Charly Rocks (NÉ EN 1983) Barattolo di vernice in resina.
25x17x30cm

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Charly Rocks (NÉ EN 1983)

Barattolo di vernice in resina. 25x17x30cm

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Charly Rocks (NÉ EN 1983)

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Stima 25 000 - 35 000 EUR

Angelo OTERO Senza titolo (SK-NG, serie di album) - 2013 Pittura a olio e pelli di pittura a olio incollate su tela Firmato, datato e intitolato sul retro "SK-NG". 102 × 81,50 cm Pittura a olio e pelli di pittura a olio collate su tela; firmato, datato e titolato sul retro 40,15 × 32,08 poll. Provenienza : Galleria Kavi Gupta, Chicago Acquisito direttamente dalla galleria dall'attuale proprietario Angelo OTERO Citazione: "Per me, molto presto, l'arte consisteva nel dipingere paesaggi... poi un ragazzo mi ha mostrato le immagini di un quadro di Pollock e mi ha scioccato; è stato molto liberatorio che il mondo accettasse questo come arte."- Angel Otero L'approccio artistico di Angel Otero combina metodi di formazione e deformazione, un modo di lavorare che si traduce in immagini e oggetti che sembrano essere in perpetuo mutamento. Tra le sue opere più esemplificative ci sono le "pelli di vernice". L'unicità del lavoro di Otero è inscindibile dal suo particolare marchio di innovazione formale orientata al processo. Dipingendo a testa in giù, applica la pittura a olio su grandi lastre di vetro. Una volta che queste si sono asciugate (il che può richiedere fino a due settimane), Otero stacca la vernice ad olio dalle loro superfici con una serie di "lame", quindi incolla le loro composizioni ad anello sulla tela, modificando le loro superfici spezzate con ulteriori gesti, forme e lettere dipinte. Queste procedure", mi ha detto Otero, "producono sorprese alle quali sono diventato dipendente". Assemblate negativamente - come una stampa o un film fotografico - le recenti invocazioni testuali di Otero alla filosofia del XX secolo (che includono citazioni di Sartre, tra le altre figure totemiche) servono anche come saggi visivi sull'instabilità metafisica della nostra epoca sorprendentemente sconsiderata e culturalmente stordita. L'approccio di Angel Otero al fare arte combina metodi di formazione e deformazione, un modo di lavorare che si traduce in immagini e oggetti che sembrano in continuo divenire. Tra i suoi lavori più esemplificativi ci sono le cosiddette "pelli di vernice". La singolarità del lavoro di Otero è indivisibile dalla sua particolare specie di innovazione formale orientata al processo. Dipingendo al contrario, con un cenno al filmMemento (2000), Otero applica la pittura a olio su grandi lastre di vetro. Una volta che queste si sono asciugate (il che può richiedere fino a due settimane), Otero stacca la vernice ad olio dalle loro superfici con una serie di "lame", quindi fa aderire le loro composizioni piegate sulla tela, modificando le loro superfici spezzate con ulteriori gesti, forme e lettere dipinte. "Queste procedure", mi ha detto Otero, "producono sorprese alle quali sono diventato dipendente". Assemblate in modo negativo, come una stampa o un film fotografico, le recenti invocazioni testuali di Otero alla filosofia del XX secolo (che includono citazioni di Sartre, tra le altre figure totemiche) servono anche come saggi visivi di instabilità metafisica per il nostro tempo incredibilmente irriflessivo e culturalmente ottuso.

