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mar 04 giu

Wilhelm Lehmbruck - Wilhelm Lehmbruck Ragazza con gamba appoggiata 1910 Bronzo. Altezza 62,4 cm. Firmata e iscritta "LEHMBRUCK PARIS" al lato sotto il piede sinistro. Sul bordo inferiore, nella parte posteriore, l'iscrizione del fonditore "Alexis Rudier Fondeur, Paris". Uno dei 2 soli calchi in vita elencati da Schubert. Molto raro. - Bellissima patina scura, in parte color bronzo, con alcune schiariture sulla base. Schubert 54 B.a.2. Provenienza Curt Valentin, New York; Collezione Sternberg, Saint Louis; Galerie Arnoldi-Livie, Monaco (anni '70); collezione privata, Renania Settentrionale-Vestfalia. Letteratura Cfr. Wilhelm Lehmbruck, espos. Cat. Gerhard Marcks-Stiftung Bremen, Brema 2000, cat. n. 6; Katharina Lepper, Mädchen mit aufgestütztem Bein, in: Wilhelm Lehmbruck 1881-1919. Das plastische und malerische Werk. Poesie e pensieri, espos. Cat. Fondazione Wilhelm Lehmbruck Museum Duisburg, Colonia 2005, pag. 122 e segg. Negli anni successivi ai suoi studi alla Kunstakademie di Düsseldorf, dal 1901 al 1906, Wilhelm Lehmbruck cercò nuovi e contemporanei mezzi espressivi per le sue sculture. Trovò un'ispirazione decisiva in Hans von Marées, ma soprattutto negli scultori francesi e belgi Constantin Meunier, Auguste Rodin e Georges Minne. Dal 1906 Lehmbruck si reca quindi regolarmente a Parigi, dove si stabilisce nel 1910. Nella metropoli francese entrò in contatto personale con Rodin, conobbe Aristide Maillol e diede il via al suo stile austero definitivo con la "Grande figura in piedi" nel 1910/11. La "Ragazza con la gamba sollevata" fu creata sulla soglia delle sculture allungate e introverse di Lehmbruck. Anche questo bronzo raffigura una figura femminile in piedi, ma a differenza delle opere successive, la donna assume una posa complicata e contorta. Mentre la gamba sollevata è girata verso sinistra, la parte superiore del corpo è girata verso destra e la testa nella direzione opposta. Con questa postura instabile, la "Ragazza con la gamba alzata" ricorda una "figura serpentinata", le figure contorte del tardo Rinascimento italiano. Tuttavia, il riferimento allo scultore francese Jean-Baptiste Carpeaux, diventato famoso per le sue sculture animate all'Opera di Parigi, è ancora più marcato. Raccogliendo tutte queste influenze, l'artista ha creato un nudo raro e sensualmente giocoso, il cui sguardo introverso anticipa opere successive come i "Große Sinnenden" (1913).

Stima 50 000 - 70 000 EUR

mar 04 giu

Gerhard Marcks - Gerhard Marcks Nuotatore II 1938/1952 Scultura in bronzo. Altezza 167,2 cm. Con firma dell'artista sulla parte anteriore destra del basamento e marchio della fonderia "H. NOACK BERLIN" sul retro a sinistra. Uno degli oltre 4 esemplari; fusione postuma. - Con bella patina marrone scuro. - La coscia anteriore destra presenta alcune abrasioni puntiformi. Rudloff 354; Marcks, Werk-Tagebuch Gips/Bronze 197 Provenienza Collezione privata, Renania Settentrionale-Vestfalia (acquistata direttamente dall'artista) Esposizioni Cfr. tra l'altro Berlino 1938 (Galerie Buchholz), Bildhauerkunst, cat. N. 18 con illustrazione del gesso; Amburgo 1940 (Kunstverein), Deutsche Bildhauer der Gegenwart, cat. N. 113; Hannover 1949 (Kestner-Gesellschaft), Gerhard Marcks, cat. No. 18; Kassel 1955 (Dokumenta I), Cat. 385; Colonia/Berlino/Brema 1989/1990 (Josef Haubrich-Kunsthalle/Nationalgalerie/Gerhard Marcks-Haus), retrospettiva Gerhard Marcks 1889-1981. cat. n. 202, con illustrazioni a colori, p. 201; Jena 2004 (Galerie im Stadtmuseum), Gerhard Marcks. Zwischen Bauhaus und Dornburger Atelier, cat. n. I/25, con illustrazioni a colori. Letteratura Adolf Rieth, Gerhard Marcks, Recklinghausen 1959, p. 17; Jutta Schmidt, Einige Gedanken zur realistischen Plastik des 20. Jahrhunderts, in: Bildende Kunst, 1968, vol. 9, con illustrazioni a p. 471; Ursula Frenzel, Gerhard Marcks 1889-1981, Briefe und Werke, Monaco di Baviera 1988, p. 100; Gerhard Marcks-Stiftung (a cura di), Gerhard Marcks und die Antike, Brema 1993, senza pagine con tre illustrazioni a piena pagina. Gerhard Marcks modellò "Nuotatore II" sul ritratto della figlia Brigitte, nata nel 1916. Nel 1952, l'artista apportò nuovamente piccole modifiche all'acconciatura della scultura del 1938, che mostra Brigitte a grandezza naturale e con muscoli allenati e pronunciati. La seconda figlia Ute, nata nel 1921, gli servì da modella per quest'opera. L'importante scultura "Nuotatore II" - una copia della quale si trova alla Galleria Nazionale di Berlino e un'altra al Kaiser Wilhelm Museum di Krefeld - illustra la ricezione di Marcks dell'antichità classica e arcaica, realizzata nella sua "firma" individuale. Nel ritratto personale, mostra la rappresentazione universale e senza tempo della concentrazione contemplativa che precede ogni attività sportiva. "Nelle costanti dello stare in piedi, seduti, accovacciati e sdraiati, ha tracciato le armonie di un movimento esterno e interno, ha esplorato l'interazione e l'eufonia di un rispettivo canone di forme, ha esplorato il ritmo di una progressione di linee, volumi e assi. Soprattutto nel nudo femminile, si preoccupava soprattutto di una cosa: la bellezza". (Martina Rudloff, Venere Urania non ha nome, in: Gerhard Marcks-Stiftung 1993, op.cit., p. 101)

