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Litografie

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lun 29 lug

EDWARD STEICHEN (Lussemburgo, 1879 - West Redding, Connecticut, 1973). "Il mare", 1904. Fotografia al platino montata su carta nera originale su carta crema (originale). Presenta etichetta sul retro di collezione tedesca (Amburgo 1971). Firmata e datata in basso a destra. Misure: 13 x 17,5 cm; 29 x 37 cm (cornice). Edward Steichen è stato una figura chiave della fotografia del XX secolo, dirigendone lo sviluppo come fotografo di punta e influente curatore. Steichen arrivò negli Stati Uniti nel 1881. Dipinge e lavora in litografia, prima di dedicarsi alla fotografia nel 1896, esponendo per la prima volta le fotografie al Salone di Filadelfia nel 1899. Steichen diventa cittadino naturalizzato nel 1900 e, dopo aver esposto al Salon di Chicago, riceve il sostegno di Clarence White, che lo presenta ad Alfred Stieglitz. Tra il 1900 e il 1922 Steichen esercita la professione di pittore a Parigi, dove conosce Rodin ed è in contatto con i movimenti dell'arte moderna, tanto da poter consigliare Stieglitz nella scelta delle mostre. Nel 1901 viene eletto membro della Linked Ring Brotherhood di Londra e nel 1902 è co-fondatore della Photo-Secession e disegna la prima copertina di Camera Work, in cui vengono spesso pubblicati i suoi lavori. A New York, Steichen aiutò Stieglitz a fondare le Small Galleries of the Photo-Secession, che divennero note come "291", e nel 1910 partecipò alla International Exhibition of Pictorial Photography di Buffalo. Durante la Prima guerra mondiale dirige la fotografia aerea per le Forze di spedizione dell'esercito. Poco dopo abbandona la pittura, insieme alle vestigia del pittorialismo, e adotta uno stile modernista. Dal 1923 al 1938 è stato capo fotografo di Condé Nast, mentre svolgeva attività pubblicitaria freelance. Nominato tenente comandante nel 1942, Steichen fu nominato direttore dell'Istituto fotografico navale degli Stati Uniti nel 1945; qui supervisionò la fotografia di combattimento e organizzò le mostre Road to Victory e Power in the Pacific. È stato direttore della fotografia del Museum of Modern Art dal 1947 al 1962, ed è stato responsabile di oltre cinquanta mostre, tra cui The Family of Man del 1955, la mostra più popolare della storia della fotografia. Steichen ha ricevuto innumerevoli premi e onorificenze, tra cui il titolo di Chevalier della Legion d'Onore francese, una borsa di studio onoraria della Royal Photographic Society, la Distinguished Service Medal, il premio dell'Art Directors Club di New York, il premio U.S. Camera Achievement Award per il "più eccezionale contributo individuale alla fotografia" (1949) e la Presidential Medal of Freedom (1963). Importanti mostre del suo lavoro sono state allestite presso il Baltimore Museum of Art, il Museum of Modern Art, la Bibliothèque Nationale de Paris, l'ICP e la George Eastman House.

