Null Triona SWEENEY
Ora, vedo un futuro sorprendentemente cambiato che si avvici…

Descrizione

Triona SWEENEY Ora, vedo un futuro sorprendentemente cambiato che si avvicina a noi ad un ritmo di nodi, 2023 Olio su lino incorniciato 40 x 40 cm Estratto dal saggio Klondike di Neil Hegarty tratto da Impermanence I luoghi rappresentati nelle opere di Triona Sweeney sono ispirati al concetto di non luogo, di "in mezzo". Esse enfatizzano il senso in cui la composizione finale è il risultato dell'accrescimento e della fusione: osservare paesaggi e caratteristiche di molti luoghi diversi e rimodellarli, rifonderli e reimmaginarli attraverso il processo di disegno e pittura. Le composizioni intimamente gestuali raffigurano un viaggio. Si tratta piuttosto di paesaggi interstiziali segnati dall'intervento umano. Spazi in cui l'uomo incontra il mondo naturale. Questi luoghi sono disabitati, ma antropomorfizzati dall'artefatto dell'abitare. In questo senso, il suo lavoro si occupa della soggettività della percezione dello spazio stesso. E, considerando il ruolo e il significato dei non luoghi, propone una comprensione emergente di questi spazi.

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Triona SWEENEY Ora, vedo un futuro sorprendentemente cambiato che si avvicina a noi ad un ritmo di nodi, 2023 Olio su lino incorniciato 40 x 40 cm Estratto dal saggio Klondike di Neil Hegarty tratto da Impermanence I luoghi rappresentati nelle opere di Triona Sweeney sono ispirati al concetto di non luogo, di "in mezzo". Esse enfatizzano il senso in cui la composizione finale è il risultato dell'accrescimento e della fusione: osservare paesaggi e caratteristiche di molti luoghi diversi e rimodellarli, rifonderli e reimmaginarli attraverso il processo di disegno e pittura. Le composizioni intimamente gestuali raffigurano un viaggio. Si tratta piuttosto di paesaggi interstiziali segnati dall'intervento umano. Spazi in cui l'uomo incontra il mondo naturale. Questi luoghi sono disabitati, ma antropomorfizzati dall'artefatto dell'abitare. In questo senso, il suo lavoro si occupa della soggettività della percezione dello spazio stesso. E, considerando il ruolo e il significato dei non luoghi, propone una comprensione emergente di questi spazi.

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Stima 300 - 400 EUR

Anonimo. Procez et amples examinations sur la vie de Caresme-Prenant [...] Tradotto dall'italiano in francese. Parigi, sn, 1605 [XVIII secolo]. In-8, [9] ff. Ristampa, realizzata in una data difficilmente determinabile del XVIII secolo, dell'edizione originale di una commedia burlesca sul tema delle festività di inizio Quaresima, e molto raramente reperibile nelle sue impronte seicentesche. Seguì la ristampa di 7 pezzi galanti che normalmente l'accompagnano nelle raccolte seicentesche: 1. Traicté de mariage entre Julian Peoger dit Janicot, & Jacqueline Papinet sa future espouse. Lione, 1611 (XVIII), (8) ss. 2. La Copia d'un bail et ferme faicte par une jeune dame de son con. Pour six ans. Parigi, Viart, 1609 (XVIII secolo), (3) ss. 3. La Raison pourquoy les femmes ne portent barbe au menton, aussi bien qu'à la pénillière ; et ce qui a esmeu nosdictes femmes à porter les grandes queuës. Parigi, 1601 (XVIII), (4) ff. 4. La Source du gros fessier des nourrices, et la raison pourquoy elles sont si fendues entre les jambes. Avec la complainte de Monsieur le Cul contre les inventeurs des vertugalles. Stampato per Yves Bomont, sd [XVIII secolo]. (8) ff. 5. La Source et origine des cons sauvages, et la manière de les aprivoiser, et le moyen de prédire toutes choses à advenir par iceux. Lione, Jean de la Montagne, 1610 [XVIIIe]. (11) ff. 6. La grande et véritable pronostication des cons sauvages, avec la manière de les aprivoiser, stampata ex novo per autorità dell'abate des Conars. [XVIII secolo]. (5) ff. 7. Predica gioiosa di una nutrice. [XVIII secolo]. (6) ff. Mezzo marocchino rosso con angoli, dorso finemente decorato, titolo dorato, data sulla coda, triplo filetto dorato sulle copertine (legatura del XIX secolo). Alcune piccole macchie brune. Copia di pregio. (Brunet I, 1576 e IV, 893; Gay, III, 870-71.) Targa incisa della biblioteca del signor Beaupré, conseiller à la cour de Nancy. Targhetta JM.