Stima 150 000 EUR

mar 04 giu

Max Ernst - Max Ernst Giano 1974 Bronzo. Altezza 43,7 cm. Firmato e numerato "max ernst 18/18" sullo zoccolo superiore e con il marchio della fonderia "A. VALSUANI CIRE PERDUE". Il bronzo è stato prodotto in edizioni variamente patinate di 20 esemplari ciascuna (numerate 00/18 e 0/18 - 18/18), 8 épreuves d'artiste e diverse épreuves d'essai. - Con una patina vivace e dorata. Non più presso Spies/Metken Provenienza Collezione Dr Peter Schneppenheim, Colonia Mostre Cfr. tra l'altro Newport Beach/Berkeley/Indianapolis 1992/1993 (Newport Harbor Art Museum/University Art Museum, University of California/Indianapolis Museum of Art), Max Ernst, La scultura, n. 57, con illustrazioni. p. 44; Malmö 1995/1996 (Konsthall), Max Ernst, Skulptur, con ill. pp. 184, 185; Torino 1996 (Museo d'Arte Contemporanea, Castello di Rivoli), Max Ernst sculture, p. 192, con ill. pp. 186; São Paulo 1997 (Museo Brasileiro da Escultura Marilisa Rathsam), Max Ernst, Esculturas, obras sobre papel, obras gráficas, n. 53, p. 38, ill. pp. 100, 101; Lisbona 1999/2000 (Fundação Arpad Szenes-Vieira da Silva), Max Ernst, sculture/sculture, p. 87, ill. p. 79. 87, con ill. p. 79; Tokyo 2000 (Tokyo Station Gallery), Max Ernst, The Surrealist Universe in Sculpture, Painting and Photography, n. p. 60, p. 165, con ill. p. 79; Schwäbisch Hall/Salzburg 2009 (Kunsthalle Würth/Museum der Moderne), Nightmare and Liberation. Max Ernst nella Collezione Würth, p. 336 s. con ill. Letteratura Cfr. Edward Quinn, Max Ernst, Barcellona 1977, ill. p. 18 e p. 22/23; Susanne Kaufmann, Im Spannungsfeld von Fläche und Raum. Studien zur Wechselwirkung von Malerei und Skulptur im Werk von Max Ernst, Weimar 2003, p. 110, n. 104 con illustrazione a p. 293; Jürgen Pech (a cura di), Max Ernst. Plastische Werke, Colonia 2005, pp. 208-211, con illustrazioni. La collezione Peter Schneppenheim Con sei opere di Max Ernst, tre dipinti, una scultura (lotti 32-35) e due opere su carta (lotti 211, 212, asta 1248, 5 giugno 2024), saranno messe in vendita opere selezionate da una delle più importanti e vaste collezioni dell'artista franco-tedesco, la Collezione Schneppenheim. L'iniziatore di questa collezione è stato il medico di Colonia Peter Schneppenheim (1926-2021), che ha accumulato le opere nel corso di decenni sul mercato dell'arte nazionale e internazionale. L'impegno persistente e costruttivo del collezionista ha portato anche alla fondazione del Museo Max Ernst nella sua città natale, Brühl, nel 2005. La sua vasta collezione di opere grafiche, libri illustrati e dipinti selezionati ha costituito la base di questo museo per artisti unico nel suo genere. Peter Schneppenheim è stato per quasi vent'anni medico capo della Heilig-Geist-Krankenhaus di Colonia-Longerich. Trovava equilibrio e appagamento sia nella musica che nell'arte, in particolare nelle opere del pittore, grafico e scultore Max Ernst, nato a Brühl nel 1891 e di cui aveva spesso incontrato le opere a Brühl e a Colonia. Una delle prime opere che notò consapevolmente e che lo fece subito sorridere fu il collage "C'est le chapeau qui fait l'homme" del 1920. Tuttavia, l'esperienza fondamentale per l'acquisizione delle sue opere fu la prima rinomata retrospettiva tedesca del 1951 al Castello di Augustusburg a Brühl. Schneppenheim rimase subito affascinato dalla varietà dei temi e delle tecniche pittoriche: "Nel mio entusiasmo per le opere d'arte insolite e inedite, probabilmente anche ispirato dall'euforia per aver appena superato l'esame di stato, ebbi l'idea di acquistare io stesso dei dipinti di questo artista - inizialmente un'ardita chimera con lo stipendio di un giovane assistente medico, fino a quando non fui in grado di produrre le mie prime opere su carta." (cit. da: Max Ernst. Graphische Welten, cat. Brühl 2004, p. 10). L'entusiasmo iniziale di Schneppenheim per Max Ernst non si esaurì mai, anzi il crescente interesse per la vita e l'opera dell'artista, per le sue tecniche pittoriche innovative e per il suo orizzonte letterario, portò nel tempo ad acquisti sistematici con l'obiettivo di coprire il più possibile la sua opera grafica. L'acquisto di opere prevalentemente grafiche fu, almeno inizialmente, una decisione consapevole. Fin dall'inizio, Schneppenheim dimostrò di avere un occhio di riguardo per la qualità e l'unicità e selezionò le opere centrali di Ernst su carta. Nel 1968 decise anche di acquistare per la prima volta un dipinto a olio e acquistò il paesaggio "Les antipodes du paysage" (lotto 34), che viene qui offerto, tramite il rinomato gallerista Fritz Valentien di Stoccarda, specializzato in Max Ernst. Questo dipinto è significativo anche perché ha costituito il punto di partenza per la concentrazione tematica della collezione sui paesaggi. Un evento particolare degli anni Settanta è stato l'incontro personale di Schneppenheim con Max Ernst e con la sua opera.

