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mercredi 10 juil. à : 15:30 (CEST)

10 juillet - Art contemporain et dernières tendances II

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Lot 1 - JO DELAHAUT (Vottem, 1911 - Schaerbeek, 1992). "Carrés monochromes", 1986. Acrylique sur toile. Signée, datée en bas. Titrée, signée et datée au dos. Dimensions : 91 x 72 cm. Le peintre belge Jo Delahaut a abordé dans les années quarante l'abstraction géométrique avec un radicalisme inconnu à l'époque dans son milieu artistique. L'œuvre présentée ici appartient à sa période de maturité, lorsque l'artiste atteint un purisme formel et chromatique extrême, que l'on peut comparer aux œuvres américaines du "hard edge" et du "minimalisme". Mais, en même temps, il reprend l'héritage de Mondrian. Son abstraction géométrique était un moyen de réveiller les mécanismes de l'activité intellectuelle, un métalangage adressé à l'esprit. Nourrissant la relation dialectique ancestrale entre la forme et la couleur, il utilise la géométrie plane dans son œuvre parce qu'il la considère comme "la plus représentative de l'homme". Il insiste sur cette idée lorsqu'il écrit : "elle apporte de la clarté à la représentation ; elle est lisible, intuitivement compréhensible même pour ceux qui ignorent la théorie". Jo Delahaut est l'une des figures de proue de l'abstraction géométrique en Belgique. Formé à l'Académie des Beaux-Arts de Liège, il a été l'élève d'Auguste Mambour (1928-1934). Docteur en histoire de l'art de l'université de Liège, il commence à peindre des toiles expressionnistes en 1940. Influencé par le style du peintre Auguste Herbin, il construit des formes géométriques statiques dans lesquelles, au début, la couleur des surfaces joue le rôle principal. Il est membre du Salon des Réalités Nouvelles à Paris en 1946 et de la Jeune Peinture Belge à Bruxelles en 1947, aux côtés de Mig Quinet (1906-2001), Louis Van Lint (1909-1986), Gaston Bertrand (1910-1994), Marc Mendelson (1915-2013) et Anne Bonnet (1908-1960). Il est membre fondateur du groupe belge Art Abstrait en 1952 et coauteur en 1954 du Manifeste Spatialiste avec Pol Bury (1922), entre autres. Œuvres : panneaux pour le Centre hospitalier universitaire de Liège (sérigraphie sur panneaux d'acier émaillé vitrifié, 1978-1985), collection du Musée en plein air du Sart Tilman (Université de Liège). "Esplanade" (1987), au Musée en plein air du Sart-Tilman, Université de Liège (œuvre restaurée en 2011). Décoration de la station Montgomery du métro de Bruxelles. Symphonie n°2, 1986 (Université libre de Bruxelles - Archives, patrimoine, réserve précieuse).

Estim. 9 000 - 10 000 EUR

Lot 3 - CUNDO BERMÚDEZ (La Havane, Cuba, 1914- Floride, États-Unis, 2008). Sans titre. Huile sur toile. Certificat d'authenticité joint, délivré par Don Conrado Basulto. Il présente des salissures et ne conserve pas le châssis. Dimensions : 49,5 x 60 cm. La peinture inspirée des vitraux était courante dans la peinture cubaine, comme en témoigne cette œuvre qui se distingue par ses compositions d'une brillante simplicité, dans lesquelles le cubisme synthétique et les vitraux de l'époque coloniale se fondent. Bermúdez a magnifié les vitraux pour en faire un théâtre onirique où des musiciens langoureux et des femmes ornées habitent des échiquiers kaléidoscopiques. L'atmosphère de sensualité vitreuse des peintures de Bermúdez est ambiguë. L'ennui se plie au luxe inhalé, le plaisir se gélifie dans l'ambre d'une image onirique. Don Conrado Basulto, artiste cubain, a quitté son pays pour les États-Unis en 1994. Dès son entrée sur le territoire américain, il est détenu à Guantanamo, où il rencontre Cundo Bermudez et fonde une galerie. Secundino Bermúdez y Delgado, connu sous le nom de Cundo Bermúdez, était un peintre cubain qui est entré en 1926 à l'Instituto de La Habana et en 1930 à l'Escuela Nacional de Bellas Artes San Alejandro dans la même ville, où il a étudié la peinture pendant deux ans. Avec d'autres peintres et pour protester contre l'absence de galeries d'art, Bermudez a exposé ses œuvres dans les arbres du parc Albear et a également participé à une exposition organisée au Castillo de la Fuerza en 1938. C'est là qu'il obtient une certaine reconnaissance. Plus tard, il se rend au Mexique pour étudier à l'Académie de San Carlos, où il peut observer de près le travail des muralistes, ce qui impressionne beaucoup le peintre. Des années plus tard, il se rend en République dominicaine où il vend sa première toile et organise sa première exposition individuelle. En 1943 est inaugurée l'"Exposition de peinture et de sculpture cubaines modernes", organisée par José Gómez Sicre à l'Institut hispanique cubain de la culture à La Havane. Le Mexicain David Alfaro Siqueiros y assiste et dit de Bermudez ce qui suit : "Cundo Bermudez représente l'audace dans les arts plastiques. Il sait construire de manière synchronisée. Avec des tons et des gros plans placés dans la profondeur picturale, en contraste, il construit et organise, parfois de manière presque miraculeuse. Je crois que cet artiste a eu une grande importance dans la gamme chromatique de la peinture cubaine moderne". Un an plus tard, l'exposition de peinture cubaine est inaugurée au Museum of Modern Art de New York (MOMA), ce qui donne une grande impulsion à son travail, et il expose à San Francisco, à Buenos Aires et au Mexique. En 1949, il fonde, entre autres, l'Association des peintres et sculpteurs de Cuba (APEC). Il expose dans plusieurs pays d'Amérique et d'Europe. Ses œuvres sont exposées au Musée d'art moderne de Paris en 1951 et à Munich en 1952. Quatre ans plus tard, en 1956, il expose à la Biennale de Sao Paulo et remporte le premier prix de l'"International Caribbean Art Exhibition" au Museum of Art de Houston, au Texas. Lorsque Fidel Castro arrive au pouvoir en 1959, Cundo participe aux efforts de libération des prisonniers politiques. À Cuba, comme d'autres artistes, il est soumis à un isolement irrationnel. Les journalistes et les intellectuels qui visitent l'île s'enquièrent de lui. On lui refuse du matériel pour travailler. Il n'est pas invité aux expositions nationales. À la fin des années 1960, il parvient à quitter Cuba pour les États-Unis. Certificat d'authenticité joint, délivré par Don Conrado Basulto. L'œuvre est sale et n'a pas de châssis.

Estim. 16 000 - 18 000 EUR

Lot 4 - MANOLO VALDÉS (Valence, 1942). "Eva III", 1993. Gravure et collage sur papier. Exemplaire 4/51. Signé et justifié au crayon en bas. Dimensions : 165 x 65,5 cm, 183 x 84 cm. (cadre). Cette gravure réalisée par l'artiste représente la figure d'Eva, inspirée de la peinture du même titre, réalisée en 1507 par Durero, qui appartient à la collection du musée du Prado. Valdés sauve cette figure de l'Ancien Testament, en ramenant son corps à la contemporanéité, en le réduisant à un langage esthétique de formes synthétiques et schématiques, qui conservent l'expression dévotionnelle et iconographique de la figure religieuse, qui maintient son nimbe de sainteté et sa posture modeste. Valdés renonce à l'icône de la pomme et introduit l'image d'une fleur qu'il place sur le sexe de la protagoniste. Cette référence renvoie également à l'œuvre de Dürer, qui a réalisé de nombreux dessins inspirés par la flore et la faune, mais l'image de la fleur ajoute également une lecture conceptuelle et métaphorique à l'œuvre, qui transmet de manière voilée l'idée de la naissance. Manolo Valdés a introduit en Espagne une forme d'expression artistique qui combine l'engagement politique et social avec l'humour et l'ironie. Il a commencé sa formation en 1957, lorsqu'il est entré à l'école des beaux-arts San Carlos de Valence. Cependant, deux ans plus tard, il abandonne ses études pour se consacrer pleinement à la peinture. En 1964, il fonde le groupe artistique Equipo Crónica, avec Juan Antonio Toledo et Rafael Solbes, dans lequel il restera jusqu'à la mort de ce dernier en 1981, bien que Toledo ait quitté le groupe deux ans après sa fondation. Depuis lors, il s'est installé à New York, où il réside actuellement et où il a continué à expérimenter de nouvelles formes d'expression, notamment la sculpture. Parmi les nombreux prix que Manolo Valdés a reçus, citons le Lissone et le Biella de Milan (1965), la médaille d'argent de la IIe Biennale internationale de gravures de Tokyo (1979), le prix du Musée d'art Bridgestone de Lisbonne (1979), le prix national des arts plastiques (1983), la médaille du Festival international d'art plastique (1983), la médaille du Festival international des artistes plasticiens de Bagdad (1986), la décoration de l'ordre d'Andres Bello au Venezuela (1993), le prix du Conseil national de Monaco (1997), la médaille d'or du mérite des beaux-arts (1998), le prix de l'Association espagnole des critiques d'art (2000) et le prix du meilleur artiste graveur (2002), entre autres. Avec Equipo Crónica, Valdés a utilisé la figuration comme véhicule d'expression de ses approches, de ses critiques de l'art, de la société et de la politique, mais en privilégiant avant tout autre contenu l'acte pur de peindre. D'un point de vue thématique, Valdés s'inspire de l'art des grands maîtres de la peinture : Goya, Velázquez, El Greco, Ribera ou Zurbarán, et il ne cache jamais ses modèles, mais les met plutôt en valeur, même dans les titres de ses œuvres. Sur le plan formel, il crée une œuvre de grand format dans laquelle les lumières et les couleurs expriment des valeurs tactiles, grâce au traitement des matériaux. Son travail oblige le spectateur à plonger dans la mémoire et à rechercher des images significatives de l'histoire de l'art. Valdés est représenté dans certains des plus grands musées du monde, tels que le Reina Sofía de Madrid, le Metropolitan, le MoMA et le Guggenheim de New York, le Centre Georges Pompidou et le Fons National d'Arts Plastiques de Paris, la Kusnthalle de Hambourg, le Kunstmuseum de Berlin et le Museo de Bellas Artes de Bilbao, parmi beaucoup d'autres.

Estim. 10 000 - 12 000 EUR

Lot 5 - JOSEP GUINOVART (Barcelone, 1927 - 2007). "Pelaires", 1989. Technique mixte sur toile. Signé et daté dans le coin inférieur gauche. Dimensions : 145 x 114 cm. Dans ce tableau des années quatre-vingt, Guinovart rompt visuellement avec la bidimensionnalité de la surface picturale, faisant s'entrechoquer les formes, les couleurs et les textures. Sans franchir les limites de l'abstraction, les suggestions organiques prennent du relief parmi les rouges et le clair-obscur des noirs et des blancs noyés dans une matière généreuse. Guinovart convoque le chaos matériel tout en le subjuguant par une composition intuitivement orchestrée. L'auteur offre au spectateur une image imprégnée de lyrisme. L'impulsion matérielle et gestuelle est subsumée à une grande cohérence plastique. Josep Guinovart a été formé à l'Escuela de Maestros Pintores, à l'Escuela de Artes y Oficios et dans les classes de la FAD. Il a exposé individuellement pour la première fois dans les galeries Syra de Barcelone en 1948. Il acquiert rapidement un solide prestige, collabore avec Dau al Set et participe aux salons October, Jazz et Eleven. Dans les années cinquante, grâce à une bourse, il vit à Paris, où il se familiarise avec l'œuvre de Cézanne et de Matisse, qui, avec Miró et Gaudí, seront ses influences les plus importantes. En 1955, il forme avec Aleu, Cuixart, Muxart, Mercadé, Tàpies et Tharrats le groupe Taüll, qui réunit les artistes d'avant-garde de l'époque. Vers 1957, il entame une tendance informelle et abstraite, avec une forte présence matérielle, tant par l'incorporation d'éléments et d'objets divers (bois brûlé, boîtes, déchets) que par l'application de techniques telles que le collage et l'assemblage. À partir des années 1960, il s'éloigne de la poétique informelle et commence à créer des œuvres pleines de signes et de gestes, qui contiennent une forte charge expressive dans les lignes et les couleurs. Dans les années soixante-dix, il utilise systématiquement des matériaux tels que le sable, la terre, la boue, la paille ou le fibrociment et, au cours de la décennie suivante, il se concentre sur l'expérimentation de la projection tridimensionnelle de ses œuvres, qui prend la forme de la création d'environnements ou de milieux spatiaux, comme celui intitulé Contorn-extorn (1978). La production artistique de Guinovart est très variée : peintures murales, décors de théâtre, comme celui réalisé pour les Noces de sang de Federico García Lorca, illustrations de livres, conception d'affiches, tapisseries et sculptures. Il a participé aux biennales de São Paulo (1952 et 1957), d'Alexandrie (1955) et de Venise (1958, 1962 et 1982), et a reçu plusieurs prix, dont celui de la ville de Barcelone en 1981, le prix national des arts plastiques en 1990 et le prix des arts plastiques de la Generalitat en 1990. En 1994, l'Espace Guinovart a été inauguré à Agramunt, Lérida, une fondation privée qui présente une exposition permanente de l'artiste. Il est représenté dans les musées d'art contemporain de Barcelone, Madrid et Mexico, au musée de la sculpture en plein air de Santa Cruz de Tenerife, au Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, au Museo de Bellas Artes de Bilbao, au Museo San Telmo de San Sebastián, le Museo Eusebio Sempere à Alicante, le Museo de Navarra à Tafalla, la Casa de las Américas à La Havane, le Bocchum Museum en Allemagne, le Museo de Bellas Artes à Long Island, New York, et le Museo Patio Herreriano à Valladolid.

Estim. 7 000 - 8 000 EUR

Lot 6 - FERRÁN GARCÍA SEVILLA (Palma de Mallorca, 1949). "Bol 16", 2005. Acrylique sur toile. Signée au dos. Provenance : Galerie Joan Prats à Barcelone. Une étiquette de la galerie Joan Prats est jointe. Dimensions : 152 x 172 cm. Dans cette composition à caractère festif, sans cesser d'être conceptuelle et intellectuelle (dans la lignée de la plupart de ses expérimentations picturales), García Sevilla dialogue avec l'héritage de l'expressionnisme abstrait et même avec le pointillisme pour faire éclore cet héritage en supernovas chromatiques. D'abord lié à la théorie et à la critique d'art, García Sevilla a été professeur de beaux-arts dans plusieurs universités. Il fait ses débuts individuels en 1972. Après avoir commencé sa carrière artistique dans l'art conceptuel, il s'est tourné vers la peinture et le graphisme, dans le cadre de ce que l'on appelle l'art postmoderne. Il dispose généralement des figures bien définies, souvent anthropomorphes, sur des fonds neutres ou avec des motifs répétés avec insistance. Il utilise des gammes chromatiques riches, vives et contrastées, avec un langage simplifié, parfois proche de l'art primitif. Les immenses peintures de García Sevilla, ses images fortes, son humour souvent brutal, les textes qui occupent une partie de la surface de ces peintures, sa capacité d'expression, sont devenus familiers aux spectateurs espagnols ainsi qu'à ceux d'autres pays. Doté d'une imagination presque aussi prodigieuse que sa volonté, García Sevilla est une véritable machine à produire des tableaux, à dévorer et à transformer des images. Tout cela trouve sa traduction sur le plan verbal : depuis son célèbre entretien avec Kevin Power, recueilli dans le livre de ce dernier "Conversations with..." (1985), nul ne doute que García Sevilla est l'un des peintres espagnols qui a le plus de choses à dire, et qui, sous une apparence d'improvisation et, si nécessaire, de délire, donne le plus de tournures au sens de son travail. Sous cet aspect, son cas rappelle celui de Miró, auquel il a toujours voué une grande admiration. Il a réalisé des expositions personnelles en Europe et aux États-Unis, et a participé à des expositions collectives à Hambourg, Vienne, Munich, Saint-Pétersbourg, Lisbonne et dans plusieurs villes espagnoles, ainsi qu'à la Documenta de Kassel (1987) et aux Biennales d'Istanbul (1989) et de São Paulo (1996). Parmi les expositions personnelles qu'il a organisées ces dernières années, citons celles de la Elga Wimmer Gallery à New York (1992), de la Thomas Netusil Kunsthandel à Vienne (2000) et de la galerie Fúcares à Madrid (2008). García Sevilla est représenté au Centre Pompidou de Paris - Musée national d'art moderne, au Musée national Reina Sofía, au MACBA de Barcelone, au Centre atlantique d'art moderne de Las Palmas, au CaixaForum de Barcelone, à la Fondation Suñol, au Musée des collections Ico, au Es Baluard de Palma de Majorque, à l'IVAM de Valence, à la Fondation Juan March, au Musée Patio Herreriano de Valladolid, à l'ARTIUM de Vitoria et au MuHKA d'Anvers.

Estim. 8 000 - 10 000 EUR

Lot 7 - ANTONI CLAVÉ I SANMARTÍ (Barcelone, 1913 - Saint-Tropez, France, 2005). "Hommage à Doménikos Theotokópoulos", 1964. Huile sur papier collé. Provenance : Sala Gaspar à Barcelone / Galerie Tamenaga à Tokyo. Avec les étiquettes des deux galeries au dos. Dimensions : 110 x 75 cm ; 125 x 90 cm (cadre). La figure du Greco occupe une place décisive dans l'œuvre d'Antoni Clavé. Ce n'est pas un simple hommage qu'il a réalisé dans des dessins, des gravures et dans une série de peintures des années soixante dont fait partie l'excellente huile qui nous occupe, mais un chemin d'auto-exploration plastique et conceptuelle. "Le monsieur avec la main sur la poitrine" et "Portrait d'un peintre" semblent être les référents de ce tableau. Le personnage apparaît ici transfiguré au plus haut point, et pourtant l'essence du Greco est bien présente. L'auteur conserve la gamme des noirs et des ocres du peintre crétois, et la silhouette continue à nous faire face. Dans sa main, il semble tenir un pinceau comme dans le portrait de Jorge Manuel Theotocópuli qui, dans le tableau du Greco, tient la palette de l'autre main. La collerette s'est transformée en une sorte de guirlande pâle qui auréole toute la tête. L'ensemble suggère une présence spectrale, qui peut être traduite comme un hommage à un artiste qui a laissé une empreinte indélébile sur les générations futures. Antoni Clavé est l'une des figures les plus marquantes de l'art contemporain espagnol. Formé à l'Escuela de Bellas Artes de San Jordi à Barcelone, Clavé se consacre d'abord au graphisme publicitaire, à l'illustration et aux arts décoratifs. En 1936, il participe activement à la guerre civile, dans les rangs républicains, ce qui l'amène à s'exiler en France à la fin de la guerre. Cette même année 1939, il expose les dessins qu'il a réalisés sur les champs de bataille. Il s'installe à Paris, où il rencontre Vuillard, Bonnard et Picasso. Il jouit déjà d'un grand prestige international au moment où il commence à être reconnu en Espagne, après son exposition à la galerie Gaspar de Barcelone en 1956. À la même époque, il réalise des illustrations pour l'œuvre "Gargantua et Pantagruel", ce qui l'amène à se familiariser avec l'iconographie médiévale. Il reçoit des prix au Hallimark de New York en 1948, à la Biennale de Venise en 1954 et à la Biennale internationale de Tokyo en 1957. En 1984, l'État espagnol a reconnu sa valeur artistique en exposant plus d'une centaine de ses œuvres dans le pavillon espagnol de la Biennale de Venise. La même année, il reçoit la médaille d'or de la Generalitat de Catalunya. L'œuvre de Clavé se trouve, entre autres, au musée des beaux-arts de Bilbao, à la Tate Gallery, au musée d'art moderne de Paris, au British Museum de Londres, au musée d'art moderne de Tokyo et au musée Reina Sofía de Madrid.

Estim. 18 000 - 20 000 EUR

Lot 8 - ESTEBAN VICENTE PÉREZ (Turégano, Segovia, 1903 - New York, 2001). "Blue gray", Long Island, 1963. Huile sur toile collée sur carton. Signée et datée dans le coin supérieur droit. Signée, datée, localisée et titrée au dos. Dimensions : 26 x 33 cm ; 42 x 50 cm (cadre). Esteban Vicente entre, en 1921, à l'École des beaux-arts de San Fernando, à Madrid, dans le but d'être formé comme sculpteur, mais il décide bientôt de se consacrer à la peinture. En 1928, il organise sa première exposition, après quoi il se rend à Paris, où il reste jusqu'en 1930. De retour en Espagne, il expose à Barcelone et à Madrid et, après le déclenchement de la guerre civile, il se cache dans les montagnes qui entourent la capitale. Cependant, en 1936, il décide de se rendre à New York, ville d'origine de sa femme. C'est là qu'il expose pour la première fois à la Kleeman Gallery en 1937. Quatre ans plus tard, il obtient la nationalité américaine car, ayant été partisan du camp républicain, il a décidé de ne pas retourner en Espagne. Il réalise de nombreuses commandes et expositions au cours des années suivantes et, entre 1947 et 1947, il est professeur de peinture à l'université de Porto Rico. À son retour aux États-Unis, il noue des relations avec l'École de New York naissante, participant à ses expositions à la Kootz Gallery (1950), à la Ninth Street Art Exhibition (1951) et aux Sidney Janis and Egan Galleries. Il est l'un des membres fondateurs de la New York Studio School, où il enseigne pendant trente-six ans. À partir des années quatre-vingt, son œuvre commence à être connue en Espagne, des rétrospectives lui sont consacrées (Banco Exterior, 1987, et Museo Reina Sofía, 1997) et il reçoit des mentions telles que la médaille d'or du mérite des beaux-arts (1990) et la grande croix d'Alphonse X le Sage (1999). En 1998, le musée d'art contemporain Esteban Vicente a été inauguré à Ségovie, où une grande partie de son œuvre est aujourd'hui conservée. Les œuvres de Vicente sont conservées dans les principaux musées d'art contemporain du monde, tels que le Metropolitan, le Guggenheim et le MOMA à New York, le Museo Nacional Reina Sofia à Madrid, le Smithsonian à Washington D.C., le Withney Museum of American Art ou l'Indianapolis Museum of Art, entre autres.

Estim. 5 000 - 6 000 EUR

Lot 10 - SUSANA CRUZ (Madrid, 1992). "Le rêve", Série Equilibrium, 2023. Huile sur toile. Signée et datée dans le coin inférieur droit. Signée et datée au dos. Dimensions : 180 x 150 cm. Dans le tableau, la jeune fille montre l'innocence avant la peinture, le bonheur de se tacher d'huile et de s'amuser avec la toile. Derrière, la femme, déjà adulte, observe l'image, se rappelant pourquoi elle continue jour après jour, accompagnée de la sculpture qui lui a fait découvrir un monde infini de créations. Le lion veille sereinement sur la scène, formant une barrière protectrice. Tous les personnages, avec un certain air baroque, sont dans mon esprit, les différentes émotions qui me font commencer à créer calmement et avec émotion. Il s'agit d'une peinture à l'huile réalisée au couteau à palette, à l'exception du fond lisse qui a été travaillé au rouleau et au couteau à palette. Ce contraste de textures, ainsi que le contraste entre le noir, le fauve et le blanc, reflète la force et l'expressivité, ce qui permet aux personnages d'acquérir le rôle principal et de capter l'attention de l'observateur. Susana Cruz a fait ses études à l'université polytechnique de Madrid, où elle a étudié l'ingénierie des matériaux, avant d'obtenir un master en conseil aux entreprises. Son intérêt et ses connaissances en matière de peinture ont été acquis de manière autodidacte, selon l'artiste : "La peinture me permet de m'exprimer et de m'immerger dans mon monde. Il m'est même arrivé de pleurer en peignant et la plupart du temps, ma peau se met à ramper lorsque j'écoute de la bonne musique en arrière-plan pendant que je me laisse emporter par la peinture à l'huile". Il a commencé à définir son style grâce à la période où il a vécu en Italie. Actuellement, son travail s'inspire de la peinture baroque et de sa passion pour l'utilisation dramatique du clair-obscur, sur un terrain plus personnel.

