12th September - Classics of the 19th and 20th century

Lot 1 - PERE PRUNA OCERANS (Barcelone, 1904 - 1977). "Nu féminin", 1956. Huile sur toile. Signée et datée dans le coin inférieur droit. Dimensions : 115 x 86 cm ; 126 x 97 cm (cadre). Une jeune femme à la silhouette stylisée s'appuie d'une main sur la balustrade et tient de l'autre un voile transparent qui lui couvre la tête. Derrière elle, un paysage s'ouvre avec une première ligne de grands cyprès entre lesquels on aperçoit une maison de campagne. La jeune fille répond au prototype de la femme mélancolique et fragile, mystérieuse et subtile dans ses mouvements, que Pere Pruna a forgé en plaçant ses modèles féminins dans des décors calmes, chargés de résonances métaphysiques. Pruna s'est concentré sur le portrait et la figure féminine, lui conférant élégance et délicatesse. Cette peinture s'inscrit dans le retour à l'ordre prôné par les avant-gardes (dont Picasso) dans les années 30 et 40, après la période cubiste et fauve. Cocteau, grand ami de Pruna, fut d'ailleurs l'un des promoteurs de ce retour au classicisme, dans lequel Pruna trouvera son expression la plus authentique dans les décennies suivantes. Cette toile nous plonge dans une atmosphère suggestive, sensuelle et intime. Artiste essentiellement autodidacte, Pere Pruna a complété sa formation à l'École des beaux-arts de Barcelone. Après avoir commencé à exposer à Barcelone alors qu'il était encore très jeune, il s'est rendu à Paris en 1921, où il a été aidé et guidé par Picasso. Dans la capitale française, il réalise avec succès une exposition personnelle à la galerie Percier et entre en contact avec des intellectuels tels que Cocteau, Drieu la Rochelle, Max Jacob et d'autres, avec lesquels il fonde la revue "Philosophie" en 1924. Serge Diaghilev, qui a visité l'une de ses expositions, lui propose également de créer les décors et les costumes du ballet "Les matelots" en 1925. Depuis lors, il a également travaillé sur d'autres œuvres musicales, telles que "La vie de Polichinele" (1934) et "Oriane" (1938), entre autres. En 1928, il obtient le deuxième prix absolu de l'exposition de l'Institut Carnegie de Pittsburg et, plus tard, à son retour à Barcelone, il obtient d'autres prix tels que le concours "Montserrat vue par les artistes catalans" (1931) ou le prix Nonell (1936). Ce dernier fut entouré de controverse, car Pruna l'obtint pour sa peinture à l'huile "El vi de Chios", pour laquelle il utilisa comme modèle une photographie publiée dans une revue pornographique parisienne. Devant l'émoi suscité, Pruna renonce au prix, mais le jury ratifie sa décision. Après le déclenchement de la guerre civile, Pruna s'installe à Paris et poursuit son activité d'exposition internationale, avec une exposition organisée à Londres en 1937. Parallèlement, il travaille pour les services de propagande de Ridruejo, avec des œuvres telles que l'affiche commémorant la promulgation de la Force de travail, et Eugenio d'Ors, responsable national des beaux-arts, le présente à la représentation espagnole à la Biennale de Venise en 1938. Après la guerre, il combine les expositions de peinture de chevalet avec la peinture murale, un genre dans lequel son travail au monastère de Montserrat a été particulièrement célébré. En 1965, il a reçu le prix de la ville de Barcelone et, trois ans plus tard, il a été nommé académicien de la Far de Sant Cristòfor. Pere Pruna est actuellement représenté au musée de Montserrat, où un espace porte son nom, au MACBA de Barcelone et au musée Maricel de Sitges, entre autres.

Estim. 8 000 - 10 000 EUR

Lot 2 - MARIANO BARBASÁN LAGUERUELA (Saragosse, 1864 - 1924). "Venise". Huile sur panneau. Etiquette de présentation au dos. Signé dans le coin inférieur droit. Dimensions : 48 x 31 cm ; 58 x 41 cm (cadre). Dans cette composition de format vertical, l'auteur recueille une vue de la ville mythique de Venise. L'image accueille les infinies nuances chromatiques qui se conjuguent dans la surface vibrante des bâtiments et dans l'eau. Où les reflets des vieux manoirs et les ombres coïncident, tout en dialoguant avec un ciel clair. Les vues vénitiennes ont été l'un des thèmes les plus appréciés de la peinture du XIXe siècle. Elle montre une influence claire des approches qui ont émergé grâce à des avant-gardes picturales remarquables telles que l'impressionnisme, et une certaine réminiscence du luminisme espagnol. Mariano Barbasán commence sa formation à l'Académie des beaux-arts de San Carlos à Valence, où il entre en 1880. Pendant sa période d'étudiant, il entretient des relations étroites avec ses condisciples Joaquín Sorolla et Salvador Abril. En 1887, il s'installe à Madrid pour découvrir les collections du musée du Prado et participe la même année à l'exposition nationale des beaux-arts. Pendant cette période, il voyage assidûment à Tolède, dont il étudie les paysages et les architectures. En 1889, il obtient une pension de la Diputación de Zaragoza pour terminer ses études à Rome. Finalement, il décide de rester en Italie de façon permanente. Il ouvre un atelier à Rome, mais travaille pendant de longues périodes à Subiaco, dans la campagne romaine. À l'âge de 57 ans, il retourne en Espagne pour occuper un poste à l'Académie des beaux-arts de San Luis à Saragosse. Grâce à ses contacts avec des marchands anglais et allemands, son œuvre se répand rapidement en Europe. Il expose à plusieurs reprises à Berlin, Munich, Vienne et Montevideo. Dans sa ville natale, une exposition anthologique est organisée en 1923 au Centro Mercantil, et une autre, posthume, au Museo de Arte Moderno de Madrid, en 1925. Bien qu'il ait d'abord peint quelques œuvres historiques, Barbasán s'est surtout consacré à la peinture de paysages et de scènes de la vie rurale. Son style, coloré et d'une grande luminosité, est avant tout réaliste, avec une certaine influence de l'impressionnisme (principalement du pré-impressionnisme italien) et de l'œuvre de Fortuny. Des œuvres de Mariano Barbasán se trouvent au musée du Prado, au musée d'art contemporain de Madrid, au musée provincial de Saragosse, au musée d'art moderne de Rome et aux musées des beaux-arts de Saint-Pétersbourg, Munich, Varsovie, Montevideo et Rio de Janeiro, entre autres.

Estim. 3 500 - 4 000 EUR

Lot 3 - FÉLIX RESURRECCIÓN HIDALGO Y PADILLA (Philippines, 1855 - Espagne, 1913). "Le porteur d'eau". Huile sur toile. Signée dans le coin inférieur gauche. Avec l'étiquette du Kunst Konserveringen Danske Museers Center For Beraving Af Kunst au dos. Provenance : Diego de los Rios et ses héritiers, Madrid. Christie's Londres, décembre 2017. Collection privée danoise. Dimensions : 67 x 49,5 cm ; 107 x 90 cm (cadre). Comparez cette œuvre avec d'autres œuvres de Félix Resurrección Hidalgo telles que "La vendedora de lanzones" de 1875 (Museo del Prado, Madrid), ou les jeunes femmes de "Las Vírgenes Cristianas expuestas al populacho" (qui lui valut une médaille d'argent à l'Exposition générale des beaux-arts de Madrid en 1884 ; le tableau se trouve aujourd'hui à la National Gallery of Singapore), ou les dessins et esquisses de la Philippines Heritage Library, parmi d'autres. Un paysage idéalisé en arrière-plan plante le décor dans un environnement sauvage en ne présentant aucune construction. Les montagnes ferment l'horizon, laissant une grande portion de ciel et un large espace pour la large rivière au centre et les arbres de part et d'autre de celle-ci. Sur la rive de ce cours d'eau se tient une jeune femme, vêtue simplement d'une jupe courte aux couleurs vives. Sa peau claire est encadrée de longs cheveux noirs et bouclés qui retombent dans son dos, mettant en valeur le nu féminin magnifiquement dessiné. Elle porte sur l'épaule une cruche qu'elle a vraisemblablement remplie d'eau dans la rivière. Ce thème, apparemment anodin, révèle un arrière-plan, très courant à l'époque, de temps passés ou d'environnements moins civilisés que l'environnement européen de l'époque, rappelant des œuvres telles que les œuvres italiennes qui faisaient allusion à l'Arcadie idéalisée par le biais de bergers, par exemple. De même, on ne peut nier l'exotisme que, avec une surprenante économie d'éléments, le peintre laisse entrevoir dans cette œuvre. Ce "thème" est très fréquent en Europe à l'époque, s'inspirant de paysages arabes idéalisés, avec des personnages dans le style des "Mille et une nuits", ou regardant un peu plus vers l'Orient. De même, il faut insister sur la qualité du dessin de l'œuvre, centré sur la figure, et appartenant clairement à la tradition académique, habituelle à l'époque. Felix Resurreccion Hidalgo, l'un des artistes philippins les plus remarquables de la fin du XIXe siècle, a été formé à l'École de dessin et de peinture. Après ses débuts en 1876, année de sa présentation au théâtre Circo de Bilibid, Hidalgo expose ses œuvres aux Philippines ainsi qu'aux États-Unis et en Espagne, ce dernier pays où il se rend en tant qu'invité du conseil municipal de Manille. Déjà installé en Espagne, il participe aux plus importantes expositions officielles espagnoles, où il est récompensé à plusieurs reprises, et est également primé à l'Exposition universelle de Paris en 1889. Il est actuellement représenté au musée Lopez de Pasig (Philippines) et au Metropolitan of Manila, entre autres collections publiques et privées.

Estim. 120 000 - 140 000 EUR

Lot 4 - ROBERT KEMM (Salisbury, Angleterre, 1837 - Londres, 1895). "La sieste du prêtre. Huile sur toile. Signée dans le coin inférieur gauche. Dimensions : 71 x 91 cm ; 89 x 108 cm (cadre). Fils du sculpteur et doreur William Kemm, l'amour de Robert Kemm pour la peinture a dû s'éveiller très tôt, puisqu'il n'avait que quatorze ans lorsqu'il a été enregistré au recensement en tant qu'artiste. Au cours de ses jeunes années, Kemm a réalisé deux séries de 256 aquarelles d'églises du Wiltshire. À l'instar de ses contemporains J. Phillip, J. Bagnold Burgess et E. Long, Kemm effectue un voyage en Espagne entre 1955 et 1955. E. Long, quant à lui, effectue un voyage en Espagne entre 1861 et 1864, visitant notamment Séville et Grenade. Dans les années qui précèdent sa première exposition, Kemm se consacre essentiellement au portrait. Sa première exposition à la Royal Society of British Artists a lieu en 1874. Dans cette première exposition, Kemm présente déjà tous les éléments typiques de son style, avec des œuvres sur des thèmes espagnols. Il convient de mentionner la présentation de plusieurs œuvres de Kemm dans l'exposition "English Romantic Painters in 19th century Spain", organisée à Zamora par Caja Duero en 1999, et provenant d'une collection privée espagnole. Robert Kemm est représenté au Fine Arts Museum de San Francisco, au Salisbury Museum, à la Wiltshire Archaeological Society, au Sunderland Museum et au Sheffield Museum, ainsi que dans plusieurs collections privées importantes.

Estim. 4 000 - 5 000 EUR

Lot 5 - JOSEP DE TOGORES LLACH (Cerdanyola del Vallès, 1893 - Barcelone, 1970). "Tertulia de viejos pescadores" (Rencontre de vieux pêcheurs). 1943. Huile sur toile. Signée et datée dans le coin inférieur gauche. Avec l'étiquette de la Sala Parés. Dimensions : 81 x 100 cm ; 98 x 117 cm (cadre). Togores transforme ici un sujet quotidien et anecdotique en un moment presque magique grâce à sa capacité à doter les personnes âgées d'une profondeur psychique qui les rend attachantes et proches. Une aura mélancolique enveloppe la scène. Issu d'une famille aisée et cultivée, fréquentant les milieux intellectuels, il s'intéresse à la peinture dès l'âge de treize ans, lorsqu'il perd l'ouïe à la suite d'une méningite. Il voyage en France et en Belgique, où il découvre les tableaux de Rembrandt, et à l'exposition internationale d'art de 1907 à Barcelone, il est fasciné par l'œuvre de Monet. À l'âge de dix-huit ans, il est déjà un artiste important à Barcelone et, en 1913, il est chargé de décorer la chapelle d'Anna Girona à Poblet. Grâce à une bourse de la mairie de Barcelone, il part étudier à Paris, où il fait la connaissance de la peinture de Cézanne, qui aura une influence décisive sur son travail à partir de ce moment-là. En 1917, il rencontre Picasso et entre en contact avec les théories et les cercles cubistes. Dans les années 1920, il entame une relation avec le galeriste Kahnweiler, qui deviendra plus tard le marchand de Picasso. Il travaille exclusivement avec lui entre 1921 et 1931, lorsque sa peinture connaît sa période la plus expérimentale, se rapprochant de l'automatisme et du surréalisme. Sous la direction de Kahnweiler, il devient un artiste à succès. En 1932, sa peinture prend un nouveau tournant, un retour à la figuration. Il s'installe à Barcelone et travaille avec un nouveau marchand, Francesc Cambó. Pendant cette période, il peint de nombreux portraits des personnalités les plus importantes de la société catalane et devient l'un des peintres les plus recherchés de l'époque. Pendant la guerre civile, il s'installe en France, mais revient en 1939, où il continue à travailler, sans rien perdre de son prestige. Son œuvre est présente au Museo Patio Herreriano de Valladolid, au Museo Nacional Reina Sofía, au Museo Nacional del Arte de Cataluña, au Getty Museum (Los Angeles), au Museo de Arte de Sabadell, au Städtisches Gelsenkirchen Museum (Allemagne), au Thyssen-Bornemisza Museum (Madrid), au Palacio Nacional de Montjuic et au Centre Georges Pompidou (Paris), entre autres.

Estim. 7 000 - 8 000 EUR

Lot 6 - CASIMIRO MARTÍNEZ TARRASSÓ (Barcelone, 1898 - 1980). "Créations sensibles", 1972. Huile sur toile. Signée dans le coin inférieur droit ; titrée et datée au dos. Dimensions : 150 x 150 cm ; 154 x 154 cm (cadre). Dans cette toile colorée et vibrante, Tarrassó fait preuve de son habileté habituelle à exprimer des sensations hédonistes à travers une symphonie chromatique et formelle unique. Une grande maison et un palmier occupent le centre d'un paysage qui, bien qu'abstrait, nous laisse imaginer une splendide prairie baignée d'une lumière éclatante. Avec sa palette dominée par des tons glauques et mauves, en contraste avec des tons chauds jaunes et terreux, il réussit à provoquer une réponse émotionnelle chez le spectateur. Des coups de pinceau enveloppants s'enchevêtrent pour suggérer des nuages cotonneux, des buissons denses et des paysages boisés. En utilisant un trait rapide et intuitif, il explore les concomitances entre les couleurs de l'héritage fauve, les textures et les émotions. Connu simplement sous le nom de Tarrassó, il a étudié à l'Escuela de La Lonja à Barcelone. Il a terminé ses études à Paris, où il a eu une connaissance directe des œuvres fauves qui secouaient la scène artistique parisienne de l'époque. Il est avant tout un brillant paysagiste, avec un style caractérisé par des couleurs violentes et vives, très lumineuses. Il s'inscrit dans la lignée des grands paysagistes catalans, en particulier Joaquín Mir, mais avec une personnalité nettement différenciée, due en partie à l'impact du fauvisme sur sa pensée artistique. Il cultive la nature morte et les paysages catalans et majorquins. Sa première exposition a lieu en 1928, aux galeries Layetanas de Barcelone. Depuis, les expositions se succèdent à Barcelone, Madrid, Palma de Majorque et Bilbao. En 1935, il se rend pour la première fois à Majorque et, à partir de 1940, il y possède un atelier, plus précisément à Palma, où il vit pendant de longues périodes et développe la majeure partie de sa production artistique. Après la guerre civile, dans les années quarante, Tarrassó participe à plusieurs expositions nationales des beaux-arts, dans leurs éditions de 1942, 1943 et 1950, et organise de nombreuses expositions personnelles à Barcelone, dans des galeries comme Augusta, Layetanas, Ars, etc., dont celle qu'il consacre aux paysages pyrénéens en 1948 et celle de grandes toiles de paysages majorquins qu'il présente en 1949. Bien que le paysage ait toujours été au centre de sa production, Tarrassó a également réalisé des œuvres telles que la décoration murale de l'église de Santa Maria de Badalona. À Majorque, il réalisa également une entreprise singulière en plantant son chevalet dans les grottes de Campanet pour capturer les stalactites et les stalagmites de ses cavités pierreuses, développant une série d'œuvres qu'il présenta aux Galerías Costa de Palma en octobre 1948. Tout au long de sa carrière, Tarrassó a reçu le prix Pollença du premier concours international de peinture en 1962, le prix Santiago Rusiñol en 1972 et les médailles obtenues lors de différentes éditions des Salons d'automne de Palma de Majorque : premier prix en 1967 et 1973, et prix honorifique en 1970. L'œuvre de Tarrassó se caractérise par la grande personnalité de sa coloration. Son obsession pour le chromatisme détermine une peinture profondément sensorielle, vitaliste et intuitive. Il est représenté dans diverses collections privées nationales et internationales, ainsi qu'au musée et au fonds artistique de Porreras (Majorque) et au musée d'art moderne et contemporain de Palma.

Estim. 25 000 - 30 000 EUR

Lot 7 - RAFAEL ZABALETA FUENTES (Quesada, Jaén, 1907 - 1960). "Camposanto", vers 1953. Huile sur toile collée sur carton. Signée dans le coin inférieur droit. Bibliographie : - GUZMAN, M., Catalogage, numéro 322, page 529. - GUZMÁN, M., Le tableau de R. Zabaleta, page 391. Dimensions : 34 x 40 cm ; 50,5 x 58,5 cm (cadre). Rafael Zabaleta était un peintre extrêmement polyvalent, capable de développer en parallèle une œuvre post-cubiste dans laquelle l'image est fragmentée, évoquant des vitraux colorés, et, en même temps, une peinture de paysage apparemment traditionnelle, mais dans laquelle on peut apprécier l'héritage de l'avant-garde. C'est à ce deuxième groupe qu'appartient le paysage de la campagne castillane qui nous occupe. Les coups de pinceau y sont protéiformes : ils se métamorphosent en cercles pour représenter les cimes irisées des arbres, en touches brisées à travers les champs... L'influence de Cézanne se fait également sentir dans la réduction essentialiste et synthétique de la nature. "Au premier plan, il représente un champ presque plat, couvert d'herbe, entouré d'un mur et de son portail d'accès. On aperçoit quelques petites croix en pointillé, et, immédiatement derrière, le terrain commence à s'élever jusqu'à ce qu'il se termine par les montagnes ardentes qui laissent à peine apercevoir le ciel. Il interprète la mosaïque de parcelles en combinant les verts les plus variés avec les rouges vénitiens, en plaçant le sombre, très déchu, dans le dernier terme. L'inclinaison des plans dans les terres agricoles et les éléments orographiques se distinguent avec précision. Une esquisse d'une grande force expressive, avec une nette tendance fauviste, dans laquelle ressortent la simplicité et la taille monumentale des formes", peut-on lire dans le catalogue raisonné de l'artiste. Né dans une famille aisée, Rafael Zabaleta a manifesté son amour pour la peinture dès son enfance. Après avoir terminé ses études secondaires, il s'est installé à Madrid et est entré, en 1925, à l'École supérieure des beaux-arts de San Fernando. Il y aura pour professeurs Lainez Alcalá, Cecilio Pla et Ignacio Pinazo, et en 1932 il participe pour la première fois à une exposition collective, celle des étudiants de San Fernando. L'une de ses œuvres, intitulée "La pareja", est choisie pour illustrer le compte rendu critique que Manuel Abril fait pour la revue "Blanco y Negro". Trois ans plus tard, Zabaleta effectue son premier voyage à Paris, où il rencontre et étudie les œuvres des maîtres de la peinture contemporaine. En 1937, il est nommé délégué du Trésor artistique national et c'est à cette époque qu'il commence une série de dessins sur la guerre civile. À la fin de la guerre, il est dénoncé et fait un bref séjour au camp de concentration de Higuera de Calatrava et à la prison de Jaen, où ses deux albums de dessins réalisés pendant la guerre sont saisis. Enfin libéré, il s'installe en 1940 à Madrid, où il assiste aux réunions du Café Gijón et dessine et peint au Círculo de Bellas Artes. Deux ans plus tard, il rend visite à Aurelio Biosca, directeur de la galerie madrilène Biosca, avec une lettre d'introduction du sculpteur Manolo Hugué. C'est là qu'il réalise sa première exposition individuelle la même année, après avoir été refusé à l'Exposition nationale des beaux-arts. Cependant, l'année suivante, il participe au premier Salón de los Once et devient membre de l'Academia Breve de Crítica de Arte de Eugenio d'Ors, à laquelle appartenait également Biosca. Zabaleta participera à la plupart de ses Salones de los Once et expositions anthologiques. En 1945, Zabaleta participe à l'exposition collective "Floreros y bodegones" au Musée national d'art moderne, tout en continuant à exposer individuellement et collectivement dans des galeries de la capitale. En 1947, il réalise sa première exposition personnelle à Barcelone, à la galerie Argos, et publie sa première monographie. Deux ans plus tard, il se rend à nouveau à Paris et entre en contact avec Picasso, Óscar Domínguez, M. Ángeles Ortiz et d'autres. L'année de sa consécration définitive sera 1951, lorsqu'il réalise une exposition personnelle au Musée d'art moderne de Madrid. En 1955, il obtient le prix de l'UNESCO à la Biennale hispano-américaine de Barcelone. La même année, il participe à la Biennale de la Méditerranée à Alexandrie et réalise une exposition personnelle à Bilbao. Au cours de ses dernières années, Zabaleta sera un artiste déjà pleinement reconnu, invité aux expositions et aux salons les plus importants tant en Espagne que dans des villes étrangères de l'importance de Paris.

Estim. 8 500 - 10 000 EUR

Lot 8 - GODOFREDO ORTEGA MUÑOZ (San Vicente de Alcántara, Badajoz, 1899 - Madrid, 1982). "Paysage du lac Majeur", vers 1920. Huile sur carton. Provenance : -Collection privée, Massimo Uccelli, Italie. Héritée de ses grands-parents, qui l'ont à leur tour reçue du peintre alors qu'il vivait dans sa maison de Via Antonio Rosmini, à Stresa, près du lac Majeur (Italie). -Collection privée, Turin. Avec certificat de la Fondation Ortega Muñoz. Avec permis d'exportation de l'Italie et de l'Espagne. Dimensions : 34 x 43 cm. Ortega Muñoz immortalise dans ce tableau une large vue panoramique du paysage montagneux idyllique du lac Majeur, délimité à l'arrière-plan par les montagnes bleutées des sommets enneigés. Ortega a vécu dans cette région du nord de l'Italie, près de la frontière suisse, et l'a donc représentée à de nombreuses reprises, faisant preuve d'une grande maîtrise des nuances et des lumières de cette région glaciale. Ortega, héritier de l'école de Vallecas, a souvent privilégié ce type de paysages austères, réalistes mais loin d'être académiques, un espace solitaire avec lequel il cherchait à éveiller les émotions du spectateur. Ortega Muñoz est l'un des grands créateurs du paysage espagnol contemporain. Il débute dans l'art alors qu'il est encore enfant, en autodidacte, et malgré les conseils de son père, en 1919, à l'âge de vingt ans, il décide de s'installer à Madrid pour se consacrer à la peinture. Là, il se consacrera dès le premier instant à la réalisation de copies des grands maîtres du musée du Prado et de l'ancien musée d'art moderne. Il poursuit sa formation en autodidacte et commence à peindre en plein air dans les environs de la Dehesa de la Villa, en compagnie d'autres jeunes artistes comme le Philippin Fernando Amorsolo. Un an plus tard, il décide de s'installer à Paris, où il rencontre son ami de toujours, le poète Gil Bel. À Paris, il découvre également les œuvres de Van Gogh, Gauguin et Cézanne, mais il vit en même temps la crise formelle et idéologique qui se développe dans cette période de l'entre-deux-guerres et qui l'amènera à quitter la France pour se rendre dans le sud, en Italie, où il trouvera chez les maîtres du passé des valeurs plus authentiques de spiritualité, de simplicité et de pureté. Ortega Muñoz parcourra l'Italie du nord au sud entre 1921 et 1922, et c'est à Lago Maggiore qu'il rencontre le peintre anglais Edward Rowley Smart, avec lequel il passera une courte période d'apprentissage. Avec lui, Ortega Muñoz arrive à la conclusion que, face à l'apparente déraison de l'art contemporain, il est nécessaire de revenir à la nature et de retrouver l'authenticité des vérités spirituelles et des émotions simples. En 1926, il retourne en Espagne, où il est le protagoniste de l'une des excursions fondatrices de l'école de Vallecas. Peu après, en 1927, il réalise sa première exposition au Círculo Mercantil de Saragosse. Il quitte à nouveau l'Espagne et voyage cette fois en Europe centrale, en passant par Zurich, Bruxelles et plusieurs villes allemandes. En 1928, à Worpswede, il entre en contact avec une colonie d'artistes au langage expressionniste, intéressés par les paysages et la vie paysanne, en réaction contre les artifices et les raffinements sophistiqués de l'avant-garde. Très influencé par son expérience à Worpswede, Ortega Muñoz retourne en France en 1928 et, entre 1930 et 1933, il continue à voyager entre l'Europe centrale et l'Italie du Nord ; il arrive finalement au Caire en 1933, date à laquelle ses talents de portraitiste lui ont permis de mener une vie confortable et de nouer d'importants contacts. Il expose à Alexandrie avec un énorme succès, ce qui l'amènera à renouveler l'expérience un an plus tard, en présentant une exposition presque anthologique dans laquelle on peut déjà apprécier son amour pour la nature, l'équilibre entre la couleur et l'ambiance, et l'atmosphère de calme et de tristesse caractéristique de son langage. En 1935, il retourne en Espagne et, l'année suivante, il présente une exposition au Círculo de Bellas Artes de Madrid. La guerre civile l'oblige cependant à quitter l'Espagne ; après la guerre, il retourne dans sa ville natale et retrouve enfin l'étendue silencieuse et solitaire de son paysage et la réalité proche de ce monde qu'il ressent comme authentiquement le sien.

Estim. 10 000 - 12 000 EUR

Lot 9 - JEAN BURKHALTER (France, 1895 -1982). "Paysage, 1930. Aquarelle sur papier. Signée et datée dans le coin inférieur droit. Dimensions : 31 x 48 cm. Né à Auxerre, Jean Burkhalter est issu d'un milieu aisé, mais lorsqu'il perd son père en 1912 et sa mère en 1915, il part pour Paris à l'âge de 18 ans. Il s'inscrit en 1915 à l'École nationale supérieure des arts décoratifs, où il poursuit ses études jusqu'en 1919. Il travaille alors pour plusieurs maisons de décoration, se spécialisant dans différents domaines : tissus et tapis, création et édition de toiles imprimées, orfèvrerie, ce qui lui permet de participer pour la première fois au Salon des artistes décorateurs. En 1920, il expose à la Galerie des artistes modernes, au Salon d'Automne et au Salon de la Société nationale des beaux-arts en 1921. Il participe au cinquantième anniversaire de l'Exposition de 1925 au Musée des Arts décoratifs de Paris, le 15 octobre 1976. Dans un de ses manuscrits, intitulé "Ligne, surface, volume", jamais publié mais cité dans l'ouvrage de Laure Guillier et al, Jean Burkhalter écrit "L'art, pris dans son sens le plus général, est un jeu plus ou moins cérébral, mais c'est un jeu", et c'est bien sur un grand nombre de supports qu'il a joué. Ses œuvres, dont la plupart appartiennent à des collections privées, sont aussi nombreuses que variées (aquarelles, craies rouges, huiles, etc.). Le port de Sormiou (Provence) a été acquis par l'Etat en 1932, initialement inscrit au Musée du Luxembourg en 1934, mais actuellement introuvable.

