JOAQUÍN MICHAVILA ASENSI (Alcora, Castellón, 1926 - Albalat de Taronchers, Valen…
Descrizione

JOAQUÍN MICHAVILA ASENSI (Alcora, Castellón, 1926 - Albalat de Taronchers, Valencia, 2016). "LLAC". Olio su tela. Firmato in basso a sinistra. Misure: 73 x 95,50 cm; 93 x 112 cm (cornice). Tra i principali rappresentanti dell'astrazione valenciana, Joaquín Michavila si è formato alla Escuela Superior de Bellas Artes de San Carlos de Valencia, della cui accademia è stato membro dal 1975 e presidente tra il 2003 e il 2007. Professore di Belle Arti, è stato insignito della Distinzione per Merito Culturale della Generalitat Valenciana (2001) e del Premio Arti Plastiche della Generalitat Valenciana (2007). Michavila si trasferì a Valencia nel 1932, dove visse fino al 1966. Partecipante di spicco dell'avanguardia valenciana, Michavila ha fatto parte, fin dalla sua fondazione, dei gruppi Los Siete, Parpalló e Artes del Arte. Inizia la sua carriera nel 1952 e per alcuni anni cerca un proprio linguaggio; a partire dal 1960 sviluppa un linguaggio inquadrato nel costruttivismo, che progressivamente si evolve in senso sempre più geometrico. Un decennio più tardi si concentrerà sull'evocazione dei paesaggi della sua giovinezza attraverso l'astrazione, e intorno al 1990 inizierà ad avvicinarsi al tenebrismo, con opere segnate dal contrasto tra luce e ombra. All'inizio del XXI secolo, Michavila inizierà una nuova fase con una produzione di acrilici genericamente intitolata "Contrappunto", un termine musicale da cui scaturiscono interpretazioni plastiche di maestri compositori dell'avanguardia come Schönberg, Luis de Pablo o Paco Llàcer. Quest'ultima serie parla di un certo dramma esistenziale derivato dal precedente tenebrismo pittorico, con sfondi neri su cui il suono diventa pura forma, vibrazione sonora così come la luce, giocando a evocare la sinestesia. Nel corso della sua carriera, Michavila ha tenuto mostre in tutta la Spagna, oltre che a Roma, Firenze, Basilea, Denver, San Paolo, New York e Vienna. È stato insignito di numerosi premi, tra cui il Premio Alfonso Roig della Diputación de Valencia nel 1996 e la Medaglia d'oro della Città di Valencia nel 1997, oltre a essere nominato Alcorí Distinguit nel 1998. Inoltre, nel febbraio 2016 l'Università di Valencia gli ha dedicato una mostra monografica in omaggio, riunendo una selezione di trenta opere rappresentative di tutta la sua carriera.

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JOAQUÍN MICHAVILA ASENSI (Alcora, Castellón, 1926 - Albalat de Taronchers, Valencia, 2016). "LLAC". Olio su tela. Firmato in basso a sinistra. Misure: 73 x 95,50 cm; 93 x 112 cm (cornice). Tra i principali rappresentanti dell'astrazione valenciana, Joaquín Michavila si è formato alla Escuela Superior de Bellas Artes de San Carlos de Valencia, della cui accademia è stato membro dal 1975 e presidente tra il 2003 e il 2007. Professore di Belle Arti, è stato insignito della Distinzione per Merito Culturale della Generalitat Valenciana (2001) e del Premio Arti Plastiche della Generalitat Valenciana (2007). Michavila si trasferì a Valencia nel 1932, dove visse fino al 1966. Partecipante di spicco dell'avanguardia valenciana, Michavila ha fatto parte, fin dalla sua fondazione, dei gruppi Los Siete, Parpalló e Artes del Arte. Inizia la sua carriera nel 1952 e per alcuni anni cerca un proprio linguaggio; a partire dal 1960 sviluppa un linguaggio inquadrato nel costruttivismo, che progressivamente si evolve in senso sempre più geometrico. Un decennio più tardi si concentrerà sull'evocazione dei paesaggi della sua giovinezza attraverso l'astrazione, e intorno al 1990 inizierà ad avvicinarsi al tenebrismo, con opere segnate dal contrasto tra luce e ombra. All'inizio del XXI secolo, Michavila inizierà