Estim. 2 400 - 2 600 EUR

Lot 11 - PABLO PICASSO (Malaga, 1881 - Mougins, France, 1973). "Visage larvé. De la collection "Médaillon d'or".1967. Or 23 kts, 6/20. Edition limitée à 20 exemplaires. Éditeur Pierre Hugo. Signature de l'artiste et numéros gravés au dos. Dans son coffret en bois d'origine. Dimensions : 5 cm. de diamètre (médaillon) ; 13 x 13 x 3 cm. (boîte). Chacun des quinze médaillons pendentifs de la série "Médaillon d'or" porte la signature de l'artiste et les numéros de référence et d'édition de François Hugo. Conçu en 1956 et produit après 1967, en édition numérotée de 20 exemplaires, plus 2 exemplaires d'artiste et 2 exemplaires d'auteur. La fascination de Picasso pour l'exploration de nouveaux médias nous conduit à la représentation d'un motif favori : un poisson reposant à l'intérieur d'un autre poisson. Ce thème apparaît dans ses œuvres en céramique, comme le "Grand Poisson", 1956, mais c'est dans l'or que la délicatesse et la complexité des deux poissons prennent vie. La ligne est magnifique et la fantaisie est magnifiquement exprimée dans ce médium rare. Dans les années 1950 et 1960, Picasso a demandé à François Victor-Hugo, l'un des orfèvres les plus accomplis de l'époque en France, d'exécuter une série de fontaines, d'assiettes et de médaillons en or et en argent d'après des modèles originaux qu'il avait conçus. Ces fontaines et médaillons ont été sélectionnés, dessinés, vus, approuvés et appréciés par Picasso de son vivant avec une telle ferveur qu'il n'a jamais eu l'intention de les vendre à des fins lucratives. Ainsi, au début, leur existence était entourée de secret. Picasso a refusé de les prêter à des galeries et à des musées et les a cachées aux visiteurs de sa maison, préférant les conserver comme un trésor privé. Cependant, Picasso a cédé à l'insistance de Hugo et, en 1967, l'a autorisé à réaliser une petite "édition numérotée" de chaque tableau pour la vente. Ces œuvres n'ont pas été vendues publiquement, mais envoyées à leurs acheteurs respectifs, et n'ont donc pratiquement pas été diffusées, ce qui les a rendues très rares. En travaillant ensemble pendant les dix années suivantes, Picasso et Hugo ont créé dix-neuf médaillons d'or et, pour chaque série, vingt séries complètes ont été réalisées plus deux réservées à l'artiste, chaque série étant composée de dix-neuf médaillons d'or.

Estim. 15 000 - 18 000 EUR

Lot 14 - MATÍAS SÁNCHEZ (Allemagne, 1972). "Peintre", 2010. Huile sur toile. Signée dans le coin inférieur gauche. Signée, datée, titrée et située au dos. Dimensions : 97 x 130 cm. Dans cette œuvre, l'auteur utilise un langage abstrait, basé sur une géométrie irrégulière, organique dans sa disposition et ses couleurs. Il s'agit d'un style ouvert, dont la caractéristique fondamentale est la conception de la surface picturale dans son ensemble, comme un champ ouvert, sans limites et sans hiérarchie. Ainsi, comme nous le voyons ici, les formes picturales sont le résultat d'une composition et d'une expérimentation réfléchies, avec une image de caractère gestuel, qui ne se limite pas à une composition abstraite, mais va au-delà, indiquant au spectateur qu'il s'agit de formes, d'idées ou de suggestions qui dépassent les limites du purement pictural et nous renseignent sur l'art du peintre lui-même. Matias Sanchez est né en Allemagne en 1972 et est autodidacte. Il a toujours ressenti une impulsion pour l'art qui l'a conduit à développer une carrière artistique. Matias Sanchez a fait sa première exposition à Cavecanem en 2001 et, un an plus tard, son travail a été exposé à Arco où il a reçu un accueil chaleureux de la part des critiques. En 2003, il renouvelle l'expérience à la Foire d'art contemporain de Madrid, où ses œuvres sont rassemblées et diffusées dans le journal El País. Il s'agit d'un tournant dans sa carrière, qui l'a conduit à réaliser de nombreuses expositions individuelles et collectives, tant au niveau national qu'international. Il a notamment exposé à la galerie Begoña Mallone (Madrid), Javier Marín (Málaga), Valle Ortí (Valence), Espacio Liquido (Gijón), Christopher Cutts Gallery (Toronto - Canada) et Costantini Art Gallery (Milan - Italie). Son travail a été exposé dans divers espaces de référence en matière d'art contemporain, tels que le CAAM - Centro Atlántico de Arte Moderno (Las Palmas de Gran Canaria) ou le CAC Malaga. Outre ARCO, MACO 2013 - Mexico Arte Contemporáneo, Art Stage Singapore 2013, Art Monaco 2013, India Art Fair 2013, Contemporary Istanbul 2012, Art Toronto 2012, Art Moscovo 2012 et Beirut Art Fair 2012.

Estim. 14 000 - 15 000 EUR

Lot 15 - MODEST CUIXART I TÀPIES, (Barcelone, 1925 - Palafrugell, Girona, 2007). Sans titre, 1959. Huile sur toile. Dimensions : 100 x 81 cm ; 102,5 x 83,5 cm (cadre). Cette œuvre fait partie de l'étape développée par Cuixart dans les années cinquante, marquée par un informalisme profond et riche. Dans ces années, le peintre travaillera avec la force des matériaux épais et du "grattage" (à partir de 1957), créant des œuvres denses et baroques dans lesquelles il introduira toutes sortes d'objets. Son travail de cette période sera reconnu en 1959, avec le Grand Prix de peinture de la Vème Biennale de São Paulo. Ces œuvres profondes et complexes reflètent une vision plus sombre et plus critique de la société de l'époque que ce que l'on verra dans son étape suivante, proche du pop art. Dans cette œuvre, on retrouve également des motifs centraux de son langage, tels que le cercle, la spirale et les formes concentriques. Il utilise également des peintures plastiques à séchage rapide, une nouveauté à l'époque dont il est l'un des pionniers, pour créer des effets de relief dans des tons ocre, une constante dans son travail à cette époque. Cuixart étudie d'abord la médecine, mais abandonne rapidement ses études pour se consacrer à la peinture et entre à l'Academia Libre de Pintura de Barcelone. En 1948, il participe à la fondation du groupe Dau al Set, avec Brossa, Ponç, Tàpies et Tharrats, entre autres. Préoccupé par la valeur plastique du signe, son œuvre présente dès le début une forte parenté avec le surréalisme, ainsi qu'une grande sensibilité au pouvoir expressif de la couleur. Vers 1955, il se plonge dans l'informalisme matériel, ce qui l'amène à utiliser le "grattage" dans des œuvres ayant une certaine saveur orientaliste. En 1959, il remporte le premier prix de la Biennale de São Paulo et expose à la Documenta de Kassel. L'année suivante, il participe à une exposition d'art espagnol d'avant-garde à la Tate Gallery de Londres et au musée Guggenheim de New York. Cuixart introduit le collage dans son œuvre en 1962, ce qui le conduira progressivement vers le pop-art. Enrichi par toutes ces expériences, il revient à la peinture plate, atteignant un réalisme critique très personnel, qui synthétise l'expressionnisme avec une figuration dramatiquement transformée, en valorisant toujours les qualités chromatiques. Dans les années soixante-dix, il expose dans de nombreuses capitales nationales et internationales, telles que Paris, Madrid, São Paulo, Amsterdam, Tokyo, Bâle, Barcelone et Milan, entre autres. Au cours de la décennie suivante, Cuixart libère progressivement sa peinture de ses aspects agressifs pour lui donner un ton plus lyrique. En outre, il participe à une exposition collective au Palais de l'UNESCO à Paris, reçoit la Croix de Saint-Georges de la Généralité de Catalogne et la Croix d'Isabelle la Catholique. En 1988, il organise une exposition anthologique au Japon, dans les villes de Kobe et de Tokyo. Il continue à travailler avec des couleurs et des formes exubérantes, et réincorpore une figuration plus matérielle dans son travail. En 1998, la fondation qui porte son nom a été créée à Palafrugell et, l'année suivante, le ministère de la culture lui a décerné la médaille d'or du mérite des beaux-arts. Il est représenté au Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, à la Tate Gallery de Londres, au Museo Nacional de Arte de Cataluña, au Museo de Arte Contemporáneo de Madrid, de Barcelone et de Saint-Étienne (France), le Patio Herreriano de Valladolid, le Museo de Grabado Español Contemporáneo de Marbella, le Museo de Arte de la Universidad de São Paulo, le Museo de Arte Abstracto de Cuenca et le Museo del Ampurdán, entre autres.

Estim. 15 000 - 16 000 EUR

Lot 19 - JOSEP ROCA SASTRE (Terrassa, 1928 - Barcelone, 1997). "El retorn del fill pródig", 1952. Huile, cire, pastel et gouache sur carton. Signée, datée et titrée au dos. Avec l'étiquette d'Oriol Galeria d'Art au dos. Dimensions : 74,5 x 103,5 cm ; 94 x 123 cm (cadre). L'œuvre mise aux enchères est une œuvre de jeunesse du peintre Josep Roca Sastre, correspondant à une étape antérieure à la réalisation de ses scènes d'intérieur intimes. La toile se caractérise par l'aura d'un certain mysticisme et d'un repli sur soi magique, avec la présence de ce qui semble être un guide spirituel muni d'une canne et d'un personnage qui le vénère. Formé à Barcelone, Roca a initié à partir des années soixante un style personnel et indépendant et a créé son propre langage. Sa proposition se concentre sur la récupération du regard du proche et du quotidien, du connu. Il a exposé pendant quarante ans à la Sala Parés de Barcelone, et a également présenté son travail dans d'autres villes espagnoles, ainsi qu'aux États-Unis. En 1966, il reçoit le prix Sant Jordi de la Diputació de Barcelona et, deux ans plus tard, la médaille d'honneur du Salon des artistes français à Paris. En 1980, il devient membre de l'Académie royale des beaux-arts de Sant Jordi et, en 1993, il reçoit le prix Quadern de la Fundació Amics de les Arts i de les Lletres de Sabadell. Roca Sastre a développé un style figuratif de thèmes intimes, appliquant un regard personnel et subjectif à ses scènes d'intérieur ainsi qu'à ses paysages urbains et naturels. Depuis sa mort, des rétrospectives de l'œuvre de Josep Roca ont été organisées à La Pedrera et dans les galeries Muncunill (Terrassa), Oriol (Barcelone) et Juan Oliver Maneu (Palma de Majorque). Son œuvre est conservée au musée national d'art de Catalogne.

Estim. 2 000 - 2 500 EUR

Lot 20 - JEAN-MARC BUSTAMANTE (Touluse, 1952). "Barcelone 6", 1997. Photographie, éd. 3/6 Dimensions : 40 x 60 cm ; 67 x 85 cm (cadre). De père équatorien et de mère anglaise, cet artiste français (Toulouse, 1952) occupe l'une des places les plus remarquables dans l'art contemporain européen. Après des études d'économie dans sa ville natale entre 1969 et 1972, il étudie la photographie avec Denis Brihat entre 1973 et 1975. En 1977, il réalise son premier Site, une photographie qui fera partie de la série qui trouvera son titre définitif dans Tableaux et qui sera présentée pour la première fois en tant que groupe à la Kunsthalle de Berne en 1994. Presque simultanément, en 1978, il commence à travailler comme assistant du photographe et cinéaste William Klein, activité qu'il maintient jusqu'en 1981, date à laquelle il décide de se consacrer entièrement à son activité artistique. Entre 1983 et 1987, il entre dans une phase de collaboration avec Bernard Bazile et, sous le nom de BAZILEBUSTAMANTE, attire l'attention du monde de l'art avec ses projets sur les codes visuels et les systèmes de signes, exposés dans plusieurs galeries et au Musée Saint-Pierre de Lyon en 1986. Depuis 1987, il poursuit seul son travail photographique particulier, parmi lequel des sculptures, des installations et des sérigraphies sur méthacrylates commencent à émerger dans un projet apparemment asystématique qui, sous son hétérogénéité, configure l'un des programmes artistiques les plus solides, cohérents et unitaires de l'époque actuelle. Avec elle, il a représenté la France à la Biennale de Venise (2003) et a participé à la Biennale de Paris (1980), à la Biennale de São Paulo (1994) et à Documentas VIII, IX et X à Kassel (1987, 1992 et 1997). Son travail a fait l'objet de présentations monographiques dans certains des plus grands musées internationaux, notamment la Kunsthalle de Berne (1989 et 1994), le Musée d'art moderne de la Ville de Paris (1990), le Stedelijk van Abbemuseum, Eindhoven (1992), la Galerie nationale du Jeu de Paume, Paris (1996), la Tate Gallery, Londres (1998), Tate Gallery, Londres (1998), Yokohama Museum of Art (2002), Kunsthaus Bregenz et Musée d'art moderne et contemporain, Saint-Etienne (2006), Musée d'art moderne et contemporain, Strasbourg (avec Ed Ruscha) (2007), Palais des Beaux-Arts, Bruxelles (2008) et Villa Medici, Rome (2011). La décennie des années 10 a vu le début des rétrospectives sur son travail, initiées à Moscou à la Fondation culturelle Ekaterina (2010), suivies par celle organisée par l'Institut Henry Moore, Leeds (2011) et la Sala Alcalá 31, Madrid (2012). En 2008, Jean-Marc Bustamante a été décoré de la médaille de Chevalier de la Légion d'honneur française, et entre 2012 et 2015, il a été directeur du Festival international d'art de Toulouse. Après des années d'enseignement comme professeur de sculpture, d'abord à la Rijksakademie d'Amsterdam (1990-1995) et à l'École Supérieure Nationale de Beaux-Arts de Paris (depuis 1996), puis comme professeur de peinture à la Kunstakademie de Munich (depuis 2010), il vient d'être nommé directeur de l'École Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Paris.

Estim. 2 000 - 2 400 EUR

Lot 21 - THOMAS RUFF (Zell am Harmersbach, Allemagne, 1958) "Interieur 6 E", 1983. Photographie C-Print. Ed. 8/20. Dimensions : 21 x 28 cm ; 47 x 57 cm (cadre). Thomas Ruff (Zell am Harmersbach, Allemagne, 1958) a commencé sa carrière par la photographie de paysages, puis il s'est mis à photographier des intérieurs et des portraits inexpressifs de ses amis, faisant partie de la génération qui a participé aux changements politiques et sociaux survenus avec la chute du mur de Berlin. Entre 1977 et 1985, Ruff étudie la photographie à l'Académie des beaux-arts de Düsseldorf, en compagnie d'autres photographes au prestige aujourd'hui reconnu, tels que Candida Höfer, Andreas Gursky et Thomas Struth, qui font partie de ce que l'on appelle l'école de Düsseldorf, dont les parents sont Hilla et Bernd Becher. Ses premiers portraits sont de petit format et en noir et blanc, mais il passe rapidement à la couleur. En 1986, il commence à expérimenter les grands formats. Avec sa série Haus (1987-91), il explore des thèmes qui vont au-delà du portrait. D'autres séries importantes de cette période sont Zeitungsfotos (1990-91) ou BlaueAugen (1991). Pendant la guerre du Golfe, Ruff utilise un viseur de nuit pour produire des images lugubres des rues de Düsseldorf dans sa série Nacht (1992-96). Dans ses œuvres ultérieures, il continue d'explorer la manipulation numérique des images, dans ce contexte, il exécute ses séries de nus, la série Substrat (2002-03) et la série Machine (2003). Depuis 1981, Ruff a organisé des expositions individuelles dans divers centres et musées internationaux. Il vit et travaille à Düsseldorf.

Estim. 1 800 - 2 200 EUR

Lot 22 - FRANCISCO VIDAL (Lisbonne, 1978). "Time Run". 2009 Huile sur toile (diptyque). Signée dans le coin inférieur gauche. Signée et datée au dos. Dimensions : 134 x 308 cm ; 138 x 312 cm (cadre). S'inspirant d'une image du film culte "Pulp Fiction" de Tarantino, Francisco Vidal place les gangsters interprétés par John Travolta et Samuel L. Jackson sur un fond rouge strident et remplace l'un des pistolets par une banane. Une tache jaune intense s'étend, suggérant une explosion. Il s'agit d'une peinture formée par deux toiles, ce qui donne une scène élargie, imprégnée de fraîcheur et d'insouciance. Le peintre Francisco Vidal vit entre Luanda (Angola) et Lisbonne (Porturgal). Diplômé en arts plastiques à l'Escola Superior de Artes e Design das Caldas da Rainha, il a suivi un cours avancé en arts visuels à l'Escola de Artes Visuais Maumaus, à Lisbonne. Elle a vécu quelque temps aux États-Unis, où elle a obtenu un Master of Fine Arts à la School of Visual Arts de l'université de Columbia, à New York. Elle a commencé à exposer régulièrement en 2005. En 2014, il a présenté le projet de peinture "Utopia Luanda Machine" à la 56e Biennale de Venise, dans le pavillon angolais, sous la direction d'António Ole, et à l'Expo Milano, sous la direction de Suzana Sousa. En 2016, le projet "ESCOLA DE PAPEL" a été présenté à Luanda et, en 2017, à São Tomé et Príncipe. La pratique de Francisco Vidal met en lumière des idées autour du travail et de la mobilité internationale. Reconnu pour ses grandes installations picturales, il trace de puissantes lignes calligraphiques sur des toiles sérigraphiées, aux couleurs vives et aux combinaisons chromatiques variées. Il pratique également une figuration ancrée dans le langage de la bande dessinée. Ses œuvres figurent dans des collections nationales, telles que celles de la Fondation EDP, de la Fondation Calouste Gulbenkian et de la Fondation Cachola, ainsi que dans des collections internationales.

Estim. 8 000 - 10 000 EUR

Lot 23 - KARIMOKU CASE STUDY (Japon) pour Medicom Toy. "10e anniversaire de Medicom Toy, 1996-2006", 2006. 400% Be@rbrick. Bois naturel. Édition limitée à 100 exemplaires. Dans sa boîte d'origine. En bon état. Dimensions : 28 cm (hauteur). La collaboration entre Karimoku Case Study et Medicom Toy s'explique par le 10e anniversaire de la société japonaise de jouets. Le matériau utilisé, le bois, témoigne de la connaissance et de l'amour sincère pour ce matériau qu'exsude Karimoku, une entreprise considérée comme le premier fabricant de meubles au Japon. Karimoku déclare : "Avec l'étude de cas Karimoku, nous souhaitons présenter une marque réfléchie, gardienne du naturel et de l'intemporel, utilisant des matériaux qui possèdent une richesse inhérente et gagnent en beauté avec le temps et l'âge". La révolution Art Toys trouve dans la Be@rbrick l'un de ses meilleurs représentants. Son image simple mais attrayante sous la forme d'un ours articulé (semblable à un morceau de brique, d'où son nom) et sa variété inépuisable de motifs réalisés par des artistes différents et célèbres en font un objet de désir pour les nouveaux collectionneurs et les collectionneurs confirmés. Conçu et produit par la société japonaise MediCom Toy Incomporated et lancé en 2001 comme cadeau aux visiteurs de la World Character Convention 12 à Tokyo, le Be@rbrick comporte neuf parties distinctes (appelées "outils" dans l'industrie du jouet) qui permettent huit points d'articulation différents : tête rotative, taille rotative, bras articulés à la rotule, poignets rotatifs et jambes articulées à la rotule. Les tailles vont de 7 cm de haut (100% Be@rbrick, taille standard) à 400% Be@rbrick (28 cm de haut) ou 1000% Be@rbrick (70 cm de haut). D'autres tailles sont plus petites que la taille standard, comme 50% Be@rbrick (4 cm) ou 70% Be@rbrick (5 cm). Parmi les collaborations les plus connues, citons celles avec Kaws, la Fondation Andy Warhol, Jean-Michel Basquiat, Keith Haring, Disney, Looney Tunes, DC Comics et même le Musée du Louvre et Chanel. De nombreuses célébrités collectionnent également les Be@rbrick, du producteur de musique Pharrell Williams à l'ancienne directrice de la création de Vogue, Grace Coddington. En bon état.

Estim. 7 000 - 8 000 EUR

Lot 24 - HAVE A GOOD TIME (Tokyio) pour Medicom Toy. 400% & 100% Be@rbrick. Produit par Medicom Toy. Dans sa boîte d'origine. En bon état. Dimensions : 28 cm et 7 cm ; 30 x 20 x 11 cm (boîte). Medicom Toy s'associe à la marque de mode Have A Good Time, basée à Tokyo, pour offrir aux fans leur dernière collaboration. Depuis sa création, Have A Good Time a gagné en popularité grâce à une série de collaborations internationales avec Adidas, Vans et BEAMS. La révolution Art Toys trouve dans la Be@rbrick l'un de ses meilleurs représentants. Son image simple mais attrayante sous la forme d'un ours articulé (semblable à un morceau de brique, d'où son nom) et sa variété inépuisable de motifs réalisés par des artistes différents et célèbres en font un objet de désir pour les nouveaux collectionneurs et les collectionneurs confirmés. Conçu et produit par la société japonaise MediCom Toy Incomporated et lancé en 2001 comme cadeau aux visiteurs de la World Character Convention 12 à Tokyo, le Be@rbrick comporte neuf parties distinctes (appelées "outils" dans l'industrie du jouet) qui permettent huit points d'articulation différents : tête rotative, taille rotative, bras articulés à la rotule, poignets rotatifs et jambes articulées à la rotule. Les tailles vont de 7 cm de haut (100% Be@rbrick, taille standard) à 400% Be@rbrick (28 cm de haut) ou 1000% Be@rbrick (70 cm de haut). D'autres tailles sont plus petites que la taille standard, comme 50% Be@rbrick (4 cm) ou 70% Be@rbrick (5 cm). Parmi les collaborations les plus connues, citons celles avec Kaws, la Fondation Andy Warhol, Jean-Michel Basquiat, Keith Haring, Disney, Looney Tunes, DC Comics et même le Musée du Louvre et Chanel. De nombreuses célébrités collectionnent également les Be@rbrick, du producteur de musique Pharrell Williams à l'ancienne directrice de la création de Vogue, Grace Coddington. En bon état.