Estim. 1 000 - 1 200 EUR

Lot 10 - RAMÓN CASAS CARBÓ (Barcelone, 1866 - 1932). "Figuras", dessin pour "Pèl & Ploma", vers 1900. Dessin mixte (fusain, crayons de couleur, aquarelle) sur papier au recto ; lettre manuscrite de l'artiste au verso (signée à Madrid, 1905). Avec étiquette au dos de la Sala Vayreda à Barcelone. Dimensions : 25 x 20 cm ; 40,5 x 33,5 cm (cadre). Les deux personnages représentés ici (un vieil homme fumant la pipe et une dame portant un chapeau) témoignent de la facilité avec laquelle Ramón Casas a su capter le caractère et l'allure des personnages de Barcelone en quelques traits intuitifs. Les lettres qui accompagnent les dessins indiquent qu'il s'agit d'études préparatoires destinées à être publiées en couverture de la revue artistique et littéraire "Pèl & Ploma". Ramon Casas en était le directeur artistique et le principal illustrateur, tandis que Miquel Utrillo en était le principal éditeur. Il s'agit de l'une des revues les plus représentatives du modernisme catalan. Peintre et dessinateur hors pair, Casas a commencé à peindre en tant que disciple de Joan Vicens. En 1881, il effectue son premier voyage à Paris, où il complète sa formation aux académies Carolus Duran et Gervex. L'année suivante, il participe pour la première fois à une exposition à la Sala Parés de Barcelone et, en 1883, il présente un autoportrait au Salon des Champs-Élysées à Paris, ce qui lui vaut d'être invité à devenir membre du Salon de la Société d'artistes français. Il passe les années suivantes à voyager et à peindre entre Paris, Barcelone, Madrid et Grenade. En 1886, atteint de tuberculose, il s'installe à Barcelone pour se rétablir. C'est là qu'il entre en contact avec Santiago Rusiñol, Eugène Carrière et Ignacio Zuloaga. Après un voyage en Catalogne avec Rusiñol en 1889, Casas retourne à Paris avec son ami. L'année suivante, il participe à une exposition collective à la Sala Parés, avec Rusiñol et Clarasó, et tous trois continueront d'y organiser des expositions communes jusqu'à la mort de Rusiñol en 1931. Ses œuvres sont alors à mi-chemin entre l'académisme et l'impressionnisme français, dans une sorte de germe de ce qui deviendra plus tard le modernisme catalan. Sa renommée continue de s'étendre à toute l'Europe, et il organise avec succès des expositions à Madrid et à Berlin, et participe à l'exposition universelle de Chicago en 1893. Casas s'installe définitivement à Barcelone, immergé dans l'environnement moderniste, tout en continuant à se rendre à Paris pour les salons annuels. Il finance le local qui deviendra un point de référence pour les modernistes, le café Els Quatre Gats, inauguré en 1897. Deux ans plus tard, il organise sa première exposition individuelle à la Sala Parés. Alors que sa renommée en tant que peintre grandit, Casas commence à travailler comme graphiste, adoptant le style Art nouveau qui définira le modernisme catalan. Dans les années qui suivent, les succès s'enchaînent : il présente deux œuvres à l'Exposition universelle de Paris en 1900, remporte un prix à Munich en 1901, plusieurs de ses œuvres sont incluses dans l'exposition permanente du Círculo del Liceo, participe à plusieurs expositions internationales et, en 1904, remporte le premier prix de l'Exposition générale de Madrid. Il est représenté au musée du Prado, au musée national d'art de Catalogne, au musée national Reina Sofia, au musée Thyssen-Bornemisza, au musée de Montserrat, au Cau Ferrat de Sitges, au musée Camón Aznar de Saragosse et aux musées d'art contemporain de Barcelone et de Séville, entre autres.

Estim. 2 000 - 2 500 EUR

Lot 11 - JULIO BORRELL PLA (Barcelone, 1877 - 1957). "La lettre". Huile sur toile. Signée dans le coin inférieur. Dimensions : 181 x 103 cm. Deux jeunes femmes lisent une lettre. L'émotion se révèle dans leurs sourires nacrés et dans l'éclat de leurs yeux. Julio Borrell capte avec ingéniosité la vivacité des expressions et décrit avec talent les plis et les dentelles des vêtements folkloriques. Fils et disciple de Pere Borrell del Caso, Julio Borrell a été formé à l'école des beaux-arts de Sant Jordi à Barcelone. Avec son père, il subit l'influence des nazaréens Claudio Lorenzale et Pablo Milà i Fontanals. En 1888, à l'âge de onze ans, il participe avec une toile au concours de Barcelone de l'exposition universelle, en compagnie de son frère Ramón, également peintre. À partir de 1894, il participe à presque toutes les expositions officielles organisées à Barcelone et à Madrid et obtient une mention honorable en 1897. La même année, il obtient une deuxième médaille à l'exposition d'Arcachon, en France. Son nom a eu une résonance particulière lors de ses expositions à la Sala Parés de Barcelone, entre 1915 et 1920. Sa vaste production comprend des œuvres à l'huile et au pastel, et couvre un large éventail de thèmes. Le thème qu'il a le plus cultivé est celui de la maja espagnole classique, la femme à la mantille et au peigne, représentée dans son style sensoriel personnel, avec une extraordinaire habileté et une grande maîtrise du dessin. Parmi ses nombreuses peintures, dont certaines ont été largement reproduites, il convient de mentionner "El viático al Liceo", "Lavapiés en Jueves Santo", "Bodas reales" (Noces royales), qu'il a peintes pour le roi Alphonse XIII, "Luna de miel" (Lune de miel), "El triunfo del cristianismo" (Le triomphe du christianisme), etc. Il se consacre également à la peinture décorative et réalise des peintures murales religieuses pour l'église de San Francisco à Buenos Aires et la coupole de la basilique de la Merced à Barcelone, détruite en 1936. Tout au long de sa carrière, Borrell a organisé de nombreuses expositions personnelles dans diverses galeries de Barcelone et a participé à des expositions de groupe et à des concours. Nombre de ses œuvres sont exposées au MACBA, ainsi qu'au musée national d'art de Catalogne et à d'autres endroits.

Estim. 6 000 - 7 000 EUR

Lot 12 - MODEST URGELL INGLADA (Barcelone, 1839 - 1919). "Paysage avec village". Huile sur toile. Signée dans le coin inférieur. Le cadre est endommagé. Dimensions : 97 x 189 cm ; 110 x 200 cm (cadre). Modest Urgell a privilégié les formats de paysage comme celui qui nous occupe, pour renverser dans les grands ciels et les villages imprégnés de soleil couchant ses dons plastiques magistraux. Le soleil déclinant s'estompe sur les bords, mais avant de disparaître complètement, il teinte le ciel de lavande. Une rue de village accueille les silhouettes noires de vieux qui rentrent chez eux. Une meule de foin se dresse au bord de la route. Le style d'Urgell était inclassable, comme le montre ce coucher de soleil évocateur, à mi-chemin entre la peinture de paysage romantique et impressionniste. Modest Urgell a commencé sa carrière comme acteur de théâtre, mais l'interdiction familiale de suivre cette voie l'a conduit à se consacrer à la peinture. Il étudie à la Escuela de La Lonja de Barcelone, où il est le disciple de Ramón Martí Alsina, puis séjourne à Paris, où il rencontre Gustave Courbet et s'attache au réalisme. Dans les années soixante, ses œuvres sont refusées aux expositions officielles de Madrid et de Barcelone. En 1870, il s'installe à Olot, où il fait la connaissance de Joaquín Vayreda, créateur de l'école paysagiste locale. À partir de ce moment, Urgell décide de se consacrer entièrement à la peinture de paysage. Son œuvre se concentre sur les natures solitaires et les paysages marins, avec souvent des ermitages et des cimetières, marqués par une atmosphère crépusculaire, désolée et mystérieuse. À partir de 1896, il enseigne la peinture de paysage à l'école des beaux-arts de Sant Jordi, à Barcelone, et est nommé académicien en 1902. Il est également le fondateur de la Société artistique et littéraire de Catalogne, ainsi que du Musée artistique et archéologique de Gérone. Il participe à toutes les éditions de l'Exposition nationale des beaux-arts de Madrid, de 1864 à un an avant sa mort, et reçoit la deuxième médaille en 1876 et 1892. Il envoie également ses peintures aux expositions de Barcelone, ainsi qu'à l'exposition universelle de Paris et aux expositions internationales de Munich, Bruxelles, Berlin, Philadelphie et Chicago. En 1892, il est récompensé dans tous les concours auxquels il participe, dont celui de Bruxelles, où il est le seul lauréat espagnol. Il se consacre également à la littérature, avec un intérêt particulier pour le théâtre. La somme de ses deux passions, l'art et la littérature, se retrouve dans son album "Catalunya" (1905), composé de plus d'une centaine de dessins accompagnés de textes écrits par lui-même. Ses paysages ont une atmosphère, une couleur et des thèmes qui démentent le stéréotype du paysage méditerranéen, basé sur des natures chaudes et amicales, d'un chromatisme brillant, comme des fenêtres ouvertes sur la sensualité méridionale. Ses peintures, au contraire, parlent de mélancolie et de solitude, et recréent sans cesse une Catalogne désolée et triste à laquelle, des années plus tard, le poète Salvador Espriu sera également sensible. Son langage rejette tout thème fantaisiste ou pittoresque, reprenant des sujets d'actualité sans chercher à les ennoblir ou à les idéaliser, mais en cherchant à provoquer des états d'âme chez le spectateur à travers des lumières crépusculaires qui se dissolvent, pendant de brefs instants, dans une harmonie de rouges, ou ses cimetières désolés et ses marines sévères, nues et dépouillées. Urgell est représenté au musée du Prado, au musée national d'art de Catalogne, au musée maritime de Barcelone, à la Kunsthalle de Hambourg, au musée Víctor Balaguer de Vilanova i la Geltrú, aux fonds d'art de la Caixa Sabadell et de la Caixa d'Estalvis de Terrassa, au musée Dalí de Figueras et aux musées provinciaux de Gérone, de Palma de Majorque et de Lugo, parmi de nombreux autres centres et institutions.

Estim. 10 000 - 11 000 EUR

Lot 13 - ELISEO MEIFRÈN ROIG (Barcelone, 1859 - 1940). "Cadaqués". Huile sur panneau. Signée dans le coin inférieur droit. Dimensions : 53 x 62 cm ; 71 x 80 cm (cadre). Peintre de paysages et de marines, Eliseo Meifrèn est considéré comme l'un des premiers introducteurs du mouvement impressionniste en Catalogne. Il commence sa formation artistique à l'École des beaux-arts de Barcelone, où il est le disciple d'Antonio Caba et de Ramón Martí Alsina, avec lesquels il commence à créer des paysages romantiques de style académique. À la fin de ses études, en 1878, il s'installe à Paris afin d'élargir ses connaissances artistiques. C'est là qu'il fait connaissance avec la peinture "à l'air libre", qui l'influencera fortement dans ses paysages parisiens de ces années-là. De même, à Paris, il coïncide avec le début public de l'impressionnisme. Un an plus tard, il effectue un voyage en Italie, au cours duquel il visite Naples, Florence, Venise et Rome ; il y prend contact avec le cercle d'artistes catalans formé par Ramón Tusquets, Arcadio Mas i Fondevila, Enrique Serra, Antonio Fabrés et Joan Llimona, entre autres. La même année, en 1879, il participe à l'exposition régionale de Valence et remporte une médaille d'or. De retour à Barcelone, il fait ses débuts individuels en 1880 à la Sala Parés de Barcelone, où il continue d'exposer régulièrement depuis lors. Pendant ces années, il fait partie du groupe moderniste et fréquente Els Quatre Gats. En 1883, il retourne à Paris, où il réalise de nombreux dessins et aquarelles avec des vues de la ville et de ses cafés, qui lui valent un accueil chaleureux de la part de la critique et du public français. À la fin des années quatre-vingt, il revient à Barcelone et continue d'exposer ses œuvres à la Sala Parés, ainsi qu'au Centro de Acuarelistas. En 1888, il est également membre du jury de l'Exposition universelle de Barcelone. En 1890, il retourne pour la troisième fois dans la capitale française, où il participe au Salon des Beaux-Arts et au Salon des Indépendants de 1892, en compagnie de Ramon Casas et de Santiago Rusiñol, artistes avec lesquels il avait formé le groupe pictural de Sitges un an plus tôt. Au cours des années suivantes, Meifrèn envoie ses œuvres à de nombreuses expositions et concours officiels, dont les expositions nationales de Madrid et de Barcelone, et reçoit la troisième médaille aux Universelles de Paris de 1889 et 1899, la médaille d'argent à l'Universelle de Bruxelles de 1910, le grand prix à l'Universelle de Buenos Aires de la même année, la médaille d'honneur à l'Internationale de San Francisco de 1915 et le grand prix à l'Internationale de San Diego de l'année suivante. Il a également remporté le prix Nonell de Barcelone en 1935. En 1952, la mairie de Barcelone lui consacre une exposition rétrospective au Palacio de la Virreina. Ses premiers paysages, caractérisés par un concept académique et romantique, évolueront plus tard vers un langage impressionniste ; abandonnant le préciosisme romain, il adoptera une technique de coups de pinceau lâches et de palette claire, dans laquelle la conception lumineuse se rapproche des budgets symbolistes, dans l'orbite de Modesto Urgell. Il est actuellement représenté au musée du Prado, au musée national d'art de Catalogne, au MACBA de Barcelone et à la Thyssen-Bornemisza, entre autres.

Estim. 8 000 - 10 000 EUR

Lot 14 - JOSEP ROCA SASTRE (Terrassa, 1928 - Barcelone, 1997). "Façade". Huile sur táblex. Signée dans le coin inférieur gauche. Dimensions : 84 x 34 cm ; 98,5 x 48 cm (cadre). Formé à Barcelone, Roca initie dès les années soixante un style personnel et indépendant, et crée son propre langage. Sa proposition se concentre sur la récupération du regard du proche et du quotidien, du connu. Il a exposé pendant quarante ans à la Sala Parés de Barcelone, et a également montré son travail dans d'autres villes espagnoles, ainsi qu'aux États-Unis. En 1966, il reçoit le prix Sant Jordi de la Diputació de Barcelona et, deux ans plus tard, la médaille d'honneur du Salon des artistes français à Paris. En 1980, il devient membre de l'Académie royale des beaux-arts de Sant Jordi et, en 1993, il reçoit le prix Quadern de la Fundació Amics de les Arts i de les Lletres de Sabadell. Roca Sastre a développé un style figuratif de thèmes intimes, appliquant un regard personnel et subjectif à ses scènes d'intérieur ainsi qu'à ses paysages urbains et naturels. Depuis sa mort, des rétrospectives de l'œuvre de Josep Roca ont été organisées à La Pedrera et dans les galeries Muncunill (Terrassa), Oriol (Barcelone) et Juan Oliver Maneu (Palma de Majorque). Son œuvre est conservée au musée national d'art de Catalogne.

Estim. 600 - 800 EUR

Lot 15 - MIQUEL VILLÀ I BASSOLS (Barcelone 1901-1988). "Paysage de Masnou". Huile sur carton. Signé et situé au dos. Dimensions : 28 x 38 cm ; 40 x 50 cm (cadre). L'œuvre présentée ici est un exemple clair du style particulier et caractéristique de Miquel Villá. Le peintre y organise rigoureusement la composition, en séparant clairement le premier plan de l'arrière-plan. Ainsi, nous trouvons au premier plan la route, qui émerge du bord même du tableau, guidant notre regard vers les maisons qui occupent l'arrière-plan. Cependant, malgré cet exercice de composition de caractère classique, l'artiste traite l'œuvre à partir d'un nouveau langage plastique. Pour ce faire, il utilise un coup de pinceau flou qui procure une sensation volumétrique et ne délimite pas non plus les espaces, mais les combine les uns avec les autres. Miquel Villà i Bassols était un peintre espagnol et l'un des principaux représentants du fauvisme en Espagne. À l'âge de 13 ans, son père, un négociant en vin, l'emmène avec lui en Colombie (Bogota). Il y fréquente l'école des beaux-arts jusqu'en 1918. En 1920, il découvre Paris, qui sera sa résidence habituelle jusqu'en 1930. À Paris, il fréquente l'Académie Colarossi. Il se lie d'amitié avec Jean Fautrier, Marcel Duchamp, Togores, Pancho Cossío et le sculpteur Pablo Gargallo, qui influenceront grandement sa carrière artistique. Ses principales influences sont Cézanne et, au début de sa carrière artistique, Maurice de Vlaminck. Il reçoit des influences notoires de la dernière période de Rembrandt. À partir de 1930, il réside principalement en Catalogne : Barcelone, Masnou, Puebla de Segur, et passe quelque temps à Ibiza. En 1985, la Generalitat de Catalunya lui décerne la Croix de Sant Jordi.

Estim. 800 - 1 000 EUR

Lot 16 - MARIANO BERTUCHI NIETO (Grenade, 1884 - Tetuán, 1955). "Rue de Tetuan. Huile sur panneau. Signée et située dans la partie inférieure droite. Dimensions : 27 x 22 cm ; 34 x 30 cm (cadre). Bertuchi a recueilli une scène où la lumière rose indique qu'il s'agit des premiers moments de la journée. Une lumière qui confère à l'image une atmosphère détendue et douce, présentant le sujet de manière idyllique. Grâce à un coup de pinceau rapide et imposant, l'artiste donne une grande importance à la couleur et à la lumière. Il crée dans la composition un jeu d'ombres et de lumières qui parvient à contextualiser le spectateur dans cette atmosphère orientaliste. Connu comme "le grand peintre du Protectorat" ou "le peintre du Maroc", Mariano Bertuchi est connu pour son style pictural, l'orientalisme qui est né au XIXe siècle comme un résultat de l'esprit romantique de la fuite dans le temps et l'espace.Bertuchi a été formé à Grenade, comme disciple de García Guerra et Larrocha, pour entrer plus tard à l'École des Beaux-Arts. En 1895, alors qu'il n'a que onze ans, il participe pour la première fois à une exposition et, deux ans plus tard, il obtient le premier prix de sa carrière. En 1899, à l'âge de quinze ans et après son premier voyage en Afrique du Nord, Bertuchi présente trois œuvres à Grenade et s'installe ensuite à Madrid pour poursuivre ses études. La même année, il présente son travail à Madrid lors de la Biennale du Círculo de Bellas Artes. À partir du début du siècle, Bertuchi participe aux expositions du Círculo de Bellas Artes à Madrid et expose également ses œuvres à Grenade. En 1903, à l'âge de dix-neuf ans, il devient reporter graphique de la guerre civile marocaine, réalisant dix peintures à l'huile sur carton qui sont publiées dans "La Ilustración Española y Americana". En 1908, il retourne à Malaga pour réaliser une série de peintures sur des thèmes militaires. Peu après, il se rend à Melilla, alors assiégée par les troupes impériales du sultan, pour réaliser une série de croquis de son camp. En 1911, il s'installe à San Roque, à Cadix, et deux ans plus tard, avant l'entrée des troupes espagnoles à Tétouan, il réalise des croquis pour son tableau "Entrée de S.A.I. le Khalife Muley-el Medhi à Tétouan". En 1918, Bertuchi s'installe à Ceuta et, dès les premières années, il réalise des publicités pour le chemin de fer Ceuta-Tétouan, une collaboration qui durera vingt ans. C'est également dans cette ville qu'il dessine les esquisses du vitrail de l'escalier principal de l'hôtel de ville et qu'il peint une vue générale de Ceuta qui se trouve dans l'ancien bureau du maire. En 1921, il peint pour le Casino africain de la même ville un triptyque consacré au Commerce, à l'Agriculture et à l'Industrie, et l'année suivante il participe à la décoration du Palais municipal, en exécutant les peintures des Sites royaux qui ornent la Salle du Trône. Après plusieurs années passées à Ceuta, il s'installe finalement à Tétouan en 1928, où il est nommé inspecteur des services des beaux-arts et de l'artisanat du protectorat du Maroc. Il est alors déjà membre de l'Académie royale des beaux-arts de San Fernando à Madrid. Il est également directeur des écoles des arts et métiers de Tétouan et de Targuist, ainsi que du musée ethnographique marocain. En 1935, il a reçu l'Ordre d'Alphonse X le Sage. Mariano Bertuchi est actuellement représenté dans divers musées de Ceuta et de plusieurs villes marocaines.

Estim. 2 500 - 3 000 EUR

Lot 17 - École espagnole du XIXe siècle. "Le peintre". Huile sur toile. Relookée. Signée "G. Doyen" sur le côté droit. Cadre doré avec quelques manques de polychromie. Dimensions : 64 x 52 cm ; 78 x 64 cm (cadre). La représentation de peintres en pleine délectation artistique était un thème très récurrent au XIXe siècle. À la grâce du représenté en plein moment créatif s'ajoutait la description minutieuse de l'atelier, parsemé de tous les instruments nécessaires au développement de l'activité. Ici, la jeune femme, entièrement vêtue de noir, met la dernière main à une grande nature morte de fleurs. Les chaises, les commodes et les vases qui décorent la pièce nous indiquent la haute lignée de la jeune femme, pour qui la peinture n'est peut-être qu'un passe-temps.

Estim. 3 000 - 3 500 EUR

Lot 18 - JOSÉ SERRA Y PORSON (Rome, 1828 - Barcelone, 1910). Sans titre. Ensemble de six peintures à l'huile sur carton encadrées dans deux cadres. L'un des dessins est signé et daté de 1852. Les cadres sont endommagés. Dimensions : 28 x 22 cm (chacune) ; 35 x 76 cm (cadres). Peintre romantique espagnol, Serra y Porson est actuellement considéré comme l'introducteur du genre "tableautin" en Espagne, qu'il avait appris de son maître Ernest Meissonier. Il fut professeur à partir de 1852 à l'École des beaux-arts de Sant Jordi, à Barcelone, où il eut pour disciples Modest Urgell, Josep et Francesc Masriera, Simón Gómez, Manuel Amell et Vicente de Genovart, entre autres. Il commence sa formation à Rome, puis entre à l'Académie San Fernando de Madrid. En 1855, il s'installe à Paris pour poursuivre ses études et devient l'élève de Meissonier. Il présente assidûment ses œuvres aux concours et expositions artistiques et obtient la troisième médaille à l'Exposition nationale des beaux-arts de Madrid en 1864. Il cultiva la peinture d'histoire et celle de sujet réaliste, ainsi que la peinture de fleurs, avec un langage anecdotique très détaillé. José Serra y Porson est actuellement représenté au musée du Prado, au MACBA de Barcelone et à l'Académie royale catalane des beaux-arts de Sant Jordi.

Estim. 2 000 - 3 000 EUR

Lot 19 - École espagnole du 18e siècle. "Les marionnettistes". Huile sur toile. Reliure. Présente des craquelures et des repeints. Cadre doré avec défauts. Dimensions : 60 x 80 cm ; 78 x 97 cm (cadre). À l'intérieur d'une salle palatiale, un marionnettiste déploie son art devant six garçons et filles qui observent attentivement le spectacle. Trois musiciens accompagnent le maître des marionnettes et ravissent le public enthousiaste avec leurs harpes et leurs flûtes.

Estim. 3 500 - 4 000 EUR

Lot 20 - École espagnole d'environ 1840-1850. "Gentleman. Huile sur toile. Avec cadre d'époque Empire. Dimensions : 91 x 71 cm ; 104 x 83,5 cm (cadre). Dans cette œuvre, nous voyons un portrait typique du XIXe siècle, avec le gentilhomme de trois quarts au premier plan à côté d'une table aux riches moulures, sur laquelle est présenté un globe terrestre. Le gentilhomme est vêtu d'un costume noir et d'une chemise blanche à col montant, et semble regarder directement le spectateur, bien que son attitude fière établisse une certaine distance par rapport à nous. Il se distingue par sa barbe touffue soigneusement taillée. Sa position droite indique la fierté que le modèle éprouve pour sa profession (peut-être cartographe ou géographe) ; les riches vêtements et l'intérieur ostentatoire font allusion à la position sociale élevée dont il jouissait, certainement parmi les cercles les plus exclusifs de la société espagnole du dix-huitième siècle. Le portrait se détache sur un fond neutre et sombre d'où la figure émerge de manière illusoire, éclairée directement par une lumière homogène qui laisse de côté les contrastes excessifs de clair-obscur du siècle précédent. Au XVIIIe siècle, l'art européen du portrait est varié et diversifié, les influences sont nombreuses et largement déterminées par les goûts de la clientèle et du peintre lui-même. Cependant, ce siècle voit naître une nouvelle conception du portrait qui va évoluer tout au long du siècle et unifier toutes les écoles nationales : la volonté de saisir dans l'effigie la personnalité et le caractère de l'être humain, au-delà de sa réalité extérieure et de son rang social. Au cours du siècle précédent, le portrait s'est imposé dans les classes supérieures et n'est plus réservé à la seule cour. C'est pourquoi, au XVIIe et plus encore au XVIIIe siècle, les formules du genre s'assouplissent et s'éloignent des représentations officielles ostentatoires et symboliques typiques de l'appareil baroque. D'autre part, le XVIIIe siècle réagit à l'étiquette rigide du siècle précédent par une conception plus humaine et individuelle de la vie, qui se reflète dans tous les domaines, du mobilier, qui devient plus petit et plus confortable, remplaçant les grands meubles dorés et sculptés, au portrait lui-même, qui en vient à se passer, comme nous le voyons ici, de tout élément symbolique ou scénographique afin de représenter l'individu plutôt que le personnage.

Estim. 2 000 - 2 500 EUR

Lot 21 - JOSE MONTENEGRO CAPELL (Cadix, 1865 - Jerez de la Frontera, Cadix, 1929). "Vue de la Giralda depuis la cour des orangers", 1890. Huile sur toile. Elle possède un cadre du dix-neuvième siècle avec des défauts. Signée et datée dans le coin inférieur droit. Dimensions : 72,5 x 51 cm ; 98,5 x 77 cm (cadre). José Montenegro est né à Cadix, sa formation, les contacts qu'il a entretenus avec d'autres artistes ou l'année exacte de son arrivée à Jerez restant un mystère. Sa vie est entourée d'un halo de légende, et de fait, le peuple a inventé mille histoires autour de sa figure, le considérant comme un nouveau Velázquez. Il a concentré sa production sur le paysage costumbrista andalou, avec une attention particulière pour les architectures hispano-musulmanes, prenant ses modèles principalement à Cadix, Jerez et Séville. Son style montre une certaine influence de ce que l'on appelle l'École de Rome, bien qu'avec un accent régionaliste marqué. Montenegro est arrivé à Jerez attiré par les possibilités de travail qui s'offraient à lui dans un endroit prospère rempli de bourgeois enrichis par le commerce du vin. Cependant, il deviendra bientôt un véritable représentant de la bohème locale du début du XXe siècle. Éternellement ivre et vêtu de noir, il vendait des tableaux à très bas prix pour s'acheter de l'alcool et de la nourriture. Il meurt finalement à l'hôpital Santa Isabel de Cadix en 1929, des suites d'un problème de foie. Montenegro est actuellement représenté dans de nombreuses collections privées, principalement à Jerez de la Frontera, où il est encore très apprécié aujourd'hui. Elle possède un cadre du XIXe siècle avec des défauts.

Estim. 500 - 600 EUR

Lot 22 - MANUEL GARCÍA RODRÍGUEZ (Séville, 1863 - 1925). "Couvent des Capucins de Sanlúcar de Barrameda", 1921. Huile sur toile. Le cadre date du début du XXe siècle. Signée, datée et située dans la partie inférieure gauche. Dimensions : 70 x 111 cm ; 87 x 131 cm (cadre). Manuel García Rodríguez a commencé sa formation au séminaire de Séville, bien que peu de temps après il ait décidé de se consacrer à la peinture, débutant dans cet art par la main de José de la Vega Marrugal. Peu après, il entre à l'École des beaux-arts, où il a pour professeurs Eduardo Cano et Manuel Wssel. Influencé par Sánchez Perrier, il se consacre à partir de 1885 au paysage, discipline dans laquelle il se spécialise et obtient de nombreux succès. Il obtient une troisième médaille à l'Exposition nationale des beaux-arts de 1897 et à l'Exposition régionale de Malaga ; une médaille de bronze à l'Exposition internationale de Barcelone en 1888 et à l'Exposition internationale d'Alicante en 1894 ; et une deuxième médaille aux Expositions nationales de 1890 et 1895 et à l'Exposition internationale de Barcelone. Ses œuvres sont demandées à Munich, Prague, Hambourg, Stockholm, Londres, Saint-Pétersbourg et surtout en Amérique du Sud. En 1899, il est nommé membre correspondant de l'Académie royale des beaux-arts de San Fernando. De 1900 à sa mort, il participe régulièrement aux expositions de printemps de Séville (sauf en 1907 et 1908) et à toutes les expositions nationales (sauf en 1917 et 1920). Il fut un membre actif du Centre des beaux-arts entre 1902 et 1903, et de la Commission des monuments en 1919.

