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Descrizione

"PEREJAUME"; BORRELL GUINART (Sant Pol de Mar, Barcellona, 1957). "El dibuix que sé fer dels dibuixos que se'n fan", 2020. Tecnica mista (collage, carboncino e olio) su carta. Firmato. Con etichetta della galleria Joan Prats di Barcellona. Misure: 50 x 65 cm; 56 x 72 cm (cornice). Pittore, artista sperimentale e poeta, Perejaume ha avuto una formazione da autodidatta, anche se influenzata da artisti come Joan Brossa, con il quale condividerà un lavoro a metà strada tra pittura e poesia. Nel 2005 ha ricevuto il Premio Nazionale per le Arti Visive, concesso dalla Generalitat de Catalunya. L'anno successivo ha ricevuto il Premio Nazionale per le Arti Plastiche, assegnato dal Ministero della Cultura. Le sue opere sono esposte all'ARTIUM di Vitoria, al Centro de Arte Reina Sofía, al MACBA di Barcellona, al Museo Patio Herreriano di Valladolid, al Museum of Contemporary Art di Sydney, alle Fondazioni Coca-Cola e Telefónica e alla Chase Manhattan Bank Collection, alla Caja Madrid Contemporary Art Collection, alla Banca Centrale Europea di Francoforte e alla Deutsche Bank Collection, oltre che in altre istituzioni pubbliche e private di tutto il mondo.

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"PEREJAUME"; BORRELL GUINART (Sant Pol de Mar, Barcellona, 1957). "El dibuix que sé fer dels dibuixos que se'n fan", 2020. Tecnica mista (collage, carboncino e olio) su carta. Firmato. Con etichetta della galleria Joan Prats di Barcellona. Misure: 50 x 65 cm; 56 x 72 cm (cornice). Pittore, artista sperimentale e poeta, Perejaume ha avuto una formazione da autodidatta, anche se influenzata da artisti come Joan Brossa, con il quale condividerà un lavoro a metà strada tra pittura e poesia. Nel 2005 ha ricevuto il Premio Nazionale per le Arti Visive, concesso dalla Generalitat de Catalunya. L'anno successivo ha ricevuto il Premio Nazionale per le Arti Plastiche, assegnato dal Ministero della Cultura. Le sue opere sono esposte all'ARTIUM di Vitoria, al Centro de Arte Reina Sofía, al MACBA di Barcellona, al Museo Patio Herreriano di Valladolid, al Museum of Contemporary Art di Sydney, alle Fondazioni Coca-Cola e Telefónica e alla Chase Manhattan Bank Collection, alla Caja Madrid Contemporary Art Collection, alla Banca Centrale Europea di Francoforte e alla Deutsche Bank Collection, oltre che in altre istituzioni pubbliche e private di tutto il mondo.