Estim. 500 - 550 EUR

Lot 25 - FERRAN GARCIA SEVILLA (Palma de Mallorca, 1949). Sans titre. Technique mixte sur carton dur. Signé au dos. Dimensions : 75 x 53 cm ; 95 x 72 cm (cadre). Ferran Garcia Sevilla a été l'une des figures les plus importantes de l'art conceptuel des années soixante-dix, se réinventant par la suite pour satisfaire une nature inquiète et versatile. Le syncrétisme iconographique de son univers symbolique se reflète dans cette peinture. Initialement lié à la théorie et à la critique de l'art, García Sevilla a été professeur de beaux-arts dans plusieurs universités. Il a fait ses débuts en tant qu'artiste individuel en 1972. Il a participé à des expositions individuelles en Europe et aux États-Unis, ainsi qu'à des expositions collectives à Hambourg, Vienne, Munich, Saint-Pétersbourg, Lisbonne et dans plusieurs villes d'Espagne, à la Documenta de Kassel (1987) et aux Biennales d'Istanbul (1989) et de São Paulo (1996). Parmi les expositions personnelles qu'il a organisées ces dernières années, citons celles de la Elga Wimmer Gallery à New York (1992), de la Thomas Netusil Kunsthandel à Vienne (2000) et de la galerie Fúcares à Madrid (2008). García Sevilla est représenté au Centre Pompidou à Paris - Musée national d'art moderne, au Museo Nacional Reina Sofía, au MACBA à Barcelone, au Centro dell'Arte Moderna à Madrid, à l'Université de Barcelone, à l'Université de Barcelone, à l'Université d'Amsterdam et à l'Université d'Amsterdam, le MACBA de Barcelone, le Centro Atlántico de Arte Moderno de Las Palmas, le CaixaForum de Barcelone, la Fundación Suñol, le Museo Colecciones Ico, l'Es Baluard de Palma de Mallorca, l'IVAM de Valence, la Fundación Juan March, le Museo Patio Herreriano de Valladolid, l'ARTIUM de Vitoria et le MuHKA d'Anvers.

Estim. 1 800 - 2 000 EUR

Lot 26 - KAWS (New Jersey, 1974) pour Medicom Toy. "Snoopy Peanuts", 2010. Vinyle. Tampon sur la base. Édition limitée à 500 exemplaires. Dans sa boîte d'origine. Dimensions : 20 x 10 x 14 cm. Kaws se réapproprie des icônes de la culture pop telles que Mickey Mouse, Bibendum, les Schtroumpfs, Snoopy ou Bob l'éponge. Ses personnages sont généralement représentés dans une pose timide ou impuissante, souvent avec les mains sur les yeux ou, comme on le voit ici, avec l'utilisation répétée de "x" dans les mains et les yeux. L'œuvre du designer et artiste américain connu sous le nom de Kaws comprend l'utilisation répétée d'une série de personnages et de motifs figuratifs, dont certains remontent au début de sa carrière dans les années 1990, d'abord peints en 2D puis réalisés en 3D. Les sculptures de Kaws mesurent de quelques centimètres à dix mètres de haut et sont réalisées dans divers matériaux, dont la fibre de verre, l'aluminium, le bois, le bronze et un ponton gonflable en acier. Ses œuvres sont exposées dans des galeries et des musées, font partie des collections permanentes d'institutions publiques et sont collectionnées par des particuliers, dont le producteur de musique Swizz Beatz et le rappeur Pharrell Williams. Plusieurs livres illustrant son travail ont été publiés. Il vit et travaille à Brooklyn, New York, où il crée des sculptures, des peintures acryliques sur toile et des sérigraphies, tout en collaborant commercialement, principalement sur des jouets en édition limitée, mais aussi sur des vêtements, des skateboards et d'autres produits.

Estim. 2 400 - 2 600 EUR

Lot 28 - JOAN JOSEP THARRATS VIDAL (Gérone, 1918 - Barcelone, 2001). Sans titre, 1993 Technique mixte et collage sur papier. Signé et daté dans la marge inférieure. Dimensions : 50 x 35 cm ; 81,5 x 66,5 cm (cadre). Dans cette peinture avec collage sur papier réalisée par Tharrats dans les années quatre-vingt-dix, vers la fin de sa vie, nous pouvons contempler la consolidation d'un langage aux racines informelles qui, à cette occasion, met en scène la lutte symbolique entre des champs d'énergie matérialisés sous la forme de traits chaotiques d'échos calligraphiques et d'impulsions gestuelles. Après avoir commencé sa formation à Béziers (France), Tharrats retourne à Barcelone en 1935 et entre à l'école Massana. Il commence son activité artistique après la guerre civile, dans un style qui évolue d'un certain impressionnisme initial vers une abstraction progressive, sous l'influence de Mondrian et de Kandinsky. Cofondateur de Dau al Set avec Brossa, Ponç, Cuixart et Tàpies, Tharrats fait ses débuts individuels en 1949, dans les galeries El Jardín de Barcelone. À partir de 1954, il expose régulièrement à la Sala Gaspar de Barcelone, ainsi qu'en 1955 à Stockholm et à New York, en 1959 à la Biennale de São Paulo et à Venise lors des Biennales de 1960 et 1964. En 1955, après la dissolution de Dau al Set, il participe à la constitution du groupe Taüll avec Muxart, Guinovart et ses anciens collègues Cuixart et Tàpies. Onze ans plus tard, en 1966, il est également l'un des fondateurs de l'Association des artistes contemporains. Pionnier de l'avant-gardisme catalan d'après-guerre, Tharrats est passé de l'abstraction linéaire influencée par le surréalisme de sa période Dau al Set à un informalisme riche en textures, en couleurs et en formes libres. Outre la peinture de chevalet, il a développé sa propre version des techniques d'impression ("maculaturas"), et a également réalisé des affiches, des illustrations de livres, des peintures murales, des vitraux, des mosaïques, des bijoux et des scénographies d'opéra. En 1983, il reçoit la croix de Sant Jordi et, en 1994, le prix national des arts plastiques. La même année, il est devenu membre de l'Académie royale des beaux-arts de San Jordi. Son œuvre est présente dans divers musées et collections du monde entier, tels que le MoMA et le Guggenheim de New York, la Tate Gallery de Londres, le MACBA ou le musée Reina Sofia de Madrid.

Estim. 2 800 - 3 000 EUR

Lot 32 - CHEN YIFEI (Ningbo, Chine 1946 - Shanghai, Chine 2005) "Pont de la paix", 1985. Lithographie sur papier Arches. Exemplaire 312/1000. Certificat d'authenticité joint, délivré par la Fédération mondiale des Nations unies en 1985. Avec les cachets à sec d'Emiliano Sorini Studio de New York et de la Fédération mondiale des Nations Unies. Encadré dans un verre de musée. Signé et numéroté. Dimensions : 28,5 x 21,7 cm. Chen Yifei est l'un des peintres à l'huile les plus reconnus en Chine et dont l'impact est plus important en Occident. Personnalité polyvalente, il est également connu pour son travail de réalisateur, d'homme d'affaires, de designer et de décorateur. Il a commencé ses études artistiques à Shanghai en 1965, où il s'est distingué en se concentrant sur la peinture à l'huile dans un pays marqué par la tradition de la peinture à l'encre de Chine. La qualité de son coup de pinceau en fera l'un des artistes les plus célèbres de la Révolution culturelle (même s'il n'a pas pu éviter quelques petits accidents) ; il a peint des portraits à la gloire de Mao Zedong et de grandes toiles révolutionnaires. Il fut l'un des premiers artistes autorisés par le gouvernement communiste à se rendre aux États-Unis, où il vécut de 1980 à 1990. C'est là qu'il fait fortune et qu'il affine la qualité de son style. En 1990, il retourne à Shanghai, ville où il passera le reste de sa vie. Influencé par sa formation à l'art soviétique et concentré sur les thèmes révolutionnaires qui imprègnent son environnement, son coup de pinceau évolue vers des thèmes plus romantiques, des scènes de genre, une iconographie réaliste avec un air mélancolique et des détails modernes. Ses scènes les plus caractéristiques montrent généralement des femmes chinoises effectuant des gestes quotidiens, vêtues de costumes traditionnels, avec une multitude de détails et des couleurs denses qui se détachent sur des fonds sombres et neutres. Certificat d'authenticité délivré par la Fédération mondiale des Nations unies en 1985. Encadré dans un verre de musée.

Estim. 800 - 900 EUR

Lot 33 - MANOLO VALDÉS (Valence, 1942). "Matisse comme prétexte", 2001. Sérigraphie sur toile. Exemplaire H.C II/III. L'authenticité de ce lot a été vérifiée par l'atelier de Manolo Valdés. Signé et daté dans la partie centrale inférieure. Justifié dans le coin inférieur droit. Dimensions : 148 x 122 cm. Cette œuvre est un exemple clair de la réponse de Valdés au maître Matisse, récupérant ses odalisques et les enveloppant dans une esthétique pop. Comme toujours dans sa production, Valdés part de l'œuvre d'un grand maître pour créer une nouvelle image qui, par son originalité et sa contemporanéité, nous incite à repenser l'héritage de l'histoire de l'art elle-même. Dans une interview que l'artiste a accordée au journal ABC en 2016, Valdés a souligné son lien artistique avec Matisse et son intérêt pour l'interprétation de son œuvre. En outre, cette même année, il a exposé à la galerie Marlborough Fine Art à Londres, l'exposition intitulée "Recent Work. Peintures et sculptures", une sélection de onze œuvres qui rendent hommage au travail artistique d'Henri Matisse. D'ailleurs, lorsque le peintre valencien a été interviewé à propos de cette exposition, Valdés a répondu : "Je réponds à ses peintures par d'autres peintures". Manolo Valdés a introduit en Espagne une forme d'expression artistique qui combine l'engagement politique et social avec l'humour et l'ironie. Il a commencé sa formation en 1957, lorsqu'il est entré à l'école des beaux-arts San Carlos de Valence. Cependant, deux ans plus tard, il abandonne ses études pour se consacrer pleinement à la peinture. En 1964, il fonde le groupe artistique Equipo Crónica, avec Juan Antonio Toledo et Rafael Solbes, dans lequel il restera jusqu'à la mort de ce dernier en 1981, bien que Toledo ait quitté le groupe deux ans après sa fondation. Depuis lors, il s'est installé à New York, où il réside actuellement et où il a continué à expérimenter de nouvelles formes d'expression, notamment la sculpture. Parmi les nombreux prix que Manolo Valdés a reçus, citons le Lissone et le Biella de Milan, la médaille d'argent de la IIe Biennale internationale de gravures de Tokyo, le prix du Bridgestone Art Museum de Lisbonne, le prix national des arts plastiques, la médaille du Festival international d'arts plastiques, le prix de l'Académie des arts plastiques, le prix de l'Académie des beaux-arts, la médaille du Festival international des artistes plasticiens de Bagdad, la décoration de l'ordre d'Andres Bello au Venezuela, le prix du Conseil national de Monaco, la médaille d'or du mérite des beaux-arts, le prix de l'Association espagnole des critiques d'art et le prix du meilleur artiste graveur, entre autres. Sur le plan formel, Valdés crée une œuvre de grand format dans laquelle les lumières et les couleurs expriment des valeurs tactiles, grâce au traitement des matériaux. Son travail oblige le spectateur à plonger dans sa mémoire et à rechercher des images significatives de l'histoire de l'art. Il est représenté dans certains des plus grands musées du monde, tels que le Reina Sofía de Madrid, le Metropolitan, le MoMA et le Guggenheim de New York, le Centre Georges Pompidou et le Fons National d'Arts Plastiques de Paris, la Kusnthalle de Hambourg, le Kunstmuseum de Berlin et le Museo de Bellas Artes de Bilbao, parmi beaucoup d'autres. L'authenticité de ce lot a été vérifiée par le studio Manolo Valdés.

Estim. 15 000 - 18 000 EUR

Lot 34 - EUDALD SERRA GÜELL (Barcelone, 1911-2002). Sans titre. 1961 Sculpture en grès. Exemplaire 1/5. Base en marbre. Signé et numéroté Dimensions : 60 x 30 x 7 cm. Dans les années cinquante et soixante, Eudald Serra a cultivé une sculpture non figurative de nature organique, avec des surfaces courbes et une profusion de vides. La pièce de 1961 que nous présentons ici appartient à cette période, particulièrement féconde pour cet auteur. Cette sculpture en grès est dotée d'un grand pouvoir de suggestion. Elle s'inspire des effigies préhistoriques et de la sculpture ethnique des cultures ancestrales, tout en dialoguant avec des artistes du mouvement moderne comme Brancusi et Jean Arp. Sculpteur et peintre, Eudald Serra a commencé sa formation comme disciple d'Angel Ferrant, combinant ses études aux écoles de la Llotja et des Beaux-Arts de Barcelone. Pendant ses études, il travaille également dans un atelier de bijouterie et dans une compagnie maritime, ce qui est peut-être à l'origine de sa passion pour les voyages, qui l'amène à faire son premier tour d'Europe en 1932. Il fait ses débuts individuels en 1934, dans la salle Busquets de Barcelone, et collabore avec le groupe ADLAN. En 1935, il effectue un voyage d'étude au Japon et se passionne pour la culture locale, au point de s'installer dans la ville de Kobe, où il vit pendant plusieurs années. Pendant cette période, il se consacre principalement à la céramique et organise des expositions à Tokyo, Osaka et Kobe. En 1939, il remporte le prix de l'exposition de Hyogo et, après un bref séjour aux États-Unis, il retourne en Espagne en 1948. Entre la fin des années cinquante et le début des années soixante, il a beaucoup voyagé en Asie du Sud-Est et au Moyen-Orient et, dans les années quatre-vingt, il a visité l'Amérique centrale, l'Australie, la Chine et le Maroc. Il a reçu, entre autres, le grand prix de la Biennale d'Alexandrie, le prix du Conseil provincial de Madrid à la Biennale hispano-américaine, le prix national de sculpture et le prix du salon de jazz de Barcelone. Il a fait partie du groupe Altamira et a été professeur à l'école Massana et à l'école des beaux-arts de Barcelone. Il est actuellement représenté au Centro Nacional de Arte Reina Sofía, au MACBA de Barcelone et au Musée d'Alexandrie, entre autres.

Estim. 7 000 - 7 500 EUR

Lot 35 - OSAMU TEZUKA (Toyonaka, 1928-Tokyo, 1989). "Plus du film de l'empereur de la jungle Leo". Celluloïd et dessin au dos. Dimensions : 46 x 35 cm ; 51 x 41 cm (cadre). Osamu Tezuka, considéré comme le "dieu du manga", était un mangaka (terme japonais désignant le créateur d'une bande dessinée) et un animateur japonais. Grâce à son travail d'illustrateur, Tezuka a développé et massivement répandu la lecture et la consommation de mangas comme moyen de divertissement populaire, ce qui a permis aux mangas d'exercer une profonde influence sur la société japonaise d'après-guerre. Il a influencé la manière de faire des bandes dessinées de la grande majorité des auteurs ultérieurs et ses œuvres ont été traduites dans de nombreuses langues, y compris l'espagnol. Sa manière de faire de la bande dessinée était basée sur les techniques cinématographiques de Walt Disney, introduisant le story manga, ou manga de longue durée, avec une intrigue beaucoup plus élaborée et complexe que les bandes dessinées créées jusqu'alors par d'autres artistes. Parmi ses œuvres les plus célèbres figurent Jungle Taitei ("Kimba, le lion blanc"), Tetsuwan Atom ("Astroboy") et Ribbon No Kishi ("The Knight Princess"), considéré comme le premier shojo manga de l'histoire. Le succès se poursuit dans les décennies suivantes, avec des séries telles que Hi no Tori ("Phoenix", 1954), Black Jack (1973-84), Buddha (1972-83) et Adolf (1983), prenant un tournant profond avec le point culminant de la série MW (1976-1978), dans laquelle il aborde des thèmes très inhabituels dans le manga de l'époque, tels que l'homosexualité, la corruption politique ou les armes chimiques.

Estim. 300 - 400 EUR

Lot 38 - ANTONI TÀPIES PUIG (Barcelone, 1923 - 2012). "U no es ningú". Lithographie, exemplaire XII/LXXXII. Signée et numérotée au crayon. Tàpies Galfetti III, p. 37, fig. 723. Dimensions : 56 x 73 cm. Antoni Tàpies débute dans l'art pendant sa longue convalescence d'une maladie pulmonaire. Progressivement, il se consacre avec plus d'intensité au dessin et à la peinture, et finit par abandonner ses études de droit pour se consacrer entièrement à l'art. Cofondateur de "Dau al Set" en 1948, il commence à exposer aux Salones de Octubre à Barcelone, ainsi qu'au Salón de los Once à Madrid en 1949. Après sa première exposition individuelle dans les galeries Layetanas, il se rend à Paris en 1950, grâce à une bourse de l'Institut français. Au cours de ces années, il commence à participer à la Biennale de Venise, expose à nouveau aux Layetanas et, après une exposition à Chicago, en 1953, il fait une exposition individuelle à la galerie new-yorkaise de Martha Jackson. Dès lors, ses expositions, tant collectives que personnelles, se déroulent dans le monde entier, dans des galeries et des musées de premier plan tels que le Guggenheim de New York et le Musée d'art moderne de Paris. Depuis les années soixante-dix, des anthologies lui ont été consacrées à Tokyo (1976), New York (1977 et 2005), Rome (1980), Amsterdam (1980), Madrid (1980), Venise (1982), Milan (1985), Vienne (1986) et Bruxelles (1986). Autodidacte, Tàpies a créé son propre style au sein de l'art d'avant-garde du XXe siècle, combinant tradition et innovation dans un style abstrait mais plein de symbolisme, accordant une grande importance au substrat matériel de l'œuvre. Il convient de noter le sens spirituel marqué que l'artiste donne à son œuvre, où le support matériel transcende son état pour signifier une analyse profonde de la condition humaine. L'œuvre de Tàpies a été très appréciée au niveau international et a été exposée dans les musées les plus prestigieux du monde. Tout au long de sa carrière, il a reçu de nombreux prix et distinctions, dont le Praemium Imperiale du Japon, le Prix national de la culture, le Grand Prix de peinture de France, la Fondation Wolf des arts (1981), la Médaille d'or de la Generalitat de Catalunya (1983), le Prix du Prince des Asturies pour les arts (1990), la Médaille Picasso de l'Unesco (1993) et le Prix Velázquez pour les arts plastiques (2003). Grand défenseur de la culture catalane, dont il est profondément imprégné, Tàpies est un grand admirateur de l'écrivain mystique Ramón Llull, ainsi que de l'art roman catalan et de l'architecture de Gaudí. Parallèlement, il apprécie l'art et la philosophie orientaux qui, à l'instar de son propre travail, brouillent la frontière entre la matière et l'esprit, entre l'homme et la nature. Influencé par le bouddhisme, il montre dans ses peintures comment la douleur, physique et spirituelle, est inhérente à la vie. Antoni Tàpies est représenté dans les plus grands musées du monde, tels que la fondation qui porte son nom à Barcelone, le Reina Sofía à Madrid, le Guggenheim à Berlin, Bilbao et New York, le Fukoka Art Museum au Japon, le MoMA à New York et la Tate Gallery à Londres.

Estim. 1 000 - 1 100 EUR

Lot 39 - ANTONI TÀPIES PUIG (Barcelone, 1923 - 2012). "Composition", 1976. Lithographie sur papier Guarro, exemplaire H.C. Signée et justifiée à la main. Édition polygraphique. Tàpies Galfetti II, p. 208, fig. 636. Dimensions : 56 x 76 cm. Antoni Tàpies débute dans l'art pendant sa longue convalescence d'une maladie pulmonaire. Progressivement, il se consacre avec plus d'intensité au dessin et à la peinture, et finit par abandonner ses études de droit pour se consacrer entièrement à l'art. Cofondateur de "Dau al Set" en 1948, il commence à exposer aux Salones de Octubre à Barcelone, ainsi qu'au Salón de los Once à Madrid en 1949. Après sa première exposition individuelle dans les galeries Layetanas, il se rend à Paris en 1950, grâce à une bourse de l'Institut français. Au cours de ces années, il commence à participer à la Biennale de Venise, expose à nouveau aux Layetanas et, après une exposition à Chicago, en 1953, il fait une exposition individuelle à la galerie new-yorkaise de Martha Jackson. Dès lors, ses expositions, tant collectives que personnelles, se déroulent dans le monde entier, dans des galeries et des musées de premier plan tels que le Guggenheim de New York et le Musée d'art moderne de Paris. Depuis les années soixante-dix, des anthologies lui ont été consacrées à Tokyo (1976), New York (1977 et 2005), Rome (1980), Amsterdam (1980), Madrid (1980), Venise (1982), Milan (1985), Vienne (1986) et Bruxelles (1986). Autodidacte, Tàpies a créé son propre style au sein de l'art d'avant-garde du XXe siècle, combinant tradition et innovation dans un style abstrait mais plein de symbolisme, accordant une grande importance au substrat matériel de l'œuvre. Il convient de mentionner le sens spirituel marqué que l'artiste donne à son œuvre, où le support matériel transcende son état pour signifier une analyse profonde de la condition humaine. L'œuvre de Tàpies a été très appréciée au niveau international et a été exposée dans les musées les plus prestigieux du monde. Tout au long de sa carrière, il a reçu de nombreux prix et distinctions, dont le Praemium Imperiale du Japon, le Prix national de la culture, le Grand Prix de peinture de France, la Fondation Wolf des arts (1981), la Médaille d'or de la Generalitat de Catalunya (1983), le Prix du Prince des Asturies pour les arts (1990), la Médaille Picasso de l'Unesco (1993) et le Prix Velázquez pour les arts plastiques (2003). Grand défenseur de la culture catalane, dont il est profondément imprégné, Tàpies est un grand admirateur de l'écrivain mystique Ramón Llull, ainsi que de l'art roman catalan et de l'architecture de Gaudí. Parallèlement, il apprécie l'art et la philosophie orientaux qui, à l'instar de son propre travail, brouillent la frontière entre la matière et l'esprit, entre l'homme et la nature. Influencé par le bouddhisme, il montre dans ses peintures comment la douleur, physique et spirituelle, est inhérente à la vie. Antoni Tàpies est représenté dans les plus grands musées du monde, tels que la fondation qui porte son nom à Barcelone, le Reina Sofía à Madrid, le Guggenheim à Berlin, Bilbao et New York, le Fukoka Art Museum au Japon, le MoMA à New York et la Tate Gallery à Londres.