Stima 50 000 EUR

mar 04 giu

Käthe Kollwitz - Käthe Kollwitz Pietà (Madre con figlio morto) 1937-1939 Bronzo. Altezza 38,1 cm. Firmata "Kollwitz" e marchio della fonderia "H. NOACK BERLIN" sul bordo inferiore del retro. Fusione postuma. 1970s (?). - Con bella patina bruno-rossastra, parzialmente schiarita. Seeler 37 II.B.14 Provenienza Proprietà privata, Francoforte sul Meno; Galleria Ludorff, Düsseldorf; collezione privata bavarese. Esposizioni Tra le altre, cfr. Mannheim 1948 (Kunsthalle), Käthe Kollwitz, cat. n. 122; Krefeld 1957 (Museum Haus Lange), mostra commemorativa in occasione del suo 90° compleanno, n. 4; New York 1959/1960 (Galerie St. Etienne), Kaethe Kollwitz. Sculture e disegni, cat. n. 4; Berlino 1961 (Staatl. Museen/Nationalgalerie), Jubiläumsausstellung zum hundertjährigen Bestehen der Sammlung, ill. n.p.; Vienna 1962, cat. n. 59 con ill.; Berlino 1978 (Galerie Pels-Leusden), Käthe Kollwitz, Pastelli, disegni, stampe e sculture da quattro importanti collezioni e proprietà, cat. n. 147 m, ill. p. 22; Bielefeld 1999 (Kunsthalle), Das Bild der Frau, p. 111 s.; Güstrow 2007 (Ernst Barlach Stiftung), Käthe Kollwitz. [...] in occasione del suo 140° compleanno, cat. n. 58, p. 92; Berlino 2011, pp. 127-14; Düsseldorf 2016 (Galerie Ludorff), Skulptur I, con illusioni, n. p. Letteratura Si veda, tra gli altri, Heinrich Wolfgang Seidel/Ilse Tönnies, Das Antlitz vor Gott, Amburgo 1941, pl. 26, p. 113; Paul Fechter, Käthe Kollwitz. Plastiken, Berlino 1947, ill. n. p.; Werner Timm, Käthe Kollwitz. Das plastische Werk 1909-1943, in: exhib. Cat. Käthe Kollwitz, Wilhelm-Busch-Museum Hannover/Museum Ostdeutsche Galerie Regensburg 1990, pp. 48, 72, nn. 56, 57; Annette Seeler, in: Käthe Kollwitz. Dolore e colpa, espos. Cat. Käthe-Kollwitz-Museum Berlin 1995, p. 205 s.; Annette Seeler, "Weil ich für ein großes Publikum arbeiten möchte". Sulla pratica della fusione di Käthe Kollwitz e dei suoi eredi, in: Ursel Berger/Klaus Gallwitz/Gottlieb Leinz (eds.), Posthumous casts. Bilanci e prospettive. Una pubblicazione della Arbeitsgemeinschaft Bildhauermuseen und Skulpturensammlungen e.V. e del Museo Arp Bahnhof Rolandseck, Berlino/Monaco 2009, ill. 136; Gudrun Fritsch/Josephine Gabler/Helmut Engel (a cura di), Käthe Kollwitz, Brandeburgo 2013, p. 97 s. "Questa scultura è certamente una delle opere tridimensionali dell'artista più conosciute a livello mondiale [...]". (Annette Seeler, Käthe Kollwitz. La scultura. Catalogo ragionato, Monaco 2016, p. 340) "Pietà" fu il titolo che Käthe Kollwitz scelse per la sua opera piuttosto come espediente. Probabilmente l'artista non era interessata in primo luogo a raffigurare il dolore, quello che provano i genitori di fronte ai loro figli defunti. Piuttosto, con la scultura di grande formato "Madre con figlio morto/Pietà", rifletteva sulla contemplazione nella "tradizione rappresentativa della malinconia" (ibid., p. 342). Nel 1944 Kollwitz autorizzò una versione doppiamente ingrandita su richiesta del collezionista di Stoccarda Paul Beck. Il quadruplo ingrandimento, realizzato dallo scultore Harald Haacke, è stato dedicato alle vittime della guerra e della tirannia e nel 1993 - su iniziativa di Helmut Kohl - è stato installato nella Neue Wache di Berlino come Memoriale Centrale della Repubblica Federale Tedesca.

Stima 50 000 - 60 000 EUR

mer 05 giu

Sir Jacob Epstein (1880-1959) Secondo ritratto di George Bernard Shaw (testa) Firmato Epstein (dietro il collo) Bronzo con patina verde, su una base di pietra nera, concepito nel 1934 43,8 x 22 x 29,4 cm Provenienza: Acquistato dall'artista dai coniugi Maurice Linder, Hewlett Bay Park, Long Island; Da chi ha acquistato da un precedente proprietario, 1989; Da chi è stato venduto, Sotheby's New York, Impressionismo e arte moderna, compresa l'arte russa e latinoamericana, 6 ottobre 2009, lotto 119; Boundary Gallery, Londra, dove è stato acquistato da Jack e Dora Black, novembre 2009; La collezione dei defunti Jack e Dora Black Esposto: Londra, Boundary Gallery, Mostra per il 50° anniversario di Jacob Epstein, ottobre-dicembre 2009 Letteratura: Jacob Epstein, Let There Be Sculpture (Londra, 1940), pp.99-101 (un altro calco illustrato); Jacob Epstein, An Autobiography (Londra, 1955), pp.81-83 (un altro calco illustrato); Richard Buckle, Jacob Epstein Sculpture (Londra, 1963), pp.210-11, pl.323 (un altro calco illustrato); Evelyn Silber, The Sculpture of Epstein (Oxford, 1986), p.178, n.253, calco 17 (un altro calco illustrato). George Bernard Shaw (1856-1950) fu per tutta la vita un sostenitore e un convinto difensore del lavoro di Jacob Epstein. Fu Shaw ad aiutare Epstein ad affermarsi a Londra e lo scultore riconobbe che "per tutta la mia vita in Inghilterra, Shaw fu uno schietto sostenitore del mio lavoro [...]. Era generoso con i giovani talenti". Tuttavia, nonostante questo leale sostegno, Shaw si sedette per il suo ritratto da Epstein solo nel 1934, quando aveva ormai settant'anni, poiché il drammaturgo voleva che l'opera fosse commissionata, in modo che l'artista ne traesse "un beneficio materiale e non solo un busto fine a se stesso". Quando arrivò per la seduta Shaw si spogliò fino alla vita e, sebbene esista una variante del bronzo che include il busto, Epstein preferì questa versione ridotta. A proposito delle sedute, Epstein ricorda: "Shaw si è seduto con una pazienza esemplare e persino con impazienza. Veniva a piedi nel mio studio ogni giorno, era puntuale e coscienzioso. Naturalmente faceva battute". Il presente lavoro esemplifica le qualità che hanno reso Epstein un grande ritrattista. Il suo lavoro migliore derivava spesso dall'interazione con i ritrattisti di grande talento. Negli anni Venti Epstein era considerato uno dei principali scultori d'avanguardia britannici, nonostante si rifiutasse di adulare i suoi ritrattisti. Questo impegno verso la verosimiglianza era ammirato da Shaw ed è questo stile candido ed espressivo che rende vivo l'esempio attuale. Shaw stesso scrisse: "Io mi siedo pazientemente e tu fai esattamente quello che vuoi fare, cioè togliermi la maschera della civiltà. Poi hai continuato a fare meraviglie di modellazione su labbra e guance e bocca con tutta la maestria che rende preziosi i busti". Epstein pensò che "ci sono in esso elementi così sottili che sarebbero difficili da spiegare".