Stima 2 500 - 3 000 EUR

lun 29 lug

FRANCIS BACON (Dublino, 1909 - Madrid, 1992). "Tre studi per un autoritratto". Litografia su carta Arches, copia E.A. Firmata e giustificata a mano. Opera acquisita presso la Coskun Gallery di Londra nel 2008. Dimensioni: 52 x 94 cm; 79 x 121 cm (cornice). Francis Bacon è l'autore di alcuni dei dipinti più sorprendenti e inediti dell'arte contemporanea. Il suo stile, ossessivo, tormentato e straziante, è un chiaro documento delle difficoltà vissute in Europa dopo la Seconda Guerra Mondiale. Attualmente le sue opere raggiungono cifre stratosferiche nelle aste internazionali, rendendolo uno degli artisti più ricercati sul mercato dell'arte. Ne è un esempio il trittico "Three Studies by Lucian Freud (1969)", che nel 2013 ha raggiunto il prezzo record di 142 milioni di dollari all'asta pubblica, diventando una delle tre opere più costose della storia. Alcune delle sue opere sono presenti nelle più importanti gallerie d'arte del mondo, come la Tate Britain di Londra (che possiede una delle più ampie collezioni dell'artista), il MET e il Moma di New York, il Museo Thyssen-Bornemisza e il Museo Reina Sofía. "Tre studi per un autoritratto" definisce con enfasi il significato dell'arte di Bacon. Figure scomposte, isolate, inquietanti e spirituali che, lungi dal ricercare una specifica somiglianza con la persona raffigurata, si addentrano nella spiritualità del soggetto. Qui vediamo l'astrazione, la frammentazione e la distorsione del volto del pittore, un aspetto fondamentale nello sviluppo artistico di Bacon, conseguenza degli eventi della vita che hanno reso la sua esistenza una fervida bomba a orologeria in procinto di esplodere. Attraverso le sue opere egli esprime la sua condizione vitale, legata anche al suo lato autodistruttivo, riuscendo così a esprimere solitudine, violenza e degrado. Nato a Dublino, anche se da genitori inglesi, Francis Bacon inizia a dipingere da autodidatta. A soli 17 anni, nel 1927, la galleria Paul Rosemberg aprì le porte al pittore. Lì conobbe l'opera di Pablo Picasso, un artista che avrebbe ammirato per tutta la sua carriera. Come Picasso, altri pittori hanno influenzato il lavoro di Bacon: Velázquez (di cui dipinse la versione di Papa Innocenzo X, producendo almeno 40 "papi") e Nicolas Poussin, la cui "Strage degli Innocenti", ora al Musée Condé, suscitò in lui un'intensa emozione. Nel 1945 espone a Londra, insieme agli artisti inglesi Henry Moore e Graham Sutherland, il dipinto Three Studies for Figures at the Foot of a Crucifixion (1944 circa), un trittico che, secondo lo stesso Bacon, segna il punto di partenza della sua carriera. Nel 1945 Bacon aveva sviluppato un proprio stile inconfondibile. Nel 1949 il Museum of Modern Art di New York (MOMA) acquista un'imponente opera di Bacon intitolata Painting 1946. Nel 1956 fu invitato a rappresentare la Gran Bretagna alla Biennale di Venezia insieme a Ben Nicholson e Lucian Freud. Con il suo lavoro, Bacon decise che il soggetto dei suoi dipinti sarebbe stato sia la vita nella morte che la morte nella vita. Cerca di esprimere la sua condizione vitale, che è anche legata al suo lato autodistruttivo. Michel Leiris gli suggerì che il masochismo, il sadismo e manifestazioni simili erano in realtà solo modi per sentirsi più umani. I ritratti e gli autoritratti costituiscono una parte importante dei dipinti di Bacon, tra cui George Dyer in a Mirror del 1968, un'opera in cui il pittore suggerisce la vulnerabilità e la fragilità dell'io. Bacon realizzava ritratti senza pose presi dal vero, sviluppati a partire da fotografie. Ritrasse i suoi compagni e amici intimi e i personaggi famosi: Peter Lacy, George Dyer e John Edwards, Henrietta Moraes, Isabel Rawsthorne, Muriel Belcher, Lucian Freud, Peter Beard e Michel Leiris, ma anche Hitler, Pio XII e Mick Jagger. Alcune delle sue opere sono presenti nelle più importanti gallerie d'arte del mondo, come la Tate Britain di Londra (che possiede una delle più ampie collezioni dell'artista), il MET e il Moma di New York, il Museo Thyssen-Bornemisza e il Muse.

