e un remo il genio della navigazione". La sua fronte è sormontata da una stella. Questa stella adornava originariamente la fronte della donna che doveva rappresentare l'Europa "come simbolo della luce di cui l'Europa è il centro". Sebbene si sia detto che la stella aggiunta fosse un segno massonico, un segno discreto dell'impegno di Bruat nella Massoneria, il suo trasferimento dalla fronte della "Vecchia Europa" a quella della "Giovane America" assume una dimensione del tutto simbolica e precorritrice nell'opera di Bartholdi, che fin da allora voleva lanciare un messaggio umanista attraverso l'arte. Più di un decennio prima che Bartholdi, vicino al movimento abolizionista, si avvicinasse a Édouard de Laboulaye, un repubblicano moderato che nel 1865 vedeva nell'America un modello di libertà e proponeva il progetto della Statua della Libertà, egli presentava qui un'immagine ottimistica del Continente che simboleggiava l'ideale democratico e l'accoglienza degli immigrati.

Stima 30 000 - 50 000 EUR

mer 03 lug

AUGUSTE BARTHOLDI (1834-1904) Testa d'Africa 1863 circa Gesso patinato in preparazione per il monumento di Bruat, Colmar (Incidenti minori) Testa d'Africa, scultura in gesso patinato di Auguste Bartholdi, 1863 ca. ALTEZZA 58 CM - ALTEZZA 22,8 IN. Provenienza Per tradizione orale, acquisito dal precedente proprietario direttamente dai discendenti della famiglia Bartholdi. Opere correlate - Auguste Bartholdi, Statua dell'ammiraglio Bruat, 1857-1864, bronzo, Champs de Mars, Colmar; - Auguste Bartholdi, Progetto per il monumento a Bruat, modello in gesso colorato, 1856, Musée Bartholdi, Colmar; - Auguste Bartholdi, Testa d'Africa, frammento della vecchia fontana, pietra arenaria rosa, 1863, Musée Bartholdi, Colmar; - Auguste Bartholdi, Testa dell'America, Frammento della vecchia fontana, arenaria rosa, 1863, Musée Bartholdi, Colmar. Letteratura correlata - Stanislas Lami, Dictionnaire des sculpteurs de l'École française au dix-neuvième siècle, t. I, edizione di p. 65 ; - Jacques Betz, Bartholdi, Les éditions de Minuits, Paris, 1954, pp. 46, 47 e 49; - Robert Belot e Daniel Bermond, Bartholdi, Perrin, 2004, pp. 117-119; - Robert Belot, Bartholdi, l'homme qui inventa la liberté, raccolta Biographies et mythes historiques, Ellipses, 2019, pp. 159-169, 314, 527. Questa testa rappresenta un uomo di colore dai tratti potenti e duri, congelato in un'espressione al tempo stesso dignitosa, orgogliosa e amara. Nel contesto abolizionista degli anni Sessanta del XIX secolo, Bartholdi offre qui sia una potente immagine dell'africano vittima della schiavitù ma determinato a liberarsi dalle catene oppressive, sia la sua prima opera che trasmette il suo impegno politico e il suo attaccamento ai valori universalistici. L'impatto di questa rappresentazione dell'Africa è stato immediato anche per alcune personalità che hanno aderito agli stessi valori, come il dottor Schweitzer, medico e filosofo che ha poi vinto il Premio Nobel per la pace nel 1952. Il Museo Bartholdi ha un resoconto commovente della sua esperienza, intitolato "Sono in preda a un sogno o a un'allucinazione", che è interamente trascritto nella biografia di Robert Belot del 2019: "... Quello che vedo come il più nobile gioiello di Colmar è "il negro" (termine usato all'epoca, trascritto per rimanere fedele al testo originale) che, con le mani incrociate sopra le ginocchia e un'espressione profonda e stordita sul volto, giace ai piedi dell'Ammiraglio. Sì, questo "Negro" è l'opera più nobile e originale della nostra epoca scultorea. Non conosco nessuna statua che mi abbia suscitato un'emozione così meravigliosa, che mi abbia commosso così profondamente nel profondo dell'anima. La verità della natura e la verità dell'ideale sono combinate in modo così meraviglioso...".