Estim. 2 500 - 3 000 EUR

Lot 23 - JOSÉ MONTENEGRO CAPELL (Cadix, 1865 - Jerez de la Frontera, Cadix, 1929). "Patio de Comares, Alhambra. Huile sur panneau. Cadre en granadino. Signée et située dans le coin inférieur droit. Dimensions : 21,5 x 14 cm ; 34 x 26,5 cm (cadre). L'orientalisme est né au XIXe siècle comme conséquence de l'esprit romantique de fuite dans le temps et l'espace. Les premiers orientalistes ont cherché à refléter le perdu, l'inaccessible, dans un voyage dramatique voué dès le départ à l'échec. Comme Flaubert dans "Salambo", les peintres brossent des portraits détaillés de l'Orient et des passés imaginés, recréés au millimètre près, mais finalement inconnus et idéalisés. Au cours de la seconde moitié du XIXe siècle, de nombreux peintres qui se sont rendus au Moyen-Orient à la recherche de cette réalité inventée ont toutefois découvert un pays différent et nouveau, qui se démarquait par ses particularités des clichés et des préjugés des Européens. Ainsi, cette nouvelle école orientaliste laisse derrière elle les belles odalisques, les harems et les marchés d'esclaves pour ne peindre que ce qu'elle voit, l'Orient réel dans toute sa dimension quotidienne. Le changement de vision s'accompagne d'un changement technique et formel ; puisqu'il ne s'agit plus de recréer un monde imaginé dans ses moindres détails, le coup de pinceau acquiert une fluidité impressionniste, et les artistes s'attachent moins à la représentation des types et des coutumes qu'au reflet fidèle de l'atmosphère du lieu, de l'identité même des populations nord-africaines. José Montenegro est né à Cadix, sa formation, ses contacts avec d'autres artistes et l'année exacte de son arrivée à Jerez restent un mystère. Sa vie est entourée d'un halo de légende, et le peuple a en effet inventé mille histoires autour de sa figure, le considérant comme un nouveau Vélasquez. Il a concentré sa production sur le paysage costumbrista andalou, avec une attention particulière pour les architectures hispano-musulmanes, prenant ses modèles principalement à Cadix, Jerez et Séville. Son style montre une certaine influence de ce que l'on appelle l'École de Rome, bien qu'avec un accent régionaliste marqué. Montenegro est arrivé à Jerez attiré par les possibilités de travail qui s'offraient à lui dans un endroit prospère rempli de bourgeois enrichis par le commerce du vin. Cependant, il deviendra bientôt un véritable représentant de la bohème locale du début du XXe siècle. Éternellement ivre et vêtu de noir, il vendait des tableaux à très bas prix pour s'acheter de l'alcool et de la nourriture. Il meurt finalement à l'hôpital Santa Isabel de Cadix en 1929, des suites d'un problème de foie. Montenegro est actuellement représenté dans de nombreuses collections privées, principalement à Jerez de la Frontera, où il est encore très apprécié aujourd'hui.

Estim. 3 000 - 3 500 EUR

Lot 24 - ANTONI CLAVÉ I SANMARTÍ (Barcelone, 1913 - Saint-Tropez, France, 2005). "Étude de coiffure pour les noces de Figaro", 1952. Technique mixte sur papier noir. Certificat d'authenticité joint, délivré par les Archives Antoni Clavé. Signé dans le coin inférieur droit. Dimensions : 53 x 25 cm ; 52 x 45 cm (cadre).

Estim. 7 000 - 8 000 EUR

Lot 25 - JOAQUÍN DOMÍNGUEZ BÉCQUER (Séville, 1817 - 1879). "Couple andalou". Peintures à l'huile sur panneaux (x2). Elles ont des cadres du dix-neuvième siècle. Signées en bas à gauche. Dimensions : 63 x 47,5 cm (x2) ; 72 x 58,5 cm (cadres, x2). Paire de peintures à l'huile ayant le même thème et la même composition, ce qui indique qu'elles ont été conçues ensemble à l'origine. L'une d'entre elles représente une dame habillée à la mode de l'époque, tandis que l'autre présente un homme suivant la mode régionale. Le thème de la costumbrista est ancré dans la vision romantique qui, entre autres aspects, accorde une attention particulière aux coutumes traditionnelles, populaires ou typiques qui reflètent ce que l'on entend par l'authentique façon d'être et de vivre des gens du village, leurs traditions et leurs valeurs, et ce, dans une perspective mythique et idéalisée dans laquelle les classes populaires, en particulier celles du milieu rural, sont toujours opposées au modèle qui personnifie la ville en expansion, qui s'est développée à la faveur de l'industrialisation. Ce modèle de costumbrismo assumé par le romantisme survit longtemps dans la culture picturale européenne du XIXe siècle, puisque le réalisme postérieur, bien qu'il introduise parfois une vision plus objective et dépassionnée et qu'il concentre son attention sur la dureté du travail, continue à diffuser des images de paysans et de leurs tâches, de coutumes rurales, de métiers traditionnels, bref, beaucoup de ce que l'on craignait de voir disparaître en quelques décennies. Joaquín Domínguez Bécquer a appris les premiers rudiments de l'art de la peinture auprès de son cousin José, initiateur de cette remarquable dynastie de peintres, et fut à son tour le professeur de son neveu Valeriano Bécquer, frère de Gustavo Adolfo. Le jeune peintre entre ensuite à l'école des beaux-arts Santa Isabel de Séville, institution dont il deviendra au fil des ans professeur et directeur, ainsi qu'académicien depuis 1847. Il est également membre de la Real Academia Sevillana de las Buenas Letras, l'un des fondateurs du Liceo Artístico de sa ville natale, et est chargé par Isabelle II de diriger les travaux picturaux réalisés à l'occasion de la restauration des Reales Alcázares de Séville. Il fut peintre de chambre honoraire de la reine à partir de 1850, ainsi que professeur de dessin de ses neveux. Principal représentant de la peinture costumbrista sévillane, considéré comme le créateur de l'école romantique sévillane, il se consacre également au portrait et à la peinture d'histoire. Son style, d'une grande correction académique dérivée d'une profonde connaissance de la peinture espagnole ancienne, se caractérise par le sens scénographique de ses peintures en plein air, avec un riche jeu de signes distinctifs qui donnent de la profondeur aux œuvres. L'importance de Domínguez Bécquer dans la Séville du milieu du XIXe siècle lui a permis d'accéder au cercle restreint des amis des ducs de Montpensier, établis dans la ville de Séville en 1848 et principaux mécènes et promoteurs du renouveau de la scène artistique locale. Durant ces années, la peinture de genre a connu un grand développement, ce qui a permis de diffuser le mythe romantique de l'Espagne, avec l'Andalousie comme centre absolu du charme exotique que les voyageurs étrangers recherchaient dans la Péninsule. Domínquez Bécquer a participé à ce costumbrismo espagnol à de nombreuses occasions. Domínquez Bécquer est représenté au musée du Prado, au musée San Telmo de San Sebastián, au musée romantique de Madrid, au musée Bonnat de Bayonne, aux musées des beaux-arts de Séville et de Huelva et au musée Thyssen-Bornemisza, entre autres.

Estim. 10 000 - 12 000 EUR

Lot 26 - MANUEL FERNÁNDEZ CARPIO (Jaén, 1853 - 1929). "Parti andalou", 1897. Huile sur toile. Signée et datée dans le coin inférieur droit. Dimensions : 60 x 89 cm ; 84 x 116 cm (cadre). Dans cette toile, l'auteur nous offre une image de caractère festif, avec les protagonistes disposés à l'entrée d'une auberge, accompagnés de plusieurs personnages populaires travaillés avec détail et un sens narratif qui cherche à capter le pittoresque, suivant le goût de l'époque. Sur le plan formel, il convient de souligner l'importance de l'étude chromatique, qui acquiert un éclat particulier grâce à la lumière claire qui pénètre par l'embrasure de la porte. La peinture de costume est un genre dans lequel les types et les attitudes populaires, les comportements, les valeurs et les habitudes communs à un groupe spécifique de la population, d'une région ou d'une classe sont décrits au moyen d'une description satirique, nostalgique ou narrative des environnements, des coutumes, des vêtements, des fêtes et des divertissements, des traditions, des métiers et des types représentatifs d'une société. L'idée du costumbrismo est née d'une tentative de compréhension de la réalité, ou plus précisément de la réalité comprise d'une certaine manière, d'un certain point de vue. Le peintre Manuel Fernández Carpio a commencé sa formation à Jaén sous la direction de Manuel de la Paz Mosquera, puis s'est rendu à Madrid grâce à une bourse de la Diputación Provincial de Jaén qui lui a permis de poursuivre ses études à l'Escuela de Bellas Artes de San Fernando. Une fois ses études terminées, Fernández Carpio combine sa pratique artistique avec l'enseignement, une activité qu'il développe d'abord à l'Escuela Superior de Artes de Industrias de Madrid, puis à l'Escuela de Bellas Artes de Málaga et à l'Escuela Industrial de Santander. Parallèlement, il fait connaître ses œuvres au public par le biais d'expositions officielles et participe assidûment aux expositions nationales des beaux-arts organisées à Madrid, obtenant une mention honorable en 1895 pour l'œuvre "Procesión de san Antonio, en Madrid". Il a également reçu une médaille à l'exposition provinciale de Jaen en 1878 pour son tableau "Il est mort". Dans ses œuvres, il aborde différents thèmes, dont les plus importants sont les coutumes et la peinture de paysage, bien qu'il aborde également des thèmes historiques tels que la conquête de Jaen et réalise même des œuvres orientalistes. Manuel Fernández Carpio est actuellement représenté au musée du Prado (œuvres en dépôt au musée municipal de Madrid et au palais d'Ayete de San Sebastián), au musée et à la mairie de Jaén, au musée des beaux-arts de La Corogne et dans d'autres collections publiques et privées.

Estim. 6 000 - 7 000 EUR

Lot 27 - JUAN PADILLA Y LARA (Jerez de la Frontera, 1906 - 1980). "Couple de vases", vers 1900. Huile sur panneaux (x2). Ils ont des cadres du dix-neuvième siècle. L'une d'entre elles porte une signature dans le coin inférieur gauche. Dimensions : 55 x 72 cm ; 75 x 91 cm (cadre). Dans cette paire de toiles, nous voyons une nature morte ouverte sur le paysage, suivant une composition inspirée des modèles baroques, bien que la disposition des fleurs, régulière et géométrique, reste fidèle aux modèles les plus statiques et rigoureux. Néanmoins, l'ouverture sur le paysage indique qu'il s'agit d'œuvres d'une date avancée. Dans cette paire de toiles, nous voyons une nature morte ouverte sur le paysage d'un côté, suivant une composition typique du plein baroque, bien que la disposition des fleurs, régulière et géométrique, reste fidèle aux modèles les plus statiques et rigoureux de la première moitié du XVIIe siècle. Néanmoins, non seulement l'ouverture au paysage mais aussi la présence d'éléments architecturaux situés au dernier plan de chacune des compositions, indiquent que nous nous trouvons devant des œuvres d'une date déjà avancée. Juan Padilla y Lara était un peintre qui combinait son travail artistique avec l'enseignement à l'école des arts appliqués et de l'artisanat de sa ville natale, où il avait lui-même commencé sa formation picturale. À partir de 1955, il a poursuivi ses études à l'École supérieure des beaux-arts de Santa Isabel de Hungría (Séville), obtenant le titre de professeur de dessin en 1960. Il se distingue surtout par ses natures mortes (dans lesquelles le raisin, représenté avec une précision quasi photographique, et les œuvres du domaine liées à ce fruit, ont un protagonisme fréquent). Son fils, Juan Padilla Pardo, est un autre artiste remarquable, qui poursuit la saga familiale et est devenu directeur de la même école d'arts appliqués et d'artisanat.

Estim. 2 500 - 3 000 EUR

Lot 28 - JOSÉ MARÍA ROMERO (Séville, 1815-1880). "Pèlerinage". Huile sur toile. Préserve la toile d'origine et le cadre d'époque avec défauts. Signée dans le coin inférieur droit. Dimensions : 82 x 106 cm ; 118 x 142 cm (cadre). Scène populaire dans laquelle l'auteur présente une composition claire, ordonnée selon un schéma circulaire qui laisse un léger espace au premier plan pour éviter la confusion et donner de la profondeur à la scène. L'image est peuplée de nombreux personnages, on y voit plusieurs hommes et femmes, vêtus de vêtements aux tons bruns et rougeâtres, parsemés de touches blanches qui renforcent la construction tridimensionnelle en évitant une monotonie chromatique excessive. Les personnages du premier plan sont clairement mis en évidence par leurs visages, avec des gestes exagérés, tandis que les figures de l'arrière-plan sont floues, sans perdre leur expressivité. L'espace est fermé sur le côté gauche par une maison. L'un des détails à peine perceptibles dans la composition est la différenciation des classes : alors que les personnages sur la charrette, le cheval ou menant les vaches sont élégamment vêtus, le groupe de personnes qui les observent sur le côté gauche de la composition révèle par ses vêtements qu'il appartient à une classe inférieure. L'œuvre montre ainsi l'intérêt ou l'influence de l'artiste pour la peinture costumbrista, non seulement du point de vue habituel du courant où les gens sont représentés de manière idyllique, mais aussi à la recherche d'un message où il y a de la place pour la critique sociale. L'œuvre est travaillée avec un coup de pinceau sec, dans des tons sombres qui renforcent l'impression plombée de l'atmosphère. Professeur et académicien de l'École des beaux-arts de Séville, José María Romero a travaillé pour le duc de Montpensier. En 1866, il s'installe à Madrid où il se consacre à l'art du portrait, se spécialisant dans les portraits d'enfants. Parmi ses œuvres, citons "Ricardo et Federico Santaló" et "Enrique, Concepción et Salud Santaló", conservés au Prado, et "El niño Eugenio de la Borbolla en traje de guardiamarina", conservé au Musée romantique de Madrid. Il a également cultivé la peinture de genre, la peinture florale et la peinture religieuse, parmi lesquelles se distingue "Imposición de la casulla a san Ildefonso", aujourd'hui conservée dans la cathédrale de Cadix. Romero y López a également participé à plusieurs expositions nationales des beaux-arts et a remporté de nombreux prix. Préserve le tissu d'origine et le cadre d'époque avec des défauts.

Estim. 22 000 - 24 000 EUR

Lot 29 - EDUARDO SÁNCHEZ SOLÁ (Madrid, 1869 - Grenade, 1949). "Les enfants de chœur". Huile sur toile. Préserve le cadre d'époque. Dimensions : 70 x 100 cm ; 99 x 127 cm (cadre). Dans cette œuvre, nous retrouvons un thème très au goût de la bourgeoisie espagnole de la seconde moitié du XIXe siècle et du début du XXe siècle, les scènes de costumbrista, gaies et narratives, mettant en scène d'espiègles enfants de chœur. Le plus souvent, ces scènes étaient traitées comme nous le voyons ici, avec un dessin précis et descriptif et une attention particulière aux détails, tant dans les gestes, les expressions et les vêtements que dans le décor entourant les enfants, généralement des intérieurs comme celui représenté ici, une salle de l'église richement décorée. Sánchez Solá a été formé à l'école des beaux-arts de San Fernando, où il a eu pour professeurs Alejandro Ferrant et Luis Taberner. Plus tard, il a été professeur à l'École des arts et métiers de Grenade et a collaboré à la revue d'art "La Ilustración Española y Americana". Il participe assidûment aux expositions nationales des beaux-arts et obtient une mention honorable en 1895, une médaille de troisième classe en 1897 pour la toile "Tristes noticias" et en 1899 pour "El destete", une décoration en 1901 et une mention honorable pour l'art décoratif en 1904. Il a également exposé dans la Région d'art moderne de Grenade, dans celle du Centre artistique en 1942 et dans celle de Linares en 1943. Sánchez Solá s'est spécialisé dans la peinture à l'huile où il a reflété des scènes de jeux des enfants de chœur de l'époque, à l'intérieur des églises andalouses. Dans ces tableaux, l'artiste a su capter l'expressivité et le mouvement des enfants, qui apparaissent généralement concentrés dans un jeu. C'est pourquoi il est connu comme "le peintre des enfants de chœur", conservant des œuvres de ce genre comme "Court et serré", "Fais ce que tu veux", "Espièglerie", etc. Il était également connu comme peintre de portraits et de paysages. Sánchez Solá est actuellement représenté au musée du Prado et au musée provincial de Lugo, ainsi que dans plusieurs collections privées.

Estim. 4 000 - 4 500 EUR

Lot 30 - ENRIQUE RUMOROSO VALDÉS (Cadix, vers 1878-1895). "Natures mortes". Huile sur panneau (x2). Avec cadres d'époque. Signée et située (Madrid) en bas à droite. Dimensions : 50 x 29 cm (x2) ; 69 x 49 cm (cadres, x2). Peintre de Cadix du XIXe siècle, spécialisé dans la peinture de genre. Son œuvre est peu connue. Pourtant, Enrique Rumoroso y Valdés est l'un des artistes de Cadix qui a le plus voyagé au cours du XIXe siècle, atteignant des villes comme Cadix, Séville, Madrid et Paris, entre autres. Dans ses peintures de genre, il dépeint généralement l'atmosphère des foires et des scènes de tauromachie, toujours peuplées de types populaires. Dans sa technique picturale, on peut apprécier une grande maîtrise dans la peinture de natures mortes de fruits, comme c'est le cas ici, de paysages et de portraits. Rumoroso se distingue par son réalisme marqué dans la représentation des fruits. Ses coups de pinceau courts et vibrants et son dessin extrêmement précis donnent à ses natures mortes un caractère naturaliste, comme on peut le voir dans cette paire de peintures à l'huile. Sa façon de présenter les raisins est très caractéristique, tout comme son utilisation d'autres fruits ronds plus gros tels que les pêches, les abricots, les figues ou les pommes. L'arrière-plan complètement sombre contraste avec une lumière qui s'étend sur la scène principale depuis le coin supérieur gauche, et permet aux formes de se détacher pour leur donner plus d'importance et de réalisme.

Estim. 2 000 - 2 500 EUR

Lot 31 - LUIS JIMÉNEZ ARANDA (Séville, 1845 - Pontoise, France, 1928). "Gentleman. Huile sur panneau. Signée en bas à droite. Dimensions : 20 x 13 cm ; 43 x 25 cm (cadre). José Jiménez Aranda, frère de Luis et Manuel Jiménez Aranda, était un peintre et illustrateur espagnol qui a commencé sa formation avec Manuel Cabral et Eduardo Cano de la Peña. Son talent pour le dessin lui permet d'être admis à l'Académie royale des beaux-arts Santa Isabel de Hungría à Séville en 1851. En 1868, il se rend à Madrid, où il apprend au musée du Prado auprès des meilleurs maîtres, avec une prédilection particulière pour Goya et Vélasquez. En 1867, il travaille à Jerez de la Frontera comme restaurateur et dessinateur de vitraux et, quatre ans plus tard, il parvient à se rendre à Rome, où il rencontre Mariano Fortuny. Il y retourne quatre ans plus tard. Entre 1881 et 1890, il vit à Paris, où il réalise une série d'œuvres, notamment celles qui se déroulent au XVIIIe siècle et qui sont très influencées par Fortuny, en raison du succès qu'elles lui valent. De retour à Madrid, il se consacre à des œuvres aux thèmes quotidiens, mais avec un air plus costumier. En 1892, il retourne à Séville, où il enseigne à l'Académie des beaux-arts jusqu'à sa mort, tout en donnant des cours à des personnalités comme Eugenio Hermoso, Manuel González Santos, etc. et en fréquentant ce que l'on appelle le "cercle paysagiste d'Alcalá de Guadaira" à la fin du XIXe siècle. Bien que ses œuvres les plus connues soient les scènes inspirées de l'art du XVIIe siècle, il a également abordé des thèmes religieux et des paysages. Son œuvre a reçu de nombreuses récompenses de son vivant (mention honorable aux expositions nationales des beaux-arts de 1864 et 1866 ; première médaille à l'exposition de 1890, médaille d'honneur à l'exposition internationale de Munich de 1883...), et se trouve dans d'importantes collections privées et institutions telles que le Museo Carmen Thyssen de Malaga, le Museo de Bellas Artes de Séville, le Museo del Prado de Madrid, etc.

Estim. 3 000 - 3 500 EUR

Lot 32 - École andalouse ; vers 1840. "Rixe à la taverne". Huile sur toile. Préserve l'ancien cadre. Signature apocryphe dans le coin inférieur droit. Dimensions : 98 x 126 cm ; 104 x 132 cm (cadre). Scène dans laquelle l'auteur présente une révolte entre hommes, qui n'est pas à son apogée mais dans le moment de tension qui précède le combat. Il s'agit d'une ressource que l'auteur crée non seulement à travers les postures des personnages, mais aussi grâce à l'éclairage de la scène, qui maintient de nombreux espaces dans une calme pénombre. Les costumes folkloriques suggèrent qu'il s'agit d'une peinture de genre. La nouvelle peinture de genre du XIXe siècle est née comme un moyen d'interpréter un sentiment croissant de conscience nationale, désormais présent dans les classes moyennes en voie d'hégémonie sociale. Dans une certaine mesure, le souci des peintres était d'approfondir la vision de leur pays à travers un langage, celui de la peinture, compréhensible par tous, aidant ainsi les gens du peuple à comprendre la nature et le sens de leur nationalité, surtout telle qu'elle s'était manifestée dans un passé récent, encore vivace dans la mémoire des anciens. Des deux écoles fondamentales de costumbrista de l'Espagne du XIXe siècle, l'école sévillane et l'école madrilène, la seconde se distingue de la douceur pittoresque de la première par une vision plus piquante et plus dure, allant parfois jusqu'à représenter non seulement le vulgaire, mais aussi des visions déchirantes d'un monde ouvrier cliché, dans lequel l'esprit de critique est évident.

Estim. 1 200 - 1 500 EUR

Lot 33 - EMILIO FERRER CABRERA (Cullera, Valence, 1888 - 1962). "Maja madrileña", 1940 Huile sur panneau doré. Elle présente des défauts sur la surface picturale. Signée et datée en bas à droite. Dimensions : 207 x 114 cm. Ce portrait s'inscrit dans le régionalisme de l'héritage romantique développé en Espagne, et en particulier dans l'école de Madrid, durant la seconde moitié du XIXe siècle et le début du XXe siècle. Ainsi, si la composition et l'attention portée à la captation psychologique sont typiques d'un portrait, le peintre porte une attention particulière aux détails vestimentaires, typiquement régionalistes. Peintre spécialisé dans les scènes de genre valenciennes, Emilio Ferrer Cabrera s'est également attaqué avec maestria à la peinture de paysage. Formé à l'Académie des beaux-arts de San Carlos à Valence, il complète sa formation en travaillant avec José Mongrell. En 1913, il obtient une bourse pour poursuivre ses études à Paris et à Rome. Au cours des années suivantes, Ferrer expose ses œuvres à Valence, Madrid et Barcelone, et participe en 1920 et 1922 à l'Exposition nationale des beaux-arts. Entre la fin de 1927 et le début de 1928, il se rend à Buenos Aires, où il expose également sa peinture. Il publie ses œuvres dans des revues de l'époque, comme "La Esfera", et en 1931, il organise une importante exposition à la Societat Musical Santa Cecilia de Cullera, où plusieurs de ses œuvres sont vendues à des collectionneurs britanniques et américains. Il réalise également plusieurs illustrations éditoriales, comme celles des traductions espagnoles des contes de l'écrivaine catalane Caterina Albert i Paradís, sous le pseudonyme de Víctor Català, publiées entre 1928 et 1929. En 1935, il s'installe à Ceuta, où il occupe un poste d'enseignant à l'Institut hispano-marocain, où il est surpris par la guerre civile. Il se consacre d'abord au portrait, puis à la photographie, bien qu'après la guerre il revienne progressivement à la peinture. En 1988, à l'occasion du centenaire de sa naissance, plusieurs célébrations lui ont été consacrées à Cullera. Il est actuellement représenté au musée des beaux-arts de Valence.

Estim. 1 200 - 1 500 EUR

Lot 34 - EMILIO POY DALMAU (Madrid, 1876 - 1933). "Garrochistas". Huile sur toile. Elle présente des défauts et des restaurations. Cadre du 19ème siècle avec défauts. Dimensions : 31 x 44 cm ; 45 x 58 cm (cadre). La touche de cette œuvre est marquée dans certaines zones, tandis que d'autres (dans l'espace le visage de la jeune femme) présentent un dessin plus détaillé et lié à l'académisme du XIXe siècle. Emilio Poy Dalmau a cultivé le portrait et les thèmes de genre. Il commence sa formation à l'école de peinture, de sculpture et de gravure San Fernando de Madrid, où ses principaux professeurs sont Joaquín Araujo et Francisco Padilla. À l'âge de vingt-six ans, il obtient une pension à Rome, après avoir remporté le concours public avec son œuvre "El capuchón negro", une toile saluée par le public et la critique. Il participe assidûment aux expositions nationales des beaux-arts, où il obtient une mention honorable en 1895 et 1897, une troisième médaille en 1901, 1906 et 1908, et une deuxième médaille en 1910. Il enseigne le dessin à l'École des arts et métiers de Madrid. Les œuvres de Poy Dalmau sont conservées au musée du Prado.

Estim. 1 000 - 1 200 EUR

Lot 35 - École sévillane ; vers 1850. "Sainte Elisabeth de Hongrie". Huile sur toile. Elle conserve son cadre d'époque. Dimensions : 112 x 90 cm ; 124 x 103 cm (cadre). Sainte Élisabeth était la fille du roi André II de Hongrie. Elle épousa Louis IV de Thuringe et, à la mort de son mari en 1227, elle décida de mener une vie ascétique et de se consacrer à des œuvres caritatives. Elle construisit un hôpital pour les pauvres et les lépreux à Marbourg et s'occupa personnellement des malades. En 1228, elle prend l'habit d'une tertiaire franciscaine dont elle devient la sainte patronne. En 1235, elle est canonisée par Grégoire IX. Murillo a souvent représenté la sainte entourée de lépreux qu'elle soignait de ses propres mains.

Estim. 800 - 1 000 EUR

Lot 36 - RICARDO OPISSO I SALA (Tarragone, 1880 - Barcelone, 1966). "Journée à la plage". Crayons de couleur sur papier. Signé dans le coin inférieur droit. Dimensions : 26 x 35 cm ; 40,5 x 48,5 cm (cadre). Opisso était peintre, dessinateur et caricaturiste. Dans sa jeunesse, il a participé au milieu moderniste de Barcelone et, en 1894, il a commencé à travailler comme apprenti avec Antoni Gaudí dans les travaux de la Sagrada Familia. Deux ans plus tard, soutenu par l'architecte, il devient membre du Círculo Artístico de Sant Lluc, avec lequel il exposera plus tard dans la Sala Parés. Il est lié au groupe Els Quatre Gats, avec Ramón Casas, Manuel Hugué, Isidre Nonell et Pablo Picasso, entre autres. En 1901, il se rend à Paris, où se trouvent déjà Picasso et Hugué. Il travaille comme illustrateur dans des publications telles que "Cu-cut !" et "L'Esquella de la Torratxa", signant des dessins orientés vers la satire politique, dans un style proche de l'art nouveau. En 1907, il participe à l'exposition des beaux-arts de Barcelone et reçoit une médaille de troisième classe. En raison de la dictature de Miguel Primo de Rivera, Opisso abandonne la satire politique et ses dessins se rapprochent du thème costumbrista, se spécialisant dans les scènes populaires. Ses œuvres de cette période se caractérisent par la présentation de foules hétéroclites dans des scènes populaires de Barcelone. Après avoir exposé plusieurs fois de suite à la Sala Parés, il réalise sa première exposition individuelle en 1935, aux galeries Syra de Barcelone. Pendant la période d'après-guerre, il continue d'exposer dans diverses galeries de Barcelone et remporte un grand succès auprès de la critique et du public. En 1953, il reçoit la reconnaissance de sa ville natale lors de la IVe foire d'art de Tarragone. Pendant ses jeunes années, outre son nom de famille, Opisso avait l'habitude de signer ses œuvres d'un "O" pour Opisso, qui contient le "R" de son nom. La plupart de ses œuvres sont conservées au musée Opisso de Barcelone, mais elles sont également présentes au musée national d'art de Catalogne et au musée d'art moderne et contemporain de Strasbourg. En ce qui concerne les expositions, il convient de mentionner celle qui s'est tenue au musée Thyssen-Bornemisza en 2004, sous le titre "La peinture catalane, du naturalisme au noucentisme", dans laquelle son œuvre "Carnaval" a été exposée. De même, le Saló del Tinell (1979), le Palau de la Virreina (1980), le Salón Náutico Internacional de Barcelona (1973), la Fundació La Caixa (1988, 2004, 2008) et la Caixa Tarragona (2003) lui ont consacré des expositions anthologiques.