Stima 15 000 - 20 000 GBP

mer 05 giu

August Gaul - Agosto Gallia Lontra 1902/1909 Bronzo. Altezza 19,2 cm. Montato su una base di marmo nero (7,2 x 7,8 x 7,8 cm). Firmato e datato "A. Gaul 1909". Fusione a vita. Tra il 1904 e il 1915 sono registrati 24 acquisti e 10 vendite nella Galleria Cassirer. - Con bella patina marrone medio; il pesce è dorato. La base sul retro presenta due piccole scheggiature. Gabler 93 - 1 Provenienza Ricevuto direttamente dall'artista; in proprietà privata di terza generazione Sassonia Esposizioni Cfr. tra l'altro Secessione di Berlino 1903; Dresda 1904; Monaco 1904, Deutscher Künstlerbund; Brema 1904, Deutsche Kunstausstellung; Venezia 1905, Biennale; Brema 1906, Internationale Kunstausstellung; Berlino 1919 (Galerie Paul Cassirer), mostra speciale August Gaul; Berlino 1922 (Akademie der Künste/Galerie Paul Cassirer), mostra commemorativa August Gaul; Berlino 1999 (Georg-Kolbe-Museum), Der Tierbildhauer August Gaul, cat. n. 25 con illustrazioni a colori a piena pagina; Francoforte 2010 (Museum Giersch), Die Bildhauer August Gaul und Fritz Klimsch, cat. Hanau 2011 (Museen der Stadt Hanau), Die Sammlung Alfons und Marianne Kottmann, p. 48 s. con illustrazioni a colori a piena pagina e illustrazioni a colori sul frontespizio. La letteratura Cfr. tra l'altro Hans Rosenhagen, Die Bildwerke von August Gaul, Berlino 1905, p. 51 con illustrazioni; Die Rheinlande 12, 1906, p. 44 con illustrazioni; Deutsche Kunst und Dekoration 20. 1907, p. 308 con illustrazioni; Angelo Walther, Der Bildhauer August Gaul, Phil. Diss. Leipzig 1961, n. 73; Georg Syamken, Die dritte Dimension. Bestandskatalog der Skulpturenabteilung der Hamburger Kunsthalle, Amburgo 1988, p. 174; Herwig Guratzsch (a cura di), Katalog der Bildwerke, Bestandskatalog des Museums der Bildenden Künste Leipzig, Colonia 1999, cat. n. 207/208

Stima 18 000 - 22 000 EUR

mer 05 giu

Aristide Maillol - Aristide Maillol Femme assise le bras replié autour de la tête (Jeune fille assise se voilant les yeux) 1905 o prima Bronzo. Altezza 21,7 cm, larghezza 17 cm, profondità 6 cm. Firmato "ARiSTiDE MAiLLOL" sul retro del sedile. Questa fusione in bronzo appartiene a un'edizione illimitata pubblicata dal mercante d'arte Ambroise Vollard nel 1905. - Con patina marrone dorata. Si ringrazia Ursel Berger, Berlino, per le gentili informazioni. Provenienza Ex collezione privata di Berlino; da allora in possesso della terza generazione di famiglie berlinesi. Letteratura Cfr. Waldemar George, Aristide Maillol et l'âme de la sculpture, Neuchatel 1977, p. 140 con illustrazione a piena pagina; Ursel Berger, Élisabeth Lebon, Maillol (re)découvert, Galerie Malaquais, Paris 2021, n. 10 con illustrazione a colori a piena pagina, p. 91. Secondo Ursel Berger, esistono due versioni di questa figura, che differiscono per la firma dell'artista. Oltre ai calchi con il noto monogramma Maillol, alcuni esemplari sono firmati con il nome scritto per esteso: Le lettere appaiono in maiuscolo, ma la "i" è scritta tre volte in minuscolo. Un altro esempio di bronzo della "Femme assise le bras replié autour de la tête" così contrassegnato reca anche la firma della fonderia "Bingen & Costenoble Fondeurs Paris". Sia Maillol che il suo editore Vollard commissionarono questo laboratorio tra il 1906 e il 1908/09. Il tipo di figura con la firma scritta deve quindi essere stato creato prima degli esempi monogrammati. La fonderia che ha prodotto il presente bronzo potrebbe essere Bingen & Costenoble, anche se non è possibile stabilirlo con certezza. Come la maggior parte dei calchi delle edizioni Vollard, il bronzo non reca la firma della fonderia.

Stima 20 000 - 30 000 EUR

mer 05 giu

Gerhard Marcks - Gerhard Marcks Albertus Magnus (Modello I) 1955 Bronzo. Altezza 24 cm. Con firma dell'artista sul basamento, numerata sul bordo del basamento al rovescio e con timbro della fonderia "GUSS BARTH RINTELN". Esemplare VI/VI, uno dei 21 calchi totali. - Con patina marrone-oro. Rudloff 628 a; diario di lavoro di Gerhard Marcks gesso/bronzo 421. Provenienza Proprietà privata Berlino Mostre Cfr. tra l'altro Colonia 1955 (Kunstverein), mostra annuale Arbeitsgemeinschaft Kölner Künstler, cat. n. 78; Colonia 1957 (Kunstverein), Gerhard Marcks, cat. n. 35 con illustrazioni; New York 1958 (Gerson Gallery), cat. n. 18 con illustrazione; Colonia 1964 (Wallraf-Richartz-Museum), Gerhard Marcks, cat. n. 39; Brema 1964 (Kunstverein), Gerhard Marcks, cat. n. 35 con illustrazione. N. 39; Brema 1964 (Kunsthalle), Gerhard Marcks, cat. N. 55; New York 1967 (Leonard Hutton Galleries), A Comprehensive Exhibition of Bronze Sculpture by Gerhard Marcks, cat. n. 15 con illustrazioni; Düsseldorf 1974 (Galerie Vömel), Gerhard Marcks, cat. n. 17 con illustrazioni. Letteratura Tra gli altri, Adolf Rieth, Gerhard Marcks, Recklinghausen 1969, p. 20; Heinz Ladendorf, Gerhard Marcks, Albertus Magnus, Stoccarda 1962. Calco di uno dei due modelli più piccoli (Modello I: altezza 24 cm, Modello II: altezza 87 cm) per il monumento "Albertus Magnus", realizzato nel 1955 su commissione di Josef Haubrich per l'Università di Colonia (Rudloff 629, altezza 270 cm).