una nuova fase con una produzione di acrilici genericamente intitolata "Contrappunto", un termine musicale da cui scaturiscono interpretazioni plastiche di maestri compositori dell'avanguardia come Schönberg, Luis de Pablo o Paco Llàcer. Quest'ultima serie parla di un certo dramma esistenziale derivato dal precedente tenebrismo pittorico, con sfondi neri su cui il suono diventa pura forma, vibrazione sonora così come la luce, giocando a evocare la sinestesia. Nel corso della sua carriera, Michavila ha tenuto mostre in tutta la Spagna, oltre che a Roma, Firenze, Basilea, Denver, San Paolo, New York e Vienna. È stato insignito di numerosi premi, tra cui il Premio Alfonso Roig della Diputación de Valencia nel 1996 e la Medaglia d'oro della Città di Valencia nel 1997, oltre a essere nominato Alcorí Distinguit nel 1998. Inoltre, nel febbraio 2016 l'Università di Valencia gli ha dedicato una mostra monografica in omaggio, riunendo una selezione di trenta opere rappresentative di tutta la sua carriera.

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RAFAEL DURANCAMPS I FOLGUERA (Sabadell, 1891 - Barcellona, 1979). "Periferia di La Garriga". Olio su tela. Firmato in basso a destra. La cornice necessita di restauro. Misure: 40 x 61 cm; 56 x 80 cm (cornice). Sotto un cielo limpido, si dispiega un paesaggio suburbano con case e campi seminati. Tranne che per un ciclista che scivola sulla strada sterrata, il silenzio sembra essere palpabile in questa fedele rappresentazione della periferia di La Garriga. Rafael Duran i Camps, meglio conosciuto come Durancamps, è stato discepolo di Vila Cinca alla Scuola Industriale di Arti e Mestieri di Sabadell. In seguito conobbe Joaquín Mir, con il quale instaurò una stretta relazione e il cui stile influenzò il linguaggio colorato del primo periodo di Durancamps. Espone per la prima volta nel 1917 alle Galerías Layetanas di Barcellona e il successo ottenuto lo incoraggia a continuare a dipingere nonostante l'opposizione della famiglia. Trascorre diversi periodi a Madrid, dove studia i maestri del Museo del Prado, e poi viaggia in Italia. Tornato a Barcellona, partecipa a diversi concorsi, vincendo premi importanti come la medaglia Masriera nel 1920, e tiene diverse mostre alla Sala Parés. Nel 1921 si reca per la prima volta a Parigi. Il suo lavoro in questo periodo è vicino all'impressionismo, ma mostra anche le influenze di Zurbarán, El Greco e del colorismo veneziano, combinando la precisione del disegno con la gravità del colore. Nel 1926 torna in Francia e si stabilisce a Passy, dove vive fino al 1939. In questi anni conosce Picasso, che lo incoraggia a tenere mostre alla galleria Zak, dove riscuote un notevole successo, che aumenta con le esposizioni successive. Tornato in Spagna, si stabilisce a San Sebastián, ma continua a collaborare strettamente con la Sala Parés, dove continua a esporre fino alla sua morte. Ha inoltre allestito diverse mostre a Madrid, Sabadell, Bilbao, Valencia, Londra e Filadelfia. Sebbene il suo primo periodo sia stato influenzato da Mir, Durancamps si è presto evoluto verso una concezione più personale, dando particolare rilievo alla linea costruttiva e a un peculiare cromatismo di sobria bellezza. Le sue nature morte, trattate con profusione di linee e trasparenze, sono un prodigio di serenità ed eleganza, con un'impronta così personale da sfuggire a qualsiasi classificazione contemporanea. I suoi paesaggi e le scene di genere, in particolare le "capeas" in vari villaggi spagnoli, sono altamente emotivi. I "cieli di presagio" che esprimono il dramma della fiesta evocano il suo acuto senso lirico. È presente nei Musei d'Arte Contemporanea di Barcellona, Madrid, San Sebastián e Buenos Aires, oltre che in numerose collezioni spagnole e straniere.