Stima 30 000 - 40 000 EUR

DRAN Grazie - 2016 Acrilico, vernice spray e collage di carta su tela Firmato e intitolato; controfirmato sul retro 150,30 × 125 cm Acrilico, vernice spray e collage di carta su tela; firmato e titolato; controfirmato al verso 59,05 × 49,21 pollici. Bibliografia: Dran, ABCD'air, Éditions Nobulo, 2016, riprodotto con la lettera M di Merci. Mostre: Bruxelles, Adda Galerie, Dran, Tiens , 12 giugno-10 luglio 2016. Condizioni: Un certificato sarà consegnato all'acquirente. DRAN Citazione: "dran è inclassificabile. Felicemente imprevedibile e seriamente inquietante. Il suo singolo tratto è solo un sottile confine tra il suo strano mondo interiore e noi semplici esseri umani. Disegna come parla e come pensa. Il flusso è rapido, le idee atomizzate, lasciandoci in soggezione per l'attualità della sua visione oscura ma stranamente illuminante" - Maurizio Cattelan Osservatore critico e pungente della società, dran traccia su carta e tela visioni acerbe e ciniche delle relazioni umane nella società contemporanea, che Guy Debord ha definito la Società dello Spettacolo. Ne critica i difetti, i cambiamenti, gli approcci politici, economici e religiosi, nonché i fatti di cronaca che ne riempiono le pagine. Il suo intervento nel cuore della mostra Inside al Palais de Tokyo ha lasciato un segno indelebile. Il suo lavoro è una serie di schizzi che trasmettono un messaggio corrosivo. I bambini smorfiosi e sognanti sono minacciati dal mondo che li circonda. Tra sogno e incubo, la società e la sua violenza si impongono su di loro. Nel 2016, ha presentato la mostra Tiens à Bruxelles sotto forma di un'opera prima. Dalla A di Abécédaire alla Z di Zèbre, dran mostra, con umorismo e ironia, scene realistiche che solo la sua acuta sensibilità può far rivivere. Senza dettarci nulla, perdendoci nel suo mondo colorato e infantile, offre riflessioni, tenerezze ed emozioni alla mente curiosa. Osservatore critico e spietato della società, dran usa carta e tela per disegnare visioni ascerali e ciniche dei rapporti umani nella società contemporanea, quella che Guy Debord ha definito Società dello Spettacolo. Ne critica i fallimenti, le evoluzioni, gli approcci politico-economici e religiosi, ma anche diversi fatti che riempiono le pagine di cronaca. Il suo intervento nel cuore della mostra Inside the Palais de Tokyo ha suscitato grande impressione. Le sue opere sono scene che trasmettono un messaggio corrosivo. I bambini che fanno smorfie e sognano sono minacciati dal mondo che li circonda. Tra sogno e incubo, la società e la sua violenza si abbattono su di loro. Nel 2016 ha presentato la mostra Tiens à Bruxelles sotto forma di libro alfabetico. Dalla A di Abécédaire alla Z di Zèbre, dran mostra, con umorismo e ironia, scene realistiche che solo la sua acuta sensibilità può far rivivere. E come sempre, o come il modo in cui gestisce il suo sito web, tutto è lì per essere scoperto, cercato, approfondito e sorpreso. Senza imporci nulla, ci perde nel suo universo colorato e infantile, offrendo riflessioni, tenerezze ed emozioni alla mente curiosa.