Stima 8 000 - 12 000 EUR

mer 05 giu

Otto Herbert Hajek - Otto Herbert Hajek Stratificazione spaziale 107 1959 Bronzo con patina nero-verde Circa 45 x 110 x 30 cm. Inciso, firmato, datato e iscritto "Hajek 59 RK 107". Pezzo unico. - Con lievi tracce di età. Eugen Gomringer et al. (a cura di), O.H. Hajek, Eine Welt der Zeichen, Colonia 2000, WVZ n. P110 (catalogo ragionato di Anuschka Kross). Provenienza Proprietà di O.H. Hajek, Stoccarda; collezione privata, Germania meridionale Mostre Mosca 1989 (Galleria Centrale d'Arte), O.H. Hajek, cat. espositiva; Lindau 1988 (Kunsthof in der Galerienpassage), O.H. Hajek, cat. espositiva n. 2; Norimberga 1987 (Germanisches Nationalmuseum), O.H. Hajek, pubblicazione accompagnatoria; Ulm 1986 (Ulmer Museum), O.H. Hajek, cat. espositiva, p.21 con illusioni (qui erroneamente RS 111); Selb 1982 (Rosenthal Feierabendhaus), O.H. Hajek, cat. espositiva; Regensburg 1976 (Museum Ostdeutsche Galerie), O.H. Hajek, cat. espositiva n.6; Lubecca 1974 (Museum am Dom), O.H. Hajek, cat. espositiva, p.135 con illusioni; Praga 1966 (Galerie Spála), O.H. Hajek; Münster 1963 (Westfälischer Kunstverein), O.H. Hajek, mostra al n. 20 (qui erroneamente RK 111); Brema 1963 (Kunsthalle), O.H. Hajek, mostra al n. 21, n. p. con illusioni (qui erroneamente RK 111); Berlino 1963 (Haus am Waldsee), O.H. Hajek, mostra al n. 20 (qui erroneamente RK 111). (qui erroneamente RK 111); Berlino 1963 (Haus am Waldsee), O.H. Hajek, mostra n. cat. 20 (qui erroneamente RK 111); Wiesbaden 1959 (Städtisches Museum), Kunst und Mythos, 9a mostra del Deutscher Künstlerbund, mostra n. cat. 312b (qui erroneamente RK 111) Letteratura Galerie Abels (a cura di), O.H. Hajek, Colonia 1960, p.36 con illusioni (qui erroneamente RS 111); Johanna Stulle, O.H. Hajek, exhib.cat. Museo Nazionale di Castel Sant'Angelo, Roma 1981, p.267 con illustrazioni (qui erroneamente RS 111).

Stima 25 000 - 35 000 EUR

mer 05 giu

Augustin BOCCIARDI (1729 - 1797) Modello in terracotta raffigurante un cavaliere King Charles Spaniel appoggiato su una base completamente modellata, firmato sul lato della terrazza a. Bocciardi . Fecit, e su una base rettangolare in marmo blu turchese e ormeggio. Francia, circa 1760 - 1780 27,4 x 22,5 cm Con base 31 x 29,5 cm Provenienza: collezione privata francese da diverse generazioni. Originario di Genova, Augustin Bocciardi (1729 - 1797) fu attivo a Parigi a partire dagli anni Cinquanta del XVII secolo, diventando membro dell'Académie de Saint-Luc nel 1760 e partecipando alle esposizioni del 1762 e del 1764. Dal 1766 fu assegnato da Louis Marie Augustin, Duc d'Aumont (1709 - 1782) ai Menus-Plaisirs del Re e realizzò decorazioni e figure in stucco, una tecnica all'epoca poco conosciuta in Francia, ma che si prestava molto bene alle decorazioni festive. Lavorò quindi alle scenografie dei grandi eventi reali, in particolare all'Opera di Versailles per il matrimonio di Maria Antonietta, e collaborò ai catafalchi eretti per i lutti di corte. Gli scultori dei Menus-Plaisirs del re erano responsabili della produzione materiale delle decorazioni per lo spettacolo monarchico nei momenti ordinari e straordinari della vita di corte, dal sorgere del sovrano alla sua incoronazione o al suo funerale, senza dimenticare le feste e i divertimenti stagionali (Gruber, op. cit.). Nel 1770, Bocciardi contribuì all'ornamento scultoreo dello scrigno dei gioielli della nuova Delfina, Maria Antonietta. Nel 1775 partecipò alle decorazioni per l'incoronazione di Luigi XVI a Reims. Nel 1777 fornì il camino per il padiglione Bagatelle progettato dal conte d'Artois e nell'estate del 1780 realizzò le basi in marmo per i vasi posti ai quattro angoli del castello e gli zoccoli per le sculture nelle nicchie. Realizzò anche le statue del catafalco dell'imperatrice Maria Teresa d'Austria, eretto a Notre-Dame de Paris il 31 maggio 1781. Il suo lavoro per i Menus-Plaisirs fu molto vario: fu scultore-marmiere, ornatista e artista figurativo, oltre che lapidario, come dimostra la sua collaborazione con il cacciatore e doratore Pierre Gouthière (1732-1813) per la realizzazione di vasi in porfido, granito, marmo e alabastro, conservati in collezioni pubbliche come la Frick Collection, il Metropolitan Museum e in collezioni private. Mentre lavorava per il re ai Menus-Plaisirs di Versailles, sviluppò una clientela privata: nel 1776 scolpì diverse opere per il Castello di Pontchartrain, tra cui due caminetti in marmo per il salone. Nel 1779 lavora alle decorazioni dell'Hôtel de Villeroy e, intorno al 1782, partecipa alla decorazione dell'Hôtel de Sénectere, in rue de l'Université; realizza caminetti per l'Hôtel de Thellusson e oggetti decorativi per la duchessa di Mazzarino e il suo Hôtel quai Malaquais, intorno al 1780... È anche l'autore del busto in bronzo raffigurante il dotto medico Jean Astruc (1684-1766) conservato al Musée de l'Histoire de la Médecine (EMP 509), che dimostra anche che Bocciardi era un ritrattista di talento (1768). Il fatto che Bocciardi lavorasse spesso a opere effimere spiega forse in parte perché poche sue sculture sono oggi conosciute e documentate. È probabile che il nostro Re Carlo in terracotta sia stato commissionato direttamente allo scultore da un membro della famiglia reale o della sua corte. Tutti ricordiamo il cane preferito di La Pompadour, "mimi", raffigurato in numerosi dipinti. La terracotta qui presentata è un raro esempio dell'opera dell'artista e aggiunge un nuovo elemento alla sua produzione e alla sua attività di scultore per i Menus-Plaisirs. Bibliografie comparate : S. Lami, Dictionnaire des Sculpteurs de l'Ecole Française au Dix-huitième Siècle, Parigi, 1910, pp. 71-72. A-C. Gruber, Les Grandes Fêtes et leurs décors à l'époque de Louis XVI, Ginevra, 1972, p. 16. A-M. Coutenceaux, Augustin Bocciardi (1719-1797), 2007-8. Parigi, New York, Los Angeles, Musée du Louvre, Metropolitan Museum of Art, J. Paul Getty Museum, Bronzi francesi dal Rinascimento all'Illuminismo, 22 ott. 2008-18 gen. 2009, 23 feb.-24 mag. 2009, 30 giu.-27 sett. 2009, G. Bresc-Bautier, G. Scherf e J. Draper eds. pp. 478-9. Esperto : Isabelle d'AMECOURT