Stima 15 000 - 18 000 EUR

SALVADOR DALÍ I DOMÈNECH (Figueres, Girona, 1904 - 1989). "Danza del tempo II", 1979. Bronzo con patina verde. Esemplare 44/350. Edizione limitata a 350+35 E.A. Base in marmo. Firmata in basso a sinistra e numerata sul fronte della base. Con timbro della fonderia sul fronte della base. Si allega copia del certificato di autenticità. Misure: 30,5 x 24 x 24 cm (figura); 2,5 x 24,5 x 25 cm (base in marmo). Il motivo dell'orologio fuso è probabilmente il più apprezzato tra gli oggetti surrealisti di Dalí. Nel dipinto "La persistenza della memoria" (1931), gli orologi molli si staccano dai loro supporti e scivolano in un terreno arido di cadenze metafisiche. L'orologio scultoreo qui presentato è stato concepito da Dalí quarant'anni dopo. Il bronzo verde patinato e i dettagli in bronzo dorato sembrano fondersi come una gemma liquida, suggerendoci che il tempo lineare e oggettivo non esiste, ma è malleabile e soggettivo, giocoso ed elastico come questo orologio il cui quadrante e i numeri arabi sono allungati e distorti dall'effetto della gravità. Dalí, grande lettore di Freud, sostenne il concetto freudiano di "elasticità del tempo psichico" (quello della memoria e dei sogni) e riuscì a dargli una forma visiva unica. Va inoltre notato che le opere di Dalí con gli orologi fusi contengono una critica di fondo alla rigidità del tempo nella società moderna, dove le persone sono spesso dominate dall'orologio e dal concetto di tempo lineare. Durante i primi anni di vita, Dalí scopre la pittura contemporanea durante una visita di famiglia a Cadaqués, dove incontra la famiglia di Ramon Pichot, un artista che viaggia regolarmente a Parigi. Seguendo il consiglio di Pichot, Dalí inizia a studiare pittura con Juan Núñez. Nel 1922, Dalí soggiornò nella famosa Residencia de Estudiantes di Madrid per iniziare a studiare Belle Arti all'Accademia di San Fernando. Tuttavia, prima degli esami finali del 1926, viene espulso perché sostiene che non c'è nessuno in grado di esaminarlo. Nello stesso anno Dalí si reca per la prima volta a Parigi. Lì incontrò Picasso e stabilì alcune caratteristiche formali che da quel momento in poi sarebbero diventate distintive di tutta la sua opera. Il suo linguaggio assorbe le influenze di molti stili artistici, dall'accademismo classico alle avanguardie più innovative. In quel periodo il pittore si fece crescere dei vistosi baffi a imitazione di quelli di Velázquez, che sarebbero diventati il suo marchio personale per il resto della vita. Nel 1929 Dalí collabora con Luis Buñuel alla realizzazione di "Un perro andaluz" (Un cane andaluso), che mostra scene dell'immaginario surrealista. Nell'agosto dello stesso anno incontra la sua musa e futura moglie Gala. In questo periodo Dalí allestisce regolarmente mostre sia a Barcellona che a Parigi e si unisce al gruppo surrealista del quartiere parigino di Montparnasse. Il suo lavoro influenzò notevolmente la direzione del surrealismo per i due anni successivi e fu acclamato come il creatore del metodo paranoico-critico, che si diceva aiutasse ad accedere al subconscio liberando energie artistiche creative. Il pittore sbarca in America nel 1934, grazie al mercante d'arte Julian Levy. In seguito alla sua prima mostra individuale a New York, la sua proiezione internazionale si consolida definitivamente e da allora espone le sue opere e tiene conferenze in tutto il mondo. La maggior parte della sua produzione è raccolta nel Teatro-Museo Dalí di Figueras, seguita dalla collezione del Salvador Dalí Museum di San Pietroburgo (Florida), del Reina Sofía di Madrid, della Salvador Dalí Gallery di Pacific Palisades (California), dell'Espace Dalí di Montmartre (Parigi) o del Dalí Universe di Londra.