Estim. 800 - 900 EUR

Lot 37 - JOAN SERRA MELGOSA (Lérida, 1899 - Barcelone, 1970). "Salardú", 1930. Huile sur toile. Signée dans le coin inférieur gauche. Signé et situé au dos. Publié dans "Juan Serra peintre", planche XXII, par Juan Cortés, Edit. Argos. Barcelone, 1942. Dimensions : 50 x 66 cm. Joan Serra Melgosa a été formé à l'École de la Poissonnerie de Barcelone, où il a été le disciple de Francesc Labarta. Membre du groupe Les Évolutionnistes, il expose pour la première fois en 1918. En 1925, il se rend à Madrid, où il s'intéresse particulièrement au Greco, et deux ans plus tard, il passe quelques mois à Paris. Il est étroitement lié à la Sala Parés de Barcelone, où il expose régulièrement depuis 1927. Il a exposé dans les principales capitales espagnoles et a participé à des expositions à Paris, Londres, Pittsburgh, Buenos Aires, Montevideo et Caracas. Il a notamment reçu le prix du conseil municipal de Barcelone en 1931 et la médaille d'or Jaume Morera en 1950. Il est représenté au musée d'art contemporain de Barcelone et au musée des beaux-arts de Lérida.

Estim. 1 000 - 1 200 EUR

Lot 38 - JOSÉ MASRIERA MANOVENS (Barcelone, 1841 - 1912). "Paysage. Huile sur carton. Signé dans le coin inférieur droit. Dimensions : 22 x 27 cm ; 27 x 32 cm (cadre). Celle que nous proposons aujourd'hui est l'esquisse de l'œuvre de 1909 publiée dans "100 ans de peinture en Espagne et au Portugal", pp. 354-355. José Masriera nous offre un paysage printanier, mettant en scène une végétation luxuriante d'une grande richesse tonale et une subtilité dans le traitement chromatique. Formellement, la scène s'articule autour d'un chemin central qui émerge du bord du tableau, guidant notre regard vers la forêt qui occupe le côté droit. Sur ses côtés se trouve la figure d'un âne qui observe attentivement une jeune femme qui, tournant le dos au spectateur, dirige ses mains vers sa tête, enlevant le foulard qui l'a accompagnée pendant la longue journée. Le peintre organise rigoureusement la composition, en séparant clairement le premier plan de l'arrière-plan. Ainsi, nous trouvons au premier plan la route. En son centre, l'espace se développe en profondeur, étant fermé à l'arrière-plan par les montagnes. Peintre et orfèvre, il a commencé sa formation artistique dans l'atelier de son père, Josep Masriera Vidal. Il entre ensuite à l'école des beaux-arts de La Lonja à Barcelone, où il subit l'influence du peintre paysagiste Luis Rigalt, pour finalement terminer ses études à Paris. En tant que peintre, il se consacre à des paysages détaillés, généralement inspirés par les environs de San Andrés de Llavaneras, dans la province de Barcelone. Il participe à des expositions à Barcelone, Madrid, Saragosse, Munich, Berlin et dans de nombreuses autres villes. Ses voyages successifs à Paris le mettent en contact avec les différentes tendances de la peinture paysagère française et il connaît rapidement le succès grâce aux œuvres qu'il présente à l'exposition internationale de Paris (troisième médaille) et aux expositions nationales des beaux-arts de Madrid (troisième médaille en 1878 et 1897) et de Barcelone (première médaille en 1909). Il est académicien des Sciences et des Arts (1873) et des Beaux-Arts de Sant Jordi, et préside le Cercle artistique. Il a publié des biographies d'artistes catalans de la génération précédant la sienne, tels que Luis Rigalt, Claudio Lorenzale et Francisco Miquel, ainsi que des ouvrages d'esthétique tels que "Influencia del estilo japonés en las artes europeas" (1885). Il est représenté au Museo Nacional de Arte de Cataluña et au Museo del Prado, entre autres, ainsi que dans d'importantes collections privées internationales.

Estim. 1 000 - 1 200 EUR

Lot 39 - RAFAEL ZABALETA FUENTES (Quesada, Jaén, 1907 - 1960). "Portrait de femme". Dessin à l'encre et au crayon sur papier. Signé dans le coin inférieur droit. Provenance : Galerie Biosca (1975). Le papier présente des taches. Dimensions : 33 x 24 cm ; 53 x 44 cm (cadre). Rafael Zabaleta a étudié à l'École supérieure des beaux-arts de San Fernando et, en 1932, il participe pour la première fois à une exposition collective, celle des étudiants de cette école. Trois ans plus tard, il effectue son premier voyage à Paris, où il rencontre et étudie les œuvres des maîtres de la peinture contemporaine. En 1937, il est nommé délégué du Trésor artistique national. À la fin de la guerre, il est emprisonné, puis s'installe à Madrid en 1940. Deux ans plus tard, il réalise sa première exposition personnelle à la galerie Biosca de la capitale, après avoir été refusé à l'Exposition nationale des beaux-arts. Cependant, l'année suivante, il participe au premier Salón de los Once et devient membre de l'Academia Breve de Crítica de Arte de Eugenio d'Ors, participant à la plupart de ses Salones de los Once et expositions anthologiques. En 1945, il participe à l'exposition collective "Floreros y bodegones" au Musée national d'art moderne, tout en continuant à exposer individuellement et collectivement dans des galeries madrilènes. En 1947, il réalise sa première exposition personnelle à Barcelone, à la galerie Argos, et publie sa première monographie. Deux ans plus tard, il se rend à nouveau à Paris et entre en contact avec Picasso, Óscar Domínguez, M. Ángeles Ortiz et d'autres. L'année de sa consécration définitive sera 1951, lorsqu'il réalise une exposition personnelle au Musée d'art moderne de Madrid. En 1955, il obtient le prix de l'UNESCO à la Biennale hispano-américaine de Barcelone. La même année, il participe à la Biennale de la Méditerranée à Alexandrie et réalise une exposition personnelle à Bilbao. Au cours de ses dernières années, Zabaleta sera un artiste déjà pleinement reconnu, invité aux expositions et aux salons les plus importants, tant en Espagne que dans des villes étrangères comme Paris. La collection la plus importante de son œuvre se trouve au musée Zabaleta de Quesada, bien qu'elle soit également présente dans les musées les plus prestigieux du monde, dans des villes comme Buenos Aires, New York ou Tokyo.

Estim. 1 200 - 1 500 EUR

Lot 40 - MIGUEL LUBIANS (Pontevedra 1973). "Piper", 2009. Huile sur toile. Signée dans le coin inférieur gauche, signée et datée au dos. Dimensions : 55 x 47 cm ; 70 x 60 cm (cadre). Peintre galicien. Il a exposé dans des galeries et des institutions, comme celle qui s'est tenue en janvier 2001 à la Casa de Galicia, à Madrid, et qui a donné lieu à la publication d'un catalogue contenant ses peintures et des textes critiques de Jaime Trigo et Cristina Cobas Macías. Il développe une œuvre colorée, délibérément naïve, axée sur le genre du portrait de type urbain ou marin et sur les paysages.

Estim. 900 - 1 000 EUR

Lot 41 - BENJAMIN PALENCIA (Barrax, Albacete, 1894 - Madrid, 1980). Sans titre, 1948. Aquarelle et encre sur papier. Signé dans le coin inférieur droit. Provenance : Galerie Ignacio Lassaletta. Certificat joint Dimensions : 34 x 25 cm ; 65 x 56 cm. Fondateur de l'école de Vallecas avec Alberto Sánchez, sculpteur, Benjamín Palencia est l'un des plus importants héritiers de la poétique du paysage castillan typique de la génération de 98. À seulement quinze ans, Palencia quitte sa ville natale et s'installe à Madrid pour développer sa formation grâce à ses fréquentes visites au musée du Prado, car il a toujours rejeté les enseignements officiels de l'Académie royale des beaux-arts de San Fernando. En 1925, il participe à l'exposition des artistes ibériques qui se tient au palais du Retiro à Madrid et, en 1926, il se rend pour la première fois à Paris. Il y rencontre Picasso, Gargallo et Miró et se familiarise avec la technique du collage, qu'il appliquera plus tard à son œuvre, en y incorporant de nouveaux matériaux tels que le sable ou les cendres. C'est à partir de ce séjour parisien que l'œuvre de Palencia acquiert une tonalité surréaliste, qui se manifeste par une liberté expressive de plus en plus grande, qui atteindra sa plénitude dans sa période de maturité. De retour à Madrid, il fonde l'École de Vallecas (1927) et fait ses débuts individuels au Musée d'art moderne (1928). Palencia abandonnera progressivement les natures mortes pour reprendre le paysage castillan, le capturant à travers une magnifique synthèse entre tradition et avant-garde. Cette esthétique personnelle du paysage atteindra son apogée dans l'École de Vallecas et, après une brillante incursion surréaliste au début des années trente, au moment où éclate la guerre civile, Palencia reste à Madrid, subissant comme ses pairs de sa génération une période de crise profonde. Après la guerre, entre 1939 et 1940, sa peinture prend un tournant radical ; il abandonne les influences cubistes et abstraites et même les aspects surréalistes, à la recherche d'un art à fort impact chromatique, lié au fauvisme. Concentré sur son travail de paysagiste, Palencia reprend en 1942 l'expérience de l'école de Vallecas avec les jeunes peintres Álvar Delgado, Carlos Pascual de Lara, Gregorio del Olmo, Enrique Núñez Casteló et Francisco San José. Son œuvre rassemblera des images de la campagne castillane, de ses paysans et de ses animaux ; sa peinture devient un témoignage de la rudesse, de la grossièreté et de la ruralité, de l'expressivité subtile de la sobriété castillane. Déjà pleinement consolidé, il obtient en 1943 la première médaille à l'Exposition nationale des beaux-arts et, en 1944, il est sélectionné pour participer au Salón de los Once de Eugenio D'Ors à Madrid. L'année suivante, il reçoit la médaille d'honneur de l'Exposition nationale, bien qu'il y renonce pour faciliter sa concession à José Gutiérrez Solana, décédé quelques jours avant la décision du jury. À partir de cette décennie, il expose dans des centres d'art et des galeries comme le Círculo de Bellas Artes de Madrid ou la galerie Estilo, et en 1946, il est à nouveau sélectionné pour le Salón de los Once. Il commence également à participer à des expositions internationales, comme celles d'art contemporain espagnol organisées en 1947 à Buenos Aires, Rio de Janeiro et Sao Paulo. Il reçoit également le Grand Prix de la Biennale hispano-américaine de Madrid (1951) et expose au Musée d'art moderne de Paris (1951), à la Biennale de Venise (1956), au Palais de la Princesse de Paravinci à Rome (1965), etc. En 1973, il est nommé membre de l'Académie royale des beaux-arts de San Fernando et, en 1978, il rejoint l'Académie de San Jorge à Barcelone. Cette même année, il reçoit la médaille d'or du mérite des beaux-arts. Benjamín Palencia est actuellement représenté au musée national Reina Sofía, au Patio Herreriano de Valladolid et aux musées des beaux-arts de Valence et d'Albacete, entre autres.

Estim. 1 000 - 1 200 EUR

Lot 42 - GABRIEL DESCHAMPS (France, 1919- 2011). "Paysage". Huile sur toile. Signée dans le coin inférieur droit. Dimensions : 46 x 55 cm ; 65 x 74 cm (cadre). Gabriel Deschamps s'est fait connaître comme peintre de marines et de scènes de genre dans le sud de la France. Il a étudié à l'École nationale supérieure des beaux-arts de Paris. À partir de 1939, il est professeur d'art d'État et membre du Salon d'automne de Paris. Ses peintures rendent parfaitement les couleurs fraîches et vibrantes et la qualité intense de la lumière de cette région. De son vivant, les peintures de Deschamps ont été vendues à de nombreux collectionneurs au Royaume-Uni, et ses œuvres sont représentées dans d'importantes collections privées en Suisse, en Belgique, au Brésil, aux États-Unis et en Argentine.

Estim. 700 - 800 EUR

Lot 43 - EUGÈNE BAUDIN (France, 1853 - 1918). "Paysage avec figure". Huile sur panneau. Signé. Elle présente la surface craquelée. Dimensions : 20 x 34 cm ; 44 x 58 cm (cadre). Une paysanne solitaire s'avance vers nous le long d'un chemin qui traverse le tableau en diagonale. À sa gauche, un groupe de vieilles barques posées sur la terre ferme nous offre une image mélancolique. À l'arrière-plan se dessinent les premières maisons du village et, de l'autre côté, de grands arbres feuillus. Eugène Baudin était un homme politique et un céramiste Art nouveau, bien qu'il ait également peint des paysages, des fleurs et des personnages. Eugène Baudin se consacre entièrement à l'art à partir de 1898, année de son retrait de la vie politique. Il travaille d'abord à Paris, puis s'installe sur la côte bretonne et enfin à Monaco (1906). Il participe à l'Exposition universelle de Paris en 1900 et à l'Exposition universelle de Saint-Louis (États-Unis) en 1904.

Estim. 800 - 1 000 EUR

Lot 44 - FRANCESC SERRA CASTELLET (Barcelone, 1912 - Tossa, Gérone, 1976). "Nu féminin". Huile sur tablex. Présente un croquis au dos. Signé dans le coin inférieur droit. Dimensions : 60 x 83 cm ; 74 x 97 cm (cadre). Peintre et dessinateur, Francesc Serra a passé sa jeunesse à Granollers, Barcelone. Bien qu'il soit passé brièvement par l'école de La Lonja de Barcelone, il est essentiellement un auteur autodidacte. Il expose pour la première fois en 1932, à la Sala Parés de Barcelone, et participe aux Salones de Primavera entre 1934 et 1936. En 1936 et 1937, il est l'invité spécial du Carnegie Institute de Pittsburgh, aux États-Unis. Il continue à organiser des expositions individuelles à Barcelone, principalement à la Sala Gaspar. Grand admirateur de Degas, il est particulièrement influencé par son thème de prédilection, le féminin. Il aborde sporadiquement d'autres thèmes, comme le paysage urbain, dont la série de Paris, présentée en 1951, mérite d'être mentionnée. De même, avec ses portraits de la mine de plomb, il se rapproche du réalisme sensible d'Ingres. Il obtient plusieurs prix, dont le Sant Jordi de Barcelone (1953) et les premières médailles des expositions nationales de Madrid (1957) et de Barcelone (1960). Il a rassemblé plusieurs dessins inédits sous le titre "Dibujos de Serra" (1973), avec un prologue de Santos Torroella. Défenseur déterminé du réalisme dans l'art et de la figuration traditionnelle contre l'avant-garde, il publie l'essai "La aventura del arte contemporáneo" (1953), avec un prologue de Rafael Benet. Il est représenté dans les musées d'art moderne de Madrid et de Barcelone et dans les musées des beaux-arts de l'Empordà et de Sabadell.

Estim. 1 000 - 1 500 EUR

Lot 45 - MANOLO HUGUÉ (Barcelone, 1872 - Caldas de Montbui, Barcelone, 1945). "Arènes". Aquarelle sur papier. Dimensions : 17 x 23 cm ; 45 x 50 cm (cadre). Ce que nous appelons immobilité n'est rien d'autre qu'un cas limite de lenteur dans le mouvement, une limite idéale que la nature n'atteint jamais. C'est ce qu'écrivait le philosophe français Henri Bergson, et ce même principe est matérialisé par ces toreros de Manolo Hugué, dont les postures traduisent la tension dense de l'instant dans l'arène. Manuel Martínez Hugué, Manolo Hugué, a été formé à l'Escuela de la Lonja de Barcelone. Participant régulièrement aux réunions de "Els Quatre Gats", il se lie d'amitié avec Picasso, Rusiñol, Mir et Nonell. En 1900, il s'installe à Paris, où il vit pendant dix ans. Il y reprend sa relation avec Picasso et se lie d'amitié avec d'autres théoriciens de l'avant-garde tels qu'Apollinaire, Modigliani, Braque et Derain. Dans la capitale française, il travaille à la conception de bijoux et de petites sculptures, influencé par le travail de son ami, le sculpteur et orfèvre Paco Durrio. En 1892, il travaille avec Torcuato Tasso sur des œuvres décoratives pour les célébrations du centenaire de la découverte de l'Amérique. Entre 1910 et 1917, il se consacre entièrement à la sculpture et travaille à Ceret, où il réunit un groupe hétérogène d'artistes parmi lesquels se distinguent Juan Gris, Joaquín Sunyer et, à nouveau, Picasso. Au cours de ces années, il expose à Barcelone, Paris et New York. En 1932, il est nommé membre de l'Académie royale des beaux-arts de San Jorge à Barcelone. Dans l'œuvre de Hugué, ce qui est essentiel, c'est la relation avec la nature, en tenant compte de la figure humaine en tant qu'élément intégré à celle-ci. Il s'agit d'une caractéristique du classicisme noucentiste, mais qui, dans les mains de Hugué, dépasse ses origines limitées. Il représentait généralement des paysans, mais aussi des toreros et des danseurs -comme on peut le voir ici-, toujours avec un niveau de détail et une appréciation des textures qui révèlent son ancienne formation d'orfèvre. Dans sa production artistique coexistent la tradition méditerranéenne, le classicisme et l'archaïsme grecs, l'art de l'Égypte ancienne et de la Mésopotamie, et l'avant-garde européenne qu'il a assimilée et connue de près, en particulier le fauvisme et le cubisme de Matisse. Des œuvres de Hugué sont conservées au MACBA, au Centre Georges Pompidou à Paris, au Musée national d'art de Catalogne et au Musée national et centre d'art Reina Sofia, entre autres.

Estim. 1 500 - 1 600 EUR

Lot 46 - ENRIQUE SIMONET Y LOMBARDO (Valence, 1863 - Madrid, 1927). "L'expulsion des marchands". Huile sur toile. Signée dans le coin inférieur gauche. Titrée au dos. Il y a un patch au dos. A nettoyer. Dimensions : 70 x 87 cm ; 99 x 113 cm (cadre). Enrique Simonet recourt à cette occasion au passage biblique dans lequel Jésus expulse les marchands et les changeurs du temple de Jérusalem afin de recréer dans son habileté singulière à capter l'agitation chorale de ce moment de tension. Avec des coups de pinceau rapides, il nous offre une scène animée dans laquelle les marchands transportent rapidement leurs marchandises, prennent leurs ballots, leurs étoffes et leurs bijoux. L'intérêt de Simonet pour l'exotisme des traits et des vêtements est évident. Il imagine le temple de Jérusalem aux colonnes épaisses et ciselées, au milieu desquelles Jésus crie avec une aura céleste. Au loin, plusieurs mouettes volent dans un ciel bleu et un village blanc est dessiné sur le sable. Simonet commence sa formation à l'école des beaux-arts de San Carlos à Valence et la poursuit à Malaga, dans l'atelier de Bernardo Ferrándiz. En 1887, il se rend à Rome et entreprend un voyage à travers l'Italie. Dans la capitale italienne, son apprentissage est entièrement conditionné par le classicisme dominant de l'époque, comme en témoigne son œuvre "La décapitation de saint Pierre", qui occupera une place de choix dans la cathédrale de Malaga. Il se rend à Paris à plusieurs reprises et, en 1890, il fait le tour de la Méditerranée. En 1892, il remporte la première médaille à l'Exposition internationale de Madrid, avec l'œuvre qui fut son premier succès, "Flevit super illam", peinte à Rome mais pour laquelle il s'était documenté lors de ses voyages en Terre sainte. Il est également primé à l'Exposition universelle de Chicago (1894), de Barcelone (1896) et de Paris (1900). Entre 1893 et 1894, il se rend au Maroc en tant que correspondant de "La Ilustración Española y Americana", contexte dans lequel il peindra l'œuvre que nous présentons aujourd'hui, faisant partie de l'expédition de l'ambassade extraordinaire du général Martínez Campos à Marrakech, dont la mission était de parvenir à un accord avec le sultan Muley Hassan pour mettre fin à la guerre déclenchée en 1893 par les tribus du Rif. En 1901, il obtient une chaire à l'École des beaux-arts de Barcelone, où il s'installe. En 1911, il s'installe à l'école des beaux-arts de San Fernando à Madrid, également en tant que professeur, et entre 1921 et 1922, il est directeur de la résidence El Paular pour les peintres paysagistes. Il est représenté au musée du Prado, au musée des beaux-arts de Malaga et à l'Académie royale des beaux-arts de San Fernando.

Estim. 6 000 - 8 000 EUR

Lot 47 - RAMÓN CALSINA BARÓ (Barcelone, 1901 - 1992). "La sculpture vivante". Crayon sur papier. Signé dans le coin inférieur gauche. Dimensions : 31 x 38 cm ; 53 x 60 cm (cadre). Après avoir commencé sa formation à l'Académie Baixas de Barcelone, Calsina entre en 1920 à l'école de La Lonja, où il est le disciple de Feliu Mestres. Il fait ses débuts individuels en 1930 à la Sala Parés et, l'année suivante, il expose ses œuvres à Paris. Les anthologies qu'il a organisées à Barcelone en 1957 et 1966 revêtent une importance particulière. Son style, proche du réalisme magique, est précis et stylisé, souvent ironique et plein de détails insolites ou fantastiques. Il révèle également certaines influences de Goya, Daumier et Hogarth. En tant que dessinateur, il réalise des illustrations, des affiches et des vitraux. Il conçoit les costumes et les décors de la pièce "El casament de la Xela", de Xavier Berenguel (1938). Entre 1931 et 1933, il collabore à la revue allemande "Der Querschnitt". Il a également illustré des romans, tels que "Don Quichotte" et les œuvres d'Edgar Allan Poe. En 1964, il remporte le prix international de dessin Ynglada-Guillot et, en 1990, il est décoré de la Croix de Sant Jordi. En 1984, un grand groupe de poètes, d'écrivains, d'artistes et d'intellectuels a lancé un appel social pour la reconnaissance de Calsina, à la suite de quoi la Caja de Ahorros de Barcelona, avec la collaboration de la Generalitat de Catalunya, lui a consacré une exposition anthologique. En 1990, une autre exposition a été organisée au Centro Conde Duque de Madrid, avec la collaboration de la mairie. Il est représenté dans plusieurs musées espagnols, ainsi que dans d'importantes collections privées. En 2009, la Fondation Ramón Calsina, promue par ses héritiers, a été créée.

Estim. 1 500 - 1 800 EUR

Lot 48 - MODEST URGELL INGLADA (Barcelone, 1839 - 1919). "Repos à la campagne". Huile sur toile collée sur carton. Signée en bas à droite. Dimensions : 24 x 31 cm ; 34 x 41 cm (cadre). Modest Urgell a commencé sa carrière comme acteur de théâtre, mais l'interdiction familiale de suivre cette voie l'a amené à se consacrer à la peinture. Il étudie à la Escuela de La Lonja de Barcelone, où il est le disciple de Ramón Martí Alsina, puis séjourne à Paris, où il rencontre Gustave Courbet et s'attache au réalisme. Dans les années soixante, ses œuvres sont refusées aux expositions officielles de Madrid et de Barcelone. En 1870, il s'installe à Olot, où il fait la connaissance de Joaquín Vayreda, créateur de l'école paysagiste locale. Dès lors, Urgell décide de se consacrer pleinement à la peinture de paysage. Son œuvre se concentrera sur les natures solitaires et les paysages marins, mettant souvent en scène des ermitages et des cimetières, marqués par une atmosphère crépusculaire, désolée et mystérieuse. À partir de 1896, il enseigne la peinture de paysage à l'École des beaux-arts de Sant Jordi, à Barcelone, et est nommé académicien en 1902. Il est également le fondateur de la Société artistique et littéraire de Catalogne, ainsi que du Musée artistique et archéologique de Gérone. Il participe à toutes les éditions de l'Exposition nationale des beaux-arts de Madrid, de 1864 à un an avant sa mort, et reçoit la deuxième médaille en 1876 et 1892. Il envoie également ses peintures aux expositions de Barcelone, ainsi qu'à l'exposition universelle de Paris et aux expositions internationales de Munich, Bruxelles, Berlin, Philadelphie et Chicago. En 1892, il est récompensé dans tous les concours auxquels il participe, dont celui de Bruxelles, où il est le seul lauréat espagnol. Il se consacre également à la littérature, avec un intérêt particulier pour le théâtre. La somme de ses deux passions, l'art et la littérature, s'exprime dans son album "Catalunya" (1905), composé de plus de cent dessins accompagnés de textes écrits par lui-même. Ses paysages ont une atmosphère, une couleur et des thèmes qui démentent le stéréotype du paysage méditerranéen, basé sur des natures chaudes et amicales, d'un chromatisme brillant, comme des fenêtres ouvertes sur la sensualité méridionale. Ses peintures, au contraire, parlent de mélancolie et de solitude, et recréent sans cesse une Catalogne désolée et triste à laquelle, des années plus tard, le poète Salvador Espriu sera également sensible. Son langage rejette tout thème fantaisiste ou pittoresque, reprenant des sujets d'actualité sans chercher à les ennoblir ou à les idéaliser, mais en cherchant à provoquer des états d'âme chez le spectateur à travers des lumières crépusculaires qui se dissolvent, pendant de brefs instants, dans une harmonie de rouges, ou ses cimetières désolés et ses paysages marins sévères, nus et dépouillés. Urgell est représenté au musée du Prado, au musée national d'art de Catalogne, au musée maritime de Barcelone, à la Kunsthalle de Hambourg, au musée Víctor Balaguer de Vilanova i la Geltrú, aux fonds d'art de la Caixa Sabadell et de la Caixa d'Estalvis de Terrassa, au musée Dalí de Figueras et aux musées provinciaux de Gérone, de Palma de Majorque et de Lugo, parmi de nombreux autres centres et institutions.