Stima 5 000 - 8 000 EUR

mer 05 giu

CHINE DYNASTIE MING, XVIe SIÈCLE - = Rara statua in bronzo dorato di Shakyamuni Il Buddha seduto in vajrasana su una doppia base lotiforme con imponenti petali, le mani in dhyanamudra, vestito con una veste monastica che copre entrambe le spalle con bordi finemente cesellati con volute floreali, il busto scoperto con un motivo a svastica. I capelli sono raccolti in una corona intorno alla testa, con delicati riccioli. Il volto è animato da baffi e piccola barba con riccioli sottili. Base non sigillata. H. 20 cm di altezza NOTA Questa eccezionale statua in bronzo dorato del Buddha Shakyamuni in meditazione, risalente al XVI secolo, presenta una rara e singolare iconografia alla confluenza delle tradizioni artistiche Yuan e Ming. In esso si fondono l'eredità iconografica e tecnica della dinastia Yuan (1279 - 1368) e le innovazioni stilistiche della dinastia Ming (1368 - 1644). Un pezzo estremamente simile, delle stesse dimensioni e probabilmente proveniente dalla stessa bottega, è conservato nelle collezioni della Fondazione Chang e illustrato in "Buddhist Images in Gilt Metal" Taipei, 1993, pl. 5. Anche in questo caso si tratta di una rappresentazione di Shakyamuni, ma il Buddha è raffigurato in bhumiparshamudra ("prendere la Terra come testimone"). Il periodo Yuan vide grandi cambiamenti artistici e culturali, con una rottura totale con la tradizione erudita della dinastia Song. Nel campo della statuaria buddista, l'influenza himalayana, in particolare tibetana, divenne onnipresente. La nuova dinastia favorì il buddismo Vajrayana, concedendo il controllo di tutti i buddisti al capo del lignaggio Sakyapa, una delle quattro grandi scuole tibetane. L'uso del bronzo dorato si diffuse nella produzione di immagini buddiste, così come l'uso della doppia base lotiforme. Sono questi elementi, introdotti nel periodo Yuan e ispirati dal Tibet, che ritroviamo nel pezzo attuale, dove il Buddha storico è raffigurato seduto in vajrasana su un'imponente base a doppio lotiforme i cui petali sono molto stilizzati. È inoltre interessante notare che il nostro pezzo prende in prestito alcune caratteristiche fisiche dai modelli della dinastia Yuan, in particolare il trattamento della barba a riccioli sottili e i capelli composti da ciocche di riccioli sciolti che formano una corona intorno al cranio. Queste caratteristiche possono essere confrontate con la statua in bronzo dorato dell'arhat Bhadra del Musée National des Arts Asiatiques Guimet (MG 9729), risalente al XIV secolo. Dopo meno di un secolo di vita, la dinastia Yuan scomparve a favore della dinastia Ming, di origine Han. I primi anni della statuaria buddista dei Ming furono segnati da una lenta evoluzione stilistica e dalla continuazione dei modelli himalayani. Il XVI secolo segna una vera e propria rottura artistica con l'emergere di stili e iconografie che dureranno fino all'avvento dei Qing nel 1644 e al ritorno del buddismo tibetano al centro della scena. Queste scelte stilistiche rientrano nella volontà della dinastia di tornare a un classicismo cinese, sia politico che culturale, proseguendo i modelli avviati in particolare sotto la dinastia Song. Dal punto di vista iconografico, si assiste a un cambiamento nel modo di vestire del Buddha, che si allontana dalla semplice veste monastica che copre una spalla, iconografia derivata dai modelli lamaisti. Il Buddha indossa ora una veste (uttarasanga), un mantello che copre entrambe le spalle (sanghati) e un gonnellino legato in alto sul busto (antaravasaka). Allo stesso modo, la raffinata decorazione di fogliame inciso sul bordo della veste e il segno di buon auspicio sul busto (svastica) sono caratteristiche iconografiche ricorrenti della seconda metà della dinastia Ming. Infine, la ricchezza della doratura e l'eccellente qualità della fusione sono tipiche della metà della dinastia Ming, dove la cura dei dettagli e della modellazione conferisce alla figura del Buddha una presenza reale. CONDIZIONE Base non sigillata, usura della doratura, usura da uso, piccola perdita di una delle serrature dietro la testa, piccola ossidazione

Stima 25 000 - 35 000 EUR

mer 05 giu

TIBET XVIIIe SIÈCLE - = Statua di Lama in bronzo dorato Seduto in vajrasana, indossa una veste monastica composta da un patchwork di pezzi separati da bande incise con eleganti volute floreali, le mani davanti al petto in dharmachakra mudra. Il volto è rotondo, con un naso prominente, labbra carnose e occhi spalancati, e un cranio nudo evidenziato con pigmento nero. L'espressione è serena e benevola. H. 49,5 cm NOTA Questa statua, rara e spettacolare non solo per le dimensioni ma anche per la qualità, testimonia la maestria raggiunta dagli artigiani himalayani. Essi sono maestri non solo della ghisa, ma anche del chasing e del repoussé. Una ricca doratura al mercurio, caratteristica della regione, esalta l'effetto complessivo. Quest'opera fa parte di una rinascita dell'influenza del buddismo tibetano all'interno dell'impero cinese. Il buddismo tibetano aveva subito un'espansione senza precedenti nel XIII secolo grazie alle conquiste mongole, in particolare tra i nomadi dell'Estremo Oriente asiatico, ma era anche diventato la religione di Stato in Cina sotto la dinastia Yuan (1279 - 1368). Nel 1644, i Manciù, una popolazione nomade proveniente dal nord della Cina, presero il potere in Cina e fondarono la dinastia Qing (1644 - 1911). I loro imperatori erano ferventi buddisti e si impegnarono a diffondere e patrocinare il buddismo tibetano in tutto il loro impero, che raggiunse dimensioni senza precedenti nel XVIII secolo. Questo portò a importanti scambi artistici, politici e diplomatici tra i monasteri tibetani e il governo cinese, come dimostra il nostro pezzo, che probabilmente era destinato a un ricco tempio o monastero. CONDIZIONE Usura della doratura, ossidazione, usura da uso, mancanza del nastro sul lato destro, leggera rientranza sulla spalla sinistra.