Stima 2 000 - 2 500 EUR

SALVADOR DALÍ I DOMÈNECH (Figueras, Girona, 1904 - 1989). "Tritone alato", 1972 circa. Scultura in bronzo su base di marmo, esemplare A 289/300. Firmata e giustificata in basso. Certificato di autenticità rilasciato da Exmundart allegato. Misure: 22 x 11 x 11 cm. Dalí ha rappresentato il dio marino, figlio di Poseidone, che scivola sulle acque, rinunciando alla compagnia con cui siamo abituati a vederlo nell'iconografia classica (accompagnato da cavalli e nereidi, circondato da delfini e suonando la conchiglia con cui annunciava le tempeste). Tritone possedeva il dono della profezia, per questo era spesso la guida dei grandi eroi mitologici. Dalí, invece, si concentra sulla vulnerabilità del personaggio, enfatizzando la sensazione di instabilità prodotta dalle onde sulla carne dell'eroe. Nei primi anni di vita, Dalí scopre la pittura contemporanea durante una visita di famiglia a Cadaqués, dove incontra la famiglia di Ramon Pichot, un artista che viaggia regolarmente a Parigi. Seguendo i consigli di Pichot, Dalí inizia a studiare pittura con Juan Núñez. Nel 1922, Dalí soggiorna nella famosa Residencia de Estudiantes di Madrid per iniziare a studiare Belle Arti all'Accademia di San Fernando. Tuttavia, prima degli esami finali del 1926, viene espulso perché sostiene che non c'è nessuno in grado di esaminarlo. Nello stesso anno Dalí si reca per la prima volta a Parigi. Lì incontrò Picasso e stabilì alcune caratteristiche formali che da allora in poi sarebbero diventate distintive di tutta la sua opera. Il suo linguaggio assorbe le influenze di molti stili artistici, dall'accademismo classico alle avanguardie più innovative. In quel periodo il pittore si fece crescere dei vistosi baffi a imitazione di quelli di Velázquez, che sarebbero diventati il suo marchio personale per il resto della vita. Nel 1929 Dalí collaborò con Luis Buñuel alla realizzazione di "Un cane andaluso", che raffigurava scene tipiche dell'immaginario surrealista. Nell'agosto dello stesso anno incontra la sua musa e futura moglie Gala. In questo periodo Dalí allestisce regolarmente mostre sia a Barcellona che a Parigi e si unisce al gruppo surrealista del quartiere Montparnasse di Parigi. Il suo lavoro influenzò notevolmente la direzione del Surrealismo per i due anni successivi e fu acclamato come il creatore del metodo paranoico-critico, che si diceva aiutasse ad accedere al subconscio liberando energie artistiche creative. Il pittore sbarca in America nel 1934, grazie al mercante d'arte Julian Levy. Dopo la sua prima mostra personale a New York, la sua fama internazionale si consolida definitivamente e da allora espone le sue opere e tiene conferenze in tutto il mondo. La maggior parte della sua produzione è conservata nel Teatro-Museo Dalí di Figueras, seguita dalla collezione del Salvador Dalí Museum di San Pietroburgo (Florida), del Reina Sofía di Madrid, della Salvador Dalí Gallery di Pacific Palisades (California), dell'Espace Dalí di Montmartre (Parigi) e del Dalí Universe di Londra.

