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mar 11 giu

Jean-Baptiste ISABEY. 1767-1855. Attribué à, - Jean-Baptiste ISABEY. 1767-1855. Attribuito a, Inizio del XIX secolo Ritratto di giovane donna Pietra nera, ombreggiatura, lumeggiature bianche 50 x 40 cm Jean-Baptiste Isabey, ritrattista di talento Isabey era considerato il miglior ritrattista del suo tempo e il suo talento non fu mai messo in discussione. Isabey nacque nel 1767 a Nancy, dove iniziò il suo apprendistato presso Claudot, pittore di Stanislas, rivelando già il suo talento come ritrattista. A Parigi, perseverò nel genere sotto i consigli dello stesso David, che sarebbe poi diventato suo amico. Si distingue dai ritrattisti del suo tempo, come Sicardi e Jacques Dumont, per la capacità di coniugare grazia e dignità in formati piccoli e intimi, riuscendo a conciliare l'esigenza di idealizzazione con la preoccupazione per la realtà dei suoi modelli. Farsi ritrarre da Isabey divenne quasi un imperativo per i membri dell'alta società dell'epoca. Sotto tutti i regimi che si susseguirono, Isabey svolse un ruolo importante nella vita artistica e sociale del suo tempo, ma fu sotto il Primo Impero che la sua influenza fu massima. Dopo la caduta dell'Imperatore, pur rimanendogli fedele, continuò a dipingere sotto la Restaurazione per Luigi XVIII. Sotto il Secondo Impero, Napoleone III rende omaggio a colui che era stato il maestro di sua madre. Dedicò una sala del Louvre a un'esposizione dei suoi disegni di costumi per l'incoronazione, gli concesse una pensione di 6.000 franchi e lo insignì della Legion d'Onore nel 1854. Dipinse fino all'età di 70 anni prima di abbandonare i pennelli dopo aver scritto le sue memorie. Il nostro disegno è perfettamente in linea con la tecnica utilizzata da Jean-Baptiste Isabey, che realizzò numerosi ritratti in pietra nera, giocando con un abile cammeo di grigi. In questi disegni delicati, egli ritrae le persone del suo tempo, quelle che la storia ha ricordato, come Gérard, o quelle che ha dimenticato, come il nostro modello o questa giovane ragazza immortalata in un disegno a carboncino del British Museum.

Stima 800 - 1 200 EUR

mar 11 giu

Attribué à Jean Baptiste Wicar ( 1762-1834 ) - Attribuito a Jean Baptiste Wicar ( 1762-1834 ) Ritratto del barone François Gabriel Jules Collin de la Perrière (1779-1841), con le insegne dell'Ordine della Corona di Ferro (conferito nel 1809) Matita nera con leggere lumeggiature di gesso bianco 21 x 14,7 cm Storia isolata Figlio di Pierre Collin (divenuto per legge Pierre Collin de la Perrière nel 1816) e di Marie Anne Simonet. Entrò in servizio a Parigi, all'Ecole de Mars, nell'anno II (1793), trasferito al 5° reggimento degli Ussari nell'anno III (1794). Si unisce alle truppe italiane come quartiermastro il 27 Nivôse An VII (16 gennaio 1798). Promosso capitano il 12 Vendémiaire An VIII (4 ottobre 1799). Impiegato, con questo grado, presso il Ministero della Guerra, a Milano, il 27 Vendémia An X (19 ottobre 1801). Trasferito alla Guardia Reale il 19 ottobre 1803. Insignito dell'Ordine della Corona di Ferro il 21 luglio 1809. Promosso comandante di battaglione il 1° agosto 1810. Promosso maggiore il 14 gennaio 1812. Realizza le campagne degli anni IV, V, VI, VII, VIII, IX, in Italia (dal 1795 al 1801). Quelle del 1805 e 1806 in Germania. Quelle del 1806, 1807 e 1808 in Dalmazia e Albania. Quelle del 1809 in Germania, dove fu ferito e fatto prigioniero. Quelle del 1813 e 1814 in Italia. Comandò un reggimento nel Tirolo nel 1813 e la città assediata di Mantoue con un incarico del comandante dell'esercito nel 1814. Rientrato in Francia e ispezionato a Lione dal tenente generale Barone Delaroche il 1° luglio 1814. Reintegrato nel servizio della Francia, con il grado di maggiore di fanteria, con decreto reale del 5 ottobre 1814. Nominato Cavaliere della Legione d'Onore il 17 gennaio 1815, poi Ufficiale dell'Ordine il 23 maggio 1825.