Estim. 1 000 - 1 100 EUR

Lot 40 - PABLO RUIZ PICASSO (Malaga, 1881 - Mougins, France, 1973). "Étude pour l'Homme au Mouton, 1967. Lithographie sur papier Arches. Signée au tampon vert. Édition de 200 exemplaires sur une seule feuille. Édition de luxe en dehors de celles publiées pour la série "La Flûte Double". Catalogue Raissonné "Livres modernes illustrés", référence 8860. Dimensions : 96,7 x 41 cm. Picasso commence ses études artistiques à Barcelone, à l'École provinciale des beaux-arts (1895). Deux ans plus tard, en 1897, Picasso présente sa première exposition individuelle au café "Els Quatre Gats". Paris devient le grand objectif de Pablo et, en 1900, il s'installe dans la capitale française pour une brève période. À son retour à Barcelone, il commence à travailler sur une série d'œuvres dans lesquelles on peut voir les influences de tous les artistes qu'il a connus ou dont il a vu les œuvres. C'est une éponge qui absorbe tout mais ne retient rien, il est à la recherche d'un style personnel. Entre 1901 et 1907, il développe les étapes bleue et rose, caractérisées par l'utilisation de ces couleurs et par des sujets aux figures sordides et isolées, aux gestes de douleur et de souffrance. La peinture de ces premières années du XXe siècle est en pleine mutation et Picasso ne peut rester à l'écart. Il s'intéresse à Cézanne et, sur la base de son exemple, développe avec son ami Braque une nouvelle formule picturale : le cubisme : Le cubisme. Mais Picasso ne s'arrête pas là et en 1912, il pratique le collage en peinture ; dès lors, tout est permis, l'imagination devient le maître de l'art. Picasso est le grand révolutionnaire et quand tous les peintres s'intéressent au cubisme, lui se préoccupe du classicisme d'Ingres. Le mouvement surréaliste de 1925 ne le prend pas au dépourvu et, bien qu'il n'y participe pas ouvertement, il sert d'élément de rupture avec le précédent, introduisant dans son œuvre des figures déformées avec une grande force et non exemptes de rage et de fureur. Comme pour Goya, Picasso a également été fortement influencé par sa situation personnelle et sociale à l'époque de son travail. Ses relations avec les femmes, souvent tumultueuses, affecteront sérieusement son œuvre. Mais ce qui a le plus marqué Picasso, c'est le déclenchement de la guerre civile espagnole et le bombardement de Guernica, qui ont conduit à la création de l'œuvre la plus célèbre de l'art contemporain. Paris a longtemps été son refuge, mais il a passé les dernières années de sa vie dans le sud de la France, travaillant dans un style très personnel, avec des couleurs vives et des formes étranges. Picasso est représenté dans les plus grands musées du monde, tels que le Metropolitan, le MOMA et le Guggenheim à New York, l'Ermitage à Saint-Pétersbourg, la National Gallery à Londres ou le Reina Sofia à Madrid.

Estim. 1 000 - 1 100 EUR

Lot 41 - ANTONI TÀPIES PUIG (Barcelone, 1923 - 2012). "Suite Berlin", 1974. Lithographie sur papier Arches, exemplaire 144/150. Signée et numérotée au crayon. Tàpies Galfetti II, p. 105, fig. 476. Dimensions : 56 x 76 cm. Antoni Tàpies débute dans l'art pendant sa longue convalescence d'une maladie pulmonaire. Progressivement, il se consacre avec plus d'intensité au dessin et à la peinture, et finit par abandonner ses études de droit pour se consacrer entièrement à l'art. Cofondateur de "Dau al Set" en 1948, il commence à exposer aux Salones de Octubre à Barcelone, ainsi qu'au Salón de los Once à Madrid en 1949. Après sa première exposition individuelle dans les galeries Layetanas, il se rend à Paris en 1950, grâce à une bourse de l'Institut français. Au cours de ces années, il commence à participer à la Biennale de Venise, expose à nouveau chez Layetanas et, après une exposition à Chicago, en 1953, il fait une exposition individuelle à la galerie de Martha Jackson à New York. Dès lors, ses expositions, tant collectives que personnelles, ont eu lieu dans le monde entier, dans des galeries et des musées de premier plan tels que le Guggenheim de New York et le Musée d'art moderne de Paris. Il a reçu des prix tels que le Prince des Asturies, le Praemium Imperiale de la Japan Art Association, le Prix national de la culture, le Grand Prix de peinture de France, etc., et des anthologies lui ont été consacrées à Tokyo (1976), New York (1977 et 2005), Rome (1980), Amsterdam (1980), Madrid (1980), Venise (1982), Milan (1985), Vienne (1986) et Bruxelles (1986). Il est représenté dans les plus grands musées du monde, comme la fondation qui porte son nom à Barcelone, le Reina Sofia à Madrid, le Guggenheim à Berlin, Bilbao et New York, le Fukoka Art Museum au Japon, le MoMA à New York et la Tate Gallery à Londres.

Estim. 1 200 - 1 500 EUR

Lot 42 - ANTONI TÀPIES PUIG (Barcelone, 1923 - 2012). "70", 1979. Eau-forte, aquatinte, carborundum et gravure en relief sur papier Guarro, exemplaire 10/75. Signée et numérotée au crayon. Tàpies Galfetti III, pag. 31, fig. 714 Dimensions : 19 x 20,5 cm (plaque) ; 56 x 73 cm (papier). Antoni Tàpies débute dans l'art pendant sa longue convalescence à la suite d'une maladie pulmonaire. Il se consacre progressivement et plus intensément au dessin et à la peinture, et finit par abandonner ses études de droit pour se consacrer entièrement à l'art. Cofondateur de "Dau al Set" en 1948, il commence à exposer aux Salones de Octubre à Barcelone, ainsi qu'au Salón de los Once à Madrid en 1949. Après sa première exposition individuelle dans les galeries Layetanas, il se rend à Paris en 1950, grâce à une bourse de l'Institut français. Au cours de ces années, il commence à participer à la Biennale de Venise, expose à nouveau dans les galeries Layetanas et, après une exposition à Chicago, en 1953, il présente une exposition individuelle dans la galerie de Martha Jackson à New York. Dès lors, ses expositions, tant collectives que personnelles, ont eu lieu dans le monde entier, dans des galeries et des musées de premier plan tels que le Guggenheim de New York et le Musée d'art moderne de Paris. Il a reçu des prix tels que le Prince des Asturies, le Praemium Imperiale de la Japan Art Association, le Prix national de la culture, le Grand Prix de peinture de France, etc., et des anthologies lui ont été consacrées à Tokyo (1976), New York (1977 et 2005), Rome (1980), Amsterdam (1980), Madrid (1980), Venise (1982), Milan (1985), Vienne (1986) et Bruxelles (1986). Il est représenté dans les plus grands musées du monde, comme la fondation qui porte son nom à Barcelone, le Reina Sofia à Madrid, le Guggenheim à Berlin, Bilbao et New York, le Fukoka Art Museum au Japon, le MoMA à New York et la Tate Gallery à Londres.

Estim. 1 200 - 1 500 EUR

Lot 43 - ALBERTO KORDA (La Havane, 1928-2001). "Che Guevara", vers 1960. Photographie, négatif original. Signée et dédicacée dans la partie supérieure gauche. Dimensions : 30 x 21 cm. Korda, de son vrai nom Alberto Díaz Gutiérrez, a eu son premier contact avec la photographie lorsqu'il a pris le Kodak 35 mm de son père et a commencé à photographier sa petite amie. Korda a commencé sa carrière de photographe en photographiant d'abord des banquets, des baptêmes et des mariages. La qualité du travail de Korda en tant que débutant est très médiocre et ses photos se détériorent rapidement. En 1953, Korda ouvre son premier studio avec un photographe nommé Luis Pierce. Au départ, Korda et Pierce réalisent des travaux variés allant de la mode à la publicité. Cependant, en ouvrant son premier studio, Korda a eu l'occasion d'apprendre de ses erreurs et d'arrêter le processus en utilisant les bons produits chimiques. La plupart des travaux étaient photographiés par son partenaire de studio afin de faire tourner l'entreprise. C'est l'argent généré par ces travaux qui a permis à Korda de développer son style unique, qui consiste à regarder une image sous un autre angle, différent de celui des photographes de studio traditionnels. C'est ce style qui a défini et popularisé les photographies réalisées par les studios Korda. Au début, Korda s'intéressait davantage à la mode et devint le principal photographe de mode de Cuba. Korda n'aimait pas l'éclairage artificiel, qu'il considérait comme une "parodie de la réalité", et n'utilisait que la lumière naturelle dans son studio. Maître de la photographie en noir et blanc, il recherchait dans son travail la composition et le cadrage parfaits. Korda avait une ambition créative unique qui dépassait souvent en style la perspective culturelle sans imagination de la photographie cubaine traditionnelle. Cette créativité unique a fait du studio Korda plus qu'une entreprise florissante, un studio d'art.

Estim. 4 000 - 4 500 EUR

Lot 44 - ZAO WOU-KI (Pékin, 1921 - Nyon, Suisse, 2013). "Zoo-4, 1986. Aquatinte, copie H.C. 4/15. Signée et justifiée à la main. Dimensions : 40,5 x 56 cm (épreuve) ; 48 x 63 cm (papier) ; 70 x 86 cm (cadre). Même dans les gravures, Zao Wou-Ki travaille avec de grandes masses de couleurs satinées qui implosent en configurant des big bangs germinaux, des paysages sublimes et primordiaux comme dans cette occasion. Zao Wou-Ki est né dans une famille franco-chinoise et a grandi dans un milieu très cultivé, intéressé par les arts et les sciences. Il étudie la calligraphie dans son enfance, un aspect qui influencera son œuvre de maturité, et se forme ensuite à la peinture à la faculté des beaux-arts de Hangzhou entre 1935 et 1941. Quelques années plus tard, en 1948, il s'installe à Paris, dans le quartier de Montparnasse, où il suit les cours artistiques d'Émile Othon Friesz et entre en contact avec l'avant-garde artistique contemporaine. Il commence à expérimenter la lithographie, technique qu'il finit par maîtriser grâce à son contact avec Desjobert. Il réalise une exposition personnelle à la galerie Creuze en mai 1949, avec une présentation rédigée par Bernard Dorival, conservateur du Musée national d'art moderne. En janvier 1951, Pierre Loeb visite l'atelier de Wou-Ki avec Henri Michaux et organise une exposition à la galerie Pierre pour le mois de juin, jetant ainsi les bases d'une étroite collaboration qui durera six ans. Il expose ainsi régulièrement à la galerie Pierre, rencontre I. M. Pei et sa femme Eileen, et ouvre son cercle d'expositions à la Suisse, Londres, Bâle et Lausanne, ainsi qu'à New York, Washington et Chicago. C'est Michaux qui rédige la présentation du catalogue de sa première exposition new-yorkaise, à la Cadly-Birch Gallery.

Estim. 4 000 - 5 000 EUR

Lot 45 - LUIS FEITO (Madrid, 1929-2021). "Composition. Lithographie. Exemplaire 42/99. Signé et justifié au crayon. Dimensions : 76 x 57 cm ; 93 x 73 cm (cadre). Luís Feito, né et formé à Madrid, est l'un des membres fondateurs du groupe El Paso. En 1954, il réalise sa première exposition individuelle, avec des œuvres non figuratives, à la galerie Buchholz de Madrid. À partir de ce moment, Feito expose régulièrement dans les villes les plus importantes du monde, telles que Paris, Milan, New York, Helsinki, Tokyo et Rome. Nommé professeur à l'école des beaux-arts de San Fernando en 1954, il quitte l'enseignement deux ans plus tard et se rend à Paris avec une bourse pour étudier les mouvements d'avant-garde actuels. Durant cette période, il est influencé par l'automatisme et le "matter painting". En 1962, il devient membre fondateur du groupe El Paso, avec lequel il avait perdu le contact pendant ses années à Paris. Ses premières œuvres s'inscrivent dans la peinture figurative, pour ensuite passer par une phase d'expérimentation du cubisme, et enfin entrer pleinement dans l'abstraction. Au début, il n'utilisait que le noir, l'ocre et le blanc, mais lorsqu'il a découvert le potentiel de la lumière, il a commencé à utiliser des couleurs plus vives et des plans lisses. Il évolue vers l'utilisation du rouge comme contrepoint dans ses compositions (à partir de 1962) et, en général, de couleurs plus intenses. Dans sa phase abstraite, qui comprend les années 1970, Feito montre une nette tendance à la simplification, le cercle prédominant dans ses compositions en tant que forme géométrique. L'influence de l'art japonais est peut-être perceptible dans sa préférence pour les grandes bandes noires. La plupart de ses œuvres n'ayant pas de titre, on les reconnaît généralement au numéro qui leur a été attribué. Il a notamment été nommé officier de l'ordre des Arts et des Lettres de France en 1985. En 1998, il a reçu la médaille d'or des beaux-arts de Madrid et a été nommé membre titulaire de l'Académie royale des beaux-arts de San Fernando. En 2000, il a reçu le prix de l'Association espagnole des critiques d'art au salon Estampa, en 2002 le grand prix AECA du meilleur artiste international à ARCO, en 2003 le prix de l'artiste le plus pertinent à la foire d'art d'Osaka (Japon), en 2004 le prix de la culture des arts plastiques de la communauté de Madrid, en 2005 le prix Francisco Tomás Prieto de la Fábrica Nacional de Moneda y Timbre, et en 2008 le prix de la fondation Jorge Alió et le grand prix de l'art contemporain espagnol CESMAI. Luis Feito est représenté dans les plus grands musées du monde.

Estim. 500 - 600 EUR

Lot 46 - JOAN MIRÓ I FERRÀ (Barcelone, 1893 - Palma de Majorque, 1983). "Barça". Lithographie, copie 50/50 . Signée et numérotée au crayon, Dimensions : 100 x 70 cm ; 116 x 87 cm (cadre). Joan Miró se forme à Barcelone et débute individuellement en 1918, dans les galeries Dalmau. En 1920, il s'installe à Paris et rencontre Picasso, Raynal, Max Jacob, Tzara et les dadaïstes. C'est là, sous l'influence des poètes et des peintres surréalistes, qu'il mûrit son style ; il tente de transposer la poésie surréaliste dans le domaine visuel, en se basant sur la mémoire, la fantaisie et l'irrationnel. Sa troisième exposition à Paris, en 1928, est son premier grand triomphe : le Museum of Modern Art de New York acquiert deux de ses œuvres. Il retourne en Espagne en 1941 et, la même année, le musée lui consacre une rétrospective qui sera sa consécration internationale définitive. Tout au long de sa vie, il reçoit de nombreuses récompenses, telles que les grands prix de la Biennale de Venise et de la Fondation Guggenheim, le prix Carnegie de peinture, les médailles d'or de la Generalitat de Catalunya et des Beaux-Arts, et est nommé docteur honoris causa par les universités de Harvard et de Barcelone. Ses œuvres sont actuellement exposées à la Fondation Joan Miró à Barcelone, ainsi qu'au musée Thyssen-Bornemisza, au MoMA de New York, au musée Reina Sofía de Madrid, à la National Gallery de Washington, au MNAM de Paris et à l'Albright-Knox Art Gallery de Buffalo.

Estim. 2 000 - 2 400 EUR

Lot 47 - MAX NEUMANN (Sarrebruck, Allemagne, 1949) Sans titre, 1990 Huile sur papier collé sur toile. Signée et datée dans le coin inférieur droit. Avec l'étiquette de la galerie Maeght de Barcelone. Dimensions : 220 x 180 cm. L'œuvre que nous présentons nous plonge dans une atmosphère sombre, qui suggère une violence latente. Max Neumann a développé un style personnel d'une grande force. C'est un artiste déjà installé dans son propre univers, qui glisse entre l'abstraction et une figuration énigmatique. Le peintre allemand Max Neumann a participé à de nombreuses expositions personnelles dans des galeries allemandes et étrangères, ainsi qu'à des expositions au Saarland Museum, Saarbrücken, et au Folkwang Museum, Essen, deux des musées allemands d'art contemporain les plus renommés, ce qui montre que Max Neumann est un artiste reconnu dont les œuvres sont représentées dans de grandes collections institutionnelles, publiques et privées à travers le monde. Il vit actuellement à Berlin. Il a suivi une formation de 1969 à 1977 dans les écoles d'art de Sarrebruck, Karlsruhe et Berlin. Expositions individuelles sélectionnées : 2015 -Gallery Bruce Silverstein, New York 2014 Galerie Thomas Levy, Hambourg Galerie Xenon, Bordeaux Galerie Vidal-Saint Phalle, Paris 2013- Galerie Stefan Röpke, Cologne ? Mimmo Scognamiglio artecontemporanea, Milan. Galerie Clairefontaine, Luxembourg 2012 -Galerie Vidal-Saint Phalle, Paris Bruce Silverstein Gallery, New York 2011-Levy, Hamburg 2010- Fondation Antonio Pérez, Centro de Arte Contemporáneo, Cuenca. Museo de Obra Gráfica, San Clemente, Cuenca Galerie Vidal-Saint Phalle, Paris. Galerie des beaux-arts de l'AUP, Université américaine de Paris. Galerie Arnes et Röpke, Madrid. Galerie Stefan Röpke, Cologne. Kunstverein Niebüll, Richard-Haizmann-Museum, Niebüll 2009 -Villa Wessel, Iserlohn. Centre Cultural Contemporani Pelaires, Palma de Mallorca Ronchini Arte Contemporanea, Terni. Freie Akademie der Künste in Hamburg 2008-Galerie Stefan Röpke, Cologne.

Estim. 7 000 - 8 000 EUR

Lot 48 - MANUEL MARÍN (Cieza, Murcie, 1942 - Malaga, 2007). "Sculpture mobile au plafond. Acier polychrome. Certificat d'authenticité joint, délivré par Mme Mónika Rabassa, veuve de l'artiste. Signé sur la base. Dimensions : 167 x 225 x 0,5 cm. Sculpture mobile en métal, que l'artiste a polychromé dans différents tons d'une gamme chromatique primaire. L'artiste a utilisé différents tons d'une gamme chromatique primaire. Cela rapproche la conception d'une esthétique néoplasticiste dans laquelle l'utilisation de cette gamme de couleurs et l'expérimentation dans leur représentation étaient très courantes dans ce courant esthétique. Il convient de mentionner l'œuvre de Manuel Marín, qui démontre son lien évident avec les courants d'avant-garde, l'application et le développement de ceux-ci dans sa propre production à travers un langage unique et personnel. Manuel Marín a débuté dans le monde de la tauromachie à l'âge de dix ans et a fait sa première corrida à seize ans. Cependant, à l'âge de vingt ans, il se rend à Londres et commence à travailler dans une galerie d'art, entrant définitivement dans le monde de la sculpture. Il y rencontre l'artiste britannique Henry Moore, qui l'engage comme assistant dans la réalisation de ses sculptures en bronze. En 1964, il s'installe à New York, où il travaille comme restaurateur d'œuvres d'art jusqu'à ce qu'il ouvre sa propre galerie, The American Indian Art Gallery, qui compte parmi ses clients Warhol, Basquiat, De Kooning, Keith Haring et d'autres. Attiré par les sculptures mobiles, il a commencé à créer ses propres œuvres en 1969 et, l'année suivante, il a organisé sa première exposition à la Alan Brown Gallery à Scardele, dans l'État de New York. Depuis lors, il a exposé ses œuvres dans divers lieux de New York, ainsi qu'au Canada, en Italie, au Mexique, en Chine, à Porto Rico, au Japon et en Espagne. Il possède actuellement des monuments publics dans diverses régions des États-Unis et de l'Espagne, et est représenté dans des collections espagnoles et étrangères, ayant obtenu une reconnaissance critique et publique pour sa production artistique.

Estim. 9 000 - 10 000 EUR

Lot 51 - LLUÍS CLARAMUNT (Barcelone, 1951 - Zarautz, Gipuzkoa, 2000). "À quatre pattes", 1986. Huile sur toile. Avec l'étiquette de la Dau al Set Gallery au dos. Signée et datée dans le coin supérieur droit. Dimensions : 145x 180 cm. Peintre, dessinateur, photographe et graveur de formation autodidacte, Lluís Claramunt a passé sa vie entre Barcelone, Madrid, Séville, Bilbao et Marrakech, et a développé une œuvre influencée par Isidre Nonell et marquée par un expressionnisme à ses débuts, qui disparaîtra progressivement jusqu'à se transformer en une calligraphie minimale. Depuis les années soixante-dix, il a organisé des expositions personnelles dans des galeries importantes telles que Dau al Set à Barcelone, Quatre Gats à Palma de Majorque, Juana de Aizpuru à Séville ou Buades à Madrid, et a également participé à Arco (1984, 1988). Il a également participé à Arco (1984, 1988). Il a également réalisé des expositions personnelles à New York, Amsterdam, Graz (Autriche) et Lisbonne. De même, en 2012, son travail a été présenté dans l'exposition individuelle "El viatge vertical", qui s'est tenue au MACBA de Barcelone. Il est actuellement représenté dans ce musée, à la Fundació Vila Casas, dans la collection La Caixa, au Museo de Bellas Artes de Álava, à l'Asociación Colección de Arte Contemporáneo de Madrid, au Consejo Superior de Deportes et au Ministerio de Cultura de la même ville, ainsi qu'à la Colección Caja Madrid. Récemment, Claramunt a exposé dans la prestigieuse galerie Marc Domenech à Barcelone, qui a consacré son exposition "Luis Claramunt. Años 80" entièrement consacrée à l'œuvre de l'artiste. L'exposition, qui s'est tenue en mai 2016, a présenté plus de soixante-dix œuvres qui ont démontré la prédilection de l'artiste pour les espaces urbains, représentés à travers une palette totalement expressionniste dans laquelle prédomine une palette dynamique et vibrante.

Estim. 3 500 - 4 000 EUR

Lot 58 - TERÁN (Chili, 1974). "Tribute to Banksy", Tribute to Genius Series, 2022. Huile sur toile. Signée dans le coin inférieur droit. Signée, datée et titrée au dos. Dimensions : 60 x 60 cm. Dans le catalogue de l'exposition "Hommage aux génies", il est indiqué que "Terán tente de postuler le retour de la peinture en tant que stratégie symbolique. Ses hommages, qui prennent la forme de pastiches, n'en sont pas. Les artistes auxquels il choisit de rendre hommage sont admirés par lui-même (Francis Bacon, Banksy, Marc Chagall, Jean Dubuffet, Lucio Fontana, Francisco de Goya, Lucian Freud, Keith Haring, David Hockney, Robert Indiana, Jaspers Johns, Yves Klein, Kusama-Velázquez, Roy Lichtenstein, René Magritte, Roberto Matta, Joan Miró, Pablo Picasso, Jackson Pollock, Joaquín Sorolla et Andy Warhol). La liste ne pourrait être plus hétérogène. Elle ne suit aucun ordre. Il rend hommage aux artistes qu'il admire, même si son propre travail n'a rien à voir avec le leur. L'hétérogénéité de ses préférences est évidente et donne raison à E. Gombrich pour qui il n'y a pas d'art mais des artistes. Ce nominalisme extrême le conduit à faire l'impasse sur les catégories esthétiques, comme sur les chronologies". Artiste chilien vivant en Espagne, diplômé des Beaux-Arts, Manuel Terán a développé son travail créatif dans le domaine des arts plastiques et des nouvelles technologies appliquées à l'art. Depuis qu'il s'est fait connaître en 1995 au Salón de Otoño del Círculo de Bellas Artes à Santiago du Chili, il a organisé des expositions individuelles et participé à des expositions collectives et à des foires en Amérique latine et en Europe. Il a reçu des prix tels que celui de l'Académie royale des beaux-arts du Chili.

Estim. 800 - 1 000 EUR

Lot 59 - TERÁN (Chili, 1974). "Hommage à Warhol", série Hommage au génie, 2022. Huile sur toile. Signée dans le coin inférieur droit. Signée, datée et titrée au dos. Dimensions : 60 x 60 cm. Dans le catalogue de l'exposition "Hommage aux génies", il est indiqué que "Terán tente de postuler le retour de la peinture en tant que stratégie symbolique. Ses hommages, qui prennent la forme de pastiches, n'en sont pas. Les artistes auxquels il choisit de rendre hommage sont admirés par lui-même (Francis Bacon, Banksy, Marc Chagall, Jean Dubuffet, Lucio Fontana, Francisco de Goya, Lucian Freud, Keith Haring, David Hockney, Robert Indiana, Jaspers Johns, Yves Klein, Kusama-Velázquez, Roy Lichtenstein, René Magritte, Roberto Matta, Joan Miró, Pablo Picasso, Jackson Pollock, Joaquín Sorolla et Andy Warhol). La liste ne pourrait être plus hétérogène. Elle ne suit aucun ordre. Il rend hommage aux artistes qu'il admire, même si son propre travail n'a rien à voir avec le leur. L'hétérogénéité de ses préférences est évidente et donne raison à E. Gombrich, pour qui il n'y a pas d'art mais des artistes. Ce nominalisme extrême le conduit à faire l'impasse sur les catégories esthétiques, comme sur les chronologies". Artiste chilien vivant en Espagne, diplômé des Beaux-Arts, Manuel Terán a développé son travail créatif dans le domaine des arts plastiques et des nouvelles technologies appliquées à l'art. Depuis qu'il s'est fait connaître en 1995 au Salón de Otoño del Círculo de Bellas Artes à Santiago du Chili, il a organisé des expositions individuelles et participé à des expositions collectives et à des foires en Amérique latine et en Europe. Il a reçu des prix tels que celui de la Real Academia de San Carlos de Valencia (2004).