Estim. 900 - 1 000 EUR

Lot 49 - ELISEO MEIFRÈN ROIG (Barcelone, 1857 - 1940). "Marina". Huile sur panneau. Signée et datée dans le coin inférieur droit. Le cadre en bois doré présente de légers défauts. Dimensions : 32 x 26 cm ; 52 x 42 cm (cadre). Nous voyons dans ce panneau une scène paisible avec en vedette la houle d'une mer active, absolument protagoniste, qui semble être l'écho d'un ciel inquiétant et chargé de nuages. La composition est simple, évitant les détails anecdotiques qui pourraient rompre l'atmosphère et la narration, et les éléments naturels - la mer et le ciel - sont les protagonistes absolus. Peintre de paysages et de marines, Eliseo Meifrèn est considéré comme l'un des premiers introducteurs du mouvement impressionniste en Catalogne. Il commence sa formation artistique à l'École des beaux-arts de Barcelone, où il est le disciple d'Antonio Caba et de Ramón Martí Alsina, avec lesquels il commence à créer des paysages romantiques de style académique. À la fin de ses études, en 1878, il s'installe à Paris afin d'élargir ses connaissances artistiques. C'est là qu'il fait connaissance avec la peinture "en plein air", qui l'influencera fortement dans ses paysages parisiens de ces années-là. De même, à Paris, il coïncide avec le début public de l'impressionnisme. Un an plus tard, il effectue un voyage en Italie, au cours duquel il visite Naples, Florence, Venise et Rome ; il y prend contact avec le cercle d'artistes catalans formé par Ramón Tusquets, Arcadio Mas i Fondevila, Enrique Serra, Antonio Fabrés et Joan Llimona, entre autres. La même année, en 1879, il participe à l'exposition régionale de Valence et remporte une médaille d'or. De retour à Barcelone, il fait ses débuts individuels en 1880 à la Sala Parés de Barcelone, où il continue d'exposer régulièrement depuis lors. Pendant ces années, il fait partie du groupe moderniste et fréquente Els Quatre Gats. En 1883, il retourne à Paris, où il réalise de nombreux dessins et aquarelles avec des vues de la ville et de ses cafés, qui lui valent un accueil chaleureux de la part de la critique et du public français. À la fin des années quatre-vingt, il revient à Barcelone et continue d'exposer ses œuvres à la Sala Parés, ainsi qu'au Centro de Acuarelistas. En 1888, il est également membre du jury de l'Exposition universelle de Barcelone. En 1890, il retourne pour la troisième fois dans la capitale française, où il participe au Salon des Beaux-Arts et au Salon des Indépendants de 1892, en compagnie de Ramon Casas et de Santiago Rusiñol, artistes avec lesquels il avait formé le groupe pictural de Sitges un an plus tôt. Au cours des années suivantes, Meifrèn envoie ses œuvres à de nombreuses expositions et concours officiels, dont les expositions nationales de Madrid et de Barcelone, et reçoit la troisième médaille aux Universelles de Paris de 1889 et 1899, la médaille d'argent à l'Universelle de Bruxelles de 1910, le grand prix à l'Universelle de Buenos Aires de la même année, la médaille d'honneur à l'Internationale de San Francisco de 1915 et le grand prix à l'Internationale de San Diego de l'année suivante. Il a également remporté le prix Nonell de Barcelone en 1935. En 1952, la mairie de Barcelone lui consacre une exposition rétrospective au Palacio de la Virreina. Ses premiers paysages, caractérisés par un concept académique et romantique, évolueront plus tard vers un langage impressionniste ; abandonnant le préciosisme romain, il adoptera une technique de coups de pinceau lâches et de palette claire, dans laquelle la conception lumineuse se rapproche des budgets symbolistes, dans l'orbite de Modesto Urgell. Il est actuellement représenté au musée du Prado, au musée national d'art de Catalogne, au MACBA de Barcelone et à la Thyssen-Bornemisza, entre autres.

Estim. 800 - 900 EUR

Lot 50 - EMILIO GRAU SALA (Barcelone, 1911 - 1977). "À l'Hippodrome", Paris, 1963. Huile sur toile. Signée dans le coin inférieur gauche. Signée, datée et localisée au dos. Dimensions : 27 x 22 cm ; 48,5 x 40 cm (cadre). Dans cette œuvre, Grau Sala part du modèle naturel pour construire une composition dynamique caractérisée par la liberté presque absolue de la couleur et par la puissance expressive des textures. Il applique son chromatisme très personnel d'héritage fauve, avec des plans de différents tons appliqués de manière expressive et libre, basés sur des coups de pinceau superposés et secs, de sorte que les couleurs ne se couvrent pas les unes les autres. En même temps, ils donnent au paysage une certaine vibration qui multiplie les reflets du soleil sous une lumière claire et uniforme, évitant les ombres denses et illuminant vivement les couleurs. Fils du dessinateur Juan Grau Miró, Grau Sala a combiné sa fréquentation de l'École des beaux-arts de Barcelone avec une formation essentiellement autodidacte. En 1930, il expose pour la première fois à la galerie Badriñas de Barcelone. Au début de la guerre civile, en 1936, il se rend à Paris, où il s'installe dans la colonie d'artistes espagnols de Montparnasse. La même année, il reçoit le premier prix Carnegie. Au cours des vingt-cinq années qu'il a passées à Paris, il a été très proche de l'avant-garde, bien qu'il ait toujours opté pour une figuration coloriste, dérivée de l'impressionnisme et du fauvisme. Une voie déjà empruntée par le circuit commercial, dépassée en termes de nouveauté par le cubisme et le surréalisme, mais maintenue en vie à un haut niveau grâce à des maîtres tels que Bonnard, Chagall et Dufy. En fait, il s'est rapidement fait connaître à Paris comme le successeur de l'esprit et des valeurs impressionnistes, en relation directe avec Bonnard et Vuillard. Ce choix stylistique de Grau Sala conditionne celui de son épouse, Ángeles Santos, qui abandonne son surréalisme singulier pour un paysage plus conventionnel, une décision que les critiques n'ont pas hésité à regretter. Le succès de son style conduit Grau Sala à se consacrer également au travail graphique (gravures, lithographies, illustrations de romans, affiches...), ainsi qu'aux décors de théâtre. La grâce et la finesse de ses personnages, la vivacité des couleurs et l'atmosphère élégante des environnements qu'il a capturés lui ont valu un grand succès et une reconnaissance dans le monde entier. Il a organisé plusieurs expositions personnelles, principalement à Barcelone et à Paris, mais aussi dans des villes comme New York, Toulouse, Londres et Los Angeles. En 1963, il retourne à Barcelone, lorsque la figuration stagnante de l'Espagne franquiste commence à être remise en question par Oteiza, Chillida, Tàpies et le collectif "El Paso". Il reste cependant fidèle à son style et, jusqu'à sa mort en 1975, il travaille dans une ligne personnelle, centrée sur ses thèmes favoris, les figures féminines, les intérieurs et les paysages, dans un cadre temporel vaguement classique et nostalgique du dix-neuvième siècle. Après sa mort, et pendant plus d'une décennie, Grau Sala a été éclipsé par les multiples nouveautés qui émergeaient dans l'Espagne démocratique, mais à partir des années 1990, le nouveau boom de la collection de niveau moyen a relancé Grau Sala, qui a été compris comme un interprète de l'impressionnisme dans une clé espagnole. Les œuvres d'Emilio Grau Sala sont conservées au Musée national d'art de Catalogne, au Musée d'art contemporain Esteban Vicente et à l'Institut d'art et de culture contemporains Óscar Domínguez.

Estim. 5 500 - 6 500 EUR

Lot 51 - JOSÉ FRAU (Vigo, 1898 - Madrid, 1976). "Nuit au port". Gouache sur papier. Signée dans la marge inférieure. Dimensions : 50 x 72 cm ; 80,5 x 103 cm (cadre). José Frau commence sa formation avec Antonio de la Torre et Eugenio Hermoso, pour entrer ensuite à l'école des beaux-arts de San Fernando, où il a pour professeur José Muñoz de Degrain. À partir de 1917, il se fait connaître par le biais des expositions nationales des beaux-arts, recevant la troisième médaille en 1924, la deuxième en 1932 et la première en 1943. Il réalise sa première exposition individuelle dans les galeries Layetanas de Barcelone et, en 1925, il est l'un des participants à l'exposition de la Société des artistes ibériques, avec laquelle il expose également au Jeu de Paume à Paris en 1936. Auparavant, Frau avait également présenté ses œuvres dans les expositions d'artistes espagnols organisées par le Carnegie Institute de Pittsburg en 1933 et 1935. À partir des années 1940, il a vécu à Buenos Aires, à Montevideo et au Mexique, avant de retourner en Espagne en 1946. Il est actuellement représenté à la Fondation Novacaixa de Galice, au Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia de Madrid, au musée de Huelva, au Castrelos de Vigo et dans d'autres collections, tant publiques que privées. D'un point de vue stylistique, il a commencé par des œuvres figuratives, évoluant à partir de 1930 vers un style post-impressionniste pour se concentrer ensuite sur des paysages avec des personnages, recréés dans des environnements magiques et fantastiques. Dans ses dernières œuvres, il utilise un chromatisme fauviste avec une prédominance de verts, de bleus, de terres et de noirs très contrastés, montrant en même temps une stylisation progressive, la figure humaine cessant d'avoir la proéminence qu'il lui avait donnée dans ses peintures précédentes.

Estim. 2 500 - 2 800 EUR

Lot 52 - ANTONIO FERNÁNDEZ GÓMEZ (Goián, Pontevedra, 1882 - 1970). "Les couturières". Rome, 1926. Fusain et pastel sur papier. Signé, situé et daté dans le coin inférieur droit. Dimensions : 74 x 83 cm ; 87 x 97 cm (cadre). Le sujet costumbrista et anecdotique de ces jeunes couturières acquiert subtilement une patine allégorique qui nous fait penser aux Moiras. Bien que dépourvue d'éléments étrangers à l'espace domestique, elle est teintée d'une certaine cadence métaphysique. Ceci grâce à la capacité d'Antonio Fernández Gómez à figer le geste quotidien et à le sublimer. Antonio Fernández Gómez émigre au Brésil alors qu'il n'a que douze ans. À São Paulo, il reçoit des leçons de dessin et de peinture de l'artiste allemand Ernesto Papf. Il ne tarde pas à organiser ses premières expositions, qui n'aboutissent pas. Fernandez ne se décourage pas pour autant et continue à peindre et à parcourir le pays avec ses toiles. Il est beaucoup mieux accueilli dans les villes de Para et de Manaus. Enfin, à Rio de Janeiro, son travail est récompensé et il vend toutes ses toiles. Encouragé par son succès et désireux de voir le monde, Fernandez retourne en Europe et découvre en Italie un petit village de montagne, Anticoli Corrado, où il travaillera sans relâche au milieu d'une paix absolue. De retour en Espagne, il participe aux expositions nationales et aux Salones de Otoño, dont il est nommé membre de mérite lors de la septième édition. Parallèlement, il continue d'exposer au Brésil, afin de maintenir les contacts et le prestige qu'il y avait acquis. Parallèlement, il continue à remporter des succès en Espagne. Installé dans sa ville natale de Goian, il travaille sans relâche et forme auprès de lui des peintres tels que Xavier Pousa. Peu avant sa mort, le Círculo Mercantil de Vigo organise une exposition anthologique du Goianais, qui est la dernière apparition publique de l'artiste, déjà consumé par le travail et les années. Actuellement, son œuvre est présente dans les principaux musées galiciens, ainsi que dans de nombreuses collections privées au Brésil, la collection Nova Caixa Galicia et d'autres.

Estim. 3 500 - 4 000 EUR

Lot 53 - CORNELIUS BORSTEEGH (Pays-Bas, 1773-1834) "Paysage d'hiver". Huile sur panneau. Avec étiquette d'identification au dos. Dimensions : 25 x 30,5 cm ; 37 x 42 cm (cadre). Suivant la tradition de l'école hollandaise d'Utrecht, Cornelius Borgsteegh s'est spécialisé dans les paysages bucoliques d'hiver comme celui que nous présentons, avec de larges cernes de nuages veloutés et la neige recouvrant les toits à deux eaux des maisons, et d'impertérritos promeneurs conversant, travaillant ou traversant le lac dans de petites embarcations. Cornelius Borgsteegh est né à Ameide. Réputé comme peintre paysagiste et dessinateur, il a enseigné le dessin à Gouda.

Estim. 3 000 - 3 500 EUR

Lot 54 - JOSÉ FRAU (Vigo, 1898 - Madrid, 1976). "L'eau dans la prairie", 1974. Huile sur toile. Dans le catalogue "Pensées bleues", 1978. Signée dans le coin inférieur droit. Datée, titrée et avec inscription au dos. Dimensions : 92 x 73 cm ; 89,5 x 108 cm (cadre). José Frau commence sa formation avec Antonio de la Torre et Eugenio Hermoso, puis entre à l'école des beaux-arts de San Fernando, où il reçoit l'enseignement de José Muñoz de Degrain. À partir de 1917, il se fait connaître par le biais des expositions nationales des beaux-arts et reçoit la troisième médaille en 1924, la deuxième en 1932 et la première en 1943. Il réalise sa première exposition individuelle dans les galeries Layetanas de Barcelone et, en 1925, il est l'un des participants à l'exposition de la Société des artistes ibériques, avec laquelle il expose également au Jeu de Paume à Paris en 1936. Auparavant, Frau avait également présenté ses œuvres dans les expositions d'artistes espagnols organisées par le Carnegie Institute de Pittsburg en 1933 et 1935. À partir des années 1940, il a vécu à Buenos Aires, à Montevideo et au Mexique, avant de retourner en Espagne en 1946. Il est actuellement représenté à la Fondation Novacaixa de Galice, au Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia de Madrid, au musée de Huelva, au Castrelos de Vigo et dans d'autres collections, tant publiques que privées. D'un point de vue stylistique, il a commencé par des œuvres figuratives, évoluant à partir de 1930 vers un style post-impressionniste pour se concentrer ensuite sur des paysages avec des personnages, recréés dans des environnements magiques et fantastiques. Dans ses dernières œuvres, il utilise un chromatisme fauviste avec une prédominance de verts, de bleus, de terres et de noirs très contrastés, montrant en même temps une stylisation progressive, la figure humaine cessant d'avoir la proéminence qu'il lui avait donnée dans ses peintures précédentes.

Estim. 5 500 - 6 000 EUR

Lot 55 - JESÚS RODRÍGUEZ CORREDOYRA DE CASTRO (Lugo, 1889 - 1939). "Le conteur", 1935. Huile sur toile. Signée et datée au dos. Signée et datée au dos. Dimensions : 41 x 33 cm ; 57,5 x 50 cm (cadre). Considéré comme l'initiateur de l'école picturale galicienne, Corredoyra est né dans une famille aisée et a obtenu en 1903 une bourse de la Diputación de Lugo pour étudier à l'École des beaux-arts de Madrid. C'est dans la capitale qu'il complétera sa formation en devenant le disciple de Joaquín Sorolla et de Cecilio Pla. Il retourne finalement dans sa Galice natale, où il restera jusqu'à la fin de sa vie, à l'exception de quelques voyages sporadiques à l'étranger. Homme à l'esprit tourmenté, aux idées de mort, de péché et de jugement dernier, au caractère peu sûr, Corredoyra n'a pas su assimiler les changements sociaux, politiques et économiques de son époque, pas plus qu'il ne s'est identifié à un quelconque mouvement nationaliste. Sa position sociale privilégiée lui a toutefois permis de devenir le peintre préféré de la bourgeoisie et du clergé de Lugo. Il a également participé à quelques concours officiels, obtenant une mention honorable à l'exposition nationale des beaux-arts en 1908 et 1909 et une deuxième médaille en 1917. Il est actuellement représenté dans les musées des beaux-arts de La Corogne, de Lugo et de Pontevedra.

Estim. 3 500 - 3 800 EUR

Lot 56 - CORNELIUS BORSTEEGH (Pays-Bas, 1773-1834) "Paysage d'hiver". Huile sur panneau. Avec étiquette d'identification au dos. Dimensions : 25 x 30,5 cm ; 37 x 42 cm (cadre). Suivant la tradition de l'école hollandaise d'Utrecht, Cornelius Borgsteegh s'est spécialisé dans les paysages lacustres bucoliques d'hiver comme celui que nous présentons, de larges celajes et avec la neige recouvrant les toits à deux eaux des maisons, et d'impertérritos promeneurs conversant, travaillant ou traversant le lac dans de petites embarcations. Cornelius Borgsteegh est né à Ameide. Réputé comme peintre paysagiste et dessinateur, il a enseigné le dessin à Gouda.

Estim. 3 000 - 3 500 EUR

Lot 57 - ARTURO SOUTO FEIJOO (Pontevedra, 1902 - Mexico, 1964). "Femme au costume régional". Huile sur táblex. Signé dans la marge inférieure. Dimensions : 70 x 55 cm ; 87 x 72 cm (cadre). Portrait d'une jeune fille avec des vêtements régionalistes. Arturo Souto utilise ici une palette de signes distinctifs et un coup de pinceau explicite et généreux dans la matière. Les manches bouffantes en blanc s'associent à la robe noire et au corset rouge à lacets, ainsi qu'aux cheveux de jais rassemblés en chignon. Le visage ovale a les traits fins d'une adolescente. Fils et disciple du peintre Alfredo Souto, Arturo a vécu dans sa jeunesse entre Oviedo, Saragosse, Lugo et La Corogne, jusqu'à ce qu'il s'installe à Séville, où il a étudié entre 1916 et 1920 à l'École industrielle des arts et métiers et des beaux-arts. Sur les indications paternelles, il décide de reprendre des études de métreur en Galice, où l'environnement rural et maritime aura une influence décisive sur la vision plastique initiale de Souto. En 1922, décidé à se consacrer à la peinture, il s'installe à Madrid et entre à l'Académie royale des beaux-arts de San Fernando, où il côtoie Salvador Dalí et d'autres artistes de renom. Adepte des réunions mondaines, il vit avec des écrivains et des intellectuels, et se lie d'amitié avec Valle Inclán. L'année suivant son arrivée à Madrid, en 1923, il épouse Carmen Alabarce. En 1925, il organise sa première exposition individuelle. La même année, il participe au Manifeste des Ibères, avec un groupe d'anticonformistes qui s'opposent à l'art officiel de l'Espagne de l'époque. Avec eux, il organise une exposition au Palacio del Retiro qui constitue une véritable révolution. Pendant ces années, Souto vit de la pension de son père et de ce qu'il obtient en décorant de la porcelaine, et parvient à réunir suffisamment de fonds pour effectuer son premier voyage à Paris en 1926. En 1931, il retournera dans la ville de la Seine, cette fois grâce à une bourse de la Diputación de Pontevedra. Enthousiasmé par les nouveaux courants esthétiques qu'il rencontre à Paris, il travaille intensément et s'intéresse à Giorgio de Chirico, qui aura une grande influence sur son œuvre. En Espagne, il participe déjà à d'importantes expositions collectives et expose à Madrid (à partir de 1928), à Pontevedra (1928), à Saint-Jacques-de-Compostelle (1930), à La Corogne (1931), à Vigo (1932) et dans d'autres lieux. Au cours de ces années, il expérimente différentes techniques et développe une œuvre marquée par une certaine décadence. En 1931, il visite plusieurs musées européens grâce à une nouvelle bourse de la Diputación, et signe à Madrid le manifeste de l'Agrupación Gremial de Artistas Plásticos. Les expositions se succèdent dans toute l'Espagne et il fait le saut international en exposant ses œuvres à Copenhague et à Berlin. En 1934, il obtient une bourse pour l'Académie espagnole de Rome, où il reste jusqu'en 1936. De retour en Espagne, il est surpris par le soulèvement national et rejoint le camp républicain, se consacrant à la propagande par le dessin et l'affiche. En 1937, il participe à l'Exposition internationale de Paris, dans le pavillon conçu par Sert, où se trouve le "Guernica" de Picasso. Après la guerre, il s'exile, d'abord à Bordeaux, puis à La Havane. Il visite les États-Unis et s'installe finalement au Mexique en 1942. En 1962, il retourne en Espagne, où il organise quelques expositions, mais il meurt finalement à Mexico en 1964, où il s'était rendu pour liquider ses intérêts dans la ville et pouvoir s'installer définitivement en Espagne. Il est actuellement représenté dans la collection NovaCaixaGalicia, au musée de Pontevedra et dans d'autres collections, tant publiques que privées.

Estim. 3 500 - 4 000 EUR

Lot 58 - JOSE MARÍA BARREIRO (Forcarei, Pontevedra, 1940). "Musiciens galiciens". Huile sur táblex. Signée dans la marge inférieure. Dimensions : 68 x 55 cm ; 86,5 x 74 cm (cadre). José María Barreiro tourne le gant au sujet folklorique dans cette peinture à l'huile avec un couple de musiciens galiciens (un joueur de cornemuse, un batteur) résolue avec une palette post-fauve. Barreiro a organisé sa première exposition personnelle en 1961 et, deux ans plus tard, il a entrepris un voyage d'étude à travers l'Europe qui l'a conduit à Paris. Il y étudie l'école française et expose ses œuvres, ce qu'il fait également en Belgique et en Allemagne. Entre 1965 et 1966, il réalise une série de peintures murales dans des maisons commerciales de Vigo, où il expose ses œuvres en 1967 à la galerie Velázquez. Les années suivantes, il organise des expositions dans différentes villes espagnoles et, en 1969, il se rend en Argentine, où il présente une nouvelle exposition. Installé à Buenos Aires, il combine la peinture avec divers projets de décoration pour Harrods. En 1971, il effectue un voyage au Chili, au Brésil et en Uruguay et, à son retour en 1972, il présente une importante exposition à la galerie Perla Marino, dans la capitale argentine. Il retourne en Espagne et expose à Pontevedra, où il participe à la Biennale la même année. Les années suivantes, il expose en Galice, à Murcie, à Valladolid, à Madrid, à Barcelone et à Ténériffe. En 1986, il présente une rétrospective à Terra de Montes. Trois ans plus tard, il fait ses débuts à la galerie d'art Durán de Madrid, où il expose deux fois par an avec un grand succès. En 1991, il expose ses œuvres aux États-Unis, à la foire Arte Chicago, et avant la fin de l'année, il expose également ses œuvres à Lisbonne. Au cours des années quatre-vingt-dix, il exposera également à Miami, sans pour autant négliger ses expositions habituelles en Espagne.

Estim. 3 000 - 3 500 EUR

Lot 59 - JOSÉ FRAU (Vigo, 1898 - Madrid, 1976). "Vénus du miroir". Huile sur panneau. Signée et datée dans le coin inférieur gauche. Dimensions : 85 x 126 cm ; 98 x 139 cm (cadre). José Frau a flirté avec différents mouvements d'avant-garde, se sentant particulièrement proche de l'expressionnisme, comme en témoigne ce tableau dans lequel une femme se recoiffe devant un petit miroir accroché au mur. Loin d'être une Vénus, comme l'annonce le titre ironique, il s'agit d'une jeune fille dont les origines modestes se devinent à l'aspect débraillé et spartiate de sa chambre. La scène est résolue d'un trait impétueux. Le corps plantureux semble sculpté dans le bois, ciselé dans l'ébène. Sa peau sombre s'harmonise avec les murs bleu-vert et le couvre-lit rouge. José Frau commence sa formation auprès d'Antonio de la Torre et d'Eugenio Hermoso, puis entre à l'école des beaux-arts de San Fernando, où il reçoit l'enseignement de José Muñoz de Degrain. À partir de 1917, il se fait connaître par le biais des expositions nationales des beaux-arts et obtient la troisième médaille en 1924, la deuxième en 1932 et la première en 1943. Il réalise sa première exposition individuelle dans les galeries Layetanas de Barcelone et, en 1925, il est l'un des participants à l'exposition de la Société des artistes ibériques, avec laquelle il expose également au Jeu de Paume à Paris en 1936. Auparavant, Frau avait également présenté ses œuvres dans les expositions d'artistes espagnols organisées par le Carnegie Institute de Pittsburg en 1933 et 1935. À partir des années 1940, il a vécu à Buenos Aires, à Montevideo et au Mexique, avant de retourner en Espagne en 1946. Il est actuellement représenté à la Fondation Novacaixa de Galice, au Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia de Madrid, au musée de Huelva, au Castrelos de Vigo et dans d'autres collections, tant publiques que privées. D'un point de vue stylistique, il a commencé par des œuvres figuratives, évoluant à partir de 1930 vers un style post-impressionniste pour se concentrer ensuite sur des paysages avec des personnages, recréés dans des environnements magiques et fantastiques. Dans ses dernières œuvres, il utilise un chromatisme fauviste avec une prédominance de verts, de bleus, de terres et de noirs très contrastés, montrant en même temps une stylisation progressive, la figure humaine cessant d'avoir la proéminence qu'il lui avait donnée dans ses peintures précédentes.

Estim. 7 000 - 9 000 EUR

Lot 60 - RAMON CASAS CARBÓ (Barcelone, 1866 - 1932). "Dame assise". Technique mixte (pastel et fusain) sur papier. Signé dans le coin inférieur droit. Avec le cachet "Pèl i Ploma" dans le coin inférieur droit. Ce dessin a été conçu comme un cadeau pour les abonnés du magazine. Dimensions : 32 x 25 cm ; 48 x 41 cm (cadre). Dessin réalisé par Ramon Casas pour la revue artistique et littéraire "Pèl i Ploma", dont 100 numéros ont été publiés entre 1899 et 1903. Casas finança lui-même son édition et en fut le directeur artistique et le principal illustrateur, tandis que Miquel Utrillo était chargé de la partie littéraire et Emilio Galcerán de la partie administrative. Il s'agit de l'une des revues les plus représentatives du modernisme catalan, un moteur de ce mouvement et une plateforme de diffusion de l'art moderne. Dans cette œuvre, Casas représente une élégante dame habillée selon la mode bourgeoise du début du siècle. Il s'agit d'une image chargée d'instantanéité, typique des représentations féminines de l'école catalane de la fin du XIXe siècle. Elle combine la sensualité formelle de la ligne sinueuse et expressive, typiquement moderniste, avec le grand réalisme avec lequel une image strictement contemporaine a été capturée. Il s'agit d'une œuvre étroitement liée à la conception graphique de l'époque ; la linéarité expressive, la sobriété des couleurs et l'attention portée aux thèmes actuels coïncident avec les caractéristiques des affiches et des illustrations de magazines. Peintre et dessinateur hors pair, Casas a commencé à peindre en tant que disciple de Joan Vicens. En 1881, il effectue son premier voyage à Paris, où il complète sa formation aux académies Carolus Duran et Gervex. L'année suivante, il participe pour la première fois à une exposition à la Sala Parés de Barcelone et, en 1883, il présente un autoportrait au Salon des Champs-Élysées à Paris, ce qui lui vaut d'être invité à devenir membre du Salon de la Société d'artistes français. Il passe les années suivantes à voyager et à peindre entre Paris, Barcelone, Madrid et Grenade. En 1886, atteint de tuberculose, il s'installe à Barcelone pour se rétablir. C'est là qu'il entre en contact avec Santiago Rusiñol, Eugène Carrière et Ignacio Zuloaga. Après un voyage en Catalogne avec Rusiñol en 1889, Casas retourne à Paris avec son ami. L'année suivante, il participe à une exposition collective à la Sala Parés, avec Rusiñol et Clarasó, et tous trois continueront d'y organiser des expositions communes jusqu'à la mort de Rusiñol en 1931. Ses œuvres sont alors à mi-chemin entre l'académisme et l'impressionnisme français, dans une sorte de germe de ce qui deviendra plus tard le modernisme catalan. Sa renommée continue de s'étendre à toute l'Europe, et il organise avec succès des expositions à Madrid et à Berlin, et participe à l'exposition universelle de Chicago en 1893. Casas s'installe définitivement à Barcelone, immergé dans l'environnement moderniste, tout en continuant à se rendre à Paris pour les salons annuels. Il finance le local qui deviendra un point de référence pour les modernistes, le café Els Quatre Gats, inauguré en 1897. Deux ans plus tard, il organise sa première exposition individuelle à la Sala Parés. Alors que sa renommée en tant que peintre grandit, Casas commence à travailler comme graphiste, adoptant le style Art nouveau qui définira le modernisme catalan. Dans les années qui suivent, les succès s'enchaînent : il présente deux œuvres à l'Exposition universelle de Paris en 1900, remporte un prix à Munich en 1901, plusieurs de ses œuvres sont incluses dans l'exposition permanente du Círculo del Liceo, participe à plusieurs expositions internationales et, en 1904, remporte le premier prix de l'Exposition générale de Madrid. Il est représenté au musée du Prado, au musée national d'art de Catalogne, au musée national Reina Sofia, au musée Thyssen-Bornemisza, au musée de Montserrat, au Cau Ferrat de Sitges, au musée Camón Aznar de Saragosse et aux musées d'art contemporain de Barcelone et de Séville, entre autres.

Estim. 12 000 - 14 000 EUR

Lot 61 - ABEL DOMINIQUE BOYÉ (Marmande, France, 1864 - Paris, 1933). "La beauté face à la mer". Huile sur toile. Signée dans la marge inférieure. Dimensions : 100 x 73 cm ; 118 x 95 cm (cadre). La lumière tamisée et ambrée du coucher de soleil met en valeur la beauté de cette jeune femme au premier plan, près du rivage. La lumière du crépuscule met en valeur la douceur dorée de sa peau, la profondeur bleue de ses yeux et le ton froment de ses boucles. Le large chemisier de coton blanc glisse le long de son bras nu et dévoile un de ses seins. Abel Dominique Boyé reprend la tradition romantique dans ses portraits sensuels. Abel Dominique Boyé est un disciple de Benjamin Constant à Paris. En 1892, il se rend à Tolède où il peint le tableau "Le mendiant", conservé au musée Albert Marzelles de Marmande. En 1893, il visite Séville, et le résultat de son séjour est l'œuvre intitulée "Un dimanche à Séville" ou "Sevillana" (La Ilustración Artística, 1901). La vie et l'œuvre de l'auteur ont été analysées dans "À la découverte de Abel Boyé. Peintre de la fin du XIX siècle. Dossier pour l'enseignement" du Musée Albert Marzelles, et dans "La Ilustración Artística", numéro 1.027,1901.