Stima 200 - 300 EUR

mar 11 giu

Théodore Géricault (1791-1824), Entourage de. - Théodore Géricault (1791-1824), Entourage de. Ritratto di Jean-Louis-André-Théodore Géricault 1824 circa, matita, acquerello e gomma arabica su carta intelata montata su tavola Incollata sul retro, un'etichetta del catalogo di vendita Gosselin con l'iscrizione manoscritta acquerello. 32 x 24 cm Attributi delle arti Matita, inchiostro, moncone su cartone Iscrizione : La méduse 6,5 x 20,5 cm Provenienza : - Collezione De Musigny - Collezione Madame de Champy - Collezione Madame Tullier-Blum - Collezione Madame Amiel - Collezione Larrey (?) - Vendita Gosselin 7 marzo 1953 Bibliografia : - Germain Bazin, Théodore Géricault, studio critico, documenti e catalogo ragionato. Vol. 2, L'OEuvre: Période de formation. Paris, 1987, p. 331, che mette in relazione l'opera con il ritratto di Géricault di Horace Vernet. N. 17, riprodotto. - Lorenz Eitner, Géricault sa vie, son œuvre. p. 244, traduzione Paris 1991. ill. 129 (opera correlata). Iscrizione manoscritta sul retro: "Ritratto dipinto (o disegnato o colorato) da lui stesso. Gli attributi di questo ritratto sono del suo amico M. De Musigny. Questo ritratto fu regalato dal signor de Musigny a Madame Champy, che lo lasciò come ricordo a Madame de Tullier-Blum. Mi è stato donato dalla figlia Madame Amiel in sua memoria (vedi lettera del 25 maggio 1875). Larrey (?)" Géricault, icona del Romanticismo Théodore Géricault, di cui oggi ricorre il bicentenario della morte (1824-2024), è stato un artista che ha rivoluzionato la pittura all'inizio del XIX secolo. Caratterizzato dall'attrazione per il pathos e la tragedia, la sua visione del nascente movimento romantico ha ispirato un intero movimento. I pittori romantici che lo conobbero o seguirono i suoi precetti pittorici gli furono quasi devoti. Le sue reliquie infestavano spesso i loro studi, e maschere mortuarie, sculture in mano a lui e pennelli che gli erano appartenuti erano all'ordine del giorno. Tanto che la maschera mortuaria, l'ultimo ritratto dell'artista, era il più diffuso, insieme a quello dell'ex imperatore morto tre anni prima. Il nostro ritratto, la cui paternità è oggetto di dibattito, testimonia questo periodo e la trasmissione dell'eredità dell'artista, con cimeli che ne ricordano la memoria. Il nostro acquerello è una creazione complessa, che dimostra l'abilità tecnica del suo creatore. L'immagine stessa ricorda il ritratto dipinto da Horace Vernet intorno al 1822, 1823. Come già accennato, l'infatuazione per l'immagine dell'artista diede origine a numerose vocazioni a cavallo degli anni Venti e Trenta del XIX secolo, ed è difficile attribuire la nostra opera all'artista o a un ammiratore. La provenienza è esemplare: i vari proprietari hanno avuto rapporti più o meno stretti con l'artista. La nota sul retro che indica la provenienza è firmata da Félix Hippolyte Larrey (1808 - 1895), figlio di Dominique - Jean - Larrey, chirurgo delle armate di Napoleone I e lui stesso di Napoleone III; la famiglia era inoltre molto vicina a Girodet, il cui medico personale era Dominique Larrey.