Estim. 800 - 1 000 EUR

Lot 60 - TERÁN (Chili, 1974). "Hommage à Pollock", série Hommage au génie, 2022. Huile sur toile. Signée dans le coin inférieur droit. Dimensions : 60 x 60 cm. Dans le catalogue de l'exposition "Hommage aux génies", il est indiqué que "Terán tente de postuler le retour de la peinture en tant que stratégie symbolique. Ses hommages, qui prennent la forme de pastiches, n'en sont pas. Les artistes auxquels il choisit de rendre hommage sont admirés par lui-même (Francis Bacon, Banksy, Marc Chagall, Jean Dubuffet, Lucio Fontana, Francisco de Goya, Lucian Freud, Keith Haring, David Hockney, Robert Indiana, Jaspers Johns, Yves Klein, Kusama-Velázquez, Roy Lichtenstein, René Magritte, Roberto Matta, Joan Miró, Pablo Picasso, Jackson Pollock, Joaquín Sorolla et Andy Warhol). La liste ne pourrait être plus hétérogène. Elle ne suit aucun ordre. Il rend hommage aux artistes qu'il admire, même si son propre travail n'a rien à voir avec le leur. L'hétérogénéité de ses préférences est évidente et donne raison à E. Gombrich, pour qui il n'y a pas d'art mais des artistes. Ce nominalisme extrême le conduit à faire l'impasse sur les catégories esthétiques, comme sur les chronologies". Artiste chilien vivant en Espagne, diplômé des Beaux-Arts, Manuel Terán a développé son travail créatif dans le domaine des arts plastiques et des nouvelles technologies appliquées à l'art. Depuis qu'il s'est fait connaître en 1995 au Salón de Otoño del Círculo de Bellas Artes à Santiago du Chili, il a organisé des expositions individuelles et participé à des expositions collectives et à des foires en Amérique latine et en Europe. Il a reçu des prix tels que celui de la Real Academia de San Carlos de Valencia (2004).

Estim. 800 - 1 000 EUR

Lot 61 - CHRIS OFILI (Manchester, 1968). Sans titre, 1997. Aquarelle et crayon sur papier. Signé et daté au dos du dessin. Dimensions : 24 x 15,5 cm ; 40 x 30 cm (cadre). Chris Ofili crée des peintures et des œuvres sur papier complexes et kaléidoscopiques qui fusionnent l'abstraction et la figuration. Chris Ofili s'est fait connaître dans les années 1990 pour ses peintures complexes et ludiques, agrémentées d'un mélange caractéristique de résine, de paillettes et de collages. Ses œuvres vibrantes, symboliques et souvent mystérieuses s'inspirent des paysages luxuriants et des traditions locales de l'île de Trinidad, où il vit depuis 2005. Il utilise un large éventail de sources esthétiques et culturelles, notamment les peintures rupestres zimbabwéennes, les films de genre "blaxploitation", les Métamorphoses d'Ovide et la peinture moderniste. Le travail d'Ofili étudie l'intersection du désir, de l'identité et de la représentation. Né en 1968 à Manchester, en Angleterre, Ofili a obtenu sa licence à la Chelsea School of Art de Londres en 1991 et sa maîtrise au Royal College of Art de Londres en 1993. En 2005, l'artiste a rejoint David Zwirner, où il a présenté quatre expositions individuelles à la galerie new-yorkaise. À l'occasion de l'ouverture de son nouveau bâtiment, l'Institute of Contemporary Art Miami a commandé à Ofili une installation à long terme, qui a été exposée de 2017 à 2019. En 2017, la National Gallery de Londres a présenté "Chris Ofili : Weaving Magic", qui marquait la première fois que l'artiste travaillait dans le domaine de la tapisserie. La même année, Ofili a créé une œuvre d'art spécifique au site, incorporant une peinture murale, pour Marisol, le restaurant nouvellement réaménagé du Museum of Contemporary Art Chicago. En 2015, un groupe de peintures d'Ofili a été inclus dans "All The World's Futures", la 56e exposition internationale d'art de la Biennale de Venise, organisée par Okwui Enwezor. L'œuvre de l'artiste a fait l'objet d'expositions individuelles dans le monde entier, notamment "Chris Ofili : Night and Day", la première grande exposition individuelle de l'artiste dans un musée aux États-Unis. L'exposition a été organisée par le New Museum à New York, où elle a été présentée pour la première fois en 2014, et s'est rendue à l'Aspen Art Museum dans le Colorado en 2015. D'autres expositions monographiques ont eu lieu au Arts Club of Chicago (2010), à la Tate Britain, à Londres (2010 et 2005), à la kestnergesellschaft, à Hanovre (2006), au Studio Museum in Harlem, à New York (2005), et au pavillon britannique de la 50e Biennale de Venise, à Venise (2003). En 2017, Ofili s'est vu décerner le titre de Commandeur de l'Ordre le plus excellent de l'Empire britannique (CBE) par la Reine, et en 1998, il a reçu le prestigieux prix Turner. Les œuvres de l'artiste sont représentées dans les principales collections internationales, notamment le British Museum, Londres ; le Carnegie Museum of Art, Pittsburgh, Pennsylvanie ; le Museum of Contemporary Art, Los Angeles ; le Museum of Modern Art, New York ; la Galerie nationale du Canada, Ottawa ; la Tate Gallery, Londres ; le Victoria and Albert Museum, Londres ; et le Walker Art Center, Minneapolis, Minnesota.

Estim. 9 000 - 10 000 EUR

Lot 63 - SAM FRANCIS (San Mateo, Californie, 1923 - Santa Monica, Californie 1994). Sans titre, 1984 (SFF.1099 aka SFP84-46). Acrylique sur toile. Signée au verso en cursive par l'artiste : "Sam Francis" avec les inscriptions "SFP84-45" au marqueur bleu et 1984 au crayon gris. Provenance : -Galerie Nantenshi, Tokyo (1985). -Collection privée, Japon. Certificat d'authenticité joint, délivré par la Fondation Sam Francis. Classé dans le catalogue raisonné sous le no. SFF. 1099. Dimensions : 5,08 x 7,62 cm ; 33 x 40 cm (cadre). Dans cette toile, San Francis nous présente une composition consacrée à l'étude du rythme et à la décomposition linéaire de formes abstraites. Des styles comme le néo-plasticisme et le constructivisme ont été assimilés de manière personnelle, mais le Californien va plus loin et rompt avec cette idée de lignes pures, laissant des espaces au hasard et à l'expressivité de la matière picturale elle-même, comme on peut le voir dans les gouttes de peinture renversées. San Francis a étudié la botanique, la médecine et la psychologie à l'université de Berkeley en Californie entre 1941 et 1943, et a servi dans l'armée de l'air américaine pendant la Seconde Guerre mondiale de 1943 à 1945 avant d'être blessé dans un accident d'avion. Il passe plusieurs années à l'hôpital, et c'est pendant cette période qu'il commence à peindre, sous l'impulsion de son ami David Parks, professeur à l'école des beaux-arts de San Francisco. Une fois sorti de l'hôpital, il retourne à Berkeley, cette fois pour étudier l'art. Ses études de peinture et d'histoire de l'art durent de 1948 à 1950. Les premières œuvres de Francis sont directement influencées par les expressionnistes abstraits tels que Rothko, Gorky et Still. Pendant les années 1950, il vit à Paris, où il présente sa première exposition personnelle en 1952 à la galerie Nida Dausset. Au cours des années cinquante et soixante, il réalise d'importantes expositions personnelles et participe à des expositions collectives à la Ribe Droite (Paris, 1955), à Martha Jackson (New York, 1956), à Gimpel Fils (Londres, 1957), à l'exposition "New American Painting", qui fait le tour de huit villes européennes (1958), à la Documenta de Kassel (1959 et 1964) et aux Kunsthalle de Berne et de Düsseldorf. En 1963, il s'installe à Santa Monica, en Californie, et six ans plus tard, l'université de Berkeley lui décerne un doctorat honorifique. C'est au cours de cette période, entre 1960 et 1963, qu'il crée plusieurs séries d'œuvres, dont la série des "Blue Balls". Constituées de formes et de gouttes bleues essentiellement biomorphiques, ces œuvres font référence à la douleur résultant de la tuberculose rénale dont il est atteint en 1961. Il continue à peindre, principalement à Los Angeles, mais aussi à Tokyo, où il vit principalement en 1973-4. En 1965, Francis a commencé une série de peintures présentant de grandes surfaces de toile ouverte, des couleurs minimales et des lignes fortes. Son travail évolue encore après qu'il a entamé une analyse jungienne intensive avec le Dr James Kirsch en 1971. C'est alors qu'il a commencé à prêter une attention particulière à ses rêves et aux images inconscientes qu'ils suggéraient. Les œuvres de Francis du début des années 1970 ont été qualifiées d'images d'air frais. Créées en ajoutant des flaques, des gouttes et des éclaboussures de couleur à des bandes de peinture humides appliquées au rouleau, ces œuvres réaffirment l'intérêt de l'artiste pour la couleur. En 1973-4, de nombreuses peintures de Francis présentent une grille formelle ou une matrice composée de traces de couleur hachurées. Beaucoup de ces œuvres matricielles sont de grande taille, mesurant jusqu'à trois mètres de long. Après 1980, la structure formelle de la grille disparaît progressivement de l'œuvre de Francis. Il a été extrêmement actif en tant que graveur, créant de nombreuses eaux-fortes, lithographies et monotypes, dont beaucoup ont été exécutés à Santa Monica dans le propre Litho Shop de Francis. En 1984, Francis a fondé The Lapis Press dans le but de produire des textes inhabituels et opportuns dans des formats visuellement attrayants.

Estim. 10 000 - 12 000 EUR

Lot 66 - VICTOR MIRA (Saragosse, 1949 - Munich, 2003). "Bachcantata". 1992 Acrylique sur carton. Signé dans le coin inférieur gauche. Certificat d'authenticité joint, délivré par Esther Romero Fajardo. Dimensions : 54 x 53 cm ; 74 x 74 cm (cadre) Peintre, sculpteur, graveur et écrivain, sa formation a été essentiellement autodidacte. À l'âge de dix-huit ans, il présente sa première exposition individuelle à la galerie N'Art de Saragosse, qui est aussi la première exposition de sculpture en plein air organisée dans cette ville. Peu après, il s'installe à Madrid, où il expose en 1973 à la galerie Pol Verdié. Pendant ses années dans la capitale, il assiste aux Rencontres de Pampelune, où il rencontre John Cage. Deux ans plus tard, en 1974, Ana María Canales publie son livre "Víctor Mira, eres mi pintor preferido" (Victor Mira, tu es mon peintre préféré). En 1975, elle se rend à Heidelberg, où elle vit pendant cinq mois, et publie la même année "El libro de las dos hojas". En 1976, il commence à travailler en Allemagne sur ses séries "Spanische Haltung" et "Manos". Après avoir passé un certain temps entre Madrid et l'Allemagne, il s'installe à Barcelone en 1977. C'est là qu'il commence son cycle de peintures "Interiores catalanes con tomate" et qu'il publie en 1979 son premier recueil de poèmes, "El bienestar de los demonios". La même année, il réalise sa première exposition personnelle à Munich, à la galerie Tanit, et l'année suivante, il expose ses œuvres aux États-Unis, à la galerie George Staempfli de New York. Dès lors, sa carrière internationale prend son essor, avec des expositions en Allemagne, aux États-Unis, aux Pays-Bas, en Suisse, en Suède, en Norvège, en Colombie, en France, en Belgique et en Autriche, tout en continuant à exposer régulièrement en Espagne. En 1983, il se rend pour la première fois aux États-Unis, invité par le Meadows Museum de Dallas. La même année, il travaille dans les ateliers de gravure de la Southern Methodist University de Dallas et passe cinq mois à New York. C'est également en 1983, à Barcelone, qu'il réalise sa première série de sculptures en fer, "Cultura del arco" et "Mediodías". En 1997, Amy Chaiklin l'invite à participer à la Biennale d'art de New York et, six ans plus tard, peu avant sa mort, il reçoit le prix du meilleur artiste espagnol vivant à la foire ARCO. L'exposition rétrospective la plus récente consacrée à cet artiste a eu lieu à Düsseldorf, en Allemagne, à la galerie Beck & Eggeling. Des œuvres de Mira sont conservées dans des musées et des collections privées du monde entier, notamment au Museum of Modern Art de New York, au Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, au MACBA de Barcelone, aux musées des beaux-arts de Vitoria et de Saragosse, à la Fondation Beulas de Huesca et au Museo Colecciones ICO de Madrid, entre autres.

Estim. 1 400 - 1 500 EUR

Lot 68 - RON ENGLISH (Chicago, 1959) pour Made by Monsters Toys. "Masque de souris Murphy". Édition limitée, exemplaire 63/300. Vinyle. Avec le cachet de l'éditeur et numéroté. Avec boîte d'origine. Produit par Made by Monsters Toys. En bon état. Dimensions : 22 cm (hauteur) ; 26 x 28,5 x 14,5 cm (boîte). Ron English x Made by Monsters JPS a sorti ce "Bondage Shaved Mouse Mask Murphy" enchaîné à l'un des dessins emblématiques d'English, le "Bondage Smiley Grin". Les Art Toys de Ron English sont un mélange de pop art et de propagande qui suit le concept de "Culture Jamming", que l'on peut traduire par sabotage culturel ou détournement, dans lequel il incorpore une iconographie dérivée des bandes dessinées de super-héros, de l'histoire de l'art, de la publicité ou de la politique. English joue ainsi avec l'iconographie des multinationales, de la culture populaire ou de l'histoire de l'art, comme Joe Camel, McDonalds, Vincent vanGogh ou Mickey Mouse, en les modifiant et en les satirisant pour symboliser le contraire des valeurs qu'ils représentent. Le nom d'English est apparu dans les plus grands magazines du monde (The New York Times, The Wall Street Journal, USA Today, The Miami Herald, The Washington Post, The Los Angeles Times, LA Weekly, Art News, Time Magazine, Rolling Stone, Creem, Juxtapoz Magazine, Hi Fructosa, Mad Magazine, entre autres). Il est apparu au cinéma et à la télévision dans Exit Through the Gift Shop, Supersize Me, The Simpsons, Work of Art, Street Art Throwdown, CNN, BBC, Sky TV et bien d'autres encore. Outre ses pratiques artistiques et ses peintures murales, English a réalisé des pochettes d'albums pour des musiciens tels que les Dandy Warhols et Slash, des illustrations pour le documentaire Super Size Me et divers Art Toys. En bon état.

Estim. 800 - 900 EUR

Lot 69 - "KAWS", BRIAN DONNELLY (New Jersey, 1974) pour Medicom Toy China. "Compagnon cinq ans plus tard", 2004. PVC peint en noir. Signé sur la plante des pieds. Produit par Medicom Toy China. Avec boîte d'origine. En bon état. Dimensions : 38 cm (hauteur) ; 43 x 22 x 15 mm (boîte). Dans la vaste gamme des créations de Kaws, les "Compagnons" se distinguent, des figures inspirées du personnage de Mickey Mouse, une icône que l'artiste connaît bien puisqu'il a commencé sa carrière dans les studios Disney en tant qu'animateur. Ses compagnons portent également des gants blancs et les chaussures de la souris, mais à la place des yeux, ils portent deux croix. Son iconographie basée sur la culture populaire ne s'est pas seulement concentrée sur la figure de Mickey, mais il y a aussi des compagnons basés sur Star Wars, Bob l'éponge ou les personnages de Sesame Street. L'artiste et designer américain Kaws se distingue par son travail distinctif qui s'étend sur plusieurs décennies. Son répertoire de personnages et de motifs figuratifs, certains créés par lui-même et d'autres réinterprétés à partir d'icônes existantes, a laissé une marque unique dans le monde de l'art contemporain. Les sculptures de Kaws présentent une diversité impressionnante, allant de dimensions réduites à des tours de dix mètres de haut. Fabriquées à partir de matériaux tels que la fibre de verre, l'aluminium, le bois, le bronze et même un ingénieux ponton gonflable en acier, ses créations sont une fusion de l'innovation technique et de l'expression artistique. Les œuvres de Kaws ont trouvé leur place dans les galeries et les musées, ainsi que dans les collections permanentes des institutions publiques. Elles ont également attiré l'attention de collectionneurs passionnés, dont le producteur de musique Swizz Beatz et le célèbre rappeur Pharrell Williams. De nombreux livres ont été publiés pour illustrer et analyser son œuvre puissante. Installé à Brooklyn, New York, Kaws ne se contente pas de créer des sculptures, mais explore également d'autres formes d'art telles que la peinture acrylique sur toile et la sérigraphie. Son influence s'étend au domaine commercial, où il a principalement collaboré à la production de jouets en édition limitée, ainsi qu'à la conception de vêtements, de planches à roulettes et d'autres produits. Le style distinctif de Kaws se caractérise par une emphase vibrante sur la couleur et la ligne, ainsi que par des graphiques emblématiques, tels que l'inclusion répétée du "x" dans les mains et les yeux. Son travail se distingue également par la réappropriation intelligente d'icônes de la culture pop, telles que Mickey Mouse, Bibendum, les Schtroumpfs, Snoopy et Bob l'éponge. En bon état.

Estim. 6 000 - 7 000 EUR

Lot 70 - ROBERT INDIANA (Indiana, États-Unis, 1928 - Maine, États-Unis, 2018). "Amour Rouge Bleu Vert". Polystone peint, spécimen 356/500. Certificat d'authenticité et boîte d'origine joints. Dimensions : 15 x 15 cm. La série LOVE est une collection de sculptures créées par l'artiste américain Robert Indiana. La première sculpture LOVE a été créée en 1970, mais son origine remonte à six ans plus tôt, lorsque le Museum of Modern Art de New York a demandé à Indiana de créer une carte de Noël. Pour ces imprimés de Noël, Indiana a créé le célèbre motif que nous connaissons aujourd'hui : les lettres L, O, V et E en caractères à empattement et empilées les unes sur les autres. La sculpture LOVE originale, aujourd'hui conservée au musée d'art d'Indianapolis, a connu un succès immédiat lorsqu'elle a été dévoilée en 1970. Pendant plusieurs décennies, Indiana a créé plus de 50 éditions de la sculpture pour des lieux du monde entier, de New York à Philadelphie en passant par Singapour et Taipei. Robert Indiana était un costumier, peintre, sculpteur et dessinateur de timbres américain associé au mouvement Pop Art. Indiana a également travaillé à la conception de décors et de costumes pour des œuvres théâtrales. Ses œuvres utilisent des symboles et des mots de la vie quotidienne peints dans les couleurs vives du pop art, et dépeignent la culture et la vie américaines de manière ironique, contenant souvent des critiques politiques de la société américaine. Certificat d'authenticité et boîte d'origine inclus.

Estim. 900 - 1 000 EUR

Lot 71 - ROBERT INDIANA (New Castle, Indiana, États-Unis, 1938 - Vinalhaven, Maine, États-Unis, 2018). Série LOVE . Tapisserie en laine indienne 100% faite à la main. Exemplaires numérotés. Avec certificat signé dans la plaque et numéroté à la main au dos. Dimensions : 60 x 60 cm (les petits), 78 x 78 cm (les grands). Tous les tapis "LOVE" de l'édition illimitée sont fabriqués à la main dans la ville de Varasani. Pendant le processus de production, ils respectent l'environnement et leurs travailleurs, et n'ont pas recours au travail des enfants. La fabrication de ces tapis requiert un savoir-faire exceptionnel, chaque tapis étant réalisé du début à la fin par un seul artisan. Robert Indiana est l'une des figures prééminentes de la scène artistique américaine depuis les années 1960. Il est à l'origine du développement de la technique d'assemblage et des mouvements Hard Edge et American Pop Art. Indiana a étudié à l'Art Institute of Chicago, à la Skowhegan School of Painting and Sculpture, ainsi qu'à l'Edinburgh School of Art. En plus d'être peintre, Robert Indiana a été concepteur de décors et de costumes pour le théâtre, dans des productions telles que The Mother of Us All de l'Opéra de Santa Fe, et a joué dans le film Eat réalisé par Andy Warhol. Il s'est autoproclamé "peintre américain des signes" et, tout au long de sa longue carrière, il a exploré, et en même temps construit, l'identité américaine à travers une iconographie variée. Son langage visuel particulier, que l'on pourrait définir comme du "lyrisme", est marqué par des slogans tels que HUG, EAT et le célèbre "LOVE". Il est devenu l'emblème qui continue d'unir de nombreuses générations artistiques et fait désormais partie de l'inconscient collectif dans le monde entier. La série emblématique LOVE, reconnaissable à LO et VE empilés l'un sur l'autre et disposés en carré, et à laquelle appartient notre pièce, a été utilisée pour la première fois dans un ensemble de poèmes écrits en 1958. Puis, au cours de l'été 1965, le MoMA a demandé à Indiana de concevoir des cartes de Noël, approuvant finalement ce dessin rouge, bleu et vert. Sa véritable traduction sémantique est profondément liée au christianisme et à l'enfance de l'artiste, éduqué selon l'Église du Christ, Scientiste. Dans une lettre épistolaire adressée au collectionneur Larry Aldrich, Indiana raconte que la fondatrice de cette église, Mary Baker Eddy, avait écrit une phrase intitulée "Dieu est amour", qui était une devise officieuse du christianisme scientiste. C'est de là qu'est née l'idée d'un amour supérieur qu'Indiana a finalement voulu transmettre dans toutes ses œuvres, des années 1960 jusqu'à sa mort. En 2008, Indiana a créé une image très similaire pour la campagne présidentielle de Barack Obama, où ce symbole a été utilisé pour divers objets de propagande. Robert Indiana a participé à des centaines d'expositions individuelles et collectives dans le monde entier. Il a notamment exposé trois fois en Espagne, en 1992 à la Galería 57, en 2009 à la Galería Barcelona, et enfin en 2012 au Museo de Pasión à Valladolid. Certificat signé dans la plaque et numéroté à la main au dos.

