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mer 12 giu

YVES KLEIN (Nizza, 1928-Parigi, 1962). "Table d'or". Vetro, plexiglass, acciaio e pigmento d'oro. Allegato certificato rilasciato dalla Galleria Guy Pieters. Misure: 37 x 125,5 x 100 cm. All'inizio degli anni Sessanta Klein tentò di entrare nel mondo del design dell'arredamento con la creazione di tre eleganti tavoli con imbottiture in materiali sorprendenti, che sembrano sospesi in uno spazio illimitato grazie alla trasparenza del metacrilato o del vetro. L'edizione di questi tavoli è iniziata nel 1963, poco dopo la sua morte, e sotto la supervisione della vedova, Rotraut Klein-Moquay, sulla base di un disegno di Klein del 1961. Le tre versioni si differenziano per i colori, quelli più strettamente legati all'artista: Il blu Klein, il rosa meglio conosciuto come "Monopink" e il giallo oro "Monogold". Ogni tavola è dotata di un'etichetta in plastica che funge da targhetta di autenticità con la numerazione di riferimento e il facsimile della firma di Rotraut Klein-Moquay. La passione per il colore oro è rivelata da alcuni estratti di "The Monochrome Adventure" (1960), in cui Klein racconta l'influenza del lavoro presso il negozio di cornici Old Brompton Road e il Savage Studio, entrambi a Londra. Luoghi in cui descrive "l'illuminazione della materia come una qualità profondamente fisica". Artista chiave del movimento neo-dadaista, Yves Klein nasce in una famiglia di artisti, anche se inizia la sua carriera come judoka. Profondamente attratto dalla filosofia e dalla pratica del judo, studia all'Istituto Kodokan di Tokyo, la cui scuola di judo è fortemente influenzata dalla filosofia Zen. Fin da giovanissimo Klein si interessa anche alla religiosità cristiana dell'Ordine Rosacroce, combinando la ricerca di uno stato di vuoto e di armonia totale dello Zen con il rituale e l'immaterialità dei Rosacroce. Questi aspetti rimarranno nella sua personalità per tutta la vita e troveranno espressione nella sua arte. Klein inizia a dipingere negli anni Cinquanta e si presenta come artista visivo al Salon des Réalités Nouvelles di Parigi del 1955, con il monocromo "Expression of the Universe in the Color Minium Orange". Tuttavia, il Salon rifiutò la sua opera, sostenendo che un solo colore non era sufficiente per creare un dipinto. In questa prima fase Klein realizzerà opere monocrome, utilizzando un rullo e non un pennello per eliminare ogni traccia della mano dell'artista. Il colore diventa protagonista, come sensibilità materializzata, come percezione sensoriale. In particolare, il colore più importante per lui sarà il blu, a cui l'artista attribuisce i motivi più astratti della natura tangibile, come il cielo e il mare. In questo contesto, Klein cercò a lungo un blu che conservasse la luminosità originale del pigmento, fino a giungere all'IKB (International Klein Blue). Si tratta di un blu oltremare intenso che l'artista stesso sviluppò e brevettò. Nel corso della sua carriera ha esposto le sue opere in mostre tenute in città come Milano, Parigi, Dusseldorf e Londra, ottenendo un rapido riconoscimento internazionale. Ha esplorato anche oltre la pittura, proponendo una personale idea architettonica che sostituisce le pareti con correnti d'aria, o con mostre come "Le Vide" (Parigi, 1958), in cui ha presentato una stanza completamente vuota, da lui dipinta di bianco. Ha anche prodotto serie eccezionali come "Antropometrie", stampe di corpi in blu, rosa o oro, e "Cosmogonie", in cui Klein cattura le tracce del vento e della pioggia. Le opere di Yves Klein sono attualmente esposte nei principali musei del mondo, tra cui il MoMA, il Guggenheim e il Metropolitan Museum di New York, il Centre Pompidou di Parigi, la Tate Gallery di Londra, il MUMOK di Vienna, il Guggenheim di Bilbao, il MNCARS di Madrid, la Galleria Nazionale d'Arte Moderna e Contemporanea di Roma e altre collezioni pubbliche e private.