Stima 2 000 - 3 000 EUR

mar 11 giu

HERMENEGILDO ANGLADA CAMARASA (Barcellona, 1871 - Pollença, Mallorca, 1959). Senza titolo. Carboncino su carta. Firmato nel margine inferiore. Opera pubblicata nel catalogo "Anglada-Camarasa" di Fontbona e Miralles. Misure: 13 x 9,5 cm; 38 x 34 cm (cornice). Disegno a carboncino di Anglada Camarasa, risolto con tratto agile e sommario che diluisce le forme, analogamente a come nei dipinti dell'autore i colori diluiscono la materia in modo nuovo. Potrebbe essere uno studio preparatorio per un dipinto di tema urbano notturno, alla luce del lampione. Una misteriosa figura femminile occupa il primo piano, mentre sullo sfondo alcune sagome maschili si agitano davanti ai portici di quello che sembra un teatro. Anglada Camarasa è uno dei nomi di spicco dell'arte catalana moderna e senza dubbio il più importante a livello internazionale del post-impressionismo spagnolo. È stato il pittore più giovane della seconda generazione modernista ed è considerato un rappresentante di spicco del post-impressionismo. Iniziò la sua formazione con Tomás Moragas, per poi proseguire alla Scuola de La Lonja di Barcellona come discepolo di Modesto Urgell, che proclamò sempre come suo grande maestro, anche se il suo stile maturo era molto diverso da quello di Urgell. Durante questo periodo di formazione la sua opera è molto diversa da quella di Urgell. In questo periodo formativo, l'opera di Anglada Camarasa mostra un chiaro interesse per il paesaggio e la figura umana. Dopo un breve contatto con il gruppo "Els Quatre Gats", nel 1894 si trasferisce a Parigi, dove il suo stile è influenzato da Degas, Toulouse Lautrec, dal fauvismo e dall'orientalismo. Nella capitale francese continua la sua formazione nelle accademie di Julian e Colarossi, dove riceve lezioni da Laurens, Constant e Girardot. La Francia fu per Anglada Camarasa la piattaforma per il suo lancio internazionale. La sua mostra personale alla Sala Parés di Barcellona, nel maggio del 1900, e il periodo trascorso a "Els Quatre Gats", diedero al modernismo catalano una conoscenza diretta di quella che era la pittura più moderna di Parigi, una circostanza che fu decisiva nella svolta del giovane Picasso verso la modernità plastica. Sempre a Parigi, Anglada Camarasa entra nel 1904 nella Société Nationale des Beaux-Arts, di cui sarà membro molto attivo, partecipando assiduamente alle sue mostre. In questo periodo la sua attività internazionale si moltiplica e partecipa alle Biennali di Venezia del 1903, 1905 e 1907, ricevendo la Medaglia d'Oro in quest'ultimo anno, premio che ottiene anche alla Biennale di Buenos Aires del 1910. Ha avuto una mostra individuale alla Biennale Internazionale di Barcellona del 1929. Nel 1954 è stato nominato Accademico onorario dell'Accademia Reale di San Fernando e tre anni dopo ha ricevuto il premio d'arte della Fondazione March. Anglada Camarasa è stato protagonista di alcuni dei momenti più importanti della storia dell'arte della prima metà del XX secolo e il suo successo a partire dal 1900 ha reso il suo nome un riferimento internazionale. Le sue opere sono state esposte in tutta Europa, da Roma a Praga, da Parigi a Mosca, e hanno attirato importanti collezionisti nelle principali capitali europee e negli Stati Uniti.

