Resin bust of Beethoven simulating marble, 20th century Misure: 30 cm

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Resin bust of Beethoven simulating marble, 20th century

Misure: 30 cm

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Resin bust of Beethoven simulating marble, 20th century

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Stima 800 - 900 EUR

ANTONI TÀPIES PUIG (Barcellona, 1923 - 2012). "L'oeil", 1984. Acquaforte in due lastre su carta Arches, esemplare 4/50. Firmata e numerata a mano. Tàpies Galfetti V, p. 183, fig. 952. Misure: 12 x 21 cm (stampa 1); 30 x 40 cm (stampa 2); 50 x 65 cm (carta). Antoni Tàpies inizia a dedicarsi all'arte durante la sua lunga convalescenza da una malattia polmonare. Cofondatore di "Dau al Set" nel 1948, inizia a esporre nei Salones de Octubre di Barcellona e nel Salón de los Once di Madrid nel 1949. Dopo la sua prima mostra individuale nelle Gallerie Layetanas, nel 1950 si reca a Parigi, con una borsa di studio dell'Istituto Francese. In questi anni inizia la sua partecipazione alla Biennale di Venezia, espone nuovamente alle Layetanas e, dopo una mostra a Chicago, nel 1953 tiene una personale alla galleria newyorkese di Martha Jackson. Da quel momento le sue mostre, sia collettive che personali, si tengono in tutto il mondo, in importanti gallerie e musei come il Guggenheim di New York e il Museo d'Arte Moderna di Parigi. A partire dagli anni Settanta, gli sono state dedicate antologiche a Tokyo (1976), New York (1977 e 2005), Roma (1980), Amsterdam (1980), Madrid (1980), Venezia (1982), Milano (1985), Vienna (1986) e Bruxelles (1986). Autodidatta, Tàpies ha creato un proprio stile nell'ambito dell'arte d'avanguardia del XX secolo, combinando tradizione e innovazione in uno stile astratto ma ricco di simbolismo, dando grande rilevanza al substrato materiale dell'opera. Vale la pena menzionare il marcato senso spirituale dato dall'artista al suo lavoro, dove il supporto materiale trascende il suo stato per significare una profonda analisi della condizione umana. L'opera di Tàpies è stata molto apprezzata a livello internazionale ed è stata esposta nei più prestigiosi musei del mondo. Nel corso della sua carriera ha ricevuto numerosi premi e riconoscimenti, tra cui il Praemium Imperiale del Giappone, il Premio Nazionale della Cultura, il Gran Premio per la Pittura in Francia, la Fondazione Wolf delle Arti (1981), la Medaglia d'Oro della Generalitat de Catalunya (1983), il Premio Principe delle Asturie per le Arti (1990), la Medaglia Picasso dell'Unesco (1993) e il Premio Velázquez per le Arti Plastiche (2003). Grande difensore della cultura catalana, di cui è profondamente impregnato, Tàpies è un grande ammiratore dello scrittore mistico Ramón Llull, nonché del romanico catalano e dell'architettura di Gaudí. Allo stesso tempo, apprezza l'arte e la filosofia orientali che, come il suo lavoro, sfumano il confine tra materia e spirito, tra uomo e natura. Influenzato dal buddismo, nei suoi dipinti mostra come il dolore, sia fisico che spirituale, sia insito nella vita. Antoni Tàpies è presente nei principali musei del mondo, come la fondazione che porta il suo nome a Barcellona, il Reina Sofía di Madrid, il Guggenheim di Berlino, Bilbao e New York, il Fukoka Art Museum in Giappone, il MoMA di New York e la Tate Gallery di Londra.