Stima 20 000 - 25 000 EUR

lun 29 lug

ROBERT MOTHERWELL (Stati Uniti, 1915-Stati Uniti 1991). "Samurai", 1971 Litografia su carta Japan Suzuki. Firmata a mano dall'artista. Etichetta di Brooke Alexander sul retro. Misure: 200 x 160 cm; 216 x 124 cm (cornice). "Samurai" è un paradigma dell'opera di Motherwell: una forma nera aggressiva da cui si irradiano esplosioni e fendenti. È una delle immagini più potenti di Motherwell, che invoca elementi di sessualità nella forma fallica astratta e di violenza attraverso il titolo. Sebbene sia difficile decifrare le tracce di figurazione nell'opera di Motherwell, egli si ispirava e faceva riferimento alla letteratura, alla vita, alla politica. Artista multidisciplinare, si è formato alle università di Stanford e Harvard in filosofia e alla Columbia University in storia e arte, sotto la direzione di Meyer Schapiro. È stato uno dei maggiori rappresentanti dell'espressionismo astratto americano, al cui gruppo di fondatori appartiene insieme a Pollock, Arshile Gorky e Rothko. Si è distinto anche come critico d'arte. Ha scritto numerosi articoli su riviste d'avanguardia e ha curato libri come "Documents of Modern Art" (1944-1961) o "Documents of 20th Century Art" (1971). Membro del comitato editoriale della pubblicazione surrealista "VVVV", l'obiettivo principale di Motherwell era mostrare allo spettatore l'impegno mentale e fisico dell'artista con la tela. Utilizzò la durezza del colore nero come elemento di base; una delle sue tecniche più note consisteva nel diluire la vernice con trementina per creare un effetto ombra. La serie di dipinti nota come "Elegie alla Repubblica Spagnola" (Elegy to the Spanish Republic) è considerata il suo progetto più significativo. Tra le sue numerose esposizioni, ricordiamo la partecipazione alla più importante mostra surrealista negli Stati Uniti organizzata da André Breton, Marcel Duchamp e dal gallerista Sidney Janis presso la Whitelaw Reid Mansion (Manhattan-1942). Anche la mostra tenutasi alla Galleria "Art of this Century" (New York) nel 1943 diretta da Peggy Guggenheim; alla quale partecipò insieme a Jackson Pollock e Baziotes. L'anno successivo il Museum of Modern Art di New York acquistò una sua opera; successivamente fu incluso in diverse mostre presso lo stesso museo. Nel 1980 Robert Motherwell tiene la sua prima mostra in Spagna presso la Fundación Juan March (Madrid). Nel 1986 riceve la Medaglia d'Oro al Merito delle Belle Arti, il più alto riconoscimento culturale spagnolo. Nel 1989, la National Medal of Arts degli Stati Uniti, il Museum of Modern Art di Fort Worth (USA) ospita la più grande collezione di opere di Motherwell. Anche nell'Empire State Plaza (New York) si trovano alcune sue opere. Il Walker Art Center (Minneapolis, USA) possiede una collezione quasi esaustiva di sue stampe. Oltre alla presenza in numerosi musei, collezioni pubbliche e private e nelle più prestigiose gallerie di tutto il mondo.

Stima 25 000 - 30 000 EUR

lun 29 lug

JOAN MIRÓ I FERRÀ (Barcellona, 1893 - Palma di Maiorca, 1983). "Miró, Museo d'Arte Moderna del Messico". 1980. Litografia su pergamena Arches, esemplare 2/100. Firmata, dedicata, datata e numerata a matita. Editore: Museo de Arte Moderno de México. Stampatore: Litografías Artística Damià Caus, Barcellona. Riprodotto in Maeght Editeur "Miró Litógrafo VI", p. 148. Misure: 76 x 56 cm; 97 x 77 x 4 cm (cornice). Questa litografia di Miró, limitata a cento esemplari, è stata utilizzata per il manifesto che annunciava la mostra di Joan Miró nel Bosque de Chapultepec nella primavera del 1980, al Museum of Modern Art. Lune, stelle, figure ridotte a pochi tratti di nero spesso che racchiudono al loro interno colori primari... sintetizzano alcune delle costellazioni dell'anima di Joan Miró raccolte in questa immagine. Joan Miró si forma a Barcellona e debutta individualmente nel 1918, presso le Gallerie Dalmau. Nel 1920 si trasferisce a Parigi e conosce Picasso, Raynal, Max Jacob, Tzara e i dadaisti. Lì, sotto l'influenza di poeti e pittori surrealisti, matura il suo stile; cerca di trasporre la poesia surrealista al visivo, basandosi sulla memoria, sulla fantasia e sull'irrazionale. La sua terza mostra a Parigi, nel 1928, è il suo primo grande trionfo: il Museum of Modern Art di New York acquista due delle sue opere. Tornato in Spagna nel 1941, nello stesso anno il museo gli dedica una retrospettiva che sarà la sua definitiva consacrazione internazionale. Nel corso della sua vita ricevette numerosi riconoscimenti, come i Gran Premi della Biennale di Venezia e della Fondazione Guggenheim, il Premio Carnegie per la Pittura, le Medaglie d'Oro della Generalitat de Catalunya e delle Belle Arti, e fu nominato Dottore Honoris Causa dalle università di Harvard e Barcellona. Attualmente le sue opere sono esposte alla Fondazione Joan Miró di Barcellona, al Museo Thyssen-Bornemisza, al MoMA di New York, al Museo Reina Sofía di Madrid, alla National Gallery di Washington, al MNAM di Parigi e alla Albright-Knox Art Gallery di Buffalo.