Stima 3 500 - 4 500 EUR

mar 11 giu

RICARDO OPISSO I SALA (Tarragona, 1880 - Barcellona, 1966). "Miquel Utrillo". Carboncino su carta. Firmato con un anagramma in basso a sinistra. Dedica in basso a destra: "Miquel Utrillo, l'amic de la Susanne Valadon, pare adoptiu del pintor Utrillo". Misure: 53 x 39 cm; 88 x 71 cm (cornice). Ritratto del pittore Miquel Utrillo, figura emblematica della Barcellona modernista, che introdusse Opisso nel circolo barcellonese dei Quatre Gats. Utrillo era allora l'amante di Suzanne Valadon (come recita la dedica), il cui figlio, il pittore Maurice Utrillo, anch'egli famoso, Miquel avrebbe riconosciuto come suo. Opisso era un grande ritrattista. Catturava con grande economia formale il carattere del personaggio, che spesso apparteneva al suo ambiente più intimo. Opisso fu pittore, disegnatore e vignettista. In gioventù partecipò all'ambiente modernista di Barcellona e nel 1894 iniziò a lavorare come apprendista con Antoni Gaudí alla Sagrada Família. Due anni dopo, sostenuto dall'architetto, diventa membro del Círculo Artístico de Sant Lluc, con il quale esporrà in seguito alla Sala Parés. È legato al gruppo Els Quatre Gats, insieme a Ramon Casas, Manuel Hugué, Isidre Nonell e Pablo Picasso, tra gli altri. Tra la fine del XIX secolo e l'inizio del XX secolo si recò a Parigi, dove si trovavano già Picasso e Hugué. Nel corso della sua carriera Opisso lavorò come illustratore in pubblicazioni come "Cu-cut!" e "L'Esquella de la Torratxa", firmando disegni volti alla satira politica, in uno stile vicino all'Art Nouveau. Nel 1907 partecipa all'Esposizione di Belle Arti di Barcellona e riceve una medaglia di terza classe. A causa della dittatura di Miguel Primo de Rivera, Opisso abbandona la satira politica e i suoi disegni si orientano verso temi di genere, specializzandosi in scene popolari. Le sue opere di questo periodo sono caratterizzate dalla presentazione di folle eterogenee di persone in ambienti popolari di Barcellona. Dopo aver esposto più volte in successione alla Sala Parés, nel 1935 tiene la sua prima mostra personale alle gallerie Syra di Barcellona. Nel dopoguerra continua a esporre in varie gallerie di Barcellona, riscuotendo un notevole successo di critica e di pubblico. Nel 1953 riceve un riconoscimento dalla sua città natale in occasione della IV Fiera d'Arte di Tarragona. La maggior parte delle sue opere è conservata nel Museo Opisso di Barcellona, ma è presente anche nel Museo Nazionale d'Arte della Catalogna e nel Museo d'Arte Moderna e Contemporanea di Strasburgo. Per quanto riguarda le mostre, si segnala quella tenutasi al Museo Thyssen-Bornemisza nel 2004 con il titolo "Pittura catalana, dal naturalismo al noucentismo", in cui è stata esposta la sua opera "Carnevale".