Estim. 5 000 - 7 000 EUR

Lot 62 - JOSÉ BENLLIURE GIL (Valence, 1855 - 1937). "Sortie de masse". Huile sur panneau. Signée dans le coin inférieur droit. Dimensions : 68 x 57 cm ; 90 x 82 cm (cadre). José Benlliure commence ses études artistiques avec Francisco Domingo à Valence, puis poursuit sa formation à Madrid, où il s'installe en 1869. Il bénéficie très tôt du patronage du roi de Savoie et, en 1879, il s'installe à Rome, où il est découvert par l'important marchand d'art Martin Colnaghi, qui finance ses études dans la ville. En 1897, il effectue plusieurs voyages à Tanger, en Algérie et au Maroc, où il aborde, à travers une peinture réaliste, lumineuse et libre, le monde quotidien des lieux visités. À partir de 1900, son œuvre dépeint des thèmes populaires. Il participe aux expositions nationales des beaux-arts, obtenant des troisièmes médailles aux éditions de 1876 et 1878 et des premières à celle de 1887. Il est membre des académies de San Fernando (Madrid), San Lucas (Rome), San Carlos (Valence), Brera (Milan) et Munich. Entre 1904 et 1912, il dirige l'Académie espagnole de Rome. La majeure partie de sa production est conservée à Valence, dans sa maison-musée et au musée des beaux-arts San Pío V. Il est également représenté au musée du Prado, au Thyssen-Bornemisza et au palais de Charles Quint à Grenade, entre autres.

Estim. 8 000 - 10 000 EUR

Lot 63 - MANUEL TORRES (Marín, Pontevedra, 1901 - 1995). "Maison de village". Huile sur toile. Signée dans la marge inférieure. Dimensions : 52 x 65 cm ; 82 x 95 cm (cadre). Manuel Torres, l'un des grands artistes galiciens du XXe siècle, a reçu une bourse du Conseil provincial de Pontevedra pour étudier à Madrid en 1927. En 1928, il a participé à l'exposition d'art galicien à Madrid et, en 1931, il a reçu une autre bourse pour se rendre à Paris, élargissant ainsi sa vision artistique. En 1990, il a reçu la médaille Castelao de la Xunta de Galicia. Bien qu'il ait étudié l'enseignement, il a combiné sa carrière avec la peinture et, dès sa jeunesse, il a collaboré régulièrement avec divers magazines et journaux galiciens. En outre, à partir des années vingt, ses œuvres paraissent dans la revue "Céltiga", publiée à Buenos Aires. Influencé principalement par son ami Carlos Maside, Torres travaille non seulement la peinture de chevalet et l'illustration, mais aussi la sculpture. Pendant la guerre civile, Torres Martinez retourne dans son Marin natal, où il s'enferme et entame une période de création insatiable, qui lui vaut un grand succès auprès de la population galicienne. Son succès est tel que la Biennale de Pontevedra lui consacre à deux reprises une exposition anthologique. Il est actuellement représenté au musée municipal de Marín, qui porte son nom, ainsi que dans toutes les galeries d'art, institutions officielles et collections privées de Galice.

Estim. 2 800 - 3 000 EUR

Lot 64 - MANUEL COLMEIRO GUIMARÁS (Pontevedra, 1901 - Salvaterra do Minho, Pontevedra, 1999). "Femme espagnole". 1949. Encre sur papier. Signé et daté. Catalogué dans "Dessins de Colmeiro". "Cuadernos de arte. Collection des maîtres contemporains du dessin et de la peinture", nº 8. Par Rodríguez Sahagún Dimensions : 55 x 43 cm ; 80 x 69 cm (cadre). Dans ce dessin à thème costumbrista, Colmeiro extrait d'un trait ferme l'essentiel de la tenue andalouse, comme le peigne et la mantille. De grands yeux mélancoliques illuminent le visage ovale et tranchant. Peintre galicien émigré à Buenos Aires, Manuel Colmeiro combine ses études artistiques nocturnes avec son travail dans une usine de chaussures. Pendant un an, il étudie à l'Académie des beaux-arts, mais il la quitte pour former un groupe de travail avec d'autres peintres et sculpteurs. Après cette étape, où il développe une œuvre expressionniste, il retourne en Galice en 1926. Deux ans plus tard, il organise sa première exposition dans les salons de Faro de Vigo et obtient bientôt une bourse de la Diputación de Pontevedra pour se rendre à Madrid et poursuivre sa formation à l'Academia de Bellas Artes de San Fernando. Dans la capitale, Manuel Colmeiro se montre cependant plus intéressé par l'étude directe des grands maîtres du musée du Prado. Il continue à se faire connaître et, en 1932, il participe à une exposition de nouveaux peintres galiciens à la Barraca de Federico García Lorca. Cependant, lorsque la guerre civile éclate, il retourne à Buenos Aires, où il reste jusqu'en 1948. Pendant cette deuxième période en Argentine, il sera en contact avec Luis Seoane, Rafael Dieste et Rafael Alberti, entre autres. En 1949, il s'installe à Paris, où il reste pendant des décennies, jusqu'en 1989, date à laquelle il retourne définitivement en Galice. En fait, Colmeiro est considéré comme faisant partie de l'École espagnole de Paris. Dans les années 1960, il obtient une reconnaissance internationale massive, avec des expositions individuelles à Londres, Paris et Madrid. Au cours de ces années, son travail se concentre déjà sur des thèmes populaires de la Galice, de sa culture et de son peuple. Il fait partie du groupe connu sous le nom de "Os Novos" ou "Os Renovadores", avec Seoane, Laxeiro, Arturo Souto et Maside. Tous ces artistes, nés au début du XXe siècle, étaient considérés comme des continuateurs de la "Génération Nós" et avaient en commun un travail sur des thèmes galiciens combinés à une esthétique d'avant-garde, principalement l'expressionnisme, le cubisme et l'abstraction. Parmi eux, Colmeiro se distingue par l'air intime de ses images, accompagné d'un concept lyrique d'atmosphères, et il est en fait considéré comme le plus attaché à la tradition du groupe. Tout au long de sa carrière, cet artiste a reçu plusieurs prix, dont le Prêmio das Artes de la Junta de Galicia en 1987 et le Prêmio Celanova, Casa dos Poetas en 1996. Il est actuellement représenté dans la collection Afundación, la fondation María José Jove, la collection Abanca et le musée de Pontevedra, entre autres.

Estim. 3 500 - 4 000 EUR

Lot 65 - FRANCISCO LLORENS DÍAZ (La Corogne, 1874 - Madrid, 1948). "Paysage avec église". 1929. Huile sur toile. Signée et datée dans le coin inférieur gauche. Dimensions : 50 x 34 cm ; 74 x 57 cm (cadre). Trois cyprès sont alignés au premier plan, cachant à côté de hauts pins les maisons d'une ville dont nous n'avons vu que quelques toits et tourelles. Francisco Llorens utilise ici une palette riche en nuances de vert (sombre et émeraude avec des touches de citron et de céruléen). Résolu dans un langage post-impressionniste et proche de Cézanne, l'auteur se débrouille avec aisance au niveau compositionnel et plastique. Formé à Madrid, Francisco Llorens obtient une mention d'honneur à l'Exposition nationale de 1895 et, en 1903, une pension pour poursuivre ses études à Rome. Il visite également les Pays-Bas et continue à participer aux expositions nationales, recevant une troisième médaille en 1907. Plus tard, il obtiendra également la deuxième médaille (1908) et la première (1922), titres qui s'ajoutent à ceux obtenus à l'Internationale de Barcelone (1907), à l'Internationale de Buenos Aires (1910) et à l'Universelle de Panama (1916). Il était également Grand-Croix de la Couronne de Belgique et membre honoraire du Salón de Otoño, ainsi que membre à part entière de la Real Academia de San Fernando depuis 1943. Après l'interruption de son activité due à la guerre civile, il est nommé membre honoraire de l'Académie royale de Galice à la fin de la guerre et devient professeur de peinture de paysage à l'école de San Fernando. Il est actuellement représenté au musée du Prado, dans la collection Nova Caixa Galicia, au musée d'art moderne de Madrid, dans tous les musées de Galice et dans de nombreux musées provinciaux d'Espagne et d'Amérique.

Estim. 4 700 - 5 000 EUR

Lot 66 - MARIA ANTONIA DANS BOADO (Oza dos Ríos, La Corogne, 1922 - Madrid, 1988). "Labradora". Cire sur papier. Signé dans la marge inférieure. Dimensions : 50 x 70 cm ; 74 x 94 cm (cadre). Avec une esthétique proche de l'art naïf, María Antonia Dans place la paysanne dans un paysage stratifié en différentes bandes chromatiques qui séparent le ciel, la montagne et le champ ensemencé. Les tons céruléens flamboyants s'associent à des touches de terre de sienne et de blé. Dans réactualise ici l'héritage "fauve" dans un style qui lui est propre. María Antonia Dans a commencé sa formation artistique dans l'atelier de Dolores Díaz Baliño et à l'École des arts et métiers d'Oza dos Ríos (La Corogne). Au début des années 1950, elle s'installe à Madrid, où elle poursuit ses études et vit jusqu'à la fin de sa vie, suivant les cours du Círculo de Bellas Artes et de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. C'est dans cette ville qu'elle rencontre Benjamín Palencia, qui sera, avec Daniel Vázquez Díaz, sa principale influence. Il se distingue par un style parfois qualifié de "naïf" qui, en réalité, est plus proche d'un néo-expressionnisme aux racines délibérément naïves, dans lequel l'influence de la broderie populaire de sa région d'origine est très particulière. Parmi ses thèmes, il faut souligner les paysages, élémentaires avec quelques mosaïques souvent, et les thèmes liés aux travaux agricoles à la campagne ou à la mer, très fréquents dans sa carrière. Son œuvre a été vue à Madrid et à La Corogne, mais aussi à Paris (où il a reçu la médaille de la ville) et dans d'autres villes, et est conservée dans diverses collections privées et institutions comme le musée d'art contemporain de Madrid, dans pratiquement tous les musées d'art contemporain de Galice (et dans ceux de plusieurs provinces espagnoles), etc.

Estim. 2 800 - 3 000 EUR

Lot 67 - XAIME QUESADA (Orense, 1937-2007). "Enfant à la casquette". Pastel sur papier. Signé dans le coin inférieur gauche. Dimensions : 63 x 52 cm ; 83 x 72 cm (cadre). Les portraits d'enfants et de jeunes mères étaient les sujets préférés de Xaime Quesada, qu'il traite ici de manière sensible et intime. La figure semble enveloppée dans une gaze de mémoire. Peintre d'Ourense devenu l'une des références de sa génération, dans la lignée d'une famille et d'une saga d'artistes - son père Xaime Quessada, Fernando et Carlos Quesada...- il signe sa première exposition à l'âge de 19 ans. Peintre, graveur, scénographe et artiste espagnol. En 1946, il entre à l'école des beaux-arts de l'Académie royale de San Fernando. Il participe en Galice au groupe artistique O Volter et à Madrid au Grupo Acento. À partir de 1960, il développe une activité intense dans diverses expositions à travers le monde, s'installe à Paris en 1962, puis part pour l'Amérique et travaille dans les années 1980 pour l'Unesco dans le cadre du projet de la version polyglotte de Don Quichotte. Ses œuvres sont traversées par différents courants artistiques, de l'impressionnisme à l'art abstrait, en passant par le figurativisme ou l'expressionnisme. Il a reçu la médaille d'or de l'exposition nationale des beaux-arts en 1959 et la médaille Castelao en 2004, entre autres récompenses. Ses œuvres sont exposées dans différents musées du monde, tels que le musée de Stuttgart, le musée national d'art moderne de Mexico, le musée d'art contemporain de Madrid, le musée de Pobo Galego et le musée de La Havane. Dans les dernières années de sa vie, Xaime Quesada Blanco a participé à des projets qui montraient déjà son potentiel et qu'il a été appelé à développer tout au long de sa carrière professionnelle : l'exposition qu'il a signée au Centro Cultural da Deputación de Ourense, en 2003, ou ses propositions de grand format avec des matériaux industriels faisaient partie de ses préoccupations à l'époque.

Estim. 2 700 - 2 900 EUR

Lot 68 - "CEESEPE" ; CARLOS SÁNCHEZ PÉREZ (Madrid, 1958). Sans titre. Technique mixte avec collage sur papier. Signé dans la marge centrale droite. Dimensions : 46 x 34 cm ; 66 x 52 cm (cadre). Figure emblématique de la Movida madrileña, Ceesepe a tâté du surréalisme à l'âge mûr. Ce paysage onirique avec une figure de cirque ou un dompteur de lions en est un exemple. Peintre, illustrateur et dessinateur, Ceesepe a été l'un des protagonistes de la Movida madrileña et a commencé sa carrière dans le monde de la bande dessinée underground au milieu des années 1970 à Barcelone, au contact de Max, Nazario et Mariscal, entre autres. Il publie des bandes dessinées dans les revues "Star" et "Bésame mucho" et, en 1980, il réalise l'affiche du film d'Almodóvar "Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón". En 1982, une exposition lui est consacrée à l'université Menéndez Pelayo et, deux ans plus tard, il devient l'un des auteurs les plus vendus chez ARCO. Quelque temps plus tard, il abandonne la bande dessinée et se consacre à la peinture, exposant ses œuvres à Madrid, Amsterdam, Paris, Genève et New York, entre autres villes. Ses œuvres ont été rassemblées dans des livres tels que "El difícil arte de mentir", "París-Madrid", "Libro blanco" ou "El arte de morir". En 2011, le Conseil des ministres espagnol lui a décerné la médaille d'or du mérite des beaux-arts. Ceesepe est actuellement représenté dans plusieurs collections privées, ainsi qu'au musée d'art contemporain de Madrid, à l'Ateneo de la même ville, etc.

Estim. 3 200 - 3 500 EUR

Lot 69 - ALFONSO SUCASAS (Goiás, 1940-Ferreira,2012). "Veciños de Bailás. Lalín, 1999-2000. Huile sur toile. Signée dans le coin inférieur droit. Dimensions : 50 x 60 cm ; 68 x 78 cm (cadre). Alfonso Sucasas est allé au-delà du typisme folklorique classique dans sa représentation des personnages des villages galiciens, comme le montre ce tableau dans lequel il représente trois voisins de Lalín, résolus avec des coups de pinceau emphatiques et un langage expressionniste de traits épais et de palette contrastée. Figure de proue de la peinture galicienne et considéré comme l'un des derniers classiques de cette discipline en Galice, il a reçu de nombreux hommages posthumes, comme la rétrospective du centre culturel Novacaixagalicia de Vigo. Son œuvre est marquée par un style unique et un univers personnel qui s'articule autour des racines galiciennes, mais qui s'éloigne des folklores. Il a étudié à l'École des arts et métiers. Plus tard, il poursuit sa formation à Madrid et voyage au Venezuela et au Brésil, où il vit pendant plusieurs années. En 1968, il revient définitivement en Galice et développe sa carrière de peintre, d'abord avec une peinture socio-politique, puis en se concentrant sur l'interprétation de la Galice rurale à travers une peinture gestuelle et expressionniste.

Estim. 4 000 - 5 000 EUR

Lot 70 - ANTONIO RODRÍGUEZ VALDIVIESO (Grenade, 1918 - Madrid, 2000). "Carnaval".1994. Huile sur toile. Signée dans le coin inférieur droit. Dimensions : 46 x 38 cm ; 53 x 45 cm (cadre). Sous la lumière d'un réverbère qui donne aux arbres des reflets dorés, se développe une scène de carnaval dans laquelle la danse et les costumes sont suggérés plus que représentés en détail. Cela est rendu possible par une utilisation audacieuse de la ligne et de la couleur : des traits synthétiques qui dessinent des arabesques et capturent le rythme, des corps qui palpitent dans des blancs insaisissables. Peintre et graveur considéré comme l'un des principaux représentants de la figuration espagnole de la seconde moitié du XXe siècle, Valdivieso a été formé à l'École des arts et métiers de Grenade et a fait partie du groupe de peintres de l'ancienne galerie Buchholz à Madrid, où il a régulièrement exposé individuellement et collectivement. Entre 1951 et 1952, il a vécu à Paris, puis a collaboré avec l'architecte Fernandez del Amo dans le cadre du plan de l'Institut national de colonisation, réalisant plusieurs vitraux pour des églises de Madrid, Lleida et Valladolid. Il est actuellement représenté au Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.

Estim. 3 200 - 3 500 EUR

Lot 71 - JUAN ANTONIO GONZÁLEZ (Chiclana, Cadix, 1842- Paris, vers 1920). "Arlequin", 1986. Huile sur toile. Signée et datée dans le coin inférieur droit. Dimensions : 35,5 x 27 cm ; 50 x 42,5 cm (cadre). Peintre installé à Paris dans la seconde moitié du XIXe siècle, Juan Antonio González Jiménez se forme comme disciple du peintre Rodríguez, et participe à des expositions officielles comme la Provinciale de Cadix de 1879, où il est distingué par une médaille d'or. Plus tard, il a prolongé ses études à Paris avec M. Pils. Il se spécialise dans les thèmes des casacons, appelés "de tableautin" en France, avec des œuvres caractérisées par une délicatesse chromatique personnelle, un sens particulier de l'atmosphère, un dessin rigoureux et une attention minutieuse aux détails. Il aborde également d'autres thèmes typiques de l'époque, très au goût de la clientèle bourgeoise de la fin du XIXe siècle et du début du XXe siècle, comme la peinture de fleurs, les portraits de majas et de types espagnols, dont certains s'inspirent des portraits de l'époque baroque. Il excelle également en tant que portraitiste et peint quelques éventails. Tout au long de sa carrière, Juan Antonio González a organisé des expositions et a participé à l'exposition des beaux-arts de Paris et à l'exposition provinciale de Cadix en 1879, où il a reçu une médaille d'or pour une marine. Il est actuellement représenté au musée de Chiclana, ainsi que dans des collections privées nationales et internationales.

Estim. 1 500 - 2 000 EUR

Lot 72 - RAFAEL BLANCO MERINO (Malaga, 1864-1899). "Rue andalouse". Huile sur toile. Présente des restaurations dans la surface picturale. Présente un cadre d'époque avec des défauts. Signé dans le coin inférieur droit. Dimensions : 141 x 86,5 cm ; 166,5 x 111 cm (cadre). Paysage à caractère costumbrista dans lequel l'auteur profite d'une vue sur l'architecture locale. L'absence de présence humaine démontre l'intérêt de l'artiste pour la capture du paysage et des effets atmosphériques qui s'y reflètent. Il s'agit d'une peinture à la technique pictorialiste et à la palette dominée par des tons chauds, qui capture le travail dans les champs un jour d'été avec une intention vériste. Avec des coups de pinceau rapides et des touches intuitives, l'impression d'ensemble n'obère pas le détail et le soin de l'exécution. L'artiste se concentre sur le travail des lumières, des gammes chromatiques et des textures. La nouvelle peinture de costume du XIXe siècle est née comme un moyen d'interpréter un sentiment croissant de conscience nationale, désormais présent dans la classe moyenne qui s'achemine vers l'hégémonie sociale. Dans une certaine mesure, la préoccupation des peintres était d'approfondir la vision de leur pays à travers un langage, celui de la peinture, que tout le monde pouvait comprendre, aidant ainsi les gens du peuple à comprendre la nature et la signification de leur nationalité, en particulier telle qu'elle s'était manifestée dans un passé récent, encore vivant dans la mémoire des anciens. Des deux écoles costumbristes fondamentales de l'Espagne du XIXe siècle, celle de Séville et celle de Madrid, la seconde se distingue du pittoresque aimable de la première par une vision plus piquante et plus dure, allant parfois jusqu'à montrer non seulement le vulgaire, mais se recréant même dans des visions déchirées d'un monde cliché des bidonvilles, dans lequel l'esprit de critique est évident. Il présente des restaurations de la surface picturale.

Estim. 6 500 - 7 000 EUR

Lot 73 - EDUARDO SANCHÉZ SOLÁ (Madrid, 1869 - Grenade, 1949). "Gitan". Huile sur toile. Préserve le cadre d'époque. Signée et dédicacée dans le coin inférieur gauche. Dimensions : 70 x 50 cm ; 85 x 65 cm (cadre). Nous voyons dans cette œuvre une scène d'approche costumbrista, mettant en scène une jeune gitane. Il s'agit d'une composition qui combine le portrait et le genre costumbrista, très en vogue dans la peinture espagnole du XIXe siècle et du début du XXe siècle. La femme a été représentée en buste, dans une attitude décontractée et naturelle, avec les cheveux légèrement ébouriffés, réunis par plusieurs fleurs. La clarté du fond neutre contraste avec l'audace de la couleur avec laquelle l'artiste a configuré le modèle, mettant en valeur les traits de la jeune femme, dont le visage laisse entrevoir un doux sourire. Sánchez Solá a été formé à l'école des beaux-arts de San Fernando, où il a eu pour professeurs Alejandro Ferrant et Luis Taberner. Plus tard, il a été professeur à l'École des arts et métiers de Grenade et a collaboré à la revue d'art "La Ilustración Española y Americana". Il participe assidûment aux expositions nationales des beaux-arts et obtient une mention honorable en 1895, une médaille de troisième classe en 1897 pour la toile "Tristes noticias" et en 1899 pour "El destete", une décoration en 1901 et une mention honorable pour l'art décoratif en 1904. Il a également exposé au Musée régional d'art moderne de Grenade, à celui du Centre artistique en 1942 et à celui de Linares en 1943. Sánchez Solá s'est spécialisé dans la peinture à l'huile où il a reflété des scènes de jeux des enfants de chœur de l'époque, à l'intérieur des églises andalouses. Dans ces tableaux, l'artiste a su capter l'expressivité et le mouvement des enfants, qui apparaissent généralement concentrés dans un jeu. C'est pourquoi il est connu comme "le peintre des enfants de chœur", conservant des œuvres de ce genre telles que "Court et serré", "Fais ce que tu veux", "Espièglerie", etc. Il était également connu comme peintre de portraits et de paysages. Sánchez Solá est actuellement représenté au musée du Prado et au musée provincial de Lugo, ainsi que dans plusieurs collections privées.

Estim. 3 000 - 4 000 EUR

Lot 74 - ANDRÉS CORTÉS Y AGUILAR (Séville, 1812 - Séville 1879). "Paysages". Huile sur toile (x2). Préserve la toile originale. Elles présentent des restaurations sur les surfaces picturales. Ils ont des cadres du XIXème siècle. Signés dans le coin inférieur droit. Dimensions : 63 x 83,5 cm (x2) ; 73,5 x 95 cm (cadres, x2). Paire de paysages idéalisés, avec une composition harmonieuse et une division en plusieurs plans. Au centre de chacune des scènes se trouve un groupe de personnages d'apparence quotidienne, vêtus d'habits traditionnels, accompagnés d'animaux. La relation des deux œuvres avec l'un des courants picturaux les plus importants de l'Espagne du XIXe siècle, le Costumbrismo, est évidente, en particulier le courant andalou, caractérisé par des couleurs plus vives que celles de Madrid et un thème différent (on préfère généralement montrer des types folkloriques traditionnels de cette région, avec une nette prédilection pour les bandits, suivant le goût pour l'"exotisme" qu'avaient les Européens qui venaient en Espagne ou qui connaissaient ce thème par des histoires et des nouvelles, souvent idéalisées et avec un certain sens du "romantisme"). Peintre à l'œuvre prolifique et très personnelle, on dispose cependant de peu d'informations précises sur sa vie. Son père, Antonio Cortés, vivait en France et avait été le disciple du peintre de paysages et d'animaux Constantin Troyon (1810-1865), ce qui a sans doute dû marquer dès ses premiers pas artistiques, avec son père, la préférence d'Andrés Cortés pour la peinture de paysages avec des troupeaux ; un genre dont il deviendra l'un des plus grands spécialistes de son temps, et qui définit une bonne partie de sa production. Présent depuis 1840 à Séville, où il vivra toute sa vie et renforcera sa carrière, il sera professeur à l'École des beaux-arts et membre de son Académie à partir de 1862, se faisant rapidement connaître dans les milieux artistiques sévillans avec ses séduisantes vues panoramiques de la ville peuplées de personnages, pour lesquelles il est le plus connu aujourd'hui, et qui lui ont valu en son temps une réputation notable auprès de la clientèle de la haute société sévillane. Parmi elles, les plus célèbres sont sans doute ses versions de La foire de Séville ; la première peinte pour le comte d'Ybarra, promoteur de cette populaire foire aux bestiaux, et l'autre, signée en 1852, conservée au musée des Beaux-Arts de Bilbao. Dans le même genre, Andrés Cortés a peint d'autres vues sévillanes d'une composition tout aussi ambitieuse, attentive tant à la description des bâtiments et des monuments qu'à celle des types et des vêtements des personnages qui les peuplent, avec une coloration vive et lumineuse ; aspects dans lesquels réside une grande partie de son attrait, en soulignant parmi eux la Vue de Séville depuis le Prado de San Sebastián, peinte en 1866 (Séville, collection Javier Benjumea). Cependant, la plupart des tableaux les plus connus de l'artiste, avec lesquels il a dû maintenir sa carrière en raison de leur facilité de vente et de leur pittoresque décoratif, sont des paysages ruraux avec des troupeaux, presque toujours des cabanes de moutons ou de vaches guidées par leurs bergers, dont les suivants sont de bons exemples : Camino de la Feria (Séville, Comte d'Aguiar), Paisaje con pastores y ganado (Palma del Condado, Collection Cepeda), Paisaje de fantasía (Madrid, Fundación Santamarca), et les paysages avec personnages de la Collection Carmen Thyssen-Bornemisza. Il a également peint quelques portraits discrets, comme ceux de Nicolás Antonio (Séville, Biblioteca Colombina), signé en 1851, de José María Ybarra (Séville, Comte de Ybarra), une œuvre de 1854, et de Rodrigo Ponce de León, marquis de Cadix (Séville, Hôtel de ville), signé deux ans plus tard. Il fut également un intéressant peintre de types, une facette dont El tío Gamboa de Hinojos (collection privée), peint en 1857, et El Leñador se cosiéndose la ropa (Séville, collection privée) sont de bons exemples. On connaît également quelques tableaux religieux de sa main, comme La caridad de las Hermanas de San Vicente de Paúl (Séville, mairie ; déposé au Hogar de la Virgen de los Reyes), peint en 1847, ainsi qu'une grande toile historique peinte par Cortés en 1848 représentant Guzmán el Bueno armant son fils en chevalier, qui a eu un certain écho dans la presse sévillane de l'époque et a été acquise par les ducs de Montpensier. Participant aux expositions des Beaux-Arts organisées dans la ville, il reçoit en 1858 une médaille d'argent pour Un pays, présentant en 1868 Une cabane. La reconnaissance dont il jouit dans sa ville le comble d'honneurs et de distinctions locales, puisqu'il devient membre fondateur de la Députation archéologique de Séville, président de sa classe d'arts, correspondant de l'Académie royale d'archéologie et de géographie du prince Alphonse et de celle de Cordoue, et membre de l'Académie d'émulation et de promotion, en plus d'être décoré de plusieurs croix. Ils présentent des restaurations sur les surfaces picturales.

