Scuola spagnola; XVIII secolo. "Gesù Bambino e San Giovanni". Legno scolpito in policromia. Misure: 81 x 34 x 27 cm (x2). In entrambi i casi, la rappresentazione infantile del Bambino Gesù e di San Giovanni era molto comune nel Barocco, unendo, inoltre, entrambe le figure per il loro rapporto familiare e il loro destino simile, oltre alla funzione del Battista e di altri. Visivamente, è uno di quei temi "morbidi e dolci" che, nello spettatore, risvegliano ricordi (o anticipazioni) di ciò che accadrà in futuro nella vita di entrambi, la religione raggiungendo il cuore di questo stesso fedele attraverso il sentimento, come era consuetudine all'epoca. Così, non era raro vederli "insieme" sia nei dipinti che nelle sculture, differenziati da piccoli dettagli quando le sculture sono presentate senza abiti, ma chiaramente quando sarebbero "complete" (abiti, acconciature, elementi iconografici, ecc.). Questo tipo di immagini religiose vestite sono state realizzate in Occidente soprattutto a partire dal Barocco, uno stile artistico molto interessato alla rappresentazione di figure il più possibile realistiche. A volte le figure sono persino dotate di capelli e occhi naturali e di altri elementi in vetro. Non è raro che l'intero corpo della figura sia scolpito in legno e policromo, ma era anche molto comune che solo le parti del corpo che si sarebbero viste una volta vestita l'immagine (cioè le mani e il viso) fossero realizzate in legno e il resto in erba di sparto o in legno poco o per nulla lavorato, o addirittura in strisce unite tra loro. Questo permetteva di abbassare i costi, in modo che le confraternite o le chiese potessero scegliere artisti di maggiore qualità per la realizzazione delle loro immagini. Inoltre, le figure indossavano mantelli e altri indumenti ricamati di qualità, in modo che la parte lavorata non si vedesse, essendo quindi una spesa superflua. Le immagini "cap i pota" sono figure lavorate in dettaglio solo sul viso e sulle mani, su una struttura di legno più o meno intagliata. Sebbene le figure da vestire fossero spesso utilizzate nelle processioni, in questo caso si tratta di una figura destinata alla devozione privata, date le sue piccole dimensioni. Le parti visibili sono ricoperte da un sottile strato di stucco e policromate, mentre il resto è coperto da abiti veri. Si tratta di immagini che piacevano soprattutto per il loro naturalismo, poiché indossando abiti autentici si raggiungeva un grado di realismo maggiore rispetto a quelli semplicemente scolpiti, che spesso non avevano una qualità sufficiente per raggiungere quel grado di naturalismo, così ricercato nell'arte religiosa fin dal periodo barocco. Per le sue caratteristiche formali, si tratta di un'opera che si riferisce alla mano del pittore e scultore granadino José Risueño, formatosi con il padre, Manuel Risueño, e con il pittore Juan de Sevilla, entrambi a loro volta discepoli di Alonso Cano. Nel corso della sua vita Risueño realizzò un'abbondante produzione artistica di temi religiosi, caratterizzata dalla combinazione dell'influenza dei modelli di Cano con il gusto per il naturalismo e l'utilizzo per costruire le sue composizioni di stampe fiamminghe di Van Dyck. Durante la sua vita riscosse un grande successo, infatti fu protetto da figure di spicco della Chiesa e lavorò nella fabbrica della cattedrale di Granada, che gli garantì un flusso di commissioni. Il suo principale protettore sarà, a partire dal 1693, l'arcivescovo Martín Azcargorta, e sarà proprio da allora che l'artista raggiungerà la maturità del suo linguaggio e della sua maestria. Realizzerà opere importanti come il Cristo del convento di San Angel o l'Immacolata dell'altare della cattedrale di Granada, anche se la sua opera più famosa, e anche l'ultima che realizzò, fu la serie di sedici figure che compongono la pala di San Ildefonso. La scultura di José Risueño si caratterizza per le piccole figure, il virtuosismo tecnico di influenza rococò e la qualità delle sue policromie, dato che era anche un pittore.