Marino Marini (1901-1980) / École orientaliste du XXe siècle Una stampa e un oli…

Descrizione

Marino Marini (1901-1980) / École orientaliste du XXe siècle

Una stampa e un olio su tela > Marino Marini, Le Cavalier, 1955, litografia su carta firmata e datata in basso a destra - 54,5 x 44 cm > École orientaliste du XXe siècle, Canal Mahmoudieh, 1996, olio su tela firmato in basso a destra, titolato e datato sul retro - Lievi ammaccature e parti mancanti, 37,5 x 48,5 cm Condition report: Framed

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Marino Marini (1901-1980) / École orientaliste du XXe siècle

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Stima 25 000 - 35 000 EUR

Angelo OTERO Senza titolo (SK-NG, serie di album) - 2013 Pittura a olio e pelli di pittura a olio incollate su tela Firmato, datato e intitolato sul retro "SK-NG". 102 × 81,50 cm Pittura a olio e pelli di pittura a olio collate su tela; firmato, datato e titolato sul retro 40,15 × 32,08 poll. Provenienza : Galleria Kavi Gupta, Chicago Acquisito direttamente dalla galleria dall'attuale proprietario Angelo OTERO Citazione: "Per me, molto presto, l'arte consisteva nel dipingere paesaggi... poi un ragazzo mi ha mostrato le immagini di un quadro di Pollock e mi ha scioccato; è stato molto liberatorio che il mondo accettasse questo come arte."- Angel Otero L'approccio artistico di Angel Otero combina metodi di formazione e deformazione, un modo di lavorare che si traduce in immagini e oggetti che sembrano essere in perpetuo mutamento. Tra le sue opere più esemplificative ci sono le "pelli di vernice". L'unicità del lavoro di Otero è inscindibile dal suo particolare marchio di innovazione formale orientata al processo. Dipingendo a testa in giù, applica la pittura a olio su grandi lastre di vetro. Una volta che queste si sono asciugate (il che può richiedere fino a due settimane), Otero stacca la vernice ad olio dalle loro superfici con una serie di "lame", quindi incolla le loro composizioni ad anello sulla tela, modificando le loro superfici spezzate con ulteriori gesti, forme e lettere dipinte. Queste procedure", mi ha detto Otero, "producono sorprese alle quali sono diventato dipendente". Assemblate negativamente - come una stampa o un film fotografico - le recenti invocazioni testuali di Otero alla filosofia del XX secolo (che includono citazioni di Sartre, tra le altre figure totemiche) servono anche come saggi visivi sull'instabilità metafisica della nostra epoca sorprendentemente sconsiderata e culturalmente stordita. L'approccio di Angel Otero al fare arte combina metodi di formazione e deformazione, un modo di lavorare che si traduce in immagini e oggetti che sembrano in continuo divenire. Tra i suoi lavori più esemplificativi ci sono le cosiddette "pelli di vernice". La singolarità del lavoro di Otero è indivisibile dalla sua particolare specie di innovazione formale orientata al processo. Dipingendo al contrario, con un cenno al filmMemento (2000), Otero applica la pittura a olio su grandi lastre di vetro. Una volta che queste si sono asciugate (il che può richiedere fino a due settimane), Otero stacca la vernice ad olio dalle loro superfici con una serie di "lame", quindi fa aderire le loro composizioni piegate sulla tela, modificando le loro superfici spezzate con ulteriori gesti, forme e lettere dipinte. "Queste procedure", mi ha detto Otero, "producono sorprese alle quali sono diventato dipendente". Assemblate in modo negativo, come una stampa o un film fotografico, le recenti invocazioni testuali di Otero alla filosofia del XX secolo (che includono citazioni di Sartre, tra le altre figure totemiche) servono anche come saggi visivi di instabilità metafisica per il nostro tempo incredibilmente irriflessivo e culturalmente ottuso.

Stima 4 000 - 5 000 EUR

DIRCK HENDRICKSZ CENTEN (c.1542-1618)