Stima 30 000 - 50 000 EUR

mer 10 lug

SALVADOR DALÍ I DOMÈNECH (Figueras, Girona, 1904 - 1989). "Madonne au serpent", 1966. Gesso dorato. L'edizione è formata, da un lato, da tre pezzi in gesso che sono stati regalati a tre ristoranti catalani di Barcellona, Tarragona e Figueres; dall'altro, da alcune altre copie nello stesso materiale che sono state realizzate per amici e parenti di Joan Duran, creatore della cornice che circonda la scultura (è a quest'ultimo gruppo che appartiene l'opera in asta). Fa parte dell'edizione anche un ultimo esemplare in bronzo dorato. Firmato e datato in basso a sinistra. Cornice realizzata da Joan Durán. Catalogato in: "Le dur et le mou", Eccart, R&N Descharnes, p. 204, fig. 496. Misure: 49,5 x 33 x 6,5 cm (gesso); 62,7 x 46,5 x 12,5 cm (cornice). Elementi tipicamente daliniani decorano la cornice di questo rilievo dell'Immacolata Concezione: una serie di lumache, che alludono all'incontro del maestro surrealista con Sigmund Freud, sono affiancate da due uova che simboleggiano la fertilità, un motivo ripetuto più volte nel repertorio di Dalí, che decora anche il tetto del Museo Salvador Dalí di Figueras, Durante i primi anni di vita, Dalí scopre la pittura contemporanea durante una visita di famiglia a Cadaqués, dove conosce la famiglia di Ramon Pichot, un artista che si reca regolarmente a Parigi. Seguendo il consiglio di Pichot, Dalí inizia a studiare pittura con Juan Núñez. Nel 1922, Dalí soggiornò nella famosa Residencia de Estudiantes di Madrid per iniziare a studiare Belle Arti all'Accademia di San Fernando. Tuttavia, prima degli esami finali del 1926, viene espulso perché sostiene che non c'è nessuno in grado di esaminarlo. Nello stesso anno Dalí si reca per la prima volta a Parigi. Lì incontrò Picasso e stabilì alcune caratteristiche formali che da allora in poi sarebbero diventate distintive di tutto il suo lavoro. In questo periodo Dalí tiene regolarmente mostre sia a Barcellona che a Parigi e si unisce al gruppo surrealista del quartiere parigino di Montparnasse. Il pittore sbarca in America nel 1934, grazie al mercante d'arte Julian Levy. A seguito della sua prima mostra individuale a New York, la sua proiezione internazionale si consolida definitivamente e da allora espone le sue opere e tiene conferenze in tutto il mondo. La maggior parte della sua produzione è raccolta nel Teatro-Museo Dalí di Figueras, seguita dalla collezione del Salvador Dalí Museum di San Pietroburgo (Florida), del Reina Sofía di Madrid, della Salvador Dalí Gallery di Pacific Palisades (California), dell'Espace Dalí di Montmartre (Parigi) o del Dalí Universe di Londra.