Estim. 2 000 - 2 200 EUR

Lot 72 - SALVADOR DALÍ I DOMÈNECH (Figueras, Girona, 1904 - 1989). "Les dix commandements", 1975. Collection de 10 médailles en argent et étui en méthacrylate avec signature imprimée. Signé par l'artiste. Dimensions : 5 cm de diamètre pour chaque médaille. Collection composée de dix pièces qui symbolisent les 10 commandements. A titre d'exemple, la pièce correspondant au dixième commandement (Tu ne convoiteras pas les biens d'autrui) montre un palais aux proportions monumentales, dont la construction et la décoration témoignent d'une grande richesse, et un chevalier pénétrant dans les magnifiques salles du palais. À droite, une cabane précaire et léthargique protège un pauvre homme ; correspondant au neuvième commandement (Tu ne convoiteras pas la femme de ton prochain), sur la pièce, la signification symbolique souhaitée est atteinte par l'inversion d'une image qui, vue de droite à gauche, représente la piété due à un esclave ayant les mains liées dans le dos. Vue à l'envers, de gauche à droite, l'image change de sens. Ce qui était piété se transforme en désir de concupiscence érotique, puisque ce qui était auparavant la tête du personnage devient la partie arrière. Peintre et sculpteur, Salvador Dalí a été l'un des plus grands représentants du mouvement surréaliste. Son œuvre a grandement influencé le cours du surréalisme au cours des années vingt et trente, étant reconnu comme le créateur de la méthode paranoïaque-critique, une combinaison essentielle du réel et de l'imaginaire. La majeure partie de sa production est rassemblée au Théâtre-musée Dalí de Figueras, puis dans les collections du Salvador Dalí Museum de St. Petersburg (Floride), du Reina Sofía de Madrid, de la Salvador Dalí Gallery de Pacific Palisades (Californie), de l'Espace Dalí de Montmartre (Paris) ou du Dalí Universe de Londres.

Estim. 1 000 - 1 200 EUR

Lot 73 - SALVADOR DALÍ I DOMÈNECH (Figueras, Girona, 1904 - 1989). "Madonne au serpent", 1966. Plâtre doré. L'édition est constituée, d'une part, de trois pièces en plâtre qui ont été offertes à trois restaurants catalans de Barcelone, Tarragone et Figueres ; d'autre part, d'autres copies dans le même matériau qui ont été réalisées pour des amis et des parents de Joan Duran, créateur du cadre qui entoure la sculpture (c'est à ce dernier groupe qu'appartient l'œuvre en adjudication). Un dernier exemplaire en bronze doré fait également partie de l'édition. Signé et daté dans le coin inférieur gauche. Cadre réalisé par Joan Durán. Catalogué dans : "Le dur et le mou, Eccart, R&N Descharnes, p. 204, fig. 496. Dimensions : 49,5 x 33 x 6,5 cm (plâtre) ; 62,7 x 46,5 x 12,5 cm (cadre). Des éléments typiquement daliniens ornent le cadre de ce relief de l'Immaculée Conception : une série d'escargots, allusion à la rencontre du maître surréaliste avec Sigmund Freud, sont flanqués de deux œufs symbolisant la fertilité, un motif maintes fois répété dans le répertoire de Dalí, qui orne même le toit du Musée Salvador Dalí de Figueras, Dans ses jeunes années, Dalí découvre la peinture contemporaine lors d'une visite familiale à Cadaqués, où il rencontre la famille de Ramon Pichot, un artiste qui se rend régulièrement à Paris. Sur les conseils de Pichot, Dalí commence à étudier la peinture avec Juan Núñez. En 1922, Dalí s'installe à la célèbre Residencia de Estudiantes de Madrid pour commencer à étudier les beaux-arts à l'Académie San Fernando. Cependant, avant ses examens finaux en 1926, il est renvoyé pour avoir prétendu qu'il n'y avait personne en mesure de l'examiner. La même année, Dalí se rend pour la première fois à Paris. Il y rencontre Picasso et établit certaines caractéristiques formelles qui deviendront distinctives de toute son œuvre à partir de ce moment-là. Pendant cette période, Dalí expose régulièrement à Barcelone et à Paris, et rejoint le groupe surréaliste basé dans le quartier parisien de Montparnasse. Le peintre débarque en Amérique en 1934, grâce au marchand d'art Julian Levy. Sa première exposition individuelle à New York consolide définitivement sa projection internationale et, depuis lors, il expose ses œuvres et donne des conférences dans le monde entier. La majeure partie de sa production est rassemblée au Théâtre-musée Dalí de Figueras, puis dans les collections du Salvador Dalí Museum de St. Petersburg (Floride), du Reina Sofía de Madrid, de la Salvador Dalí Gallery de Pacific Palisades (Californie), de l'Espace Dalí de Montmartre (Paris) ou du Dalí Universe de Londres.

Estim. 10 000 - 12 000 EUR

Lot 75 - JOAN HERNÁNDEZ PIJUAN (Barcelone, 1931 - 2005). "Nature morte", 1969. Huile sur toile. Avec l'étiquette de Sala Gaspar au dos. Dimensions : 46 x 55,5 cm ; 48 x 57 cm (cadre). Dans cette œuvre, Hernández Pijuan reprend le genre classique de la nature morte et lui donne un traitement apparemment figuratif. Cependant, il essentialise le thème et le spiritualise, lui donnant une cadence métaphysique. Les deux œufs semblent flotter dans le vide, malgré l'étagère sur laquelle ils sont posés, de couleur légèrement plus foncée que l'arrière-plan. Pijuan reprend ici la charge symbolique des natures mortes baroques. Les œufs pourraient représenter le cycle de la vie et de la mort. Par leur fragilité, ils sont une métaphore de la fragilité de la vie. Ils symbolisent également la perfection, mais aussi la dualité de la nature humaine. La peinture peut également être considérée comme un commentaire sur la nature de l'art et son pouvoir. Cette œuvre peut être rapprochée de "Espai marró amb ou" (1970) de la collection du musée Reina Sofía. Joan Hernández Pijuan a commencé sa formation à Barcelone, dans les écoles de la Lonja et des Beaux-Arts de Sant Jordi, puis l'a complétée à l'École des Beaux-Arts de Paris. Nommé professeur à la faculté des beaux-arts de Barcelone en 1981, Hernández Pijuan occupe une place singulière parmi les artistes espagnols des dernières décennies. La force de son individualité créatrice le place en marge des tendances et des modes dominantes successives, mais n'empêche pas de reconnaître dans son œuvre une profonde identification avec les préoccupations esthétiques de son temps. Hernández Pijuan a commencé sa carrière en pratiquant un expressionnisme tragique à forte charge sociale, et il a formé à cette époque, avec le reste des membres du groupe Sílex, ce que l'on appelle l'école de Barcelone. Dans les années soixante-dix, il simplifie son expression jusqu'à adopter une figuration géométrique, style qu'il abandonne dans la décennie suivante pour se consacrer à l'informalisme. En fait, l'intérêt et la fascination pour la carrière de ce peintre se poursuivent plus que jamais et font l'objet de nouvelles expositions et de présentations publiques de son œuvre. De son vivant, il a exposé individuellement dans plusieurs villes espagnoles ainsi qu'à Zurich, Milan, Johannesburg, Cologne, Genève, New York, Paris et Osaka, entre autres villes du monde. En 2003, une importante rétrospective lui a été consacrée au MACBA de Barcelone, qui a ensuite été présentée au Musée d'art et d'histoire de Neuchâtel (France), à la Konsthalle de Malmö (Suède) et à la Galleria Comunale d'Arte Moderna de Bologne (Italie). Même après sa mort, son œuvre a continué à être présentée au niveau international, comme en témoignent les expositions qui lui ont été consacrées à la Flowers Gallery de Londres (2006), aux Instituts Cervantes de New York, Chicago et Lisbonne (2007), au Musée d'art abstrait espagnol de Cuenca (2008), à la Galerie Andres Thalmann de Zurich (2009), au Baukunst de Cologne (2010), à l'Altana Kulturstiftung de Bad Homburg (Allemagne, 2011) et au Musée d'art moderne de Moscou (2012), parmi beaucoup d'autres. Hernández Pijuan a été doyen de la faculté des beaux-arts de l'université de Barcelone et, en 2000, il a été nommé académicien de la Real Academia de San Fernando à Madrid. En 1981, il a reçu le prix national des arts plastiques, en 1985 la croix de Sant Jordi et, en 2004, le prix de la ville de Barcelone. Il a également reçu le prix de la direction générale des beaux-arts à l'exposition nationale d'Alicante en 1957, le premier prix de peinture "Peintres résidents" à Paris (1958), le prix "Malibor" à la biennale de gravure de Ljubljana (1965), la biennale internationale de gravure de Cracovie (1966) et le prix de la rédaction "Vijesnik u Srijedu" à Zagreb (1970). Hernández Pijuán est représenté au MACBA, au musée d'art abstrait espagnol de Cuenca, au Reina Sofía de Madrid, au musée Patio Herreriano de Valladolid et au musée basque d'art contemporain, ainsi que dans des centres étrangers tels que le musée Guggenheim de New York, le Liaunig (Autriche), le musée d'art contemporain d'Helsinki et le musée d'art contemporain de la ville d'Amsterdam, Le Musée d'Art Contemporain d'Helsinki et de Luxembourg, la Kulturstiftung de Bad Homburg (Autriche), la Yamaguchi Gallery d'Osaka (Japon), le Palais des Beaux-Arts de Bruxelles, la Galerie Nationale de Montréal, le Musée d'Art Moderne de Buenos Aires et le Musée Sztuki de Lodz (Pologne).

Estim. 6 000 - 7 000 EUR

Lot 76 - EDUARDO ARRANZ BRAVO (Barcelone, 1941-2023). "Susa II", 2006. Huile sur toile. Signée et datée dans le coin inférieur droit. Signée, datée, localisée et titrée au dos. Dimensions : 61 x 46 cm ; 63,5 x 47,5 cm (cadre). À cette occasion, Arranz Bravo subordonne à l'abstraction la représentation d'une figure humanoïde dont le corps de couleur métallique aux formes entre mécanique et organique suggère une certaine ambivalence métaphysique. Arranz Bravo a été un artiste total, théoricien et exécutant, clé dans le développement de l'avant-garde catalane et espagnole de la seconde moitié du XXe siècle. Son œuvre et sa personnalité font partie de l'histoire de la lutte et de la rupture des artistes espagnols pendant les dernières décennies du régime franquiste. Arranz Bravo a été le fer de lance de cette ouverture, de ce rejet du manichéisme traditionaliste qui a conduit à la rénovation complète de l'art espagnol et l'a replacé dans l'avant-garde européenne. Eduardo Arranz Bravo a été formé à l'école des beaux-arts de Sant Jordi, à Barcelone, entre 1959 et 1962. Il fait ses débuts individuels en 1961, à l'University Club de Barcelone, mais l'exposition qui le fait connaître de la critique barcelonaise est celle organisée par l'Ateneo de Barcelone en 1961. Entre 1968 et 1970, il fait partie du groupe formé par Gerard Sala, Robert Llimós et Rafael Lozano Bartolozzi. Il continue à collaborer avec ces derniers jusqu'en 1982, alternant expositions communes et individuelles. Le contact avec ces artistes a influencé son style initialement abstrait, qui s'est rapproché de la nouvelle figuration et du pop art. Il a exposé dans toute l'Espagne, ainsi qu'à Paris, Amsterdam, Venise, São Paulo et Rio de Janeiro. En 1983, il a organisé une exposition anthologique de son œuvre à la Sala Gaspar de Barcelone et, entre 1986 et 1988, il a été chargé de la direction artistique des films de Jaime Camino "El balcón abierto" et "Luces y sombras". Il participe au VIIIe Salón de Mayo à Barcelone et aux expositions "Muestra de Arte Nuevo" (Barcelone, 1971), "Picasso 90" (Musée du Louvre, 1971), "Experiencias conceptuales" (Barcelone, 1971-72), entre autres. En 1989, il a présenté une exposition des travaux de ses trois dernières années au musée d'art moderne de São Paulo, ainsi qu'une exposition anthologique au Palau Robert de Barcelone. Parmi les prix qu'il a reçus, citons la IIe Biennale internationale du sport, le prix de la figure de la Biennale Estrada Saladich et le prix du dessin Ynglada-Guillot. Ses œuvres sont exposées au musée Reina Sofia de Madrid, aux musées des beaux-arts de Vitoria et de Séville, au musée de São Paulo et au musée d'art moderne de New York.

Estim. 1 400 - 1 600 EUR

Lot 77 - XAVIER MEDINA CAMPENY (Barcelone, 1943). "Vénus de Brooklyn. Modèle basé sur la sculpture monumentale de 1971. Sculpture en bronze. Signé et justifié, exemplaire A.P. Dimensions : 88 x 25,5 x 25,5 cm. Depuis les années 70, années où le corps humain assumait le protagonisme le plus absolu, l'œuvre de Xavier Medina Campeny nous parle du dualisme entre le géométrique et l'organique (le conceptuel et le naturel) et de la révision de l'art classique et des avant-gardes. Xavier Medina Campeny, petit-fils du sculpteur Josep Campeny et arrière-petit-fils de Damià Campeny, est un sculpteur autodidacte qui a fait évoluer son humeur artistique vers un style très personnel. Il commence par étudier l'architecture à Barcelone, mais abandonne ses études pour se lancer dans le monde de la sculpture. C'est à cette époque qu'il se consacre à cet art, avec une formation autodidacte. Sa longue carrière artistique en tant que sculpteur l'a amené à travailler avec différentes techniques et matériaux. Quant à sa première exposition, il l'a faite en 1964. Dix ans plus tard, il s'installe à New York, où il réalise la majeure partie de sa production artistique. Quelques années plus tard, il retourne en Espagne pour y rester. Son style est étroitement lié à l'avant-garde, et plus particulièrement au dadaïsme. Sa maîtrise du dessin l'a également aidé à mettre en relation des éléments organiques avec des formes géométriques. Entre 1975 et 1989, il a développé un langage plastique du corps humain, mélange d'anatomie et de géométrie, qu'il a lui-même appelé "fragmentations". Au moment de réaliser ces corps, Medina émiette, divise et géométrise les parties du corps humain pour les réunir plus tard, afin de mettre en évidence certaines parties qu'il laisse vides. L'œuvre Conversación (1979) reflète et nous parle du contraste entre l'absent et le présent. D'autre part, l'œuvre Le miroir dans l'océan Atlantique équilibre la forme avec le fond et travaille le corps sans le fragmenter. L'œuvre de Medina peut être rapprochée des propositions surréalistes. Par exemple, dans le groupe Mimetismo animal (Mimétisme animal), les attitudes humaines avec des expressions ironiques peuvent être vues dans les animaux. Depuis 2003, le style de l'artiste a changé en ce qui concerne le corps humain : il simplifie les formes et les transforme en cylindres allongés qui sont pour lui des "pièces" ayant une signification symbolique. Les œuvres de Medina et Campeny ont été exposées aussi bien en Europe qu'en Amérique, où il possède plusieurs œuvres dans des musées et d'importantes institutions, telles que : Museo Nacional de Arte Reina Sofia à Madrid, MACBA à Barcelone, Pagani Foundation à Legnano, Italie, Everson Museum à Syracuse (USA), Jimmy Carter Library & Museum à Atlanta, Georgia (USA), Bears Foundation à New York (USA), North Carolina Museum of Art (USA), entre autres.

Estim. 1 500 - 1 600 EUR

Lot 82 - TERÁN (Chili, 1974). "Hommage aux génies : Kusama et Velázquez", 2022. Huile sur toile. Signée dans le coin inférieur droit. Signée, datée et titrée au dos. Dimensions : 30 x 30 cm ; 35,5 x 35,5 cm (cadre). Dans le catalogue de l'exposition "Hommage aux génies", il est indiqué que "Terán tente de postuler le retour de la peinture comme stratégie symbolique. Ses hommages, qui prennent la forme de pastiches, n'en sont pas. Les artistes auxquels il choisit de rendre hommage sont admirés par lui-même (Francis Bacon, Banksy, Marc Chagall, Jean Dubuffet, Lucio Fontana, Francisco de Goya, Lucian Freud, Keith Haring, David Hockney, Robert Indiana, Jaspers Johns, Yves Klein, Kusama-Velázquez, Roy Lichtenstein, René Magritte, Roberto Matta, Joan Miró, Pablo Picasso, Jackson Pollock, Joaquín Sorolla et Andy Warhol). La liste ne pourrait être plus hétérogène. Elle ne suit aucun ordre. Il rend hommage aux artistes qu'il admire, même si son propre travail n'a rien à voir avec le leur. L'hétérogénéité de ses préférences est évidente et donne raison à E. Gombrich, pour qui il n'y a pas d'art mais des artistes. Ce nominalisme extrême le conduit à faire l'impasse sur les catégories esthétiques, comme sur les chronologies". Artiste chilien vivant en Espagne, diplômé des Beaux-Arts, Manuel Terán a développé son travail créatif dans le domaine des arts plastiques et des nouvelles technologies appliquées à l'art. Depuis qu'il s'est fait connaître en 1995 au Salón de Otoño del Círculo de Bellas Artes à Santiago du Chili, il a organisé des expositions individuelles et participé à des expositions collectives et à des foires en Amérique latine et en Europe. Il a reçu des prix tels que celui de la Real Academia de San Carlos de Valencia (2004).

Estim. 400 - 500 EUR

Lot 83 - TERÁN (Chili, 1974). "Hommage aux génies Kusama et Velázquez", 2022. Huile sur toile. Signée dans le coin inférieur droit. Signée, datée et titrée au dos. Dimensions : 30 x 30 cm ; 35,5 x 35,5 cm (cadre). Dans le catalogue de l'exposition "Hommage aux génies", il est indiqué que "Terán tente de postuler le retour de la peinture comme stratégie symbolique. Ses hommages, qui prennent la forme de pastiches, n'en sont pas. Les artistes auxquels il choisit de rendre hommage sont admirés par lui-même (Francis Bacon, Banksy, Marc Chagall, Jean Dubuffet, Lucio Fontana, Francisco de Goya, Lucian Freud, Keith Haring, David Hockney, Robert Indiana, Jaspers Johns, Yves Klein, Kusama-Velázquez, Roy Lichtenstein, René Magritte, Roberto Matta, Joan Miró, Pablo Picasso, Jackson Pollock, Joaquín Sorolla et Andy Warhol). La liste ne pourrait être plus hétérogène. Elle ne suit aucun ordre. Il rend hommage aux artistes qu'il admire, même si son propre travail n'a rien à voir avec le leur. L'hétérogénéité de ses préférences est évidente et donne raison à E. Gombrich, pour qui il n'y a pas d'art mais des artistes. Ce nominalisme extrême le conduit à faire l'impasse sur les catégories esthétiques, comme sur les chronologies". Artiste chilien vivant en Espagne, diplômé des Beaux-Arts, Manuel Terán a développé son travail créatif dans le domaine des arts plastiques et des nouvelles technologies appliquées à l'art. Depuis qu'il s'est fait connaître en 1995 au Salón de Otoño del Círculo de Bellas Artes à Santiago du Chili, il a organisé des expositions individuelles et participé à des expositions collectives et à des foires en Amérique latine et en Europe. Il a reçu des prix tels que celui de la Real Academia de San Carlos de Valencia (2004).

Estim. 400 - 500 EUR

Lot 85 - SALVADOR DALÍ I DOMÈNECH (Figueras, Girona, 1904 - 1989). "Triton ailé", vers 1972. Sculpture en bronze sur socle en marbre, exemplaire 242/300. Signé et justifié en bas. Dimensions : 22 x 11 x 11 cm. Dalí a représenté le dieu marin, fils de Poséidon, glissant sur les eaux, sans la compagnie avec laquelle nous avons l'habitude de le voir dans l'iconographie classique (accompagné de chevaux et de néréides, entouré de dauphins et jouant de la conque avec laquelle il annonçait les tempêtes). Triton possédait le don de prophétie, c'est pourquoi ils étaient souvent les guides des grands héros mythologiques. Dalí a préféré mettre l'accent sur la vulnérabilité du personnage, en soulignant la sensation d'instabilité produite par les vagues sur la chair du héros. Dans ses jeunes années, Dalí découvre la peinture contemporaine lors d'une visite familiale à Cadaqués, où il rencontre la famille de Ramon Pichot, un artiste qui se rend régulièrement à Paris. Sur les conseils de Pichot, Dalí commence à étudier la peinture avec Juan Núñez. En 1922, Dalí s'installe à la célèbre Residencia de Estudiantes de Madrid pour commencer à étudier les beaux-arts à l'Académie San Fernando. Cependant, avant ses examens finaux en 1926, il est renvoyé pour avoir prétendu qu'il n'y avait personne en mesure de l'examiner. La même année, Dalí se rend pour la première fois à Paris. Il y rencontre Picasso et établit certaines caractéristiques formelles qui deviendront distinctives de toute son œuvre à partir de ce moment-là. Son langage absorbe les influences de nombreux styles artistiques, de l'académisme classique à l'avant-garde la plus novatrice. À cette époque, le peintre se laisse pousser une moustache qui attire l'attention, imitant celle de Vélasquez, et qui deviendra sa marque personnelle pour le reste de sa vie. En 1929, Dalí collabore avec Luis Buñuel à la réalisation d'"Un chien andalou", qui présente des scènes de l'imaginaire surréaliste. En août de la même année, il rencontre sa muse et future épouse Gala. Pendant cette période, Dalí expose régulièrement à Barcelone et à Paris, et rejoint le groupe surréaliste basé dans le quartier parisien de Montparnasse. Son travail influence grandement l'orientation du surréalisme pour les deux années suivantes, et il est salué comme le créateur de la méthode paranoïaque-critique, qui aiderait à accéder au subconscient en libérant des énergies artistiques créatives. Le peintre débarque en Amérique en 1934, grâce au marchand d'art Julian Levy. À la suite de sa première exposition individuelle à New York, sa projection internationale s'est définitivement consolidée et, depuis lors, il expose ses œuvres et donne des conférences dans le monde entier. La majeure partie de sa production est rassemblée au Théâtre-musée Dalí de Figueras, puis dans les collections du Salvador Dalí Museum de St. Petersburg (Floride), du Reina Sofía de Madrid, de la Salvador Dalí Gallery de Pacific Palisades (Californie), de l'Espace Dalí de Montmartre (Paris) ou du Dalí Universe de Londres.