Stima 5 000 - 6 000 EUR

lun 29 lug

JAUME PLENSA (Barcellona, 1955). "Meravigliosa la conversazione che non abbiamo". Litografia su lastra di zinco e acquaforte polimerica su carta giapponese Arakaji. Esemplare E.A. Firmata e giustificata. Misure: 77 x 50 cm. Jaume Plensa ha studiato alla Scuola di La Llotja e alla Scuola Superiore di Belle Arti di Sant Jordi, entrambe a Barcellona. Si è distinto nella scultura, nel disegno e nell'incisione. Il suo lavoro si concentra sulla relazione tra l'uomo e il suo ambiente, spesso mettendo in discussione il ruolo dell'arte nella società e la posizione dell'artista. Attualmente vive a Parigi e di recente gli è stata conferita una laurea honoris causa dalla School of the Art Institute di Chicago. Plensa ha iniziato la sua carriera lavorando con ferro battuto mescolato con poliestere. Tra il 1983 e il 1984 ha iniziato a modellare il ferro con la tecnica della fusione e ha sviluppato un concetto scultoreo basato su elementi zoomorfi. Il suo lavoro si è evoluto gradualmente e oggi è considerato un precursore del neo-espressionismo spagnolo. Negli anni Novanta introduce modifiche nel suo lavoro, sia dal punto di vista materiale che formale, e inizia a utilizzare materiali diversi come rottami metallici, poliestere e resine. In questi anni elabora serie di muri, porte e costruzioni architettoniche, cercando di dare allo spazio un protagonismo assoluto. Tra il 1999 e il 2003 Plensa diventa uno dei pilastri della scenografia mondiale, reinterpretando con "La Fura dels Baus" quattro opere classiche di Falla, Debussy, Berlioz e Mozart, e da solo una produzione teatrale contemporanea, "La pareti della solitudine", di Ben Jelloun. Ha tenuto mostre personali e collettive in tutto il mondo, tra cui una retrospettiva al Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía nel 2000. Nel giugno 2008 ha inaugurato a Londra, presso la sede della BBC, la sua opera "Breathing", un monumento dedicato ai giornalisti uccisi nell'esercizio della loro professione. Nel corso della sua carriera ha ricevuto numerose onorificenze, come la Medaglia dei Cavalieri delle Arti e delle Lettere nel 1993, conferita dal Ministero della Cultura francese, o il Premio Nazionale per le Arti Plastiche nel 1997, conferito dalla Generalitat della Catalogna. Considerato uno dei maggiori rappresentanti della nuova arte spagnola di tendenza espressionista, le sue opere sono presenti nelle migliori gallerie e fiere d'arte nazionali e internazionali, oltre che nei principali musei d'Europa e degli Stati Uniti, come il MOMA di New York, il Kemper di Kansas, il Museo Patio Herreriano di Valladolid, il Palazzo Forti di Verona, il MACBA o il Museo Reina Sofía di Madrid.

Stima 1 500 - 1 800 EUR

lun 29 lug

JAUME PLENSA (Barcellona, 1955). "Arcano", 2015. Litografia e acquaforte su carta Somerset, Firmato e datato a mano. Misure: 70 x 50 cm.(stampa); 86 x 65 cm.(carta). Jaume Plensa ha studiato alla Scuola di La Llotja e alla Scuola Superiore di Belle Arti di Sant Jordi, entrambe a Barcellona. Si è distinto per la scultura, il disegno e l'incisione. Il suo lavoro si concentra sul rapporto tra l'uomo e il suo ambiente, spesso mettendo in discussione il ruolo dell'arte nella società e la posizione dell'artista. Attualmente vive a Parigi e di recente gli è stata conferita una laurea honoris causa dalla School of the Art Institute di Chicago. Plensa ha iniziato la sua carriera lavorando con ferro battuto mescolato con poliestere. Tra il 1983 e il 1984 ha iniziato a modellare il ferro con la tecnica della fusione e ha sviluppato un concetto scultoreo basato su elementi zoomorfi. Il suo lavoro si è evoluto gradualmente e oggi è considerato un precursore del neo-espressionismo spagnolo. Negli anni Novanta introduce modifiche nel suo lavoro, sia dal punto di vista materiale che formale, e inizia a utilizzare materiali diversi come rottami metallici, poliestere e resine. In questi anni elabora serie di muri, porte e costruzioni architettoniche, cercando di dare allo spazio un protagonismo assoluto. Tra il 1999 e il 2003 Plensa diventa uno dei pilastri della scenografia mondiale, reinterpretando con "La Fura dels Baus" quattro opere classiche di Falla, Debussy, Berlioz e Mozart, e da solo una produzione teatrale contemporanea, "La pareti della solitudine", di Ben Jelloun. Ha tenuto mostre personali e collettive in tutto il mondo, tra cui una retrospettiva al Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía nel 2000. Nel giugno 2008 ha inaugurato a Londra, presso la sede della BBC, la sua opera "Breathing", un monumento dedicato ai giornalisti uccisi nell'esercizio della loro professione. Nel corso della sua carriera ha ricevuto numerose onorificenze, come la Medaglia dei Cavalieri delle Arti e delle Lettere nel 1993, conferita dal Ministero della Cultura francese, o il Premio Nazionale per le Arti Plastiche nel 1997, conferito dalla Generalitat della Catalogna. Considerato uno dei maggiori rappresentanti della nuova arte spagnola di tendenza espressionista, le sue opere sono presenti nelle migliori gallerie e fiere d'arte nazionali e internazionali, oltre che nei principali musei d'Europa e degli Stati Uniti, come il MOMA di New York, il Kemper di Kansas, il Museo Patio Herreriano di Valladolid, il Palazzo Forti di Verona, il MACBA o il Museo Reina Sofía di Madrid.