Stima 20 000 - 30 000 EUR

mer 05 giu

REMBRANDT BUGATTI (1884-1916) Tre pantere che camminano firmata, datata "R Bugatti 905", iscritta "- Al sig. A A. Hébrard che l'arte e il nome mio fece. -e reca il timbro del fondatore "Cire Perdue. A.A. Hébrard" (sulla terrazza). bronzo con patina marrone sfumata firmato, datato "R Bugatti 905", iscritto "-Al sig. A A. Hébrard che l'arte e il nome mio fece.-" e timbrata con il marchio della fonderia "Cire Perdue. A.A. Hébrard" (sulla base). bronzo con patina mista marrone 24 x 150 x 23 cm. 9 7/16 x 59 1/16 x 9 1/16". Concepita ed eseguita nel 1905 circa, quest'opera è un pezzo unico. Concepita ed eseguita nel 1905 circa, quest'opera è un pezzo unico. Note: Quest'opera è registrata negli archivi del Repertorio Rembrandt Bugatti ed è accompagnata da un certificato di autenticità. Quest'opera è registrata negli archivi del Repertorio Rembrandt Bugatti e viene offerta insieme a un certificato di autenticità. Provenienza Collezione Adrien-Aurélien Hébrard. Collezione privata (per discendenza). Collezione privata (acquisita da quest'ultima negli anni Settanta). Esposizioni Parigi, Salon d'automne, Collezione A.-A. Hébrard, 1905, n. 259, (intitolato Les panthères). Losanna, Galerie Paul Vallotton, Rembrandt Bugatti, maggio 1965. Bruxelles, Galerie Le Brun et Maison L'Ecuyer, Rembrandt Bugatti, sculpteur animalier, 10 gennaio 1967 - 10 gennaio 1968. Bibliografia V. Fromanger, Rembrandt Bugatti. Repertorio monografico. Une trajectoire foudroyante, Paris 2016, n. 126, (illustrato in copertina (particolare), p. 52 e 53, p. 89, p. 298 e 299 (particolare)). Al signor A.A. Hébrard che ha creato l'artista e l'uomo". Al signor A.A. Hébrard che ha creato l'artista e l'uomo". Three Panthers Walking di Rembrandt Bugatti è una scultura magistrale sotto ogni aspetto. Quest'opera iconica, lunga 150 cm e realizzata dall'artista intorno al 1905 all'età di 21 anni, illustra senza sorpresa la copertina del Répertoire monographique des œuvres de l'artiste di Véronique Fromanger. Dedicato in italiano a Hébrard, "Al'sig. AA Hebrard che l'arte e il nome mio fece", suo fondatore e mecenate, questa scultura delle Tre pantere che camminano è un pezzo unico. Consapevole che si trattava di uno dei capolavori dell'artista, Hébrard l'ha sempre tenuta nella sua collezione, prima di passarla agli eredi. È poi rimasta presso un importante collezionista fino ad oggi, quando viene presentata per la prima volta in un'asta pubblica. Rembrandt Bugatti nasce a Milano nel 1884 e cresce in un ambiente di intensa emulazione artistica: lo zio Giovanni Segantini e l'amico di famiglia Paul Troubetzkoy, entrambi artisti, lo incoraggiano in questo percorso. Anche il padre, Carlo Bugatti, che progettava mobili combinando elementi architettonici e animali, lo ha formato nel suo laboratorio e gli ha trasmesso il suo know-how. Bugatti esplora diversi media: disegno, legno, metallo, pietra, gesso e plastilina. Il 1901 segna una svolta nella sua vita artistica. Durante un soggiorno sulle montagne svizzere con lo zio Segantini, ispirato da ciò che vede, modella per la prima volta a mano libera Ritorno dal pascolo, quattro mucche che camminano una dietro l'altra, guidate da un contadino. Ispirato dall'ambiente circostante e grande amante degli animali, l'artista raffigurò anche i suoi cani domestici. Bugatti diede forma agli inizi di quella che sarebbe stata la sua ricerca artistica per tutta la vita: catturare nell'attimo fuggente la personalità, il carattere e le emozioni degli animali che amava tanto e ai quali si sentiva così vicino, molto più vicino degli esseri umani. Lungi dal limitarsi agli animali domestici, Bugatti scoprì gli zoo di Parigi e Anversa e ampliò così il suo corpus artistico con la rappresentazione di animali selvatici, che addomesticò a poco a poco, nutrendoli, parlando con loro e trascorrendo la maggior parte del suo tempo in mezzo a loro. Nel 1903, Bugatti si trasferisce a Parigi e inizia a visitare il serraglio del Jardin des Plantes. Rimase affascinato e commosso dalla fauna esotica che sarebbe stata la più grande ispirazione della sua vita. Animali come il formichiere, il tapiro, la cicogna, il marabù, lo yak, i rapaci e il canguro entrano per la prima volta nella storia dell'arte europea come soggetti scolpiti. Il suo interesse si rivolge ai grandi predatori, compresi gli animali selvatici. Arrivò a condividere quotidianamente la vita dei felini. Ha imparato a conoscere ogni pantera, il suo carattere, le sue posture e le sue interazioni. Grazie alla sua acutezza visiva, alla sua velocità di esecuzione e al suo straordinario amore per gli animali, modella a mano libera e in situ questi felini, che considera "i suoi compagni di vita e di lavoro". Nel suo libro, Véronique Fromanger spiega: "Bugatti ha modellato il suo soggetto sullo spirito dell'animale.

