Seguace di REMBRANDT HARMENSZOON VAN RIJN (Leida, 1606 - Amsterdam, 1669). "La dormizione della Vergine". Olio su tavola. Cullato. Presenta restauri e difetti sulla superficie pittorica. Misure: 79 x 63 cm; 100 x 84 cm (cornice). Questo dipinto segue il modello compositivo stabilito da Rembrandt nell'incisione della Dormizione della Vergine, realizzata nel 1639. La Hispanic Digital Library ne possiede una copia nella sua collezione, che descrive come segue: "Una delle sue incisioni religiose più famose è La morte della Vergine, del 1639. È la prima incisione in cui l'artista utilizza la puntasecca in modo generalizzato e la più grande dopo I cento fiorini. Esistono tre stati di questa incisione e la Biblioteca Nacional possiede due eccellenti copie del secondo stato. La scena può essere messa in relazione con La morte della Vergine di Dürer, che Rembrandt acquistò all'asta nel 1638, e anche con diversi disegni di questo periodo, come La morte di Giacobbe o quelli di Saskia malata a letto. Ne La morte della Vergine, gli apostoli circondano di dolore il letto mortuario della Vergine, mentre gli angeli le girano intorno per ricevere la sua anima. Si tratta di una composizione multiforme in cui ogni persona mostra il proprio dolore in modo diverso. La stanza è ornata da grandi tende, tappeti e un letto a baldacchino. Il gioco di luci e ombre è studiato in modo che l'attenzione si concentri sulla Vergine morta e sulla pausa di gloria che occupa tutta la parte superiore della stampa, dove Rembrandt utilizza linee molto lunghe e incrociate. È in questa stampa che egli utilizza per la prima volta, in modo generalizzato, la puntasecca sulla lastra pulita prima di completarla con l'acquaforte. Da questo momento in poi, questa tecnica diventa per Rembrandt un vero e proprio mezzo di espressione artistica". Spostata dal centro della scena, si trova la figura della Vergine con gli occhi chiusi e distesa su un letto. La presenza degli apostoli afflitti ai piedi della figura della Vergine e l'apparizione degli angeli ci indicano che si tratta della rappresentazione del passaggio della Vergine. Un tema che divenne popolare durante il periodo barocco e successivamente, a causa della Controriforma, che portò la religione cristiana a ricorrere a vari passaggi della vita della Vergine. Nell'opera spicca soprattutto la grande magnificenza dell'architettura che configura la scena. Secondo i Vangeli apocrifi, dopo l'annuncio di San Michele della sua fine terrena, la Vergine convocò gli apostoli, che accorsero alla sua chiamata tranne San Tommaso, che stava predicando in India. Possiamo apprezzare come l'autore di questa tela abbia saputo assimilare la lezione dell'indiscusso maestro del chiaroscuro, le tonalità monocromatiche dai tratti spettacolari. Possiamo anche apprezzare l'impronta dei variegati impasti di Rembrandt, la cui pennellata variava da delicate velature al tocco di un pennello ricco di materia. Rembrandt, oltre a essere un maestro della pittura, era anche un incisore eccezionale. Lavorò sia a bulino che a puntasecca, rinunciando sempre al disegno preventivo, attaccando direttamente la lastra e sfruttando al massimo le possibilità espressive della tecnica dell'acquaforte. Fece molte prove, togliendo e inserendo elementi e ritoccando, da cui il grande senso di immediatezza delle sue incisioni. Realizzò fino a dieci stati diversi e per terminare alcune opere impiegò anche anni. Il suo tema preferito era l'autoritratto: prendeva se stesso come modello per studiare i suoi affetti, e allo stesso tempo lasciava una traccia della sua personalità e del passare del tempo. Presenta restauri e difetti sulla superficie pittorica.