JOAQUÍN PEINADO (Ronda, Malaga, 1898 - Parigi, 1975). "Paesaggio boscoso", 1951. Inchiostro e gouache su carta. Firmato e datato in basso a sinistra. Dimensioni: 55 x 36 cm; 71 x 52 cm (cornice). Joaquín Ruiz-Peinado Vallejo è stato un pittore cubista, successore di Cézanne e figlio spirituale di Picasso, è stato uno dei più importanti rappresentanti della Scuola spagnola di Parigi. Entrato nel 1918 alla Scuola di Belle Arti di San Fernando a Madrid, negli anni successivi diventa allievo di Cecilio Plá e Julio Romero de Torres e ottiene una borsa di studio per tre anni presso il Monastero di Santa María de El Paular, vincendo nel 1922 il Premio di pittura El Paular. Nel 1923, terminati gli studi, si reca a Parigi, dove si stabilisce definitivamente. Qui frequenta i corsi delle accademie Ranson, Colarossi e La Grande Chaumière, e contemporaneamente si interessa alla pittura cubista, estetica che personalizzerà e manterrà nelle sue opere. Nel 1924 espone anche ai Salons des Indépendants, Surindépendants e d'Automne. Tuttavia, dalla città della Senna continua a far parte della vita artistica spagnola, partecipando alla mitica Prima Esposizione della Società degli Artisti Iberici nel 1925 e illustrando le riviste "Litoral", "Gallo" e "La Gaceta Literaria", nonché "La flor de California" (1928) di José María Hinojosa. Nel 1926 vince anche il Premio di pittura della Diputación de Málaga. Tre anni dopo, nel 1929, partecipa a due importanti mostre d'arte d'avanguardia in Spagna: la Mostra di dipinti e sculture di residenti spagnoli a Parigi, presso il Giardino Botanico di Madrid, e la Mostra Regionale d'Arte Moderna, presso la Casa de los Tiros di Granada. Come altri artisti dell'epoca, si dedica anche alle arti sceniche, partecipando ai film "Un perro andaluz" (1929) e "La edad de oro" (1930), dell'amico Buñuel, e come scenografo e disegnatore per la "Carmen" di Feyder (1925). Nel 1926 partecipa anche alla rappresentazione de "El retablo de Maese Pedro" di Falla ad Amsterdam insieme a Buñuel, Cossío, Viñes e Ángeles Ortiz. Col tempo, la sua carriera artistica lo porterà a occupare una posizione di rilievo all'interno della Scuola di Parigi; diventerà direttore della Sezione di Pittura dell'Unione degli Intellettuali Spagnoli e poi vicepresidente della stessa, e l'UNESCO lo nominerà delegato della Sezione dei Pittori Spagnoli della Scuola di Parigi. Nel 1946 è anche uno degli organizzatori della mostra "Arte de la España Republicana. Artisti spagnoli della Scuola di Parigi", tenutasi a Praga e, visto l'enorme successo, successivamente anche a Brno. Da quella data in poi le sue mostre internazionali furono frequenti, sia individuali che collettive, e fu raggruppato insieme alla migliore arte francese dell'epoca. Tuttavia, solo nel 1969 si tenne una retrospettiva del suo lavoro in Spagna; organizzata dalla Dirección General de Bellas Artes e allestita al Museo de Arte Español Contemporáneo di Madrid, questa mostra consacrò la sua figura nel nostro Paese. Nello stesso anno, infatti, è stato nominato membro dell'Accademia Reale di San Telmo a Malaga. Attualmente la sua opera è ampiamente rappresentata nel museo che porta il suo nome a Ronda.