Estim. 11 000 - 12 000 EUR

Lot 75 - "LAXEIRO" ; JOSÉ OTERO ABELEDO (Lalín, Pontevedra, 1908 - Vigo, 1996). "Capricho", 1965. Huile sur toile. Certificat ci-joint délivré en 2022 par la Fondation Laxeiro. Signé dans le coin inférieur gauche. Signé, daté et titré au dos. Dimensions : 50 x 40 cm. Les années 1960 ont été une période d'expérimentation dans la carrière de l'artiste galicien, qui a abandonné la figuration à la recherche d'un langage où le volume et la fragmentation deviennent les protagonistes. Les œuvres de cette période, comme le présent tableau, révèlent un jeu complexe de courbes et de contre-courbes qui sont les protagonistes de son synthétisme, lequel cherche à renforcer le jeu des formes. Laxeiro a commencé sa formation dès l'enfance à Botos (Pontevedra), où il a eu pour premier professeur Teresa López. Peu après, en 1921, il émigre à Cuba avec sa famille. Il y travaille dans l'artisanat, ce qui lui permet d'approcher le monde de l'art, de la gravure à la verrerie. Il suit des cours de dessin et travaille comme assistant du Catalan Manuel Roig, chorégraphe du théâtre Martí. En 1925, il visite les expositions de Zuloaga et de Jesús Corredoyra à Cuba et travaille à la conception de vitraux artistiques. Cependant, une grave maladie l'oblige à rentrer en Espagne et à s'installer à Lalín. À cette époque, il laisse de côté la peinture professionnelle et s'établit comme barbier itinérant en 1926, faisant souvent le portrait de ses clients et de divers types populaires. Deux ans plus tard, il commence à se faire connaître en publiant des vignettes dans le "Faro de Vigo". L'année suivante, il publie également ses illustrations dans "El Pueblo Gallego". En 1930, il reçoit des cours de peinture du peintre argentin Enrique Larrañaga, à Vigo, et l'année suivante, il obtient une bourse de la mairie de Lalín pour poursuivre ses études artistiques à Madrid. Il entre alors comme étudiant libre à l'Académie des beaux-arts de San Fernando, tout en fréquentant la réunion de la Granja del Henar. Il retourne en Galice en 1933 et commence à organiser des expositions, faisant ses débuts individuels en 1934 à la faculté de philosophie et de lettres de Saint-Jacques-de-Compostelle. Après la guerre, il s'installe à Pontevedra où, en 1940, il commence à enseigner à l'Institut Valle-Inclán. Au cours des années suivantes, il obtient des pensions de la Diputación Provincial et reprend sa carrière d'exposant en Galice, à Madrid et à Bilbao. En 1951, il est invité à organiser une exposition à Buenos Aires, ville où il décide finalement de s'installer. Dans les années soixante-dix, il revient définitivement en Espagne, vivant entre Pontevedra et Madrid, exposant dans toute l'Espagne et étant déjà un auteur reconnu. Il a notamment reçu la médaille de la Biennale de Pontevedra, la médaille Castelao de la Junta de Galicia et la médaille d'or du conseil municipal de Vigo. Il possède son propre musée dans cette ville, ainsi qu'une salle monographique au musée Castrelos et est largement représenté dans tous les musées galiciens, ainsi que dans de nombreuses collections privées en Espagne et en Amérique. Vous trouverez ci-joint un certificat délivré en 2022 par la Fondation Laxeiro.

Estim. 6 000 - 7 000 EUR

Lot 76 - LOUIS GARIN (Rennes, 1888- Val-d'Izé, 1959). "Les pêcheurs". Huile sur toile. Signée dans le coin inférieur droit. Dimensions : 78 x 105 cm ; 90 x 117 cm (cadre). Nous sommes devant une composition juteuse dans son thème et son traitement, pour déployer devant nous une scène vivante mettant en scène des familles de pêcheurs. Ils viennent d'accoster sur la plage. Les pêcheurs transportent les poissons dans des paniers d'osier ; un compagnon de pêche remue les filets, une mère berce son bébé endormi et deux enfants aident leurs aînés. Les carnations blanchâtres des jeunes femmes contrastent avec les visages burinés des marins. Louis Garin est un peintre autodidacte qui a développé son propre style lié à la terre, aux Bretons qu'il voyait travailler dans sa vie quotidienne. Il utilise une palette lumineuse et contrastée, et a une capacité particulière à capturer la variété des types humains d'extraction modeste, qu'il dépeint avec tendresse. Louis Garin est né dans une famille modeste dont le père était cheminot. Il travaille avec son père à la Compagnie des chemins de fer de l'Ouest jusqu'en 1935. Il s'inscrit aux cours du soir de l'École régionale des beaux-arts de Rennes. Il peint pendant ses loisirs et ses vacances. Illustrateur et peintre de paysages et de sujets lyriques, il est célèbre pour n'avoir peint que la région bretonne. En 1922, il expose au Salon de la Société Nationale des Beaux-Arts. Entre 1928 et 1938, il travaille à la Manufacture de la Grande Maison de la Hubaudière, dite "H. B", à Quimper1, notamment en compagnie du sculpteur René Quillivic et des peintres Alphonse Chanteau (1874-1958) et Georges Brisson (1902-1980), Georges Renaud (1901-1994), Paul Fouillen (1899-1958) et le Toulousain René Beauclair (1877-1960), en pleine période de productivité de la marque "Odetta" (Les Ateliers de l'Odet). En 1935, il collabore à la décoration du salon de la classe touriste du paquebot Normandie. A la même époque, il quitte son emploi de cheminot pour se consacrer entièrement à la peinture après avoir été chargé de la décoration de l'église Sainte-Thérèse à Rennes. Il est chargé de la décoration du pavillon breton à l'Exposition universelle de 1937 à Paris. Il réalise également plusieurs décors de restaurants, comme Le Menach au Bono, l'Hôtel Du Guesclin à Rennes, Manche-Océan à Vannes, l'Hôtel Bellevue à Trébeurden, ainsi que des églises comme Saint-Joseph à La Trinité-sur-Mer, et l'église Saint-Lézin à La Chapelle-Janson en 1959, quelques mois avant sa mort.

Estim. 5 000 - 6 000 EUR

Lot 77 - JOSÉ ALARCÓN SUÁREZ (Madrid, actif dans le dernier tiers du XIXe siècle). "Faena brindada". Huile sur toile. Signée dans le coin inférieur droit. Dimensions : 90 x 130 cm ; 106 x 146 cm (cadre). Trois femmes sont présentées au spectateur derrière un balcon qui ne laisse voir que leurs bustes. L'une d'entre elles agite un mouchoir pour indiquer qu'elles assistent à une corrida. Les autres jeunes femmes sont distraites de la corrida et tiennent toutes deux des éventails, indiquant qu'elles sont engagées dans un jeu de conquête, tout à fait dans le goût de l'époque, où les dames utilisaient leurs éventails pour flirter et transmettre des messages à leurs admirateurs. Spécialisé dans la peinture de genre et le portrait, Alarcón a suivi une formation de peintre à l'école de peinture, de sculpture et de gravure San Fernando de Madrid. Il présente des œuvres à divers concours et envoie des œuvres à l'Exposition nationale des beaux-arts de Madrid à partir de 1871. Il est représenté au musée du Prado. Traditionnellement, la peinture et la littérature espagnoles des XIXe et XXe siècles s'intéressaient aux coutumes et aux types populaires. Sorrolla lui-même commentait : "Je veux donner, toujours dans le vérisme de mon école, une représentation de l'Espagne ; sans chercher des philosophies, mais le pittoresque de chaque région". Cette tendance s'est répandue dans toutes les provinces d'Espagne, l'Andalousie étant la plus célèbre pour sa représentation de la vie populaire. C'est pourquoi ce type d'œuvre était très courant et apprécié dans l'art espagnol du 19e siècle jusqu'à une bonne partie du 20e siècle. La création de modèles populaires dépeints à travers une vision idyllique où l'auteur est influencé par un héritage esthétique et romantique, développé au cours de la seconde moitié du XIXe siècle et qui découle d'une conception localiste du paysage, dans des œuvres qui reflètent l'amour de la terre elle-même et la beauté et le lyrisme du quotidien, de la proximité, de la familiarité...

Estim. 2 500 - 3 000 EUR

Lot 78 - FRANCISCO HOHENLEITER DE CASTRO (Cadix, 1889 - Séville, 1968). "Majos". Huile sur panneau (x2). Signée en bas à droite. Dimensions : 31 x 20 cm (x2) ; 40 x 29 x 3cm (cadres, x2). Francisco Hohenleiter a commencé sa formation à El Puerto de Santa María et, en 1918, il a déménagé à Séville, où il s'est installé définitivement. Peintre élégant et coloré, il devient rapidement une figure de proue de la décoration murale et, surtout, de l'affiche, de l'illustration de magazines et de livres. Ses œuvres combinent les influences de différents styles tels que le modernisme, la peinture de genre et le romantisme. Dans les années 1920, ses affiches réinventent la Semaine sainte à Séville, avec des œuvres basées sur l'utilisation de la couleur et des lignes décoratives. En tant que peintre, il s'est concentré sur le portrait, le paysage et la représentation de types populaires, principalement les majos, ainsi que sur les scènes de genre. Il a également réalisé des nus, des intérieurs d'église et des natures mortes. Tout au long de sa carrière, il a exposé ses œuvres dans plusieurs villes espagnoles, mais aussi à Paris, avec une exposition exceptionnelle à la galerie Charpentier en 1932. La peinture de Francisco Hohenleiter trouve ses racines dans celle de Jiménez Aranda et de García Ramos et s'inspire de Goya et d'Alenza. Il est devenu le gloseur de la Séville romantique, le portraitiste de l'Andalousie mise en musique par Albéniz. Son œuvre est aujourd'hui dispersée dans toute l'Andalousie : peintures murales, affiches, programmes manuels, etc. Il est aujourd'hui représenté dans divers musées et collections privées.

Estim. 1 200 - 1 400 EUR

Lot 79 - MANUEL GARCÍA Y RODRIGUEZ (Séville, 1863 - 1925). La carreta" ("La charrette"), 1901. Huile sur toile. Avec restaurations. Signée et datée dans le coin inférieur droit. Dimensions : 50 x 90 cm : 58 x 105 (cadre). Manuel García y Rodríguez exécute cette œuvre d'un coup de pinceau large et pâteux, en appliquant des taches de couleur. Le traitement des figures et le contraste entre les zones ombragées et les zones ensoleillées sont remarquables. Il utilise une palette riche en polychromie, dans laquelle les verts prédominent dans toutes leurs nuances. García y Rodríguez a commencé sa formation auprès de José de la Vega Marrugal, puis à l'École des beaux-arts de Séville, où il a été l'élève d'Eduardo Cano et de Manuel Wssel. Il se consacre d'abord à la figure, mais certaines circonstances, comme l'influence et la fascination exercées par Marín Rico et Fortuny sur les jeunes artistes sévillans et les succès commerciaux des premiers voyages de Sánchez Perrier à l'étranger, l'amènent à se tourner vers la peinture de paysage, qui devient pratiquement son seul sujet à partir de cette époque. Il participe régulièrement aux expositions nationales des beaux-arts et obtient une troisième médaille en 1887 pour son œuvre "Orillas del Guadalquivir" ("Rives du Guadalquivir"). Il obtient également une deuxième médaille en 1890 pour "La tarde" et en 1895 pour "Tarde de otoño". Il a également participé aux expositions des beaux-arts de Séville de 1921 jusqu'à sa mort. En 1888, il participe à l'exposition universelle de Barcelone et, l'année suivante, à celle de Paris. En 1891, son œuvre "Entrée d'un verger à Séville" est acquise par le musée de Barcelone lors de la première exposition générale des beaux-arts ; la même année, l'État de Prusse acquiert son œuvre "Séville" lors de l'exposition internationale de Berlin. Au cours des années suivantes, il présente également ses œuvres aux expositions de Chicago et de Munich. Vers 1893, il se rend au Maroc, récemment visité par d'autres Sévillans tels que Sánchez Perrier et Gonzalo Bilbao, où il retourne en 1904. En 1889, il est nommé membre de l'Académie San Fernando de Madrid et, entre 1902 et 1903, il est un membre actif du Centre des beaux-arts de l'Athénée de Séville. Illustrateur et peintre, il collabore dans cette discipline avec l'hebdomadaire "Blanco y Negro" et avec "La Ilustración Artística". García y Rodríguez est actuellement représenté au musée du Prado (son œuvre est en dépôt au musée municipal de Malaga), au musée national de La Havane, au musée des beaux-arts de Séville et au musée Thyssen-Bornemisza, entre autres.

Estim. 2 500 - 3 500 EUR

Lot 80 - MATEO HERNÁNDEZ SÁNCHEZ (Béjar, 1884-Meudon, 1949). "Colombe". Sculpture en stuc patiné. Signée au dos. Dimensions : 21 x 29 x 16 cm. Le style de Mateo Hernandez se caractérise par le choix de formes simplifiées et élégantes, avec une attention méticuleuse aux parties du corps (plumage, anatomie, griffes, expression faciale), mais en les synthétisant dans des volumes compacts qui donnent vie à un vaste répertoire animalier. Dans le cas de la "colombe", symbole universel de paix et de pureté, il a cherché, dans sa représentation essentielle, à capturer la délicatesse avec une morphologie synthétique mais réaliste. Il y a investi sa technique de taille directe, une pratique dans laquelle l'artiste travaille directement sur la pierre sans utiliser de modèles d'argile préalables. Le genre animalier a valu à Mateo Hernández une reconnaissance internationale. Il convient de noter qu'il s'agit d'une occasion comme il en existe peu d'acquérir une œuvre de Mateo Hernández, car ses œuvres sont rarement mises sur le marché. Mateo Hernández était un sculpteur espagnol reconnu en dehors de l'Espagne, principalement en France, grâce à sa pratique de la "taille directe". Il est né dans une famille de tailleurs de pierre. À Salamanque, il obtient, probablement grâce à l'intervention de Miguel de Unamuno, une bourse de la Diputación de Salamanca pour étudier à l'École nationale des beaux-arts. Il se rend bientôt à Paris, où il entre en contact avec le mode de vie bohème et commence à travailler en taille directe sur des blocs de pierre. Son sujet de prédilection est l'animal, en raison de sa psychologie particulière à leur égard. En 1920, au Salon d'Automne de Paris, il se fait remarquer par plusieurs de ses œuvres. Sa Panthère est vendue au baron de Rothschild pour 60 000 francs - un prix exorbitant pour l'époque - ce qui lui ouvre les portes de la célébrité et de la reconnaissance. C'est le début d'une période où l'artiste peut travailler avec une plus grande liberté économique et une plus grande confiance. À la fin de l'année 1923, il acquiert un bloc de diorite de deux mètres de long et, pendant plus de deux ans, il travaille à l'une de ses œuvres les plus connues, La Panthère de Java, appelée plus tard Panthère Kerrigan, qui se trouve actuellement au Metropolitan Museum of Art de New York, bien qu'elle ne soit pas exposée au public. L'œuvre sera exposée à l'Exposition internationale des arts décoratifs de Paris en 1925. Elle lui vaut le Grand Prix de Sculpture et sa consolidation en tant que sculpteur. Autour des années de l'Exposition internationale de 1925, il réalise d'extraordinaires sculptures d'art animalier comme La grue couronnée, exposée au musée de Béjar ou L'aigle royal (schiste), ou encore des bustes : Eugenio Pérez de Tudela et Miguel Ángel Asturias. De 1928, date à laquelle il s'installe à Meudon, jusqu'au début de la Seconde Guerre mondiale, il passe quelques années caractérisées par sa consécration définitive en tant que sculpteur. C'est dans le vaste domaine de Meudon que le sculpteur va réaliser ses plus grandes œuvres, la sculpture monumentale dont il rêvait depuis des années. Le Musée des Arts Décoratifs lui consacre une exposition entre février et mars de l'année 28, qui représente la reconnaissance officielle de son œuvre, laquelle sera sanctionnée par l'octroi en 1930, par le Président de la République française, de la Légion d'Honneur. L'exposition, rarement consacrée à un artiste non né en France, réussit à réunir une grande variété d'œuvres. Le catalogue est préfacé par René-Jean, un critique d'art qui a suivi son travail depuis ses premières expositions. Des années plus tard, avec l'exposition organisée à New York, son œuvre acquiert une résonance universelle. Alors que les œuvres étaient initialement destinées à l'actuel musée Reina Sofia, l'État les a finalement données en dépôt à la ville de Béjar, où cinquante pièces sont exposées au musée Mateo Hernández, situé dans l'ancien hôpital de San Gil. À Béjar, une rue porte son nom.

Estim. 8 000 - 9 000 EUR

Lot 81 - ANTONIO ESTRUCH Y BROS (Sabadell, 1873- Buenos Aires, 1957). "Autour de Nemi, Rome", 1897. Huile sur panneau. Signée et datée dans le coin inférieur gauche. Dimensions : 27 x 35 cm ; 37 x 45 cm (cadre). Antonio Estruch y Bros a été l'un des représentants les plus remarquables de la peinture d'histoire catalane avec des œuvres comme "Corpus de Sang" -1907-, qui représente l'épisode qui a déclenché le soulèvement des Catalans de 1640 et "Le onze septembre de 1714". Il était le disciple du peintre catalan Joan Vila i Cinca (cofondateur de l'Académie des beaux-arts de Sabadell en 1876). Il étudie l'art du vitrail en Allemagne. Il obtient une bourse à l'Académie royale de San Fernando (1892) et à l'Académie espagnole de Rome (1894-96), après quoi il se rend en Palestine pour peindre une série sur la vie de Jésus commandée par Ponsà. En 1910, il s'installe à Buenos Aires. Son œuvre est actuellement exposée au musée de Sabadell et à la bibliothèque-musée Victor Balaguer.

Estim. 1 000 - 1 200 EUR

Lot 82 - Attribué à ANTONIO MARÍA ESQUIVEL SUAREZ DE URBINA (Séville, 1806 - Madrid, 1857). "Sainte Ursule. Huile sur toile. Avec inscription illisible au dos. Dimensions : 93,5 x 73 cm ; 103 x 84 cm (cadre). Cette toile représente sainte Ursule habillée en jeune fille. Selon la légende médiévale, une jeune fille nommée Ursule se convertit au christianisme en promettant de garder sa virginité. Comme elle était convoitée par un prince breton, elle décida de se rendre en pèlerinage à Rome et d'obtenir ainsi la consécration de ses vœux. À Rome, elle est reçue par le pape Siricius qui la bénit et consacre ses vœux de virginité perpétuelle pour se consacrer à la prédication de l'Évangile du Christ. De retour en Allemagne, elle est surprise à Cologne par l'attaque des Huns, en 451. Attila, roi de ce peuple, s'éprend d'elle mais la jeune femme résiste et, avec d'autres jeunes filles qui refusent de se soumettre aux appétits sexuels des barbares, elle est martyrisée. En raison de ses caractéristiques formelles, cette œuvre peut être attribuée à Antonio Maria Esquivel, peintre et théoricien espagnol nommé Pintor de Cámara sous le règne d'Isabelle II, reconnu pour son style romantique. Bien qu'issu d'une famille noble, il se retrouve dans une situation précaire et difficile à la mort de son père. Cependant, sa mère l'encourage à poursuivre ses études à l'Académie des beaux-arts de Séville, où il se familiarise avec la peinture de Bartolomé Esteban Murillo (1618-1682). Ces études sont paralysées par l'invasion des Cent mille fils de Saint Louis, un conflit militaire qui le pousse à s'engager dans les rangs libéraux pour défendre la place de Cadix. En 1831, il reprend ses études et en 1831, pensionné à Madrid, il se présente au concours général de l'Académie, qui le nomme académicien de mérite. Pendant son séjour dans la capitale espagnole, il participe assidûment au Lycée artistique et littéraire, où il reçoit des cours d'anatomie. Il participe également aux expositions de l'Académie en 1835, 1837 et 1838.

Estim. 2 000 - 2 500 EUR

Lot 83 - RICARDO MADRAZO (Madrid, 1852-1917). "Le gardien du harem". Huile sur toile. Signée dans le coin inférieur droit. Dimensions : 46 x 35 cm ; 74,5 x 64 cm (cadre). Ricardo de Madrazo était le fils de Federico et le frère de Raimundo. Il a été formé à l'école des beaux-arts de San Fernando, où il a eu pour professeurs, outre son père, Joaquín Espalter et les sculpteurs Ricardo Bellver et Ponciano Ponzano. En 1866, il rencontre Mariano Fortuny, qui deviendra son beau-frère et aura une grande influence sur son style pictural. En 1868, il se rend avec Fortuny à Rome, où il fréquente l'Academia Chigi. En 1869, il s'installe à Paris, où il a l'occasion de visiter l'atelier de Jean-Louis-Ernest Meissonier. À Paris, il se consacre également à l'étude des grands maîtres, dont les œuvres sont conservées au Louvre, et copie de nombreux tableaux. La guerre franco-prussienne l'oblige à retourner en Espagne entre 1870 et 1872, et il s'installe à Grenade avec sa sœur et son beau-frère. Les deux peintres en profitent pour peindre en plein air à l'Alhambra et à l'Albaicin. De nombreux peintres viennent chez Fortuny, comme s'il s'agissait d'une académie gratuite. De là, ils firent un voyage au Maroc en compagnie de José Tapiró et se rendirent ensuite à Rome. La vie de l'artiste reste liée à celle de son beau-frère jusqu'à ce que ce dernier meure inopinément en 1874 et qu'il doive se charger de l'étude, du catalogage et de la vente aux enchères des œuvres de Fortuny, à l'hôtel Drouot, à Paris. Il passe ensuite quelques saisons à Tanger en compagnie de Tapiró, et alterne ses séjours entre Paris et Madrid, participant alternativement aux expositions nationales des beaux-arts des deux capitales. En 1885, il s'installe définitivement à Madrid, voyageant chaque année à Venise et à Paris. À partir de cette année-là, suivant la tradition familiale, il se spécialise dans la peinture de paysages et de portraits. La reine María Cristina, Archer Milton Huntington, Lázaro Galdiano, Durand-Ruel et William Howard Taft, qui lui commanda le Parnasse, visitèrent son atelier madrilène. Ses connaissances approfondies de l'antiquité ont fait de lui un conseiller artistique précieux pour d'importants collectionneurs espagnols et américains.

Estim. 4 500 - 5 000 EUR

Lot 84 - École catalane, vers 1895. "Paysage avec pont". Huile sur toile. Avec étiquette ancienne de la Sala Parés. Dimensions : 82 x 68 cm ; 105 x 90,5 cm (cadre). Paysage rural avec une série d'arbres situés sous une lumière puissante et claire, avec une ombre en bas qui crée un contraste et un espace. De toute évidence, par les coups de pinceau, la composition, le thème, etc., nous nous trouvons devant une œuvre qui montre déjà une influence et une relation avec certains courants picturaux impressionnistes qui étaient nouveaux à l'époque. Par son sujet et ses coups de pinceau, nous pouvons rattacher l'œuvre au cercle de Joaquim Mir.

Estim. 1 000 - 1 200 EUR

Lot 85 - Attribué à EUGENIO LUCAS VELÁZQUEZ, (Madrid, 1817 - 1870). "La forge de Vulcain. Huile sur panneau. Dimensions : 28 x 37 cm. Connu depuis le XIXe siècle sous le nom d'Eugenio Lucas Padilla, ou Eugenio Lucas l'Ancien, il est l'artiste romantique espagnol qui a le mieux compris l'art de Goya. Formé au néoclassicisme de l'Académie de San Fernando, il changea rapidement de formation et se consacra à l'étude de Vélasquez et surtout de Goya, dont il admirait et copiait les œuvres au musée du Prado. Lucas Velázquez trouve dans la peinture de Goya le point de départ pour développer une peinture personnelle imaginative, faite de visions fantastiques et de passions déchaînées, dans le plus pur style romantique. Son œuvre représente en fait le meilleur costumbrismo de l'école madrilène du romantisme espagnol. Il s'inspire également de Goya et peint des scènes de l'Inquisition, des couvents, des pèlerinages et des taureaux. Ses toiles comme "Condamné par l'Inquisition" ou "Le Chasseur" (toutes deux au musée du Prado) ont même attiré Manet lui-même lors de son voyage en Espagne. Lucas Velázquez a également peint, en 1850, le plafond aujourd'hui disparu du Teatro Real de Madrid et, l'année suivante, il a été nommé peintre honoraire de la chambre en tant que peintre paysagiste. En 1853, il est nommé chevalier de l'ordre de Carlos III par la reine Isabelle II. Au cours de la décennie des années cinquante, il poursuit sa carrière au palais et est nommé évaluateur des peintures noires de Goya en 1855, année au cours de laquelle il participe à l'Exposition universelle de Paris, où son œuvre est très bien accueillie par la critique française. À partir de 1868, année de la démission d'Isabelle II, son déclin commence parallèlement à celui de la monarchie. Dans les années soixante, en bon romantique, il effectue plusieurs voyages, parmi lesquels se distinguent ses séjours en Italie, au Maroc et à Paris. Dans la capitale française, il rencontre également l'un des plus grands représentants de l'impressionnisme français, Edouard Manet. Il meurt en 1870, laissant en héritage une œuvre importante et variée dans laquelle on peut voir un homme d'une originalité incontestable et à qui aucun domaine n'était étranger. Ses œuvres se caractérisent par l'utilisation d'un coup de pinceau fougueux et d'un style désinvolte, sans souci de dessin, avec une matière dense et empâtée d'une grande richesse chromatique et avec la présence d'un fort clair-obscur. Il connut un grand succès en tant que peintre de mœurs et de scènes à caractère fantastique et sinistre, même s'il est vrai qu'il fut également un excellent paysagiste et portraitiste. L'œuvre de Lucas Velázquez est très bien représentée au musée du Prado, ainsi que dans d'autres centres tels que le musée des beaux-arts de Bilbao, le musée national d'art de Catalogne, le musée Lázaro Galdiano, le British Museum, le Metropolitan Museum de New York et le musée Goya de Castres (France).

Estim. 1 000 - 1 200 EUR

Lot 86 - DOMINGO RAMOS ENRÍQUEZ (Cuba, 1894 - 1956). "Paysage avec route". Huile sur toile. Signée dans la marge inférieure. Elle présente des dommages dans le cadre. Dimensions : 91 x 55 cm ; 107 x 70 cm (cadre). Domingo Ramos Enríquez est né à Güines. Dès son plus jeune âge, il manifeste sa vocation pour la peinture et a l'occasion d'étudier à La Havane, à l'Académie de San Alejandro. Il devient populaire à la suite d'un concours organisé par la revue Bohemia en 1912 ; plus tard, il reçoit une pension du gouvernement cubain pour poursuivre ses études à Madrid, à l'Académie San Fernando. Il perfectionne son art grâce aux cours qu'il reçoit à l'Académie et à un vaste voyage en Europe et dans son réseau de tendances picturales. En 1919, il expose à Barcelone plusieurs paysages de la géographie espagnole, qui sont très bien accueillis par le public. En 1921, il est de retour sur l'île, où il présente une exposition de 41 tableaux, remarquables par leur exécution. Bien qu'il soit un peintre de projection internationale, en tant que paysagiste, il n'a pas cessé de capturer l'autochtone ; en ce sens, tout au long de sa croissance artistique, il sera accompagné par la géographie particulière de Pinar del Río, comme en témoignent des œuvres telles que El valle de Viñales, Nocturno, Mogotes de La Costanera, Siembra de Viñales, La sierra principal, Ensenada de Palmarito, Las dos hermanas et Sierra del Cuajaní. Le paysage de La Havane se reflète à son tour dans les tableaux El río Almendares, El bosque, Habana, Alrededores de Puentes Grandes, Río Piloña de La Habana et Los Colosos, entre autres. Peu après, en 1923, une exposition de trente-huit œuvres de Domingo Ramos a été présentée dans un local du Diario de la Marina, parmi lesquelles se trouvaient également des œuvres inspirées par le paysage occidental de l'île, le Pinar et le pictural de La Havane : Après-midi dans la vallée, Automne à Viñales, Coucher de soleil, Peñas de Viñales, Cueva del Espejo, Remanso del río San Vicente, Lomas de Santo Tomás et Golden Afternoon. Cette exposition contribue à consolider son prestige en tant que créateur. En 1838, l'un de ses grands paysages préside l'exposition cubaine présentée à la foire de New York. Les mogotes de la Sierra de los Órganos, en plein coucher de soleil, ont été saisis par l'artiste avec une maîtrise et une émotion créatrice particulières, à l'occasion de cet événement international. On dit que le tableau a été l'un des plus attrayants pour le public qui a assisté à l'événement, ébloui par l'exubérance de la nature cubaine. Les paysages ruraux de Domingo Ramos marqueront une étape importante dans l'art plastique cubain et dans les projections ultérieures de nombre de nos artistes.