Stima 1 500 - 2 000 EUR

lun 29 lug

Giochi Olimpici/ Estate, 1934-1988-1992/ Manifesto originale: "Badminton, un vero sport". Su questa favolosa litografia firmata dal grande Maurice Lauro (1878-1934) alla fine degli anni Venti, la lotta per il riconoscimento del Badminton è intensa. Gli appassionati di Badminton dell'epoca cercavano abilmente e artisticamente di colmare il doppio vuoto che era stato abbandonato e aperto dal lawn tennis. Dopo tutto, il lawn tennis è scomparso dal programma olimpico dopo i Giochi di Parigi, e questa creazione autoproclamata "sportiva" era un tentativo di prendere il potere - il badminton poteva benissimo prendere il sopravvento, no? Il problema è che i moschettieri colmarono il vuoto nel 1927 vincendo e difendendo la Coppa Davis. L'opportunità di successione divenne meno ovvia e le due discipline rimasero nell'ombra olimpica fino agli anni Ottanta. Il tennis si presentò nel 1984 e il badminton nel 1988 a Seul, sul suolo di casa. Nessuna delle due si lasciò sfuggire l'occasione. Con quest'opera iconica, Lauro rappresenta la chiave di volta di questa lunga avventura verso il riconoscimento, che aveva già dato i suoi frutti nel 1934, anno della morte dell'artista, con la nascita di una Federazione Internazionale di Badminton! Questa costruzione grafica è così accurata che possiamo ragionevolmente supporre che l'artista doveva essere un praticante e che questo grido del cuore: "Il badminton è un vero sport", fosse davvero suo, e non certo frutto del caso o di una commissione, non avrebbe potuto spingersi così lontano e "giocare" così accuratamente. Insomma, se il badminton ha potuto sopravvivere, svilupparsi e diffondersi in tutto il mondo, con circa 400 milioni di appassionati del volano, è grazie alla sua bellezza e alla sua dimensione sportiva, di cui Lauro è qui folgorante interprete. Come sapete, questa operazione di commando è culminata nel 1988 a Seul, dove la disciplina è regina, come in tutta l'Asia. Solo a titolo dimostrativo, ha varcato la porta olimpica di Barcellona nel 1992. Da allora, non è diventata indispensabile, ma essenziale per il programma olimpico. E mentre l'Asia rimane la forza trainante, l'Europa, con la Spagna e la Danimarca, non sta cedendo la lingua al drago, come vi dirà il discreto ma talentuoso rappresentante della Francia ai Giochi del 1996, Etienne Thobois. Tanto più che anche i francesi sono ormai assi del volo, essendo diventati competitivi almeno quanto i loro cugini di primo grado nel tennis. Sorrida, signor Lauro, e per davvero... Litografia, tela, 64x44. Eccezionalmente fresca. Maurice Lauro (1878-1934) Poster "Badminton Dimensioni: 64 x 44 cm Restauro. In questa litografia, l'artista è riuscito a catturare l'anima vivace di uno sport che a volte sconfina nella danza. Aveva iniziato come caricaturista della stampa, facendosi conoscere prima della Grande Guerra su "Le Rire", oltre che su "Le Journal", "Le Pêle-Mêle" e "l'Almanach Vermot" (1906-1919), la sua collaborazione più lunga. Poi arrivarono i ruggenti anni Venti e il suo passaggio alla moda e alla cartellonistica fu un successo. Nascono così i suoi manifesti per Trouville, La Baule e Nizza (Palais de la Méditerranée), nonché i suoi lavori per la birra Champigneules e le biciclette Automoto. Morì nel 1934, l'anno in cui fu fondata la Federazione Internazionale di Badminton. Uno specialista ha ipotizzato che questa immagine del 1925 fosse destinata alla città di Dieppe, una delle prime roccaforti di questo sport dal 1908. Il badminton è uno sport olimpico dal 1992.

Stima 3 800 - 4 200 EUR
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