Stima 100 000 - 200 000 EUR

JEAN-PAUL RIOPELLE (1923-2002) Atlantica 1969 firmato olio su tela firmato olio su tela 80,5 x 100 cm. 31 11/16 x 39 3/8 pollici. Realizzato nel 1969. Note a piè di pagina: Provenienza Collezione Marguerite Maeght, Parigi Dono all'attuale proprietario, agosto 1970 Bibliografia Yseult Riopelle, Tanguy Riopelle, Jean-Paul Riopelle, Catalogue Raisonné, Tome 4, 1966-1971, Montreal 2014, p. 170, n°1969.006H.1969, illustrato in bianco e nero Atlantica, realizzata nel 1969, porta in sé l'amore segreto che condividiamo con un'opera d'arte, tenuta nascosta per più di cinquant'anni, dove la tela, per essere stata scelta e amata, è diventata, nel corso degli anni, un volto che slega tutto ciò che c'è in noi tanto che il cuore si abbandona interamente ad essa. Perché ci sono paesaggi che sono stati dell'anima. In ogni opera di Riopelle, la percezione acuisce il nostro desiderio di percepire, perché il pittore conserva solo il soffio del vento e solo la luce dell'acqua della tempesta. La sua arte è un campo di battaglia, un luogo dove i sensi che gli attribuiamo si fanno e si disfano. In strati spessi, stende l'olio, di cui l'artista ama riscoprire le facoltà, le sfumature, le compenetrazioni delle colature e delle crepe che si asciugano, facendo della materia l'unica guida per il nostro sguardo. Riopelle, in un gioco sospeso, ha dotato la pittura di vita. "Questo pittore fa parte di una ristretta lista di geni creativi", ha detto il Primo Ministro ai funerali di Stato di Riopelle in Canada nel 2002. Punto d'incontro tra due civiltà, la sua arte ha stabilito una sintesi tra Europa e Nord America: estrarre non significa astrarre. Il Centre Georges Pompidou e la Fondation Maeght, nel 2022-2023, hanno organizzato grandi mostre che mettono in evidenza l'accademismo (nel senso nobile del termine) e la trasgressione che i suoi due maestri Henri Bisson e Paul-Emile Borduas gli hanno insegnato. Riopelle ha scelto presto la strada del disordine, facendo della mutazione il prodotto dell'esperienza, non dell'intenzione. Dal gruppo dell'Automatismo in Canada, si unisce naturalmente al gruppo del Surrealismo, avendo incontrato Breton al suo arrivo a Parigi nel 1947. Due anni dopo, la galleria d'avanguardia La Dragonne e Nina Dausset gli offre la sua prima mostra personale. Véhémences confrontées, su iniziativa di Michel Tapié, riunisce opere di Mathieu, Riopelle, Hartung, Bryen e Pollock in una mostra senza precedenti nel 1951. Il 1953 porta al pittore il riconoscimento sperato: Pierre Loeb acquista un gran numero di sue opere e lo fa esporre con Pierre Matisse a New York. Invitato a partecipare alla famosa mostra Younger European Painters: A Selection al Guggenheim Museum nello stesso anno, Riopelle incontra Franz Kline e Joan Mitchell... Alla fine degli anni Cinquanta, i principali collezionisti europei si appassionano a questo artista, le cui opere sensibili ci proiettano nell'emozione della presenza. Quando Riopelle dipinge un albero, conserva solo la scrittura dei suoi rami nel cielo. Sotto il suo pennello, il leggibile si trasforma in una fertile invisibilità, offrendo una chiarezza che non nasce dalla luce ma dal suo riflesso. L'occhio perspicace di Aimée e Marguerite Maeght non si sbaglia e dedica al pittore diverse mostre a partire dal 1966. Atlantica, frutto della loro generosità, è stata un regalo ai nostri collezionisti, che hanno avuto il privilegio di sceglierla. Le parole che scrissero al pittore qualche anno dopo rivelano un amore che non si è mai spento: "Sono vent'anni che guardo le tue tele, che mi tuffo dal mio letto nella tua Atlantica, nella voluttà lattiginosa dei bianchi, nella spiritualità dei blu chiari, ecc. L'emozione, mezzo secolo dopo, è ancora palpabile nella scelta eloquente di queste parole che tremano... Nome di un paleocontinente, il titolo di questo quadro ha la sovranità dell'innocenza e il fremito nebuloso di una preghiera sussurrata al cielo. Il pittore sa che il vento lo porterà a lui. Atlantica, realizzata nel 1969, porta in sé l'amore segreto che si condivide con un'opera d'arte; tenuta nascosta per più di cinquant'anni, la tela, scelta e amata, era diventata, nel corso degli anni, il rasserenamento a cui ci si rivolge perché il cuore può fidarsi completamente di essa. È vero che alcuni paesaggi riflettono gli stati dell'anima. In ogni opera di Riopelle, la percezione acuisce il nostro desiderio di percepire, perché del vento il pittore conserva solo il respiro e della tempesta solo la luminosità dell'acqua. La sua arte è un campo di battaglia, uno spazio dove si creano e si disfano i messaggi che vi percepiamo. In strati spessi, stende l'olio, le facoltà, le sfumature, la compenetrazione di gocce e crepe che si asciugano e che l'artista si diletta a riscoprire;

Stima 150 - 250 EUR

Van Diepenbeeck, Abraham ; Meyssens, Cornelis

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