Stima 10 000 - 12 000 EUR

mer 10 lug

Winfield Scott Autograph Document Signed - ADS, una pagina, entrambe le facciate, 5,5 x 10,75, 17 giugno 1852. Una direttiva scritta a mano da Winfield Scott sul retro di una polizza di carico parzialmente stampata, che attesta che la "buona nave chiamata Niagara di cui è comandante per questo viaggio J. B. Haynes... ora all'ancora nel porto di Livorno e diretta a New York" contiene "una cassa contenente un busto di marmo che misura 13,6 piedi cubi". Scott scrive le istruzioni per la consegna del busto sul retro: "Consegnare il mosto [busto] di marmo di cui sopra, opera del signor Ives, nativo di New York, ora temporaneamente al lavoro come scultore a Roma e Firenze - all'ordine del maggiore Thomas Williams, esercito degli Stati Uniti, che pagherà tutte le spese &c.". La parte inferiore è annotata e firmata dal referente Williams, datata Fort Mackinac, Michigan, 28 giugno 1852, per esteso: "Si prega di consegnare il busto di marmo a Sidney Brooks, Esqr, N. York". Williams era un ufficiale di carriera che aveva combattuto nella Guerra del Messico e che aveva servito per alcuni anni come aiutante di campo di Scott. Come generale dell'Unione nella guerra civile, combatté nella Carolina del Nord e poi lungo il Mississippi e fu ucciso in azione nell'agosto 1862 a Baton Rouge. In buono stato di conservazione, con scritte in evidenza da parti opposte. La data della direttiva di Scott è degna di nota in quanto egli era sul punto di essere scelto come candidato Whig alla presidenza. I Whigs aprirono la loro convention a Baltimora il 17 giugno, proprio il giorno in cui Scott scrisse questo documento, e tre giorni dopo lo avrebbero scelto come candidato alle presidenziali del 1852. Questo documento si riferisce al busto di Scott scolpito da Chauncey B. Ives (1810-1894) intorno al 1851. Scultore neoclassico americano, Ives lavorò inizialmente a New Haven, Boston e New York, producendo molti busti-ritratto, ma nel 1844 si recò in Italia per motivi di salute. Lì trascorse il resto della sua carriera, continuando a realizzare busti-ritratto di americani in visita, ma anche mettendo in marmo busti in gesso che aveva modellato in patria. È probabile che il busto di Scott qui discusso rientri in quest'ultima categoria.

Stima 200 - 400 USD

gio 11 lug

ANGELA CONNER (BRITISH B. 1935), ANDREW CAVENDISH, 11TH DUKE OF DEVONSHIRE - ANGELA CONNER (BRITISH B. 1935)ANDREW CAVENDISH, 11° DUCA DI DEVONSHIRE Gesso dipinto Alto 45 cm Angela Conner e Andrew Cavendish, 11° Duca di Devonshire, divennero amici intimi dopo essere stati presentati dal cognato e drammaturgo di Angela Conner, John Osborne. Fin da quel primo incontro, egli fu un appassionato collezionista delle sue opere e a un certo punto possedeva più di quaranta delle sue sculture, tra cui busti di importanti politici britannici, reali, scrittori e celebrità, oltre a sculture da giardino più grandi. Colpita dal suo lavoro, a Conner fu chiesto di realizzare i ritratti dello stesso Duca del Devonshire e della sua famiglia, che furono esposti nel 1975 alla Chatsworth Theatre Gallery insieme a quadri di Lucian Freud. Cavendish era un aristocratico e politico britannico, noto soprattutto per i suoi contributi alla conservazione e alla gestione di proprietà storiche e istituzioni culturali in Inghilterra. Oltre ad aver ereditato e restaurato Chatsworth House nel Derbyshire, è stato presidente dell'Historic Houses Association e del Georgian Group, organizzazioni dedicate alla conservazione di edifici e paesaggi storici in Inghilterra. È stato anche attivamente impegnato in politica, ricoprendo per quasi vent'anni la carica di membro del Parlamento e vari incarichi governativi, tra cui quello di Ministro di Stato per le Relazioni con il Commonwealth. È piuttosto straordinario il modo in cui l'ho incontrata. Ero stata a teatro e [...] mi sono seduta accanto a una signora che non avevo mai incontrato prima e che mi ha detto di essere una scultrice, e che aveva appena iniziato a scolpire. Aveva fatto una testa di Roy Strong e le dissi che mi sarebbe piaciuto andare a vederla. [...] E così è iniziato tutto". Il Duca di Devonshire, il 3 gennaio 2001, da un'intervista con Helen Dempsey. Provenienza: Direttamente dalla collezione dello studio dell'artista

Stima 400 - 600 GBP
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