Stima 3 500 000 - 5 500 000 EUR

mer 05 giu

MARINO MARINI (1901-1980) Piccolo cavaliere firmato con le iniziali dell'artista "M.M" (sul retro della gamba destra) bronzo con patina marrone firmato con le iniziali dell'artista "M.M" (sul retro della gamba destra) bronzo con patina marrone scuro 33 x 29,3 x 13,5 cm. 13 x 11 9/16 x 5 5/16 pollici. Note: L'autenticità di quest'opera è stata confermata dalla Fondazione Marino Marini. L'autenticità di quest'opera è stata confermata dalla Fondazione Marino Marini. Provenienza Hanover Gallery, Londra. Collezione privata, New York (acquisita da quest'ultima nel 1947). Poi per discendenza all'attuale proprietario. Bibliografia Cat. Exp, Marino Marini, Londra, 1956, n. 15 (un altro esemplare illustrato; intitolato "Cavaliere"). A.M. Hammacher, Marino Marini: sculpture, painting, drawing, New York, 1970, pl. 102. H. Read, P. Waldberg, & G. di San Lazzaro, Marino Marini, Complete Works, New York, 1970, n. 186 (altro esemplare illustrato p. 349). C. Pirovano, Marino Marini scultore, Milano, 1972, n. 194 (altro esemplare illustrato). M. Meneguzzo (a cura di), Marino Marini: Cavalli e Cavalieri, Milano, 1997, p. 31 (versione illustrata in ceramica). Fondazione Marino Marini (a cura di), Marino Marini, Catalogo ragionato delle sculture, Milano, 1998, n. 242a (la versione in ceramica illustrata a p. 171, n. 242b). Questo lotto è soggetto ai seguenti simboli: * AR * IVA sugli oggetti importati con un'aliquota ridotta del 5,5% sul prezzo di aggiudicazione e l'aliquota prevalente sul premio dell'acquirente se l'oggetto rimane nell'UE. IVA sugli oggetti importati con un'aliquota ridotta del 5,5% sul prezzo di aggiudicazione e l'aliquota prevalente sul premio dell'acquirente se l'oggetto rimane nell'UE. AR Merce soggetta a Premio aggiuntivo per il diritto di rivendita degli artisti. Per ulteriori informazioni su questo lotto, visitare il sito Bonhams.com.

Stima 60 000 - 80 000 EUR

gio 06 giu

Libro "Il popolo de Nuraghi". 1965. Edizione italiana. Cagliari 1965. Scritto da Marcello Serra. Misure: 31 x 35 cm. La cultura nuragica sorse intorno al 1700 a.C. in Sardegna (nella media età del bronzo) e si diffuse anche in Corsica. Copre un periodo che va dall'età del bronzo (dal 1700 a.C. in poi) al 238 a.C., quando l'isola fu conquistata dalla Repubblica romana. Deve il suo nome ai nuraghi, caratteristiche torri-fortezza in cui viene applicato il principio della falsa cupola, originario del Mediterraneo orientale. I nuraghi sono le vestigia più eloquenti e furono il frutto dell'evoluzione di una preesistente cultura megalitica, costruttrice di dolmen e menhir. Le torri nuragiche sono unanimemente considerate i monumenti megalitici più grandi e meglio conservati d'Europa. La loro funzione è dibattuta: alcuni le hanno viste come tombe monumentali, altri come fortezze, forni per la fusione dei metalli, prigioni o templi per il culto del sole. Sembra esserci un accordo moderno nel considerarli come strutture difensive che includono granai e silos. Popolo di guerrieri e navigatori, i Sardi commerciavano con gli altri popoli del Mediterraneo e la loro cultura ha prodotto non solo i caratteristici complessi nuragici, ma anche il misterioso villaggio di Tiscali, gli enigmatici templi dell'acqua sacra, le tombe dei giganti e le particolari statuette nuragiche in bronzo. Per lungo tempo la sua cultura ha convissuto con altre civiltà estranee all'isola, come i Fenici, i Punici e i Romani, senza esserne assorbita. Segni d'uso e di usura dovuti al passare del tempo. Alcuni danni. Segni d'uso e di usura dovuti al passare del tempo. Alcuni danni.

Stima 70 - 90 EUR

gio 06 giu

Martin van den BOGAERT dit Martin DESJARDINS (1637-1694), d'après, école française du XVIIIe siècle - Luigi XIV a cavallo Statuetta equestre in bronzo con patina marrone. Altezza con la base in legno: 58 cm - Larghezza: 36 cm Profondità: 19 cm Opere correlate : Martin DESJARDINS, Luigi XIV a cavallo, bronzo monumentale oggi perduto (distrutto nel 1792), Place Bellecour a Lione. Martin van den BOGAERT dit DESJARDINS, calco attribuito a Roger SCHABOL, Luigi XIV a cavallo, 1700-1705 circa, bronzo (altezza: 43,5 cm), Londra, Collezione WALLACE, n°inv. S166. Dopo Martin van den BOGAERT dit DESJARDINS, Luigi XIV, bronzo (altezza: 44,1 cm), rilievi dopo Adam Frans van der MEULEN, New New York, METROPOLITAN Museum, n°inv. 11.129. 1a. Da Martin van den BOGAERT dit DESJARDINS, Statua equestre di Luigi XIV, bronzo (altezza: 44 cm), rilievi di Adam Frans van der Meulen. Meulen, Cambridge, Fogg Art Museum, inv. 1957.72. Martin van den BOGAERT dit DESJARDINS, Portrait équestre de Louis XIV, gesso (altezza: 40 cm - larghezza: 38,5 cm - profondità: 19 cm), Parigi, Musée CARNAVALET, inv. S881. Per diffondere l'immagine del potere reale nelle province, negli anni 1680/1690 Luigi XIV commissionò ai principali scultori dell'Accademia una serie di statue equestri con le sue sembianze. Nel 1688, il Maréchal de VILLEROY, governatore della città di Lione, incaricò Martin van den BOGAERT (noto come DESJARDINS) di realizzare il monumento reale, che avrebbe dovuto far parte del nuovo allestimento della piazza Louis-le-Grand (oggi Place Bellecour) della capitale. Bellecour) nella capitale della Gallia. DESJARDINS era all'apice della sua già ricca carriera: accademico dal 1671, era uno degli scultori responsabili delle grandi decorazioni di Versailles. Qui, utilizzando i disegni e le indicazioni di François Mansart, primo architetto degli edifici del re, progettò un monumento che, dopo molte vicissitudini, fu inaugurato solo nel 1713. La nostra statuetta equestre presenta alcune variazioni rispetto a questo famoso modello di DESJARDINS, in particolare il fatto che il cavallo solleva la zampa anteriore destra anziché la sinistra.

Stima 2 000 - 4 000 EUR
La sicurezza
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