Estim. 1 600 - 2 000 EUR

Lot 86 - SALVADOR DALÍ I DOMÈNECH (Figueres, Gérone, 1904 - 1989). "L'âme de Don Quichotte. Sculpture en bronze, exemplaire 242/300. Base en marbre. Signé et justifié. Dimensions : 33 x 16 x 15 cm. Réalisée selon la technique de la cire perdue, la pièce présentée ici montre Don Quichotte de la Manche sous un angle nouveau, onirique et fantasmagorique. Bien que le personnage n'ait ni lance ni destrier, son bras et sa posture en mouvement indiquent que le chevalier errant est sur le point d'accomplir certains des exploits que Miguel de Cervantes écrivit en 1605, donnant ainsi naissance au roman moderne connu de tous et qui, aujourd'hui encore, figure en tête de liste des meilleures œuvres littéraires de l'histoire. À l'instar de l'œuvre écrite, Dalí configure une pièce surréaliste dans laquelle l'artiste joue avec la matière et le mouvement, donnant naissance à une œuvre aux formes fluides et vaporeuses qui s'inscrivent dans la continuité du style surréaliste du peintre catalan. Dans ses jeunes années, Dalí découvre la peinture contemporaine lors d'une visite familiale à Cadaqués, où il rencontre la famille de Ramon Pichot, un artiste qui se rend régulièrement à Paris. Sur les conseils de Pichot, Dalí commence à étudier la peinture avec Juan Núñez. En 1922, Dalí s'installe à la célèbre Residencia de Estudiantes de Madrid pour commencer à étudier les beaux-arts à l'Académie San Fernando. Cependant, avant ses examens finaux en 1926, il est renvoyé pour avoir prétendu qu'il n'y avait personne en mesure de l'examiner. La même année, Dalí se rend pour la première fois à Paris. Il y rencontre Picasso et établit certaines caractéristiques formelles qui deviendront distinctives de toute son œuvre à partir de ce moment-là. Son langage absorbe les influences de nombreux styles artistiques, de l'académisme classique à l'avant-garde la plus novatrice. À cette époque, le peintre se laisse pousser une moustache qui attire l'attention, imitant celle de Vélasquez, et qui deviendra sa marque personnelle pour le reste de sa vie. En 1929, Dalí collabore avec Luis Buñuel à la réalisation de "Un perro andaluz" (Un chien andalou), qui présente des scènes de l'imaginaire surréaliste. En août de la même année, il rencontre sa muse et future épouse Gala. Pendant cette période, Dalí expose régulièrement à Barcelone et à Paris, et rejoint le groupe surréaliste basé dans le quartier parisien de Montparnasse. Son travail influence grandement l'orientation du surréalisme pour les deux années suivantes, et il est salué comme le créateur de la méthode paranoïaque-critique, qui aiderait à accéder au subconscient en libérant des énergies artistiques créatives. Le peintre débarque en Amérique en 1934, grâce au marchand d'art Julian Levy. Sa première exposition individuelle à New York consolide définitivement sa projection internationale. Dès lors, il expose ses œuvres et donne des conférences dans le monde entier. La majeure partie de sa production est rassemblée au Théâtre-musée Dalí de Figueras, puis dans les collections du Salvador Dalí Museum de St. Petersburg (Floride), du Reina Sofía de Madrid, de la Salvador Dalí Gallery de Pacific Palisades (Californie), de l'Espace Dalí de Montmartre (Paris) ou du Dalí Universe de Londres.

Estim. 2 000 - 2 500 EUR

Lot 88 - MARCELLO CASTELLANI (Colombie, 1989). "Peonia". 2023. Acrylique sur toile. Certificat d'authenticité joint. Dimensions : 175 x 140 cm. Marcello Castellani, né à Cali, en Colombie, est actuellement basé à Berlin. Tout au long de sa carrière artistique, qui a débuté en 2014, il a cherché à capturer les émotions profondes transmises par les expressions humaines, le portrait étant un thème récurrent dans son travail. La source de son inspiration réside dans la fusion de deux forces opposées : le chaos et la beauté. Cette combinaison est une fenêtre sur l'exploration permanente de la dualité universelle, invitant les spectateurs à plonger dans les profondeurs de l'expérience humaine. Castellani utilise ces éléments de manière symbolique pour mettre en évidence la coexistence inhérente de la lumière et de l'obscurité dans notre être intérieur, soulignant que les deux sont des composants essentiels qui se complètent l'un l'autre. Avec un large éventail de compétences allant des techniques classiques telles que la peinture et le dessin à des techniques plus avant-gardistes et expérimentales, y compris la photographie, les expériences avec l'intelligence artificielle et la cartographie, Castellani jette un pont entre la tradition artistique et les possibilités contemporaines. Ses prouesses artistiques lui ont valu d'être reconnu dans des centres d'art célèbres, notamment à New York, Berlin, Tokyo, Barcelone, Prague et Bruxelles, où il a exposé ses œuvres uniques et stimulantes. Expositions sélectionnées : 2014 - Behance Portfolio Review, Chambre de commerce de Bogotá, Colombie ; 2014 - We Art Festival, Transforma BCN - Barcelone ; 2014 - MalEntendidos - leun'un Arte Habitación, Monterrey Nuevo León, Mexique ; 2013 - Issue # 7 - La Puerta Grande - Bogotá ; 2013 - Exposición 4 ángulos - C.C Palatino - Bogota ; 2013 - Imagen palabra, Cuarto salón de ilustración - Universidad Los Libertadores - Bogota ; 2013 - ModusOperandi - Fusionario - Bogota. Travaux dans des publications : 2014 - Peppersoul - Bogota ; 2014 - Diners Magazine ; 2014 - Indigo Magazine numéro 15. Les portraits de Castellani mettent en relation l'héritage de Giacometti (le drame existentiel concentré dans un visage) et le renversement de l'idéal d'identité unitaire induit par la révolution numérique. Castellani exprime la perméabilité entre le moi intérieur et le moi extérieur, ainsi que le jeu de paradoxes entre l'expression individuelle et le lest du masque publicitaire, entre l'image publique et l'essence inconstante et poreuse de la condition humaine.

Estim. 8 500 - 9 500 EUR

Lot 89 - PABLO RUIZ PICASSO (Malaga, 1881 - Mougins, France, 1973). "Bouteille de vieux marc, verre et "le journal", 1966. De la série Papiers Collés. Lithographie sur papier vélin de Rives. Publié par Au Pont des Arts, Paris. Signée dans la planche. Dimensions : 64 x 48 cm, 70 x 55 cm (cadre). Cette lithographie appartient à la série "Papiers Collés" de Picasso, publiée par Pont des Arts. Cette série a été publiée en 1966 pour commémorer la généreuse donation des collages de Picasso au Musée d'Art Moderne de Paris. Pablo Ruiz Picasso est le grand génie de la peinture contemporaine. Créateur du cubisme avec Braque, sa capacité d'invention et de création le place au sommet de la peinture mondiale. Il naît à Malaga, où son père est professeur de dessin et directeur du musée municipal. La famille Ruiz Picasso déménage bientôt à La Corogne, puis à Barcelone, où le jeune Pablo commence ses études artistiques à l'École provinciale des beaux-arts (1895). Bien que le style de l'école soit totalement académique, le peintre entre bientôt en contact avec des groupes modernistes qui changent sa forme d'expression. Deux ans plus tard seulement, en 1897, Picasso réalise sa première exposition individuelle, au café "Els Quatre Gats". Paris devient le grand objectif de Pablo et, en 1900, il s'installe dans la capitale française pour une brève période. À son retour à Barcelone, il commence à travailler sur une série d'œuvres dans lesquelles on peut voir les influences de tous les artistes qu'il a connus ou dont il a vu les œuvres. C'est une éponge qui absorbe tout mais ne retient rien, il est à la recherche d'un style personnel. Entre 1901 et 1907, il développe les étapes bleue et rose, caractérisées par l'utilisation de ces couleurs et par des sujets aux figures sordides et isolées, aux gestes de douleur et de souffrance. La peinture de ces premières années du XXe siècle est en pleine mutation et Picasso ne peut rester à l'écart. Il s'intéresse à Cézanne et, sur la base de son exemple, développe avec son ami Braque une nouvelle formule picturale : le cubisme : Le cubisme. Mais Picasso ne s'arrête pas là et en 1912, il pratique le collage en peinture ; dès lors, tout est permis, l'imagination devient le maître de l'art. Picasso est le grand révolutionnaire et quand tous les peintres s'intéressent au cubisme, lui se préoccupe du classicisme d'Ingres. Le mouvement surréaliste de 1925 ne le prend pas au dépourvu et, bien qu'il n'y participe pas ouvertement, il sert d'élément de rupture avec le précédent, introduisant dans son œuvre des figures déformées avec une grande force et non exemptes de rage et de fureur. Comme pour Goya, Picasso a également été fortement influencé par sa situation personnelle et sociale à l'époque de son travail. Ses relations avec les femmes, souvent tumultueuses, affecteront sérieusement son œuvre. Mais ce qui a le plus marqué Picasso, c'est le déclenchement de la guerre civile espagnole et le bombardement de Guernica, qui ont conduit à la création de l'œuvre la plus célèbre de l'art contemporain. Paris a longtemps été son refuge, mais il a passé les dernières années de sa vie dans le sud de la France, travaillant dans un style très personnel, avec des couleurs vives et des formes étranges. Picasso est représenté dans les plus grands musées du monde, tels que le Metropolitan, le MOMA et le Guggenheim à New York, l'Ermitage à Saint-Pétersbourg, la National Gallery à Londres ou le Reina Sofia à Madrid.

Estim. 1 600 - 1 800 EUR

Lot 90 - PABLO RUIZ PICASSO (Malaga, 1881 - Mougins, France, 1973). "Femme assise". Phototype sur papier. Édition de 1200 exemplaires. Ed. Cahiers d'Art. Paris, 1948. Daté et situé sur la plaque. Dimensions : 40 x 28 cm ; 54,5 x 42,5 cm (cadre). Picasso s'installe en septembre 1939 dans la ville de Royan, ville française située dans le département de la Charente-Maritime et dans la région Nouvelle Aquitaine. Deux ans après avoir réalisé l'étonnant Guernica, et coïncidant avec le conflit de la Seconde Guerre mondiale, Picasso choisit la zone libre et profite de la présence de sa compagne, Marie-Thérèse, et de sa fille Maya, pour s'y réfugier. Il loue un atelier au troisième étage de la villa "Les Voiliers" et entreprend la réalisation d'un carnet de dessins entre le 30 mai et le 22 août 1940. Plus tard, Picasso y ajoutera des études de Paris réalisées en 1942. L'ensemble a été publié en fac-similé en 1948 par les éditions Cahiers d'Art, dans une reliure en toile. Picasso commence ses études artistiques à Barcelone, à l'École provinciale des beaux-arts (1895). Deux ans plus tard, en 1897, Picasso présente sa première exposition individuelle au café "Els Quatre Gats". Paris devient le grand objectif de Pablo et, en 1900, il s'installe dans la capitale française pour une brève période. À son retour à Barcelone, il commence à travailler sur une série d'œuvres dans lesquelles on peut voir les influences de tous les artistes qu'il a connus ou dont il a vu les œuvres. C'est une éponge qui absorbe tout mais ne retient rien, il est à la recherche d'un style personnel. Entre 1901 et 1907, il développe les étapes bleue et rose, caractérisées par l'utilisation de ces couleurs et par des sujets aux figures sordides et isolées, aux gestes de douleur et de souffrance. La peinture de ces premières années du XXe siècle est en pleine mutation et Picasso ne peut rester à l'écart. Il s'intéresse à Cézanne et, sur la base de son exemple, développe avec son ami Braque une nouvelle formule picturale : le cubisme : Le cubisme. Mais Picasso ne s'arrête pas là et en 1912, il pratique le collage en peinture ; dès lors, tout est permis, l'imagination devient le maître de l'art. Picasso est le grand révolutionnaire et quand tous les peintres s'intéressent au cubisme, lui se préoccupe du classicisme d'Ingres. Le mouvement surréaliste de 1925 ne le prend pas au dépourvu et, bien qu'il n'y participe pas ouvertement, il sert d'élément de rupture avec le précédent, introduisant dans son œuvre des figures déformées avec une grande force et non exemptes de rage et de fureur. Comme pour Goya, Picasso a également été fortement influencé par sa situation personnelle et sociale à l'époque de son travail. Ses relations avec les femmes, souvent tumultueuses, affecteront sérieusement son œuvre. Mais ce qui a le plus marqué Picasso, c'est le déclenchement de la guerre civile espagnole et le bombardement de Guernica, qui ont conduit à la création de l'œuvre la plus célèbre de l'art contemporain. Paris a longtemps été son refuge, mais il a passé les dernières années de sa vie dans le sud de la France, travaillant dans un style très personnel, avec des couleurs vives et des formes étranges. Picasso est représenté dans les plus grands musées du monde, tels que le Metropolitan, le MOMA et le Guggenheim à New York, l'Ermitage à Saint-Pétersbourg, la National Gallery à Londres ou le Reina Sofia à Madrid.

Estim. 700 - 750 EUR

Lot 91 - PABLO RUIZ PICASSO (Malaga, 1881 - Mougins, France, 1973). "Nu féminin". Phototype sur papier. Édition de 1200 exemplaires. Ed. Cahiers d'Art. Paris, 1948. Daté et situé sur la plaque. Dimensions : 40 x 28 cm ; 54,5 x 42,5 cm (cadre). Picasso s'installe en septembre 1939 dans la ville de Royan, ville française située dans le département de la Charente-Maritime et dans la région Nouvelle Aquitaine. Deux ans après avoir réalisé l'étonnant Guernica, et coïncidant avec le conflit de la Seconde Guerre mondiale, Picasso choisit la zone libre et profite de la présence de sa compagne, Marie-Thérèse, et de sa fille Maya, pour s'y réfugier. Il loue un atelier au troisième étage de la villa "Les Voiliers" et entreprend la réalisation d'un carnet de dessins entre le 30 mai et le 22 août 1940. Plus tard, Picasso y ajoutera des études de Paris réalisées en 1942. L'ensemble a été publié en fac-similé en 1948 par les éditions Cahiers d'Art, dans une reliure en toile. Picasso commence ses études artistiques à Barcelone, à l'École provinciale des beaux-arts (1895). Deux ans plus tard, en 1897, Picasso présente sa première exposition individuelle au café "Els Quatre Gats". Paris devient le grand objectif de Pablo et, en 1900, il s'installe dans la capitale française pour une brève période. À son retour à Barcelone, il commence à travailler sur une série d'œuvres dans lesquelles on peut voir les influences de tous les artistes qu'il a connus ou dont il a vu les œuvres. C'est une éponge qui absorbe tout mais ne retient rien, il est à la recherche d'un style personnel. Entre 1901 et 1907, il développe les étapes bleue et rose, caractérisées par l'utilisation de ces couleurs et par des sujets aux figures sordides et isolées, aux gestes de douleur et de souffrance. La peinture de ces premières années du XXe siècle est en pleine mutation et Picasso ne peut rester à l'écart. Il s'intéresse à Cézanne et, sur la base de son exemple, développe avec son ami Braque une nouvelle formule picturale : le cubisme : Le cubisme. Mais Picasso ne s'arrête pas là et en 1912, il pratique le collage en peinture ; dès lors, tout est permis, l'imagination devient le maître de l'art. Picasso est le grand révolutionnaire et quand tous les peintres s'intéressent au cubisme, lui se préoccupe du classicisme d'Ingres. Le mouvement surréaliste de 1925 ne le prend pas au dépourvu et, bien qu'il n'y participe pas ouvertement, il sert d'élément de rupture avec le précédent, introduisant dans son œuvre des figures déformées avec une grande force et non exemptes de rage et de fureur. Comme pour Goya, Picasso a également été fortement influencé par sa situation personnelle et sociale à l'époque de son travail. Ses relations avec les femmes, souvent tumultueuses, affecteront sérieusement son œuvre. Mais ce qui a le plus marqué Picasso, c'est le déclenchement de la guerre civile espagnole et le bombardement de Guernica, qui ont conduit à la création de l'œuvre la plus célèbre de l'art contemporain. Paris a longtemps été son refuge, mais il a passé les dernières années de sa vie dans le sud de la France, travaillant dans un style très personnel, avec des couleurs vives et des formes étranges. Picasso est représenté dans les plus grands musées du monde, tels que le Metropolitan, le MOMA et le Guggenheim à New York, l'Ermitage à Saint-Pétersbourg, la National Gallery à Londres ou le Reina Sofia à Madrid.

Estim. 700 - 750 EUR

Lot 92 - PABLO RUIZ PICASSO (Malaga, 1881 - Mougins, France, 1973). "Modèle dans l'atelier du peintre". Phototype sur papier. Édition de 1200 exemplaires. Daté et localisé. Ed. Cahiers d'Art. Paris, 1948. Dimensions : 40 x 28 cm ; 54,5 x 42,5 cm (cadre). Picasso s'installe en septembre 1939 dans la ville de Royan, ville française située dans le département de la Charente-Maritime et dans la région Nouvelle Aquitaine. Deux ans après avoir réalisé l'étonnant Guernica, et coïncidant avec le conflit de la Seconde Guerre mondiale, Picasso choisit la zone libre et profite de la présence de sa compagne, Marie-Thérèse, et de sa fille Maya, pour s'y réfugier. Il loue un atelier au troisième étage de la villa "Les Voiliers" et entreprend la réalisation d'un carnet de dessins entre le 30 mai et le 22 août 1940. Plus tard, Picasso y ajoutera des études de Paris réalisées en 1942. L'ensemble a été publié en fac-similé en 1948 par les éditions Cahiers d'Art, dans une reliure en toile. Picasso commence ses études artistiques à Barcelone, à l'École provinciale des beaux-arts (1895). Deux ans plus tard, en 1897, Picasso présente sa première exposition individuelle au café "Els Quatre Gats". Paris devient le grand objectif de Pablo et, en 1900, il s'installe dans la capitale française pour une brève période. À son retour à Barcelone, il commence à travailler sur une série d'œuvres dans lesquelles on peut voir les influences de tous les artistes qu'il a connus ou dont il a vu les œuvres. C'est une éponge qui absorbe tout mais ne retient rien, il est à la recherche d'un style personnel. Entre 1901 et 1907, il développe les étapes bleue et rose, caractérisées par l'utilisation de ces couleurs et par des sujets aux figures sordides et isolées, aux gestes de douleur et de souffrance. La peinture de ces premières années du XXe siècle est en pleine mutation et Picasso ne peut rester à l'écart. Il s'intéresse à Cézanne et, sur la base de son exemple, développe avec son ami Braque une nouvelle formule picturale : le cubisme : Le cubisme. Mais Picasso ne s'arrête pas là et en 1912, il pratique le collage en peinture ; dès lors, tout est permis, l'imagination devient le maître de l'art. Picasso est le grand révolutionnaire et quand tous les peintres s'intéressent au cubisme, lui se préoccupe du classicisme d'Ingres. Le mouvement surréaliste de 1925 ne le prend pas au dépourvu et, bien qu'il n'y participe pas ouvertement, il sert d'élément de rupture avec le précédent, introduisant dans son œuvre des figures déformées avec une grande force et non exemptes de rage et de fureur. Comme pour Goya, Picasso a également été fortement influencé par sa situation personnelle et sociale à l'époque de son travail. Ses relations avec les femmes, souvent tumultueuses, affecteront sérieusement son œuvre. Mais ce qui a le plus marqué Picasso, c'est le déclenchement de la guerre civile espagnole et le bombardement de Guernica, qui ont conduit à la création de l'œuvre la plus célèbre de l'art contemporain. Paris a longtemps été son refuge, mais il a passé les dernières années de sa vie dans le sud de la France, travaillant dans un style très personnel, avec des couleurs vives et des formes étranges. Picasso est représenté dans les plus grands musées du monde, tels que le Metropolitan, le MOMA et le Guggenheim à New York, l'Ermitage à Saint-Pétersbourg, la National Gallery à Londres ou le Reina Sofia à Madrid.

Estim. 700 - 750 EUR

Lot 93 - PABLO RUIZ PICASSO (Malaga, 1881 - Mougins, France, 1973). Sans titre. Phototype sur papier. Édition de 1200 exemplaires. Ed. Cahiers d'Art. Paris, 1948. Daté et situé sur la plaque. Dimensions : 40 x 28 cm ; 54,5 x 42,5 cm (cadre). Picasso s'installe en septembre 1939 dans la ville de Royan, ville française située dans le département de la Charente-Maritime et dans la région Nouvelle Aquitaine. Deux ans après avoir réalisé l'étonnant Guernica, et coïncidant avec le conflit de la Seconde Guerre mondiale, Picasso choisit la zone libre et profite de la présence de sa compagne, Marie-Thérèse, et de sa fille Maya, pour s'y réfugier. Il loue un atelier au troisième étage de la villa "Les Voiliers" et entreprend la réalisation d'un carnet de dessins entre le 30 mai et le 22 août 1940. Plus tard, Picasso y ajoutera des études de Paris réalisées en 1942. L'ensemble a été publié en fac-similé en 1948 par les éditions Cahiers d'Art, dans une reliure en toile. Picasso commence ses études artistiques à Barcelone, à l'École provinciale des beaux-arts (1895). Deux ans plus tard, en 1897, Picasso présente sa première exposition individuelle au café "Els Quatre Gats". Paris devient le grand objectif de Pablo et, en 1900, il s'installe dans la capitale française pour une brève période. À son retour à Barcelone, il commence à travailler sur une série d'œuvres dans lesquelles on peut voir les influences de tous les artistes qu'il a connus ou dont il a vu les œuvres. C'est une éponge qui absorbe tout mais ne retient rien, il est à la recherche d'un style personnel. Entre 1901 et 1907, il développe les étapes bleue et rose, caractérisées par l'utilisation de ces couleurs et par des sujets aux figures sordides et isolées, aux gestes de douleur et de souffrance. La peinture de ces premières années du XXe siècle est en pleine mutation et Picasso ne peut rester à l'écart. Il s'intéresse à Cézanne et, sur la base de son exemple, développe avec son ami Braque une nouvelle formule picturale : le cubisme : Le cubisme. Mais Picasso ne s'arrête pas là et en 1912, il pratique le collage en peinture ; dès lors, tout est permis, l'imagination devient le maître de l'art. Picasso est le grand révolutionnaire et quand tous les peintres s'intéressent au cubisme, lui se préoccupe du classicisme d'Ingres. Le mouvement surréaliste de 1925 ne le prend pas au dépourvu et, bien qu'il n'y participe pas ouvertement, il sert d'élément de rupture avec le précédent, introduisant dans son œuvre des figures déformées avec une grande force et non exemptes de rage et de fureur. Comme pour Goya, Picasso a également été fortement influencé par sa situation personnelle et sociale à l'époque de son travail. Ses relations avec les femmes, souvent tumultueuses, affecteront sérieusement son œuvre. Mais ce qui a le plus marqué Picasso, c'est le déclenchement de la guerre civile espagnole et le bombardement de Guernica, qui ont conduit à la création de l'œuvre la plus célèbre de l'art contemporain. Paris a longtemps été son refuge, mais il a passé les dernières années de sa vie dans le sud de la France, travaillant dans un style très personnel, avec des couleurs vives et des formes étranges. Picasso est représenté dans les plus grands musées du monde, tels que le Metropolitan, le MOMA et le Guggenheim à New York, l'Ermitage à Saint-Pétersbourg, la National Gallery à Londres ou le Reina Sofia à Madrid.