Stima 3 500 - 4 000 EUR

PEDRO ATANASIO BOCANEGRA (Granada, 1638 - 1689). "Immacolata Concezione". Olio su tela. Rilegato. Presenta restauri. Misure: 81 x 61 cm; 100 x 84 cm (cornice). Il dipinto corrisponde al tema, alla composizione e alla tecnica di Pedro Atanasio, molto influenzato da Alonso Cano e Van Dyck. Pedro Atanasio de Bocanegra, discepolo di Alonso Cano, Pedro Moya e Juan de Sevilla, divenne negli anni Sessanta del Cinquecento l'artista più attivo della sua città natale. La sua prima opera conosciuta è la decorazione per la festa del Corpus Domini nella sua città natale nel 1661. Negli anni successivi troviamo commissioni come la serie di tele eseguite tra il 1665 e il 1666 per il chiostro del convento di Nuestra Señora de Gracia, oggi perdute, o i numerosi dipinti, tra cui la "Conversione di San Paolo", realizzati tra il 1668 e il 1672 per l'altare del collegio della Compagnia di Gesù, oggi chiesa dei Santi Justo e Pastor (in situ). Nello stesso periodo gli fu commissionata la decorazione della Certosa di Granada con grandi scene sulla vita della Vergine, un insieme che comprende due opere attualmente conservate al Museo del Prado: "Apparizione della Vergine a San Bernardo" e "La Vergine e San Pietro che danno la regola ad alcuni frati certosini". Fu anche nominato pittore della cattedrale. Dopo questo periodo si recò a Siviglia nel 1686 e da lì partì per la corte di Madrid, dove fu protetto da Don Pedro de Toledo, marchese di Mancera. Grazie all'influenza del suo protettore, Bocanegra ottenne il titolo di pittore del re "ad honorem" per il suo dipinto "Allegoria della giustizia", ispirato a una stampa veneziana della metà del XVI secolo e attualmente conservato presso l'Accademia Reale di San Fernando. Altre sue opere conservate sono "L'adorazione dell'Eucaristia" (convento delle Góngoras, Madrid), diversi ritratti di membri dell'ordine trinitario (Palazzo di Carlo V, Granada), oltre a quelle conservate al Prado: diversi dipinti che rappresentano la Vergine con il Bambino e diversi santi, e "Il trionfo di Davide". Dopo il soggiorno a Madrid, Pedro Bocanegra tornò a Granada, dove conobbe il pittore e architetto Teodoro de Ardemans, che lo ritrasse in una tela conservata nel palazzo arcivescovile di Granada. Bocanegra sviluppò uno stile vicino a quello del suo maestro Cano, facendosi ammirare per il grande fascino delle sue immagini religiose, rappresentate con grande delicatezza. La sua debolezza nel disegno era compensata da un piacevole cromatismo, molto lavorato, che dimostra il suo interesse per l'arte fiamminga contemporanea, soprattutto quella di Anton van Dyck. Oltre alle gallerie d'arte e ai centri religiosi già citati, attualmente possiamo trovare opere di questo maestro nel Museo di Saragozza, nel Museo Goya di Castres, nel Museo Diocesano di Arte Sacra di Vitoria e nel Museo di Belle Arti di Granada, oltre che in varie collezioni private. Presenta restauri.

Stima 7 000 - 8 000 EUR

Seguace di REMBRANDT HARMENSZOON VAN RIJN (Leida, 1606 - Amsterdam, 1669). "La dormizione della Vergine". Olio su tavola. Cullato. Presenta restauri e difetti sulla superficie pittorica. Misure: 79 x 63 cm; 100 x 84 cm (cornice). Questo dipinto segue il modello compositivo stabilito da Rembrandt nell'incisione della Dormizione della Vergine, realizzata nel 1639. La Hispanic Digital Library ne possiede una copia nella sua collezione, che descrive come segue: "Una delle sue incisioni religiose più famose è La morte della Vergine, del 1639. È la prima incisione in cui l'artista utilizza la puntasecca in modo generalizzato e la più grande dopo I cento fiorini. Esistono tre stati di questa incisione e la Biblioteca Nacional possiede due eccellenti copie del secondo stato. La scena può essere messa in relazione con La morte della Vergine di Dürer, che Rembrandt acquistò all'asta nel 1638, e anche con diversi disegni di questo periodo, come La morte di Giacobbe o quelli di Saskia malata a letto. Ne La morte della Vergine, gli apostoli circondano di dolore il letto mortuario della Vergine, mentre gli angeli le girano intorno per ricevere la sua anima. Si tratta di una composizione multiforme in cui ogni persona mostra il proprio dolore in modo diverso. La stanza è ornata da grandi tende, tappeti e un letto a baldacchino. Il gioco di luci e ombre è studiato in modo che l'attenzione si concentri sulla Vergine morta e sulla pausa di gloria che occupa tutta la parte superiore della stampa, dove Rembrandt utilizza linee molto lunghe e incrociate. È in questa stampa che egli utilizza per la prima volta, in modo generalizzato, la puntasecca sulla lastra pulita prima di completarla con l'acquaforte. Da questo momento in poi, questa tecnica diventa per Rembrandt un vero e proprio mezzo di espressione artistica". Spostata dal centro della scena, si trova la figura della Vergine con gli occhi chiusi e distesa su un letto. La presenza degli apostoli afflitti ai piedi della figura della Vergine e l'apparizione degli angeli ci indicano che si tratta della rappresentazione del passaggio della Vergine. Un tema che divenne popolare durante il periodo barocco e successivamente, a causa della Controriforma, che portò la religione cristiana a ricorrere a vari passaggi della vita della Vergine. Nell'opera spicca soprattutto la grande magnificenza dell'architettura che configura la scena. Secondo i Vangeli apocrifi, dopo l'annuncio di San Michele della sua fine terrena, la Vergine convocò gli apostoli, che accorsero alla sua chiamata tranne San Tommaso, che stava predicando in India. Possiamo apprezzare come l'autore di questa tela abbia saputo assimilare la lezione dell'indiscusso maestro del chiaroscuro, le tonalità monocromatiche dai tratti spettacolari. Possiamo anche apprezzare l'impronta dei variegati impasti di Rembrandt, la cui pennellata variava da delicate velature al tocco di un pennello ricco di materia. Rembrandt, oltre a essere un maestro della pittura, era anche un incisore eccezionale. Lavorò sia a bulino che a puntasecca, rinunciando sempre al disegno preventivo, attaccando direttamente la lastra e sfruttando al massimo le possibilità espressive della tecnica dell'acquaforte. Fece molte prove, togliendo e inserendo elementi e ritoccando, da cui il grande senso di immediatezza delle sue incisioni. Realizzò fino a dieci stati diversi e per terminare alcune opere impiegò anche anni. Il suo tema preferito era l'autoritratto: prendeva se stesso come modello per studiare i suoi affetti, e allo stesso tempo lasciava una traccia della sua personalità e del passare del tempo. Presenta restauri e difetti sulla superficie pittorica.

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