Stima 2 000 - 2 500 EUR

mar 11 giu

JOAN CARDONA I LLADÓS (Barcellona, 1877-1957). "Coppia in un caffè", 1900 ca. Matita, carboncino e gouache su carta. Firmato in basso a sinistra. Piccolo danno nel margine superiore destro. Dimensioni: 40 x 30 cm; 77 x 66 cm (cornice). In questa scena di interno di caffè, un gentiluomo cerca di conquistare con sorrisi e galanterie una signora. Il tratto sinuoso e stilizzato di Joan Cardona ha contribuito a definire l'estetica della Belle Èpoque, con scene parigine di grande fascino come questa. Formatosi alla Escola de Belles Arts de la Lonja e all'Accademia Baixeras di Barcellona, approfondisce i suoi studi a Parigi, dove si stabilisce per diversi anni. Nella capitale francese forma un gruppo con i migliori illustratori dell'epoca, come Cappiello, Sem, Steinlen e Roubille. Pittore e disegnatore, sviluppa un'importante attività nel campo dell'illustrazione, collaborando a riviste spagnole come "El Gato Negro" e "Hispania", e alle riviste francesi "Le Rire" e "Simplicissimus". Spicca la sua collaborazione con "Jugend", la rivista di punta del modernismo viennese, lo Jugendstil. Durante il periodo parigino Cardona raggiunge la fama internazionale grazie ai suoi disegni a penna, caratterizzati dalla nitidezza del tratto e da forti valori espressivi. Nella pittura, invece, subordina la linea al colore, con toni caldi negli anni giovanili e gamme fredde nella maturità. I suoi dipinti, di grande forza espressiva e dall'impasto denso, definiscono la preminenza della donna, che si delinea su sfondi vibranti, quasi astratti, in uno stile che lo avvicina ad Anglada Camarasa. Nel 1897 viene premiato al concorso indetto dall'Accademia Mariana di Lleida. Espone a Parigi ai Salons d'Automne e ai Salons de la Societé Nationale, ottenendo in entrambi il titolo di "societaire". Partecipa alle Esposizioni Internazionali di Belle Arti di Barcellona nel 1907 e nel 1929. È rappresentato al Musée du Luxembourg di Parigi.

Stima 4 000 - 4 500 EUR

mar 11 giu

JUAN ANTONIO GONZALEZ JIMÉNEZ (Chiclana de la Frontera, Cadice, 1842 - Parigi, dopo il 1914) "Ritratto di donna. Pastello su carta. Danni alla cornice. Firmato in basso a destra. Dimensioni: 120 x 80 cm; 156 x 115 cm (cornice). Ritratto femminile in cui l'autore dispone una donna elegantemente vestita di tutto punto, seduta su una sedia. L'artista colloca la figura in un interno e aggiunge anche una certa distanza dallo spettatore. Ciò si ottiene ponendo la donna leggermente girata di tre quarti verso lo spettatore. La donna guarda direttamente lo spettatore con un certo grado di curiosità o di riflessione nel suo gesto. Pittore stabilitosi a Parigi nella seconda metà del XIX secolo, Juan Antonio González Jiménez si formò come allievo del pittore Rodríguez e partecipò a mostre ufficiali come l'Esposizione Provinciale di Cadice del 1879, dove ricevette una medaglia d'oro. In seguito approfondì i suoi studi a Parigi con M. Pils. Si specializza nei temi del casacone, detto in Francia "de tableautin", con opere caratterizzate da una personale delicatezza cromatica, da un particolare senso atmosferico, da un disegno rigoroso e da un'attenta cura dei dettagli. Affronta anche altri temi tipici dell'epoca, molto graditi alla clientela borghese di fine Ottocento e inizio Novecento, come la pittura floreale, i ritratti di majas e di tipi spagnoli, alcuni dei quali ispirati ai ritratti del periodo barocco. Eccelle anche come ritrattista e dipinge numerosi ventagli. Nel corso della sua carriera Juan Antonio González tenne mostre e partecipò all'Esposizione di Belle Arti di Parigi e all'Esposizione Provinciale di Cadice del 1879, dove ricevette una medaglia d'oro per una marina. Attualmente è rappresentato nel Museo di Chiclana, oltre che in collezioni private sia in Spagna che all'estero.