Stima 34 000 - 36 000 EUR

mer 12 giu

Otl Aicher - Due panche e un tavolo "Rotis", 1971/72 Tavolo: H. 64 x 160 x 79 cm; panche: H. 30 x 160 x 59 cm (senza cuscini). Legno di conifere, massiccio, mortasato e incollato. Compresi: sei cuscini piccoli e uno grande. Segni significativi dell'età e dell'uso; alcuni dei mobili sono stati esposti all'esterno in Rotis. Provenienza: famiglia Aicher. Questo è l'ultimo set di proprietà della famiglia. Il linguaggio dei segni "pittogramma" per le Olimpiadi di Monaco del 1972, la "gru" Lufthansa ulteriormente sviluppata, la comparsa della ZDF negli anni Settanta. Tutti hanno una cosa in comune: le loro origini negli uffici di Otl Aicher (1922-1991). Il cofondatore e rettore temporaneo della "Hochschule für Gestaltung" (hfg) di Ulm ha lasciato la sua impronta sul design grafico in Germania, un'impronta che si percepisce ancora oggi. Meno conosciuto: Otl Aicher ha sviluppato anche mobili. Tra cui una serie di pezzi di cui sono stati creati solo pochissimi esemplari. In particolare quelli che Aicher commissionò sulla base dei propri disegni per il suo ultimo luogo di residenza e di lavoro, Rotis vicino a Leutkirch. Spesso da artigiani regionali. Uno di questi gruppi di mobili: tavoli in legno massiccio con panche in legno. Otl Aicher fece realizzare una mezza dozzina di questi set di tavoli nei primi anni Settanta. Sembrano un misto di elementi stilistici provenienti dai mobili in legno della "Hochschule für gestaltung" (hfg) di Ulm e di robusta artigianalità dell'Algovia. Otl Aicher e i suoi collaboratori vi si sono seduti. Anche per discutere con le aziende clienti. A volte per pranzare con Maultaschen e Kässpätzle svevi, a volte per riunioni. Idee importanti per i concetti di design di aziende come Bulthaup, ZDF o fsb possono essere state sviluppate seduti a questi robusti pannelli di legno massiccio. I set di tavoli hanno mantenuto i loro bordi chiari e la loro robusta stabilità fino ad oggi." (Citazione: Julian Aicher).

Stima 5 000 - 6 000 EUR

gio 13 giu

PIANI EDGAR (Madrid, 1977). "Domatore umano", 2007. Tecnica mista su tela e legno. Firmato in basso a destra. Titolato nell'area centrale. Misure: 114 x 100 cm. La tavolozza di Edgar Plans, insieme al suo tratto rotto e impetuoso, trabocca di freschezza naïf e dell'impronta dei graffiti newyorkesi. I suoi dipinti sono spontanei e colorati, semplici nel tratto ma profondi nell'impronta che lasciano nella nostra memoria, recuperando dai nostri ricordi scene condivise della nostra infanzia. In quest'opera l'autore ci mostra uno schematico protagonista su "un cavallo blu", forse in allusione al mitico gruppo espressionista del Cavaliere blu, fondato da Wassily Kandinsky e Franz Marc. Un fatto notevole è che Plans abbozza sul volto del protagonista una maschera che riproduce il muso di un equino, creando così una metafora visiva intorno al ruolo di ciascuno dei personaggi del quadro. Si tratta di un pittore che riscuote grande successo nelle manifestazioni internazionali e nel mercato dell'arte, essendo uno dei giovani artisti più richiesti. Secondo le parole dell'artista stesso: "Fin da bambino ho inciso nella mia memoria il ticchettio dei tasti della macchina da scrivere di mio padre (Juan José Plans, 1943-2014). Nel suo studio aveva un tavolino basso con dei sedili, quattro, e intorno ad esso, mentre scriveva, ricordo di aver disegnato con i miei fratelli". La sua formazione accademica inizia all'età di 15 anni, quando inizia a studiare presso lo studio dell'artista José María Ramos. Due anni dopo, Plans, ha aperto il proprio studio, che a sua volta era stato lo studio dell'artista Nicanor Piñole. Nel corso della sua carriera ha partecipato a numerose mostre personali e collettive, tra cui Art Notes 019, Galleria Ainori, Lisbona, Wall Art Notes, Galleria Miquel Alzueta, Barcellona, ArtWynwood. Galleria Casa Cuadrada, Art Paris Art Fair. Galleria Miquel Alzueta, Art New York. Galleria Cuadrada, Busan, Corea. Pigment Gallery in collaborazione con Miquel Alzueta Gallery, Kiaf Art Fair. Pigment Gallery in collaborazione con Miquel Alzueta Gallery, Art Taipei, Ting Ting art Space, London Art Fair. Galleria Miquel Alzueta, selezione della rivista Juxtapoz, Galleria Tales of art, Imola, Italia, Kiaf Art Fair. Pigment Gallery in collaborazione con Miquel Alzueta Gallery, Art Miami. Galleria Miquel Alzueta. Attualmente le sue opere sono presenti in numerose collezioni di grande rilevanza artistica e di carattere particolare, e in istituzioni di rilievo come: il Museo d'Arte Contemporanea dell'Avana, Cuba, il Museo di Belle Arti delle Asturie, la Pinacoteca Eduardo Úrculo, la Fondazione Illuro, Masters of Contemporary Art, il Laboral, Centro d'Arte Contemporanea, la Fondazione La Caixa, la Fondazione Cristina Peterson, la Fondazione Masaveu, e il Consiglio del governo del Principato delle Asturie, tra molti altri.

Stima 24 000 - 28 000 EUR
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