Maestro di Madrid; ultimo terzo del XVII secolo. "Purísima Concepción". Olio su tela. Rilegatura. Presenta ridipinture, difetti e vecchie estensioni. Misure: 81 x 57,5 cm. La rappresentazione di Maria come Immacolata con la figura di corpo pieno, in piedi su una mezzaluna lunare, che si dispone al centro della composizione, è una rappresentazione comune nella storia dell'arte. Il cristianesimo medievale discusse appassionatamente la credenza che Maria fosse stata concepita senza macchia di peccato originale. Alcune università e corporazioni fecero voto di difendere questo privilegio della Madre di Dio, diversi secoli prima che il Concilio Vaticano I definisse il dogma di fede nel 1854. Alla fine del Medioevo sorse la necessità di dare forma iconografica a questa idea, e fu preso il modello della Donna apocalittica di San Giovanni, mantenendo alcuni elementi e modificandone altri (la Donna apocalittica è incinta, ma non l'Immacolata). L'immagine definitiva si realizzò nel XVI secolo, apparentemente in Spagna. Seguendo una tradizione valenciana, il gesuita padre Alberro ebbe una visione dell'Immacolata Concezione e la descrisse al pittore Juan de Juanes perché la raffigurasse il più fedelmente possibile. Si tratta di un concetto iconografico evoluto, talvolta associato al tema dell'Incoronazione della Vergine. Maria è rappresentata in piedi, vestita con una tunica bianca e un mantello blu, le mani incrociate sul petto, con la luna ai suoi piedi (in ricordo della castità di Diana) e calpestando il serpente infernale (simbolo della sua vittoria sul peccato originale). Intorno alla testa, come un'aureola, porta le dodici stelle, simbolo di pienezza e allusione alle dodici tribù di Israele. La maggior parte di queste immagini sono accompagnate nel dipinto dai simboli mariani delle litanie e dei salmi. Molti artisti lavorarono su questo tema, le opere di Mateo Cerezo (Burgos, 1637 - Madrid, 1666) e José Antonílez (Madrid, 1635-1675) sono particolarmente degne di nota per il gran numero di opere dedicate all'Immacolata Concezione, di cui si sono conservate una ventina, tre delle quali firmate nel Museo del Prado. Riuscì a creare un proprio tipo iconografico di estrema eleganza e raffinatezza, in cui la Vergine appare con un volto concentrato, dolcemente assorto nonostante l'affollato gruppo di angeli che la circonda. La scuola madrilena emerse intorno alla corte di Filippo IV prima e di Carlo II poi, e si sviluppò per tutto il XVII secolo. Gli analisti di questa scuola hanno insistito nel considerare il suo sviluppo come un risultato del potere vincolante della corte; ciò che è veramente decisivo non è il luogo di nascita dei diversi artisti, ma il fatto che furono educati e lavorarono intorno e per una clientela nobiliare e religiosa basata accanto ai reali. Questo permise e incoraggiò un'unità stilistica, che gradualmente si sviluppò in un linguaggio barocco più autoctono legato alle concezioni politiche, religiose e culturali della monarchia asburgica, prima di spegnersi con le prime esplosioni del rococò. Le tecniche più utilizzate da questi pittori furono l'olio e l'affresco. Stilisticamente, partirono da un naturalismo con una notevole capacità di sintesi per condurre opportunamente alla complessità allegorica e formale caratteristica del barocco decorativo. Questi artisti mostrarono una grande preoccupazione per lo studio della luce e del colore, come possiamo vedere qui, enfatizzando inizialmente il gioco di toni estremi caratteristici del tenebrismo, che furono poi sostituiti da una colorazione più esaltata e luminosa. Hanno ricevuto e assimilato influenze italiane, fiamminghe e di Velázquez.