Estim. 7 000 - 8 000 EUR

Lot 87 - LEOPOLDO ROMANACH (Sierra Morena, Villa Clara, 1862 - La Havane, 1951). "La bénédiction de la table". Huile sur toile. Signée dans le coin inférieur droit. Elle présente des restaurations visibles au dos. Dimensions : 91 x 61 cm. Leopoldo Romanach était un peintre cubain, considéré comme l'un des grands maîtres cubains des arts plastiques du XIXe siècle. Bien qu'il soit devenu orphelin à l'âge de cinq ans et qu'il ait été emmené en Espagne, depuis lors, son amour pour le paysage cubain est clairement représenté dans ses tentatives de le capturer sur papier, contrairement aux souhaits de son père, qui voulait l'orienter vers le monde du commerce. Il retourne à Cuba à l'âge de 14 ans et est envoyé aux États-Unis pour étudier l'anglais et le commerce, mais en raison de son hobby artistique, il abandonne ses études et retourne à Cuba sans grand succès. Il convainc alors le professeur Miguel Melero, directeur de l'Académie des beaux-arts de San Alejandro, de lui permettre d'entrer à l'Académie pour suivre des cours de coloriage. À son retour à Caibarién, Francisco Ducassi l'encourage à suivre sa vocation et lui obtient une bourse d'études à l'École des beaux-arts de Rome, en Italie, où il a pour professeurs Enrique Serra, Francisco Pradilla et Filippo Prosperi, directeur de l'école. Après avoir obtenu son diplôme et être rentré à Cuba, il obtient le poste de professeur de la chaire de coloriage de l'Académie des beaux-arts et se rend ensuite à Paris pour étudier les nouvelles théories picturales de l'impressionnisme, avec lesquelles il modifie les schémas traditionnels d'enseignement de l'académie. La première phase de son œuvre montre une tendance marquée vers une conception pathétique influencée par le moment historico-social dans lequel il évolue et comprend des œuvres telles que : Nido de miseria, La convaleciente, La abandonada et d'autres. Dans la deuxième période, les nouvelles avancées en matière de technique picturale, de trichromie et d'impressionnisme sont plus marquées. Pour son travail artistique, Romañach a obtenu de nombreux prix, par exemple la médaille de bronze à l'exposition universelle de Paris en 1900, la médaille d'or à l'exposition de St. Louis, Missouri, en 1904, la médaille d'argent à l'exposition de Buffalo en 1904, la médaille d'or à Charleston, le premier prix à Cuba en 1912, au Panama en 1915 et à Séville en 1929. Tous ces résultats lui ont valu d'être nommé membre du Cercle artistique international de Rome, membre de l'Académie nationale des arts et des lettres de Cuba, de recevoir la médaille d'honneur du Cercle des beaux-arts et la croix de l'ordre de Carlos Manuel de Céspedes. Pour ses réalisations, il a été nommé professeur émérite de sa chaire et directeur honoraire de l'École nationale des beaux-arts de San Alejandro et de son annexe.

Estim. 8 000 - 10 000 EUR

Lot 88 - APELES MESTRES OÑÓS (Barcelone, 1854 - 1936). "Paix et progrès". Huile sur toile. Signée et titrée dans le coin inférieur droit. Dimensions : 75 x 102 cm ; 94 x 220 cm (cadre). Le tableau que nous présentons a une grande valeur artistique, documentaire et historiographique. Le peintre catalan Apeles Mestres fait preuve ici d'une maîtrise particulière pour composer une scène multitudinaire et festive, une fête populaire avant un événement anecdotique mais significatif, l'inauguration du Monument à la Paix qui fut érigé au bout de ce qui allait être les Ramblas de Santa Monica, à Barcelone, en l'an 1876. Il a été érigé à l'endroit où se trouve aujourd'hui le monument à Christophe Colomb. Le conseil municipal souhaitait célébrer la paix de manière symbolique, après la troisième et sanglante guerre carliste. Antoni Rovira i Trias fut chargé de la réalisation du monument, présidé par une allégorie féminine flanquée de lions sur un escalier. Les drapeaux de l'Espagne et de la Catalogne coexistent harmonieusement. Des hommes et des femmes munis de barratines dansent la sardane, d'autres portent des fagots de paille. Ils vont probablement allumer un feu en l'honneur de la paix. Au loin, on aperçoit des bateaux qui s'approchent du port et, de l'autre côté, plusieurs cheminées fument. Des enfants courent dans tous les sens. L'un d'eux fait la verticale sur ses mains et ses amis chantent. Un groupe d'hommes agite des drapeaux. L'anecdote est juteuse et immense. Un ciel bleu, sans un nuage, rehausse les couleurs de la joie populaire. Écrivain, caricaturiste, peintre, dessinateur et musicien, Apelles Mestres est investi en 1908 du titre de Mestre en Gai Saber. Il a également été décoré de la Croix de la Légion d'honneur du gouvernement français (1920) et de la Médaille d'or de la ville de Barcelone. Apeles Mestresa (Barcelone, 29 octobre 1854-Barcelone, 19 juillet 1936) était un écrivain et dessinateur espagnol, figure notable de la littérature catalane et précurseur de la bande dessinée. Mestres, artiste aux multiples facettes qui cultivait la poésie, la musique et le théâtre, a collaboré avec des dessins dans la presse périodique de l'époque, en plus d'être un illustrateur prolifique de livres. Progressiste et lié au républicanisme à certains moments de sa vie, il s'est opposé aux secteurs les plus conservateurs de la scène littéraire catalane, dont Mestres est considéré comme une figure emblématique.

Estim. 8 000 - 9 000 EUR

Lot 89 - AUGUSTE CHABAUD (France, 1882-1955). "Visage". Huile sur papier. Signée dans le coin supérieur droit. Dimensions : 31 x 23 cm. Auguste Chabaud était un peintre et sculpteur français. Il est né à Nîmes. À l'âge de quatorze ans, il entre à l'École des beaux-arts d'Avignon. En 1899, il s'installe à Paris pour poursuivre sa formation artistique à l'Académie Julian et à l'École des Beaux-Arts. Il y rencontre Henri Matisse et André Derain. En 1900, il retourne dans le vignoble de ses parents, dans le sud de la France, car la crise y affecte l'activité. En 1901, il est contraint de quitter à nouveau Paris pour assurer sa subsistance. Il travaille sur un bateau et apprend à connaître la côte ouest-africaine. Les années suivantes, il se familiarise avec la vie nocturne parisienne. Dans le quartier parisien de Montmartre, où il a son atelier, il peint diverses scènes de la vie parisienne. La phase cubiste de Chabaud débute en 1911, année où il commence également à sculpter. Dans les années qui suivent, il organise de nombreuses expositions, dont celle de 1913 à New York, où ses œuvres sont exposées aux côtés de celles d'artistes tels que Matisse, Derain, Vlaminck et Picasso. À son retour de la Première Guerre mondiale, Chabaud s'installe à Graveson. À partir de 1920, il vit sa "période bleue". Il utilise le bleu de Prusse comme seule couleur dans ses œuvres. Dès lors, il se concentre exclusivement sur le sud de la France. Il peint des scènes de la vie rurale, des paysans, des collines et des chemins des Alpilles. Il meurt en 1955 à Graveson. En 1992, le Conseil régional de Provence-Alpes-Côte d'Azur a inauguré le musée Auguste Chabaud en son honneur.

Estim. 800 - 1 000 EUR

Lot 90 - FRANCESC TODÓ GARCÍA (Tortosa, Tarragone, 1922 - Barcelone, 2016). "Comme un dessin de Joan Gris", 1975. Huile sur toile. Signée et datée dans le coin inférieur droit. Signée, datée et titrée au dos. Avec l'étiquette de Sala Parés au dos. Dimensions : 54 x 65 cm ; 56 x 67 cm (cadre). Todó a été formé à Barcelone, à l'école de la Lonja, et en 1946, il a fait ses débuts individuels dans la salle Vinçon. Il participe aux Salones de Octubre et aux Salones de Mayo à Barcelone et, en 1952, il remporte le prix de gravure Rosa Vera. Deux ans plus tard, il remporte le prix spécial de dessin au troisième salon de jazz et obtient une bourse pour un voyage d'étude en France, en Belgique, aux Pays-Bas et en Grande-Bretagne. Il a organisé plusieurs expositions personnelles à Madrid, Paris, Palma de Majorque, Bilbao, Valence et dans l'Illinois (États-Unis). En 1969, il est nommé professeur de peinture à l'Universidad de los Andes à Bogota, et durant ces années, il organise des expositions à Cali et à Mexico. En tant que scénographe, il a travaillé sur "Una voz en off" de Xavier Montsalvatge et "Bestiario" de Joan Oliver. Il a également travaillé la gravure, le monotype et le dessin. En 2001, il a reçu la Croix Sant Jordi de la Generalitat de Catalunya, en reconnaissance de sa carrière artistique. Francesc Todó est actuellement représenté au MACBA.

Estim. 2 000 - 2 200 EUR

Lot 91 - BALDOMERO GILI ROIG (Lleida, 1873 - Barcelone, 1927). "Paysage côtier". Huile sur toile collée sur carton. Sans signature. Provenance : Héritiers du peintre (collection personnelle). Jamais exposé. La peinture présente de légers défauts. Cadre et châssis présentant des traces de xylophagie. Ébréché dans le cadre extérieur. Dimensions : 27 x 44 cm ; 41 x 57 cm (cadre). Peintre, dessinateur et illustrateur, Baldomero Gili Roig se distingue fondamentalement comme peintre paysagiste, bien qu'il ait également cultivé la peinture décorative. Il commence sa formation artistique à Irún (Guipúzcoa), puis poursuit ses études à l'École des beaux-arts de Barcelone et à l'École spéciale de peinture de Madrid, où il est le disciple d'Alejo Vera. Enfin, il termine ses études à Munich, puis à Rome grâce à une bourse de la Diputación de Lleida. En 1924, il s'installe à Buenos Aires, où il poursuit sa carrière avec beaucoup de succès, se consacrant à la fois à la peinture de chevalet et à l'illustration. De retour en Espagne, il s'installe définitivement à Barcelone, où il est plusieurs fois président du Real Círculo Artístico. Il collabore à "L'Esquella de la Torratxa", illustre un "Missel romain" et plusieurs œuvres littéraires. Il présente ses œuvres à de nombreuses expositions et obtient des mentions honorables aux expositions nationales de 1895, 1897 et 1904, ainsi qu'une deuxième médaille en 1904. La même récompense lui est accordée à l'exposition d'Athènes en 1903 et à l'exposition internationale de Barcelone en 1911 ; cinq ans plus tard, il obtient la première médaille à l'exposition universelle de Panama. En tant que décorateur, il faut souligner ses fresques dans le panthéon de la duchesse de Sevillano à Guadalajara. Il est représenté au musée du Prado, au musée Jaime Morera de Lleida et aux musées des beaux-arts de Valence, Badajoz et La Rioja, entre autres.

Estim. 300 - 350 EUR

Lot 92 - BALDOMERO GILI ROIG (Lleida, 1873 - Barcelone, 1927). "Jardin avec sculpture de Vénus". Huile sur toile. Avec croquis au dos. Signée dans le coin inférieur droit. Provenance : Héritiers du peintre (collection personnelle). Jamais exposé. Le cadre présente de très légers défauts. Dimensions : 61 x 79 cm ; 79 x 96 cm (cadre). Peintre, dessinateur et illustrateur, Baldomero Gili Roig se distingue fondamentalement comme peintre paysagiste, bien qu'il ait également cultivé la peinture décorative. Il commence sa formation artistique à Irún (Guipúzcoa), puis poursuit ses études à l'École des beaux-arts de Barcelone et à l'École spéciale de peinture de Madrid, où il est le disciple d'Alejo Vera. Enfin, il termine ses études à Munich, puis à Rome grâce à une bourse de la Diputación de Lleida. En 1924, il s'installe à Buenos Aires, où il poursuit sa carrière avec beaucoup de succès, se consacrant à la fois à la peinture de chevalet et à l'illustration. De retour en Espagne, il s'installe définitivement à Barcelone, où il est plusieurs fois président du Real Círculo Artístico. Il collabore à "L'Esquella de la Torratxa", illustre un "Missel romain" et plusieurs œuvres littéraires. Il présente ses œuvres à de nombreuses expositions et obtient des mentions honorables aux expositions nationales de 1895, 1897 et 1904, ainsi qu'une deuxième médaille en 1904. La même récompense lui est accordée à l'exposition d'Athènes en 1903 et à l'exposition internationale de Barcelone en 1911 ; cinq ans plus tard, il obtient la première médaille à l'exposition universelle de Panama. En tant que décorateur, il faut souligner ses fresques dans le panthéon de la duchesse de Sevillano à Guadalajara. Il est représenté au musée du Prado, au musée Jaime Morera de Lleida et aux musées des beaux-arts de Valence, Badajoz et La Rioja, entre autres.

Estim. 650 - 700 EUR

Lot 93 - BALDOMERO GILI ROIG (Lleida, 1873 - Barcelone, 1927). "Marina". Huile sur toile. Signée dans le coin inférieur droit. Provenance : Héritiers du peintre (collection personnelle). Jamais exposé. Cadre et châssis avec quelques traces de xylophages, non actifs. Dimensions : 45,5 x 30 cm. Peintre, dessinateur et illustrateur, Baldomero Gili Roig se distingue fondamentalement comme peintre paysagiste, bien qu'il cultive également la peinture décorative. Il commence sa formation artistique à Irún (Guipúzcoa), puis poursuit ses études à l'École des beaux-arts de Barcelone et à l'École spéciale de peinture de Madrid, où il est le disciple d'Alejo Vera. Enfin, il termine ses études à Munich, puis à Rome grâce à une bourse de la Diputación de Lleida. En 1924, il s'installe à Buenos Aires, où il poursuit sa carrière avec beaucoup de succès, se consacrant à la fois à la peinture de chevalet et à l'illustration. De retour en Espagne, il s'installe définitivement à Barcelone, où il est plusieurs fois président du Real Círculo Artístico. Il collabore à "L'Esquella de la Torratxa", illustre un "Missel romain" et plusieurs œuvres littéraires. Il présente ses œuvres à de nombreuses expositions et obtient des mentions honorables aux expositions nationales de 1895, 1897 et 1904, ainsi qu'une deuxième médaille en 1904. La même récompense lui est accordée à l'exposition d'Athènes en 1903 et à l'exposition internationale de Barcelone en 1911 ; cinq ans plus tard, il obtient la première médaille à l'exposition universelle de Panama. En tant que décorateur, il faut souligner ses fresques dans le panthéon de la duchesse de Sevillano à Guadalajara. Il est représenté au musée du Prado, au musée Jaime Morera de Lleida et aux musées des beaux-arts de Valence, Badajoz et La Rioja, entre autres.

Estim. 500 - 550 EUR

Lot 94 - BALDOMERO GILI ROIG (Lleida, 1873 - Barcelone, 1927). "Paysage avec la rivière Segre". Huile sur toile. Signée dans le coin inférieur droit. Provenance : Héritiers du peintre (collection personnelle). Jamais exposé. Le cadre présente quelques défauts. Dimensions : 96 x 120 cm ; 119 x 145 cm (cadre). Peintre, dessinateur et illustrateur, Baldomero Gili Roig se distingue fondamentalement comme peintre paysagiste, bien qu'il ait également cultivé la peinture décorative. Il commence sa formation artistique à Irún (Guipúzcoa), puis poursuit ses études à l'École des beaux-arts de Barcelone et à l'École spéciale de peinture de Madrid, où il est le disciple d'Alejo Vera. Enfin, il termine ses études à Munich, puis à Rome grâce à une bourse de la Diputación de Lleida. En 1924, il s'installe à Buenos Aires, où il poursuit sa carrière avec beaucoup de succès, se consacrant à la fois à la peinture de chevalet et à l'illustration. De retour en Espagne, il s'installe définitivement à Barcelone, où il est plusieurs fois président du Real Círculo Artístico. Il collabore à "L'Esquella de la Torratxa", illustre un "Missel romain" et plusieurs œuvres littéraires. Il présente ses œuvres à de nombreuses expositions et obtient des mentions honorables aux expositions nationales de 1895, 1897 et 1904, ainsi qu'une deuxième médaille en 1904. La même récompense lui est accordée à l'exposition d'Athènes en 1903 et à l'exposition internationale de Barcelone en 1911 ; cinq ans plus tard, il obtient la première médaille à l'exposition universelle de Panama. En tant que décorateur, il faut souligner ses fresques dans le panthéon de la duchesse de Sevillano à Guadalajara. Il est représenté au musée du Prado, au musée Jaime Morera de Lleida et aux musées des beaux-arts de Valence, Badajoz et La Rioja, entre autres.

Estim. 1 200 - 1 500 EUR

Lot 95 - BALDOMERO GILI ROIG (Lleida, 1873 - Barcelone, 1927). "Paysage majorquin avec moulin". Huile sur toile. Signée dans le coin inférieur droit. Provenance : Héritiers du peintre (collection personnelle). Jamais exposé. Le cadre présente de très légers défauts. Dimensions : 56 x 45 cm ; 72 x 63 cm (cadre). Peintre, dessinateur et illustrateur, Baldomero Gili Roig se distingue fondamentalement comme peintre paysagiste, bien qu'il ait également cultivé la peinture décorative. Il commence sa formation artistique à Irún (Guipúzcoa), puis poursuit ses études à l'École des beaux-arts de Barcelone et à l'École spéciale de peinture de Madrid, où il est le disciple d'Alejo Vera. Enfin, il termine ses études à Munich, puis à Rome grâce à une bourse de la Diputación de Lleida. En 1924, il s'installe à Buenos Aires, où il poursuit sa carrière avec beaucoup de succès, se consacrant à la fois à la peinture de chevalet et à l'illustration. De retour en Espagne, il s'installe définitivement à Barcelone, où il est plusieurs fois président du Real Círculo Artístico. Il collabore à "L'Esquella de la Torratxa", illustre un "Missel romain" et plusieurs œuvres littéraires. Il présente ses œuvres à de nombreuses expositions et obtient des mentions honorables aux expositions nationales de 1895, 1897 et 1904, ainsi qu'une deuxième médaille en 1904. La même récompense lui est accordée à l'exposition d'Athènes en 1903 et à l'exposition internationale de Barcelone en 1911 ; cinq ans plus tard, il obtient la première médaille à l'exposition universelle de Panama. En tant que décorateur, il faut souligner ses fresques dans le panthéon de la duchesse de Sevillano à Guadalajara. Il est représenté au musée du Prado, au musée Jaime Morera de Lleida et aux musées des beaux-arts de Valence, Badajoz et La Rioja, entre autres.

Estim. 600 - 650 EUR

Lot 96 - BALDOMERO GILI ROIG (Lleida, 1873 - Barcelone, 1927). "Deux jeunes vendeuses au marché", 1919. Huile sur toile. Signée et datée dans le coin inférieur gauche. Provenance : Héritiers du peintre (collection personnelle). Jamais exposé. Il comporte plusieurs rustines au dos. Dimensions : 126 x 100 cm ; 138 x 112 cm (cadre). Peintre, dessinateur et illustrateur, Baldomero Gili Roig se distingue fondamentalement comme peintre paysagiste, bien qu'il ait également cultivé la peinture décorative. Il commence sa formation artistique à Irún (Guipúzcoa), puis poursuit ses études à l'École des beaux-arts de Barcelone et à l'École spéciale de peinture de Madrid, où il est le disciple d'Alejo Vera. Enfin, il termine ses études à Munich, puis à Rome grâce à une bourse de la Diputación de Lleida. En 1924, il s'installe à Buenos Aires, où il poursuit sa carrière avec beaucoup de succès, se consacrant à la fois à la peinture de chevalet et à l'illustration. De retour en Espagne, il s'installe définitivement à Barcelone, où il est plusieurs fois président du Real Círculo Artístico. Il collabore à "L'Esquella de la Torratxa", illustre un "Missel romain" et plusieurs œuvres littéraires. Il présente ses œuvres à de nombreuses expositions et obtient des mentions honorables aux expositions nationales de 1895, 1897 et 1904, ainsi qu'une deuxième médaille en 1904. La même récompense lui est accordée à l'exposition d'Athènes en 1903 et à l'exposition internationale de Barcelone en 1911 ; cinq ans plus tard, il obtient la première médaille à l'exposition universelle de Panama. En tant que décorateur, il faut souligner ses fresques dans le panthéon de la duchesse de Sevillano à Guadalajara. Il est représenté au musée du Prado, au musée Jaime Morera de Lleida et aux musées des beaux-arts de Valence, Badajoz et La Rioja, entre autres.

Estim. 2 200 - 2 500 EUR

Lot 97 - BALDOMERO GILI ROIG (Lleida, 1873 - Barcelone, 1927). "Scène de famille avec sa femme et son fils". Huile sur toile. Relié. Sans signature. Provenance : Héritiers du peintre (collection personnelle). Jamais exposé. Dimensions : 130 x 92 cm ; 135 x 97 cm (cadre). Peintre, dessinateur et illustrateur, Baldomero Gili Roig se distingue fondamentalement comme peintre paysagiste, bien qu'il ait également cultivé la peinture décorative. Il commence sa formation artistique à Irún (Guipúzcoa), puis poursuit ses études à l'École des beaux-arts de Barcelone et à l'École spéciale de peinture de Madrid, où il est le disciple d'Alejo Vera. Enfin, il termine ses études à Munich, puis à Rome grâce à une bourse de la Diputación de Lleida. En 1924, il s'installe à Buenos Aires, où il poursuit sa carrière avec beaucoup de succès, se consacrant à la fois à la peinture de chevalet et à l'illustration. De retour en Espagne, il s'installe définitivement à Barcelone, où il est plusieurs fois président du Real Círculo Artístico. Il collabore à "L'Esquella de la Torratxa", illustre un "Missel romain" et plusieurs œuvres littéraires. Il présente ses œuvres à de nombreuses expositions et obtient des mentions honorables aux expositions nationales de 1895, 1897 et 1904, ainsi qu'une deuxième médaille en 1904. La même récompense lui est accordée à l'exposition d'Athènes en 1903 et à l'exposition internationale de Barcelone en 1911 ; cinq ans plus tard, il obtient la première médaille à l'exposition universelle de Panama. En tant que décorateur, il faut souligner ses fresques dans le panthéon de la duchesse de Sevillano à Guadalajara. Il est représenté au musée du Prado, au musée Jaime Morera de Lleida et aux musées des beaux-arts de Valence, Badajoz et La Rioja, entre autres.

Estim. 1 200 - 1 500 EUR

Lot 98 - JAUME MORERA GALICIA (Lleida, 1854 - Madrid, 1927). "Paysage. Huile sur toile. Signée dans le coin inférieur droit. Dimensions : 62 x 90 cm ; 72 x 100 cm (cadre). Peintre paysagiste, Morera se forme entre Barcelone, Madrid et Rome, où il est pensionné. À son retour en Espagne, en 1877, il installe son atelier à Lérida et effectue de nombreux voyages dans la péninsule ibérique pour peindre ses différents paysages. Il s'installe finalement à Madrid, d'où il voyage en Hollande, en Belgique et en France, sur les traces de son maître. Il participe à des expositions en Espagne et à l'étranger, notamment à l'Exposition universelle de Paris. Il obtient de nombreuses distinctions tout au long de sa carrière, dont la deuxième médaille à l'Exposition nationale des beaux-arts de Madrid en 1878, les premières médailles aux éditions de 1892 et 1901, et le diplôme d'honneur posthume à l'Exposition internationale de Barcelone en 1929. Morera Galicia représente un mouvement paysagiste opposé à l'impressionnisme et au luminisme, favorable à l'expérience directe de la nature et attiré par les paysages nordiques. En 1917, il a fondé le musée d'art moderne Morera Galicia à Lleida, qui abrite une vaste collection de ses propres œuvres et de celles d'autres excellents artistes, parmi lesquelles se distinguent celles que lui a léguées son maître. Il est également représenté au musée du Prado, au musée des beaux-arts de Valence et au musée San Telmo de Saint-Sébastien, entre autres.

Estim. 1 500 - 1 800 EUR

Lot 99 - RAMÓN CALSINA BARÓ (Barcelone, 1901 - 1992). "Ecstasy". Fusain sur papier. Signé et dédicacé. Quelques taches de rouille dans les marges n'affectent pas le dessin. Signé dans le coin inférieur gauche. Dimensions : 26,2 x 19 cm (dessin) ; 31 x 23,5 cm (papier) ; 34 x 27 cm (cadre). Après avoir commencé sa formation à l'Académie Baixas de Barcelone, Calsina entre en 1920 à l'École de la Lonja, où il est le disciple de Feliu Mestres. Il fait ses débuts individuels en 1930 à la Sala Parés et, l'année suivante, il expose ses œuvres à Paris. Les anthologies qu'il a organisées à Barcelone en 1957 et 1966 revêtent une importance particulière. Son style, proche du réalisme magique, est précis et stylisé, souvent ironique et plein de détails insolites ou fantastiques. Il révèle également certaines influences de Goya, Daumier et Hogarth. Dessinateur, il réalise des illustrations, des affiches et des vitraux. Il conçoit les costumes et les décors de la pièce "El casament de la Xela", de Xavier Berenguel (1938). Entre 1931 et 1933, il collabore à la revue allemande "Der Querschnitt". Il a également illustré des romans, tels que "Don Quichotte" et les œuvres d'Edgar Allan Poe. En 1964, il remporte le prix international de dessin Ynglada-Guillot et, en 1990, il est décoré de la Croix de Sant Jordi. En 1984, un grand groupe de poètes, d'écrivains, d'artistes et d'intellectuels a lancé un appel social pour la reconnaissance de Calsina, à la suite de quoi la Caja de Ahorros de Barcelona, avec la collaboration de la Generalitat de Catalunya, lui a consacré une exposition anthologique. En 1990, une autre exposition a été organisée au Centro Conde Duque de Madrid, avec la collaboration de la mairie. Il est représenté dans plusieurs musées espagnols, ainsi que dans d'importantes collections privées. En 2009, la Fondation Ramón Calsina, promue par ses héritiers, a été créée.

Estim. 1 400 - 1 700 EUR

Lot 100 - MONTSERRAT GUDIOL COROMINA (Barcelone, 1933 - 2015). "Jeune homme sur fond bleu". Huile sur panneau. Signée dans le coin inférieur gauche. Dimensions : 81 x 61 cm ; 101 x 81 cm (cadre). Montserrat Gudiol a débuté dans le monde de l'art dans l'atelier familial de restauration de peintures médiévales et, depuis 1950, elle se consacre à la peinture sur panneau et sur papier. La même année, elle réalise sa première exposition individuelle au Casino de Ripoll (Gérone). En 1953, il participe à l'exposition collective "Current Portrait", au Cercle artistique de Barcelone, et l'année suivante, il fait ses débuts à l'étranger avec une exposition individuelle de dessins au Museum of Miami (États-Unis). La même année, elle participe à l'exposition collective "Pintura femenina" (C.I.C.F. de Barcelone), obtient le premier prix de la Diputación de Barcelona et le deuxième prix San Jorge de la même entité. En 1960, elle participe à l'Exposition nationale des beaux-arts de Barcelone, où elle remporte une troisième médaille, et participe également au Salon international du dessin de la Fondation Ynglada Guillot (Barcelone), où elle obtient le premier prix. En 1962, elle réalise une importante exposition individuelle à la Sala Gaspar de Barcelone (galerie où elle réitérera sa présence par la suite) et, la même année, elle participe à une exposition collective au Casón del Buen Retiro, à Madrid. Depuis lors, il a continué à organiser des expositions individuelles et à participer à des expositions collectives, tant en Espagne qu'en Allemagne, en Afrique du Sud, en République tchèque, en Chine, en France, au Japon, aux États-Unis, en Russie et au Canada. Parmi ses expositions personnelles, on peut citer celles qui ont eu lieu à la Pieter Wenning Gallery de Johannesburg (1967), à la Tamenaga Gallery de Tokyo (1974), Au Molin de Vauboyen à Paris (1978), au Exhibition Hall de l'Union des peintres de l'URSS à Moscou (1979), à la Dreiseitel Gallery de Cologne (1981) et à la Walton-Gilbert Gallery de San Francisco (1984). En 1980, elle réalise une importante œuvre monumentale pour l'abbaye de Montserrat, une représentation de saint Benoît. En 1981, elle a été la première femme à entrer à l'Académie royale catalane des beaux-arts de Sant Jordi et, en 1998, la Generalitat de Catalunya lui a décerné la Croix de Sant Jordi. Elle est actuellement représentée au MACBA, au Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, au Museo de Bellas Artes de Bilbao, aux Musées d'art moderne de Johannesburg, San Diego, Miami et Flint (États-Unis), à la Fondation Joseph Cantor d'Indianapolis (États-Unis), au Comité international olympique de Lausanne (Suisse), au monastère de Montserrat et à l'Académie royale des beaux-arts de Sant Jordi.

Estim. 2 000 - 2 400 EUR

12 septembre - Classiques des 19e et 20e siècles

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