Estim. 700 - 750 EUR

Lot 94 - PABLO RUIZ PICASSO (Malaga, 1881 - Mougins, France, 1973). "Profil féminin". Phototype sur papier. Édition de 1200 exemplaires. Ed. Cahiers d'Art. Paris, 1948. Daté et situé sur la plaque. Dimensions : 40 x 28 cm ; 54,5 x 42,5 cm (cadre). Picasso s'installe en septembre 1939 dans la ville de Royan, ville française située dans le département de la Charente-Maritime et dans la région Nouvelle Aquitaine. Deux ans après avoir réalisé l'étonnant Guernica, et coïncidant avec le conflit de la Seconde Guerre mondiale, Picasso choisit la zone libre et profite de la présence de sa compagne, Marie-Thérèse, et de sa fille Maya, pour s'y réfugier. Il loue un atelier au troisième étage de la villa "Les Voiliers" et entreprend la réalisation d'un carnet de dessins entre le 30 mai et le 22 août 1940. Plus tard, Picasso y ajoutera des études de Paris réalisées en 1942. L'ensemble a été publié en fac-similé en 1948 par les éditions Cahiers d'Art, dans une reliure en toile. Picasso commence ses études artistiques à Barcelone, à l'École provinciale des beaux-arts (1895). Deux ans plus tard, en 1897, Picasso présente sa première exposition individuelle au café "Els Quatre Gats". Paris devient le grand objectif de Pablo et, en 1900, il s'installe dans la capitale française pour une brève période. À son retour à Barcelone, il commence à travailler sur une série d'œuvres dans lesquelles on peut voir les influences de tous les artistes qu'il a connus ou dont il a vu les œuvres. C'est une éponge qui absorbe tout mais ne retient rien, il est à la recherche d'un style personnel. Entre 1901 et 1907, il développe les étapes bleue et rose, caractérisées par l'utilisation de ces couleurs et par des sujets aux figures sordides et isolées, aux gestes de douleur et de souffrance. La peinture de ces premières années du XXe siècle est en pleine mutation et Picasso ne peut rester à l'écart. Il s'intéresse à Cézanne et, sur la base de son exemple, développe avec son ami Braque une nouvelle formule picturale : le cubisme : Le cubisme. Mais Picasso ne s'arrête pas là et en 1912, il pratique le collage en peinture ; dès lors, tout est permis, l'imagination devient le maître de l'art. Picasso est le grand révolutionnaire et quand tous les peintres s'intéressent au cubisme, lui se préoccupe du classicisme d'Ingres. Le mouvement surréaliste de 1925 ne le prend pas au dépourvu et, bien qu'il n'y participe pas ouvertement, il sert d'élément de rupture avec le précédent, introduisant dans son œuvre des figures déformées avec une grande force et non exemptes de rage et de fureur. Comme pour Goya, Picasso a également été fortement influencé par sa situation personnelle et sociale à l'époque de son travail. Ses relations avec les femmes, souvent tumultueuses, affecteront sérieusement son œuvre. Mais ce qui a le plus marqué Picasso, c'est le déclenchement de la guerre civile espagnole et le bombardement de Guernica, qui ont conduit à la création de l'œuvre la plus célèbre de l'art contemporain. Paris a longtemps été son refuge, mais il a passé les dernières années de sa vie dans le sud de la France, travaillant dans un style très personnel, avec des couleurs vives et des formes étranges. Picasso est représenté dans les plus grands musées du monde, tels que le Metropolitan, le MOMA et le Guggenheim à New York, l'Ermitage à Saint-Pétersbourg, la National Gallery à Londres ou le Reina Sofia à Madrid.

Estim. 700 - 750 EUR

Lot 95 - PABLO RUIZ PICASSO (Malaga, 1881 - Mougins, France, 1973). "Figure cubiste". Phototype sur papier. Édition de 1200 exemplaires. Daté et situé sur la plaque. Ed. Cahiers d'Art. Paris, 1948. Dimensions : 40 x 28 cm ; 54,5 x 42,5 cm (cadre). Picasso s'installe en septembre 1939 à Royan, ville française située dans le département de la Charente-Maritime et dans la région Nouvelle-Aquitaine. Deux ans après avoir réalisé l'étonnant Guernica, et coïncidant avec le conflit de la Seconde Guerre mondiale, Picasso choisit la zone libre et profite de la présence de sa compagne, Marie-Thérèse, et de sa fille Maya, pour s'y réfugier. Il loue un atelier au troisième étage de la villa "Les Voiliers" et entreprend la réalisation d'un carnet de dessins entre le 30 mai et le 22 août 1940. Plus tard, Picasso y ajoutera des études de Paris réalisées en 1942. L'ensemble a été publié en fac-similé en 1948 par les éditions Cahiers d'Art, dans une reliure en toile. Picasso commence ses études artistiques à Barcelone, à l'École provinciale des beaux-arts (1895). Deux ans plus tard, en 1897, Picasso présente sa première exposition individuelle au café "Els Quatre Gats". Paris devient le grand objectif de Pablo et, en 1900, il s'installe dans la capitale française pour une brève période. À son retour à Barcelone, il commence à travailler sur une série d'œuvres dans lesquelles on peut voir les influences de tous les artistes qu'il a connus ou dont il a vu les œuvres. C'est une éponge qui absorbe tout mais ne retient rien, il est à la recherche d'un style personnel. Entre 1901 et 1907, il développe les étapes bleue et rose, caractérisées par l'utilisation de ces couleurs et par des sujets aux figures sordides et isolées, aux gestes de douleur et de souffrance. La peinture de ces premières années du XXe siècle est en pleine mutation et Picasso ne peut rester à l'écart. Il s'intéresse à Cézanne et, sur la base de son exemple, développe avec son ami Braque une nouvelle formule picturale : le cubisme : Le cubisme. Mais Picasso ne s'arrête pas là et en 1912, il pratique le collage en peinture ; dès lors, tout est permis, l'imagination devient le maître de l'art. Picasso est le grand révolutionnaire et quand tous les peintres s'intéressent au cubisme, lui se préoccupe du classicisme d'Ingres. Le mouvement surréaliste de 1925 ne le prend pas au dépourvu et, bien qu'il n'y participe pas ouvertement, il sert d'élément de rupture avec le précédent, introduisant dans son œuvre des figures déformées avec une grande force et non exemptes de rage et de fureur. Comme pour Goya, Picasso a également été fortement influencé par sa situation personnelle et sociale à l'époque de son travail. Ses relations avec les femmes, souvent tumultueuses, affecteront sérieusement son œuvre. Mais ce qui a le plus marqué Picasso, c'est le déclenchement de la guerre civile espagnole et le bombardement de Guernica, qui ont conduit à la création de l'œuvre la plus célèbre de l'art contemporain. Paris a longtemps été son refuge, mais il a passé les dernières années de sa vie dans le sud de la France, travaillant dans un style très personnel, avec des couleurs vives et des formes étranges. Picasso est représenté dans les plus grands musées du monde, tels que le Metropolitan, le MOMA et le Guggenheim à New York, l'Ermitage à Saint-Pétersbourg, la National Gallery à Londres ou le Reina Sofia à Madrid.

Estim. 700 - 750 EUR

Lot 96 - PABLO RUIZ PICASSO (Malaga, 1881 - Mougins, France, 1973). "Figures féminines cubistes". Phototype sur papier. Édition de 1200 exemplaires. Ed. Cahiers d'Art. Paris, 1948. Daté et situé sur la plaque. Dimensions : 40 x 28 cm ; 54,5 x 42,5 cm (cadre). Picasso s'installe en septembre 1939 dans la ville de Royan, ville française située dans le département de la Charente-Maritime et dans la région Nouvelle Aquitaine. Deux ans après avoir réalisé l'étonnant Guernica, et coïncidant avec le conflit de la Seconde Guerre mondiale, Picasso choisit la zone libre et profite de la présence de sa compagne, Marie-Thérèse, et de sa fille Maya, pour s'y réfugier. Il loue un atelier au troisième étage de la villa "Les Voiliers" et entreprend la réalisation d'un carnet de dessins entre le 30 mai et le 22 août 1940. Plus tard, Picasso y ajoutera des études de Paris réalisées en 1942. L'ensemble a été publié en fac-similé en 1948 par les éditions Cahiers d'Art, dans une reliure en toile. Picasso commence ses études artistiques à Barcelone, à l'École provinciale des beaux-arts (1895). Deux ans plus tard, en 1897, Picasso présente sa première exposition individuelle au café "Els Quatre Gats". Paris devient le grand objectif de Pablo et, en 1900, il s'installe dans la capitale française pour une brève période. À son retour à Barcelone, il commence à travailler sur une série d'œuvres dans lesquelles on peut voir les influences de tous les artistes qu'il a connus ou dont il a vu les œuvres. C'est une éponge qui absorbe tout mais ne retient rien, il est à la recherche d'un style personnel. Entre 1901 et 1907, il développe les étapes bleue et rose, caractérisées par l'utilisation de ces couleurs et par des sujets aux figures sordides et isolées, aux gestes de douleur et de souffrance. La peinture de ces premières années du XXe siècle est en pleine mutation et Picasso ne peut rester à l'écart. Il s'intéresse à Cézanne et, sur la base de son exemple, développe avec son ami Braque une nouvelle formule picturale : le cubisme : Le cubisme. Mais Picasso ne s'arrête pas là et en 1912, il pratique le collage en peinture ; dès lors, tout est permis, l'imagination devient le maître de l'art. Picasso est le grand révolutionnaire et quand tous les peintres s'intéressent au cubisme, lui se préoccupe du classicisme d'Ingres. Le mouvement surréaliste de 1925 ne le prend pas au dépourvu et, bien qu'il n'y participe pas ouvertement, il sert d'élément de rupture avec le précédent, introduisant dans son œuvre des figures déformées avec une grande force et non exemptes de rage et de fureur. Comme pour Goya, Picasso a également été fortement influencé par sa situation personnelle et sociale à l'époque de son travail. Ses relations avec les femmes, souvent tumultueuses, affecteront sérieusement son œuvre. Mais ce qui a le plus marqué Picasso, c'est le déclenchement de la guerre civile espagnole et le bombardement de Guernica, qui ont conduit à la création de l'œuvre la plus célèbre de l'art contemporain. Paris a longtemps été son refuge, mais il a passé les dernières années de sa vie dans le sud de la France, travaillant dans un style très personnel, avec des couleurs vives et des formes étranges. Picasso est représenté dans les plus grands musées du monde, tels que le Metropolitan, le MOMA et le Guggenheim à New York, l'Ermitage à Saint-Pétersbourg, la National Gallery à Londres ou le Reina Sofia à Madrid.

Estim. 700 - 750 EUR

Lot 97 - PABLO RUIZ PICASSO (Malaga, 1881 - Mougins, France, 1973). "Figure féminine". Phototype sur papier. Édition de 1200 exemplaires. Ed. Cahiers d'Art. Paris, 1948. Daté sur la plaque. Dimensions : 40 x 28 cm ; 54,5 x 42,5 cm (cadre). Picasso s'installe en septembre 1939 dans la ville de Royan, ville française située dans le département de la Charente-Maritime et dans la région Nouvelle Aquitaine. Deux ans après avoir réalisé l'étonnant Guernica, et coïncidant avec le conflit de la Seconde Guerre mondiale, Picasso choisit la zone libre et profite de la présence de sa compagne, Marie-Thérèse, et de sa fille Maya, pour s'y réfugier. Il loue un atelier au troisième étage de la villa "Les Voiliers" et entreprend la réalisation d'un carnet de dessins entre le 30 mai et le 22 août 1940. Plus tard, Picasso y ajoutera des études de Paris réalisées en 1942. L'ensemble a été publié en fac-similé en 1948 par les éditions Cahiers d'Art, dans une reliure en toile. Picasso commence ses études artistiques à Barcelone, à l'École provinciale des beaux-arts (1895). Deux ans plus tard, en 1897, Picasso présente sa première exposition individuelle au café "Els Quatre Gats". Paris devient le grand objectif de Pablo et, en 1900, il s'installe dans la capitale française pour une brève période. À son retour à Barcelone, il commence à travailler sur une série d'œuvres dans lesquelles on peut voir les influences de tous les artistes qu'il a connus ou dont il a vu les œuvres. C'est une éponge qui absorbe tout mais ne retient rien, il est à la recherche d'un style personnel. Entre 1901 et 1907, il développe les étapes bleue et rose, caractérisées par l'utilisation de ces couleurs et par des sujets aux figures sordides et isolées, aux gestes de douleur et de souffrance. La peinture de ces premières années du XXe siècle est en pleine mutation et Picasso ne peut rester à l'écart. Il s'intéresse à Cézanne et, sur la base de son exemple, développe avec son ami Braque une nouvelle formule picturale : le cubisme : Le cubisme. Mais Picasso ne s'arrête pas là et en 1912, il pratique le collage en peinture ; dès lors, tout est permis, l'imagination devient le maître de l'art. Picasso est le grand révolutionnaire et quand tous les peintres s'intéressent au cubisme, lui se préoccupe du classicisme d'Ingres. Le mouvement surréaliste de 1925 ne le prend pas au dépourvu et, bien qu'il n'y participe pas ouvertement, il sert d'élément de rupture avec le précédent, introduisant dans son œuvre des figures déformées avec une grande force et non exemptes de rage et de fureur. Comme pour Goya, Picasso a également été fortement influencé par sa situation personnelle et sociale à l'époque de son travail. Ses relations avec les femmes, souvent tumultueuses, affecteront sérieusement son œuvre. Mais ce qui a le plus marqué Picasso, c'est le déclenchement de la guerre civile espagnole et le bombardement de Guernica, qui ont conduit à la création de l'œuvre la plus célèbre de l'art contemporain. Paris a longtemps été son refuge, mais il a passé les dernières années de sa vie dans le sud de la France, travaillant dans un style très personnel, avec des couleurs vives et des formes étranges. Picasso est représenté dans les plus grands musées du monde, tels que le Metropolitan, le MOMA et le Guggenheim à New York, l'Ermitage à Saint-Pétersbourg, la National Gallery à Londres ou le Reina Sofia à Madrid.

Estim. 700 - 750 EUR

Lot 98 - PABLO RUIZ PICASSO (Malaga, 1881 - Mougins, France, 1973). "Femme assise". Phototype sur papier. Édition de 1200 exemplaires. Ed. Cahiers d'Art. Paris, 1948. Daté, situé et inscrit sur la plaque. Dimensions : 40 x 28 cm ; 54,5 x 42,5 cm (cadre). Picasso s'installe en septembre 1939 à Royan, ville française située dans le département de la Charente-Maritime et dans la région Nouvelle-Aquitaine. Deux ans après avoir réalisé l'étonnant Guernica, et coïncidant avec le conflit de la Seconde Guerre mondiale, Picasso choisit la zone libre et profite de la présence de sa compagne, Marie-Thérèse, et de sa fille Maya, pour s'y réfugier. Il loue un atelier au troisième étage de la villa "Les Voiliers" et entreprend la réalisation d'un carnet de dessins entre le 30 mai et le 22 août 1940. Plus tard, Picasso y ajoutera des études de Paris réalisées en 1942. L'ensemble a été publié en fac-similé en 1948 par les éditions Cahiers d'Art, dans une reliure en toile. Picasso commence ses études artistiques à Barcelone, à l'École provinciale des beaux-arts (1895). Deux ans plus tard, en 1897, Picasso présente sa première exposition individuelle au café "Els Quatre Gats". Paris devient le grand objectif de Pablo et, en 1900, il s'installe dans la capitale française pour une brève période. À son retour à Barcelone, il commence à travailler sur une série d'œuvres dans lesquelles on peut voir les influences de tous les artistes qu'il a connus ou dont il a vu les œuvres. C'est une éponge qui absorbe tout mais ne retient rien, il est à la recherche d'un style personnel. Entre 1901 et 1907, il développe les étapes bleue et rose, caractérisées par l'utilisation de ces couleurs et par des sujets aux figures sordides et isolées, aux gestes de douleur et de souffrance. La peinture de ces premières années du XXe siècle est en pleine mutation et Picasso ne peut rester à l'écart. Il s'intéresse à Cézanne et, sur la base de son exemple, développe avec son ami Braque une nouvelle formule picturale : le cubisme : Le cubisme. Mais Picasso ne s'arrête pas là et en 1912, il pratique le collage en peinture ; dès lors, tout est permis, l'imagination devient le maître de l'art. Picasso est le grand révolutionnaire et quand tous les peintres s'intéressent au cubisme, lui se préoccupe du classicisme d'Ingres. Le mouvement surréaliste de 1925 ne le prend pas au dépourvu et, bien qu'il n'y participe pas ouvertement, il sert d'élément de rupture avec le précédent, introduisant dans son œuvre des figures déformées avec une grande force et non exemptes de rage et de fureur. Comme pour Goya, Picasso a également été fortement influencé par sa situation personnelle et sociale à l'époque de son travail. Ses relations avec les femmes, souvent tumultueuses, affecteront sérieusement son œuvre. Mais ce qui a le plus marqué Picasso, c'est le déclenchement de la guerre civile espagnole et le bombardement de Guernica, qui ont conduit à la création de l'œuvre la plus célèbre de l'art contemporain. Paris a longtemps été son refuge, mais il a passé les dernières années de sa vie dans le sud de la France, travaillant dans un style très personnel, avec des couleurs vives et des formes étranges. Picasso est représenté dans les plus grands musées du monde, tels que le Metropolitan, le MOMA et le Guggenheim à New York, l'Ermitage à Saint-Pétersbourg, la National Gallery à Londres ou le Reina Sofia à Madrid.

Estim. 700 - 750 EUR

Lot 99 - ANTONI CLAVÉ I SANMARTÍ (Barcelone, 1913 - Saint-Tropez, France, 2005). "Couple", Saint-Tropez 1977. Technique mixte et collage sur papier. Signé. Dimensions : 29 x 20 cm ; 37 x 28 cm (cadre). Antoni Clavé est l'une des figures les plus importantes de l'art contemporain espagnol. Formé à l'école des beaux-arts de San Jordi de Barcelone, Clavé se consacre dans un premier temps au graphisme publicitaire, à l'illustration et aux arts décoratifs. En 1936, il participe activement à la guerre civile, dans les rangs républicains, ce qui l'amène à s'exiler en France à la fin de la guerre. Cette même année 1939, il expose les dessins qu'il a réalisés sur les champs de bataille. Il s'installe à Paris, où il rencontre Vuillard, Bonnard et Picasso. Il jouit déjà d'un grand prestige international au moment où il commence à être reconnu en Espagne, après son exposition à la galerie Gaspar de Barcelone en 1956. À la même époque, il réalise des illustrations pour l'œuvre "Gargantua et Pantagruel", ce qui l'amène à se familiariser avec l'iconographie médiévale. C'est au cours de cette même décennie des années cinquante qu'il commence à travailler intensément dans le monde du ballet et du théâtre, atteignant une grande renommée dans le monde de la scénographie internationale. En 1952, il réalise les décors du film "Hans Christian Andersen", de Charles Vidor, et est nommé aux Oscars. En 1954, il abandonne la scénographie pour se consacrer à la peinture. Il est récompensé au Hallimark de New York en 1948, à la Biennale de Venise en 1954 et à la Biennale internationale de Tokyo en 1957. En 1984, l'État espagnol a reconnu sa valeur artistique en exposant plus d'une centaine de ses œuvres dans le pavillon espagnol de la Biennale de Venise. La même année, il reçoit la médaille d'or de la Generalitat de Catalunya. L'œuvre de Clavé se trouve, entre autres, au musée des beaux-arts de Bilbao, à la Tate Gallery, au musée d'art moderne de Paris, au British Museum de Londres, au musée d'art moderne de Tokyo et au musée Reina Sofía de Madrid.

Estim. 1 000 - 1 200 EUR

Lot 100 - SALVADOR DALÍ I DOMÈNECH (Figueres, Gérone, 1904 - 1989). Sans titre, 1969. Encre sur une page du livre "Conversations avec Dalí". Signé et daté. Accompagné du livre d'où a été extrait le dessin en adjudication. Dimensions : 20 x 13 cm ; 50 x 41 (cadre). Dans ses jeunes années, Dalí découvre la peinture contemporaine lors d'une visite familiale à Cadaqués, où il rencontre la famille de Ramon Pichot, un artiste qui se rendait régulièrement à Paris. Sur les conseils de Pichot, Dalí commence à étudier la peinture avec Juan Núñez. En 1922, Dalí s'installe à la célèbre Residencia de Estudiantes de Madrid pour commencer à étudier les beaux-arts à l'Académie San Fernando. Cependant, avant ses examens finaux en 1926, il est renvoyé pour avoir prétendu qu'il n'y avait personne en mesure de l'examiner. La même année, Dalí se rend pour la première fois à Paris. Il y rencontre Picasso et établit certaines caractéristiques formelles qui deviendront distinctives de toute son œuvre à partir de ce moment-là. Son langage absorbe les influences de nombreux styles artistiques, de l'académisme classique à l'avant-garde la plus novatrice. À cette époque, le peintre se laisse pousser une moustache qui attire l'attention, imitant celle de Vélasquez, et qui deviendra sa marque personnelle pour le reste de sa vie. En 1929, Dalí collabore avec Luis Buñuel à la réalisation d'"Un chien andalou", qui présente des scènes de l'imaginaire surréaliste. En août de la même année, il rencontre sa muse et future épouse Gala. Pendant cette période, Dalí expose régulièrement à Barcelone et à Paris, et rejoint le groupe surréaliste basé dans le quartier parisien de Montparnasse. Son travail influence grandement l'orientation du surréalisme pour les deux années suivantes, et il est salué comme le créateur de la méthode paranoïaque-critique, qui aiderait à accéder au subconscient en libérant des énergies artistiques créatives. Le peintre débarque en Amérique en 1934, grâce au marchand d'art Julian Levy. Sa première exposition individuelle à New York consolide définitivement sa projection internationale. Dès lors, il expose ses œuvres et donne des conférences dans le monde entier. La majeure partie de sa production est rassemblée au Théâtre-musée Dalí de Figueras, puis dans les collections du Salvador Dalí Museum de St. Petersburg (Floride), du Reina Sofía de Madrid, de la Salvador Dalí Gallery de Pacific Palisades (Californie), de l'Espace Dalí de Montmartre (Paris) ou du Dalí Universe de Londres.

Estim. 2 000 - 2 400 EUR

Lot 101 - ANTONI TÀPIES PUIG (Barcelone, 1923 - 2012). "Informel", 1987. Aquatinte et carborundum dans diverses encres (trois gris, noir, beige et blanc), exemplaire 62/99. Signé et daté à la main. Dimensions : 81 x 70 cm. Symbolisme graphique, tache et texture s'allient dans cette phase d'introspection extrême de Tàpies (années 80), qui se traduit plastiquement par la conception de la surface picturale comme un tout, comme un champ ouvert, sans limites ni hiérarchie. Cofondateur de "Dau al Set" en 1948, Tàpies commence à exposer dans les Salones de Octubre à Barcelone, ainsi qu'au Salón de los Once à Madrid en 1949. Après sa première exposition personnelle aux galeries Layetanas, il se rend à Paris en 1950, grâce à une bourse de l'Institut français. En 1953, il expose en solo à la galerie new-yorkaise de Martha Jackson. Dès lors, ses expositions, tant collectives qu'individuelles, sont organisées dans le monde entier, dans des galeries et des musées prestigieux tels que le Guggenheim de New York ou le Musée d'art moderne de Paris. Depuis les années 70, des anthologies lui ont été consacrées à Tokyo, New York, Rome, Amsterdam, Madrid, Venise, Milan, Vienne et Bruxelles. Autodidacte, Tàpies a créé son propre style au sein de l'art d'avant-garde du XXe siècle, alliant tradition et innovation dans un style abstrait mais plein de symbolisme, accordant une grande importance au substrat matériel de l'œuvre. Il convient de mentionner le sens spirituel marqué que l'artiste donne à son œuvre, où le support matériel transcende son état pour signifier une analyse profonde de la condition humaine. L'œuvre de Tàpies a été très appréciée au niveau international et a été exposée dans les musées les plus prestigieux du monde. Tout au long de sa carrière, il a reçu de nombreux prix et distinctions, dont le Praemium Imperiale du Japon, le Prix national de la culture, le Grand Prix de peinture en France, la Wolf Foundation of the Arts (1981), la Médaille d'or de la Generalitat de Catalunya (1983), le Prix du Prince des Asturies pour les arts (1990), la Médaille Picasso de l'Unesco (1993) et le Prix Velázquez pour les arts plastiques (2003). Antoni Tàpies est représenté dans les plus grands musées du monde, comme la fondation qui porte son nom à Barcelone, le Reina Sofía à Madrid, le Guggenheim à Berlin, Bilbao et New York, le Fukoka Art Museum au Japon, le MoMA à New York et la Tate Gallery à Londres.

Estim. 2 800 - 3 000 EUR
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