JOAQUÍN SOROLLA Y BASTIDA (Valencia, 1863 - Cercedilla, Madrid, 1923). Libro d'artista "Los paisajes de Sorolla" con due tavole. Facsimile con carta Old Mill Bianco, 100g. Copia 1804/2998. Libro di studio allegato. Editore ARTIKA. Misure: 35,3 x 45,5 cm (libro), 35,3 x 45,7 cm (tavole, x2); 41 x 53 x 12,5 cm (custodia). Edizioni uniche con riproduzioni in facsimile di 73 disegni di Joaquín Sorolla, appartenenti al Museo Sorolla e alla Fondazione Museo Sorolla di Madrid. Joaquín Sorolla (Valencia, 1863 - Cercedilla, Madrid, 1923) mostra la sua passione per il disegno e la pittura, frequentando i corsi di disegno pomeridiani tenuti dallo scultore Cayetano Capuz presso la Scuola degli Artigiani. Dopo aver terminato gli studi preliminari alla Escuela Normal Superior, nel 1879 entrò nella prestigiosa Escuela de Bellas Artes de San Carlos a Valencia. Inoltre, durante le sue visite a Madrid nel 1881 e nel 1882, copia i dipinti di Velázquez, Ribera e El Greco al Museo del Prado. Due anni dopo ottenne un grande successo all'Esposizione Nazionale di Belle Arti con un dipinto di storia, che lo stimolò a richiedere una borsa di studio all'Accademia spagnola di Belle Arti di Roma. Raggiunto il suo obiettivo, nel 1885 Sorolla partì per Roma, soggiornando a Parigi per alcuni mesi prima di arrivare. Nella capitale francese rimase impressionato dalla pittura dei realisti e dei pittori che lavoravano all'aperto. Al termine degli anni trascorsi a Roma tornò a Valencia nel 1889, stabilendosi a Madrid l'anno successivo. Nel 1892 Sorolla mostra una nuova sensibilità nella sua arte, interessandosi ai problemi sociali con la rappresentazione della triste scena di "¡Otra Margarita!", premiata con una medaglia di prima classe al National e l'anno successivo all'Internazionale di Chicago. Questa sensibilità rimarrà nel suo lavoro fino alla fine del decennio, nelle sue esibizioni sulla costa valenciana. Gradualmente, però, il maestro valenciano abbandonerà i temi dei bambini infelici che vediamo in "Triste herencia", premiato all'Esposizione Universale di Parigi nel 1900 e alla Nazionale di Madrid un anno dopo. Incoraggiato dal successo delle sue splendide immagini del Mediterraneo e stimolato dall'amore per la luce e la vita delle sue spiagge assolate, si concentra su queste scene nelle sue opere, più allegre e piacevoli, con le quali raggiungerà la fama internazionale. Nel 1906 tiene la sua prima mostra personale alla Galleria George Petit di Parigi, dove dimostra anche le sue capacità di ritrattista. Nel 1908 l'americano Archer Milton Huntington, colpito dalla mostra dell'artista alla Grafton Gallery di Londra, cerca di acquistare due sue opere per la sua Hispanic Society. Un anno dopo invitò lui stesso Sorolla a esporre presso la sua istituzione, dando vita a una mostra nel 1909 che ebbe un enorme successo. Il rapporto tra Huntington e Sorolla portò alla commissione più importante della vita del pittore: la creazione delle immense tele destinate a illustrare, sulle pareti della Hispanic Society, le regioni della Spagna. Cercando di catturare l'essenza delle terre e delle persone del suo Paese, Sorolla viaggiò per tutta la Spagna tra il 1911 e il 1919, continuando a tenere mostre. Incapacitato da un attacco di emiplegia nel 1921, Sorolla morì due anni dopo, senza aver visto la sua grande "Visione della Spagna", che sarebbe stata installata solo nel 1926. Attualmente è presente al Museo del Prado e a quello che porta il suo nome a Madrid, al Metropolitan Museum di New York, al Museo d'Orsay di Parigi, al J. Paul Getty Museum di Los Angeles, ai Musei di Belle Arti di Bilbao e Valencia, alla National Portrait Gallery di Londra e a molti altri.