Stima 12 000 - 13 000 EUR

ANTONI CLAVÉ I SANMARTÍ (Barcellona, 1913 - Saint Tropez, Francia, 2005). "Composizione rossa e nera", 1962 circa. Olio e gouache su carta litografata montata su tela. In allegato un certificato rilasciato dall'Archivio Antoni Clavé. L'opera è registrata presso gli Archivi Antoni Clavé, Parigi. N. : 62TMPMT18. Firmato in basso a destra. Dimensioni: 57 x 77 cm; 67 x 87 cm (cornice). Su uno sfondo scuro l'intensità del rosso risalta, raggiungendo un contrasto di colori che dona vivacità alla composizione e risveglia lo sguardo dello spettatore. Attraverso il gioco tra il rosso e il nero, risorsa spesso utilizzata da Antoni Clave, l'artista dispiega un insieme di elementi, apparentemente casuali, che si uniscono per formare una composizione barocca. Antoni Clavé è una delle figure più importanti dell'arte contemporanea spagnola. Formatosi alla Scuola di Belle Arti San Jordi di Barcellona, Clavé si dedica inizialmente alla grafica pubblicitaria, all'illustrazione e alle arti decorative. Nel 1936 partecipa attivamente alla guerra civile, unendosi alle file repubblicane, cosa che lo porta ad andare in esilio in Francia alla fine della guerra. Nello stesso anno, il 1939, espone i disegni realizzati sui campi di battaglia. Si stabilisce a Parigi, dove incontra Vuillard, Bonnard e Picasso. A partire da questo periodo, Clavé inizia a sviluppare un lavoro caratterizzato da uno stile diverso, meno classico. In questo periodo le sue figure perdono gradualmente la loro precisione e la loro forma, per lasciare il posto alle linee e a una personale gamma di colori e texture che diventeranno le caratteristiche principali delle sue opere da quel momento in poi. L'artista godeva già di un grande prestigio internazionale quando iniziò a essere riconosciuto in Spagna, dopo la sua mostra alla Sala Gaspar di Barcellona nel 1956. Negli anni Sessanta rende omaggio a El Greco e la sua pittura in questo periodo rivela le influenze di questo maestro, oltre a quelle dei pittori barocchi. Il tema del cavaliere con la mano sul petto assume una rilevanza particolare, un riferimento che si ripeterà nelle opere future di Clavé. Questo periodo è caratterizzato dal passaggio definitivo all'astrazione. Negli anni Settanta l'opera di Clavé continua a evolversi, utilizzando varie tecniche come il collage e inventandone di nuove come il "papier froissé", frutto di un uso casuale di aerosol su carta stropicciata. Nel 1978 il Musée National d'Art Moderne di Parigi, oggi Centre Georges Pompidou, gli ha dedicato una retrospettiva che lo ha reso uno degli artisti più prestigiosi della sua generazione. Le sue ultime opere sono caratterizzate dalla ricreazione di texture all'interno dell'astrazione, con un uso abbondante di papier froissé. È stato premiato all'Hallimark di New York nel 1948, alla Biennale di Venezia nel 1954 e alla Biennale Internazionale di Tokyo nel 1957. Nel 1984 lo Stato spagnolo ha riconosciuto il suo valore artistico con l'esposizione di oltre cento sue opere nel padiglione spagnolo della Biennale di Venezia. Nello stesso anno gli è stata conferita la Medaglia d'Oro della Generalitat de Catalunya. Le opere di Clavé si trovano, tra l'altro, al Museo di Belle Arti di Bilbao, alla Tate Gallery, al Museo d'Arte Moderna di Parigi e Tokyo, al British Museum e al Museo Reina Sofía di Madrid.

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