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JOAN HERNÁNDEZ PIJUAN (Barcellona, 1931 - 2005). Senza titolo, 1956. Olio su carta incollata su tavola. Firmato, datato e dedicato nell'angolo superiore sinistro. Misure: 50 x 64 cm; 81 x 97 cm (cornice). Questo olio su carta appartiene a una fase iniziale dell'artista interessata alla semplificazione formale, influenzata sia dall'espressionismo d'avanguardia che dall'arte romanica. Joan Hernández Pijuan inizia la sua formazione a Barcellona, frequentando le Scuole di Belle Arti La Lonja e Sant Jordi, prima di completare gli studi alla Scuola di Belle Arti di Parigi. Nominato professore alla Facoltà di Belle Arti di Barcellona nel 1981, Hernández Pijuan occupa una posizione unica tra gli artisti spagnoli degli ultimi decenni. La forza della sua individualità creativa lo colloca ai margini delle successive tendenze e mode dominanti, ma non impedisce di riconoscere nel suo lavoro una profonda identificazione con le preoccupazioni estetiche del suo tempo. Hernández Pijuan inizia la sua carriera praticando un espressionismo tragico con una forte carica sociale e in questo periodo forma, insieme agli altri membri del Gruppo Sílex, la cosiddetta Scuola di Barcellona. Negli anni Settanta semplifica la sua espressione fino ad adottare una figurazione geometrica, stile che abbandona nel decennio successivo per dedicarsi all'informale. In realtà, l'interesse e il fascino per la carriera di questo pittore continuano ad essere più forti che mai, e sono oggetto di nuove mostre ed esposizioni pubbliche delle sue opere. Durante la sua vita ha tenuto mostre personali in diverse città spagnole, oltre che a Zurigo, Milano, Johannesburg, Colonia, Ginevra, New York, Parigi e Osaka, tra le altre città del mondo, e nel 2003 è stato protagonista di una grande retrospettiva al MACBA di Barcellona, successivamente esposta al Musée d'Art et Histoire de Neuchatel (Francia), alla Konsthalle de Malmö (Svezia) e alla Galleria Comunale d'Arte Moderna di Bologna (Italia). Anche dopo la sua morte il suo lavoro ha continuato a essere esposto a livello internazionale, come dimostrano le mostre dedicate alla sua opera tenutesi alla Flowers Gallery di Londra (2006), agli Istituti Cervantes di New York, Chicago e Lisbona (2007), al Museo de Arte Abstracto Español di Cuenca (2008), alla Galleria Andres Thalmann di Zurigo (2009), al Baukunst di Colonia (2010), all'Altana Kulturstiftung di Bad Homburg (Germania, 2011) e al Museo d'Arte Moderna di Mosca (2012), tra le tante. Hernández Pijuan è stato preside della Facoltà di Belle Arti dell'Università di Barcellona e nel 2000 è stato nominato membro della Real Academia de San Fernando di Madrid. Nel 1981 ha ricevuto il Premio Nacional de Artes Plásticas, nel 1985 la Cruz de Sant Jordi e, nel 2004, il Premio della Città di Barcellona. È stato inoltre insignito del Premio della Direzione Generale delle Belle Arti all'Esposizione Nazionale di Alicante nel 1957, del Primo Premio di Pittura "Peintres Residents" a Parigi (1958), del Premio "Malibor" alla Biennale di Incisione di Lubiana (1965), della Biennale Internazionale di Incisione di Cracovia (1966) e del Premio editoriale "Vijesnik u Srijedu" a Zagabria (1970). Hernández Pijuán è presente al MACBA, al Museo d'Arte Astratta Spagnola di Cuenca, al Reina Sofía di Madrid, al Museo Patio Herreriano di Valladolid e al Museo Basco d'Arte Contemporanea, oltre che in centri esteri come il Guggenheim Museum di New York, il Liaunig (Austria), il Museo d'Arte Contemporanea di Helsinki, il Museo di Belle Arti di Helsinki in Finlandia, il Museo d'Arte Contemporanea di Helsinki in Finlandia, il Museo di Belle Arti di Helsinki in Finlandia e il Museo d'Arte Contemporanea di Helsinki in Finlandia, quelli d'Arte Contemporanea di Helsinki e Lussemburgo, la Kulturstiftung di Bad Homburg (Austria), la Galleria Yamaguchi di Osaka (Giappone), il Palazzo delle Belle Arti di Bruxelles, la Galleria Nazionale di Montreal, il Museo d'Arte Moderna di Buenos Aires e il Museo Sztuki di Lodz (Polonia).