Stima 2 000 - 3 000 EUR

MANUEL BARBADILLO (Cazalla de la Sierra, Siviglia, 1929 - Malaga, 2003). Senza titolo, 1979-1984. Inchiostro su carta. Incorniciato in vetro da museo. Firmato in basso a destra. Misure: 21 x 30 cm; 29 x 38 cm (cornice). Sulla carta millimetrata è presente uno studio, riflessioni dell'artista, che ci mostra il lavoro precedente e concettuale. Nella collezione del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, infatti, sono presenti diversi pezzi di dimensioni maggiori che riflettono il concetto estetico che l'artista incarna in questo lavoro. Ne sono un esempio i pezzi Coraina, Dione e Merata. Manuel Barbadillo inizia la sua formazione nello studio di José Arpa (1941), per poi passare al laboratorio dello scultore Emilio García Ortiz, dove rimane tra il 1944 e il 1947. Completa infine la sua formazione presso la Scuola di Arti e Mestieri tra il 1951 e il 1953. Contemporaneamente studia legge e, una volta terminati gli studi nel 1954, espone per la prima volta all'Ateneo de Sevilla. Si reca quindi in Marocco, dove rimane fino al 1957, dove abbandona definitivamente la figurazione per dedicarsi alla sperimentazione astratta. Quando nel 1959 si trasferisce a New York, dove rimane fino al 1962, il suo lavoro si inquadra nell'astrazione informalista, mostrando inizialmente influenze dell'espressionismo astratto. Il suo linguaggio, tuttavia, si muoverà presto sulla linea della riduzione del colore, fino a sfociare in opere sobrie, monocrome, dense di materia pittorica e dall'accentuato carattere sperimentale. Verso il 1960 il suo lavoro entra in una nuova fase, segnata dalla strutturazione e dalla ricerca di un linguaggio sempre più razionale ed equilibrato. Infine, intorno al 1963 la sua pittura raggiunge la maturità attraverso la schematizzazione compositiva, l'eliminazione della materia, la simmetria e l'uso di forme ripetitive. Questa semplificazione lo condurrà infine al linguaggio binario, e dal 1964 sostituisce il concetto di forma con quello di modulo, dando così inizio al periodo più lungo e fecondo della sua produzione. Nel 1968 viene invitato a partecipare a un corso presso il Centro de Cálculo de la Complutense e nello stesso anno prende parte al Seminario sulla Generazione Automatica di Forme Plastiche presso lo stesso centro, un evento che sarà fondamentale nella sua carriera. Da allora Barbadillo stabilirà uno stretto rapporto con il computer, inteso come strumento di lavoro. Nel corso della sua carriera, Barbadillo è stato membro della Computer Arts Society e del Consiglio artistico della Gesellschaft für Computer Grafik und Computer Kunst di Monaco di Baviera, e ha esposto le sue opere in mostre tenute in Spagna, Marocco, Argentina, Venezuela, Stati Uniti e Germania, oltre a partecipare a mostre collettive in tutto il mondo. Attualmente è rappresentato al MNCA Reina Sofía, al Centro Andaluz de Arte Contemporáneo e in numerose collezioni pubbliche e private in Europa e in America. Incorniciato in vetro da museo.

Stima 2 200 - 2 400 EUR

JOSE MARIA YTURRALDE, (Cuenca, 1942). "Postludio", 1998. Acrilico su carta. Firmato e datato in basso. Misure: 30 x 30 cm; 35 x 35 cm (cornice). La serie "Orizzonti", iniziata da Yturralde nel 2009, è un esempio di esplorazione e ricerca del colore, della luce e della sensorialità. Questo orizzonte orizzontale segna il punto di partenza dell'esperienza sensoriale dell'essere umano, un concetto legato alla cultura dei Tuareg e anche agli "haiku" (poesie) giapponesi. In questo modo, l'artista sottolinea l'infinità dell'orizzonte, associata alla visione infinita del deserto. Nel corso degli anni consecutivi, Jose María Yturralde continua a dare forma al concetto di limite e di inizio, associato anche a campi scientifici come le distorsioni spazio-temporali. Nel 2014, continua ad aggiungere aspetti legati al trattamento e al design di questi limiti che assumono la forma di linee nere verticali e orizzontali al centro di strutture equilibrate e colorate. Dottore in Belle Arti presso l'Università Politecnica di Valencia, Yturralde è membro effettivo dell'Accademia Reale di Belle Arti di San Carlos. Ha debuttato come solista nel 1969 con una mostra presso il Centro de Cálculo de la Universidad de Madrid. Ben presto riceve riconoscimenti importanti, tra cui una borsa di studio per il Massachusetts Institute of Technology. Yturralde ha esposto e tenuto conferenze in tutto il mondo e, fin dall'inizio della sua carriera, ha partecipato a importanti mostre collettive internazionali: Biennale di San Paolo (1967), Museum of Fun di Tokyo (1979), Spanish Institute di New York (1996), ecc. Particolarmente degne di nota sono le sue mostre personali al M.I.T. e al Museo Reina Sofia di Madrid, oltre che in varie gallerie parigine, moscovite, spagnole, americane e giapponesi. Yturralde è rappresentato in musei nazionali e internazionali come il Museum of Abstract Art di Cuenca, il Brooklyn Museum, l'Harvard Museum, l'Asahi Shimbun di Tokyo, il Novgorod State Museum in Russia, il Patio Herreriano di Valladolid e il Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.

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