Stima 1 000 - 1 200 EUR

mar 11 giu

BENJAMIN PALENCIA (Barrax, Albacete, 1894 - Madrid, 1980). "Alla Filarmonica", 1923. Carboncino su carta. Firmato in basso a destra. Provenienza: Galleria Ignacio Lassaletta. Misure: 12 x 9 cm; 29 x 26 cm (cornice). Fondatore della Scuola di Vallecas insieme ad Alberto Sánchez, scultore, Benjamín Palencia fu uno dei più importanti eredi della poetica del paesaggio castigliano caratteristica della Generazione del '98. A soli quindici anni Palencia lascia il suo paese natale e si stabilisce a Madrid per sviluppare la sua formazione attraverso le frequenti visite al Museo del Prado, dal momento che ha sempre rifiutato gli insegnamenti ufficiali della Real Accademia di Belle Arti di San Fernando. Nel 1925 partecipa alla Mostra degli artisti iberici che si tiene al Palazzo del Retiro di Madrid e nel 1926 si reca per la prima volta a Parigi. Qui incontra Picasso, Gargallo e Miró ed entra in contatto con la tecnica del collage, che in seguito applicherà alle sue opere, incorporando nuovi materiali come la sabbia o la cenere. È a partire da questo soggiorno parigino che l'opera di Palencia acquisisce un tono surrealista, evidenziato da una sempre maggiore libertà espressiva che raggiungerà la sua pienezza nel periodo della maturità. Al ritorno a Madrid fonda la Scuola di Vallecas (1927) e debutta individualmente al Museo d'Arte Moderna (1928). Palencia abbandonerà gradualmente le nature morte per riprendere il paesaggio castigliano, catturandolo attraverso una magnifica sintesi tra tradizione e avanguardia. Questa personale estetica del paesaggio raggiungerà il suo culmine nella Scuola di Vallecas e, dopo una brillante incursione surrealista nei primi anni Trenta, allo scoppio della Guerra Civile Palencia rimane a Madrid, subendo come i suoi coetanei della sua generazione un periodo di profonda crisi. Dopo la guerra, tra il 1939 e il 1940 la sua pittura subisce una svolta radicale; abbandona le influenze cubiste e astratte e persino gli aspetti surrealisti, alla ricerca di un'arte di forte impatto cromatico, legata al fauvismo. Concentrandosi sul suo lavoro di paesaggista, nel 1942 Palencia riprende l'esperienza della Scuola di Vallecas insieme ai giovani pittori Álvar Delgado, Carlos Pascual de Lara, Gregorio del Olmo, Enrique Núñez Casteló e Francisco San José. La sua opera raccoglierà immagini della campagna castigliana e dei suoi contadini e animali; la sua pittura diventa una testimonianza della rudezza, della rozzezza e della ruralità, della sottile espressività della sobrietà castigliana. Già pienamente consolidato, nel 1943 ottiene la prima medaglia all'Esposizione Nazionale di Belle Arti e nel 1944 viene selezionato per partecipare al Salón de los Once de Eugenio D'Ors a Madrid. L'anno successivo gli viene assegnata la medaglia d'onore all'Esposizione Nazionale, anche se vi rinuncia per favorirne la concessione a José Gutiérrez Solana, morto pochi giorni prima della decisione della giuria. A partire da questo decennio si susseguono le sue esposizioni in centri d'arte e gallerie come il Círculo de Bellas Artes di Madrid o la galleria Estilo, e nel 1946 viene nuovamente selezionato per il Salón de los Once. Inizia anche a partecipare a mostre internazionali, come quelle di arte contemporanea spagnola tenutesi nel 1947 a Buenos Aires, Rio de Janeiro e San Paolo. Riceve inoltre il Gran Premio alla Biennale ispano-americana di Madrid (1951) ed espone al Museo d'Arte Moderna di Parigi (1951), alla Biennale di Venezia (1956), al Palazzo della Principessa di Paravinci a Roma (1965), ecc. Nel 1973 è stato nominato membro dell'Accademia Reale di Belle Arti di San Fernando e nel 1978 è entrato a far parte dell'Accademia di San Jorge a Barcellona. Nello stesso anno gli è stata conferita la Medaglia d'oro al merito delle Belle Arti. Benjamín Palencia è attualmente rappresentato nel Museo Nazionale Reina Sofía, nel Patio Herreriano di Valladolid e nei Musei di Belle Arti di Valencia e Albacete, tra gli altri.

Stima 350 - 450 EUR
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