JOSEP ROCA SASTRE (Terrassa, 1928 - Barcellona, 1997). "Da Lucas Cranach", 1953. Olio su tela. Firmato in basso a destra. Firmato, titolato e datato sul retro. Con etichetta Oriol Galeria d'Art sul retro. Misure: 100 x 80 cm; 105 x 86 cm (cornice). Quella che viene messa all'asta è un'opera giovanile del pittore Josep Roca Sastre, corrispondente a una fase precedente alla realizzazione delle sue scene di interni intimi. La tela è una versione metafisica dell'opera "Le tre grazie" di Lucas Cranach il Vecchio, una tavola dipinta dal maestro nel 1531 e oggi conservata al Museo del Louvre di Parigi. Formatosi a Barcellona, negli anni Sessanta Roca ha iniziato a sviluppare uno stile personale e indipendente, creando un proprio linguaggio. La sua proposta si concentrava sul recupero dello sguardo del vicino e del quotidiano, del familiare. Espone per quarant'anni nella Sala Parés di Barcellona, e presenta il suo lavoro anche in altre città spagnole e negli Stati Uniti. Nel 1966 riceve il premio Sant Jordi dalla Diputació di Barcellona e due anni dopo la medaglia d'onore al Salon des Artistes Français di Parigi. Nel 1980 diventa membro dell'Accademia Reale di Belle Arti di Sant Jordi e nel 1993 riceve il Premio Quadern della Fundació Amics de les Arts i de les Lletres de Sabadell. Roca Sastre ha sviluppato uno stile figurativo di temi intimi, applicando uno sguardo personale e soggettivo alle sue scene di interni e ai suoi paesaggi urbani e naturali. Dalla sua morte, sono state organizzate retrospettive dell'opera di Josep Roca presso La Pedrera e le gallerie Muncunill (Terrassa), Oriol (Barcellona) e Juan Oliver Maneu (Palma di Maiorca). Le sue opere sono conservate nel Museo Nazionale d'Arte della Catalogna.

ALFONS BORRELL PALAZÓN (Barcellona, 1931-2020). Senza titolo. 1998. Tecnica mista su carta spessa. Firmato e datato. Misure: 74 x 112 cm; 82 x 120 cm (cornice). Alfons Borrell è considerato uno dei massimi esponenti dell'astrazione lirica in Spagna. In questa composizione si può apprezzare l'influenza di Rothko e dei suoi campi di colore fluttuanti. Partendo da simmetrie e astrazioni gestuali, il suo lavoro si è progressivamente semplificato. Con ampie superfici monocrome - il colore ha un protagonismo strutturale nell'opera di Borrell - spesso centrate su un'unica figura geometrica o su un segno grafico o un dimensionamento, il lirismo e l'austerità di questa pittura la avvicinano più al paesaggio interiore o introspettivo che alla volontà di rappresentazione. Nato a Barcellona ma stabilitosi a Sabadell fin da bambino, Alfons Borrell si è formato negli anni Cinquanta con Hermen Anglada Camarasa a Maiorca e alla Escola de Belles Arts di Barcellona. Nel 1960 fa parte del Grup Gallot, un collettivo creato a Sabadell che pratica azioni a metà strada tra l'action painting e l'automatismo surrealista che mettono in discussione i limiti dell'autorialità e del mezzo pittorico. Nel 1971 partecipa alla creazione della Sala Tres a Sabadell. Amico intimo di Joan Brossa e di artisti come Perejaume, nel corso della sua lunga carriera l'astrazione pittorica si consolida come un corpus espressivo di grande intensità e solidità. Fin dalle sue prime mostre personali alla fine degli anni Cinquanta, Borrell ha presentato le sue opere in importanti luoghi d'arte del Paese e anche in Francia, Germania, Stati Uniti e Giappone. Il critico d'arte Alexandre Cirici lo invitò a partecipare alla mostra inaugurale del primo Museu d'Art Contemporani de Barcelona nella cupola del Cinema Coliseum nel 1960. Nel 1978 fa parte della mostra Seny i rauxa. 11 artistes catalans al Centre Georges Pompidou di Parigi. Tra le numerose retrospettive del suo lavoro, spiccano quelle presentate al Centre Cultural Tecla Sala di L'Hospitalet de Llobregat (2006), al Museu d'Art de Sabadell (2007) e alla Fundació Joan Miró di Barcellona (2015).